지휘

Conducting
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1941년 헤르베르트 폰 카라얀 지휘

지휘는 관현악이나 합창 연주회 같은 음악 공연을 지휘하는 예술이다."수명의 선수나 가수의 동시 공연을 몸짓으로 연출하는 기술"[1]로 정의되었다.지휘자의 주된 임무는 점수를 해당 점수의 특정 지시사항을 반영하는 방식으로 해석하고, 템포를 설정하고, 앙상블 단원의 정확한 입력을 보장하며, 적절한 경우 표현법을 "모양"하는 것이다.[2]지휘자들은 주로 손동작을 통해 음악가들과 의사소통을 하며, 보통 지휘봉을 사용하여, 눈을 마주치는 것과 같은 다른 제스처나 신호를 사용할 수 있다.[3]지휘자는 보통 리허설에서 음악가들에게 구두로 지시를 내리는 것으로 방향을 보완한다.[3]

지휘자는 일반적으로 모든 악기나 목소리에 대한 음악적 표기법이 들어 있는 전체 악보를 위한 큰 음악 스탠드를 들고 높은 단상에 서 있다.19세기 중반 이후 대부분의 지휘자들은 지휘할 때 악기를 연주하지 않았는데, 고전 음악사 초창기에는 악기를 연주하면서 앙상블을 지휘하는 것이 일반적이었다.1600년대부터 1750년대까지 바로크 음악에서 이 그룹은 일반적으로 하프시코드 연주자나 제1바이올린 연주자(콘서트마스터 참조)에 의해 이끌어지곤 했는데, 이는 근대에 이 시기부터 여러 음악 감독들에 의해 부활된 접근법이다.피아노나 신시사이저를 연주하면서 지휘하는 것은 또한 뮤지컬 극장 피트 오케스트라와 함께 할 수 있다.의사소통은 일반적으로 공연 중에 대부분 비언어적이다.그러나 리허설에서는 잦은 방해로 지휘자가 어떻게 음악을 연주하거나 노래해야 하는지에 대해 구두로 지시할 수 있다.

지휘자들은 자신이 지휘하는 오케스트라나 합창단의 안내자 역할을 한다.그들은 공연할 작품을 선택하고 그들의 점수를 연구하는데, 그들이 특정한 조정(템포, 발현, 표현, 섹션의 반복 등)을 할 수 있고, 해석을 하고, 그들의 비전을 연주자들에게 전달한다.리허설 일정 수립,[4] 콘서트 시즌 기획, 오디션 청취 및 단원 선발, 미디어 내 앙상블 홍보 등 조직적인 문제에도 참석할 수 있다.오케스트라, 합창단, 콘서트 밴드, 그리고 큰 밴드와 같은 상당한 규모의 다른 음악 앙상블들은 보통 지휘자들이 이끈다.

명명법

오케스트라나 오페라 회사의 주 지휘자는 음악 감독이나 수석 지휘자 또는 독일어로 카펠마이스터나 디리겐트(또는 여성적인 디리겐틴)라고 한다.합창단이나 합창단의 지휘자는 합창 지휘자, 합창 명장, 합창단 지휘자 또는 합창단 지휘자라고도 하며, 특히 오케스트라와 관련된 합창단에 대해서는 특히 합창단 지휘자를 합창단 지휘자, 합창단 지휘자 또는 합창단 지휘자로 부른다.콘서트 밴드, 군악대, 행진 밴드 및 기타 밴드의 지휘자는 밴드 감독, 밴드마스터 또는 드럼 전공의 타이틀을 가질 수 있다.존경 받는 수석 지휘자들은 이탈리아어인 마에스트로(페미니네, 마에스트라)에서 "마스터" 또는 "선생님"[5]으로 번역되는 말로 언급되기도 한다.

역사

중세에서 18세기까지

지휘의 초기 형태는 손동작의 사용으로 멜로디 모양을 나타낸다.이것은 적어도 중세시대까지 행해져 왔다.기독교 교회에서 이런 상징물을 주는 사람이 스탭을 잡아 자신의 역할을 나타냈는데, 음악이 리드미컬하게 복잡해지자 스탭을 위아래로 움직여 박자를 지시하는 등 초기 형태의 지휘봉 역할을 한 것으로 보인다.[citation needed]

17세기에는 시간의 흐름을 나타내는 다른 장치들이 사용되기 시작했다.압연된 종이 시트, 더 작은 막대, 장식되지 않은 손은 모두 이 시기의 사진에서 볼 수 있다.왕의 병환을 위해 테둠을 지휘하다가 발을 한 발 다치게 된 장바티스트 룰리의 죽음에 큰 참모들이 책임이 있었다.그 상처는 괴혈이 되었고 룰리는 절단 수술을 거부했고, 그로 인해 괴저가 그의 다리에 퍼졌고 그는 두 달 후에 죽었다.[6]

18세기 전반에 걸친 기악에서는 보통 앙상블의 한 멤버가 지휘자 역할을 했다.이것은 때때로 활을 지휘봉으로 사용할 수 있는 콘서트 마스터나, 비트에 맞춰 악기의 목을 움직이는 루텐리스트였다.하프시코드에서 바소 연속적인 부분을 가진 조각으로 행하는 것이 일반적이었다.오페라 공연에서는 때때로 두 명의 지휘자가 있었는데, 키보드 연주자가 가수를 맡고, 주 바이올리니스트나 리더가 오케스트라를 맡았다.[citation needed]

