필립 글래스

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	로버트 매플소프의 필립 글래스와 로버트 윌슨(1976년)
	조지아 오에커의 필립 글래스와 로버트 윌슨(2008)

필립 글래스
필립 글래스
	1993년 플로렌스의 유리
배경 정보
태어난	1937년 1월 31일 (85세); 미국 메릴랜드 주 볼티모어
장르	미니멀리즘; 현대 고전; 영화 점수;
직업	작곡가
년 활동	1964년-현재
웹사이트	philipglass.com
	필립 글라스의 작품 목록

필립 모리스 글래스(Philip Morris^[1] Glass, 1937년 1월 31일 출생)^[2]는 미국의 작곡가 겸 피아니스트다.그는 20세기 후반의 가장 영향력 있는 작곡가들 중 한 명으로 널리 알려져 있다.^[3]^[4]^[5]유리의 작품은 반복적인 구절과 변화무쌍한 층으로 쌓아올리는 미니멀리즘과 연관되어 왔다.^[6]글래스는 자신을 스타일리시하게 진화하는 데 도움을 준 '반복적인 구조를 가진 음악'^[7]의 작곡가라고 설명한다.^[8]^[9]

글래스는 필립 글래스 앙상블을 설립했는데, 이 앙상블과 함께 지금도 키보드에서 연주를 하고 있다.그는 15개의 오페라, 수많은 실내 오페라와 뮤지컬 작품, 14개의 교향곡, 12개의 협주곡, 9개의 현악 사중주곡과 다양한 기타 실내악, 그리고 몇 개의 영화음악을 작곡했다.그의 영화 점수 중 3점은 아카데미상 후보에 올랐다.

삶과 일

1937–1964: 시작, 조기 교육 및 영향

글래스는 메릴랜드 주 볼티모어에서 ^[10]^[11]아이다(네 골린)와 벤자민 찰스 글래스의 아들로 태어났다.^[12]그의 가족은 리투아니아-유대인 이민자였다.^[13]^[14]그의 아버지는 레코드 가게를 운영했고 그의 어머니는 사서였다.^[15]글래스는 회고록에서 제2차 세계대전이 끝날 무렵 그의 어머니가 유대인 대학살 생존자들을 도우며 최근 미국으로 입국한 사람들에게 직장을 구할 수 있고 살 곳을 찾을 수 있을 때까지 그들의 집에 머물도록 초대했다고 회고한다.^[16]^{: 14}그녀는 그들이 직장을 구할 수 있도록 영어를 배우고 기술을 개발할 수 있도록 돕는 계획을 세웠다.^[16]^{: 15}그의 여동생 셰피도 나중에 국제 구조 위원회의 활동 위원으로서 비슷한 일을 할 것이다.^[16]^{: 15}

글래스는 그의 아버지로부터 음악에 대한 그의 감상을 발전시켰고, 후에 그의 아버지 쪽에서 많은 음악가들이 있다는 것을 발견했다.그의 사촌 세비아는 클래식 피아니스트였고 다른 사람들은 보드빌에 있었다.그는 그의 가족이 또한 알 졸슨과 관련이 있다는 것을 알게 되었다.^[16]^{: 16}

글래스의 아버지는 종종 그의 음반 가게에서 새로운 음반들의 홍보 카피를 받았다.글래스는 음악에 대한 지식과 취향을 발전시키면서 그들의 말을 듣는 데 많은 시간을 보냈다.현대적인 소리에 대한 이러한 개방성은 어린 나이에 Glass에 영향을 미쳤다.

아버지는 독학을 하셨지만 결국 클래식, 실내악, 현대음악에 대한 매우 세련되고 풍부한 지식을 갖게 되셨다.전형적으로 그는 집에 와서 저녁을 먹고 나서, 거의 자정까지 안락의자에 앉아 음악을 듣곤 했다.나는 이것을 매우 일찍 알아차렸고, 그와 함께 가서 듣곤 했다.^[16]^{: 17}

엘더 글래스는 새로운 음반과 폭넓은 작곡가를 그의 고객들에게 홍보했고, 때로는 그들이 좋아하지 않는 음반을 돌려주도록 허용함으로써 그들에게 새로운 시도를 하도록 설득했다.^[16]^{: 17}그의 가게는 곧 볼티모어의 주요 현대 음악원으로 명성을 얻었다.^[17]

글래스는 아버지 가게의 미분양 음반으로 상당한 양의 레코드 컬렉션을 만들었는데, 힌데미스, 바르토크, 쇤베르크,^[18] 쇼스타코비치 등 현대 고전음악과 베토벤의 현악 사중주곡, 슈베르트의 B♭ 피아노 트리오 등 서양 고전음악이 그것이다.글래스는 슈베르트의 작품이 성장하는 '큰 영향'으로 꼽는다.^[19]

그는 어렸을 때 피리를 피바디 음악원의 피리 준비과에서 공부했다.15세 때, 그는 시카고 대학에서 수학과 철학을 공부하는 가속화된 대학 과정에 들어갔다.^[20]시카고에서 안톤 베번(Anton Webern)의 연재주의를 발견하여 12음 현악 3중주를 작곡하였다.^[21]1954년, 글래스는 파리로 여행을 떠났고, 그곳에서 장 콕토의 영화들을 접했고, 그 영화는 그에게 지속적인 인상을 남겼다.그는 예술가들의 스튜디오를 방문했고 그들의 작품을 보았다. 글래스는 "코토우에서 보는 보헤미안적인 삶은... 내가 끌렸던 삶이었고, 그들과 어울렸던 사람들이었다"^[22]고 회상했다.

글래스는 키보드가 그의 주악기인 줄리아드 음악학교에서 공부했다.그의 작문 교사로는 빈센트 페르시체티와 윌리엄 버그스마가 있었다.동료 학생들은 스티브 라이히와 피터 쉬클을 포함했다.1959년에는 젊은 작곡가들의 국제상인 BMI 재단의 BMI 학생 작곡가 어워드에서 수상하였다.1960년 여름, 아스펜 음악제 여름 학교에서 다리우스 밀하우드와 함께 공부하였고, 동료 학생 도로시 픽슬리 로스차일드를 위해 바이올린 협주곡을 작곡하였다.^[23]글래스는 1962년 줄리아드를 떠난 뒤 피츠버그로 건너가 공립학교 체제에서 학교 기반의 작곡가로 활동하며 다양한 합창과 실내악, 관현악 등을 작곡했다.^[24]

1964-1966: 파리

1964년, 글래스는 풀브라이트 장학금을 받았다; 1964년 가을부터 1966년 여름까지 저명한 작곡 교사 나디아 볼랑거와 함께 파리에서 공부한 그의 학문은 1979년 "내가 불랑어와 함께 공부한 작곡가들은 내가 아직도 가장 생각하는 사람들-바흐와 모차르트"^[25]라고 인정했듯이, 그의 일생 동안 그의 작품에 영향을 주었다.

글래스는 이후 자신의 자서전 '필립 글래스의 음악'(1987)에서 피에르 불레즈의 파리 도메인뮤지컬 콘서트에서 연주된 새로운 음악은 그에 대한 어떠한 흥분도 부족했다고 진술했지만(존 케이지와 모튼 펠드먼의 주목할 만한 음악 예외로는), 새로운 영화와 연극 공연에 깊은 감명을 받았다.불레즈나 스톡하우젠과 같은 모더니즘 작곡가들로부터의 그의 행보는 노골적인 거부감보다는 뉘앙스로 받아들여졌다. "그 세대는 제자를 원했고 우리가 참여하지 않았기 때문에 우리가 음악을 싫어한다는 뜻으로 받아들여졌지만 사실이 아니었다.줄리아드에서 공부했고 그들의 음악을 알고 있었어.도대체 어떻게 베리오를 배척할 수 있단 말인가?스톡하우젠의 초기 작품들은 여전히 아름답다.하지만 그들의 음악을 그들보다 더 잘 하려고 하는 것은 의미가 없어서 우리는 다른 곳에서 시작했다."^[26]그는 프랑스의 뉴 웨이브를 이끄는 장 뤽 고다르와 프랑수아 트뤼포, 그 규칙과 유리는 artists,[27]의 이전 세대에 의해 설정되어 거의 들어오지 않았의 미국 시각 예술인들을 사귀었다(그 조각가 리차드 세라와 그의 부인 낸시는 그레이브스)[28]을 비롯한 혁신적 영화, 배우와 감독(JoAnne Akalaitis, 루스 Maleczech,. 데이비드 W그리고 글래스와 함께 나중에 실험극 그룹인 마보 광산을 창설한 이브레어(Ri Breuer)도 있다.글래스는 아칼라티스(1965년 결혼)와 함께 1964년부터 1965년까지 장 루이 바라우트의 오데온 극장, 리빙 극장, 베를린 앙상블 등 연극 단체들의 공연에 차례로 참석했다.^[29]이러한 중요한 만남은 글래스가 1965년 새뮤얼 베켓의 코메디를 무대에 올리기 위해 음악을 기부한 브뤼어와의 협업을 가져왔다(Play, 1963).결과물(소프라노 색소폰 두 개를 위해 쓰여진)은 극의 개방적이고 반복적이며 거의 음악적인 구조에 직접적으로 영향을 받았으며, 미니멀리스트지만 여전히 불협화음인 관용어로 된 네 편의 초기 작품 중 첫 번째 작품이었다.^[21]플레이 이후, 글래스는 또한 1966년에 브레히트의 어머니 용기와 그녀의 아이들(Mother Courage and Her Children)의 음악 감독으로 활동했는데, 폴 드사우의 연극 악보를 특집으로 다루었다.

