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음악

Music
보이저 골든 레코드의 홈이 있는 쪽은 보이저 탐사선을 따라 전 세계의 음악이 나오는 우주로 발사되었습니다.

음악은 일반적으로 형태, 조화, 멜로디, 리듬, 또는 다른 표현적인 내용의 조합을 만들기 위해 소리를 배열하는 기술로 정의됩니다.[1][2][3] 음악의 정의는 문화에 따라 다르지만, 그것은 모든 인간 사회의 한 측면이고 문화적 보편입니다.[4][5] 학자들은 음악이 몇 가지 특정한 요소에 의해 정의된다는 것에 동의하는 반면, 그들의 정확한 정의에 대해서는 의견이 일치하지 않습니다.[6] 음악의 창작은 공통적으로 음악적 구성, 음악적 즉흥성, 음악적 연주로 구분되지만,[7] 주제 자체는 학문, 비평, 철학, 심리학, 치료적 맥락으로 확장됩니다. 음악은 사람의 목소리를 포함한 광범위한 악기를 사용하여 연주하거나 즉흥적으로 연주할 수 있습니다.

어떤 음악적 맥락에서, 연주나 작곡은 어느 정도 즉흥적일 수 있습니다. 예를 들어 힌두스타니 클래식 음악에서 연주자는 부분적으로 정의된 구조를 따라가며 특징적인 모티프를 사용하면서 자발적으로 연주합니다. modal jazz에서 연주자들은 교대로 음표 세트를 공유하면서 리드하고 응답할 수 있습니다. 자유로운 재즈 맥락에서, 각 연주자가 자신의 재량에 따라 행동하는 구조는 전혀 없을 수 있습니다. 음악은 많은 공연에서 의도적으로 연주 불가능하거나 전자적으로 응집되도록 구성될 수 있습니다. 음악은 공공 및 사적 영역에서 연주되며, 축제, 록 콘서트오케스트라 공연과 같은 행사에서 강조되고, 영화, TV 쇼, 오페라 또는 비디오 게임악보 또는 사운드 트랙의 일부로 우연히 들립니다. 음악 재생은 MP3 플레이어 또는 CD 플레이어의 주요 기능이며 라디오스마트폰의 보편적인 기능입니다.

음악은 종종 사회 활동, 종교 의식, 통과 의식, 축하 행사, 문화 활동에서 핵심적인 역할을 합니다. 음악 산업에는 작곡가, 연주자, 음향 엔지니어, 프로듀서, 투어 주최자, 악기, 액세서리 및 악보 유통업체가 포함됩니다. 작곡, 연주 및 녹음은 아마추어뿐만 아니라 음악 평론가, 음악 저널리스트 및 음악 학자에 의해 평가 및 평가됩니다.

어원 및 용어

그리스 신화에서, 아홉 의 음악가들은 예술을 포함한 많은 창조적인 노력들에 영감을 주었고, 마침내 음악과 구체적으로 밀접하게 일치하게 되었습니다.

현대 영어 단어 'music'은 1630년대에 사용되기 시작했습니다.[8] 그것은 13세기 중반의 옛 영어 'musike', 12세기의 옛 프랑스 음악, 그리고 라틴 무시카의 긴 선에서 유래되었습니다.[9][10][n 1] 라틴어 자체는 고대 그리스musiké (기술적인 ē)에서 유래했습니다.μ ουσική(τέχνη)—문자 그대로 "뮤지스의 예술"을 의미합니다. 뮤즈고대 그리스 신화에 나오는 예술과 과학을 관장하는 아홉 의 신들입니다.[13][14] 그것들은 서양의 초기 작가인 호메로스헤시오도스에 의해 이야기에 포함되었고,[15] 마침내 음악과 구체적으로 연관되게 되었습니다.[14] 시간이 지남에 따라, 폴리히메니아는 다른 음악가들보다 더 두드러지게 음악 위에 거주하게 되었습니다.[11] 라틴어 musica는 철자법과 언어적 조정을 통해 스페인 무시카와 프랑스 음악의 기원이 되기도 했지만, 다른 유럽의 용어들은 아마도 이탈리아 음악, 독일 음악, 네덜란드 음악, 노르웨이 음악, 폴란드 음악, 러시아 음악 ï카를 포함한 외래어였을 것입니다.

현대 서구 세계는 보통 음악을 다양한 장르, 스타일 및 전통을 설명하는 데 사용되는 포괄적인 용어로 정의합니다.[16] 전 세계적으로는 그렇지 않으며, 현대 인도네시아어(음악)나 쇼나(무사카조)와 같은 언어들은 서양의 범위에 정확히 맞는 단어가 없었기 때문에 이러한 보편적인 개념을 반영하기 위해 최근 단어를 채택하고 있습니다.[14] 동아시아에서 서양과 접촉하기 전에는 일본이나 중국 모두 넓은 의미의 음악을 포괄하는 단어가 하나도 없지만, 문화적으로는 음악을 그런 식으로 여기는 경우가 많습니다.[17] 중국어로 음악을 의미하는 가장 가까운 단어인 yue는 기쁨을 의미하는 le과 문자를 공유하며 원래 의미가 좁아지기 전에 모든 예술을 지칭합니다.[17] 아프리카는 너무 다양해서 확실한 일반화를 할 수 없지만, 음악학자 J. H. Kwabena Nketia는 아프리카 음악이 춤과 연설 전반에 종종 분리할 수 없는 연관성을 강조했습니다.[18] 콩고민주공화국송예족이나 나이지리아의 티브족과 같은 일부 아프리카 문화는 '음악'에 대한 강력하고 광범위한 개념을 가지고 있지만 모국어에는 해당 단어가 없습니다.[18] 흔히 '음악'으로 번역되는 다른 단어들은 그들 각자의 문화에서 더 구체적인 의미를 가지고 있습니다: 음악에 대한 힌디어 단어인 sangita는 예술 음악을 적절하게 언급하는 반면,[19] 아메리카의 많은 원주민 언어들은 노래를 특별히 언급하지만 상관없이 기악 음악을 설명하는 음악에 대한 단어들을 가지고 있습니다.[20] 아랍어 음악은 모든 음악을 지칭할 수 있지만, 보통 기악과 미터법 음악에 사용되는 반면, 칸단은 성악과 즉흥 음악을 식별합니다.[21]

역사

기원과 선사

독일 가이센클뢰스터레의 뼈 피리 43,150년에서 39,370년 사이의 것입니다.[22]
B_1431
이집트 가수 샤아문엔수.[23]

음악의 기원을 어느 정도까지 이해할 것인가에 대해서는 종종 논쟁이 되고,[24] 그것을 설명하는 것을 목표로 하는 경쟁적인 이론들이 있습니다.[25] 많은 학자들은 음악의 기원과 언어의 기원 사이의 관계를 강조하며, 음악이 언어의 이전, 이후 또는 동시에 발전했는지에 대한 의견 차이가 있습니다.[26] 음악이 자연 선택의 의도적인 결과인지 아니면 진화의 부산물인지에 대한 비슷한 논쟁의 근원이 있습니다.[26] 가장 초기의 영향력 있는 이론은 1871년 찰스 다윈에 의해 제안되었는데, 그는 음악이 성적 선택의 한 형태로, 아마도 짝짓기 부름을 통해 생겨났다고 말했습니다.[27] 다윈의 원래 관점은 [28]21세기의 많은 학자들이 이 이론을 발전시키고 장려했지만 다른 성적 선택 방법과의 불일치로 인해 많은 비판을 받아 왔습니다.[29] 다른 이론들은 음악이 노동을 조직하고, 장거리 의사소통을 개선하고, 과의 의사소통을 돕고, 공동체의 결속을 돕거나 포식자들을 겁주기 위한 방어를 위해 생겨났다고 합니다.[30]

선사시대 음악구석기시대 고고학 유적의 발견을 바탕으로 이론화할 수 있을 뿐입니다. 동굴 곰 대퇴골로 조각된 디브제 베이브 플루트는 최소 4만 년 이상 된 것으로 추정되지만, 이것이 정말로 악기인지 동물에 의해 형성된 물체인지에 대한 상당한 논쟁이 있습니다.[31] 악기로서의 지정이 널리 받아들여지고 있는 가장 초기의 물건들은 독일의 스와비안 쥐라, 즉 Geissenklösterle, Hohle Fels, Vogelherd 동굴의 뼈 플루트입니다.[32] 고대 구석기 시대의 오리냐키아인의 것으로 추정되며, 초기 유럽의 현생 인류들이 사용한 동굴 세 곳 모두에서 8개의 예가 발견되는데, 4개는 새의 날개 뼈로 만들어졌고, 4개는 매머드 상아로 만들어졌으며, 이 중 3개는 거의 완전한 것입니다.[32] Geissenklösterle에서 나온 3개의 플루트는 가장 오래된 43,150–39,370 BP로 연대가 결정됩니다.[22][n 3]

고대

이집트 악기의 가장 초기의 자료적이고 대표적인 증거는 선대 시대로 거슬러 올라가지만, 그 증거는 하프, 플루트, 더블 클라리넷이 연주되었던 고대 왕국에서 더 확실하게 증명됩니다.[33] 타악기, 리라, 루테중세시대에 의해 오케스트라에 추가되었습니다. 심벌즈[34] 오늘날 이집트에서 여전히 하는 것처럼 음악과 춤을 자주 동반했습니다. 전통적인 수피디크르 의식을 포함한 이집트의 민속 음악고대 이집트 음악과 가장 가까운 현대 음악 장르로, 많은 특징과 리듬, 악기를 보존하고 있습니다.[35][36]

고대 시리아 도시 우가리트점토판에서 발견된 "니칼에게 보내는 후리아 찬송가"는 기원전 1400년경까지 거슬러 올라가는 현존하는 가장 오래된 주석이 달린 음악 작품입니다.[37][38]

음악은 고대 그리스에서 사회적, 문화적 삶의 중요한 부분이었고, 사실 음악은 아이들에게 가르치는 주요 과목 중 하나였습니다. 음악 교육은 개인의 영혼 발달을 위해 중요하게 여겨졌습니다. 그리스 연극에서 음악가와 가수들의 활약이 두드러졌고,[39] 음악 교육을 받은 사람들은 귀족으로 간주되어 완벽한 조화를 이루었습니다(공화국, 플라톤에서 읽을 수 있습니다). 남녀 혼성 합창단은 오락, 축하, 영적 의식을 위해 공연되었습니다.[40] 악기들은 두 개의 리드를 가진 아울로와 현악기라이어, 주로 키타라라고 불리는 특별한 종류의 현악기를 포함했습니다. 음악은 교육의 중요한 부분이었고, 소년들은 6살 때부터 음악을 배웠습니다. 그리스 음악적 소양은 상당한 음악적 발전을 이루었습니다. 그리스 음악 이론에는 그리스 음악 양식이 포함되어 있었는데, 이것은 결국 서양 종교 음악과 고전 음악의 기초가 되었습니다. 나중에, 로마 제국, 동유럽, 그리고 비잔틴 제국의 영향이 그리스 음악을 변화시켰습니다. 세이킬로스 비문은 세계 어느 곳에서나 음악적 기보를 포함한 완전한 음악적 구성의 가장 오래된 현존하는 예입니다.[41] 음악 이론을 주제로 쓰여진 현존하는 가장 오래된 작품은 아리스톡세누스하모니카 스토이케아입니다.[42]

아시아 문화

아시아 음악은 아라비아, 중앙 아시아, 동아시아, 남아시아동남아시아에 대한 기사에서 조사된 방대한 음악 문화를 다룹니다. 몇몇은 전통이 고대까지 이어져 왔습니다.

지방 복장을 한 인도 여성들이 인도 각지에서 유행하는 다양한 악기를 연주하고 있습니다.

인도의 클래식 음악은 세계에서 가장 오래된 음악 전통 중 하나입니다.[43] 인더스 밸리 문명의 조각품들은 춤과[44] 일곱 개의 구멍 난 플루트와 같은 오래된 악기들을 보여줍니다. 다양한 종류의 현악기와 드럼이 모티머 휠러 경에 의해 수행된 발굴에 의해 하라파모헨조 다로에서 회수되었습니다.[45] 고대 힌두 텍스트인 리그베다는 미터와 염불 방식을 나타내는 음악적 표기법과 함께 현재 인도 음악의 요소를 가지고 있습니다.[46] 인도의 클래식 음악(마르가)는 단성적이고, 탈라스를 통해 리드미컬하게 조직된 하나의 멜로디 라인 또는 라가를 기반으로 합니다. Ilango AdigalSilapadhikaram은 기존의 음계에서 강약의 모달 시프트에 의해 새로운 음계가 형성될 수 있는 방법에 대한 정보를 제공합니다.[47] 오늘날 힌디어 음악페르시아 전통 음악아프가니스탄 무굴의 영향을 받았습니다. 남부 주에서 인기 있는 카르나틱 음악은 대부분 헌신적입니다. 노래의 대부분은 힌두교 신들에게 보내는 것입니다. 사랑과 다른 사회적 이슈를 강조하는 노래들도 많습니다.

