세자르 프랑크

César Franck
피에르 쁘띠가 촬영한 세자르 프랑크

세자르-오귀스트-장-기욤-허버트 프랑크 프랑스어 발음: [세자 ʁ 오 ɡ리 미브 ɛʁ ʁɑ̃크](, 1822년 12월 10일 ~ 1890년 11월 8일)는 프랑스의 낭만주의 작곡가, 피아니스트, 오르간 연주자, 음악 교사였습니다.

그는 네덜란드의 리에주(Liège)에서 태어났습니다. 그는 1834년 그곳에서 첫 번째 콘서트를 열었고 1835년부터 파리에서 개인적으로 공부했으며, 그곳에서 그의 선생님들은 안톤 라이히아를 포함했습니다. 벨기에로 잠시 돌아오고 초기의 웅변가 루스의 처참한 대접을 받은 후, 그는 파리로 이주하여 그곳에서 결혼하고 교사와 오르가니스트로서의 경력을 시작했습니다. 그는 가공할 음악 즉흥 연주자로 명성을 얻었고, 아리스티드 카발레 콜에 의해 만들어진 새로운 악기들을 보여주기 위해 프랑스 내를 널리 여행했습니다.

성 바실리카 성당에 위치한 스테인드 글라스. 클로틸드

1858년, 그는 성 바실리카 성당의 오르가니스트가 되었습니다. 클로틸드, 파리, 평생 그 자리를 지켰습니다. 그는 1872년에 파리 음악원의 교수가 되었고, 그는 임명 요건인 프랑스 국적을 취득했습니다. 교수직을 얻은 후, Frank는 파이프 오르간과 피아노를 위한 교향곡, 실내악, 건반 작품을 포함하여 표준 클래식 레퍼토리에 들어간 여러 곡을 작곡했습니다. 선생님이자 작곡가로서 그는 작곡가들과 다른 음악가들의 방대한 추종자들을 가지고 있었습니다. 그의 제자로는 어니스트 쇼손, 빈센트 인디, 앙리 뒤파르크, 기욤 르케우, 알베르 르누, 샤를 투르네미레, 루이 비에른 등이 있었습니다.

전기

아동과 학생 (1822–1842)

프랭크가 태어난 리에주에 있는 그래디 하우스

프랑크는 당시 네덜란드의 리에주에서 독일-벨기에 국경 출신의 은행원 니콜라스 요제프 프랑크와 독일 출신의 마리 캐서린-바베 프랑크 사이에서 태어났습니다. 비록 어린 세자르 오귀스트가 초기에 알려졌듯이 그림과 음악적인 기술을 모두 보여주었지만, 니콜라스 요제프는 그의 가족에게 명성과 부를 가져다 줄 프란츠 리스트나 지기스몬드 탈베르그의 방식을 따라 그를 젊은 신동 피아니스트 겸 작곡가로 상상했습니다.[1] 그의 아버지는 프랑스의 리에주 왕립 음악원에 입학하여 솔페주, 피아노, 오르간, 그리고 조셉 도소이뉴 메훌과 다른 교수진들과 화음을 공부했습니다. 세자르 오귀스트는 새로 형성된 벨기에 왕국의 레오폴트 1세 이전인 1834년에 그의 첫 번째 콘서트를 열었습니다.[2]

1835년, 그의 아버지는 더 많은 청중들을 위한 시간이 왔다고 결심하고, 세자르 아우구스트와 그의 남동생 요제프를 파리로 데리고 가서 개인적으로 공부했습니다: 안톤 라이히아와는 대립각을 세우고 피에르 짐머만과는 피아노를 공부했습니다. 두 사람 모두 파리 음악원의 교수였습니다. 10개월 후 라이차가 죽었을 때, 니콜라스 요제프는 두 소년 모두 음악원에 들어가려고 했습니다. 그러나 음악원은 외국인을 받아들이지 않았고, 니콜라 요제프는 1837년에 프랑스 시민권을 취득할 의무가 있었습니다.[3] 그 사이에 니콜라스-요셉은 파리에서 그 시대의 대중 음악을 연주하는 한 명 혹은 두 명의 소년이 출연하는 콘서트와 연주회를 대부분 좋은 평가를 받으며 홍보했습니다.