글래스는 실험극장에서의 초기 소풍과 병행하여 1965년 겨울과 1966년 봄에 라비 샨카르, 알라 라카 등과 함께 음악 감독 및 작곡가로^[30] 활동하였다(Chappaqua, Conrad Rooks, 1966년). 이는 글래스의 음악적 사고에 또 다른 중요한 영향을 주었다.그의 독특한 스타일은 Shankar와 Rakha와의 작업과 인도 음악에서 리듬에 대한 그들의 인식에서 완전히 첨가된 것으로부터 생겨났다.그는 밀하우드, 아론 코플랜드, 사무엘 바버스와 비슷한 적당히 현대적인 스타일로 모든 작곡을 포기하고, 사무엘 베켓의 영향을 받은 인도 음악의 반복적인 구조와 시간 감각에 기반한 작품을 쓰기 시작했다: 두 명의 여배우와 실내 앙상블을 위한 작품, 그리고 그의 첫 번째 번호가 매겨진 스트린.g 4중주(1966년 1위)^[31]

글래스는 1966년 파리를 떠나 인도 북부로 향했고, 그곳에서 티베트 난민들과 접촉하며 불교에 끌리기 시작했다.1972년 제14대 달라이 라마 텐진 갸츠오를 만나 티베트 독립의 든든한 후원자 역할을 해왔다.

1967-1974: 미니멀리즘:스트롱 아웃에서 12부작

유리의 음악 스타일은 즉각적으로 알아볼 수 있으며, 상표는 오스티나토스, 울퉁불퉁한 아르페지오, 다양한 시간에 걸쳐 곡조 조화의 다양한 분야에서 변형되는 리듬을 반복한다.그 스타일은 우리의 팝-중도브라우드 감성에 영구히 뿌리를 내렸다.글래스의 음악은 이제 유투브에서 클릭 한 번만으로 지울 수 없을 정도로 우리의 문화 언어인 프랑카의 일부가 되었다.

John von Rhein, Chicago Tribune writer^[20]

글래스는 1967년 3월 뉴욕시에 도착한 직후 스티브 라이히(지상파적 미니멀리스트 작품 피아노 페이즈 포함)의 작품 공연에 참석하여 깊은 인상을 남겼고, 스타일을 단순화하여 급진적인 '상호적 어휘'^[21]로 전향했다.글래스는 전통 연주자와 공연 공간으로부터 별다른 공감을 얻지 못하여 결국 동료 학생 존 깁슨 등과 앙상블을 결성하고, 주로 소호의 미술관과 스튜디오 로프트에서 공연을 시작했다.시각 예술가인 리차드 세라는 글래스에 갤러리 접점을 제공했고, 두 사람 모두 다양한 조각, 영화, 설치 작업을 함께 했다; 1971년부터 1974년까지 그는 세라의 정규 스튜디오 보조원이 되었다.^[28]^[32]

글래스는 1967년 여름과 1968년 말 사이에 스트룽 아웃(확장된 솔로 바이올린의 경우 1967년 여름 작곡), 그래더스(솔로 색소폰, 1968년 작곡), 뮤직 인 더 스퀘어(Music in the Square) (1968년 5월에 작곡된 플룻 2종용, 에릭 사티에 대한 오마주), 하우 나우(솔로피아노, 1968년 확장된 테이블 상판용), 1+1) 등 9개의 작품을 작곡했다.er 1968년)은 "그의 새로운 미니멀리스트 접근법으로 더 완전하게 실험하기 위해 고안된 것"^[33]이다.글래스의 새로운 음악의 첫 콘서트는 1968년 9월 조나스 메카스의 영화 제작자 시네마테크(Anthology Film Archives)에서 열렸다.이번 공연에는 스트롱 아웃(바이올리니스트 픽슬리 로스차일드 연주)과 뮤직 인 어 스퀘어(글래스와 깁슨 연주)가 함께한 이번 시리즈의 첫 작품이 포함됐다.음악적 악보가 벽에 박혀 있었고, 연주자들은 연주하는 동안 움직여야 했다.글래스의 신작들은 글래스의 환원적 접근법에 공감도가 높은 시각적·공연적 아티스트들로 구성된 관객들의 뜨거운 반응을 얻었다.

글래스는 음악 경력과는 별개로 사촌인 조각가 제네 하이스타인 씨와 함께 이삿짐 회사를 운영했으며 배관공과 택시 기사(1973~1978년)로도 일했다.그는 놀란 로버트 휴즈 타임지 예술평론가가 그를 응시하고 있는 것을 보기 위해 식기세척기를 설치하고 작품에서 올려다보고 있는 것을 회상한다.^[34]이 기간 동안 그는 솔 르위트, 낸시 그레이브스, 마이클 스노우, 브루스 나우만, 로리 앤더슨, 척 클로즈(현재 유명한 글래스의 초상화를 만들었다) 등 뉴욕에 기반을 둔 다른 예술가들과 친분을 쌓았다.^[35](글래스는 2005년 피아노 연주용 척 클로즈의 뮤지컬 초상화로 찬사를 보냈다.)

1+1과 두명 페이지(2월 1969년으로 구성되어)유리와 함께 같은 해에 음악 Contrary의, 음악에 의해 Fifths에 뒤를 따랐다 그의"가장 기본적인 미니멀 리스트 기술 첨가제 과정"[36]조각에 대해 좀 더"근거 있는 접근법"으로 변했다(그의 작문 선생님 나디아 불랑제, 그의에서" 숨겨진 80%정도"을 지적한 데 경의의 한 종류이다.works 그러나 그들을 주요한 죄악으로 여겼다.결국 글래스의 음악은 점점 엄격해졌고, 점점 더 복잡해지고 극적이 되어갔고, 비슷한 움직임의 음악(1969년), 변화하는 부분이 있는 음악(1970년)과 같은 곡들이 연주되었다.이 작품들은 1969년 휘트니 미술관의 필립 글라스 앙상블과 솔로몬 R에서 공연되었다. 1970년 구겐하임 미술관은 평론가들의 적대적 반응을 자주 접했지만,^[21] 글래스의 음악 역시 브라이언 에노, 데이비드 보위(Royal College of Arts. ca. 1970)와 같은 젊은 예술가들의 열정으로 맞닥뜨렸다.^[37]에노는 글래스의 음악과의 만남이 "그의 생애에서 가장 놀라운 음악적 경험" 중 하나라고 설명하면서 "순수하고 두툼한 에너지의 목욕"이라고 말했으며, "이것은 사실 내가 들어본 음악 중 가장 디테일한 음악이었다"고 결론지었다.그것은 모두 복잡하고 이국적인 조화였다.^[38]1970년 Glass는 극장으로 돌아와 극단 Mabou Mines의 음악을 작곡하였고, 그 결과 그의 첫 미니멀리스트 작품들은 다음과 같은 목소리를 채용하였다.레드 호스 애니메이션과 음성을 위한 음악 (둘 다 1970년, 폴라 쿠퍼 갤러리에서 초연되었다.)^[39]

글래스는 1971년 스티브 라이히와 의견의 차이 끝에 키보드, 관악기(색소폰, 플룻), 소프라노 목소리 등 증폭된 앙상블인 필립 글래스 앙상블(Steve Reich and Musicers)을 결성했다.^[21]

그의 앙상블을 위한 글래스의 음악은 4시간에 걸친 12부 음악(1971–1974)으로 절정을 이루었는데, 이 곡은 12부 음악으로 시작되었지만 1967년 이후 글래스의 음악적 업적을 요약한 사이클로 발전했고, 심지어 그것을 초월한 것으로, 마지막 부분은 앙상블의 소프라노 음성에 의해 노래된 12부 테마를 특징으로 하고 있다.글래스에 따르면, "모더니즘의 규칙을 어겼기 때문에, 이제는 나 자신의 규칙 일부를 어길 때가 되었다고 생각했다"고 한다.^[40]글래스는 미니멀리스트라는 용어가 그의 후기 작품을 설명하는 데 정확하지 않다고 생각하지만, 글래스는 글래스를 위해 "미니멀리즘의 종말"이었던 이 마지막 부분을 제외하고 12부작까지 포함시키는 이 용어를 받아들인다.그가 지적한 대로, "나는 8, 9년 동안 시스템을 발명하면서 일해왔고, 이제 그것을 통해 글을 쓰고 다른 끝으로 나왔다."^[40]그는 이제 자신을 "반복적인 구조를 가진 음악"의 작곡가라고 묘사하는 것을 선호한다.^[20]