인도네시아는 공차임의 고향이며, 인도네시아 전역에 많은 변종이 있으며, 특히 자바와 발리에 있습니다.

인도네시아 음악청동기 시대 문화가 기원전 2~3세기에 인도네시아 군도로 이주하면서 형성되었습니다. 인도네시아 전통 음악은 타악기, 특히 검당을 자주 사용합니다. 그들 중 일부는 로테 섬의 사산도 현악기, 순단앵클룽, 그리고 복잡하고 정교한 자바발리의 가믈란 오케스트라와 같이 정교하고 독특한 악기들을 개발했습니다. 인도네시아작고 높은 음높이의 냄비 징 세트의 일반적인 용어인 징 차임의 고향입니다. 징은 일반적으로 낮은 나무 틀에 있는 줄 위에 두목이 올려져 있는 음순으로 놓입니다. 인도네시아 음악의 가장 대중적이고 유명한 형태는 아마도 가믈란일 것인데, 가믈란은 조율된 타악기의 합주로서 대나무 토막과 함께 메탈로폰, 드럼, , 스파이크 피들을 포함합니다.

중국의 전통 예술 혹은 궁정 음악인 중국의 클래식 음악은 약 3천 년에 걸친 역사를 가지고 있습니다. 그것은 고유의 음악적 표기 체계뿐만 아니라 음악적 조율과 음정, 악기와 스타일 또는 음악 장르를 가지고 있습니다. 중국 음악은 오음계-다이아토닉으로, 유럽의 영향을 받은 음악과 마찬가지로 12음에서 1옥타브(5+7=12)까지의 음계를 가지고 있습니다.

서양 고전파

초기음악

가톨릭 미사곡에서 나오는 음악 표기법, 1310–1320

중세 시대에 일어난 중세 음악 시대(476년~1400년)는 로마 가톨릭 교회 예배에 단성(단성 선율) 성가가 도입되면서 시작되었습니다. 그리스 문화에서는 고대부터 음악적 기보법이 사용되었으나, 중세에는 가톨릭 교회에서 처음으로 기보법을 도입하여 찬트 선율을 적을 수 있도록 하여 가톨릭 제국 전체의 종교 음악에 동일한 선율을 사용할 수 있도록 하였습니다. 800년 이전부터 문자 형태로 발견된 유일한 유럽 중세 레퍼토리는 그레고리오 성가라고 불리는 로마 가톨릭 교회의 단성 전례 평원 성가입니다. 성스러운 음악과 교회 음악의 이러한 전통과 함께 세속적인 노래(종교적이지 않은 노래)의 활기찬 전통이 존재했습니다. 이 시기의 작곡가들의 예로는 레오닌, 페로틴, 기욤마하우트, 발테르데르 보겔베이데 등이 있습니다.

르네상스 음악 c.(1400년에서 1600년)은 궁정적인 사랑과 같은 세속적인 (종교적이지 않은) 주제에 더 중점을 두었습니다. 1450년경, 인쇄기가 발명되었는데, 이것은 인쇄된 악보들을 훨씬 더 비싸지 않고 대량생산하기에 더 쉽게 만들었습니다. (인쇄기가 발명되기 전에는, 모든 주석이 달린 악보들이 손으로 복사되었습니다.) 악보의 가용성이 높아짐에 따라 음악 스타일이 더 빠르고 넓은 영역으로 확산되는 데 도움이 되었습니다. 음악가들과 가수들은 종종 교회, 법원, 마을에서 일했습니다. 교회 성가대는 규모가 커졌고, 교회는 음악의 중요한 후원자로 남아있었습니다. 15세기 중반까지, 작곡가들은 다른 멜로디 라인들이 동시에 합쳐진 다성음악을 풍부하게 썼습니다. 이 시대의 유명한 작곡가들은 기욤 뒤파이, 지오반니 피에루이지 팔레스트리나, 토마스 몰리, 그리고 올랑드라수스를 포함합니다. 음악 활동이 교회에서 귀족의 궁정으로 옮겨가면서, 왕과 왕비, 왕자들은 최고의 작곡가들을 두고 경쟁했습니다. 많은 중요한 작곡가들이 네덜란드, 벨기에, 프랑스 북부에서 왔습니다. 그들은 프랑코-플레미시 작곡가라고 불립니다. 그들은 유럽 전역, 특히 이탈리아에서 중요한 위치를 차지했습니다. 활기찬 음악 활동을 한 다른 나라들에는 독일, 영국, 스페인이 포함되어 있습니다.

공통실무기간

바로크

바로크 음악의 시대는 1600년부터 1750년까지 열렸는데, 바로크 예술 양식이 유럽 전역에서 번성했기 때문입니다; 그리고 이 시기 동안, 음악은 그것의 범위와 복잡성에서 확장되었습니다. 바로크 음악은 최초의 오페라 (오케스트라가 반주하는 극적인 솔로 성악)가 작곡되었을 때 시작되었습니다. 바로크 시대에는 여러 개의 동시에 독립적인 멜로디 라인이 사용되는 다성적대위법 음악이 중요하게 남아 있었습니다(중세 시대의 성악 음악에서 대위법이 중요했습니다). 독일 바로크 작곡가들은 파이프 오르간, 하프시코드, 클라비코드와 같은 합창단과 건반 악기뿐만 아니라 현악기, 금관악기, 목관악기를 포함한 작은 합주곡을 작곡했습니다. 이 시기 동안 푸가, 발명품, 소나타, 협주곡을 포함하여, 그것들이 더 확장되고 진화된 후기까지 지속된 몇 가지 주요 음악 형태들이 정의되었습니다.[48] 후기 바로크 양식은 다성음악적으로 복잡하고 풍부하게 장식되었습니다. 바로크 시대의 중요한 작곡가들은 요한 세바스티안 바흐 (첼로 모음곡), 게오르크 프리드리히 헨델 (메시아), 게오르크 필리프 텔레만안토니오 비발디 (사계)를 포함합니다.

고전주의
볼프강 아마데우스 모차르트는 고전주의 시대의 다작곡가이자 영향력 있는 작곡가였습니다.

고전주의 시대 (1730년에서 1820년)의 음악은 고대 그리스와 로마의 예술과 철학의 주요 요소들인 균형, 비율 그리고 규율된 표현의 이상들을 모방하는 것을 목표로 했습니다. (참고: 고전주의 시대의 음악은 일반적으로 고전주의 음악과 혼동되어서는 안 됩니다, 5세기부터 2000년대까지의 서양 예술 음악을 지칭하는 용어로, 고전주의 시대를 여러 시기 중 하나로 포함합니다.) 고전주의 시대의 음악은 바로크 시대 이전의 음악보다 더 가볍고, 더 선명하며, 상당히 단순한 질감을 가지고 있습니다. 두드러진 선율과 종속적인 화음반주 부분이 뚜렷하게 구분되는 [49]동음주가 주된 양식이었습니다. 클래식 기악 선율은 거의 음성적이고 노래할 수 있는 경향이 있었습니다. 새로운 장르들이 개발되었고, 현대 피아노의 전신인 포르테피아노는 바로크 시대의 하프시코드파이프 오르간을 주요 건반 악기로 대체했습니다 (비록 파이프 오르간은 미사와 같은 성스러운 음악에서 계속 사용되었습니다).

기악 음악을 중요하게 여겼습니다. 그것은 바로크 시대에 처음 정의된 음악 형태인 소나타, 협주곡, 교향곡의 추가적인 발전에 의해 지배되었습니다. 다른 주요 종류로는 트리오, 현악 4중주, 세레나데, 디베르티멘토가 있었습니다. 소나타는 가장 중요하고 발전된 형태였습니다. 비록 바로크 작곡가들도 소나타를 썼지만, 고전주의 소나타 양식은 완전히 다릅니다. 현악 사중주부터 교향곡, 협주곡에 이르기까지 고전 시대의 모든 주요 기악 형식들은 소나타의 구조에 기반을 두고 있습니다. 실내악과 오케스트라를 사용하는 악기들은 더욱 표준화되었습니다. 그룹 리더의 재량에 따라 선택된 많은 베이스 악기(예: 바이올린, 첼로, 오르간, 뱀)와 함께 하프시코드, 오르간 또는 루트로 구성된 바로크 시대의 바소 콘티뉴오 그룹 대신, 고전 실내악 그룹은 지정되고 표준화된 악기(예: 현악 4중주는 두 대의 바이올린, 비올라와 첼로가 연주합니다. 바로크 시대의 즉흥적인 건반악기 연주자나 류트 연주자의 화음 연주는 1750년과 1800년 사이에 점차 단계적으로 사라졌습니다.

고전주의 시대에 이루어진 가장 중요한 변화 중 하나는 대중음악회의 발전이었습니다. 귀족은 여전히 콘서트와 작곡의 후원에 중요한 역할을 했지만, 이제 작곡가들은 여왕이나 왕자의 영구적인 직원이 되지 않고 살아남을 수 있었습니다. 클래식 음악의 인기 증가는 오케스트라의 수와 종류의 증가로 이어졌습니다. 오케스트라 콘서트의 확장은 대규모 공공 공연 공간의 건설을 필요로 했습니다. 교향곡을 포함한 교향곡, 발레 반주, 오페라와 오라토리오 같은 혼합 성악/기악 장르가 인기를 끌었습니다.

가장 잘 알려진 고전주의 작곡가들은 칼 필립 에마누엘 바흐, 크리스토프 윌리발드 글룩, 요한 크리스티안 바흐, 요제프 하이든, 볼프강 아마데우스 모차르트, 루트비히베토벤, 프란츠 슈베르트입니다. 베토벤과 슈베르트 역시 낭만주의로 나아가기 시작하면서, 고전주의 후기의 작곡가로 여겨집니다.

낭만주의
피아노는 19세기 중산층 도시인들의 사회 활동의 중심이었습니다(모리츠슈윈드, 1868). 피아노 치는 사람은 작곡가 프란츠 슈베르트입니다.

19세기의 낭만주의 음악(c.1810년에서 1900년)은 그 시대의 문학과 회화에서 낭만주의 양식과 공통된 많은 요소들을 가지고 있습니다. 낭만주의는 예술적이고 문학적이며 지적인 운동이었고 모든 과거와 자연을 미화하는 것뿐만 아니라 감정과 개인주의를 강조하는 것이 특징이었습니다. 낭만주의 음악은 고전주의 시대의 경직된 양식과 형식을 넘어 더 열정적이고 극적인 표현곡과 노래로 확장되었습니다. 바그너브람스와 같은 낭만주의 작곡가들은 더 깊은 진실이나 인간의 감정을 묘사하기 위해 그들의 음악에서 감정적인 표현과 힘을 증가시키려고 시도했습니다. 교향곡 시와 함께, 작곡가들은 기악곡을 사용하여 이야기를 전하고 이미지나 풍경을 불러 일으키려고 노력했습니다. 일부 작곡가들은 민속 음악에서 영감을 받은 애국적인 관현악 음악으로 민족주의적 자부심을 고취시켰습니다. 음악의 감성적이고 표현적인 특성이 전통보다 우선하게 되었습니다.