1911년까지 사용된 파리 음악원 건물

1837년 10월, 어린 프랑크와 그의 형은 음악원에 입학했고, 세자르 오귀스트는 짐머만 아래에서 피아노 공부를 계속했고, 아이메 르본과 함께 작곡을 시작했습니다.[4] 그는 첫 해(1838년) 말에 피아노 부문에서 1등을 차지했고, 꾸준히 그 수준의 연주를 유지했습니다. 1838년과 1840년 사이에 연속적으로 3등, 2등, 1등을 수상하면서 그의 대조적인 작품은 덜 화려했습니다. 그는 연주와 즉흥 연주를 모두 포함한 프랑수아 베누아와 함께 오르간 연구를 추가하여 1841년에 2위를 차지했으며, 다음 해에 작곡 부문에서 로마상 수상을 목표로 하고 있습니다. 그러나 명확하지 않은 이유로 그는 1842년 4월 22일 음악원에서 자진 은퇴했습니다.[5]

그의 철수는 그의 아버지의 명령에 따른 것일지도 모릅니다. 세자르 오귀스트가 학문을 추구하는 동안, 그는 그의 아버지의 요구에 따라 개인 교습을 하고 콘서트를 열었습니다. "그에게는 힘든 삶이었습니다. 그리고 성미가 나쁘고 심지어 아버지의 복수심에 찬 행동으로 인해 더 쉽게 만들어지지도 않았습니다."[6] 어린 프랑크가 연주한 (몇몇은 그의 형과 바이올린을 연주하고, 일부는 프랑크 자신의 작곡을 포함합니다.) 콘서트는 처음에는 좋은 반응을 얻었지만, 하지만 점점 더 니콜라스-요셉이 그의 아들들을 상업적으로 홍보하는 것은 파리의 음악 잡지와 비평가들을 적대시했습니다. 피아니스트로서의 세자르 오귀스트의 기술적 능력은 인정받았습니다. 작곡가로서의 그의 능력은 (아마도 이 시점에서) 부족하다고 느껴졌습니다. 결국 아버지의 공격적인 가식을 거세하고 장남의 "황실한" 이름을 조롱할 기회를 잃은 니콜라스-요셉과 가제트 뮤지컬의 주요 평론가 앙리 블랑샤르 사이의 불화로 인해 모든 상황이 악화되었습니다. "의심할 여지 없이 개인적인"[7] 이 적대감은 니콜라스 요제프가 벨기에로 돌아가는 것이 순리라고 결정하게 했을 수도 있고, 1842년 어린 프랑크에게 내린 "엄격한 명령"[5]은 후자가 음악원을 떠나 그와 동행하도록 강요했습니다.

교사와 오르가니스트 (1842–1858)

노트르담 드 로레트, 파리

벨기에로 돌아온 것은 2년이 채 되지 않았습니다. 수익성 있는 콘서트는 열리지 않았고, 비평가들은 무관심하거나 경멸적이었습니다. 벨기에 궁정의 후원은 (비록 왕이 나중에 세자르-아우구스테에게 금메달을 보냈지만)[8] 돈을 벌지 못했습니다. Nicolas-Joseph에 관한 한, 그 여행은 실패였고, 그는 그의 아들을 파리에서 교육과 가족 콘서트를 하는 체제로 다시 데려왔습니다. Laurence Davies는 엄격하고 낮은 급여라고 특징짓습니다.[9] 하지만 젊은 Frank에게는 장기적인 혜택이 있었습니다. 이 시기부터, 그의 마지막 음악원 시절로 거슬러 올라가, 파리로 돌아온 이후로, 그의 첫 성숙한 작곡들, 즉 트리오(피아노, 바이올린, 첼로) 세트가 출현했습니다; 이것들은 그가 그의 영구적인 작품으로 간주했던 첫 번째 작품들입니다. 리스트는 그들을 보고 격려와 건설적인 비평을 했고 몇 년 후 바이마르에서 그들을 공연했습니다.[10] 1843년, Frank는 그의 첫 번째 비실내악 작품인 웅변가 Ruth를 작업하기 시작했습니다. 1845년 리스트, 마이어비어 등 음악계 저명인사들이 온건한 찬성과 건설적인 비판을 내놓기 전에 비공개로 초연됐습니다.[11] 그러나 1846년 초에 열린 한 대중 공연은 오라토리오의 예술성과 단순함에 대한 대중의 무관심과 비판적인 모욕에 직면했습니다.[12] 이 작업은 상당한 수정을 거친 후인 1872년까지 다시 수행되지 않았습니다.

이에 대응하여, 세자르 아우구스트는 본질적으로 공직 생활에서 은퇴하여 교사와 반주자로서 무명의 사람이 되었고, 그의 아버지는 마지못해 동의했습니다. 영 프랑크는 파리와 오를레앙에서 이 활동들과 노래와 작은 작품들의 작곡을 위한 의뢰를 받았습니다. 그는 1848년 새로운 제2공화국을 축하하고 강화하기 위해 작곡을 제안했습니다. 대중들은 그 중 일부를 흥미롭게 받아들였지만, 공화국이 루이-나폴레옹의 통치하에 있는 제2제국에게 양보하면서 그들은 사용하지 않게 되었습니다. 1851년 그는 오페라 <르 발렛 드 페르메>를 시도했고, "비정상적인 문학적 자질"[13]을 가진 리브레토와 성급하게 스케치한 악보를 가지고 있었습니다. Frank 자신은 자신의 경력이 끝날 무렵에 "인쇄할 가치가 없다"고 말했습니다.[14] 그러나 대체적으로 이 무명은 그가 전생에 스포트라이트를 받은 후 "프랑크는 여전히 그의 직업이 무엇인지에 대해 매우 어두운 곳에 있었습니다."[15] 그러나, 이 시기에 두 가지 중요한 변화는 그의 남은 인생을 형성하는 것이었습니다.

