클래식 음악

Classical music
이 기사는 중세부터 현재까지의 서양 미술 음악에 관한 것입니다.기타 용도는 클래식 음악(동음이의)을 참조하십시오.
빈에서 2006년 모차르트의 해를 맞아 공연하는 현악 4중주단

클래식 음악은 일반적으로 서양의 민속 음악이나 대중 음악 전통과는 다른 것으로 여겨지는 서양의 공식적인 음악 전통을 가리킨다."클래식 음악"이라는 용어는 비슷한 형식적 특성을 보이는 비서구 전통을 가리키기 때문에 그것은 때때로 서양 고전 음악으로 구별된다.형식적인 것 외에도, 클래식 음악은 종종 음악 형태와 조화로운 [1]구성으로 특징지어지는데, 특히 [2]다성음악의 사용으로 특징지어진다.적어도 9세기 이후, 그것은 주로 분석적, 비판적, 역사적, 음악학적, 철학적 실천에 부수되는 문헌뿐만 아니라 정교한 표기 체계를 만들어 내는 서면 [2]전통이었다.서양 문화의 근본적인 요소인 클래식 음악은 작곡, 성격, 신념이 근본적으로 역사를 형성한 개인이나 작곡가의 관점에서 자주 나타난다.

서유럽의 [1]교회와 궁정의 후원에 뿌리를 둔 초기 중세 음악은 주로 종교적이고, 단성적이며, 고대 그리스와 로마의 음악이 생각과 이론에 영향을 미쳤다.현존하는 가장 오래된 음악 원고는 서양의 평원이 그레고리오 [4]성가라고 불리는 것으로 점차 통일된 무렵인 카롤링거 제국 (800–888)[3]의 것이다.음악의 중심지는 세인트 갈 수도원, 세인트 마르티알 수도원, 그리고 세인트 에메람 수도원에 존재했고, 11세기에는 지팡이 기법의 발전과 중세 음악 이론가들의 생산량이 증가했습니다.12세기 중반까지 프랑스는 유럽의 주요 음악 [3]중심지가 되었다: 종교인 노트르담 학교는 처음에는 조직적인 리듬과 다성음악을 완전히 탐구한 반면, 세속적인 음악은 시인과 음악가의 [5]귀족들이 이끄는 음탕한 전통과 함께 번성했다.이는 법원이 프랑스 아르스노바와 이탈리아 트레센토를 후원하면서 극도의 리듬적 [5]다양성의 양식적 움직임인 아르스 서브틸리오르로 진화했다.15세기 초, 영향력 있는 프랑코-플랑드르 학파의 르네상스 작곡가들은 성스러운 음악을 새로운 기준, 특히 [6]미사와 모텟으로 가져오면서 영어의 조화 원리를 만들었다.북이탈리아는 곧 중앙 음악 지역으로 부상했고, 로마 학파는 짧은 영어 마디갈 학파에 영감을 [6]준 마디갈과 같은 장르에서 매우 정교한 다성음악 방법을 사용했다.

바로크 시대 (1580–1750)는 상당한 크기의 앙상블로 성장한 악기의 중요성뿐만 아니라 일반적인 음조의 [7]상대적 표준화를 보았다.이탈리아는 오페라, 솔리스트 중심의 협주곡 장르, 조직적인 소나타 형식, 오라토리오와 칸타타라는 대규모 성악 중심의 장르로 여전히 우세한 위치를 유지하고 있다.요한 세바스티안 바흐가 옹호한 푸가 기법은 복잡성에 대한 바로크 성향을 예시했고, 그 반작용으로 단순하고 노래 같은 갤런트 음악과 empfindsamkeit 스타일이 발전했다.짧지만 중추적인 클래식 시대에 볼프강 아마데우스 모차르트, 요제프 하이든, 루트비히 판 베토벤과 같은 작곡가들은 교향곡, 현악 사중주곡, 협주곡을 포함하여 널리 존경 받는 절대 음악의 [8][9]대표자들을 만들었다.그 이후의 낭만주의 음악 (1800–1910)은 대신 프로그래밍 음악에 초점을 맞췄는데, 이 음악에는 예술 노래, 교향시, 그리고 다양한 피아노 장르가 중요한 함정이었다.이 기간 동안, 리하르트 바그너의 오페라에 융합된 모든 측면인 철학과 민족주의가 내재되어 있는 동안, 기교가 장려되었다.20세기 무렵에는 대중음악의 중요성이 크게 높아지면서 문체 통일은 점차 소멸되었다.많은 작곡가들이 모더니즘의 관점에서 과거의 기법과 장르를 적극적으로 피했고, 일부는 연속주의 대신 음조를 포기했고, 다른 사람들은 포크 멜로디나 인상파 감정에서 새로운 영감을 찾았다.제2차 세계 대전 이후, 처음으로 관객들은 현대 작품보다 오래된 음악을 더 중요하게 여겼는데, 이는 상업적인 [10]음반의 출현과 광범위한 가용성에 의해 받아들여졌다.20세기 중반부터 오늘날까지의 경향은 새로운 단순성, 새로운 복잡성, 미니멀리즘, 스펙트럼 음악, 그리고 보다 최근의 포스트모던 음악과 포스트 미니멀리즘을 포함한다.점점 더 글로벌해지고 있는 가운데, 미국, 아프리카, 아시아의 실무자들이 중요한 [3]역할을 하고 있으며, 심포니 오케스트라와 오페라 하우스는 현재 전 세계에 등장하고 있다.

용어와 정의

이데올로기원

1904년 베토벤-하이든-모차르트 기념곡의 하이든, 모차르트, 베토벤.이 세 사람 모두 종종 제1빈파의 일부로 간주되며 "클래식"이라고 불리는 최초의 작곡가 중 한 명으로 여겨진다.

영어 용어 "classical"과 독일어에 해당하는 klassik은 모두 프랑스어의 classique에서 발전했는데, 그 자체가 고대 로마 시민들의 [11][n 1]최고 계층을 지칭하는 라틴어 classicus에서 유래했다.로마의 용법에서, 이 용어는 나중에 존경받는 [11]문인들을 구별하는 수단이 되었다; 로마의 작가 아울루스 겔리우스는 데모스테네스와 비르길과 같은 [13]작가들을 고전주의자로 칭찬했다.르네상스에 이르러, 이 형용사는 보다 일반적인 의미를 얻었다: Randle Cotgrave의 1611년 "프랑스어와 영어 언어 사전"에 "클래식, 포멀, 오더리, 적성 또는 적성"으로 번역되는 현존하는 가장 초기의 정의들 중 하나이다.[11][14]음악학자 다니엘 하츠는 이것을 1) "공식 규율"과 2) "우수 모델"[11]의 두 가지 정의로 요약합니다.겔리우스처럼, 라틴어로 쓴 후기 르네상스 학자들은 고전적인 [12][n 2]고대 작가들을 언급하며 고전적인 것을 사용했다; 그러나, 이 의미는 점차적으로 발전했고, 한동안 형식과 [15]탁월함이라는 더 넓은 고전적인 이상에 종속되었다.문학과 시각 예술은, 상당한 고대 그리스와 로마의 예가 존재했던, 결국 고전적인 고대에 관련된 "고전"이라는 용어를 채택했지만, 사실상 그 시대의 음악들은 고전 음악과 그리스-로마 [15][n 3]세계 사이의 관계를 제한하면서, 르네상스 시대의 음악가들이 이용할 수 있는 것이 없었다.