낭만주의 작곡가들은 특이한 상황에서 성장했고, 음악적 맥락에서 (문학과 같은), 역사 (역사적 인물과 전설), 또는 자연 그 자체에서 다양한 예술 형태를 탐구하는 혼합주의에서 더 나아갔습니다. 낭만적인 사랑이나 그리움은 이 시기에 작곡된 많은 작품에서 널리 퍼진 주제였습니다. 어떤 경우에는, 고전 시대의 형식적인 구조들이 계속 사용되었지만(예를 들어, 현악 사중주교향곡에 사용된 소나타 형식), 이러한 형식들은 확장되고 변경되었습니다. 기존의 장르, 형태, 기능에 대한 새로운 접근법을 모색하는 경우가 많았습니다. 또한, 새로운 주제에 더 적합하다고 판단되는 새로운 양식이 만들어졌습니다. 작곡가들은 오페라와 발레 음악을 계속 발전시키며 새로운 스타일과 주제를 탐구했습니다.[39]

1800년 이후 몇 년 동안 루트비히 판 베토벤과 프란츠 슈베르트에 의해 발전된 음악은 더 극적이고 표현적인 스타일을 도입했습니다. 베토벤의 경우, 유기적으로 발전된 짧은 모티브들멜로디를 가장 중요한 구성 단위로 대체하게 되었습니다(그의 5번 교향곡에 사용된 독특한 4음 도형이 그 예입니다). 표트르 일리치 차이콥스키, 안토닌 드보 ř라크, 그리고 구스타프 말러와 같은 후기 낭만주의 작곡가들은 극적인 긴장감을 만들기 위해 더 특이한 화음과 더 많은 불협화음을 사용했습니다. 그들은 복잡하고 종종 훨씬 더 긴 음악 작품을 만들었습니다. 후기 낭만주의 시대 동안, 작곡가들은 새로운 소리 "색"을 만들어 낸 확장 화음변경 화음과 같은 조성의 극적인 반음계 변화를 탐구했습니다. 19세기 후반에는 오케스트라의 크기가 극적으로 확장되었고, 산업 혁명은 더 강력한 소리를 만들면서 더 나은 악기를 만드는 데 도움을 주었습니다. 대중 음악회는 부유한 도시 사회의 중요한 부분이 되었습니다. 그것은 또한 오페레타, 뮤지컬 코미디와 다른 형태의 뮤지컬 연극을 포함한 연극 음악에서 새로운 다양성을 보았습니다.[39]

20세기와 21세기

랜드만의 2006년 Momentswinger, 세 번째 브릿징 오버톤의 지터실험적인 악기들의 예

19세기에 새로운 작곡이 대중에게 알려지게 된 중요한 방법 중 하나는 중산층 아마추어 음악 애호가들이 집에서 피아노나 바이올린과 같은 다른 일반적인 악기로 연주하는 악보 판매였습니다. 20세기 음악과 함께, 라디오 방송과 같은 새로운 전기 기술의 발명과 축음기 음반의 대중 시장 이용 가능성은 청취자들이 (라디오나 그들의 음반 플레이어에서) 듣는 노래와 곡들의 사운드 녹음이 새로운 노래와 곡들에 대해 배우는 주요한 방법이 되었다는 것을 의미했습니다. 라디오가 인기를 얻고 음악을 재생하고 배포하기 위해 축음기가 사용됨에 따라 음악 청취가 크게 증가했습니다. 라디오나 음반 플레이어가 있는 사람은 누구나 거실에서 오페라, 교향곡, 빅 밴드를 들을 수 있는 반면, 19세기 동안, 악보에 대한 집중은 음악을 읽을 수 있고 피아노와 악기를 소유한 중산층과 상류층에게 새로운 음악에 대한 접근을 제한했습니다. 이것은 오페라나 교향곡 콘서트 티켓을 살 여유가 없었던 저소득층이 이 음악을 들을 수 있게 해주었습니다. 그것은 또한 사람들이 이 장소들을 여행할 여유가 되지 않더라도 나라의 다른 지역, 심지어 세계의 다른 지역에서 음악을 들을 수 있다는 것을 의미했습니다. 이것은 음악 스타일을 전파하는 데 도움이 되었습니다.

20세기 예술 음악의 초점은 새로운 리듬, 스타일, 소리에 대한 탐구로 특징지어졌습니다. 1차 세계대전의 공포는 음악을 포함한 많은 예술에 영향을 미쳤고, 일부 작곡가들은 더 어둡고 거친 소리를 탐구하기 시작했습니다. 재즈포크 음악과 같은 전통 음악 양식은 작곡가들에 의해 클래식 음악에 대한 아이디어의 원천으로 사용되었습니다. 이고르 스트라빈스키, 아놀드 쇤베르크, 존 케이지는 모두 20세기 예술 음악에서 영향력 있는 작곡가들이었습니다. 사운드 레코딩의 발명과 음악을 편집하는 능력은 전자 작곡의 어쿠스틱[50] Musique 콘크리트 학교를 포함한 클래식 음악의 새로운 하위 장르를 탄생시켰습니다. 사운드 레코딩은 대중 음악 장르의 발전에도 큰 영향을 미쳤는데, 이는 노래와 밴드의 레코딩이 널리 보급될 수 있게 했기 때문입니다. 밴드의 연주를 녹음하는 것보다 훨씬 더 많은 것을 할 수 있기 때문에, 멀티트랙 녹음 시스템의 도입은 락 음악에 큰 영향을 미쳤습니다. 멀티트랙 시스템을 사용하면 밴드와 그들의 음악 프로듀서는 여러 겹의 악기 트랙과 보컬을 중복하여 라이브 공연에서는 불가능한 새로운 사운드를 만들어 낼 수 있습니다.

재즈는 20세기에 걸쳐 음악의 중요한 장르가 되었고, 그 세기의 후반부 동안 록 음악도 마찬가지였습니다. 재즈(Jazz)는 20세기 초 미국 남부의 아프리카계 미국인 공동체에서 아프리카와 유럽 음악 전통의 융합에서 유래한 미국의 음악 예술 형식입니다. 이 양식의 서아프리카 혈통은 파란색 음표, 즉흥성, 폴리리듬, 싱커페이션스윙 음표의 사용에서 분명합니다.[51]

شيرين
셰린

록 음악은 1960년대 로큰롤, 로커빌리, 블루스, 컨트리 음악에서 1950년대에 발전한 대중 음악의 한 장르입니다.[52] 록의 소리는 종종 일렉 기타나 어쿠스틱 기타를 중심으로 회전하며, 리듬 섹션에 의해 눕혀진 강한비트를 사용합니다. 기타나 키보드와 함께 색소폰과 블루스 스타일의 하모니카가 독주 악기로 사용됩니다. "가장 순수한 형태"로, 그것은 "세 개의 화음, 강하고 끈질긴 백 비트, 그리고 귀에 쏙쏙 들어오는 멜로디를 가지고 있습니다."[This quote needs a citation] 대중음악의 전통적인 리듬 섹션은 리듬 기타, 일렉트릭 베이스 기타, 드럼입니다. 일부 밴드에는 오르간, 피아노 또는 1970년대 이후 아날로그 신시사이저와 같은 키보드 악기도 있습니다. 1980년대에 대중 음악가들은 DX-7 신시사이저, TR-808과 같은 전자 드럼 머신, 그리고 신스 베이스 장치(TB-303과 같은) 또는 신스 베이스 키보드와 같은 디지털 신시사이저를 사용하기 시작했습니다. 1990년대에는 점점 더 광범위한 컴퓨터화된 하드웨어 음악 장치와 악기 및 소프트웨어(예: 디지털 오디오 워크스테이션)가 사용되었습니다. 2020년대에는 소프트 신스와 컴퓨터 음악 앱을 통해 침실 제작자가 자신의 집에서 전자 댄스 음악과 같은 일부 유형의 음악을 만들고 녹음할 수 있으며 샘플링된 악기와 디지털 악기를 추가하고 녹음을 디지털로 편집할 수 있습니다. 1990년대에 nu 메탈과 같은 장르의 일부 밴드들이 그들의 밴드에 DJ를 포함시키기 시작했습니다. DJ는 DJ 믹서를 사용하여 레코드 플레이어나 CD 플레이어에서 녹음된 음악을 조작하여 음악을 만듭니다.

음악 기술의 혁신은 21세기까지 이어졌는데, 여기에는 동형 키보드와 다이나믹 톤(Dynamic Tonality)의 개발이 포함됩니다.

창조.

구성.

프랑스 바로크 음악 작곡가 Michel Richard Delalande (1657–1726), 손에 든 펜
2013년 전자 키보드와 컴퓨터를 이용하여 음악을 작곡한 사람들

"작곡"은 노래, 기악곡, 노래와 악기가 모두 있는 작품, 또는 다른 종류의 음악을 만드는 행위 또는 연습입니다. 서양 고전 음악을 포함한 많은 문화권에서, 작곡 행위는 또한 악보와 같은 음악 표기법을 만드는 것을 포함합니다. 악보는 작곡가나 다른 가수나 음악가에 의해 연주됩니다. 대중 음악과 전통 음악에서 일반적으로 작곡이라고 불리는 작곡 행위는 멜로디, 가사 코드 진행을 설명하는 리드 시트라고 불리는 곡의 기본 윤곽을 만드는 것을 포함할 수 있습니다. 클래식 음악에서 작곡가는 일반적으로 자신의 작곡을 조율하지만 뮤지컬 연극과 팝 음악에서 작곡가는 편곡자를 고용하여 조정을 할 수 있습니다. 경우에 따라 작곡가는 기보법을 전혀 사용하지 않고, 대신 마음속으로 곡을 작곡한 후 기억에서 재생하거나 녹음합니다. 재즈와 대중음악에서는 영향력 있는 연주자들에 의한 주목할 만한 음반들이 클래식 음악에서 기록된 악보들이 차지하는 비중이 주어집니다.

클래식 음악처럼 음악이 비교적 정확하게 표기되어 있을 때에도 연주자가 내려야 할 결정은 많습니다. 왜냐하면 표기가 음악의 모든 요소를 정확하게 명시하는 것은 아니기 때문입니다. 이전에 작곡되고 주석이 달린 음악을 어떻게 연주할지 결정하는 과정을 "해석"이라고 합니다. 같은 음악 작품에 대한 다른 연주자들의 해석은 선택되는 템포와 멜로디의 연주 또는 창법 또는 표현 방식에 있어서 매우 다양할 수 있습니다. 자신의 음악을 선보이는 작곡가와 작곡가는 다른 사람의 음악을 연주하는 사람들과 마찬가지로 자신의 노래를 해석하고 있습니다. 공연 연습은 주어진 시간과 주어진 장소에 존재하는 선택과 기술의 표준체라고 불리는 반면, 해석은 일반적으로 공연자의 개인적 선택을 의미하기 위해 사용됩니다.[citation needed]

음악적 구성이 종종 음악적 기보법을 사용하고 단일 작가가 있지만 항상 그렇지는 않습니다. 음악 작품에는 여러 작곡가가 있을 수 있는데, 이는 대중 음악에서 종종 밴드가 협력하여 곡을 작곡하거나 뮤지컬 극장에서 한 사람이 멜로디를 작곡하고, 두 번째 사람이 가사를 쓰고, 세 번째 사람이 곡을 조율할 때 발생합니다. 블루스와 같은 일부 스타일의 음악에서 작곡가/작곡가는 새로운 노래나 곡을 음악 표기법으로 기록하지 않고 만들고, 공연하고, 녹음할 수 있습니다. 음악은 또한 가수나 음악가가 어떻게 음악적 소리를 만들어야 하는지를 설명하거나 주석을 달아주는 단어, 이미지 또는 컴퓨터 프로그램으로 구성될 수 있습니다. 그래픽 표기를 사용하는 아방가르드 음악부터, Aus den sieben Tagen과 같은 텍스트 구성, 음악 작품에 대한 소리를 선택하는 컴퓨터 프로그램까지 다양한 예입니다. 무작위성과 우연성을 많이 활용하는 음악을 알레토릭 음악이라고 하며, 존 케이지, 모튼 펠드만, 비톨드 루토스와프스키 등 20세기에 활동한 동시대 작곡가들과 연관되어 있습니다. 우연을 기반으로 한 음악의 더 일반적으로 알려진 는 산들바람에 울리는 차임벨 소리입니다.

작곡에 대한 연구는 전통적으로 서양 고전 음악의 방법과 연습에 대한 검토에 의해 지배되어 왔습니다. 그러나 작곡의 정의는 대중 음악전통 음악, 기악곡의 창작뿐만 아니라 자유 재즈 연주자들이나 Ewe 드러머와 같은 아프리카 타악기 연주자들의 즉흥적인 작품을 포함할 만큼 충분히 광범위합니다.

성능

중국 낙시 음악가
수천 년 전으로 거슬러 올라가는 악기인 주르나다불을 연주하는 아시리아인들

연주는 음악의 물리적인 표현으로, 노래를 부르거나 음악가들이 피아노 작품, 전기 기타 선율, 교향곡, 드럼 비트 또는 다른 음악적인 부분을 연주할 때 발생합니다. 클래식 음악에서, 음악 작품은 작곡가에 의해 음악 표기법으로 쓰여지고 그 작곡가가 그 구조와 악기에 만족하면 연주됩니다. 그러나 공연이 진행됨에 따라 노래나 작품의 해석이 진화하고 변화할 수 있습니다. 클래식 음악에서 기악 연주자, 가수 또는 지휘자는 작품의 문구나 템포를 점진적으로 변경할 수 있습니다. 대중 음악과 전통 음악에서 연주자들은 노래나 작품의 형태를 변경할 수 있는 자유가 훨씬 더 많습니다. 이처럼 대중적이고 전통적인 음악 스타일에서는 밴드가 커버곡을 연주할 때에도 기타 솔로를 추가하거나 도입부를 삽입하는 등의 변화를 줄 수 있습니다.