첫 번째는 그의 부모님, 특히 그의 아버지와의 거의 완전한 관계 단절이었습니다. 주된 원인은 그의 개인 피아노 제자 중 한 명인 외제니-페리티체-카롤린 사일로(Eugénie-Félicé-Caroline Saillot, 1824-1918)와의 우정과 후에 사랑에 있었습니다. 그는 음악원에 있을 때부터 펠리시테와 알고 지냈고, 그녀의 가정집은 그의 위압적인 아버지로부터 피난처가 되었습니다. 1846년 니콜라스-요셉이 "Mlle"에 헌정된 작곡을 발견했을 때. F. 데스무소, 즐거운 기억 속에서" 세자르-오귀스트의 논문 중에서 그는 후자의 면전에서 그것을 찢어 버렸습니다. 세자르 오귀스트는 '데무스 오귀스트'에게 직접 가서, 기억 속에서 이 곡을 써서, 헌신적인 대사와 함께 Felicité에게 선물했습니다. 프랑스 법은 25세 미만의 아들을 결혼시키기 위해 부모의 동의가 필요한 결혼에 대한 어떤 생각도 금지했던 그의 아버지와의 관계는 악화되었습니다. (프랑스 법은 25세 미만의 아들을 위해 부모의 동의를 요구했습니다) 세자르 오귀스트는 그의 어머니를 괴롭게 했다고 비난하고 당시 악명 높은 남편과 아내의 중독 사건에 대해 그에게 아들의 어떤 시합의 가능성이 가장 높은 결과라고 소리쳤습니다. 그 분쟁에서 그의 어머니의 역할은 불분명합니다: 그녀는 아들을 약간 지지하거나 분쟁에 참여하지 않았습니다.[16] 7월 어느 일요일, 세자르 오귀스트는 마지막으로 들고 다닐 수 있는 것 외에는 아무것도 없이 부모님 집을 나와 데스무소(Desmousseaux)로 이사하여 환영을 받았습니다. 그 이후로, Frank는 자신을 자칭했고 그의 서류에 서명했고 César Frank 또는 plain C로 일했습니다. 프랭크. "아버지와 깨끗이 헤어지고 아버지가 그렇게 했다는 것을 알리려는 것이 그의 의도였습니다... 그는 가능한 한 다른 사람과 다른 새로운 사람이 되기로 결심했습니다."[17]

1855년 아리스티드 카발레 콜

경계심을 늦추지 않는 Felicité의 부모님의 다정한 시선 아래, 그는 계속해서 그녀에게 구애했습니다. 1847년 그는 25세가 되자마자 아버지에게 펠리시테와 결혼할 의사를 알렸고, 파리 반란이 일어난 달인 1848년 2월 22일에 결혼했습니다. 교회에 가기 위해, 그 당은 혁명가들에 의해 세워진 바리케이드를 넘어야 했습니다 – "이 즉흥적인 요새 뒤에 모여있던 반란군들의 자발적인 도움"이라고 D'Indy는 말합니다.[18] 프랭크스는 결혼식에 참석하기 위해 충분히 화해했고, 그들은 세자르의 교구 교회가 된 노트르담 드 로레트에서 등기부에 서명했습니다.

그것은 노트르담 드 로레트가 프랑크의 교구 교회가 된 두 번째 큰 변화였습니다: 그는 1847년 그곳에서 보조 오르간 연주자로 임명되었는데, 이것은 점점 더 중요해지고 영향력 있는 오르간 직책들의 연속 중 첫 번째였습니다. 프랑크는 피아니스트와 같은 방식으로 오르간 연주자로서 음악원을 빛낸 적은 없었지만, 오르간 연주자의 자리를 원했는데, 그것이 안정적인 수입을 제공했기 때문입니다. 그는 이제 로마 가톨릭 신자의 헌신을 대중 예배에 동반하는 데 필요한 기술을 배우는 것과 일치시킬 수 있는 기회를 가졌고, 때때로 그의 상관인 알퐁스 길바트를 대신할 수 있는 기회를 가졌습니다. 이 자리에서 그는 1851년 생 프랑수아 오 마레의 새 교회(르 마레 지역의 작은 교회)로 이사했고 2년 후 프랑크를 초대하여 티툴라레, 즉 주요 오르간 연주자의 자리를 맡도록 한 교회의 아베 댄스의 호의적인 관심을 받았습니다. Frank의 새로운 교회는 Aristide Cavaillé-Coll에 의해 훌륭한 새로운 오르간(1846)을 소유하고 있었습니다. 그는 예술적으로 재능이 있고 기계적으로 혁신적인 훌륭한 새로운 악기의 창작자로서 명성을 날리고 있었습니다. "나의 새로운 오르간," "오케스트라 같아요!"[19]라고 Frank는 말했습니다. 프랑크의 즉흥적인 기술은 그 당시의 전례 연습이 미사나 사무실을 위해 노래된 평원 노래를 가지고 합창단이나 성직자들이 부르거나 말하는 텍스트 사이의 예배에 적합하게 오르간 음악에서 발전하는 능력을 필요로 했기 때문에 이제 많은 수요가 있었습니다. 게다가, Frank의 연주 능력과 Cavaillé-Coll 악기에 대한 그의 사랑은 후자의 악기들을 시연하기 위해 건축업자와 그의 협력으로 이어졌고, Frank는 프랑스 전역의 마을들을 여행하여 오래된 악기들을 뽐내거나 새로운 악기들로 첫 콘서트를 열었습니다.