'[15]고전'이라는 용어가 "퍼포먼스의 특정한 규범을 처음으로 나타내기 시작했다"는 것은 18세기 영국에서였다.런던은 다른 유럽 도시들과 비교할 [11]수 없을 정도로 유명한 대중 콘서트 음악계를 발전시켰다.영연방의 해체와 영광스러운 혁명이 궁중 [11][n 4]음악가들에게 행해진 불안정으로 인해 왕실은 점차 음악 독점을 상실했다.1672년 전 궁정음악가인 존 배니스터는 런던의 한 [n 5]술집에서 대중음악회를 열기 시작했다. 그의 인기는 런던의 [19]대중음악회의 명성을 빠르게 열었다."클래식" 또는 "고대 음악"의 개념이 대두되었는데, 이는 여전히 형식과 탁월성의 원칙에 기초하고 있으며, 하츠에 따르면 "이 새로운 음악적 [15]취향의 구조에서 의미 있는 시민의식, 종교 및 도덕적 행동주의"이다.그러한 음악의 연주는 고대 음악 아카데미에 의해, 그리고 후에 앤티언트 음악 콘서트에서 특화되었고, 그곳에서 엄선된 16번째와 17번째 작곡가들, 특히 조지 프리데릭 [15][n 6]헨델의 작품이 [20]특징이었다.프랑스에서, r.루이 14세 (1638–1715)의 치세는 문화적 르네상스를 보였고, 그 말기에 몰리에르, 장 드 라 퐁탱, 장 라신과 같은 작가들은 고전 [21]고대의 업적을 능가하는 것으로 간주되었다.장 밥티스트 룰리(그리고 나중에 크리스토프 윌리발 글룩)의 음악이 "로페라 프랑세즈 클래시크"[21]로 불린 것과 같이 그들은 "클래식"으로 특징지어졌다.유럽 대륙의 나머지 지역에서는 "고전적"을 그리스-로마 세계와 유사한 것으로 정의하는 것을 포기하는 것이 더 느렸는데, 이는 주로 정규 레퍼토리의 형성이 최소한이거나 상류층에 [15]독점적이기 때문이다.

19세기 초의 많은 유럽 평론가들은 고전음악의 정의에서 새로운 통일을 발견했다: 나이 든 작곡가 볼프강 아마데우스 모차르트, 요제프 하이든, 그리고 (그의 후기 작품들 중 일부를 제외하고) 루드비히 판 베토벤을 새롭게 떠오르는 낭만주의 [22][23][24]음악 스타일에 대해 "고전적"으로 나란히 배치하는 것이다.특히 이 세 작곡가는 빈에서 태어난 사람이 아무도 없고 하이든과 모차르트가 도시에서 [25]보낸 시간이 최소라는 이유로 문제가 되는 제1빈 학파로 분류되었다.[n 7]이것은 종종 표현되는 특징이었지만, 엄밀한 것은 아니었다.1879년 작곡가 찰스 켄징턴 살라만은 다음과 같은 작곡가를 고전으로 정의했다.바흐, 헨델, 하이든, 모차르트, 베토벤, 베버, 스포르, 멘델스존.[26]좀 더 넓게는, 몇몇 작가들은 다양한 작곡가들, 특히 [11][n 8]확립된 장르에서 많은 작품을 만든 작곡가들의 존경받는 결과물을 칭찬하기 위해 "고전"이라는 용어를 사용했다.

현대적 이해

클래식 음악이라는 용어의 현대적 이해는 여전히 모호하고 [31][32]다면적이다."예술 음악", "카노닉 음악", "교양된 음악", "진지한 음악"과 같은 다른 용어들은 대부분 [33]동의어이다."클래식 음악"이라는 용어는 종종 서양 [34]세계에만 관련된 것으로 나타나거나 암시되며, 반대로 많은 학술 역사에서 "서양 음악"이라는 용어는 비클래식 서양 [35][n 9]음악을 제외합니다.또 하나의 복잡성은 서양 이외의 예술음악과 마찬가지로 지속적이고 복잡한 특징을 나타내는 음악으로 인도 고전음악(카르나틱과 힌두스타니 음악), 가믈란 음악, 중국 궁정의 다양한 스타일(예:[1] 야요 참조)을 들 수 있다.그래서 20세기 후반에는 "서양 클래식 음악"과 "서양 예술 음악"과 같은 용어가 [34]이것을 다루기 위해 사용되었다.음악학자 랄프 P. 로크는 두 용어 모두 "비서양 [37][n 10]문화권에서 온 서양 예술 음악 장르의 특정 실무자"를 고려할 때 "흥미로운 복잡성"을 일으키기 때문에 이상적이지 않다고 지적한다.

음악 형식의 복잡성과 조화로운 구성이 클래식 [1]음악의 전형적인 특징이다.옥스퍼드 영어사전(OED)은 음악과 관련된 "[27]클래식"이라는 세 가지 정의를 제공합니다.

  1. "인정된 우수성"
  2. 대중음악 또는 포크음악과 구별되는 형식적인 음악 전통에 관한, 또는 형식적인 음악 전통에 특징적인
  3. 특히 18세기 후반과 19세기 초의 정식 유럽음악 또는 그에 관한 것으로 하모니, 균형, 확립된 작곡형태에 대한 집착으로 특징지어진다.

마지막 정의는 18세기 후반부터 19세기 [38]초까지의 유럽 음악의 특정한 양식적 시대인, 현재 고전 시대로 불리는 것에 관한 것이다.

역사

상세 정보:음악의 역사, 시대별 클래식 작곡가 목록, 클래식 시대의 날짜
이력
서양 고전 음악
초기 음악
중세c. 500 ~ 1400
• Ars Antiqueac. 1170 – c. 1310
• Ars novac. 1310 – c. 1377
• ARS 서브틸리어c. 1360 – c. 1420
르네상스c. 1400 – c.1600
• 바로크로의 이행
공통실천기간
바로크 양식의c. 1580 – c. 1750
• 갤런트 음악c. 1720 – c. 1770
• Empind Samkeitc. 1740 – c. 1780
고전적인c. 1750 – 1820년
• 만하임 학교c. 1740 – c. 1780
• Sturm und Drang c. 1770
• 로맨틱으로의 이행
낭만적인c. 1800년 – 1910년 경
19세기 후반, 20세기 후반, 21세기 후반
모더니즘c. 1890년 – 1975년
• 인상주의c. 1890년 ~ 1930년
• 표현주의c. 1900년 ~ 1930년
• 신고전주의c. 1920년 ~ 1950년 경
• 시리얼리즘c. 1920년 - 1975년
컨템포러리1950년부터
• 미니멀리즘1960년부터
• 포스트모더니즘1960년대부터
• 포스트 미니멀리즘1980년부터

뿌리.