1975-1979: 또다른 조화의 모습:초상화 3부작

글래스는 "Another Look at Harmony" (1975–1977)라고 불리는 일련의 기악 작품들로 그의 작업을 계속했다.Glass의 경우, 이 시리즈는 새로운 시작을 보여주었다. 그래서 제목: "내가 찾고 있던 것은 조화로운 진행과 내가 개발해온 리듬 구조를 결합하여 새로운 전체적인 구조를 만드는 방법이었다.나는 초기 작품들로 모든 것을 꺼냈으며, 이제 앞으로 몇 년 동안 나를 사로잡을 과정인 내가 넣고 싶은 것을 결정해야 할 때라고 말했다.^[40]"Another Look at Harmony"의 1부와 2부는 후에 글래스가 그의 초상 오페라 3부작의 첫 오페라로 지정한 뮤지컬 극장인 로버트 윌슨과의 협연에 포함되었다.해변에 있는 아인슈타인.1975년 봄부터 가을까지 윌슨과 긴밀한 협업을 통해 작곡된 글래스의 첫 번째 오페라는 1976년 여름 다비뇽 페스티벌에서 처음 초연되었고, 같은 해 11월에는 뉴욕 메트로폴리탄 오페라에서 관객들의 엇갈리고 부분적으로 열광적인 반응을 이끌어냈다.필립 글래스 앙상블, 솔로 바이올린, 코러스, 그리고 출연 배우들 (Christopher Knowles, Lucinda Childs, Samuel M. Johnson의 원고를 불러들임), 글래스와 윌슨의 본질적으로 줄거리 없는 오페라는 "알베르트 아인슈타인: 과학자, 휴머니스트, 아마추어 음악가 - 그리고 이론이 있는 남자에 대한 모욕적인 시선"으로 착안되었다.'원자의 분열'로 이어져 비평가 팀 페이지(Tim Page)가 지적한 대로 기후현장에서 핵 홀로코스트를 촉발시켰다.^[41]Another Look at Harmony와 마찬가지로, "아인슈타인은 초기 개념 작품과는 차별화되는 새로운 기능적 조화를 추가했다."^[41]작곡가 톰 존슨은 솔로 바이올린 음악을 요한 세바스티안 바흐에, 그리고 "기관 인물들... 모차르트가 그토록 사랑했던 알베르티 베이스들에" 비교하면서 같은 결론에 도달했다.^[42]이 작품은 워싱턴 포스트에 의해 "세기의 가장 중요한 예술 작품 중 하나"라는 찬사를 받았다.

해변의 아인슈타인은 '계란처럼 차려입은'(1975)과 같은 연극 그룹인 '마부 광산'의 프로젝트를 위해 추가 음악, 그리고 다시 '잃어버린 것들'(1975), '카산도'(1975) '메르시에'(1979)와 같은 사무엘 베켓의 산문에서의 연극과 각색을 위한 음악이 이어졌다.유리는 또한 다른 미디어로 눈을 돌렸다; 필립 글래스 앙상블을 위한 두 개의 멀티 무브먼트 기악 작품은 영화와 TV를 위한 음악으로 유래되었다: 노스 스타 (북 스타: 프랑수아 드 메닐과 바바라 로즈의 마크 디 수베로)와 어린이 TV 시리즈인 세서미 스트리트 (Sleicle Street)의 4개의 짧은 단서 (1979년)이다.

또 다른 시리즈인 Fourth Series(1977–79)에는 합창 및 오르간 음악("Part 1", 1977), 오르간과 피아노 음악("Part 2" 및 "Part 4", 1979), 콘스탄스 드종의 소설 모던 러브("Part 3", 1978)의 라디오 개작을 위한 음악이 포함되어 있다.안무가 루신다 차일즈(이미 해변의 아인슈타인에서 기여하고 공연한 경험이 있는)의 두 가지 댄스 프로덕션에서 "Part 2"와 "Part 4"가 사용되었다(따라서 이름을 바꾸었다.'Part 2'는 댄스(비주얼 아티스트 솔 르위트, 1979년)에 포함되었고, 'Part 4'는 매드 러쉬로 개칭되었으며, 글래스가 1981년 가을 뉴욕시에서 제14회 달라이 라마의 첫 공개석상 등 여러 차례에 걸쳐 공연하였다.이 작품은 글래스가 보다 전통적인 모델로의 전환을 보여주고 있는데, 이 곡은 피아니스트 스테펜 슐레이어마허의 지적대로, "그 작곡가가 "그의 초기의 급진적인 비논리적, 비논리적 접근법을 버렸다는 표시로 해석될 수 있다"는 의미로 해석될 수 있는 개방형 구조 작품에 결론을 더했다.^[43]

1978년 봄, 글래스는 네덜란드 오페라(록펠러 재단 보조금뿐 아니라)로부터 의뢰를 받았는데, 이 위탁금은 "비뮤지컬 고용으로 돈을 벌어야 할 필요성의 끝을 표시했다"^[44]고 한다.글래스는 커미션과 함께 남아공의 마하트마 간디, 레오 톨스토이, 라빈드라나트 타고레, 마틴 루터 킹 주니어의 초기 생활을 바탕으로 그의 오페라 사티아그라하 (1978~1979년 작곡, 1980년 로테르담에서 초연)를 작곡하며 음악극장에서의 활동을 계속했다.사티아그라하를 위해 글래스는 리브레토를 제공한 작가 콘스탄스 드종과 세트 디자이너 로버트 이스라엘 등 두 명의 '소호 프렌즈'와 긴밀한 협업을 했다.비록 가장 두드러진 부분이 여전히 솔로 보컬과 코러스를 위해 남겨져 있다고 해도, 이 작품은 1963년 교향악단 작곡 이후 그의 첫 작품이었기 때문에, 다른 면에서는 글래스의 전환점이 되었다.1979년 8월 악보를 완성한 직후, 글래스는 지휘자 데니스 러셀 데이비스를 만나 독일 공연 준비를 도왔다. 그들은 함께 슈투트가르트 국립 오페라극장에서 초연될 다른 오페라를 기획하기 시작했다.^[27]

1980–1986: 초상화 3부작 완성:아크나텐 이상

글래스는 '화상 3부작'의 3분의 1을 기획하던 중 비사설적인 마드리갈 오페라(6인조, 바이올린, 비올라, 1980년)와 사진작가 이드워드 무이브릿지(1982)에 대한 생물학적 연구인 '사진작가'와 같은 소규모 음악 극장 프로젝트로 눈을 돌렸다.글래스는 또한 코야니스카츠시(Godfrey Reggio, 1981–1982)의 악보로 오케스트라를 위해 작곡을 계속했다.영화(파사데스 등)에 쓰이지 않았던 일부 작품들이 결국 앨범 글래스웍스(1982, CBS 레코드)에 등장하여 글래스의 음악을 더 많은 대중에게 알렸다.

'화상 3부작'은 악카디안, 성서 히브리어, 고대 이집트어로 노래된 성악과 관현악곡인 아크나텐(1982~1983년 초연, 1984년 초연)으로 완성되었다.또한, 이 오페라는 한 배우가 고대 이집트의 문헌을 관객의 언어로 읊는 것을 특집으로 다루었다.아크나텐은 아킴 프레이어가 디자인한 작품에서 슈투트가르트 오페라단의 의뢰를 받았다.데이비드 프리먼이 연출하고 피터 셀러스가 디자인한 작품으로 휴스턴 오페라에서 동시 초연되었다.커미션 당시 슈투트가르트 오페라하우스는 개보수 작업을 진행 중이어서 더 작은 오케스트라 구덩이가 있는 인근 플레이하우스를 이용할 필요가 있었다.이를 알게 된 글래스와 지휘자 데니스 러셀 데이비스는 플레이하우스를 방문, 구덩이 주변에 음악 스탠드를 배치해 얼마나 많은 플레이어를 수용할 수 있는지 파악했다.두 사람은 구덩이 안에 오케스트라를 가득 채울 수 없다는 것을 알았다.글래스는 바이올린을 없애기로 결정했는데, 이 바이올린은 "조현악단에 작품을 특징 짓기 위해 왔고 주제에 매우 잘 맞는 낮고 어두운 소리를 들려준다"는 효과가 있었다.^[27]글래스가 1992년 언급한 것처럼 아크나텐은 그의 스승 페르시체티와 음악적 기법인 밀하우드의 다음성을 실험한 삼음 조화 언어 중 첫 번째 연장선상에 해당하기 때문에 그의 작품에서 의미심장하다.^[45]

유리는 다시 로버트 윌슨과 다른 오페라에 함께 한, 또한 올림픽 게임 로스 Angeles"에 동행할 것 마지막 부분("윌슨의 대 서사 시 같은 이름으로 로마 구간), 원래 대한 계획"international 예술 축제로 사용되었던 그 시빌 warS(1983년 1984년에),.[46](유리는 또한 최고의 작곡을 하였다.올림픽 개막을 위해 코러스와 오케스트라를 위해 일한다. Torch의 점등 및 Closing )로스엔젤레스에서 열린 내전 초연은 실현되지 않았고 오페라는 결국 로마의 오페라에서 초연되었다.글래스와 윌슨의 오페라는 1세기 로마의 극작가 세네카의 라틴어 원문에 대한 음악적 배경과 주세페 베르디의 음악과 남북전쟁의 음악을 암시하는 내용을 담고 있으며, 19세기 인물인 주세페 가리발디와 로버트 E가 출연한다. 등장인물로는 Lee.

1980년대 중반에 Glass는 "매우 빠른 속도로 다른 매체에서 작업"을 생산했다.^[47]이 시기의 프로젝트에는 무용 음악(1983년 제롬 로빈스(Jerome Robins)이 아크나텐의 발췌문 등 다른 매체를 위해 만든 기존 글라스 작곡에서 얻은 악보로 그린 글라스 작품과 인 어퍼룸, 트와일라 타프, 1986년), 극단 엔드게임(1984년)과 컴퍼니(1983년)의 음악이 포함된다.베켓은 조안네 아칼라티스의 지휘와 팀파니와 더블베이스의 글래스의 프러포즈를 공연한 아메리칸 레퍼토리 극장(매사추세츠주 캠브리지)에서 엔드게임의 제작을 격렬하게 반대했으나, 결국 그 간격을 두고 연주된 현악 4중주곡의 짧고 친밀한 4곡으로 컴퍼니를 위해 음악을 승인했다.극화의이 작곡은 처음에 작곡가에 의해 게브라우흐스무식('사용 음악')의 한 조각으로 간주되었다.—"소금과 후추처럼...그가 언급한 대로 "그냥 식탁을 위한 것"이다.^[48]결국 컴퍼니는 글래스의 현악 사중주 2번으로 발행되었고 현악 관현악단을 위한 버전으로 발표되었는데, 학생 오케스트라에서 크로노스 사중주단, 크레메라타 발티카와 같은 유명한 형식에 이르는 앙상블에 의해 공연되었다.