노트르담 드 로레트 오르간

동시에 프랑스 오르간 연주의 기법에 혁명적인 변화가 일어나고 있었습니다. 바흐의 전기 작가 요한 니콜라우스 포르켈의 제자인 독일 오르간 연주자 아돌프 헤세(1809–1863)[20]는 1844년 파리에서 독일식 페달보드와 함께 바흐의 작품을 연주할 수 있게 해주는 페달 기술을 시연했습니다. 이것은 Frank가 음악원에서 Benoist로부터 배운 연주의 종류를 완전히 벗어난 것이었습니다; 대부분의 프랑스 오르간들은 그러한 작업에 필요한 페달 보드 노트를 가지고 있지 않았습니다. 그리고 쿠페랭 시대의 프랑스 자체의 위대한 고전 오르간 전통조차도 그 당시에는 즉흥 연주 기술을 선호하는 데 소홀했습니다. 헤세의 공연들은 그들의 눈부신 기교 때문에 단순히 짧은 센세이션으로 취급되었을지 모르지만, 헤세의 제자 자크-니콜라스 레멘스(1823–1881)는 1852년과 1854년에 파리에 다시 왔습니다. 레멘스는 당시 브뤼셀 왕립 음악원의 오르간 교수였으며, 바흐의 거장 연주자였을 뿐만 아니라 모든 오르간 연주자들이 정확성, 명확성, 레가토 표현을 가지고 연주하는 것을 배울 수 있는 오르간 교육 방법의 개발자였습니다. 프랑크는 1854년 레멘스와 같은 창립 콘서트 프로그램에 출연하여 [21]바흐의 고전적인 해석뿐만 아니라 레멘스의 페달 작업의 신속성과 균일성에 많은 감탄을 금치 못했습니다. 레옹 발라스(Léon Vallas)는 오르간 연주자가 되기 전의 피아니스트 프랑크(Frank)가 "그 자신이 레가토 스타일을 완전히 습득한 적은 없다"[22]고 말했지만, 그는 그러한 기술의 도입으로 가능해진 오르간 스타일의 확장을 깨닫고 그것들을 숙달하는 임무를 시작했습니다.[23]

생트 클로틸드의 티툴라레 (1858–1890)

콘솔에서의 세자르 프랑크, 잔 롱기에의 그림, 1885 (개인 소장품)

새로운 오르간 연주 기술을 마스터하기 위한 그의 탐색에서 그는 세 번째이자 마지막으로 오르간 포스트의 변화에 도전과 자극을 받았습니다. 1858년 1월 22일, 그는 새로 봉헌된 생트 클로틸드(Basilique-Sainte-Clotilde, 1896년부터 바실리크 생트 클로틸드)에서 오르가니스트 겸 î트르 드 샤펠레가 되었고, 그곳에서 죽을 때까지 그곳에 머물렀습니다. 11개월 후, 교구는 새로운 3개의 수동 Cavaillé-Coll 악기를 설치했고,[24] 그 후 그는 Titulaire가 되었고, 테오도르 뒤부아는 합창 마스터와 보조 오르간 연주자로 취임했습니다. 이 오르간이 프랑크의 연주와 작곡에 미친 영향은 과대평가될 수 없습니다; 그의 초기 피아노 경험과 함께 그의 여생 동안의 음악 제작을 형성했습니다. Norbert Dufourcq는 이 악기를 "이 시기까지 건설자의 걸작임에 틀림없다"고 묘사했습니다.[25] 프랑크 자신은 생트 클로틸드의 큐레에서 "만약 당신이 내가 이 악기를 얼마나 좋아하는지만 안다면... 그것은 내 손가락 아래에서 매우 부드럽고 내 모든 생각에 순종적입니다!"[26]라고 말했습니다. 이 오르간의 능력(30노트 페달 포함)에 대비하기 위해 Frank는 자신의 기술을 향상시키기 위해 가정 연습을 위해 Pleyelet Cie로부터 연습용 페달보드를 구입했고, 오르간 키보드에서 많은 시간을 보냈습니다. 그 소리의 아름다움과 악기가 제공하는 기계 설비는 오르간 음악뿐만 아니라 다른 장르에서도 즉흥 연주자와 작곡가로서의 그의 명성을 도왔습니다. 오르간, 합창곡, 하모니움을 위한 곡들이 유통되기 시작했는데, 그 중 가장 주목할 만한 것은 메세 à 3 voix (1859)입니다. 수년에 걸쳐 작곡된 이 작품의 악장의 질은 고르지 않지만, 프랑크의 가장 지속적인 작곡 중 하나인 성찬가 "Panis angelicus"에서 나옵니다. 더 주목할 만한 것은 오르간을 위한 6개의 피에체 세트인데, 1860년에서 1862년 사이에 출판되지는 않았지만, 특히 독특한 드론 효과로 인해 파스토랄레(Pastorale)입니다.[27] (동료 오르간 연주자들과 피아니스트들, 그의 오랜 스승인 베누아스트와 카발레 콜에게 헌정된) 이 작곡들은 현대 오르간 레퍼토리의 일부로 남아 있으며, 롤린 스미스에 따르면, 100년이 넘는 기간 동안 프랑스 오르간 문학에 대한 첫 번째 주요 공헌이자 "멘델스존 이후 작곡된 가장 중요한 오르간 음악"이었습니다.[28] 이 그룹에는 그의 가장 잘 알려진 두 개의 오르간 작품인 "Prélude, Fugueet Variation", op. 18과 "Grande Pièce Simphonique", op. 17이 포함되어 있습니다.