1791년 9월 30일 비엔나에서 모차르트의 오페라 《Die Zauberflöte(마술피리)》가 극장 아우프 데르 비덴에서 초연되어 모차르트가 직접 오케스트라를 지휘했다고 당시의 문서와 홍보 포스터가 전했다.[7]

1798년 조셉 하이든은 손과 지휘봉으로 창작 초연을 진행했고, 포르테피아노에서는 "카펠마이스터 바이글[sat]"이 공연되었다."[8]

19세기

1881년 오페라 아이다를 지휘하는 주세페 베르디

19세기 초(ca. 1820년)까지 전용 지휘자를 두는 것이 일반화되었는데, 연주 중에는 악기도 연주하지 않았다.일부 오케스트라가 지휘자 도입에 반발하는 사이, 연주자 또는 키보드 연주자가 리더 역할을 하는 데 익숙해졌기 때문에 결국 지휘자의 역할이 정립되었다.이 시기에는 일반 관현악단의 규모가 확대되었고, 맨손이나 두루마리 종이보다 쉽게 볼 수 있어 지휘봉 사용이 보편화되었다.초창기 주목할 만한 지휘자 중에는 루이 스포르, 카를 마리아 폰 베버, 루이 앙투안 줄리엔, 펠릭스 멘델스존 등이 있었는데, 이들 역시 모두 작곡가였다.멘델스존은 나무로 된 지휘봉을 이용해 시간을 지키게 한 최초의 지휘자였다고 주장되는데, 이 연습은 오늘날에도 여전히 일반적으로 사용되고 있다.지휘봉을 사용하지 않았거나 사용하지 않은 저명한 지휘자로는 피에르 불레즈, 쿠르트 마수르, 제임스 [9]콘론, 유리 테미르카노프, 레오폴드 스토코프스키, 바실리 사포노프, 유진 오르망디(한 기간 동안), 디미트리 미트로풀로스 등이 있다.[10]

작곡가 헥터 베를리오즈와 리차드 바그너는 지휘자로서 위대함을 얻었고, 그들은 이 주제에 전념하는 초기 에세이를 두 편 썼다.베를리오즈는 최초의 거장으로 여겨진다.바그너는 적절한 시기에 출품작들이 만들어지고 통일된 비트가 존재한다는 것을 확실히 하는 책임감보다는 연주에 자기 자신의 관점을 강요하는 지휘자의 역할을 구체화하는 데 큰 책임이 있었다.지휘에 주력한 전임자들로는 1828년 음악원(Conservatoire du Conservatoire)을 창단한 프랑수아 하베섹이 있다. 하지만 이후 베를리오즈는 하베르크의 느슨한 리허설 기준에 경종을 울리게 되었다.피아니스트 겸 작곡가 프란츠 리스트도 지휘자였다.

바그너의 한때 챔피언이었던 한스 폰 뷔로우(1830–1894)는 그가 가장 위대한 연주자 중 하나로 여겨지는 악기인 피아니스트로서의 초창기 경력을 유지했음에도 불구하고 지휘자로써 특히 유명했다.agner. Liszt는 지휘 역사의 주요 인물로서 주목할 만한 성과를 거두었다.

뷔로우는 오케스트라의 여러 섹션의 분리되고 상세한 리허설("섹션 리허설")과 같은 혁신을 통해 지휘의 기술 기준을 전례 없는 수준으로 높였다.바이에른 국립오페라단, 마이닝언 코트 오케스트라, 베를린 필하모닉의 수장으로서 그는 이전에 단독 기악 연주에서만 들었던 관현악 연주에 대해 어느 정도의 뉘앙스와 교묘함을 가져왔고, 그렇게 함으로써 20세에 활동한 리처드 스트라우스 같은 젊은 예술가들에게 깊은 인상을 남겼다.그의 조수, 그리고 그의 해석을 못마땅하게 여기게 되었지만 그의 관현악 표준에 깊은 감명을 받은 펠릭스 와인가트너.작곡가 구스타프 말러도 유명한 지휘자였다.

20세기

기술표준은 1895년 베를린 필하모닉의 음악감독으로 뷔로우의 뒤를 이은 아서 니키슈(1855~1922)를 비롯한 차세대 지휘자들에 의해 새로운 수준으로 끌어올렸다.니키슈는 이전에 라이프치히 오페라, 보스턴 심포니 오케스트라, 라이프치히 게반트하우스 오케스트라의 단장을 지냈으며, 런던 심포니 오케스트라의 음악 감독을 맡을 예정이었다.니키슈는 안톤 브루크너와 표트르 일리히 차이코프스키의 중요한 작품을 초연했는데, 그는 그의 제4교향곡의 지휘를 들은 후, 요하네스 브람스는 "매우 모범적이고, 더 이상 그것을 듣는 것은 불가능하다"고 말했다.