상세 정보:고대 음악, 고대 그리스의 음악, 고대 로마의 음악

서양의 고전적 전통은 공식적으로 초기 기독교 [39]교회가 창조한 음악과 함께 시작된다.초기 교회는 고대 그리스와 로마의 지배적인 음악과 관계를 끊기를 원했을 가능성이 높다. 왜냐하면 그것은 그들이 박해하고 [39]박해받았던 이교도 종교를 상기시키기 때문이다.이와 같이, 기독교 교회의 음악, 따라서 서양의 고전 음악 전체가 이전의 고대 [40]음악에 의해 어느 정도 영향을 받았는지는 여전히 불분명하다.음악에 대한 일반적인 태도는 고대 그리스와 로마의 음악 이론가들과 [41][n 11]해설가들에 의해 채택되었다; 그리스 로마 사회에서와 같이, 음악은 교육의 중심지로 여겨졌고, 3중학교와 함께,[43] 중세의 표준 교양 교육을 구성하는 4중학교에 포함되었다.음악에 대한 이러한 높은 존경은 중세 음악 [46]사상의 발달에 있어서 피타고라스, 아리스토텔레스, 플라톤으로부터 음악의 관점에 대한 전달과 확장이 결정적이었던 [44]학자들 카시오도루스, 세비야의 이시도레, 그리고 특히 [45]보이티우스에 의해 처음 장려되었다.하지만, 학자, 중세 음악 이론가, 작곡가들은 그리스와 로마의 [47]전임자들의 글을 정기적으로 잘못 해석하거나 오해했다.세비야의 [47][n 12]이시도르 (559–c.636)가 수세기 전에 [48]고대 그리스의 체계적인 통념 관행을 알지 못한 채 "소리는 사람에 의해 기억되지 않으면, 그것은 소멸된다"고 말할 정도로, 중세 음악가들이 이용할 수 있는 그리스-로마 음악 작품들이 완전히 없었기 때문이다.그러나 음악학자 구스타브 리스는 중세 음악가들이 그들의 작품을 정기적으로 읽었기 때문에 많은 그리스-로마 텍스트들이 여전히 서양 고전 음악에 영향을 미친 것으로 여겨질 수 있다고 지적한다.[47]

하지만, 고대 [49]세계로부터 의심할 여지가 없는 음악적인 연속들이 있다.모노포니, 즉흥 연주, 음악적 배경에서의 텍스트의 지배와 같은 기본적인 측면은 거의 모든 고대 [50]문명의 음악에서 중세 초기 모두에서 두드러집니다.특히 그리스의 영향에는 교회 양식(아리스토세누스와 피타고라스의 [51]발전의 후예), 피타고라스의 [40]조율에 의한 기본적인 음향 이론, 그리고 테트라코드의 [52]중심 기능이 포함됩니다.아울로스 (갈대 악기)와 리레 (작은 하프와 비슷한 현악기)와 같은 고대 그리스 악기들은 결국 현대 교향악단의 [53]몇몇 악기들로 이어졌다.하지만, Donald Jay Grout은 고대 음악에서 중세 초로의 직접적인 진화적 연결고리를 만들려고 시도하는 것은 사실무근이라고 지적합니다. 왜냐하면 그것은 공연이나 [54]연습이 아니라 거의 그리스-로마 음악 이론의 영향을 받았기 때문입니다.

초기 음악

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중세

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비엘레를 연주하는 음악가(14세기 중세 대본)

중세 음악에는 476년에 서로마제국이 멸망한 이후부터 약 1400년까지의 서유럽 음악이 포함됩니다.플레인송 또는 그레고리오 성가라고도 불리는 단성 구호는 약 [55]1100년까지 지배적인 형태였다.기독교 승려들은 교회 [56][57]전체의 예식을 표준화하기 위해 유럽 음악 기법의 첫 번째 형태를 개발했다.폴리포닉(다성) 음악은 모테트의 보다 복잡한 목소리를 포함하여 중세 후기와 르네상스에 걸쳐 모노포닉 구호에서 발전했다.중세 초기 동안, 주로 그레고리오 성가인 전례 장르의 성악은 단성음이었고, 단성음이었고, 무반주 성악 [58]선율을 사용했다.여러 개의 독립적인 성악 선율을 사용한 다성 성악 장르가 중세 전성기에 발전하기 시작했고, 13세기 후반과 14세기 초반에 널리 퍼졌다.유명한 중세 작곡가들은 빙겐의 힐데가르드, 레오닌, 페로탱, 필리프 드 비트리, 기욤 드 마초, 프란체스코 란디니, 그리고 요하네스 시코니아를 포함합니다.

많은 중세 악기들이 여전히 존재하지만, 다른 형태로 존재한다.중세 악기에는 플루트, 리코더, 그리고 플루트와 같은 뽑힌 현악기가 있었다.또한, 오르간과 바이올린(또는 비엘)의 초기 버전도 존재했다.유럽에서 중세 악기는 가장 일반적으로 단독으로 사용되었고, 종종 무인기 음표와 함께 직접 사용되거나, 때로는 부품으로 사용되기도 했다.적어도 13세기부터 15세기까지 악기는 오트(haut, 큰 소리, 날카로운 소리, 야외 악기)와 베이스(조용하고 친밀한 악기)[59]로 구분되었다.많은 악기는 중세 이슬람 [60]세계에서 채택된 동양의 전신에 뿌리를 두고 있다.예를 들어, 아랍어 레밥은 리라, 레베크,[61][62] 바이올린을 포함한 모든 유럽 활 현악기의 조상이다.

주요 기사:르네상스 음악
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르네상스 시대는 1400년부터 1600년까지였다.그것은 악기 사용의 증가, 여러 멜로디 라인 상호 엮기, 첫 번째 베이스 악기의 사용으로 특징지어진다.소셜 댄스가 널리 보급되어 그에 따른 춤에 적합한 음악 형태가 표준화되기 시작했다.지팡이에 달린 음악의 기보법과 다른 음악적 기보법 [63]요소들이 형태를 갖추기 시작한 것은 이 시기부터이다.이 발명은 악곡의 구성을 전송으로부터 분리하는 것을 가능하게 했습니다.작성된 악곡이 없으면 전송은 구두로 이루어졌으며 전송될 때마다 변경될 수 있습니다.악보가 있으면 작곡가가 없어도 [64]연주할 수 있다.15세기 가동 활자 인쇄기의 발명은 음악의 [65]보존과 전달에 지대한 영향을 끼쳤다.

오케헴의 미사에체 안킬라 도미니의 키리에가 등장하는 치기 코덱스의 조명 오프닝

많은 악기들은 르네상스 시대에 유래되었다; 다른 악기들은 이전에 존재했던 악기들의 변형 혹은 개량이었다.몇몇은 오늘날까지 살아남았고, 다른 것들은 사라졌지만, 단지 시대 악기로 음악을 연주하기 위해 다시 만들어졌다.현대와 마찬가지로 악기는 금관악기, 현악기, 타악기, 목관악기로 분류될 수 있다.르네상스 시대의 금관악기는 전통적으로 길드의 회원이었던 전문가들에 의해 연주되었고, 그들은 슬라이드 트럼펫, 나무 코넷, 무반전 트럼펫과 자루버트를 포함했다.현악기는 비올, 레베크, 하프 같은 리라, 허디거디, 루트, 기타, 시트르, 반도라, 오르파리온을 포함했다.현이 달린 건반 악기로는 하프시코드와 클라비코드가 있었다.타악기는 삼각형, 유대인의 하프, 탬버린, 종소리, 럼블 포트, 그리고 다양한 종류의 드럼을 포함한다.목관악기에는 오보에족의 초기 멤버인 쌍유리 숄, 갈대파이프, 백파이프, 가로피리, 리코더, 둘시안, 크럼호른 등이 있었다.단순한 파이프 오르간은 존재했지만, 휴대할 수 있는 [66]종류가 있었지만 주로 교회에만 국한되었다.인쇄를 통해 계측기의 설명과 사양 [67]및 사용 지침을 표준화할 수 있었습니다.