생트 클로틸드 오르간

연주자이자 즉흥 연주자로서의 그의 명성은 새로운 혹은 재건된 카발레-콜 오르간의 창단 혹은 헌정 연주에 대한 요구를 계속해서 증가시켰습니다: 루이 제임스 알프레드 르페뷔르-웰리의 새로운 악기 (1862) 그리고 나중에 생테티엔 뒤-몽의 노트르담에서 오르간을 위한, 그리고 라 트리니테; 이 악기들 중 일부를 위해, 프랑크는 (자신이나 카미유 생사 ë인과 함께) 컨설턴트로 활동했습니다. 그의 교회에서, 사람들은 미사와 사무실을 위한 즉흥 연주를 듣기 위해 오기 시작했습니다. 게다가, 프랑크는 생트 클로틸드에서 자신의 작품과 다른 작곡가들의 작품을 "오르간 콘서트"나 연주회를 열기 시작했습니다. 아마도 그의 가장 주목할 만한 콘서트는 1866년 4월 프란츠 리스트의 주일 미사 참석에서 비롯되었는데, 리스트는 프랑크의 즉흥 연주를 듣기 위해 합창단에 앉아 있다가 나중에 "내가 어떻게 그 3인조를 작곡한 사람을 잊을 수 있겠습니까?"라고 말했습니다. 프랭크가 조금은 슬프게 중얼거렸을 법한 말에 "그 이후로 내가 좀 더 나은 일을 했으리라 생각합니다."[29] 리스트는 생 클로틸드에서 그 달 말에 프랑크의 오르간 작품을 홍보하기 위해 콘서트를 조직했는데, 이 콘서트는 듣는 사람들에게 호평을 받았고 음악 저널에 잘 보도되었습니다. 3인조에 대한 그의 언급에도 불구하고, Frank는 Listt 뿐만 아니라 Hans von Bülow도 정기적으로 독일에서의 콘서트에 그들을 포함시키고 있다는 것을 듣고 기뻤습니다. 프랑크는 1869년 노트르담에서 안톤 브루크너를 듣고 독일 오르간 음악에 대한 이해와 연주 방법을 강화했습니다. 그는 학생들의 규칙적인 서클을 갖기 시작했는데, 그들은 표면적으로는 장기 연구를 위해 그곳에 있었지만 Frank의 작곡 기술에 점점 더 관심을 보였습니다.

프랑크는 이 시기에도 합창단을 위한 작곡을 계속했지만, 대부분은 출판되지 않았습니다. 그 때는 음악원에서 훈련 받은 음악가들에게도 흔한 일이었지만, 그는 몇 세기 전의 다성음악에 익숙해진 적이 없었습니다. Frank는 그의 전례 작품을 당시의 스타일로 작곡했는데, Davies는 이를 "종교적 편견을 가진 세속적인 음악"이라고 특징짓습니다.[30] 그럼에도 불구하고, 그는 프랑스-프로이센 전쟁의 중단으로 인해 지연된 10년 이상 그를 점령하기 위해 주요 합창 작품인 레 베아티(Les Béatitudes) 작업을 시작하도록 권장되었습니다. 전쟁은 1848년 혁명과 마찬가지로 그의 많은 학생들이 파리를 떠났거나 전투에서 죽거나 장애가 되었기 때문에 사라졌습니다. 다시 그는 시대의 혹독함 속에서 공연되지 않은 애국적인 작품들을 썼습니다. 그와 그의 가족은 수입이 줄고 식량과 연료가 부족해지면서 경제적 어려움을 겪었습니다. 음악원은 1870-1871학년도 동안 휴원했습니다.[31] 그러나 프랑스 음악가들이 그들 자신의 음악을 어떻게 바라보는지에 대한 변화가 오고 있었습니다. 특히 전쟁이 끝난 후 그들은 프랑스 특유의 아르스 갈리카를[32] 찾고 있었습니다. 이 용어는 1871년 11월, 프랑크가 가장 나이가 많은 멤버가 된 소시에테 국립 음악 협회(Société Nationale de Musique)의 모토가 되었습니다.

