신고전주의 (음악)

이력 서양 고전 음악
초기 음악
중세 c. 500 ~ 1400 • Ars Antiquea c. 1170 – c. 1310 • Ars nova c. 1310 – c. 1377 • ARS 서브틸리어 c. 1360 – c. 1420 르네상스 c. 1400 – c.1600 • 바로크로의 이행
공통실천기간
바로크 양식의 c. 1580 – c. 1750 • 갤런트 음악 c. 1720 – c. 1770 • Empind Samkeit c. 1740 – c. 1780 고전적인 c. 1750 – 1820년 • 만하임 학교 c. 1740 – c. 1780 • Sturm und Drang c. 1770 • 로맨틱으로의 이행 낭만적인 c. 1800년 – 1910년 경
19세기 후반, 20세기 후반, 21세기 후반
모더니즘 c. 1890년 – 1975년 • 인상주의 c. 1890년 ~ 1930년 • 표현주의 c. 1900년 ~ 1930년 • 신고전주의 c. 1920년 ~ 1950년 경 • 시리얼리즘 c. 1920년 - 1975년 컨템포러리 1950년부터 • 미니멀리즘 1960년부터 • 포스트모더니즘 1960년대부터 • 포스트 미니멀리즘 1980년부터
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음악의 신고전주의는 20세기, 특히 전후 시대에 작곡가들이 폭넓게 정의된 "고전주의"의 개념, 즉 질서, 균형, 명확성, 경제, 그리고 감정적 구속과 관련된 미적 교훈으로 돌아가려 했던 경향이었다.이와 같이, 신고전주의는 후기 낭만주의의 억제되지 않은 감정주의와 형식 없는 인식에 대한 반응이었고, 20세기 첫 20년간의 실험적인 발효 이후 "질서 요구"였다.신고전파적 충동은 축소된 연주력의 사용, 리듬과 대위법의 질감에 대한 강조, 갱신되거나 확장된 음색 하모니, 그리고 로맨틱한 프로그램 음악과 대조적으로 절대적인 음악에 대한 집중과 같은 특징에서 그 표현을 찾았다.

형식과 주제 기법에 있어서, 비록 영감을 주는 캐논이 바로크 시대와 심지어 고전 시대만큼 자주 속했지만, 신고전주의 음악은 종종 18세기의 음악에서 영감을 얻었다. 이러한 이유로, 바로크에서 영감을 얻는 음악은 때때로 신 바로크 음악이라고 불린다.신고전주의는 두 개의 뚜렷한 국가 발전 노선을 가지고 있었는데, 프랑스어와 파울 힌뎀이 대표하는 페루치오 부소니의 독일어였다.신고전주의는 조직적인 운동이라기 보다는 미적인 경향이었다; 심지어 많은 작곡가들조차도 보통 "신세기주의자"로 생각되지 않는 음악가들이 그 스타일의 요소들을 흡수했다.

사람 및 작업

"신고전주의"라는 용어는 20세기 운동을 의미하지만, 19세기에는 중요한 전조들이 있었다.프란츠 리스트의 '아 라 채플 식스틴' (1862년), 에드바르 그리그의 '홀베르그' (1884년), 표트르 일리치 차이코프스키의 '스페이드 여왕' (1890년), 조지 에네스쿠의 '막스' (1897년)와 같은 작품에서과거의 기억을 떠올리게 한다.^[1]

세르게이 프로코피예프의 교향곡 1번(1917)은 때때로 ^[2]신고전주의의 선구자로 인용된다.프로코피예프 자신은 스트라빈스키의 신고전주의는 1920년대에 "그의 음악의 ^[3]기본 라인이 되었다"고 생각하는 반면, 그의 작곡은 "지나가는 단계"라고 생각했다.리하르트 스트라우스는 또한 그의 음악에 신고전주의 요소를 도입했는데, 특히 1911년 초기 버전과 ^[4]1917년 최종 버전으로 작곡된 그의 오케스트라 모음곡인 르 부르주아 젠틸롬 작품 60번에서 가장 두드러졌다.