르네상스 시대의 성악은 점점 더 정교한 다가음 스타일의 번영으로 유명하다.르네상스 기간 내내 지속된 주요 예배 형식은 미사나 모테트였고, 특히 성스러운 음악의 작곡가들이 그들 자신의 디자인을 위해 세속적인 형식을 채택하기 시작하면서, 종말을 향해 몇몇 다른 발전들이 있었다.그 기간이 끝날 무렵, 모노디, 마드리갈 코미디, 인터미디오와 같은 오페라의 초기 극적 전조들이 보인다.1597년경 이탈리아 작곡가 자코포 페리는 오늘날 오페라로 불린 최초의 작품인 다프네를 작곡했다.그는 또한 오늘날까지 살아남은 최초의 오페라인 에우리디케를 작곡했다.

르네상스 시대의 유명한 작곡가들은 조스킨 데 프레즈, 조반니 피에를루이지 다 팔레스트리나, 존 던스타플, 요하네스 오케헴, 오를란데 데 라수스, 기욤 뒤 페이, 길레스 빈초이스, 토마스 탈리스, 윌리엄 버드, 조반니 가브리엘, 카를로 도울레스, 카를로 도울레스, 존 던스타플을 포함한다.

공통 연습 기간

통상적인 실천기간은 통상적인 실천강조성이 [citation needed]형성되고 해체되는 시기로 정의된다.이 용어는 보통 바로크, 고전, 낭만주의 시대를 아우르며 약 2.5세기에 걸쳐 있다.

바로크 양식의

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바로크 양식의 악기로, 허디거디, 하프시코드, 베이스 비올, 루트, 바이올린, 바로크 기타를 포함한다.

바로크 음악은 복잡한 음색 대조를 사용하고 연속 베이스라인인 바소 콘티뉴를 사용하는 것이 특징이다.음악은 이전의 모든 단순한 [68]노래들에 비해 더 복잡해졌다.소나타 형식의 시작은 칸조나에서 형성되었고, 주제와 변주곡에 대한 보다 정형화된 개념이 형성되었다.음악의 불협화음과 색채주의를 관리하는 수단으로서의 장조와 단조의 음색이 [69]완성되었다.

바로크 시대에는 하프시코드와 파이프 오르간으로 연주되는 키보드 음악이 점차 인기를 끌었고 바이올린 계열의 현악기는 오늘날 일반적으로 볼 수 있는 형태를 취했다.무대 뮤지컬로서의 오페라는 초기의 뮤지컬과 극적인 형태와 구별되기 시작했고 칸타타나 오라토리오와 같은 성악 형태가 [70]더 흔해졌다.보컬리스트들이 처음으로 음악에 [68]음을 더하기 시작했다.

균등한 기질을 둘러싼 이론들은 특히 조율하기 어려운 건반악기에서 더 넓은 범위의 색채의 가능성을 가능하게 하면서 더 널리 적용되기 시작했다.비록 J.S. 바흐가 동등한 기질을 사용하지 않았지만, 현대 피아노는 일반적으로 조율되고 있기 때문에, 그 당시에 보편적으로 사용되었던 평균음 체계에서 모든 건반 사이의 변조를 음악적으로 받아들일 수 있게 만든 다양한 기질들로, 그의 온화한 클라비어(Well-Meature Clavier)[71]가 가능해졌다.

바로크 시대의 악기는 초기 시대의 몇몇 악기들과 많은 새로운 악기들(예: 오보에, 바순, 첼로, 콘트라베이스, 그리고 포르테피아노)을 포함했다.숄, 시터, 라켓, 나무 코넷과 같은 이전 시대의 악기들은 사용되지 않게 되었다.바로크 현악기의 핵심 악기는 바이올린, 비올라, 비올라, 첼로, 콘트라베이스, 루트, 이론보, 만돌린, 바로크 기타, 하프, 그리고 허디거디를 포함했다.목관악기에는 바로크 플루트, 바로크 오보에, 리코더, 바순이 포함되어 있었다.금관악기에는 코넷, 천연 호른, 천연 트럼펫, 뱀, 트롬본 등이 있었다.건반 악기는 클라비코드, 접선 피아노, 하프시코드, 파이프 오르간, 그리고 그 후기에 포르테피아노를 포함했다.타악기에는 팀파니, 스네어 드럼, 탬버린, 캐스터네츠 등이 있었다.

바로크 음악과 그에 이은 클래식 시대의 한 가지 큰 차이점은 바로크 앙상블에 사용된 악기의 종류가 훨씬 덜 표준화되었다는 것이다.A바로크 앙상블 한 건반 악기의(예:파이프 오르간이나 harpsichord)[72]몇몇의 다른 유형이 포함될 수 있는 추가와 화음의 악기(예를 들어, 에 봉니를 바르다), 머리를 숙였다 실, woodwinds, 금관 악기, 배스와 악기 명시되지 않은 숫자의 그 basso continuo,(예:첼로, 콘트라베이스, 비올라, 바순을 공연했다.,servent 등).

바로크 시대의 성악 발전에는 오페라 세리아와 오페라 코미크 같은 오페라 유형과 오라토리오와 [73][74]칸타타 같은 관련 형식이 포함되었다.

이 시대의 중요한 작곡가들은 요한 세바스찬 바흐, 안토니오 비발디, 조지 프리데릭 헨델, 헨리 푸르셀, 클라우디오 몬테베르디, 바바라 스트로찌, 도메니코 스카를라티, 게오르크 필립 텔레만, 아르칸젤로 코렐리, 알레산드로 스카를라티, 장필립바메를 포함한다.

고전적인

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토마스 하디가 그린 조셉 하이든(1732년–1809년)

클래식 음악이라는 용어는 중세부터 2000년대까지 서양의 모든 예술 음악을 포함하지만, 클래식 시대는 볼프강 아마데우스 모차르트, 요제프 하이든, 그리고 루드비히 판 베토벤의 시대인 1750년대부터 1820년대 초반까지의 서양 미술 음악의 시기였다.

클래식 시대는 작곡, 발표, 그리고 스타일의 많은 규범을 확립했고 피아노가 지배적인 건반 악기가 된 시기이기도 했다.오케스트라에 필요한 기본적인 힘은 어느 정도 표준화 되었다.실내악은 세레나데를 위해 810명의 연주자가 있는 앙상블을 포함하게 되었다.오페라는 이탈리아, 프랑스, 독일어 사용 지역의 지역 스타일로 발전을 거듭했다.희극 오페라의 한 형태인 오페라 뷔파는 인기가 올랐다.교향곡은 음악적인 형태로 만들어졌고, 협주곡은 명연주 실력을 발휘하는 수단으로 발전했다.오케스트라는 더 이상 하프시코드를 필요로 하지 않았고 종종 리드 바이올리니스트 (현재 콘서트 마스터라고 [75]불리고 있는)에 의해 지휘되었다.

클래식 시대의 음악가들은 첼로, 콘트라베이스, 리코더, 트롬본, 팀파니, 포르테피아노 (현대 피아노의 전신) 그리고 오르간과 같은 바로크 시대의 많은 악기들을 계속해서 사용했다.몇몇 바로크 악기들이 사용되지 않게 된 반면, 많은 바로크 악기들은 바로크 바이올린, 오보에가 된 바로크 트럼펫과 같은 오늘날에도 여전히 사용되는 버전으로 바뀌었다.클래식 시대에는 오케스트라와 현악 4중주 등 실내악기에 사용되는 현악기가 오케스트라의 현악 부분을 구성하는 네 가지 악기인 바이올린, 비올라, 첼로, 더블베이스로 표준화됐다.바로크 시대의 현악기인 안달난 비올과 같은 현악기는 점차 폐지되었다.목관악기에는 베이스 클라리넷, 바셋 호른, 클라리넷 다무르, 클래식 클라리넷, 샬루모, 플루트, 오보에, 바순이 포함되어 있었다.건반 악기로는 클라비코드와 포르테피아노가 있었다.하프시코드는 1750년대와 1760년대에도 바소 콘티뉴오 반주에 사용되었지만, 세기 말에 사용되지 않게 되었다.금관악기에는 벅신, 오피클라이드(관음의 전신인 베이스 뱀의 대체품)와 천연 호른이 있었다.