공연은 클래식 음악, 재즈 빅 밴드 및 많은 대중 음악 스타일에서 일반적으로 사용되는 계획 및 리허설(연습)을 하거나 소규모 재즈블루스 그룹에서 일반적으로 사용되는 코드 진행(코드 시퀀스)에 대해 즉흥적으로 수행할 수 있습니다. 오케스트라, 콘서트 밴드, 합창단의 리허설은 지휘자가 지휘합니다. 록, 블루스, 재즈 밴드는 대개 밴드 리더가 지휘합니다. 리허설은 연주자들이 노래나 작품을 정확하게 부르거나 연주할 수 있을 때까지, 그리고 두 명 이상의 음악가를 위한 노래나 작품인 경우, 리듬과 튜닝 관점에서 그 부분들이 함께 할 때까지 구조화된 반복입니다. 즉흥 연주는 종종 음계나 기존의 멜로디 리프에 기초하여 즉석에서 만들어진 음악적 아이디어(멜로디 또는 기타 음악적 라인)를 창조하는 것입니다.

많은 문화들은 인도의 클래식 음악과 서양의 예술-음악 전통과 같이 솔로 공연(한 명의 가수나 기악가가 공연하는)의 강한 전통을 가지고 있습니다. 발리와 같은 다른 문화에는 그룹 공연의 강한 전통이 있습니다. 모든 문화에는 두 가지가 혼합되어 있으며, 공연은 즉흥적인 솔로 연주부터 현대 클래식 콘서트, 종교 행렬, 클래식 음악 축제 또는 음악 경연대회와 같은 고도로 계획되고 조직된 공연까지 다양할 수 있습니다. 악기 종류가 각각 하나 또는 몇 개에 불과한 작은 합주를 위한 음악인 실내악은 종종 큰 교향곡 작품보다 더 친밀한 것으로 여겨집니다.

즉흥연주

음악 즉흥 연주는 종종 기존의 화성적인 틀 또는 코드 진행 안에서(또는 그에 기초한) 자발적인 음악을 창조하는 것입니다. 즉흥 연주자들은 화음의 음표, 각 화음과 관련된 다양한 음계, 그리고 화음의 톤이나 화음과 관련된 전형적인 음계가 아닐 수 있는 반음계 장식과 통과음계를 사용합니다. 음악 즉흥 연주는 준비 없이도 가능합니다. 즉흥 연주는 블루스, 재즈재즈 퓨전과 같은 일부 유형의 음악에서 악기 연주자가 솔로, 멜로디 라인 및 반주 부분을 즉흥적으로 연주하는 주요 부분입니다.

서양 예술 음악 전통에서, 즉흥 연주는 바로크 시대와 고전 시대에 중요한 기술이었습니다. 바로크 시대에, 연주자들은 장식품을 즉흥적으로 연주했고, 바소 콘티뉴어 건반 연주자들은 그림 같은 베이스 기보법에 기초한 화음 목소리를 즉흥적으로 연주했습니다. 또한, 최고의 솔로 가수들은 서곡과 같은 곡들을 즉흥적으로 연주할 수 있을 것으로 기대되었습니다. 클래식 시대에, 솔로 연주자들과 가수들은 콘서트 동안 비르투오소 카덴차를 즉흥적으로 연주했습니다.

그러나 20세기와 21세기 초 '공통적인 관행' 서양 예술 음악 연주가 교향악단, 오페라 하우스, 발레 등에서 제도화되면서 음악가들이 연주할 수 있는 악보와 부분에 주석을 다는 경우가 많아지면서 즉흥 연주의 역할은 줄어들었습니다. 동시에, 일부 20세기와 21세기 예술 음악 작곡가들은 점점 더 그들의 창작 작업에 즉흥 연주를 포함시켰습니다. 인도의 클래식 음악에서 즉흥은 연주의 핵심적인 구성 요소이자 필수적인 기준입니다.

예술과 오락

그랜드 피아노를 연주하는 하티아 부니아티쉬빌리

음악은 미학적 즐거움, 종교적 또는 의례적 목적, 또는 시장을 위한 오락적 제품에 이르기까지 다양한 목적을 위해 작곡되고 공연됩니다. 클래식과 낭만주의 시대와 같이 악보를 통해서만 음악을 구할 수 있었을 때, 음악 애호가들은 그들이 가장 좋아하는 과 노래의 악보를 사서 집에서 피아노로 연주할 수 있었습니다. 축음기의 등장으로 악보가 아닌 대중가요의 음반이 음악 애호가들이 좋아하는 노래를 즐기는 지배적인 방식이 되었습니다. 1980년대 가정용 테이프 녹음기와 1990년대 디지털 음악의 등장으로 음악 애호가들은 그들이 좋아하는 노래의 테이프나 재생 목록을 만들어 휴대용 카세트 플레이어나 MP3 플레이어에 가져갈 수 있었습니다. 어떤 음악 애호가들은 그들이 가장 좋아하는 노래의 믹스테이프를 만드는데, 이것은 "자화상, 우정의 표현, 이상적인 파티를 위한 처방..."의 역할을 합니다. [그리고] 가장 적극적으로 사랑받는 것만으로 구성된 환경."[53]

아마추어 음악가들은 자신의 즐거움을 위해 음악을 작곡하거나 공연하고 다른 곳에서 수입을 얻을 수 있습니다. 전문 음악가는 군대(행진 밴드, 콘서트 밴드 및 대중 음악 그룹), 종교 기관, 교향악단, 방송 또는 영화 제작 회사음악 학교를 포함한 다양한 기관 및 조직에서 고용됩니다. 전문 음악가들은 때때로 프리랜서나 세션 음악가로 일하면서 다양한 환경에서 계약과 계약을 추구합니다. 아마추어 음악가와 프로 음악가 사이에는 종종 많은 연결고리가 있습니다. 초보 아마추어 음악가들은 전문 음악가들과 함께 수업을 듣습니다. 커뮤니티 환경에서는 고급 아마추어 음악가들이 커뮤니티 콘서트 밴드, 커뮤니티 오케스트라 등 다양한 앙상블에서 전문 음악가들과 함께 공연합니다.

라이브 청중을 위해 연주되는 음악과 스튜디오에서 연주되는 음악을 구분하여 음반 소매 시스템이나 방송 시스템을 통해 녹음 및 유통할 수 있도록 하는 경우가 많습니다. 하지만 관객 앞에서의 라이브 공연도 녹음하여 배포하는 경우도 많습니다. 라이브 콘서트 녹음은 음악 애호가들이 불법적으로 녹음한 라이브 콘서트를 소중하게 여기는 록과 같은 대중적인 음악 형태와 클래식 음악 모두에서 인기가 있습니다. 잼 밴드 장면에서는 스튜디오 녹음보다 라이브 즉흥세션을 선호합니다.

표기법

악보는 음악을 문자로 표현한 것입니다. 혼성을 위한 표준 2악장 형식의 전통적인 "Adeest Fideles"의 호모리듬(즉, 찬송가 스타일) 편곡. 놀이를 하다

2000년대의 음악 표기법은 일반적으로 기호를 사용하여 종이 위에 음표와 리듬을 문자로 표현하는 것을 의미합니다. 음악을 적을 때, 멜로디의 음정과 같은 음악의 음정과 리듬이 표기됩니다. 음악 표기법은 또한 종종 음악을 연주하는 방법에 대한 지침을 제공합니다. 예를 들어, 노래의 악보에는 그 노래가 템포와 장르를 나타내는 "느린 블루스" 또는 "빠른 스윙"이라고 명시되어 있을 수 있습니다. 음악 표기법을 읽기 위해서는 음악 이론, 화음, 특정 노래나 작품의 장르와 관련된 연주 관행에 대한 이해가 있어야 합니다.

표기법은 음악의 스타일과 시기에 따라 다릅니다. 2000년대에, 노트에 기록된 음악은 악보로 제작되거나, 컴퓨터 스코어라이터 프로그램을 가진 사람들을 위해, 컴퓨터 화면의 이미지로 제작됩니다. 고대에는, 음악 표기법이 돌이나 점토판 위에 올려졌습니다. 기보법으로 음악을 연주하기 위해 가수나 기악 연주자는 기호에 구현된 리듬과 음정 요소에 대한 이해와 음악 작품이나 장르와 관련된 연주 연습이 필요합니다. 음악적 즉흥성이 요구되는 장르에서 연주자는 종종 코드의 변화와 곡의 형태만이 쓰여진 음악에서 연주를 하는데, 이는 연주자에게 음악의 구조, 조화 및 특정 장르(예: 재즈 또는 컨트리 음악)의 스타일에 대한 큰 이해를 요구합니다.

서양 예술 음악에서 가장 일반적인 필기 표기 유형은 앙상블 작품의 모든 음악 부분을 포함하는 악보와 개별 연주자나 가수를 위한 음악 표기인 파트입니다. 대중 음악, 재즈 그리고 블루스에서, 표준 음악 표기법은 리드 악보이며, 이것은 멜로디, 화음, 가사 (만약 그것이 성악곡이라면), 그리고 음악의 구조를 표기합니다. 가짜 책들은 재즈에서도 사용됩니다; 그것들은 리드 시트나 단순한 코드 차트로 구성될 수 있고, 이것은 리듬 섹션 멤버들이 재즈 노래의 반주 부분을 즉흥적으로 할 수 있게 합니다. 악보와 부품은 대중 음악과 재즈, 특히 재즈 "빅 밴드"와 같은 대형 앙상블에서도 사용됩니다. 대중 음악에서 기타 연주자들과 전기 베이스 연주자들은 종종 기타나 베이스 핑거보드의 다이어그램을 사용하여 악기에서 연주할 음의 위치를 나타내는 로 표기된 음악을 읽습니다. 타블라처는 또한 바로크 시대에 현악기인 프렛 악기인 루테를 위한 음악을 표기하는 데에도 사용되었습니다.

구전 및 구전

전통적인 블루스나 포크 음악과 같은 많은 종류의 음악들은 악보에 기록되지 않았습니다; 대신에, 그것들은 원래 연주자들의 기억 속에 보존되었고, 그 노래들은 구두로, 한 음악가나 가수에서 다른 음악가로, 또는 연주자가 "귀로" 노래를 배우는 청각적으로 전해졌습니다. 노래나 작품의 작곡가를 더 이상 알 수 없을 때, 이 음악은 종종 "전통적" 또는 "민요"로 분류됩니다. 음악적 전통에 따라 음악에 즉흥이나 수정을 요구하는 것부터, 상당히 엄격한 것까지, 원본 자료를 어떻게, 어디서 변경해야 하는지에 대한 태도가 다릅니다. 한 문화의 역사와 이야기는 노래를 통해 귀로 전달될 수도 있습니다.

요소들

음악은 많은 다양한 기본 또는 요소를 가지고 있습니다. 사용되는 "요소"의 정의에 따라 음정, 박자 또는 펄스, 템포, 리듬, 멜로디, 조화, 질감, 스타일, 목소리 할당, 음색 또는 색상, 역동성, 표현, 아티큘레이션, 형태 및 구조가 여기에 포함될 수 있습니다. 음악의 요소는 호주, 영국 및 미국의 음악 교육 과정에서 두드러집니다. 세 가지 교육과정 모두 음정, 강약, 음색, 질감을 요소로 파악하고 있지만, 파악된 다른 음악 요소들은 보편적으로 합의된 것과는 거리가 있습니다. 다음은 "음악의 요소"의 세 가지 공식 버전을 나열한 것입니다.