현악4중주단과 현악관현악단의 작사에 대한 이러한 관심은 미시마: 4장의 삶 (Paul Schrader, 1984–85)의 실내와 관현악 영화 점수로 이어졌는데, 글래스는 최근 이를 자신의 "아주 특별한 방식으로 영화 채점 기술"을 발전시킨 그의 "뮤지컬한 전환점"이라고 묘사했다.^[49]

Glass also dedicated himself to vocal works with two sets of songs, Three Songs for chorus (1984, settings of poems by Leonard Cohen, Octavio Paz and Raymond Lévesque), and a song cycle initiated by CBS Masterworks Records: Songs from Liquid Days (1985), with texts by songwriters such as David Byrne, Paul Simon, in which the Kronos Quartet is featu두드러진 역할을 하는 빨강(미시마에서 그렇듯이)글래스는 주니퍼 트리(작곡가 로버트 모란, 1984년 오페라 협연), 에드거 앨런 포의 어셔 하우스 몰락(1987년), 소설가 도리스 레싱과 함께 '행성의 대표자 만들기'(The Making of the Planet 8, 1985-86년) 등의 문학 원서를 각색한 오페라도 이어갔다.1988년 휴스턴 그랜드 오페라 및 영국 국립 오페라.

1987-1991: 오페라와 교향곡으로의 전환

컴퍼니, 파사이드, 현악4중주곡 3번(코야니스카츠시, 미시마에게 주어진 마지막 두 곡)과 같은 작곡은 현악4중주곡, 교향악단 등 앙상블이 보다 쉽게 접할 수 있는 일련의 작품에 자리를 내주었고, 이는 그의 학창시절의 구조적 뿌리로 돌아온다.이러한 방향을 취하면서 그의 실내악과 관현악 작품도 점점 더 전통적이고 서정적인 문체로 쓰여졌다.이 작품들에서 글래스는 종종 샤콘이나 파사카글리아와 같은 오래된 음악 형식을 채용하는데, 예를 들어 사티아그라하,^[21] 바이올린 협주곡 1번(1987), 교향곡 3번(1995), 에코러스(1995), 교향곡 8번(2005),^[50] 독주 첼로를 위한 노래와 시(2006)와 같은 최근 작품들도 있다.

원래 공연장을 위해 작곡된 일련의 관현악 작품들이 3악장 바이올린 협주곡 1번(1987년)으로 시작되었다.이 작품은 미국 작곡가 오케스트라에 의뢰되어 바이올리니스트 폴 주코프스키와 지휘자 데니스 러셀 데이비스를 위하고 긴밀한 협연으로 작곡하였으며, 이후 이 작곡가가 수많은 관현악곡을 작곡하도록 격려하였다.협주곡은 글래스의 아버지에 대한 기억을 위해 헌정된다: "그가 가장 좋아하는 형식은 바이올린 협주곡이었고, 그래서 나는 멘델스존, 파가니니, 브람스 협주곡 등을 들으며 자랐다…그래서 바이올린 협주곡을 쓰기로 결심했을 때 아버지가 좋아하셨을 곡을 쓰고 싶었다."^[51]여러 장의 녹음 중 1992년 협주곡은 기돈 크렘러와 빈 필하모닉이 연주하고 녹음하였다.이번 관현악으로의 전환은 클리블랜드 오케스트라, 로테르담 필하모닉 오케스트라, 애틀랜타 심포니 오케스트라가 의뢰한 "자연의 초상"의 교향곡 3부작으로 계속되었다.The Light (1987), The Cany (1988), Itaipu (1989년).

심포니 앙상블을 위해 작곡을 하는 동안, 글래스는 피아노용으로도 작곡을 했는데, 5악장 《Metomorphosis》(Franz Kafka의 <Metomorphosis>를 연극적으로 각색하기 위해 음악에서 적응한 것), 에롤 모리스 영화 《Thin Blue Line》, 1988년)의 주기가 있었다.같은 해에 유리는 우연히 이스트 빌리지 뉴욕의 한 서점에 있고, 그들은 즉시 reciter과 피아노를 위해 차례로 제기하는 가수들을 위한 음악 극장 작품에 개발한 조각"그 자리에서 함께 무엇인가를 하는 한 앨런의 책을 위한 선택에 이르러위치타 보텍스 Sutra로 결정해"[52]은 시인 알렌 긴스버그의 말을 만났다. 실재물엠블, 수소 주크박스(1990).

글래스는 또한 실내악으로 돌아왔다; 그는 2개의 스트링 쿼텟 (1989년 4번, 1991년 5번)을 작곡했다. 그리고 "스크린스" (1989년/1990년)와 같은 연극의 부수적인 음악으로 시작된 실내악 작품들.이 작품은 원래 감비아의 음악가인 포데이 무사 수소에게 "서양의 작곡가와 협연하여 [Jean Genet의 "스크린"을 위해] 악보를 해달라"고 부탁했던 조안네 아칼라리스 감독과의 많은 연극 음악 중 하나에서 유래되었다.^[53]글래스는 이미 포와카츠시(Godfrey Regggio, 1988년)의 영화 스코어에서 수소와 협력했다.'스크린즈'의 음악은 가끔 글래스와 수소를 위한 투어링 곡(타악기 연주자 유시프 쉐로닉도 한 세트 포함)이며, 개별 곡은 글래스와 첼리스트 웬디 서터의 레퍼토리를 찾아갔다.또 다른 콜라보레이션은 피터 바우만(밴드 감귤드림 멤버)이 시작한 라비 샨카와의 협업 녹음 프로젝트로, 그 결과 《Grades》(1990년)라는 앨범이 탄생했다.

1980년대 후반과 1990년대 초, 글래스의 프로젝트에는 탐험가들의 삶을 바탕으로 한 두 개의 고도로 권위 있는 오페라 커미션도 포함되어 있었다.

데이비드 헨리 황의 리브레토와 함께한 <보이지>(1992년)는 크리스토퍼 콜럼버스에 의해 미국 발견 500주년을 기념하기 위해 메트로폴리탄 오페라단에 의뢰되었고, 1998년 리스본에서 열린 세계 박람회 폐막식에서 로버트 윌슨과 협력하고 작곡한 바스코 다 가마 이야기[fr; pt](1991년)에 관한 것이다.특히 The Voyage에서는 한 해설자의 표현대로 "새로운 아치형 서정성", "시벨리안 적나라함과 스위프", "어두운 음색 ... 점점 더 색색(그리고 불협화음) 팔레트의 반영" 등 작곡가가 "새로운 영역을 탐구한다.^[21]

글래스는 1989년 발매된 싱글 앨범의 b-side를 위해 S'Express 노래 "Hey Music Lover"를 리믹스했다.^[54]

1991-1996: Cocteau 3부작과 교향곡

이 오페라가 끝난 후, 글래스는 지휘자 데니스 러셀 데이비스의 의뢰를 받아 교향곡 사이클을 연구하기 시작했다. 그는 당시 글래스에게 "당신에게... 교향곡을 작곡하지 않는 오페라 작곡가 중 한 명이 되도록 허락하지 않을 것이다."^[55]라고 말했다.유리는 두3-movement의 교향곡("저"[1992년], 교향곡 2번[1994년])를 포함한 작곡가의 자신의 음악적인 재료의 주제 DavidBowie/Brian 이노 앨범 낮은(1977년)[56]의 저명한 트랙 반면 교향곡 2번이 유리에 의해 polytona에 관한 연구로 묘사된다에 출연한 그의 교향곡의 현재 시리즈의 첫번째이다 조합했다.불을 켰다.y. 그는 호네거, 밀하우드, 빌라-로보스의 음악을 그의 교향곡의 가능한 모델로 언급했다.^[57]협주곡 그로소(1992년), 교향곡 3번(1995년), 색소폰 4중주단과 오케스트라를 위한 협주곡(1995년), 라스처 4중주곡(1995년, 지휘자 데니스 러셀 데이비스)과 에코루스(1994년/95)를 위해 작곡된 곡으로, 그의 대규모 교향곡의 흥행에 필적하는 좀 더 투명하고 세련되고 친밀한 실내악곡이었다.글래스는 제3교향곡의 4악장에서 19악장의 현악 오케스트라를 확장된 실내 앙상블로 취급한다.제3악장에서 글래스는 차콘을 형식적인 장치로 재이용한다. 한 해설자는 글래스의 교향곡을 작곡가의 "가장 견고하게 통일된 작품"^[58]^[59] 중 하나로 특징지었다.세 번째 교향곡은 미국 작곡가 관현악단에 의뢰한 네 번째 자막의 히어로즈(1996년)가 그 뒤를 바짝 따랐다.6악장은 글래스, 데이비드 보위, 브라이언 에노(그들의 앨범 "Heroes" 1977년 작)의 주제들을 교향곡으로 다시 작곡한 것으로, 작곡가의 다른 작품들과 마찬가지로 혼성작품으로 공연장을 위한 것과 춤을 위한 짧은 것, 트와일라 타프가 안무하는 두 가지 버전으로 존재한다.