Ottorino Respighi는 1917년에 작곡된 그의 고대 공기와 춤 모음곡 1번으로 신고전주의의 선구자 중 한 명이었다.18세기의 음악 형식을 보는 대신, 유명한 작곡가이자 지휘자일 뿐만 아니라 주목할 만한 음악학자였던 레스피기는 16세기와 17세기의 이탈리아 음악으로 되돌아갔다.음악학자이기도 한 그의 동료 현대 작곡가 지안 프란체스코 말리피에로는 클라우디오 몬테베르디의 작품 전집을 만들었다.말리피에로의 고대 이탈리아 음악과의 관계는 단순히 "질서 회복"의 틀 안에서 골동품 형태의 부활을 목표로 한 것이 아니라 작곡가가 소나타 형식의 제약과 주제 발전의 ^[5]과도한 메커니즘으로부터 자신을 해방시킬 수 있는 작곡에 대한 접근을 되살리려는 시도였다.

이고르 스트라빈스키의 이 스타일에 대한 첫 시도는 1919/20년에 그가 조반니 바티스타 페르골레시의 것으로 믿었던 주제를 사용하여 발레 풀시넬라를 작곡하면서 시작되었다.미국 작곡가 에드워드 T. 콘은 발레 "스트라빈스키"를 그 자신의 현대 언어 버전으로 매 순간 환기된 역사적 방식에 맞서고 있으며, 그 결과는 초기 스타일을 완전히 재해석하고 변형한 것입니다."^[6]그 이후의 예로는 바람의 옥텟, "덤바톤 오크스" 협주곡, D의 협주곡, 시편 교향곡, C의 교향곡, 3악장의 교향곡, 그리고 오페라 오라토리오 오이디푸스 렉스, 발레 아폴로, 오르페우스가 있는데, 이는 신고전주의자들이 노골적으로 "그리스주의"를 취한 것이다.스트라빈스키의 신고전주의는 W. H. 오든의 ^[7]대본을 쓴 그의 오페라 '레이크의 진보'에서 절정을 이뤘다.스트라빈스키의 신고전주의는 프랑스 작곡가 다리우스 밀하우드, 프란시스 풀랑크, 아서 오네거, 제르메인 테일페레와 그의 ^[8]작품에서 바로크 협주곡 그로소 형식을 부활시킨 보후슬라프 마르티누에게 결정적인 영향을 미쳤다.Pulcinella, 기존의 바로크 양식의 재배열의 하위 범주인지 아니면으로, 비슷한 작품들의 알프레도 카셀라의 Scarlattiana(1927년), Poulenc의 Suite프랑세즈, 오토 리노 레스 피기의 고대점과 안무 기법과 Gli uccelli,[9]와 리처드 스트라우스의 댄스 Suite키보드 조각이라도 건져야지 프랑수아 쿠프랭과 관련 부문에서 포함한 많은 바람을 일으켰다.음.정말쿠페린에 의한 건반 조각 이후의 티멘토, Op. 86(1923년, 1943년)^[10]1926년경 시작된 벨라 바르토크의 음악은 신고전주의 특성의 현저한 증가를 보여주었고, 1, 2년 후 스트라빈스키가 옛 음악적 요소를 되살려 새로운 음악을 창조한 "혁명적인" 업적을 인정함과 동시에 그의 동료인 졸탄 코달리를 또 다른 헝가리 신고전주의 ^[11]신봉자로 임명했다.

독일의 신고전주의 변종은 마티스 데 말러가 가장 잘 보여주는, 심하게 반격적이고 색채적으로 변형된 스타일로 실내악, 오케스트라 작품, 오페라를 제작한 폴 힌데미스에 의해 개발되었다.로마 블라드는 작품의 외형적 형태와 패턴으로 구성된 스트라빈스키의 '고전주의'와 작가의 내면적 성향과 작품에 ^[12]대한 태도를 나타내는 부소니의 '고전주의'를 대비시킨다.부소니는 폴 벡커에게 보낸 편지에서 "젊은 고전주의란 이전 실험의 모든 이득과 강하고 아름다운 형태의 포함을 설명하는 숙달, 선별, 회전을 의미합니다."^[13]라고 썼다.