  • 호주: 음정, 음색, 질감, 역동성과 표현, 리듬, 형식과 구조.[54]
  • 영국: 음정, 음색, 질감, 역동성, 지속시간, 템포, 구조.[55]
  • 미국: 음정, 음색, 질감, 역동성, 리듬, 형식, 조화, 스타일/발음.[56]

영국 교육과정과 관련하여 2013년에는 "적절한 음악적 표기법"이라는 용어가 그들의 요소 목록에 추가되었고 목록의 제목이 "음악의 요소"에서 "음악의 상호 관련 차원"으로 변경되었습니다. 음악의 상호 관련된 차원은 음정, 지속 시간, 역학, 템포, 음색, 질감, 구조 및 적절한 음악 표기법으로 나열됩니다.[57]

"음악의 요소"라는 말은 다양한 맥락에서 사용됩니다. 가장 일반적인 두 가지 맥락은 "음악의 기초적 요소"와 "음악의 지각적 요소"로 설명함으로써 구별할 수 있습니다.[n 4]

피치

음정은 우리가 들을 수 있는 소리의 한 측면으로, 한 음악적 소리, 음 또는 음색이 다른 음악적 소리, 음 또는 음색보다 "높음" 또는 "낮음"을 반영합니다. 우리는 듣는 사람이 날카로운 높은 피콜로 음을 듣거나 베이스 드럼의 깊은 쿵 소리보다 더 높은 음정의 휘파람 소리를 듣는 방식과 같이 더 일반적인 의미에서 음정의 높낮이에 대해 이야기할 수 있습니다. 또한 음악적 멜로디, 베이스라인화음과 관련된 정확한 의미의 음정에 대해 이야기합니다. 정확한 음정은 소음과 구별할 수 있을 정도로 주파수가 명확하고 안정적인 소리에서만 판단할 수 있습니다. 예를 들어, 듣는 사람들이 피아노로 연주되는 한 음의 음정을 식별하는 것은 부딪히는 충돌 심벌의 음정을 식별하는 것보다 훨씬 쉽습니다.

멜로디

전통가요 '팝 고즈족제비' 연극 선율

멜로디("tune"라고도 함)는 종종 오르락내리락하는 패턴으로 연속적으로(일련 차례로) 들리는 일련의 음정(음표)입니다. 멜로디의 음은 일반적으로 음계모드와 같은 음정 시스템을 사용하여 만들어집니다. 멜로디에는 노래에 사용된 화음의 음이 포함되어 있는 경우가 많습니다. 단순한 민요나 전통가요의 선율은 주어진 노래의 으뜸음이나 와 관련된 음계인 단일 음계의 음만을 사용할 수 있습니다. 예를 들어, C장조(C장조라고도 함)의 민요는 C장조 음계(개별음 C, D, E, F, G, A, B, C; 이것들은 피아노 건반의 "백음")만을 사용하는 멜로디를 가질 수 있습니다. 반면, 1940년대의 비밥 시대의 재즈와 20세기와 21세기의 현대 음악[disambiguation needed] 많은 반음계 (즉, 주요 음계의 음들 외에 다른 음들)를 가진 멜로디를 사용할 수 있습니다. 피아노에서 반음계는 "백음계"와 "흑음계"를 포함한 건반의 모든 음들을 포함할 것입니다. 를 들어 전음계(C 키의 전음계에는 C, D, E, F ♯, G ♯ 및 A ♯가 포함됩니다)와 같은 음계입니다. 더블 베이스, 일렉트릭 베이스, 튜바와 같은 베이스 악기들이 연주하는 낮고 깊은 음악적인 선을 베이스 라인이라고 부릅니다.

하모니

기타로 화음(여러 가지 다른 음의 조합)을 연주하는 연주자

화음은 음악에서 음의 '수직' 소리를 말하는데, 화음을 만들기 위해 동시에 연주하거나 함께 부르는 음을 의미합니다. 보통 이것은 화음 구조를 설명하는 멜로디에 의해 조화가 암시될 수 있지만(즉, 화음의 음을 차례로 연주하는 멜로디 노트를 사용하여) 동시에 음이 연주된다는 것을 의미합니다. 1600년부터 1900년까지 작곡된 대부분의 클래식 음악과 대부분의 서양 팝, 록, 전통 음악을 포함하는 장조음("keys")의 체계를 사용하여 작곡된 음악에서, 작품의 키는 작품이 일반적으로 해결되는 "가정음" 또는 강약과 사용되는 음계의 문자(예: 장조 또는 단조)를 결정합니다. 간단한 클래식 곡들과 많은 팝과 전통 음악 노래들이 모든 음악이 하나의 키로 되어 있도록 쓰여집니다. 좀 더 복잡한 클래식, 팝 및 전통 음악 노래와 곡에는 두 개의 키(경우에 따라 세 개 이상의 키)가 있을 수 있습니다. 낭만주의 시대의 고전 음악(약 1820-1900년 작곡)은 재즈, 특히 1940년대의 비밥 재즈와 마찬가지로 종종 여러 개의 건반을 포함하고 있는데, 이 건반은 노래의 건반이나 "집음"이 4마디마다 또는 심지어 2마디마다 바뀔 수 있습니다.

리듬

리듬은 소리와 침묵을 시간에 맞춰 배열하는 것입니다. 미터일반적인 펄스 그룹(measure 또는 bar)에서 시간을 애니메이션화하며, 서양 고전 음악, 대중 음악, 전통 음악에서 흔히 2개(예: 2/4시간), 3개(예: 3/4시간, 왈츠 시간 또는 3/8시간) 또는 4개(예: 4/4시간)로 구성된 세트로 음을 그룹화합니다. 미터는 노래와 곡들이 각 그룹의 첫 번째 비트에 강조를 두는 경우가 많기 때문에(항상 그렇지는 않습니다) 듣기가 더 쉬워집니다. 많은 서양 팝과 록에서 사용되는 백비트와 같은 주목할 만한 예외가 존재합니다. 4/4 박자(4/4 시간 또는 공통 시간이라고 함)로 구성된 박자를 사용하는 노래는 2박자와 4박자에 액센트를 갖는데, 이는 일반적으로 드러머가 크고 독특한 소리의 타악기인 올가미 드럼에서 연주합니다. 팝과 록에서 노래의 리듬 부분은 코드 연주 악기(예: 일렉트릭 기타, 어쿠스틱 기타, 피아노 또는 기타 키보드 악기), 베이스 악기(일반적으로 일렉트릭 베이스 또는 재즈블루그래스, 더블 베이스와 같은 일부 스타일의 경우) 및 드럼 키트 플레이어를 포함하는 리듬 섹션에 의해 재생됩니다.

식감

음악적 질감은 음악이나 노래의 전반적인 소리입니다. 작품이나 노래의 질감은 선율적, 리듬적, 조화적인 재료들이 어떻게 구성되어 있는지에 따라 결정되며, 따라서 작품에서 소리의 전체적인 특성을 결정합니다. 질감은 종종 가장 낮은 음과 가장 높은 음 사이의 밀도, 두께, 범위, 폭과 관련하여 상대적인 용어로 설명될 뿐만 아니라 목소리의 수, 또는 부분에 따라 더 구체적으로 구별됩니다(아래 일반적인 유형 참조). 예를 들어, 두꺼운 질감에는 많은 '층'의 악기가 들어 있습니다. 이 층 중 하나는 현악기 또는 다른 황동일 수 있습니다. 두께 또한 악기의 양과 풍부함에 영향을 받습니다. 질감은 일반적으로 음악의 부분 또는 대사의 수와 관계에 따라 설명됩니다.

  • 단성: 악기 반주화음도 없는 단일 멜로디(또는 "조율"). 엄마가 아기에게 자장가를 불러주는 것이 예가 될 것입니다.
  • 이종혼교: 둘 이상의 악기나 가수가 같은 멜로디를 연주하거나 singing하지만 연주자마다 멜로디의 리듬이나 속도를 조금씩 달리하거나 멜로디에 다른 장식을 추가합니다. 동일한 전통적인 바이올린 선율을 함께 연주하는 두 의 블루그래스 피들은 일반적으로 각각 멜로디를 어느 정도 변화시키고 각각 다른 장식을 추가합니다.
  • 폴리포니: 함께 어우러지는 여러 개의 독립적인 멜로디 라인이 동시에 부르거나 연주됩니다. 르네상스 음악 시대에 쓰여진 합창 음악은 전형적으로 이런 스타일로 쓰여졌습니다. "Row, Row, Row Your Boat"과 같은 노래인 라운드다른 그룹의 가수들이 모두 다른 시간에 노래를 부르기 시작하는 것이 다성음악의 한 예입니다.
  • 동성애: 화음 반주에 의해 뒷받침되는 명확한 멜로디 19세기 이후의 대부분의 서양 대중 음악 노래들은 이 질감으로 쓰여집니다.

독립적인 부분을 많이 포함하고 있는 음악(예를 들어, 많은 음역을 엮은 100개의 관현악 악기가 동반하는 이중 협주곡)은 일반적으로 부분이 거의 없는 작품(예를 들어, 단 하나의 첼로가 동반하는 독주 플루트 선율)보다 "더 두껍다"거나 "더 조밀하다"는 질감을 가지고 있다고 말합니다.

팀브레

펜더 스트래토캐스터 기타로 연주되는 E9 현악기 코드의 첫 번째 1초의 스펙트로그램. 아래는 E9 서스펜션 코드 오디오입니다.

때때로 "컬러" 또는 "톤 컬러"라고 불리는 음색은 목소리 또는 악기의 품질 또는 소리입니다.[62] 음색은 그들이 같은 음정과 큰 소리를 가지고 있을 때에도 특정한 음악적 소리를 다른 음악적 소리와 다르게 만드는 것입니다. 예를 들어, 440Hz A 음은 오보에, 피아노, 바이올린, 또는 전기 기타로 연주될 때 다르게 들립니다. 동일한 악기의 다른 연주자가 동일한 음을 연주하더라도 악기 기술(예: 다른 엠보수), 다른 종류의 액세서리(예: 금관악기 연주자용 마우스피스)의 차이로 인해 음이 다를 수 있습니다. 오보에와 바순 연주자를 위한 갈대) 또는 현악기 연주자를 위한 다양한 재료로 만들어진 현(예: 내장 강철 현). 같은 악기로 같은 음을 연주하는 두 명의 기악 연주자라도 다른 악기 연주 방법(예: 두 현악기 연주자가 활을 잡는 방법이 다를 수 있음)으로 인해 소리가 다를 수 있습니다.

음색의 지각을 결정하는 소리의 물리적 특성에는 음이나 음악적 소리의 스펙트럼, 외피, 배음 등이 있습니다. 전기 기타, 전기 베이스, 전기 피아노20세기에 개발된 전기 악기의 경우, 연주자는 이퀄라이저 컨트롤, 악기의 음색 컨트롤을 조정하고 왜곡 페달과 같은 전자 효과 장치를 사용하여 음색을 변경할 수도 있습니다. 전자식 해먼드 오르간의 음색은 드로우바를 조정하여 제어됩니다.

표현

표현적 특성은 음악에서 주요 음정을 바꾸거나 멜로디와 그 반주의 리듬을 실질적으로 바꾸지 않고 음악에 변화를 일으키는 요소들입니다. 가수와 악기 연주자를 포함한 연주자들은 비브라토(목소리와 기타, 바이올린, 금관 악기, 목관 악기와 같은 일부 악기와 함께), 역동성(작품의 소리나 부드러움), 템포의 변동(예: 리타단도 또는 액셀란도는 각각 음계에서 일시 정지 또는 페르마타를 추가하고 음의 조음을 변경함으로써(예: 음을 더 발음하거나 더 억양되게 함으로써, 즉 부드럽게 연결되는 레가토를 더 많이 함으로써, 또는 음을 더 짧게 함으로써).

표현은 음정(변곡, 비브라토, 슬라이드 등), 음량(다이나믹, 악센트, 트레몰로 등), 지속시간(템포 변동, 리듬 변화, 레가토, 스타카토 등과 같은 음 지속시간 변화), 음색(예: 음색)의 조작을 통해 이루어집니다. 보컬 음색을 밝은 목소리에서 공명하는 목소리로 바꾸는 것, 때로는 질감(예: 피아노 작품에서 풍부한 효과를 위해 베이스 음을 두 배로 늘리는 것). 따라서 표현은 '기분, 정신, 품성 등의 표시'[63]를 전달하기 위해 모든 요소를 조작한 것으로 볼 수 있으며,[64] 음악의 중요한 기본 요소로 간주될 수 있지만 음악 고유의 지각 요소로 포함될 수는 없습니다.