니키슈는 1912년 4월 유럽 오케스트라의 첫 미국 투어인 미국 순회공연인 런던 심포니 오케스트라를 맡았다.그는 또한 1913년 11월에 베를린 필하모닉과 함께 베토벤 5번이라는 완전한 교향곡의 초기 녹음 중 하나를 만들었다.니키쉬는 또한 그의 예술작품을 영화에 담아낸 최초의 지휘자였다 – 아아, 조용히.이 영화는 그가 오케스트라와 소통하기 위해 특히 매혹적인 눈 접촉과 표현을 사용했다는 보도를 확인시켜준다; 프리츠 라이너와 같은 후기 지휘자들은 그의 테크닉의 이 측면이 그들 자신에게 강한 영향을 미쳤다고 말했다.

니키슈 이후의 세대 지휘자들은 종종 그들의 예술에 대한 광범위한 기록적인 증거를 남겼다.특히 영향력 있고 널리 기록된 두 수치는 해석적 대척점으로 다소 부정확하게 처리되는 경우가 많다.그들은 이탈리아의 지휘자 아르투로 토스카니니(1867–1957)와 독일의 지휘자 빌헬름 푸르퉁글러(1886–1954)이다.토스카니니는 주세페 베르디 휘하의 오케스트라에서 연주했으며, 1886년 아이다를 지휘하며 데뷔하여 마지막 순간에 몸이 불편한 지휘자를 대신했다.그는 오늘날까지 제임스 레빈과 같은 당국에 의해 베르디 지휘자 중 가장 위대한 지휘자로 간주되고 있다.그러나 토스카니니의 레퍼토리는 넓었고, 독일 교향악가 베토벤과 브람스에 대한 그의 해석에서 그가 특히 유명하고 영향력 있는 사람으로, 뷔로우나 그 이전의 바그너 같은 지휘자보다 더 엄격하고 빠른 템피를 선호했다.그래도 그의 스타일은 평판이 시사하는 것보다 더 많은 변곡성을 보여주며, 특히 세세한 부분을 드러내고 오케스트라가 노래하는 방식으로 연주하도록 하는 데 재능이 있었다.

많은 이들이 바그너(이 작곡가에서도 토스카니니가 존경받았지만)와 브루크너의 가장 위대한 통역자로 간주하고 있는 푸르트벵글러는 베토벤과 브람스를 템포의 변곡성이 상당하지만, 일반적으로 음악의 구조와 방향을 특히 분명하게 드러내는 방식으로 지휘했다.그는 연주자일 뿐만 아니라 뛰어난 작곡가로 이론가 하인리히 스헨커의 제자였으며, 그는 퍼트윙글러의 지휘력인 장거리 조화 긴장과 결의에 대한 우려를 한 작품에서 강조했다.푸르퉁글러는 대규모에 대한 관심과 함께 작품의 디테일을 특히 설득력 있고 표현력 있는 방식으로 형상화하기도 했다.

1985년 레너드 번스타인이 로얄 콘서트게부 오케스트라를 지휘하다

두 사람은 기법이 매우 달랐다.토스카니니의 곡은 이탈리아인이었으며, 길고 큰 지휘봉과 선명한 비트를 가지고 있었다(흔히 왼손은 사용하지 않았다.퍼트윙글러는 좀 더 원만한 소리를 원했기 때문에 덜 뚜렷하게 시간을 때웠다(그의 기술이 모호했다는 것은 신화지만, 많은 음악가들이 그가 그 나름대로 쉽게 따라 할 수 있다는 것을 증명해 주었다).어떤 경우든, 그들의 예는 20세기 전반의 기술 수행에 관한 더 큰 요점을 보여준다: 그것은 표준화되지 않았다.레오폴드 스토코프스키(1882~1977), 오토 클렘페러(1885~1973), 허버트 폰 카라얀(1908~1989), 레오나드 번스타인(1918~1990) 등 20세기 중반의 위대하고 영향력 있는 지휘자들은 우연하게도 위대함과 국제적인 명성을 얻은 최초의 미국 지휘자였던 이들은 다양한 기술을 가지고 있었다.

카라얀과 번스타인은 1960-80년대에 또 다른 명백한 대척점을 형성했고, 카라얀은 베를린 필하모닉의 음악 감독(1955–89), 번스타인은 그 기간 동안 뉴욕 필하모닉의 음악 감독(1957–69), 이후 유럽에서 자주 객원 지휘자로 활동했다.카라얀의 기술은 매우 통제력이 강했고, 결국 그는 종종 눈을 감은 채 지휘를 했다; 번스타인의 기술은 표현력이 뛰어난 얼굴 몸짓과 손과 몸의 움직임으로 시범을 보였다.카라얀은 발을 움직이지 않고 몇 시간 동안 지휘할 수 있었고, 번스타인은 때때로 위대한 클라이맥스로 공중으로 도약하는 것으로 알려져 있었다.베를린 필하모닉의 음악 감독으로, 카라얀은 따뜻하고 혼합된 음색의 아름다움을 가꾸었는데, 이것은 때때로 너무 균일하게 적용되었다는 비판을 받아왔다; 대조적으로, 1979년 베를린 필하모닉에서 번스타인은 유일하게 말러의 교향곡 9번을 연주했다 – 그는 이 오케스트라가 어떤 특정한 음색으로 "어글한" 음색을 만들도록 노력했다.그것이 음악의 표현적 의미에 적합하다고 믿는 구절(첫 번째 뿔피리 연주자는 거절했고, 마침내 자기 대신에 언더스터디 연주자가 연주하도록 하는 데 동의했다).