관악기는 클래식 시대에 더욱 정교해졌다.오보에와 바순과 같은 이중 리드 악기는 바로크에서 어느 정도 표준화되었지만, 단일 갈대의 클라리넷 계열은 모차르트가 관현악, 실내악, 협주곡 [76]설정에서의 역할을 확장하기 전까지는 널리 사용되지 않았다.

이 시기의 주요 작곡가들은 볼프강 아마데우스 모차르트, 루드비히 반 베토벤, 요제프 하이든, 크리스토프 윌리발드 글룩, 요한 크리스티안 바흐, 루이지 보케리니, 칼 필립 에마누엘 바흐, 무지오 클레멘티, 안토니오 살리에리, 그리고 요한 네포무크 훔멜을 포함한다.

낭만적인

주요 기사: 로맨틱 음악
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요제프 단하우저가 1840년 그린 피아노의 프란츠 리스트 그림으로 알렉상드르 뒤마, 헥터 베를리오즈, 조지 샌드, 니콜로 파가니, 지오아치노 로시니, 마리 다굴트, 루드비히 반 베토벤 흉상.

대략 19세기 첫 10년에서 20세기 초까지 낭만주의 시대의 음악은 다른 예술 형태에서 낭만주의와 병행하면서 확장된 멜로디 라인에 대한 관심이 높아진 것이 특징이다.음악의 형태는 클래식 시대의 형식에서 벗어나기 시작했고, 야상, 공상, 서곡과 같은 자유로운 형식의 작품들이 쓰였으며, 주제의 설명과 개발에 대한 받아들여진 생각들이 무시되거나 [77]최소화되었다.음악은 더 색채적이고, 불협화음이며, 톤이 다채로워졌고, 주요 시그니처에 대한 (구형식의 받아들여진 규범에 대한)[78] 긴장감이 증가했다.예술곡(또는 거짓말)은 이 시대에 완성되었고, 그랜드 오페라의 서사시적 스케일이 그러했듯이 궁극적으로 리하르트 바그너의 반지 [79]주기에 의해 초월되었다.

19세기에 작곡가들과 음악가들이 귀족들로부터 독립적인 삶을 건설할 수 있게 되면서 음악 기관들은 부유한 후원자들의 통제에서 벗어났다.서유럽의 증가하는 중산층에 의한 음악에 대한 관심의 증가는 음악의 교육, 연주, 보존을 위한 조직의 설립을 촉진했다.이 시대에 현대 건축을 이룬 피아노는 (부분적으로는 야금학의 산업 발전으로) 중산층에게 널리 인기를 끌었고, 그들의 피아노에 대한 요구는 많은 피아노 제작자들을 자극했다.많은 교향악단이 창단된 시대로 [78]거슬러 올라간다.몇몇 음악가들과 작곡가들은 그 날의 스타들이었다; 프란츠 리스트와 니콜로 파가니니 같은 몇몇은 두 가지 역할을 모두 [80]수행했다.

유럽의 문화 사상과 제도들은 세계의 다른 지역으로의 식민지 확장을 따라가기 시작했다.에드바르 그리그, 니콜라이 림스키-코르사코프, 안토닌 드보르작과 같은 작곡가들이 그들의 [81]작곡에서 고국의 전통 음악을 메아리치면서, 특히 시대의 말기에 음악에서 민족주의가 대두되었다.

낭만주의 시대에는 보다 강력하고 지속적인 음색과 넓은 음역을 가진 현대 피아노가 보다 섬세하게 들리는 포르테피아노를 이어받았다.오케스트라에서는 기존의 클래식 악기와 섹션(현악기 섹션, 목관악기, 금관악기, 타악기 섹션)이 유지되었지만, 일반적으로 이러한 섹션은 더 크고 더 크고 더 크고 더 많은 소리를 내기 위해 확장되었다.예를 들어, 바로크 오케스트라가 더블 베이스 연주자를 두 명 뒀을 수도 있는 반면, 낭만주의 오케스트라는 10명까지 가질 수 있다."음악이 점점 표현력이 높아지면서, 표준 오케스트라 팔레트는 많은 낭만주의 [82]작곡가들에게 충분히 풍부하지 않았습니다."

특히 오케스트라에서 사용되는 악기 계열은 점점 더 커졌다; 이 과정은 20세기 초에 후기 낭만주의 작곡가들이 사용했던 매우 큰 오케스트라와 함께 절정에 달했다.다양한 타악기가 등장하기 시작했다.금관악기는 회전밸브의 도입으로 보다 다양한 음역을 연주할 수 있게 되었기 때문에 더 큰 역할을 담당했습니다.오케스트라의 규모는 (클래식 시대에 보통 40개 정도) [78]100개 이상으로 커졌다.예를 들어, 구스타프 말러의 1906년 교향곡 8번은 150명 이상의 악기 연주자와 400명 [83]이상의 합창단과 함께 연주되었다.콘트라바순, 베이스 클라리넷, 피콜로 같은 새로운 목관 악기들이 추가되었고 실로폰, 스네어 드럼, 첼레스타(종과 같은 건반 악기), 종, 삼각형,[82] 대형 관현악 하프, 심지어 음향 효과를 위한 관악기 등 새로운 타악기들이 추가되었다.색소폰은 19세기 후반부터 몇 가지 악보에서 나타나며, 보통 오케스트라의 필수적인 부분이라기 보다는 독주 악기로 특징지어진다.

호른 계열의 변형된 바그너 튜바는 리하르트 바그너의 사이클 드 니벨룽겐에 등장한다.그것은 또한 안톤 브루크너의 교향곡 7번 E장조에서도 중요한 역할을 하고 있으며, 리처드 스트라우스, 벨라 바르토크, 그리고[84] 적어도 세기 말까지 덜 민첩하다고 여겨졌던 트럼펫과 함께 19세기 악보에 정기적으로 등장하는 몇몇 후기 낭만주의 및 모더니즘 작품에도 사용된다.

이 시대의 유명한 작곡가들은 표트르 일리치 차이코프스키, 프레데릭 쇼팽, 헥터 베를리오즈, 프란츠 슈베르트, 로베르트 슈만, 펠릭스 멘델스존, 프란츠 리스트, 주세페 베르디, 리하르트 바그너, 요하네스 브람스, 알렉산더 스크리아빈, 니콜라이, 그리트너, 에드가드너 등이다.Gustav Mahler와 Richard Strauss는 흔히 후기 낭만주의 요소와 초기 모더니즘 요소를 결합한 과도기적 작곡가로 여겨진다.