형태

크리스마스송 '징글벨' 징글벨 후렴구(refrain) 악보 표기법 후렴구 벡터.mid

음악에서, 형식은 노래나 음악 작품의 전체적인 구조나 계획을 설명하고,[65] 그것은 한 구성의 레이아웃을 섹션으로 나누어서 설명합니다.[66] 20세기 초, 틴 팬 앨리(Tin Pan Alley) 노래와 브로드웨이 뮤지컬 노래는 종종 AABA 32마디 형태로 이루어졌는데, A 섹션은 (변주가 있는) 동일한 8마디 멜로디를 반복하고 B 섹션은 8마디에 대해 대조적인 멜로디 또는 조화를 제공했습니다. 1960년대 이후로, 서양 팝과 록 노래들은 대부분의 구절들에 새로운 가사와 코러스를 반복하는 일련의 구절과 코러스("refrain") 부분으로 구성된 구절-코러스 형태로 되어 있습니다. 대중 음악은 종종 열두 마디 블루스와 함께 스트로픽 형식을 사용합니다.[citation needed]

옥스퍼드 컴패니언 뮤직의 10번째 판에서 퍼시 스콜스는 음악적 형식을 "완화되지 않은 반복과 완화되지 않은 변화의 극단 사이에서 성공적인 평균을 찾기 위해 고안된 일련의 전략"으로 정의합니다.[67] 서양 음악의 일반적인 형태의 예로는 푸가, 발명품, 소나타-알레그로, 카논, 스트로피틱, 주제변주곡, 론도 등이 있습니다.

스콜스는 유럽의 고전 음악이 단순 이진법, 단순 삼진법, 복합 이진법, 론도, 변주곡이 있는 공기, 푸가의 6가지 독립형 형태만을 가지고 있다고 말합니다. (비록 음악학자 알프레드 만은 푸가가 때때로 특정한 구조적 관습을 취해온 작곡 방식이라고 강조했습니다.)[68]

작품이 섹션 단위로 쉽게 분해될 수 없는 경우(시, 이야기 또는 프로그램에서 일부 형식을 차용할 수 있음에도 불구하고), 그것은 전체 작곡이라고 합니다. 판타지아, 서곡, 랩소디, 에뛰드(또는 서재), 교향시, 바가텔, 즉흥곡 등이 종종 그런 경우입니다.[citation needed] Charles Keil 교수는 형태와 형식적 세부사항을 "섹션적, 발전적 또는 변형적"으로 분류했습니다.[69]

철학

조반니 볼디니붉은 옷을 입은 여인

음악 철학은 음악에 대한 근본적인 질문을 연구하는 학문이며 형이상학미학의 질문과 관련이 있습니다. 질문 내용은 다음과 같습니다.

  • 음악의 정의는 무엇입니까? (어떤 것을 음악으로 분류하기 위한 필요충분조건은 무엇인가요?)
  • 음악과 마음의 관계는 무엇입니까?
  • 음악사는 우리에게 세상에 대해 무엇을 보여주나요?
  • 음악과 감정의 연관성은 무엇입니까?
  • 음악과 관련된 의미는 무엇입니까?

고대 그리스 시대와 같이 음악의 미학리듬과 화성 조직의 수학적, 우주론적 차원을 탐구했습니다. 18세기에, 음악을 듣는 경험으로 초점이 옮겨졌고, 따라서 음악의 아름다움과 인간의 즐거움에 대한 질문으로 옮겨졌습니다. 이러한 철학적 변화의 기원은 때때로 18세기의 알렉산더 고틀립 바움가르텐, 그리고 임마누엘 칸트가 뒤를 이었습니다. 그들의 글을 통해 감각적 지각을 의미하는 고대 용어 '미학'은 오늘날의 의미를 받았습니다. 2000년대에 철학자들은 아름다움과 즐거움 이외의 문제를 강조하는 경향이 있었습니다. 예를 들어, 음악이 감정을 표현하는 능력은 예고되어 있습니다.

20세기에 피터 키비, 제롤드 레빈슨, 로저 스큐리슨, 스티븐 데이비스에 의해 중요한 기여가 이루어졌습니다. 하지만, 많은 음악가들, 음악 비평가들, 그리고 다른 비철학자들이 음악의 미학에 기여했습니다. 19세기에 음악 평론가이자 음악 학자인 에두아르트 한슬릭과 작곡가 리하르트 바그너 사이에 음악이 의미를 표현할 수 있는지에 대한 중요한 논쟁이 일어났습니다. Harry Partch와 Kyle Gann과 같은 다른 음악학자들은 마이크로음악과 대체 음계의 사용을 연구하고 대중화하려고 노력했습니다. 또한몬테 영, 리스 채텀 그리고 글렌 브랑카와 같은 많은 현대 작곡가들은 저스트 억양이라고 불리는 음계에 많은 관심을 기울였습니다.[citation needed]

음악은 종종 우리의 감정, 지적, 심리에 영향을 미치는 능력이 있다고 생각됩니다; 그것은 우리의 외로움을 달래거나 우리의 열정을 부추길 수 있습니다. 철학자 플라톤The Republic에서 음악은 영혼에 직접적인 영향을 미친다고 제안합니다. 따라서 그는 이상적인 체제에서 음악은 국가에 의해 면밀하게 규제될 것이라고 제안합니다(책 VII).[71] 고대 중국에서, 철학자 공자는 음악과 의식 혹은 의식이 자연과 연결되고 조화된다고 믿었는데, 그는 음악은 천지의 조화이고, 질서는 제사 질서에 의해 이루어짐으로써 사회에서 매우 중요한 기능을 한다고 말했습니다.[72]

심리학

현대 음악 심리학은 음악적 행동경험을 설명하고 이해하는 것을 목표로 합니다.[73] 이 분야와 그 하위 분야의 연구는 주로 경험적이며, 그들의 지식은 인간 참가자에 대한 체계적인 관찰과 상호 작용에 의해 수집된 데이터의 해석을 기반으로 발전하는 경향이 있습니다. 음악심리학은 근본적인 인식과 인지 과정에 초점을 맞추는 것 외에도 음악 연주, 작곡, 교육, 비평, 치료뿐만 아니라 인간의 적성, 기술, 지능, 창의성, 사회적 행동에 대한 조사 등 많은 분야에서 실용적인 관련성을 가진 연구 분야입니다.

신경과학

1차 청각 피질은 우수한 피치 분해능과 관련된 주요 영역 중 하나입니다.

음악의 인지 신경 과학은 음악의 기초가 되는 인지 과정에 관여하는 뇌 기반 메커니즘에 대한 과학적 연구입니다. 이러한 행동에는 음악 감상, 공연, 작곡, 읽기, 쓰기 및 보조 활동이 포함됩니다. 또한 음악적 미학과 음악적 감정의 두뇌 기반에 대한 관심이 높아지고 있습니다. 이 분야는 기능적 자기 공명 영상(fMRI), 경두개 자기 자극(TMS), 자기 뇌 촬영(MEG), 뇌파 촬영(EEG) 및 양전자 방출 단층 촬영(PET)과 같은 기술을 사용하여 뇌를 직접 관찰하는 것에 의존하는 것으로 구별됩니다.

인지음악학

인지 음악학은 음악과 인지 모두를 이해하는 것을 목표로 음악 지식을 계산적으로 모델링하는 것과 관련된 인지 과학의 한 분야입니다.[74] 컴퓨터 모델의 사용은 이론을 공식화하고 테스트하는 정확하고 상호 작용적인 매체를 제공하며 인공 지능과 인지 과학에 뿌리를 두고 있습니다.[75]

이 학제간 분야는 뇌에서 언어와 음악 사이의 유사점과 같은 주제를 조사합니다. 신경 네트워크 및 진화 프로그램과 같이 생물학적으로 영감을 받은 계산 모델이 연구에 포함되는 경우가 많습니다.[76] 이 분야는 음악적 지식이 어떻게 표현되고, 저장되고, 인식되고, 수행되고, 생성되는지를 모델링하려고 합니다. 잘 구성된 컴퓨터 환경을 이용하여 이러한 인지 현상의 체계적인 구조를 조사할 수 있습니다.[77]

정신음향학

정신 음향학은 소리 지각에 대한 과학적 연구입니다. 좀 더 구체적으로 말하자면, 그것은 소리(말과 음악 포함)와 관련된 심리적, 생리적 반응을 연구하는 과학의 한 분야입니다. 그것은 나아가 정신 물리학의 한 분야로 분류될 수 있습니다.

진화음악학

진화 음악학은 "음악의 기원, 동물 노래의 문제, 음악 진화의 기초가 되는 선택 압력", "음악 진화와 인간 진화"에 관한 것입니다.[78] 음악 인식과 활동을 진화론의 맥락에서 이해하고자 합니다. 찰스 다윈(Charles Darwin)은 음악이 적응적인 이점을 가지고 있고 원형 언어로 기능했을 수 있다고 추측했으며,[79] 이는 음악 진화에 대한 여러 경쟁 이론을 낳았습니다.[80][81][page needed][82] 다른 관점은 음악을 언어적 진화의 부산물로 봅니다. 어떤 적응적인 기능을 제공하지 않고 감각을 만족시키는 일종의 "청각 치즈케이크"입니다.[83] 이 견해는 수많은 음악 연구자들에 의해 직접적으로 반박되어 왔습니다.[84][85][86]

문화효과

개인의 문화나 민족성은 그들의 선호도, 감정적 반응, 그리고 음악적 기억을 포함한 그들의 음악 인지에 역할을 합니다. 음악적 선호는 유아기부터 문화적으로 친숙한 음악적 전통에 치우쳐 있으며, 성인의 음악 작품 감정 분류는 문화적으로 특수한 특징과 보편적인 구조적 특징 모두에 따라 달라집니다.[87][88] 또한 개인의 음악 기억 능력은 문화적으로 친숙한 음악이 문화적으로 친숙하지 않은 음악보다 더 좋습니다.[89][90]

지각적

1930년대에 정신 음향학에 대한 연구가 등장한 이래로, 음악의 대부분의 요소들은 우리가 어떻게 음악을 듣는지 혹은 어떻게 연주하는지를 배우는지 혹은 그것을 연구하는지보다 우리가 음악을 듣는지와 더 관련이 있습니다. C.E. Seashore는 그의 책 음악의 심리학에서 네 가지 "소리의 심리학적 속성"[91]을 확인했습니다. 이것들은 "음정, 소리, 시간, 그리고 음색"이었습니다(3쪽). 그는 그것들을 "음악의 요소"라고 부르지 않고 "요소"라고 불렀습니다(2쪽). 그럼에도 불구하고, 이러한 요소들은 가장 일반적인 음악적 요소들 중 네 가지와 정확하게 연결됩니다: "Pitch"와 "Timbre"는 정확히 일치하고, "Loudness"는 역동성과 연결되며, "Time"은 리듬, 지속 시간, 템포의 시간 기반 요소와 연결됩니다. "음악의 요소"라는 말의 사용은 웹스터의 새로운 20세기 사전적 요소의 정의와 더 밀접하게 연결됩니다: "알려진 방법으로 더 단순한 형태로 나눌 수 없는 물질"[92] 그리고 교육 기관의 요소 목록은 일반적으로 이 정의와 일치합니다.

"음악의 기본 요소" 목록 작성자는 개인적(또는 제도적) 우선 순위에 따라 목록을 변경할 수 있지만 음악의 인식 요소는 의도한 음악 효과를 얻기 위해 독립적으로 조작할 수 있는 확립된(또는 입증된) 이산 요소 목록으로 구성되어야 합니다. 이 부분에 대해서는 아직 연구가 필요한 단계인 것 같습니다.

음악의 요소를 식별하는 데 접근하는 약간 다른 방법은 "소리의 요소"를 음정, 지속 시간, 소리크기, 음색, 음의 질감공간적 위치로 식별한 [93]다음 "음악의 요소"를 소리, 구조 및 예술적 의도로 정의하는 것입니다.[93]

사회학적 측면

송나라(960~1279) 그림, 한비자의 밤, 중국 음악가들이 10세기 가정에서 열린 파티에서 손님들을 즐겁게 하는 것을 보여줍니다.

많은 민족지학적 연구는 음악이 참여적이고 공동체 기반의 활동임을 보여줍니다.[94][95] 음악은 개인의 의지나 사고의 기능으로 이해될 수 없는 음악 공동체를 형성하고 혼자 있는 것부터 대형 콘서트에 참석하는 것까지 다양한 사회적 환경에서 개인에 의해 경험됩니다. 그것은 공통의 가치를 공유하는 상업적인 참가자와 비상업적인 참가자를 모두 포함합니다. 음악 공연은 다른 문화와 사회경제적인 측면에서 다른 형태를 취합니다. 유럽과 북미에서, 어떤 종류의 음악을 "높은 문화"로 보는가와 "낮은 문화"로 보는가 사이에 종종 의견의 차이가 있습니다. "높은 문화" 종류의 음악은 전형적으로 바로크, 고전, 낭만 그리고 현대 시대의 교향곡, 협주곡과 솔로 작품과 같은 서양 예술 음악을 포함합니다. 그리고 일반적으로 공연장과 교회에서 열리는 공식 콘서트에서 관객들이 조용히 자리에 앉아 있는 모습으로 들을 수 있습니다.