카라얀과 번스타인 둘 다 그들의 예술을 전달하기 위해 미디어의 발전을 광범위하게 이용했다. 그러나 확실히 다른 방식으로 말이다.번스타인은 어린이들과 대중들에게 클래식 음악에 대해 교육하고 알리기 위해 주요 황금시간대 전국 텔레비전 시리즈를 진행했고, 카라얀은 그의 인생 후반기에 일련의 영화를 만들었지만, 그 속에서 그는 말을 하지 않았다.둘 다 수많은 녹음을 만들었지만 녹음에 대한 태도는 달랐다. 카라얀은 녹음 기술의 진보를 이용하기 위해 자주 새로운 스튜디오 녹음을 만들었는데, 그는 콤팩트 디스크의 사양을 정하는 데 역할을 했지만, 뉴욕 후기 번스타인은 (대부분은) 주장하게 되었다.음악 제작이 관객이 없는 스튜디오에서 실현되지 않았다고 믿고 라이브 콘서트 녹음을 하는 것.

20세기 마지막 3세기에 특히 오른손과 지휘봉으로 지휘하는 기술은 점점 표준화되고 있다.제2차 세계대전이 끝날 때까지 암스테르담의 윌렘 멘겔버그와 같은 지휘자들은 오케스트라를 매우 정확하게 틀기 위한 광범위한 리허설 시간을 가졌고, 따라서 독특한 기술을 가질 수 있었다; 주어진 오케스트라와 더 적은 시간을 보내는 현대 지휘자들은 리허설 시간을 훨씬 덜 가지고 결과를 얻어야 한다.좀 더 표준화된 기법은 의사소통을 훨씬 더 빠르게 할 수 있게 한다.그럼에도 불구하고 지휘자들의 기술은 특히 왼손, 얼굴 및 눈 표현, 몸짓 언어의 사용으로 여전히 많은 다양성을 보여준다.

21세기

불이 켜진 초대형 지휘자의 음악 스탠드에서 지휘자의 점수 및 배턴

여성 지휘자들은 19세기와 20세기의 대부분을 거쳐서 선도적인 관현악 지휘자의 대열에 있어서 거의 들어보지 못했지만, 오늘날에는 호텐스 폰 겔미니[de],[11] 마린 알솝, 시몬 영 같은 예술가들이 선도적인 오케스트라를 지휘하는 모습을 볼 수 있다.알솝은 2007년 볼티모어 심포니 오케스트라의 음악 감독으로 임명되었으며, 2012년에는 오르케스트라 신프니차 도 에스타도 데 상파울루에서도 지휘를 맡았으며, 알솝은 The Proms의 마지막 날 밤에 지휘한 최초의 여성이었다.영은 2005년 함부르크 국립오페라단과 필하모닉어 함부르크의 지휘자가 되었을 때 비슷한 첫 번째 곡을 작곡했다. 그녀는 또한 리차드 바그너의 링 사이클을 녹음한 최초의 여성 지휘자다.가디언은 "음악 산업의 마지막 유리 천장 중 하나"[12]라고 말했다.2013년 프랑스에서는 574회의 콘서트 중 17회만이 여성들에 의해 공연되었고, 파리 국립 오페라에서는 여성이 공연하지 않았다고 한 기사가 실렸다.[13]바크트랙은 그해 세계 최고 지휘자 150명 중 여성 지휘자는 5명에 불과했다고 전했다.[14]멕시코가 몇몇 주요 국제 지휘자들을 배출한 반면, 알론드라 데 라 파라는 이 분야에서 두각을 나타낸 최초의 멕시코 출신 여성이 되었다.

마찬가지로, 동아시아 출신 지휘자들은 현대 관현악의 경치 안에서 더욱 두드러지게 되었다. 특히 샌프란시스코와 토론토에서 비슷한 직책을 맡고 1973년부터 2002년까지 보스턴 심포니 오케스트라의 주제 연출자였던 오자와 세이지, 독일과 프랑스에서 주요 직책을 맡아온 정명훈 감독.서울 필하모닉 오케스트라를 국제적인 주목을 받고 있다.지휘계에서는 아직 흑인 예술가들의 대표성이 부족하지만 헨리 루이스, 딘 딕슨, 제임스 드프리스트, 폴 프리먼, 마이클 모건 등 눈에 띄는 예외도 있었다.검은색 컨덕터에 대한 자세한 내용은 검은색 컨덕터를 참조하십시오.2004년 《가디언》지에 실린 샬럿 히긴스의 기사에 따르면 "블랙 지휘자는 클래식 음악계에서는 드물고 교향악단에서도 흑인 음악가 한두 명 이상을 보는 것은 이례적"이라고 한다.[15]

테크닉

2
4, , 또는 빠른 시간
3
4 또는 시간
4
4 시간
느린 시간

지휘는 공연 중 공연자에게 예술적 방향을 전달하는 수단이다.올바르게 지휘하는 방법에 대해서는 형식적인 규칙이 많지만, 다른 것은 주관적이며, 지휘자의 훈련과 정교함에 따라 매우 다양한 지휘 스타일이 존재한다.지휘자의 일차적인 책무는 연주자를 통일하고 템포를 설정하고, 명확한 준비와 박자를 실행하며, 비판적으로 듣고 앙상블의 소리를 형상화하며, 음악의 해석과 페이싱을 조절하는 것이다.공연 중 의사소통은 비언어적이지만 리허설에서 빈번한 방해는 음악이 어떻게 연주되어야 하는지에 대한 방향을 허용한다.리허설 동안 지휘자는 곡의 연주를 중지하여 표현 변경을 요청하거나 특정 섹션의 음색 변경을 요청할 수 있다.아마추어 오케스트라에서는 연주 오류나 전치 실수로 음악가들의 관심을 끌기 위해 리허설을 중단하는 경우가 많다.