20세기와 21세기

주요 기사: 20세기 클래식 음악과 21세기 클래식 음악

모더니스트

파블로 피카소의 이고르 스트라빈스키, 풀시넬라 공동작업자(1920년)
주요 기사:모더니즘 (음악)

다양한 후기 낭만주의 스타일을 아우르는 모더니즘 클래식 음악에는 후기 낭만주의, 인상주의, 표현주의, 신고전주의 작곡 스타일이 포함됩니다.모더니즘은 많은 작곡가들이 전통적인 음조, 멜로디, 악기, 구조와 같은 일반적인 연습 기간의 특정한 가치를 거부하던 시대를 의미했다.일부 음악 역사학자들은 음악적 모더니즘을 약 1890년에서 [85][86]1930년까지의 시대로 간주한다.다른 사람들은 모더니즘이 두 번의 세계 [87]대전 중 하나 또는 다른 것으로 끝났다고 생각한다.그러나 다른 권위자들은 모더니즘이 어떤 역사적 시대와도 연관되지 않고 오히려 "작곡가의 태도, 시대와 함께 진화할 수 있는 살아있는 구조"[88]라고 주장한다.20세기 후반 3분의 1의 쇠퇴에도 불구하고, 피에르 불레스, 파울린 올리베로스, 토루 타케미츠, 조지 벤자민, 제이콥 드러크만, 브라이언 페르니호프, 조지 펄프강, 리처드 웨른과 같은 모더니즘의 사상과 형식을 계속 발전시킨 작곡가들의 활동적인 중심부가 세기 말에 남아 있었다. 윌슨, 그리고 랄프 쉐이피.[89]

이 시기에 지배적이었던 두 가지 음악 악장은 1890년 경에 시작된 인상파와 1908년 경에 시작된 표현파였다.그것은 오래된 음악 카테고리에 도전하고 재해석하는 다양한 반응의 시기, 음악의 조화, 멜로디, 소닉, 리듬의 새로운 측면을 조직하고 접근하는 혁신, 그리고 그 시대의 예술에서 식별할 수 있는 모더니즘의 더 큰 시기와 밀접하게 관련된 미적 세계관의 변화였다.가장 많이 연상되는 단어는 "혁신"[90]이다.그 주된 특징은 "언어적 복수"로, 어떤 음악 장르도 지배적인 위치를 [91]차지하지 못했다는 것이다.

이 오케스트라는 20세기 초반 20년을 정점으로 모더니즘 시대 초기에 규모가 계속 커졌다.19세기에는 드물게 등장했던 색소폰이 보조악기로 더 많이 쓰이게 되었지만 오케스트라의 핵심 단원이 되지는 않았다.색소폰은 모리스 라벨의 모데스트 무시르스키의 전시회의 그림이나 세르게이 라흐마니노프의 심포닉 댄스와 같은 일부 작품에서만 특집 솔로 악기로 등장하지만, 세르게이 프로코피예프의 로미오와 줄리엣 슈트 1, 2와 같은 다른 작품과 오케스트라 단원들과 같은 다른 많은 작품에는 포함되어 있다.l 앙상블.라벨의 볼레로와 같은 몇몇 작곡에서는 오케스트라의 다른 부분처럼 전체 부분을 만들기 위해 서로 다른 크기의 두 개 이상의 색소폰을 사용한다.이 유포늄은 구스타프 홀스트의 '행성'과 리하르트 스트라우스의 '아인 헬덴레벤'을 포함하여 "테너 튜바"로 표시된 부분을 연주하는 몇몇 후기 낭만주의 및 20세기 작품에서 특징지어진다.

20세기 초의 유명한 작곡가들은 이고르 스트라빈스키, 클로드 드뷔시, 세르게이 라흐마니노프, 세르게이 프로코피예프, 아놀드 쇤베르크, 니코스 스칼코타스, 하이토르 빌라-로보스, 안톤 베베른, 알반 베르그, 세실레 차미나데, 파울레, 아람을 포함한다.말러와 스트라우스를 19세기부터 이어받은 과도기적 인물들로 만들었다.

포스트모던/현대

주요 기사:포스트모던 음악과 현대 클래식 음악
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일부 권위자들에 따르면 [85][86]포스트모던 음악은 1930년 초에 시작된 음악 기간이다.그것은 포스트모더니즘 예술과 특징을 공유한다. 즉, 모더니즘 이후에 생겨나고 이에 반하는 예술이다.

다른 권위자들은 포스트모던 음악을 1930년 이후, 20세기 후반에서 [92][93]21세기 초반까지 작곡된 "현대 음악"과 다소 동일시하고 있다.포스트모던/현대 시대의 다양한 운동들 중 일부는 네오로맨틱, 네오메세, 미니멀리즘, 포스트 미니멀리즘을 포함한다.

21세기 초의 현대 클래식 음악은 종종 1945년 이후의 모든 음악 [94]형식을 포함하는 것으로 여겨졌다.한 세대가 지난 지금, 이 용어는 1970년대 중반에 유명해진 작곡가들에 의해 쓰여진 오늘날의 음악을 적절히 지칭한다.그것은 모더니스트,[89] 포스트모던, 네오로맨틱, 다원주의 음악의 다른 변주곡들을 포함한다.

성능

청년 오케스트라 연주

클래식을 폭넓게 공부한 연주자들은 "클래식 훈련"을 받은 것으로 알려져 있다.이 트레이닝은 악기 또는 음성 교사로부터 개인 교습을 받거나 음악 학사나 음악 석사 학위(교수 개인 교습을 포함)와 같은 음악원, 대학 또는 대학에서 제공하는 정식 프로그램을 수료하여 이루어질 수 있습니다.클래식 음악에서는 "대부분의 정규 음악 교육과 훈련, 종종 대학원[석사] 수준까지"[95]가 요구됩니다.

클래식 음악 레퍼토리의 연주에는 시각 독서와 앙상블 연주, 조화 원리, 강한 귀 훈련(귀로 음높이를 보정하고 조정하는), 연주 연습 지식(예: 바로크 장식), 그리고 주어진 작곡가나 음악 작품에서 기대되는 스타일/음악적 숙어에 대한 익숙함이 필요합니다.브람스 교향곡이나 모차르트 [citation needed]협주곡).

대중음악, 포크음악, 그리고 인도의 클래식 음악 같은 다른 클래식 음악 전통과 구별되는 유럽 클래식 음악의 주요 특징은 레퍼토리가 음악적인 부분이나 [96]악보를 만들면서 음악적인 표기로 적어지는 경향이 있다는 것이다.이 점수는 일반적으로 리듬, 음조, 그리고 두 명 이상의 뮤지션(가수든 악기 연주자든)이 관련된 경우 다양한 파트가 어떻게 조정되는지를 결정합니다.음악의 문자의 질은 그들 내부의 높은 복잡성을 가능하게 했다: 예를 들어, 푸거들은 대담하게 구별되는 멜로디 라인이 대척점에 엮이면서 일관성 있는 조화 논리를 만들어 내는 놀라운 결합을 달성한다.쓰여진 표기법의 사용은 또한 작품의 기록을 보존하고 클래식 음악가들이 수세기 전의 음악을 연주할 수 있게 한다.

2000년대 클래식 음악은 바로크 시대부터 낭만주의 시대에 이르기까지 즉흥음악의 전통을 대부분 잃었지만, 그 시대의 스타일로 즉흥 연주를 할 수 있었던 연주자들의 사례가 있다.바로크 시대에 오르간 연주자들은 서곡을 즉흥적으로 연주했고, 하프시코드를 연주하는 키보드 연주자들은 바소 콘티뉴 파트의 베이스 음표 아래에 있는 형상화된 베이스 기호로부터 코드를 즉흥적으로 연주했으며, 성악 연주자들과 기악 연주자들 모두 즉흥적으로 음악 [97]장식을 연주했다.요한 세바스찬 바흐는 그의 복잡한 즉흥 연주로 [98]특히 유명했다.클래식 시대에 작곡가 겸 연주자인 볼프강 아마데우스 모차르트는 다른 [99]스타일로 멜로디를 즉흥적으로 연주하는 능력으로 유명했다.클래식 시대에 몇몇 거장 독주자들은 협주곡의 카덴자 부분을 즉흥적으로 연주했다.낭만주의 시대에 루드비히 반 베토벤은 피아노를 [100]즉흥적으로 연주하곤 했다.