재즈, 블루스, 소울, 컨트리 등을 포함하지만 이에 국한되지는 않는 다른 종류의 음악들은 종종 바, 나이트클럽, 극장에서 공연되는데, 이 곳에서 관객들은 술을 마시고 춤을 추며 응원을 통해 자신을 표현할 수 있습니다. 20세기 후반까지, "높은" 음악 형식과 "낮은" 음악 형식의 구분은 술집과 댄스 홀에서 듣는 대중적인 음악 스타일과 더 나은 품질의, 더 발전된 "예술 음악"을 구분하는 유효한 구분으로 널리 받아들여졌습니다.

그러나, 1980년대와 1990년대에, "높은" 음악 장르와 "낮은" 음악 장르 사이의 이러한 인식된 차이를 연구하는 음악학자들은 이 구별이 다른 종류의 음악의 음악적 가치나 질에 기초하지 않는다고 주장했습니다.[citation needed] 오히려, 그들은 이러한 구분이 주로 다양한 음악 유형의 연주자 또는 청중의 사회경제적 지위 또는 사회적 계급에 기초한다고 주장했습니다.[citation needed] 예를 들어, 클래식 교향곡 콘서트의 관객들은 일반적으로 평균 이상의 수입을 가지고 있는 반면, 도심 지역의 랩 콘서트의 관객들은 평균 이하의 수입을 가지고 있을 수 있습니다.[citation needed] "예술"이 아닌 음악이 공연되는 공연자, 관객 또는 공연장은 사회경제적 지위가 낮을 수 있지만 블루스, 랩, 펑크, 펑크, 스카와 같이 공연되는 음악은 매우 복잡하고 정교할 수 있습니다.

작곡가들이 관습을 깨는 스타일의 음악을 소개할 때 학계 음악 전문가와 대중문화계의 반발이 거세질 수 있습니다. 후기 베토벤 현악 사중주, 스트라빈스키 발레 악보, 연작주의, 비밥 시대재즈, 힙합, 펑크 록, 일렉트로니카 등은 처음 소개되었을 때 일부 비평가들에 의해 비음악으로 여겨졌습니다.[citation needed] 그러한 주제는 음악 사회학에서 검토됩니다. 때때로 소시오 음악학이라고 불리는 음악에 대한 사회학적 연구는 사회학, 미디어학 또는 음악학과에서 종종 추구되며 민족 음악학 분야와 밀접한 관련이 있습니다.

여성의 역할

19세기 작곡가이자 피아니스트인 클라라 슈만

여성들은 작곡가, 작곡가, 악기 연주자, 가수, 지휘자, 음악 학자, 음악 교육가, 음악 평론가/음악 저널리스트 및 기타 음악 전문가로서 역사를 통틀어 음악에서 중요한 역할을 해왔습니다. 2010년대에 여성은 대중 음악과 클래식 음악 가수의 상당한 비율을 차지하고 작곡가의 상당한 비율을 차지하지만, 여성 음반 제작자, 록 평론가 및 록 악기 연주자는 거의 없습니다. 비록 고전 음악에 엄청난 수의 여성 작곡가들이 있었지만, 중세부터 현재까지, 여성 작곡가들은 흔히 공연되는 고전 음악 레퍼토리, 음악사 교과서, 음악 백과사전에서 현저하게 과소 대표되고 있습니다; 예를 들어, 간결한 옥스포드 음악사에서, 클라라 슈만은 언급된 몇 안 되는 여성 작곡가 중 한 명입니다.

클래식 음악에서 여성은 기악 독주자의 상당한 비율을 차지하고 오케스트라에서 여성의 비율이 증가하고 있습니다. 그러나 2015년 캐나다 주요 관현악단의 협주곡 독주자들에 대한 기사에 따르면 몬트리올 관현악단의 협주곡 독주자 중 84%가 남성이라고 합니다. 2012년에도 여성은 여전히 1위 비엔나 필하모닉 오케스트라의 6%에 불과했습니다. 많은 주목할 만한 여성 기악 연주자들과 여성 밴드들이 있었지만, 여성들은 록과 헤비 메탈과 같은 대중 음악 장르에서 기악 연주자로서 덜 흔합니다. 여성은 특히 극단적인 금속 장르에서 대표성이 낮습니다.[96] 1960년대 팝 음악계에서, "[l]의 대부분의 측면을...음악 사업, [1960년대] 작곡은 남성이 지배하는 분야였습니다. 라디오에 여자 가수들이 많이 나오긴 했지만 여자들은...주로 소비자로 여겨졌습니다. 노래를 부르는 것은 여자아이에게는 가끔 용인되는 취미였지만, 악기를 연주하거나, 노래를 쓰거나, 음반을 만드는 것은 단순히 이루어지지 않았습니다."[97] 젊은 여자들은...그들 자신을 [음악]을 창조하는 사람으로 간주하는 것은 사회화되지 않았습니다."[97]

여성들은 또한 관현악 지휘, 음악 비평/음악 저널리즘, 음악 제작, 그리고 음향 공학에서 과소 대표됩니다. 19세기에 여성들이 작곡에 참여하는 것이 좌절되었고, 여성 음악학자들이 거의 없는 반면, 여성들은 "19세기 후반과 20세기에 여성들이 [이 분야]를 지배할 정도로" 음악 교육에 참여하게 되었습니다.[98]

런던 인디펜던트의 음악 작가인 제시카 듀헨에 따르면, 클래식 음악의 여성 음악가들은 "재능보다는 외모에 대해 너무 자주 평가를 받는다." 그리고 그들은 "무대와 사진에서 섹시해 보여야 한다"는 압력에 직면합니다.[99] 듀헨은 "외모적으로 연주하기를 거부하는 여성 음악가들이 있지만...더 물질적으로 성공하는 경향이 있습니다."[99] 영국의 Radio 3 편집자 Edwina Wolstencroft에 따르면, 음악 산업은 오랫동안 여성이 공연이나 연예 역할을 맡는 것에 개방적이었지만, 여성은 오케스트라의 지휘자가 되는 것과 같은 권위 있는 자리를 가질 가능성이 훨씬 적다고 합니다.[100] 대중음악에서는 노래를 녹음하는 여성 가수가 많은 반면, 녹음 과정을 지휘하고 관리하는 개인인 음악 제작자 역할을 하는 오디오 콘솔 뒤에는 여성이 매우 적습니다.[101] 가장 많이 녹음된 아티스트 중 한 명은 힌디어 영화의 재생 가수로 가장 잘 알려진 인도 가수 아샤 보슬레입니다.[102]

미디어와 기술

디지털 오디오 워크스테이션(DAW)과 전자 키보드 및 멀티 모니터 설정을 이용한 2000년대 음악 제작

20세기부터 라이브 음악은 라디오, 텔레비전, 인터넷을 통해 방송되거나 CD 플레이어나 MP3 플레이어로 녹음되어 들을 수 있습니다.

20세기 초(1920년대 후반), 미리 녹음된 음악 트랙과 함께 말하는 그림이 등장하면서, 점점 더 많은 영화관 오케스트라 음악가들이 일을 하지 못하게 되었습니다.[103] 1920년대 동안, 오케스트라, 피아니스트, 그리고 극장 오르가니스트들에 의한 라이브 음악 공연은 처음 운영되는 극장에서 흔했습니다.[104] 토킹 모션 사진이 등장하면서 그러한 특징적인 공연은 크게 사라졌습니다. 미국 음악가 연맹(AFM)은 살아있는 음악가들을 기계 연주 장치로 교체하는 것에 항의하는 신문 광고를 내보냈습니다. 피츠버그 프레스에 등장한 1929년의 한 광고는 "Canned Music / Big Noise Brand / 지적 또는 감정적 반응을 일으키지 않음을 보장합니다"[105]라는 라벨이 붙은 캔의 이미지를 포함하고 있습니다.

때때로 라이브 공연에는 사전 녹음된 사운드가 포함됩니다. 예를 들어, 디스크 자키긁기를 위해 디스크 레코드를 사용하고, 일부 20세기 작품에는 테이프에 미리 녹음된 음악과 함께 연주되는 악기나 목소리를 위한 솔로가 있습니다. 일부 팝 밴드는 녹음된 백 트랙을 사용합니다. 컴퓨터와 많은 키보드를 프로그래밍하여 MIDI(Musical Instrument Digital Interface) 음악을 만들고 재생할 수 있습니다. 청중들은 또한 유명한 노래들의 음성이 제거된 버전들을 재생하는 장치를 중심으로 한 일본 기원의 활동인 가라오케에 참여함으로써 연주자가 될 수 있습니다. 대부분의 노래방 기기들은 또한 연주되는 노래의 가사를 보여주는 비디오 화면을 가지고 있습니다; 연주자들은 그들이 기악곡 위에서 노래할 때 가사를 따를 수 있습니다.

인터넷과 광범위한 초고속 광대역 접속의 출현은 부분적으로 스트리밍 비디오를 통한 음악 녹음에 대한 접근성의 증가와 소비자를 위한 음악 선택의 대폭 증가를 통해 음악의 경험을 변화시켰습니다. 인터넷의 또 다른 효과는 온라인 커뮤니티소셜 네트워킹 서비스인 유튜브와 페이스북과 같은 소셜 미디어 웹사이트에서 발생했습니다. 이러한 사이트는 가수 지망생과 아마추어 밴드들이 자신들의 노래 영상을 쉽게 배포하고 다른 음악가들과 연결하며 청중들의 관심을 얻을 수 있도록 해줍니다. 전문 음악가들도 유튜브를 홍보물 무료 게시자로 활용하고 있습니다. 예를 들어, 유튜브 사용자들은 더 이상 MP3를 다운로드하여 듣는 것이 아니라, 자신의 것을 적극적으로 만듭니다. 돈 탭스콧앤서니 D에 따르면. WilliamsWikinomics라는 책에서 전통적인 소비자 역할에서 콘텐츠를 만들고 소비하는 소비자인 "프로슈머" 역할로 전환했습니다. 음악에서 이러한 현상은 팬들에 의한 매쉬, 리믹스 및 뮤직 비디오의 제작을 포함합니다.[106]

교육

비제도적

다양한 연령대의 학생들과 함께하는 스즈키 바이올린 연주회

일부 음악이나 노래 훈련을 유치원부터 중등 교육 후까지 일반 교육에 통합하는 것은 북미와 유럽에서 일반적입니다. 음악을 연주하고 노래하는 것에 대한 관여는 집중력, 셈, 듣기, 협동심과 같은 기본적인 기술을 가르치는 동시에 언어에 대한 이해를 촉진하고 정보를 기억하는 능력을 향상시키며 다른 영역의 학습에 더 도움이 되는 환경을 만드는 것으로 생각됩니다.[107] 초등학교에서는 어린이들이 리코더 등의 악기를 배우고, 소규모 합창단에서 노래를 부르며 서양 예술 음악과 전통 음악의 역사를 배우는 경우가 많습니다. 몇몇 초등학생들은 대중적인 음악 스타일에 대해서도 배웁니다. 종교 학교에서, 아이들은 찬송가와 다른 종교 음악을 부릅니다. 중등학교(그리고 초등학교에서는 덜 일반적이지만)에서 학생들은 합창단(가수 그룹), 행진 밴드, 콘서트 밴드, 재즈 밴드 또는 오케스트라와 같은 일부 유형의 음악 합주단에서 공연할 기회를 가질 수 있습니다. 일부 학교 시스템에서는 악기 연주 방법에 대한 음악 수업이 제공될 수 있습니다. 일부 학생들은 방과 후에 노래 선생님이나 악기 선생님과 함께 개인 음악 수업을 듣기도 합니다. 아마추어 음악가들은 일반적으로 기본적인 음악적 기초(예: 음계와 리듬에 대한 음악적 표기법에 대한 학습)와 초급에서 중급 수준의 노래 또는 악기 연주 기술을 배웁니다.

대학 수준에서, 대부분의 예술과 인문학 프로그램의 학생들은 일반적으로 음악의 역사에 대한 개요 과정 또는 음악을 듣고 다양한 음악 스타일에 대해 배우는 것에 중점을 둔 음악 감상 과정의 형태를 취하는 몇 가지 음악 과정을 수강한 것에 대해 학점을 받을 수 있습니다. 게다가, 대부분의 북미와 유럽 대학들은 합창단, 행진 밴드, 콘서트 밴드 또는 오케스트라와 같이 예술과 인문학 전공 학생들이 참여할 수 있는 몇몇 종류의 음악 합주단을 가지고 있습니다. 서양 예술 음악에 대한 연구는 인도네시아 족자카르타에 있는 인도네시아 예술 연구소나 한국, 일본, 중국과 같은 아시아 국가에서 이용할 수 있는 클래식 음악 프로그램과 같은 북미와 유럽 이외의 지역에서 점점 더 흔해지고 있습니다. 동시에, 서양의 대학들은 아프리카나 발리의 음악(예: 가믈란 음악)과 같은 비서구 문화권의 음악들을 포함하도록 그들의 커리큘럼을 확장하고 있습니다.