지휘를 하려면 음악적 표현 요소(템포, 역학, 관현악)와 이를 앙상블에 효과적으로 전달하는 능력을 이해해야 한다.제스처를 통해 표현과 표현의 뉘앙스를 전달하는 능력도 이롭다.지휘하는 제스처는 가급적 악보를 공부하는 동안 지휘자가 미리 준비하는 것이 좋으나, 때로는 즉흥적일 수도 있다.

관현악 지휘와 합창 지휘는 때때로 구별된다.전형적으로 관현악 지휘자들은 합창 지휘자보다 지휘봉을 더 자주 사용한다.지휘봉의 악력은 지휘자마다 다르다.

박자와 템포

악곡이 시작될 때 지휘자는 손을 들어(혹은 한 손만 사용하는 경우 손) 악곡이 막 시작되려는 것을 나타낸다.이는 오케스트라 단원들이 연주할 악기를 준비하거나 성악가들이 연주할 준비를 하고 관람할 수 있도록 하는 신호다.이어 지휘자는 오케스트라(바람, 현 등)나 합창단의 다른 부분을 살펴 모든 오케스트라 단원들이 연주할 준비가 되어 있고 합창단 단원들이 준비돼 있는지 확인한다.일부 합창 작품에서 지휘자는 피아니스트나 오르가니스트에게 음이나 화음을 연주하도록 신호를 보내 합창단원들이 그들의 출발 음을 결정할 수 있도록 할 수 있다.그러면 지휘자는 음악을 시작하기 위해 하나 이상의 준비 비트를 준다.오케스트라나 합창단이 시작되기 전의 준비 박자가 흥겨운 것이다.음악의 비트는 일반적으로 지휘자의 오른손으로 표시되며, 지휘봉을 사용하거나 사용하지 않는다.손은 시간표명에 따라 모든 바(측정)에서 공중에 있는 모양을 추적하며, 각 박자가 아래쪽에서 위로 움직이는 것으로 변화했음을 나타낸다.[16]이 이미지들은 지휘자의 관점에서 볼 때 가장 일반적인 박자 패턴을 보여준다.[17]

다운비트는 바의 첫 번째 비트를 나타내며, 업비트는 곡의 첫 번째 노트 앞과 바의 마지막 비트를 나타낸다.박자가 발생하는 순간을 ictus(농도: ictus 또는 ictus)라고 하며, 보통 갑자기(꼭 큰 것은 아니지만) 손목을 클릭하거나 배턴 방향이 바뀌면서 표시된다.각 ictus를 지휘봉으로 두드리는 음악 스탠드의 상단과 같이 모든 ictus가 물리적으로 위치하는 수평면을 가리키는 경우도 있다.ictus에 이르는 동작을 「준비」라고 하며, 일정한 박자의 연속적인 흐름을 「탁트」(바, 측정, 박자의 독일어)라고 한다.

템포가 느리거나 느려지거나, 시간 서명이 복합적인 경우, 지휘자는 때때로 비트의 "분할"을 표시한다.지휘자는 자신이 속한 비트의 움직임과 같은 방향으로 더 작은 움직임을 더하면 이렇게 할 수 있다.

박자의 속도를 변화시킴으로써 템포의 변화를 알 수 있다.지휘자는 랄란탄도(음악의 속도를 늦추는 것)를 수행하고 통제하기 위해 비트 세분화를 도입할 수 있다.

일부 지휘자는 두 손을 사용하여 박자를 나타내지만, 왼손은 오른쪽을 비추는 반면, 정규 교육은 그러한 접근을 단념시킨다.두 번째 손은 개별 플레이어 또는 섹션의 입구를 표시하고 역동성, 표현력, 표현력 및 기타 요소의 표시를 돕는 데 사용할 수 있다.

악기 솔로 부분(또는 보컬리스트의 무반주 솔로로 연주하는 동안 오페라 오케스트라에서) 동안, 몇몇 지휘자들은 모든 소분곡을 세는 것을 멈추고 바당 한 번씩 지휘봉을 가볍게 두드려 휴식 시간을 세고 있는 연주자들을 돕는다.

다운비트의 ICT가 어디에서 발생하는지에 대한 "텍스트북"의 정의와 전문 오케스트라의 실제 연주 연습 사이에는 차이가 있다.갑작스럽고 요란한 스포르잔도 화음으로 전문 오케스트라가 지휘봉 스트로크의 ictus 포인트를 공략한 후 살짝 연주하는 경우가 많다.