나디아 불랑제의 학교가 스트라빈스키의 음악에 대한 그녀의 이해를 바탕으로 음악에 대한 아이디어를 발표하면서 신고전주의는 유럽과 미국에서 환영받는 청중을 찾았다.Boulanger는 Grayyna Bacewicz, Lennox Berkeley, Elliott Carter, Francis Chagrin, Aaron Copland, David Diamond, Irving Fine, Harold Shapero, Jean Francaix, Roy Harris, Igor Markevitch, Drius Milhazolla, Piazolazolazola, Pia를 포함한 많은 유명한 작곡가들을 가르치고 영향을 주었다.

스페인에서, 마누엘 드 팔라의 1926년 하프시코드, 플루트, 오보에, 클라리넷, 바이올린, 첼로를 위한 신고전주의 협주곡은 국제적이고 모더니즘적인 ^[14]미학과 폭넓게 연계된 "유니버셜리즘"의 표현으로 인식되었다.이 협주곡의 첫 악장에서 팔라는 15세기 빌란치코의 파편들을 인용한다. los alamos, vengo madre"를 인용한다.그는 세르반테스의 돈키호테를 각색한 꼭두각시 극장 작품 엘 레타블로 데 마에스 페드로(1919-23)에서 신고전주의를 처음 받아들였을 때 17세기 음악의 인용구를 비슷하게 통합했다.이후 팔라의 신고전주의 작곡으로는 1924년 실내 칸타타 사이케와 1927년에 ^[15]작곡된 페드로 칼데론 데 라 바르카의 부수적인 음악인 El gran teatro del mundo1920년대 후반과 1930년대 초, 로베르토 게르하르드는 그의 현악기 협주곡, 관악 5중주곡, 칸타타 L'alta naixensa del en Jaume, 그리고 발레 ^[16]아리엘을 포함한 신고전주의 스타일로 작곡했다.훌리안 바우티스타, 페르난도 레마차, 살바도르 바카리스, 그리고 헤수스 발리 ^{[17][18][19][20]}가이를 포함한 다른 중요한 스페인의 신고전주의 작곡가들은 제네라시온 데 라 레푸블리카 (제네라시온 델 27) 멤버들 사이에서 발견된다.

신고전주의 미학은 파리에서 교육을 받고 1915년까지 그곳에 계속 살았던 알프레도 카셀라에 의해 이탈리아에서 촉진되었고, 그는 이탈리아로 돌아와 스트라빈스키와 아놀드 쇤베르크와 같은 모더니즘 작곡가를 이탈리아 대중들에게 소개했습니다.그의 신고전주의 작곡은 그의 조직 활동보다 덜 중요했을지도 모르지만, 특히 대표적인 예로는 도메니코 스카를라티의 건반 소나타 모티브를 사용한 1926년의 스카를라티아나와 ^[21]같은 해의 협주곡 로마노가 있다.카셀라의 동료 마리오 카스텔누오보 테데스코는 초기 이탈리아 음악과 클래식 모델들을 연상시키는 신고전주의 굴절된 작품을 썼다: 그의 바이올린과 오케스트라가 비발디를 울리는 1924년 G단조 협주곡의 주제와 16, 17세기 이탈리아 민요의 매우 성공적인 기타 협주곡 1번 D.939는 의식적으로 모차르트의 협주곡 ^[22]스타일을 따른다.

포르투갈의 신고전주의 대표자들로는 아르만도 ^[23]호세 페르난데스와 호르헤 크로네르 드 바스콘셀로스가 있는데, 이들은 둘 다 나디아 불랑제에게 배웠다.