음악원 교수, 작곡가 (1872–1890)

프랭크의 가장 주목할 만한 학생 중 한 명인 빈센트 인디.

연주자로서의 명성, 소시에테 회원, 그리고 작지만 헌신적인 학생들을 통해 프랑크의 명성은 이제 충분히 널리 퍼졌고, 1872년 파리 음악원 재개관에서 브누아스트가 오르간 교수로 은퇴했을 때, 프랑크가 후임자로 제안되었습니다. 누가 정부에 지명되었는지는 불확실합니다. 생 ë인들과 시어도어 두부아는 각각 다른 시기에 자신들의 소행이라고 주장했고, Cavaillé-Coll도 마찬가지였습니다. 확실한 것은 프랑크의 이름이 후보 명단의 맨 앞에 있었다는 것과, 그 지명으로 프랑크가 임명 요건인 프랑스 시민이 아니라는 당혹스러운 사실이 드러났다는 것입니다. 프랑크는 아버지 니콜라스 요제프가 아들들을 학생으로 음악원에 입학시키기 위해 귀화한 프랑스 시민이 되었을 때, 그들이 성인으로서 프랑스에 대한 충성을 선언해야 하는 21세가 될 때까지만 시민으로 집계되었다는 사실을 알지 못했습니다. 프랑크는 아버지가 귀화할 때부터 항상 자신을 프랑스인으로 여겼습니다. 사실, 그는 법적인 성인이 되었을 때, 자신도 모르게 출생한 벨기에 국적으로 돌아갔습니다. 프랑크는 즉시 귀화 절차를 밟았고, 1872년 2월 1일 그의 원래 약속은 1873년에 정규화되었습니다.

그의 원래 학생들 중 많은 학생들이 음악원에서 공부했거나 공부하고 있었습니다. 만년에 가장 주목할 만한 사람들 중에는 빈센트 인디, 어니스트 쇼손, 루이 비에른, 앙리 뒤파르크가 있었습니다. 이 그룹은 선생님과 학생들 사이의 상호 존중과 애정에 있어서 점점 더 긴밀한 관계를 맺게 되었습니다. 인디는 각 신입생들이 독립적으로 그러나 만장일치로 그들의 교수인 페레 프랑크를 "프랭크 신부"라고 부르기 시작했다고 언급합니다.[34] 반면에, 프랑크는 그의 교수 생활에서 약간의 긴장감을 경험했습니다: 그는 오르간 연주와 즉흥 연주를 하는 만큼 작곡을 가르치는 경향이 있었습니다; 그는 그의 교수 기술에서 체계적이지 않은 것으로 여겨졌습니다. ("프랑크는 결코 딱딱하고 빠른 규칙이나 건조하고 기성 이론으로 가르치지 않았습니다.")[35] 음악원이 승인한 공식 문서와 책들에 대해 무심한 태도로; 그리고 몇몇 학생들 사이에서 그의 인기는 그의 동료 교수들 사이에서 질투심을 불러일으켰고, 로마상을 [36]포함한 다양한 상들에 대해 프랑크의 학생들을 심사할 때 그 교수들 쪽에서 편견에 대한 반론을 제기했습니다. 발라스는 프랭크가 "그의 단순하고 신뢰할 수 있는 성격으로 인해... 그 자신이 항상 그에게 친절하게 대하고 있다는 것을 발견한 음악원에서도 얼마나 더 더러운 종류의 뒷담화가 있을 수 있는지 이해할 수 없었습니다."[37]라고 말합니다.

1865년부터 죽을 때까지 프랑크가 살았던 생미셸 대로 n°95에 있는 집에 있는 명패.