역학

역학은 다양한 방법으로 표시된다.역동성은 전도 운동 크기, 더 큰 소리를 나타내는 더 큰 모양에 의해 전달될 수 있다.동적 변화는 박자를 나타내기 위해 사용되지 않는 손으로 나타낼 수 있다: 상향 운동(일반적으로 손바닥 위로)은 크레센도를 나타내고, 하향 운동(일반적으로 손바닥 아래로)은 감소하는 것을 나타낸다.지휘하는 동작의 크기를 변경하면 상황에 따라 음악의 성격이 바뀌는 경우가 많다.

역동성은 다양한 제스처를 사용하여 미세 조정될 수 있다: 공연자들에게 손바닥을 보여주거나 그것들로부터 멀어져 가는 것은 볼륨의 감소를 보여줄 수 있다.다양한 기기나 음성의 전체적인 균형을 조정하기 위해, 이러한 신호들은 결합되거나 특정 섹션이나 연주자를 향할 수 있다.

큐잉

연주자 또는 섹션이 언제 연주를 시작해야 하는지(아마도 오랜 휴식 후)에 대한 입력 표시를 "큐링"이라고 한다.큐의 영향을 받는 모든 플레이어나 가수가 동시에 연주할 수 있도록 큐는 다가오는 ictus의 정확한 순간을 확실하게 예측해야 한다.연주자나 섹션이 오랫동안 연주되지 않은 경우에는 큐잉이 가장 중요하다.한 섹션이 오랫동안 페달 포인트를 재생하고 있을 때 스트링 플레이어가 있는 페달 포인트의 경우에도 큐가 유용하며, 새로운 노트로 변경해야 하는 시점을 표시하기 위해 큐가 중요하다.큐잉은 (선수들을 보면서) 입장하기 전에 선수를 "참여"하고, 종종 특정 선수를 향한 명확한 준비 제스처를 실행함으로써 달성된다.도체로부터의 반청각 "스니프"가 될 수도 있고 아닐 수도 있는 흡입은 일부 도체의 큐잉 기법에서 공통적인 요소다.앙상블의 한 부분 이상이 동시에 입장할 때처럼, 단순히 눈을 마주치거나 선수들의 일반적인 방향을 보는 것만으로도 많은 경우에 충분할 수 있다.더 큰 음악 이벤트는 감정과 에너지를 장려하도록 설계된 더 크거나 더 강한 신호의 사용을 보증할 수 있다.

기타 음악적 요소

지휘자 제럴드 윌슨은 재즈 빅 밴드를 이끌고 있다.

관절은 짧고 날카로운 스타카토의 경우부터 길고 유연한 레가토에 이르기까지 ICT의 성격으로 나타낼 수 있다.많은 지휘자들이 손의 장력을 변화시킨다: 근육의 긴장감과 경직된 움직임은 마르카토에 해당할 수 있는 반면, 손의 이완과 부드러운 움직임은 레가토나 에스프레시보에 해당할 수 있다.표현은 넓은 머리 위 아크로 표시하거나 앞뒤로 부드러운 손 동작으로 표시할 수 있다.잡음( up音)은 손바닥을 위로 하여 납작하게 잡은 손으로 가리키는 경우가 많다."컷오프" 또는 "해제"라고 불리는 노트의 끝은 원형의 움직임, 손바닥의 닫힘 또는 손가락과 엄지손가락의 꼬집힘으로 표시될 수 있다.해제는 대개 준비 과정이 선행되고 완전한 고요함으로 마무리된다.

지휘자들은 가능한 한 앙상블과 눈을 마주치는 것을 목표로 하고, 그 대가로 눈을 마주치게 하고, 선수/가수 및 지휘자 간의 대화를 증가시킨다.얼굴 표정은 또한 음악의 성격을 보여주거나 선수들을 격려하기 위해 중요할 수 있다.

작품을 준비하기 위한 리허설 시간이 거의 없었던 곳과 같은 경우에 지휘자는 (연주자들만이 볼 수 있도록) 손가락을 가슴 앞에 들고 움직임 시작 직전에 음악의 막대가 어떻게 박동될 것인가를 신중히 지시할 수도 있다.예를 들어, 지휘자가 "2 in" (bar당 2개의 ictus points 또는 bits, 마치 "인 것처럼")를 치는 작품에서 지휘자는 가슴 앞에 손가락 두 개를 받쳐 들었다.

대부분의 경우 교향곡이나 협주곡, 댄스 모음곡의 동작 사이에는 잠깐의 휴식이 있다.이 짧은 중단은 오케스트라나 합창단 단원들에게 그들 파트의 페이지를 넘기고 다음 운동의 시작을 준비할 수 있는 시간을 준다.현악기 선수들은 로진을 바르거나 손수건으로 손에 묻은 땀을 닦을 수 있다.리드 플레이어는 새로운 갈대로 바꾸는 데 이 시간이 걸릴 수 있다.경우에 따라 목관악기나 황동 연주자는 다른 악기(예: 트럼펫에서 코넷으로 또는 클라리넷에서 E to 클라리넷으로)로 전환하기 위해 일시 중지 기능을 사용한다.지휘자가 음악적인 이유로 한 동작씩 즉시 시작하기를 원한다면 이를 아타카라고 한다.지휘자는 오케스트라 단원들과 합창단원들에게 그 용어를 파트별로 쓰도록 지시하여, 다음 동작으로 바로 갈 준비를 하게 할 것이다.