남미에서 신고전주의는 라틴 아메리카에서 일어나지 않았던 최근의 양식적 격변을 바로잡으려고 하지 않았다는 점에서 유럽 모델과 다른 아르헨티나에서 특히 중요했다.신고전주의와 연관된 아르헨티나 작곡가들로는 자코보 피체르, 호세 마리아 카스트로, 루이스 지아네오, 후안 호세 ^[24]카스트로 등이 있다.가장 중요한 20세기 아르헨티나 작곡가 알베르토 지나스테라는 1950년대에 민족주의에서 신고전주의로 전향한 후 무조 및 연속 기법에 의해 지배되는 스타일로 나아갔다.부에노스아이레스에 있는 성악 연구소의 그레고리오 성가 교수인 로베르토 카마뇨는 어떤 작품에서는 불협화음을 내는 신고전주의 스타일을, 다른 ^[25]작품에서는 연속주의 스타일을 사용했다.

하이토르 빌라-로보스의 유명한 바키아나스 브라질레이라스(1930~1947년 작곡)는 바로크 양식의 스위트 형태로 주조되어 보통 서곡으로 시작해서 푸갈이나 토카타 같은 동작으로 끝나며 오스티나토 피규어와 긴 페달 노트와 같은 신고전주의 장치를 사용하지만, 그것들은 양식화된 재작성된 의도만큼 의도된 것은 아니다.바로크 화음과 역순을 ^[26][27]브라질 스타일로 자유자재로 각색한 바흐 스타일의 컬렉션특히 신고전주의와 관련된 비야-로보스 이후 세대의 브라질 작곡가에는 라다메스 가탈리(후기 작품에서), 에디노 크리거, 다작 카마르고 구아르니에리 등이 있는데, 그는 1920년대에 파리를 방문했을 때 나디아 불랑제 밑에서 공부하지는 않았다.1928년 피아노 소나티나 제2악장부터 시작된 과르니에리의 음악에서 나타난 신고전주의 특색은 그의 5곡의 피아노 ^[26][28][29]협주곡에서 특히 두드러진다.

칠레 작곡가 도밍고 산타크루즈 윌슨은 독일의 다양한 신고전주의의 영향을 많이 받아 "칠레아 힌데미스"^[30]로 알려지게 되었다.

쿠바에서 호세 아르데볼은 신고전주의 학교를 설립했지만,^[31][32][30] 그 자신은 나중에 모더니즘적인 국가 스타일로 나아갔다.

Arnold Schoenberg에 의해 대표되는 무음주의 학파조차도 신고전주의 사상의 영향을 보여주었다.그의 초기 스타일인 후기 낭만주의(그의 현악기인 Verklérte Nacht에 의해 예시됨)가 그의 아토날 시대로 대체된 후, 그리고 그가 12음 연속주의를 받아들이기 직전에, 반대 23, 24, 25로 시작하는 1920년 이후의 쇤베르크의 작품 형식은 "개방적"으로 묘사되었다.그리고 1908~1913년의 발전을 18세기와 ^[33]19세기의 계승과 통합하려는 노력을 나타낸다.쇤베르크는 이 작품들에서 세레나데, op.24와 op.^[34]25 피아노 스위트를 시작으로 그들이 식별할 수 있는 구조적인 기준점을 제공하려고 시도했다.쇤베르크의 제자 알반 베르크는 실제로 그의 스승 앞에서 그의 오케스트라를 위한 3개의 작품들, 작품 6 (1913-14)과 스위트, 파사칼리아, 론도와 같은 폐쇄적인 형식을 각 장면에서 구성 원리로 사용하는 오페라 ^[35]보제크에서 신고전주의로 왔습니다.안톤 베베른은 또한 ^[36]모티브에 집중함으로써 일종의 신고전주의 스타일을 구현했다.하지만, 바흐의 음악 제공에서 6부로 구성된 리커카를 1935년에 편곡한 것은 악기 ^[9]색깔의 파편화에 집중되어 있기 때문에 신고전주의적이라고 여겨지지 않는다.

다른 신고전주의 작곡가들

아래에 있는 몇몇 작곡가들은 그들의 경력 중 일부만 신고전주의 스타일로 작곡했을지도 모른다.

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• 네오로맨티시즘
• 네오토나티

원천

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각주

추가 정보

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