클래식 여성

주요 기사:클래식 여성
상세 정보:음악계 여성
부에노스아이레스 키르치네르 문화센터의 마사 아르제리히 씨

클래식 음악 교과서에 기술되어 표준 연주회 레퍼토리의 일부로 널리 연주되고 있는 작곡가들은 고전 음악 기간 내내 여성 작곡가들이 많았지만 거의 모두가 남성 작곡가들이다.음악학자 마르시아 시트론은 "여성들이 작곡한 음악이 표준적인 '클래식' 레퍼토리에 그렇게 미미한가요?"라고 물었다.[101]유자는 "연주된 음악 작품의 '카논'에서 여성 작곡가를 제외하게 된 관행과 태도를 조사합니다."그녀는 1800년대에 여성 작곡가들은 일반적으로 큰 홀에서 오케스트라와 함께 연주하기 위한 교향곡보다는 작은 연주회에서 연주하기 위한 예술 곡을 썼고, 후자의 작품은 작곡가들에게 가장 중요한 장르로 여겨졌다고 주장한다.작곡가로서 [101]불평하다.「...」에서는,간결한 옥스퍼드 음악사 클라라 S[c] 휴먼은 [102]언급되는 유일한 여성 작곡가 중 한 명입니다." 애비 필립스는 "20세기 들어 작곡/연주를 하던 여성들이 남성 [102]작곡가들보다 훨씬 덜 주목을 받았습니다."라고 말한다.

역사적으로, 주요 전문 오케스트라는 대부분 또는 전체가 남성인 음악가들로 구성되었다.전문 오케스트라에 고용된 최초의 여성 사례 중 일부는 하피스트의 위치에 있었다.예를 들어,[103][n 13] 비엔나 필하모닉은 2008년 그라모폰이 선정한 세계 5대 오케스트라보다 훨씬 늦은 1997년까지 여성의 상임이사 자격을 인정하지 않았다.여성을 영구직으로 임명한 마지막 주요 오케스트라는 베를린 [107]필하모닉이었다.1996년 2월, 빈 필하모닉의 수석 플루트 디터 플루리는 웨스트도이처 런드펑크에게 "여성을 받아들이는 것은 이 유기체가 현재 가지고 [108]있는 감정적 단결(emotionel Geschlossenheit)에 도박을 하는 것"이라고 말했다.1996년 4월, 오케스트라 공보담당자는 출산휴가의 "예상 휴가에 대한 보상"이 문제가 [109]될 것이라고 썼다.

2013년 마더 존스의 한 기사는 "명망 있는 오케스트라는 여성 멤버십이 상당하지만 뉴욕 필하모닉의 바이올린 부문에서는 여성이 남성보다 많다"며 "국립교향악단, 디트로이트 심포니, 미네소타 심포니를 포함한 몇몇 유명한 앙상블은 여성 바이올린 연주자들이 이끌고 있다"고 말했다.주요 오케스트라의 e베이스, 금관악기, 타악기 부문은 여전히 남성이 주를 이룬다.[110]2014년 BBC 기사는 "...예비 기악가가 심사위원이 성별이나 인종적 편견을 행사하지 못하도록 스크린 뒤에서 공연하는 '블라인드' 오디션이 도입되면서 전통적으로 남성 중심 교향악단의 성균형이 점차 [111]변화하고 있다"고 말했다.

다른 음악 전통과의 관계

대중음악

클래식 음악은 종종 그 작곡가의 시대의 대중음악의 요소나 소재를 통합해 왔다.브람스가 학회 서곡에서 학생용 음주를 사용한 것, 커트 바일의 스리페니 오페라가 대표적으로 보여주는 장르, 바이올리니스트와 피아노 [112]소나타에서 '블루스'라는 악장이 20세기 초중반 작곡가들에게 끼친 재즈의 영향 등이 대표적이다.일부 포스트모던, 미니멀리스트, 포스트미니멀리스트 클래식 작곡가들은 대중음악에 [113][failed verification]빚이 있다는 것을 인정한다.

클래식을 기반으로 한 대중가요, 1970년대 이후 파첼벨의 캐논이 사용된 것, 클래식 [114]음악가들이 대중음악계에서 성공을 거둔 음악적 크로스오버 현상 등 반대 방향의 영향을 많이 보여준다.헤비메탈에서는 리치 블랙모어와 랜디 [115]로드스를 포함한 많은 리드 기타 연주자들이 바로크나 클래식 시대의 기악 [116]음악을 모델로 연주했습니다.

포크 음악

클래식 음악 작곡가들은 종종 포크 음악을 사용해 왔다.드보르작이나 스메타나 [117]같은 작곡가들은 그들의 작품에 민족주의적 맛을 주기 위해 포크 주제를 사용했고, 바르토크 같은 작곡가들은 그들의 포크 음악 기원에서 [118]완전히 벗어난 특정한 주제를 사용했다.Khachaturian은 그의 작품에 그의 모국인 아르메니아뿐만 아니라 중동과 동유럽의 [119][120]다른 민족 집단들의 민속 음악을 널리 포함시켰다.

상용화

라디오 방송과 음반 가게의 등장으로 라이브 클래식 공연이 컴필레이션 CD로 편집되었다.(WQXR for Tower Records, 1986)

클래식 음악의 어떤 주요 요소들은 종종 상업적으로 사용된다. (광고나 영화 사운드트랙에서)텔레비전 광고에서, 특히 리하르트 스트라우스의 Also sprach Zarathustra (2001년 영화: A Space Odyssey로 유명)의 오프닝과 칼 오르프의 카르미나 부라나의 오프닝 섹션 "O Fortuna"의 다른 예들은 레퀴의 "Dies Irae"를 포함한다.'피어 귄트', 베토벤 교향곡 5번 오프닝 바그너 '발키리의 승차', 림스키코르사코프의 '범블비의 비행', 아론 코플랜드의 [citation needed]로데오 발췌곡 등이 있다.애니메이션의 황금기의 몇몇 작품들은 액션과 클래식 음악을 일치시켰다.주목할 만한 예로는 월트 디즈니의 판타지아, 톰과 제리의 요한 마우스, 워너 브라더스 세비야의 토끼와 오페라, 닥이 있다.

마찬가지로 영화와 텔레비전은 종종 세련되거나 풍요로움을 전달하기 위해 클래식 음악의 진부하고 진부한 발췌곡으로 되돌아간다: 이 범주에서 가장 자주 듣는 곡으로는 바흐의 첼로 모음곡 1번, 모차르트의 아이네 클라인 나흐트무식, 비발디의 사계절, 대머리 산 위의 무시르그스키의 밤 등이 있다.로시니 '윌리엄 텔 서곡'Shawn Vancour는 20세기 초 클래식 음악의 상업화가 [121]불충분한 대표성을 통해 음악 산업에 피해를 입혔을 수도 있다고 주장한다.