역할

알링턴 국립묘지에서 열린 현충일 추념식 때 군 지휘자가 미 해군 밴드를 지휘한다.

지휘자의 역할은 지휘 위치가 다르고 앙상블도 다르다.경우에 따라서는 지휘자도 교향곡의 음악감독이 되어 객원 지휘자의 연주회, 협주곡 솔리스트, 팝 콘서트 등 전 시즌의 프로그램을 선택하기도 한다.수석 지휘자는 후보자가 지휘자가 선호하는 연주 스타일과 음색을 갖추고 후보자가 최고 연주 기준을 충족하도록 하기 위해 오케스트라의 새 단원을 위한 오디션의 일부 또는 전부에 참석할 수 있다.몇몇 합창 지휘자들은 합창단을 준비하기 위해 고용되어 몇 주 동안 합창단을 준비하게 되고, 이후 다른 지휘자가 지휘하게 된다.합창 지휘자는 보통 콘서트 프로그램에서 준비 작업을 한 것으로 인정받는다.

일부 지휘자들은 다가오는 시즌이나 특정 콘서트를 홍보하기 위해 지역 뉴스 채널에 인터뷰를 하고 텔레비전 토크 쇼에 출연하는 등 중요한 홍보 역할을 할 수도 있다.한편, 단 한 번의 공연을 하기 위해 고용된 지휘자는 오케스트라를 몇 곡씩 리허설하고 한두 번의 콘서트를 하는 책임만 질 수 있다.소수의 지휘자들이 레너드 번스타인과 같은 유명한 유명인사가 된 반면, 대부분은 클래식 음악계 내에서만 알려져 있다.

훈련 및 교육

음악 교육자, 작곡가, 지휘자 데이비드 베이커(극좌)는 2008년 NEA 재즈 마스터스 시상식과 콘서트 때 스미스소니언 재즈 마스터웍스 오케스트라를 지휘한다.

고전적인 합창과 악기 연주는 포괄적인 교육 및 훈련 체계를 확립했다.야심 있는 지휘자는 대학, 음악원, 대학에서 공부할 수 있다.음악학교와 대학은 학사학위의 일부로 진행하는 과정, 지휘하는 음악 석사학위, 지휘하는 음악 예술 박사학위 등 다양한 지휘 프로그램을 제공한다.

이밖에도 클래식 여름캠프, 트레이닝 페스티벌 등 다양한 훈련 프로그램이 마련돼 있어 학생들에게 폭넓은 음악 진행의 기회를 제공하고 있다.지휘자 지망생들은 클래식 음악의 주요 시기와 음악 이론에 관한 폭넓은 교육을 받을 필요가 있다.많은 지휘자들이 오케스트라에 접근하기 전에 교향곡을 분석하고 해석을 시도할 수 있도록 도와주는 기술인 피아노나 파이프 오르간과 같은 키보드 악기를 연주하는 법을 배운다.많은 지휘자들이 오케스트라에서 연주하거나 합창단에서 노래하는 경험을 하는데, 이 경험은 오케스트라와 합창단이 어떻게 공연되고 리허설되는지에 대한 좋은 통찰력을 준다.

2014년에 오케스트라 지휘자들은 전형적으로 음악학 석사학위를, 미국의 합창단 지휘자들은 전형적으로 음악학 학사학위를 보유하고 있다.[18]학사 학위(B라고 한다)Mus. 또는 B.M)은 4년 과정으로 수업 진행, 아마추어 오케스트라 체험, 음악사, 음악 이론, 교양 강좌(예: 영문학) 순서가 포함된 프로그램으로 학생에게 보다 전인적인 교육을 제공한다.학생들은 보통 B에서 지휘하는 것을 전문으로 하지 않는다.음악 무대; 대신, 그들은 보통 노래, 오케스트라 연주, 합창단 공연, 오케스트라 연주, 피아노나 오르간 같은 키보드 악기를 연주하는 것과 같은 일반적인 음악 기술을 발달시킨다.

학생들을 지도하는 또 다른 주제는 클래식 오페라에서 사용되는 언어들이다.오케스트라 지휘자들은 오케스트라와 합창단을 위한 작품에서 합창단을 리허설하고 지휘할 수 있을 것으로 기대된다.이와 같이 관현악 지휘자들은 합창 작문에 사용되는 주요 언어(프랑스어, 이탈리아어, 라틴어 포함)를 알아야 하며 합창 가창 문맥에서 이들 언어의 정확한 어법을 이해해야 한다.합창단 지휘자가 합창단이나 오케스트라를 위한 작품을 공연할 때 현악관현악단이나 풀오케스트라를 리허설하고 지휘할 것으로 기대된다는 점도 정반대다.이와 같이 합창 지휘자는 악기 부분을 리허설하고 리드하는 방법을 알아야 한다.

지휘학 석사(M.Muss)는 개인 지휘 레슨, 앙상블 체험, 코칭, 음악사 및 음악 이론 대학원 과정과 한두 번의 지휘 음악회로 구성된다.음악 석사학위(M이라고 한다)Mus. 또는 M.M.)은 종종 지휘 교수가 되기를 원하는 사람들에게 요구되는 최소한의 자격증이다.