제도적

맨하탄 음대 교수이자 전문 더블베이스 연주자 티모시 콥은 2000년대 후반에 베이스 레슨을 하고 있습니다. 그의 베이스는 낮은 C 확장자를 가지고 있고, 확장자에 음정을 연주하기 위한 버튼이 있는 금속 "기계"를 가지고 있습니다.

전문 음악가, 가수, 작곡가, 작곡가, 음악 교사, 음악 교사, 음악 역사 교수, 음향 엔지니어 등과 같은 다른 음악 관련 직업의 실무자가 되는 것을 목표로 하는 사람들은 대학, 대학 및 음악 음악원에서 제공하는 전문적인 중등 과정 이후 프로그램에서 공부합니다. 음악에 대한 직업을 위해 개인을 훈련시키는 몇몇 기관들은 음악 공연 (노래와 악기를 포함하여), 음악 역사, 음악 이론, 음악 작곡에 학위를 제공하는 많은 미국 최고의 대학들의 경우와 마찬가지로 다양한 직업에서 훈련을 제공합니다. 음악 교육(초등 또는 고등학교 음악 교사가 되는 것을 목표로 하는 개인을 위한)과 경우에 따라 지휘. 반면, 일부 소규모 대학은 단일 직업(예: 사운드 레코딩) 교육만 제공할 수 있습니다.

대부분의 대학과 음악원 프로그램들이 클래식 음악에서 학생들을 훈련시키는 것에 초점을 맞추고 있는 반면, 재즈 혹은 대중 음악 음악가와 작곡가로서의 경력을 위해 음악가들을 훈련시키는 대학들이 많이 있습니다. 맨해튼 음악 학교와 버클리 음악 대학을 포함한 미국의 주목할 만한 예들이 있습니다. 캐나다에서 전문적인 재즈 트레이닝을 제공하는 두 개의 중요한 학교는 맥길 대학교험버 칼리지입니다. 헤비 메탈 음악, 컨트리 음악 또는 블루스와 같은 일부 음악 유형의 직업을 목표로 하는 사람들은 대학이나 대학에서 학위나 졸업장을 마쳐 전문가가 될 가능성이 적습니다. 대신에, 그들은 보통 많은 밴드(아마추어 밴드, 커버 밴드, 트리뷰트 밴드에서 시작)에서 노래를 부르거나 연주하고, CD, DVD, 인터넷에서 사용할 수 있는 녹음을 공부하고, 그들의 음악 스타일에 대해 이미 확립된 전문가들과 함께 작업함으로써 그들의 음악 스타일에 대해 배웁니다. 비공식적인 멘토링이나 정기적인 음악 수업을 통해서요. 2000년대 이후 인터넷 포럼과 유튜브 "how-to" 비디오의 인기와 이용 가능성이 높아짐에 따라 메탈, 블루스 및 유사한 장르의 많은 가수와 음악가들이 실력을 향상시킬 수 있었습니다. 많은 팝, 록 그리고 컨트리 가수들은 비공식적으로 보컬 코치노래 선생님들과 함께 훈련을 합니다.

학술연구

음악학

음악이라는 주제에 대한 학문적 연구인 음악학은 대학과 음악원에서 연구됩니다. 19세기의 가장 초기의 정의는 음악학의 세 가지 하위 분야를 정의했습니다: 체계적음악학, 역사적인 음악학, 그리고 비교 음악학 또는 민족 음악학. 2010년대의 장학금은 음악 이론, 음악사, 민족 음악학으로 구분되는 학문을 마주할 가능성이 높습니다. 음악학의 연구는 종종 정신 음향학 분야와 같은 분야를 넘나드는 연구로 풍부해졌습니다. 비서구 문화권의 음악에 대한 연구와 음악에 대한 문화적 연구는 민족 음악학이라고 불립니다. 학생들은 학사, 석사 및 박사 학위를 포함한 여러 다른 유형의 학위를 통해 음악학, 민족 음악학, 음악사 및 음악 이론의 학부 과정을 추구할 수 있습니다.

음악이론

음악 이론은 일반적으로 다른 학문 이외의 분야에서 고도로 기술적인 방식으로 음악을 연구하는 학문입니다. 더 넓게는 음악에 대한 모든 학문을 가리키며, 일반적으로 구성적인 문제와 어떤 형태로든 관련되며, 수학, 물리학, 인류학을 포함할 수 있습니다. 음악 이론 수업을 시작할 때 가장 많이 가르치는 것은 공통 연습 기간, 즉 성조 음악의 스타일로 작성하라는 지침입니다. 이론은, 심지어 일반적인 연습 기간의 음악에 대해서도, 다른 많은 형태를 취할 수 있습니다. 음악 집합론은 수학 집합론을 음악에 적용하는 것으로, 무조 음악에 처음 적용됩니다. 분석적 음악 이론과 대조되는 사변적 음악 이론은 일반적으로 작곡을 위한 준비로서 음악 자료, 를 들어 튜닝 시스템의 분석과 합성에 전념합니다.

줌 음악학

줌 음악학은 인간이 아닌 동물의 음악 또는 인간이 아닌 동물이 만들어내는 소리의 음악적 측면을 연구하는 학문입니다. 조지 허조그(George Herzog, 1941)가 물었듯이, "동물들은 음악을 가지고 있나요?" Nicolas Ruwet's Language, musique, poésie (1972) 패러다임 분절 분석 기법을 사용한 "오르니토 음악학" 연구François-Bernard M mche's M musche's M'che's Musique, myth, nature, oules Dauphins d'Arion (1983)은 새 노래가 반복-변환 원리에 따라 조직되어 있음을 보여줍니다. Jean-Jacques Nattiez (1990)는 "지난 분석에서, 소리가 인간의 기원이 아닐 때에도 음악적인 것과 아닌 것을 결정하는 것은 인간입니다"라고 주장합니다. 만약 우리가 소리가 단지 그것의 제작자에 의해 조직화되고 개념화되지 않고, 그것을 인식하는 마음에 의해 만들어진다는 것을 인정한다면, 음악은 독특하게 인간입니다."

민족음악학

민족 음악학자 프랜시스 덴스모어(Frances Densmore)가 미국 민족학국의 블랙풋 수석 산악 수석(Blackfoot Chief Mountain Chief of American Ethnology, 1916)을 녹음했습니다.

서양에서, 가르쳐지는 음악의 역사의 많은 부분이 고전 음악이라고 알려진 서양 문명의 예술 음악을 다루고 있습니다. 비서구 문화권의 음악사("세계 음악" 또는 "민족 음악학" 분야) 또한 서양 대학에서 가르칩니다. 여기에는 서유럽의 영향권 밖에 있는 아시아 국가들의 문서화된 고전 전통과 다양한 다른 문화의 민속 또는 토착 음악이 포함됩니다. 비서구 국가들의 대중 음악 또는 민속 음악 양식은 문화마다, 그리고 시대마다 매우 다양했습니다. 다른 문화들은 다른 악기들, 기술들, 노래 스타일들 그리고 음악에 대한 사용들을 강조했습니다. 음악은 오락, 의식, 의식, 종교적 목적과 실용적이고 예술적인 의사소통을 위해 사용되어 왔습니다. 문화대혁명 당시 중국 오페라의 경우와 마찬가지로 비서구 음악도 선전 목적으로 사용되었습니다.

비서구 음악에 대한 수많은 음악 분류들이 있는데, 그 중 많은 분류들이 음악의 정의에 대한 논쟁에 휘말려 있습니다. 이들 중 가장 큰 것은 고전 음악(또는 "예술" 음악)과 대중 음악(또는 상업 음악, 즉 록, 컨트리, 팝 음악과 관련된 스타일의 비서구적인 스타일을 포함) 사이의 구분입니다. 어떤 장르는 포크 음악, 월드 음악, 재즈와 관련된 음악과 같은 "큰 두 가지" 분류 중 하나에 깔끔하게 들어맞지 않습니다.

세계 문화들이 더 많은 세계적인 접촉을 하게 되면서, 그들의 고유한 음악 스타일은 종종 다른 스타일들과 합쳐져 새로운 스타일을 만들어 냅니다. 예를 들어, 미국의 블루그래스 스타일은 앵글로-아일랜드, 스코틀랜드, 아일랜드, 독일 및 아프리카 기악 및 보컬 전통의 요소를 포함하고 있으며, 이 요소들은 미국의 다민족 "멜팅 포트" 사회에서 융합될 수 있었습니다. 일부 유형의 세계 음악에는 서구 대중 음악 요소와 함께 비서구 원주민 스타일이 혼합되어 있습니다. 음악의 장르는 실제 음악만큼 전통과 발표에 의해 결정됩니다. 조지 거슈윈랩소디 블루와 같은 몇몇 작품들은 재즈와 클래식 음악 모두에 의해 주장되는 반면, 거슈윈의 포지와 베스, 레너드 번스타인웨스트 사이드 스토리는 오페라와 브로드웨이 음악 전통 모두에 의해 주장됩니다. 현재 비서구 음악을 위한 많은 음악 축제들은 월드 뮤직과 같은 특정한 음악 장르의 밴드와 가수들을 포함합니다.

예를 들어, 인도 음악은 가장 오래되고 오래 사는 음악 유형 중 하나이며, 여전히 남아시아는 물론 국제적으로(특히 1960년대 이후) 널리 듣고 공연되고 있습니다. 인도 음악은 주로 힌두스타니(Hindustani), 카르나틱(Carnatic), 드루파드(Drupad)의 세 가지 형태의 클래식 음악이 있습니다. 또한 남인도에서 유명한 탈라바디아 공연과 같은 타악기 음악만 참여하는 스타일의 레퍼토리도 많습니다.

테라피

"Blues in the Schools" 프로그램의 음악 치료사가 해군 치료 센터에서 미 해군 선원과 하모니카를 연주합니다.

음악 치료는 훈련된 치료사가 음악과 신체적, 정서적, 정신적, 사회적, 미적, 영적 등 모든 측면을 사용하여 고객의 건강을 개선하거나 유지하는 대인 관계 과정입니다. 어떤 경우에는 음악을 통해 고객의 요구를 직접적으로 해결하기도 하고, 어떤 경우에는 고객과 치료사 사이의 관계를 통해 해결하기도 합니다. 음악 치료는 정신과적 장애, 신체 장애, 감각 장애, 발달 장애, 약물 남용 문제, 의사소통 장애, 대인 관계 문제, 노화 등 다양한 연령대의 사람들에게 사용됩니다. 또한 학습 향상, 자존감 형성, 스트레스 감소, 신체 운동 지원 및 기타 건강 관련 활동을 촉진하는 데 사용됩니다. 음악 치료사는 고객에게 노래, 악기 연주, 노래 창작 또는 기타 음악 활동을 권장할 수 있습니다.

10세기에 철학자 알 파라비는 어떻게 성악이 청취자들의 감정과 영혼을 자극할 수 있는지 설명했습니다.[108] 음악은 오랫동안 사람들이 감정을 처리하는 것을 돕기 위해 사용되어 왔습니다. 17세기에 학자 로버트 버튼의 <우울해부학>은 음악과 춤이 정신 질환, 특히 우울증을 치료하는 데 결정적이라고 주장했습니다.[109] 그는 음악이 "다른 많은 질병들을 쫓아내는 탁월한 힘"을 가지고 있다고 언급했고, 그는 그것을 "절망과 우울에 대한 국가적인 치료법"이라고 불렀습니다. 그는 고대에 로디아의 바이올린 연주자인 카누스가 "우울한 사람을 즐겁게 하고, 사랑하는 사람을 더 즐겁게 하고, 종교적인 사람을 더 독실하게 만들기 위해" 음악을 사용했다고 지적했습니다.[110][111][112] 오스만 제국에서는 정신질환을 음악으로 치료했습니다.[113] 2006년 11월 마이클 J. 크로포드(Michael J. Crawford)와 그의 동료들도 음악 치료가 조현병 환자들에게 도움이 된다는 것을 발견했습니다.[114][115]

참고 항목

참고문헌

메모들

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