1993년 플로렌스에서 공연한 유리

데니스 러셀 데이비스의 또 다른 커미션은 피아노 에뛰드 포 피아노(Davies와 제작 디자이너 Achim Freyer)의 두 번째 시리즈로, 10개의 에뛰드 전곡은 글래스가 직접 녹음하고 공연했다.브루스 브루베이커와 데니스 러셀 데이비스는 각각 6개의 원세트를 기록했다.에투데스의 대부분은 "간결한 형태의 틀 안에서, 유리는 전형적으로 바로크 문장에서 낭만적인 색채에 이르는 가능한 부조화를 탐구한다"^[60]라는 시대 후기 미니멀리스트적이고 점점 서정적인 문체로 구성되어 있다.일부 작품들은 로버트 윌슨의 페르세포네(1994년, 릴라체 앙상블이 의뢰한 것)나 에코루스(Echorus, Edna Mitchell과 Yehudi Menuhin 1995년에 작곡한 바이올린과 현악 오케스트라를 위한 에뛰드 2번 버전)에 대한 극장 음악 등 다른 버전에도 등장했다.

글래스의 1990년대 다작의 작품에는 작곡가가 산문과 영화적 작품을 바탕으로 작가 겸 영화 감독인 장 콕토에게 '호메지'라고 묘사한 오페라 트립티치(1991~1996)가 수록된 오페라가 계속 포함되었다.Opée(1949), La Belle et la Bete(1946), 그리고 소설 Les Enfants terribles(1929년, 후에 Cocteau와 Jean-Pierre Melville, 1950년)의 영화로 만들어졌다.마찬가지로 트립티치는 콕토우, 레스식스(특히 글래스의 선생님인 다리우스 밀하우드)와 관련된 프랑스 작곡가 그룹의 작품과 콕토우 감독의 영화의 필수적인 부분으로 음악이 피처링된 글룩, 바흐 등 18세기 다양한 작곡가에 대한 음악적 경의를 표하기도 한다.

3부작의 첫 부분인 Opree(1991년 작곡, 1993년 미국 레퍼토리 극장에서 초연)의 영감은 개념적으로나 음악적으로 콕토의 1949년 영화나 엑시(Cocteau)에서 두드러진 역할을 한 ^[21]글룩의 오페라 Orfeo Ed Euridice (Orfée et Euridyce, 1762/1774)에서 추적할 수 있다.^[61]오페라의 한 주제인 에우리디케의 죽음은 작곡가 개인의 삶과 어느 정도 유사성이 있는데, 이 오페라는 글래스의 아내인 캔디 제르니건의 1991년 뜻밖의 죽음 이후에 작곡된 것이다: "..."오르페우스의 슬픔이 작곡가 자신의 슬픔과 닮았음을 의심할 수밖에 없다"고 K. Robert Schwartz는 제안한다.^[21]오페라의 "질감의 투명성, 기악색의 섬세함... 새롭게 표현되고 자유로운 성악 글쓰기"^[21]는 찬사를 받았고, 가디언의 평론가는 "글래스는 프랑스어 본문에 진정한 친화력을 가지고 있으며, 그 단어들을 웅변적으로 설정해 섬세하게 무늬를 새긴 기악 질감으로 뒷받침하고 있다"고 평했다.^[62]

두 번째 오페라인 La Belle et la Béte(1994년, 필립 글래스 앙상블이나 좀 더 전통적인 실내 오케스트라에서 작곡), 글래스는 콕테우 감독의 영화의 사운드 트랙(조르주 오릭의 영화 음악 포함)을 대체하고 "완전히 작동한 새로운 스코어를 써서 영화와 동기화"라고 썼다.^[22]3중창의 마지막 부분은 수잔 마샬의 안무와 함께 "댄스 오페라" 레 엔펀츠 테리블스(1996)로 다시 전통적인 설정으로 돌아왔다.등장인물들은 가수와 댄서 둘 다에 의해 묘사된다.이 오페라의 악보는 바흐의 합주곡 '4개의 하프시코드를 위한 협주곡'을 연상시키지만, 또 다른 면에서는 '오페라 내내 가차없이 내리는 눈'이 펼쳐지는 사건들을 증언하고 있다.여기 시간은 고요하다.오직 음악만이 있을 뿐이고, 공간을 통한 아이들의 움직임도 있다."(글래스)^[63]^[64]

1997-2004: 교향곡, 오페라, 협주곡

In the late 1990s and early 2000s, Glass's lyrical and romantic styles peaked with a variety of projects: operas, theatre and film scores (Martin Scorsese's Kundun, 1997, Godfrey Reggio's Naqoyqatsi, 2002, and Stephen Daldry's The Hours, 2002), a series of five concerts, and three symphonies centered on orchestra-singer and orchestra-chorus interplay. 교향곡 5번 "코랄"(1999년)과 교향곡 7번 "톨텍"(2004년), 노래 사이클 "밀라레파의 노래"(1997) 등 두 교향곡은 명상적인 주제를 가지고 있다.소프라노와 오케스트라를 위한 오페라 교향곡 6번 플루토니아 오데(2002)는 글래스의 육순을 기념하여 브루크네라우스, 린츠, 카네기 홀의 의뢰를 받아, 글래스가 알렌 긴스버그(시, 피아노—긴스버그, 글라스)와 같은 이름의 시를 바탕으로 협연하여 발전했다.

글래스는 콘서트 홀을 위해 글을 쓰는 것 외에도 문학적인 글에서 각색된 작품들로 진행 중인 연재를 계속했다.3, 4, 5 구역의 결혼[1997] 도리스 레싱의 이야기-리브레토 ([1997] 스토리-리브레토), 인 더 벌 콜로니 (2000년, 프란츠 카프카의 이야기 이후), 그리고 피파가 초연된 실내 오페라 '목소리' (2003년, 데이비드 헨리 황과 함께) 등이 출연했다.글래스는 또 해변에서 아인슈타인의 공동저자인 로버트 윌슨(1998년)과 다시 협연해 천문학자 갈릴레오 갈릴레이(2001년)의 삶을 다룬 전기 오페라를 만들었다.

글래스는 2000년대 초 피아노와 오케스트라를 위한 티롤 협주곡(2000년, 데니스 러셀 데이비스가 지휘자 겸 솔로로 초연)과 두 팀파니스트와 오케스트라를 위한 협주곡 판타지(2000년, 팀파니스트 조나단 하스)로 5연속 협주곡을 시작했다.첼로와 오케스트라를 위한 협주곡(2001)은 베이징에서 첼리스트 줄리언 로이드 웨버가 출연하는 초연 공연을 가졌는데, 그의 50번째 생일을 기념하여 작곡되었다.^[65]이들 협주곡에 이어 하프시코드와 오케스트라를 위한 간결하고 엄격한 네오바로크 협주곡(2002년)이 연주되었는데, 투명한 실내 관현악 질감에서 유리의 고전적 기법, 프로베르거나 프레스코발디의 토카타 초기의 "향상적 화음"에서 발현, 18세기 음악에서 발현되었다.^[66]2년 후, 이 협주곡 시리즈는 피아니스트 폴 반스를 위해 작곡된 피아노 협주곡 2번: 루이스와 클라크 이후(2004)로 계속되었다.협주곡은 북아메리카를 가로지르는 개척자들의 트레킹을 축하하며, 제2악장은 피아노와 아메리카 원주민 플루트를 위한 듀엣곡을 연주한다.실내 오페라 "목소리"와 함께, 유리의 피아노 협주곡 2번은 그의 전통적인 작곡과 오리온(2004년 작곡)에서 발견되는 더 인기 있는 세계 음악으로의 여행을 결합시킨 것으로 간주될 수 있다.

2005-2007: 노래와 시

2007년 12월 유리

바바리아인을 기다리며 J. M. Coetzee의 소설(Christopher Hampton의 리브레토와 함께)의 오페라가 2005년 9월에 초연되었다.글래스는 이 작품을 '사회적/정치적 오페라'로 정의했으며, 부시 행정부의 이라크 전쟁에 대한 비판과 '정치적 위기에 대한 대화', '우리의 관심을 인간 차원으로 돌리는 예술의 힘'^[67]을 예시했다.오페라의 주제가 제국주의, 인종 차별주의, 고문인 반면, 작곡가는 지휘자 D로서 "아주 간단한 수단, 그리고 오케스트레이션은 매우 명확하고 전통적이다; 그것은 거의 고전적이다"를 사용함으로써 절제된 접근을 선택했다.러셀 데이비스가 메모한다.^[68]^[69]

이 오페라가 초연된 지 두 달 뒤인 2005년 11월 브루크너 오케스트라 린츠가 의뢰한 글래스의 교향곡 8번은 뉴욕 브루클린 음악 아카데미에서 초연되었다.목소리와 오케스트라를 위한 세 개의 교향곡 후에, 이 작품은 순수한 관현악과 추상적인 작곡으로 되돌아가는 것이었는데, 지휘자 데니스 러셀 데이비스를 위해 쓰여진 이전 작품들과 마찬가지로, 확장된 솔로 작문이 특징이다.평론가 앨런 코진 씨는 교향곡의 색채도가 더 극단적이고 유동적이며 주제와 질감이 반복 없이 계속 변화하고 모핑이 반복되지 않는 것으로 묘사했으며, "울적한 제2악장의 아름다운 플루트와 하프 변주곡"^[70]을 지적하며 교향곡의 "예측할 수 없는 오케스트레이션"을 높이 평가했다.알렉스 로스는 "모든 역경에도 불구하고, 이 작품은 너무 복잡하게 얽힌 고전 교향곡 연보에 확실히 새로운 것을 추가하는 데 성공한다"고 말했다.익숙한 직물에서 음악적 소재를 잘라냈지만, 작곡가가 기대했던 번잡한 결론을 버리고 오히려 황혼이 깊어지고 끝없는 밤이 이어지는 분위기로 파고드는 것이 놀랍다."^[71]

라마크리슈나의 열정(2006)은 태평양 교향악단, 태평양 초랄레, 지휘자 칼 세인트를 위해 작곡되었다. 클라이어(Clair)는 인도의 정신적 지도자인 라마크리슈나의 글을 토대로 45분 동안 합창 작업을 했다. 라마크리슈나는 한 비평가가 말한 것처럼 "오래된 공식에서 작곡가를 되살려 신선한 것을 작곡했다"고 말했다. 반면 다른 평론가는 "영예로운 헨델리아인을 제외하고는 음악적 스타일은 글래스를 위한 새로운 장을 거의 깨트리지 않는다.엔딩...작곡가의 스타일은 이상적으로 묘사된 텍스트에 부합한다"^[72]^[73]고 말했다.