그는 이제 몇 년 동안 아이디어가 싹트고 있는 작품을 작곡하는 데 시간을 할애할 수 있는 위치에 있었습니다. 그는 레 베아티튜드(Les Béatitudes)에 대한 그의 작업을 중단하고 오라토리오 레뎀션(1871, 개정 1874), 교향시 레 에올리데스(Les Eélides, 1876), 오르간을 위한 트로이스 피에체(Trois Pièces, 1878), 피아노 5중주(1879)를 제작했습니다. Les Béatitudes 자체가 마침내 1879년에 첫 공연을 보게 되었습니다. 프랑크의 더 큰 합창과 관현악 작품들의 다른 많은 초연들과 마찬가지로, 그것은 성공적이지 않았습니다: 작품은 매우 세분화되었고 전체적인 것보다는 발췌곡들의 공연에 의존했습니다. 오케스트라가 없었고, 연주된 섹션에는 피아노가 동반되었습니다. 게다가, D'Indy조차 Frank가 복음서 박자에서 표현된 미덕과 대조적으로 악을 음악적으로 표현할 수 없는 것처럼 보였을 것이라고 지적합니다: "이 용어들을 연결하는 것이 허용된다면, 이상적인 악의 의인화는 Frank의 본성에 너무 이질적인 개념이었기 때문에 그는 그것을 적절한 표현을 하는데 성공하지 못했습니다."[38] 바야스의 표현에 따르면,[39] 그로 인한 "단조의 인상"은 프랑크의 헌신적인 학생들조차도 단일한 작품으로서 레 베아티치의 생존 가능성을 추측하게 만들었습니다.

1880년대에 Frank는 두 스타일 옹호자들 사이에 끼어든 것을 발견했습니다: 그의 아내 Felicité는 처음 익숙해진 Frank의 스타일 변화를 신경쓰지 않았고 상업적으로 성공적인 음악을 작곡하도록 격려했습니다;[27] 그리고 그의 제자들, 그들의 스승에게 그가 그들을 지배하는 것만큼 놀라운 영향을 미쳤을지도 모릅니다. 빈센트 인디(Vincent d'Indy)는 "프랑크가 이런 저런 성조적인 관계나 어떤 발전의 진전에 대해 망설이고 있을 때, 그는 항상 학생들과 상의하고, 그들과 의심을 나누고, 그들의 의견을 묻는 것을 좋아했습니다."[40]라고 말했습니다. 그러자 프랑크의 학생 중 한 명은 "그에 대해 보여진 모든 적대감을 불러일으킨 것은 학생들입니다."라고 프랭크 부인이 (어떤 진실을 가지고) 말했다고 말합니다.[41] 게다가, 생 ë인들은 프랑크와 그의 제자들과 점점 더 갈등을 빚는 등의 불화가 소시에테 국립 안에서 있었습니다.

프랑크가 그의 바이올린 소나타를 헌정한 외젠 이사 ÿ

이 모든 혼란이 작곡가의 마음속에 정확히 어떻게 전개되었는지는 불확실합니다. 이 시기에 그의 더 "발전된" 작품들이 많이 나타났다는 것은 확실합니다: 교향시 르 샤수르 마우디트 (1882)와 르 징크스 (1883–1884), 피아노를 위한 전주곡, 합창곡, 푸가 (1884), 교향곡 변주곡 (1885), 오페라 헐다 (1879–85). 많은 사람들이 최소한 프랑크의 생애 동안 그들의 첫 발표에서 무관심한 성공 혹은 실패를 경험했습니다. 그러나 1879년의 5중주 (생상스 사람들이 특히 싫어하는 작품 중 하나)는 주목을 받고 생각을 유발하는 작품임이 입증되었습니다 (비평가들은 그것이 "활력을 방해하는" 것과 [42]"거의 연극적인 암울함"을 가지고 있다고 묘사했습니다).

1886년 프랑크는 벨기에의 바이올리니스트 외젠 이사 ÿ을 위한 결혼 선물로 바이올린 소나타를 작곡했습니다. 이것은 엄청난 성공을 거두었습니다; Ysa ÿ네는 파리의 브뤼셀에서 그것을 연주했고, 종종 피아노에서 그의 형 테오 Ysa ÿ네와 함께 순회 공연을 했습니다. 그의 마지막 연주는 1926년 파리에서 이루어졌으며, 그 당시 피아니스트는 이브 나트였습니다.[43] 20세기 중반에 쓴 발라스는 소나타가 "프랑크의 가장 인기 있는 작품이 되었고, 적어도 프랑스에서는 실내악의 전체 레퍼토리에서 가장 일반적으로 받아들여지는 작품이 되었다"[44]고 말합니다.

프랭크가 붙잡힌 존경심의 계속되는 모호함은 프랭크의 서클이 발표에서 오랫동안 미뤄왔던 상에서 보여질 수 있습니다. 1885년 8월 4일, 프랑크는 프랑스 레지옹 도뇌르의 슈발리에가 되었습니다. 그의 지지자들은 분개했습니다: D'Indy는 "이 영광이 프랑스 예술에 명예를 주는 훌륭한 작품을 만든 음악가에게 주어졌다고 가정하는 것은 잘못된 것입니다. 전혀!"[45] 대신 표창장은 단순히 "장기 교수"가 그 자리에서 10년 이상을 마친 것과 같습니다. 발라스는 "대중의 여론은 이 악보에 대해 유사한 실수를 하지 않았다"고 진술하고 있으며, 프랑크에 대해 일반적으로 반대하는 저널의 말을 인용하여 이 상은 "무엇보다도 레데미네이션과 레 베아티튜드의 저명한 작곡가에게 조금만 늦게라도 정당하게 지불되는 경의의 행위"라고 말했습니다.[46]