Doctor of Musical Arts(D.M.A, DMA, D.로 칭함)뮤지션이나 A.경영학 석사학위(Mus.D) 학위는 최고 수준의 예술적, 교육학적 수준에서 고급 학습의 기회를 제공하며, 보통 석사학위(학사 학위 이상의 약 30학점) 이상의 추가 학점이 필요하다.이 때문에 입학은 선택성이 높다.음악사 시험, 음악 이론, 귀 훈련/강제, 입시 및 오디션 실시 등이 요구된다.학생들은 박사학위 논문이 첨부된 강의-지휘 콘서트, 심화과정 등 여러 차례의 공연을 한다.학생들은 전형적으로 최소 B 평균을 유지해야 한다.수행 중 DMA는 말기 학위로서 대학, 대학, 음악원에서 강의할 수 있는 자격을 부여한다.학업 외에도, 많은 지휘자들의 훈련 경로의 또 다른 부분은 청소년 오케스트라, 학교 오케스트라, 지역 오케스트라와 같은 아마추어 오케스트라를 지휘하는 것이다.

소수의 지휘자가 지휘에 있어 공식적인 훈련 없이 전문가가 된다.이러한 개인은 종종 기악 연주자나 성악 연주자로서 명성을 얻었으며, 전문 분야(악기 연주 또는 노래)에서 많은 훈련을 받은 경우가 많다.소수의 지휘자가 지휘에 있어 공식적인 훈련 없이 전문직으로 되는 또 다른 방법은 아마추어 오케스트라, 학교 오케스트라, 지역 오케스트라(또는 그에 상응하는 합창 앙상블)를 지휘함으로써 그 일을 배우는 것이다.[citation needed]

2014년 미국의 지휘자 평균 연봉은 48,180달러였다.2014~2024년 일자리 추진 시 3%대 성장률이 전망돼 평균 성장률보다 둔화된 것으로 나타났다.[18]

참고 항목

참조

  1. ^ 조지 그로브 경, 존 알렉산더 풀러 메이틀랜드, 에드스(1922).음악과 음악가 사전 1권 581. 맥밀란.
  2. ^ Kennedy, Michael; Bourne Kennedy, Joyce (2007). "Conducting". Oxford Concise Dictionary of Music (Fifth ed.). Oxford University Press, Oxford. ISBN 9780199203833.
  3. ^ a b Holden, Raymond (2003). "The technique of conducting". In Bowen, José Antonio (ed.). The Cambridge Companion to Conducting. Cambridge: Cambridge University Press. p. 3. ISBN 0-521-52791-0.
  4. ^ Espie Estrella (6 March 2017). "The Conductor". thoughtco.com. Retrieved 9 March 2018.
  5. ^ Lusted, Marcia Amidon (2011). Entertainment. ABDO Publishing Company. p. 44. ISBN 9781617147999. Retrieved 2019-01-31.
  6. ^ Jérôme de La Gorce (2007). "(1) Jean-Baptiste Lully (Lulli, Giovanni Battista) (i)". Oxford Music Online (New Grove). Oxford University Press. Retrieved 8 October 2008. (필요한 경우)
  7. ^ Edge, Dexter; Black, David. "The earliest published report on the premiere of Die Zauberflöte". Mozart: New Documents. Retrieved 25 August 2018.
  8. ^ H. C. 로빈스 랜던, 라이너 노트 The Creation, 1994, Vivarte SX2K 57965
  9. ^ 리비, 테오도르(2006)NPR 청취자의 고전 음악 백과사전, 페이지 44.일꾼.ISBN 9780761120728.
  10. ^ 갈킨, 엘리엇 W. (1988)관현악 지휘의 역사: 이론과 실천에 있어서, 521페이지.펜드라곤.ISBN 9780918728470.
  11. ^ 데이비드 머치(David Mutch) : "독일 유일의 여성 지휘자인 호르텐스 폰 겔미니에 대한 비판적인 판단은 그녀가 이 어렵고 경쟁적인 직업에서 자신을 돋보이게 할 수 있는 재능뿐만 아니라 교육, 에너지, 그리고 인내심을 가지고 있다는 것이다." – 1976년, 다음과 같다.크리스천 사이언스 모니터[full citation needed]
  12. ^ Hannah Levintova. "Here's Why You Seldom See Women Leading a Symphony". Mother Jones. Retrieved 2016-01-20.
  13. ^ Victor Tribot Laspière (2013-10-02). "Une main ferme à l'Orchestre national de France". France Musique. Retrieved 2016-10-17.
  14. ^ "11 of today's top women conductors". Classical-Music.com. 2015-03-06. Archived from the original on 2015-11-20. Retrieved 2016-01-20.
  15. ^ Higgins, Charlotte (10 August 2004). "Black conductor fears he will remain exception". The Guardian. Retrieved 19 June 2017.
  16. ^ Wakin, Daniel J. (6 April 2012). "The Maestro's Mojo – Breaking Conductors' Down by Gesture and Body Part". The New York Times. Retrieved 26 April 2012.
  17. ^ Farberman, Harold (1999-11-27). The Art of Conducting Technique: A New Perspective. Alfred Music. ISBN 978-1-4574-6032-6.
  18. ^ a b "Music Directors and Composers: Occupational Outlook Handbook". U.S. Bureau of Labor Statistics. Retrieved 2017-08-19.

추가 읽기

외부 링크