첼로 연주자 웬디 서터, 솔로 첼로를 위한 노래와 시(2005~2007)를 위해 작곡된 첼로 모음곡도 평론가들로부터 똑같이 찬사를 받았다.이 작품은 리사 허쉬에 의해 "... 첼로 레퍼토리의 주요한 추가 작품"과 "정신이 깊은 낭만적, 그리고 동시에 깊은 바로크"로 묘사되었다.^[74]워싱턴 포스트의 또 다른 비평가인 앤 미젯은 스위트룸이 "직접성과 따뜻함의 특이한 정도를 유지하고 있다"고 지적했다. 그녀는 또한 요한 세바스티안 바흐의 주요 작품에 대한 친밀감을 지적했다. "악기의 하단부에 들어가니, 이제는 부드럽고, 열정적이며, 다양한 방식으로 마이너-모드의 키모드를 연상시킨다.클레즈머 음악의 닝과 바흐의 첼로 모음곡의 실내 명상"이라고 말했다.^[75]글래스 자신은 "여러 면에서 바흐보다는 슈베르트의 덕택"이라고 지적했다.^[76]

2007년에 글래스는 또한 레오나드 코헨과 함께 코헨의 시집 그리움의 책을 각색하는 작업을 했다.2007년 6월 토론토에서 초연된 이 작품은 7개의 악기와 성악 4중주곡을 위한 작품으로 코헨의 구어연주와 그의 컬렉션의 이미지를 녹음한 것이 담겨 있다.

미국 남북전쟁 말기의 사건을 둘러싼 오페라 아포마트톡스는 샌프란시스코 오페라단의 의뢰를 받아 2007년 10월 5일 초연되었다.글래스는 작가 크리스토퍼 햄튼과 협연했고, 앞의 오페라 및 교향곡 8번과 마찬가지로 이 작품은 글래스의 오랜 협연자 데니스 러셀 데이비스가 맡았다. 그는 "최근 그의 오페라에서 베이스 라인이 점점 더 부각되고 있다"고 언급했다.s 깊은 레지스터, 콘트라베이스에서 콘트라바순(contrabassoon)—그는 이러한 소리를 점점 더 많이 사용하고 있으며 이러한 질감은 이러한 악기를 다른 조합으로 사용함으로써 얻어질 수 있다. ...그는 분명히 조정자로서, 특정 악기 집단을 위한 멜로디와 조화 구조를 구상하는 능력에서 더 많은 기술을 발전시켰다. … 그가 연주하도록 그들에게 주는 것은 매우 유기적이고 관용적인 것이다."^[69]

이 대규모 오페라와는 별도로, 글래스는 2007년에 그의 연극 음악 카탈로그에 작품을 추가했고, 20년이라는 공백이 지난 후에도 계속해서 새뮤얼 베켓의 극적인 작품을 위해 음악을 작곡했다.그는 2007년 12월 조앤 아칼라리스틱스 감독이 연출하고 초연된 베켓의 단편 희곡 <말 없는 행동 I>, <말 없는 행동 II>, <어른을 위한 러프>, <에 조>의 편찬을 위해 "하이퍼토틱" 원곡을 제공했다.글래스의 이 작품은 뉴욕타임스에 의해 "마음을 꿰뚫는 데 가장 가까운, 신나고 반복적인 음악"으로 묘사되었다.^[77]

2008–현재:실내악, 협주곡, 교향곡

2008년부터 2010년까지 글래스는 노래와 시: 두 대의 피아노를 위한 4악장(2008년, 데니스 데이비스와 마키 네임카와 초연), 브람스 전통(2008년 7월 작곡한 바이올린과 피아노 소나타(2008년 완성, 바이올리니스트 마리아 바흐만과 피아니스트 존 클이 초연)으로 시작한 일련의 실내악곡 작업을 계속했다.2009년 2월 ibonoff); String sextet (Glass의 음악 감독 Michael Riesman이 1995년 교향곡 3번을 개조한 것)이 그 뒤를 이었다.펜듈럼(2010년, 바이올린과 피아노를 위한 원무브먼트), 웬디 서터(2011년), 팀 페인(2010년, 완성작의 첫 공연)의 첼로 제2집(2011년), 바이올리니스트 팀 페인을 위한 솔로 바이올린을 위한 파르티타(2010년, 2011년)가 이 시리즈의 최근 출품작이다.^[78]

2008년 9월 밀라노에서 열린 그리움의 유리기능서

이 연극을 위한 다른 작품들은 Euripides의 The Bacchae(2009년, 감독 JoAnne Akalaitis)와 Kepler(2009)의 악보였다.이 오페라는 30년 전쟁을 배경으로 한 17세기 천문학자 요하네스 케플러의 삶을 바탕으로 한 것으로, 케플러의 글과 동시대의 안드레아스 그리피우스가 쓴 시를 엮은 리브레토가 있다.글래스의 독일어 첫 오페라로 2009년 9월 브루크너 오케스트라 린츠와 데니스 러셀 데이비스가 초연했다.LA 타임즈 비평가 마크 스웨덴 등은 이 작품을 "오라토리오 같은" 작품이라고 묘사했다. 스웨덴인들은 이 작품이 글래스의 "가장 색채적이고, 복잡하며, 심리적인 점수"라고 지적했고, "관현악단이 지배하고 있다...나는 음소거되고 빛나는 색채, 많은 관현악 솔로의 성격, 그리고 베이스 악기에 대한 가슴 아픈 강조에 놀랐다.^[79]

2009년과 2010년, 글래스는 협주곡 장르로 돌아왔다.바이올린 협주곡 2번 4악장은 바이올리니스트 로버트 맥더피가 의뢰한 것으로 비발디의 협주곡 '르 콰트로 스태지오니' 세트에 대한 경의를 표하기 위해 '아메리칸 포시즌즈'(The American Four Seasons)(2009)라는 부제가 붙었다.2009년 12월 토론토 심포니 오케스트라에 의해 초연되었으며, 이후 2010년 4월 런던 필하모닉 오케스트라에 의해 연주되었다.^[80]바이올린과 첼로를 위한 이중 협주곡(2010년)은 독주자인 마리아 바흐만과 웬디 서터를 위해 작곡되었고, 네델란드 단스 극장의 발레 악보로도 작곡되었다.^[81]^[82]2010년의 다른 관현악 프로젝트들은 영화의 짧은 관현악 점수로, 이론 물리학자 브라이언 그린이 2010년 6월 6일에 초연한 소설 이카루스를 바탕으로 한 멀티미디어 프레젠테이션과 브라질 영화 노소 라르의 점수(2010년 9월 3일 브라질에서 개봉)에 이르기까지이다.글래스는 2010년 2월 3일 발매된 비디오 게임 차임(Chime)에도 짧은 작품인 브라질을 기증했다.

2011년 1월, 글래스는 태즈메이니아 호바트에서 열린 모나 포마 페스티벌에서 공연을 했다.이 축제는 실험음향, 소음, 무용, 연극, 시각예술, 공연, 뉴미디어 등 다양한 예술 형태를 홍보한다.^[83]

2011년 8월, 글래스는 밤낮 축제의 일환으로 일련의 음악, 춤, 연극 공연을 선보였다.^[84]필립 글래스 앙상블과 함께, 예정 연주자로는 몰리사 펜리, 댄서즈, 존 모란, 츠카다 사오리, 글래스의 점수로 드라큘라 상영 등이 있다.^[85]글래스는 예술, 과학, 보존에 중점을 두고 매년 이 축제를 개최하기를 희망한다.^[86]

Other works completed since 2010 include Symphony No. 9 (2010–2011), Symphony No. 10 (2012), Cello Concerto No. 2 (2012, based on the film score to Naqoyqatsi) as well as String Quartet No. 6 and No. 7. Glass's Ninth Symphony was co-commissioned by the Bruckner Orchestra Linz, the American Composers Orchestra and the Los Angeles Philharmonic Orchestra. The symphony's first performance took place on January 1, 2012, at the Brucknerhaus in Linz, Austria (Dennis Russell Davies conducting the Bruckner Orchestra Linz); the American premiere was on January 31, 2012, (Glass's 75th birthday), at Carnegie Hall (Dennis Russell Davies conducting the American Composers Orchestra), and the West Coast pre4월 5일 존 애덤스의 지휘 아래 로스앤젤레스 필하모닉과 함께 한다.^[87]5악장으로 쓰인 글래스의 10번 교향곡은 창단 30주년을 맞아 프랑수아 드 쥬누스^[fr] 관현악단의 의뢰를 받았다.이 교향곡의 첫 공연은 2012년 8월 9일, 데니스 러셀 데이비스 ^[88]^[89]^[90]^[91]휘하의 에이ix-en-Provence에서 열렸다.