교육

상세 정보:음악 교육

1990년대 동안, 몇몇 연구 논문들과 인기 책들은 "모차르트 효과"라고 불리게 된 것에 대해 썼다: 모차르트의 작품을 들은 결과 특정 시험에서 일시적으로, 작은 점수 상승이 관찰되었다.이 접근법은 돈 캠벨의 책에서 대중화되었고, 모차르트를 듣는 것이 학생들의 IQ를 일시적으로 8에서 9점 [122]증가시켰다는 네이처에 실린 실험에 바탕을 두고 있다.이 이론의 대중화된 버전은 뉴욕 타임즈 음악 칼럼니스트 알렉스 로스에 의해 간결하게 표현되었다: "연구자들...모차르트의 음악을 듣는 것이 실제로 당신을 [123]더 똑똑하게 만든다는 것을 알아냈습니다." 프로모터들은 그 효과를 유도한다고 주장했습니다.플로리다는 공립학교에서 유아들에게 매일 클래식 음악을 듣도록 하는 법을 통과시켰고 1998년 조지아 주지사는 조지아에서 태어난 모든 아이들에게 클래식 음악 테이프나 CD를 제공하기 위해 매년 10만 5천 달러를 예산으로 책정했다.모차르트 효과의 원저자 중 한 명은 "나는 그것이 해칠 수 있다고 생각하지 않는다.저는 아이들에게 훌륭한 문화체험을 시켜주는 것에 찬성합니다.하지만 음악 교육 프로그램에 [124]쓰는 게 더 나을 것 같아요.

레퍼런스

메모들

  1. ^ 문제의 고대 로마 시민권 계급은 전설적인 왕 세르비우스 툴리우스가 서비안 [12]헌법에서 정한 지침에서 유래했다.
  2. ^ 코트그라브의 1611년 정의 이후 수십 년이 지난 1690년, 앙투안 푸레티에르의 사후 사전은 아울루스 겔리우스가 키케로, 줄리어스 시저, 살루스트, 버질, 호라스를 칭송하고 그들을 [13]클래시크라고 언급하면서 반향을 일으켰다.
  3. ^ 18세기 중반의 신고전주의 운동이 음악이 [16]아닌 건축, 회화 등 분야에서 확산된 것도 이 때문이다.
  4. ^ 18세기 초, 스튜어트 [11]유신 이후 궁중음악이 잠시 꽃을 피웠다.매튜 로크와 후에 헨리 퍼셀과 같은 작곡가들은 특히 인기 있는 궁정 [18]가면으로 상당한 [17]성공을 거두었다.
  5. ^ 존 배니스터의 콘서트는 빠르게 인기를 얻었고, 나중에 링컨의 Inn Fields, 그리고 나서 Essex Street로 그의 장소를 옮길 수 있게 해주었다; 그의 앙상블은 거의 50명의 [19]음악가들로 구성되었다.
  6. ^ 18세기 영국의 클래식 음악 캐논 개발에 대한 자세한 내용은 를 참조하십시오.Weber, William (Autumn 1994). "The Intellectual Origins of Musical Canon in Eighteenth-Century England". Journal of the American Musicological Society. 47 (3): 488–520. doi:10.2307/3128800. JSTOR 3128800.
  7. ^ 19세기부터 21세기까지 일부 비평가들은 First Viennese School을 다른 방식으로 정의했다.요한 볼프강 폰 괴테와 나중에 루드비히 핀처와 같은 해설자들은 베토벤을 학교에서 완전히 제외했고, 음악학자 프리드리히 블룸은 프란츠 슈베르트 외에 [22]세 가지 모두를 포함시켰다.찰스 로젠은 하이든, 모차르트, 베토벤을 포함시켰지만 그들의 [22]기악곡만 포함했다.
  8. ^ 옥스퍼드 영어사전(OED)이 1829년 영국 음악가 빈센트 노벨로의 일기에서 고전음악이라는 용어를 가장 먼저 사용한 것은 클래식 음악을 정확하고 현명하게 듣고 싶을 때 매주 일요일에 와야 한다고 말한 것이다.[27]하지만, 이것은 영국 작가 존 펠탐 대넬리의 1820년 베이스와 클래식 [28][29]음악의 기본 원리에 대한 소개의 제목보다 적어도 9년 앞서 있다.구글 북스에서의 검색은 [30]18세기 전반의 "클래식 음악"이라는 용어의 최소 세 가지 사용을 제공한다.
  9. ^ Taruskin 2005의 제목 외에 Grout 1973, Hanning 2002 및 Stolba 1998의 제목도 참조하십시오.이 모든 제목은 "서양 음악"이라는 용어를 포함하지만 기본적으로 서양에서 고전적이지 않은 음악은 제외됩니다.Grout 1973은 1960년에 처음 출판되었고, 1996년에 Claude V. Palisca에 의해 준비된 5판이 되어서야 재즈와 대중 음악에 대한 정보가 포함되었다.[36]
  10. ^ 음악학자 랄프 P. 로크는 작곡가 탄 던을 예로 들며 2004년 출판물 "서양 예술 [37]음악에서 동아시아를 찾는다"의 제목에 주목한다.또한 바로네, 조슈아(23일에서 7월 2021년)의 제목을 참조하십시오."아시아 작곡가 직업들을 서양 고전 음악에서를 드높이다.".뉴욕 타임즈도요.원본에서 12월 28일 2021년에 Archived.버크 홀더, 그라우트 &, Palisca 2014년,p. 1009년 때 서양 문화는 세계로 퍼져 나갔습니다는"우리는도 용어를 궁금해 할 것"Western[고전]music" 여전히, 그리고 약간의 대부분의 관행들 새롭고 흥미로운 작곡가들의 중국, 일본, 한국에서 온 적절하다.그 세계적 영향력을 감안할 때, 이 전통에 이름을 붙일 때가 되었는지 모르지만, 다양해지고 다양해짐에 따라, 그 뿌리는 여전히 유럽을 거쳐 고대 그리스로 거슬러 올라가는 서구 문화에 있습니다.
  11. ^ 모든 가능한 증거로 볼 때, 어떤 중요한 음악적 발전도 고대 로마의 탓으로 돌릴 수 없는 것으로 보인다. 고대 로마는 고대 그리스 전임자들의 [42]관행을 주로 채택했다.
  12. ^ 음악학자 Donald Jay Grout은 심지어 20세기까지 그러한 그리스-로마 음악의 조각과 몇 가지 더 큰 예시만이 [39]남아있다고 지적한다.
  13. ^ 1997년 비엔나 필하모닉은 미국 순회공연 중 전미여성기구와 국제음악여성연맹의 항의에 직면했다.마지막으로, "사회적으로 보수적인 오스트리아에서도 점점 더 조롱을 받고 있는 후, 오케스트라 단원들은 출발 전날 임시 회의에 모여 안나 렐케스라는 여성을 [104]하피스트로서 인정하기로 합의했다."2013년 현재, 이 오케스트라는 6명의 여성 단원을 보유하고 있으며, 그 중 한 명인 바이올리니스트 알베나 다나일로바는 2008년 이 오케스트라의 콘서트 마스터 중 한 명이 되었으며, 이는 여성 단원으로서는 처음으로 이 [105]직책을 맡은 것이다.2012년에도 오케스트라 회원 중 여성은 6%에 불과했다.VPO의 클레멘스 헬스버그 회장은 VPO가 이제 완전히 선별된 블라인드 [106]오디션을 이용한다고 말했다.

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원천

책들

저널 및 백과사전 기사

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