2016년 루이스 알바레즈 루어의 필립 글라스.기내에 기름이 있다.워싱턴 D.C. 스미스소니언 국립 초상화 갤러리 소장품

2017년 덴마크 무식후셋 오르후스에서 열린 '피아노를 위한 파사카글리아' 세계시사회 유리

오페라 퍼펙트 아메리칸은 2011년 테트로 레알 마드리드로부터 의뢰를 받아 작곡되었다.^[92]리브레토는 피터 스테판 융크가 쓴 동명의 책을 바탕으로 하고 있으며 월트 디즈니의 생애 마지막 달을 다루고 있다.^[93]2013년 1월 22일 마드리드 티아트로 레알에서 영국 바리톤 크리스토퍼 퍼브스가 디즈니 역을 맡으며 세계 초연되었다.^[93]영국 초연은 2013년 6월 1일 런던 콜리세움에서 영국 국립오페라단의 공연으로 열렸다.^[94]미국 초연은 2017년 3월 12일 롱비치 오페라 극장에서 열렸다.^[95]

그의 오페라 로스트[fr]는 오스트리아의 극작가 겸 소설가 피터 핸드케의 희곡을 원작으로 한 것으로 데니스 러셀 데이비스가 지휘하고 데이비드 파우트니가 연출한 2013년 4월 뮤지크테이터 린즈[de]에서 초연되었다.

2013년 6월 28일, 카티아와 마리엘 라베크, 마키 네임카와[de], 데니스 러셀 데이비스가 공연한 글래스의 피아노 작품 Two Movement for Four Pianos가 뮤지엄 쿤스트팔라스트에서 초연되었다.^[96]

2014년 1월 17일, Glass는 Angélique Kidjo Ifé와 공동 작업: 세 곡의 요르바 오케스트라가 룩셈부르크 필하모닉에서 초연되었다.^[97]

2015년 5월, Glass's Double Concerto for Two Pianos는 카티아와 마리엘 라베크, 구스타보 두다멜, 로스앤젤레스 필하모닉이 초연하였다.

글래스는 2015년에 그의 회고록인 "음악 없는 말"을 출판했다.^[98]

브루크너 오케스트라 린츠, 이스탄불 국제음악제, 퀸즐랜드 심포니 오케스트라가 의뢰한 그의 11번째 교향곡은 2017년 1월 31일 글래스의 80번째 생일인 데니스 러셀 데이비스 카네기 홀에서 브루크너 오케스트라를 지휘하는 데니스 러셀 데이비스(Dennus Russell Davies)에서 초연되었다.^[99]^[100]2017년 9월 22일, 그의 피아노 협주곡 3번은 매사추세츠 주 보스턴 뉴잉글랜드 음악원 조던홀에서 실내악단 A Far Cry의 현으로 피아니스트 시몬 디너스타인이 초연했다.^[101]

글래스의 12번째 교향곡은 2019년 1월 10일 로스앤젤레스 월트 디즈니 콘서트 홀에서 존 애덤스 휘하의 로스앤젤레스 필하모닉이 초연했다.오케스트라가 의뢰한 이 작품은 데이비드 보위의 1979년 앨범 《Lodger》를 원작으로 한 작품으로, 보위의 베를린 3부작을 원작으로 한 글래스의 교향곡 3부작을 완성한다.^[102]

무대 오토어, 연주자, 공동 연출자(커스티 하우슬리) 페림 맥더모트(Pheim McDermotte)와 협력하여, 2020년 퍼스 페스티벌 투어에 앞서 2019년 맨체스터 국제 페스티벌에서^[103] 초연된 신작 '타오 오브 글래스'의 악보를 작곡했다.

영향 및 협업

글래스는 자신을 "클래식주의자"라고 묘사하면서, 그가 조화 및 대위법을 훈련받고 있으며 나디아 불랑거와 함께 프란츠 슈베르트, 요한 세바스티안 바흐, 볼프강 아마데우스 모차르트 같은 작곡가를 연구했다고 지적했다.^[104]서양 고전 전통에서 작곡을 하는 것 외에도, 그의 음악은 록, 주변 음악, 전자 음악, 그리고 세계 음악과 관련이 있다.그의 미니멀리즘의 초기 추종자들은 음악가 브라이언 에노와 데이비드 보위 등을 포함한다.^[105]1990년대에 글래스는 앞서 언급한 교향곡 로우(1992년)와 히어로즈(1996년)를 작곡했는데, 주제적으로는 보위-에노 콜라보 앨범 로우(Low)와 1970년대 후반 베를린에 작곡된 "히어로즈(Heroes)"에서 유래했다.

Glass has collaborated with recording artists such as Paul Simon, Suzanne Vega,^[106] Mick Jagger,^[107] Leonard Cohen, David Byrne, Uakti, Natalie Merchant,^[108] S'Express (Glass remixed their track Hey Music Lover in 1989)^[109] and Aphex Twin (yielding an orchestration of Icct Hedral in 1995 on the Donkey Rhubarb EP).글래스의 작곡적 영향력은 마이크 올드필드(글래스의 북극성 일부를 플래티넘에 포함시킨 것) 같은 음악가와 귤러드림, 토킹헤드 등의 밴드까지 이른다.Glass and his sound designer Kurt Munkacsi produced the American post-punk/new wave band Polyrock (1978 to the mid-1980s), as well as the recording of John Moran's The Manson Family (An Opera) in 1991, which featured punk legend Iggy Pop, and a second (unreleased) recording of Moran's work featuring poet Allen Ginsberg.

글래스는 편의상 파피사 휴대용 오르간을 사용하기 시작했고,^[110] 그는 그것을 함께 사용해 왔다.^[111]그것은 북극성과^[112] 댄스 넘버 1-5를 포함한 몇몇 음반에 등장한다.^[113]^[114]

녹음작업

오렌지 마운틴 뮤직의 로고

1970년, 글래스와 클라우스 케르테스(바이커트 갤러리 소유주)는 채텀 스퀘어 프로덕션(필립 유리 앙상블 멤버 딕 랜드리의 스튜디오 위치의 이름을 딴 이름)이라는 레코드 레이블을 결성하였다.^[27]1993년 Glass는 또 다른 음반사인 Point Music을 결성했다; 1997년, Point Music은 방온 a Can All-Stars에 의해 에노의 동명 작곡의 살아있는 악기 버전인 Music for Airports를 발매했다.2002년 글래스와 그의 프로듀서인 커트 뮌카시, 아티스트 돈 크리스텐슨은 오렌지 마운틴 뮤직 회사를 설립하여 "필립 글래스의 레코딩 레거시 확립"을 위해 헌신했으며 현재까지 글래스의 음악 앨범 60장을 발매했다.

영화음악

글래스는 코야니스카츠시 관현악곡(1982년)을 시작으로 미시마: 4장의 삶(1985년, 그 결과 현악4중주곡 3번)과 쿤둔(1997년) 등 두 편의 바이오픽으로 많은 영화음악을 작곡해 아카데미상 첫 지명을 받았다.1968년에는 필립 글래스 앙상블이 연기한 해리슨 엥글 감독의 미니멀리스트 코미디 단편 《Lailwayed》의 악보를 작곡하고 지휘하였다.이것은 그의 초기 영화 노력의 하나였다.

글래스는 햄버거나 힐(1987년)을 채점한 다음 해, 영화제작자 에롤 모리스와 긴 협업을 시작했는데, 그의 음악은 모리스의 유명한 다큐멘터리인 The Thin Blue Line(1988)과 A Brief History of Time(1991)을 위한 것이었다.^[115]그는 Powaqatsi(1988년)와 Naqoyqatsi(2002년)의 점수로 Qatsi 3부작 작곡을 계속했다.1995년, 그는 레지오의 단편 독립 영화 증거의 주제를 작곡했다.그는 Powaqatsi, Anima Mundi, Mishima의 음악을 사용하는 Peter Weir's The Truman Show(1998년)에서 피아노 연주와 함께 카메오 출연을 했다.1990년대에는 벤트(1997년)와 초자연적 공포 영화 캔디맨(1992년)의 악보를 작곡하기도 했다. Flesh와 작별(1995)과 함께 조셉 콘라드의 비밀 요원(1996)을 각색한 영화도 있다.

1999년에 그는 1931년 영화 드라큘라의 새로운 사운드 트랙을 완성했다.The Hours(2002)는 그에게 두 번째 아카데미상 후보에 올랐다.글래스의 음악의 순환적이고 반복되는 특성은 영화의 서술에서 시간과 지리를 넘나드는 빈번한 점프와 대조를 제공한다는 평을 받고 있다.이런 식으로 사운드트랙은 독특한 개성을 지니고 있어, 스티븐 달드리 감독은 글래스의 음악이 영화 속에서 "의식의 또 다른 흐름, 또 다른 캐릭터"^[116] 역할을 한다고 믿고 있다.더 아워스에 이어 또 다른 모리스 다큐멘터리 '전쟁의 안개'(2003)가 나왔다.2000년대 중반에 Glass는 Secret Window(2004), Neverwas(2005)와 같은 영화에 점수를 제공했다.'착시주의자'와 '스캔들 위의 노트'는 아카데미상 후보에 세 번째 올랐다.글래스의 가장 최근의 영화 점수는 노 예약(글래스는 야외 카페에 앉아 있는 영화에서 잠깐 카메오를 만든다), 카산드라의 꿈(2007), 레스 후회(2009), 미스터 니스(2010), 브라질 영화 노소 라르(2010), 판타스틱 포(2015, Marco Beltrami와 협력하여) 등이다.글래스는 2009년 영화제작자 배리 프톨레마이오스가 레이 커즈웨일의 삶과 사상을 담은 트랜스퍼런트 맨을 위한 오리지널 테마음악을 작곡했다.

2000년대 들어 글래스의 1980년대 작품은 다시 다양한 매체를 통해 대중에게 알려지게 되었다.2005년 그의 바이올린과 오케스트라를 위한 협주곡(1987년)은 초현실적인 프랑스 스릴러 라 무스타체(La Moustache)^[117]에 피처링되어 영화 줄거리의 진부함과 의도적으로 어울리지 않는 음색을 제공했다.변성: 솔로 피아노의 변성원(1989)은 '어둠의 발레리'^[118] 에피소드에서 재구성한 배틀스타 갈락티카에, 관심있는 사람의 마지막 에피소드("리턴 0")에서도 등장하였다.2008년 록스타게임즈는 글래스의 '프루트 이괴'(코야니스카츠시 출신)가 등장하는 그랜드 데프트 오토 4를 출시했다.'프루트 이고이'와 '프로페아'(코야니스카츠시 출신)는 워치맨의 예고편과 영화 자체에서 모두 사용됐다.워치맨은 또한 두 개의 다른 글래스 작품을 점수에 포함시켰다: The Hours의 "Something She Has To Do"와 Satyagraha의 "Protest"인 2막 3장.글래스는 2013년 박찬욱 감독의 영화 스토커에 피아노곡 '듀엣'을 기증했는데, 이 작품은 영화 속에서 극적으로 공연된다.^[119]^[120]글래스는 2017년 내셔널 지오그래픽 필름스 다큐멘터리 제인(영국의 저명한 영장류학자 제인 구달의 삶을 다룬 다큐멘터리)을 득점했다.

글래스의 음악은 안드레이 즈비아긴체프 러시아 감독, 엘레나(2011), 리바이어던(2014)의 두 편의 수상작에 실렸다.

텔레비전의 경우, 글래스는 나이트 스토커(2005년)의 테마를, 루프의 이야기들을 위한 사운드 트랙(2020년)을 작곡했다.

개인 생활, 친구 및 공동작업자

필립 글라스의 워드마크

글래스는 자신을 "유대인 타오이스트-힌두-톨텍-부드히스트 "^[18]라고 표현해 왔으며, 티베트 독립운동의 지지자다.1987년 제14대 달라이 라마의 요청으로 로버트 서먼 컬럼비아대 교수와 배우 리처드 기어와 함께 티벳 하우스 US를 공동 설립했다.^[121]유리는 채식주의자다.^[122]

글래스는 4명의 아이와 1명의 손녀가 있다.줄리엣(b. 1968년)과 자커리(b. 1971년)는 연극 감독 조안 아칼라리스(joAnne Akalaitis, 1965년 결혼, 1980년 이혼)와의 첫 결혼 때부터의 자녀들이다.그의 두 번째 결혼은 루바 버티크와의 결혼이었다. 두 사람은 후에 이혼했다.^[123]그의 세 번째 부인인 예술가 캔디 제르니건은 1991년 39세의 나이로 간암으로 세상을 떠났다.그는 네 번째 아내인 레스토랑 매니저 홀리 크라이클로(2001년 결혼)와 카메론(2002년), 말로위(2003년) 두 아들을 두었고 글래스는 이후 이혼했다.^[13]글래스는 뉴욕과 노바스코샤의 케이프 브레톤에 산다.그는 첼리스트 웬디 서터와 약 5년간 연애했다.^[124]^[125]2018년^[update] 12월 현재 그의 파트너는 일본 태생의 무용수 쓰카다 사오리였다.^[126]^{[better source needed]}

글래스는 라디오 쇼 The American Life의 진행자인 Ira Glass의 사촌 중 한 명이다.^[127]Ira는 시카고 필드 박물관의 무대에서 Glass를 인터뷰했다. 이 인터뷰는 NPR의 프레쉬 에어에서 방송되었다.Ira는 Glass와 두번째 인터뷰를 했다. Glass는 St. St.의 모금 행사에서. Ann's Warehouse; 이 인터뷰는 2010년에 대중 라디오 청취자들에게 서약-드라이브 감사 선물로 주어졌다.아이라와 글래스는 글래스가 친구 앨런 긴즈버그의 시 "위치타 소용돌이 수트라"와 함께 쓰기 위해 쓴 작곡 버전을 녹음했다.

글래스는 인터뷰에서 생일을 함께 보내는 프란츠 슈베르트가 자신이 가장 좋아하는 작곡가라고 말했다.^[128]2012년 6월, 더 페이더 79호 표지에는 글래스가 실렸다.^[129]

1978년 실베레 로트링거는 Cemiotxt(e)의 Semiotext(e) 간행물인 "Schizo-Culture: '^[130]이벤트

유리는 그의 친구들과 협력자들 사이에서, 시각 예술가들(리차드 세라, ChuckCloseFredericka 포스터)[131][132]작가(도리스 레싱, 데이비드 헨리 황, 앨런 긴즈버그), 영화, 에롤 모리스, 로버트 윌슨, JoAnne Akalaitis, 고드프리 레지오, 폴 슈레이더는 마틴 스코시즈, 크리스토프 포함한 연극 감독(포함한 많은 예술가를 센다.r햄프턴,Bernard Rose, and many others), choreographers (Lucinda Childs, Jerome Robbins, Twyla Tharp), and musicians and composers (Ravi Shankar, David Byrne, the conductor Dennis Russell Davies, Foday Musa Suso, Laurie Anderson, Linda Ronstadt, Paul Simon, Pierce Turner, Joan La Barbara, Arthur Russell, David Bowie, Brian Eno, Roberto Carnevale, Patti Smi아펙스 트윈, 리사 비엘라와, 앤드류 샤피로, 존 모란, 브라이스 드스너, 니코 뮬리).최근 협력자 중에는 글래스의 동료 뉴요커 우디 앨런, 스티븐 콜버트,^[133] 시인 겸 작곡가 레너드 코헨 등이 있다.

임계수신호

뮤지컬 오피니언은 "필립 글라스는 가장 영향력 있는 살아있는 작곡가 중 한 사람임에 틀림없다"^[134]고 말했다.예술진흥원은 세계적인 오페라 하우스들이 그의 오페라를 많이 제작했다고 언급하면서도 "오페라 하우스, 공연장, 무용계, 영화, 대중음악 등에서 폭넓은 다세대 관객을 모은 최초의 작곡가"라고 말했다.^[135]클래식 음악 리뷰는 그의 오페라 아크나텐을 "음악적으로 세련되고 당당한 작품"^[136]이라고 불렀다.

뉴욕 매거진의 저스틴 데이비드슨은 글래스는"글래스는 그가 죽도록 채찍질하지 않았다는 좋은 생각을 한 적이 없다"고 비판했다.그는 집에 갈 시간이 오래 걸릴 때까지, 잊혀지지 않는 음계를 30번 반복한다."^[137]시간의 리처드 쉬켈은 "이는 궁극적으로 필립 글라스가 자신도 모르게 완벽한 점수 즉, 튜닝 없이, 억압적이고, 드로닝하며, 고통스럽게 자기 중요함을 주는, 암울하고, 무책임한 영화에 의미를 부여하거나, 폭리를 취하기에 불충분하다는 것을 증명한다"고 글래스의 <The Hours> 점수를 비판했다.^[138]

데일리 텔레그래프의 마이클 화이트는 글래스의 바이올린 협주곡 2번을 '유리의 바이올린 협주곡 2번'이라고 표현했다.

맛이 없어진 껌만큼 보람있고, 다른 활동도 아닌 것 같아.이 새로운 협주곡은 보통 빠르게 움직이지만 여전히 세 쌍둥이의 흥망성쇠에 의해 움직이며 공허하게 공식화된 곡예의 연속들을 줄줄 늘어놓는다.필립 글라스는 비발디가 아니다. 그는 심지어 벽지 바로크에도 여전히 할 말이 있는 작곡가다.글라스는 아무것도 가지고 있지 않다. 비록 그가 생각하는 것을 망각하지만, 따라서 반성할 것이 있다고 가정하는 이 작품에서 느리고 성찰적인 독필이 우세하다.^[139]

글래스에 대한 다큐멘터리

에테르에 뿌리를 둔 음악: 오페라를 위한 텔레비전 (1976년)테이프 2: 필립 글래스.제작 및 감독 로버트 애슐리
Philip Glass, Four American Composer (1983); Peter Greenaway 감독
작곡가 노트: 필립 글래스와 오페라 제작(1985); 마이클 블랙우드 감독
해변의 아인슈타인: 오페라의 변화하는 모습 (1986); 마크 오벤하우스 감독
Looking Glass (2005); Eric Darmon 감독
유리: 12부 필립의 초상(2007); 스콧 힉스 감독

수상 및 지명

골든 글로브상

베스트 오리지널 스코어

후보: 쿤둔(1997)
원: 트루먼 쇼 (1998년)
지명된 사람:The Hours(2002)

BAFTA 어워드

앤서니 애스키스 영화 음악상

원: 더 아워즈(2002)^[135]

아카데미상