프랑크가 그리스 신화에 바탕을 둔 교향시인 사이세(Psyché, 1886–88)를 출판했을 때 프랑크의 가족과 그의 학생회 사이의 불화는 새로운 경지에 이르렀습니다. 논쟁은 (프랑크의 가까운 지인들에게만 국한되지 않고) 음악이 아니라 (어떤 시카드와 루이 드 포쇼의 시적 스케치에 기초한) 본문의 철학적, 종교적 함의에 관한 것이었습니다. 프랭크의 아내와 아들은 이 작품이 너무 관능적이라고 여겼으며, 프랭크가 음악에 더 집중하기를 원했고, "더 많은 상업적인" 매력을 얻기를 원했습니다.[47] 그러나 딘디는 "이교도 정신은 아무것도 없지만, 오히려 기독교적인 은혜와 감정이 배어 있다"며 그 신비주의적 의미를 이야기합니다.[48] 이후 딘디의 해석은 "어떤 당혹감," 그런 새로운 소심한 주일학교 교사가 갑자기 '솔로몬의 노래'를 아는 폭군 청소년들에게 전화를 걸면 느낄 것입니다."[49]

프랑크의 유일한 교향곡인 D단조 (1888)가 출판되면서 더 많은 논란이 있었습니다. 이 작품은 악평을 받았습니다: 콘서바투아르 오케스트라는 반대했고,[50] 청중들은 "얼음처럼 차갑다", 비평가들은 당황했습니다. (그 반응은 "자유롭지 못한 열정"에서 "체계적인 비하"에 이르기까지 다양했습니다), 그리고 프랑크의 많은 동료 작곡가들은 "일반적인 스타일과 심지어 특정한 세부 사항에 의해" 작품에 대한 완전히 눈치채지 못했습니다. (예를 들어,) 영국의 호른 사용) "더 엄격한 프로와 아마추어들의 형식주의적 규칙과 습관을 분노했습니다."[51] 프랑크 자신은 이 교향곡이 시적인 생각에 근거가 있느냐는 질문을 받고 학생인 루이 드 세레스에게 "아니요, 그것은 단지 음악일 뿐이고, 순수한 음악일 뿐입니다"라고 말했습니다.[52] Vallas에 따르면, 그 스타일과 기술의 많은 부분은 Frank의 사고와 예술적 삶에서 오르간의 중심성에 직접적으로 기인할 수 있고 Frank는 그 경험으로부터 이익을 얻었다고 합니다. "그는 학생들에게 그 이후로는 다시는 그런 글을 쓰지 않을 것이라고 털어놨습니다."[53]

1888년, Frank는 또 다른 오페라인 Giselle에서 그의 손을 다시 시도했습니다. 그것은 작곡보다 더 스케치되었고 Frank는 그것을 완성하지 못했습니다. 이와는 대조적으로, 1890년 4월에 거대한 현악 4중주가 완성되어 공연되었고, 대중과 비평가들로부터 호평을 받았습니다. 파리와 그 주변에서 콘서트 피아니스트로서의 그 자신의 공연, 2년 전 사이체의 부활에 대한 열광적인 환영, 그리고 그의 다양한 제자들의 작품 공연을 포함한 다른 최근의 성공들이 있었습니다. 게다가, 그는 여전히 생트 클로틸드에 있는 보통의 큰 신도들에게 일요일 즉흥 연주를 들려주고 있었습니다. 그는 오르간과 아마도 첼로 소나타를 위한 주요 작품들을 염두에 두었습니다.

질병과 죽음

1890년 7월,[54] Frank는 택시를 타고 가다가 말이 끄는 트롤리에 치여 머리를 다치고 짧은 기절을 일으켰습니다. 당장의 후유증은 없는 것 같았고, 그는 여행을 마쳤고 그 자신은 그것을 대수롭지 않게 여겼습니다. 하지만, 걷는 것이 고통스러워졌고, 그는 콘서트와 리허설에 먼저 불참하고, 음악원에서의 수업을 포기해야 하는 자신을 점점 더 의무감을 느끼게 되었습니다. 그는 가능한 한 빨리 네무르로 휴가를 떠났고, 그는 하모니움을 위해 의뢰된 작품들뿐만 아니라 제안된 오르간 작품들을 작업하기를 원했습니다. 방학 동안, 그는 두 프로젝트를 모두 시작할 수 있었습니다.

프랑크가 하모니움 컬렉션을 완성하지 못한 반면, 오르간 조각들은 1890년 8월과 9월에 완성되었습니다. 그들은 오르간 문학의 가장 위대한 보물들 중 하나이며 오늘날 레퍼토리의 정기적인 부분을 형성하고 있는 트로이스 코랄입니다. 그들 중, 발라스는 "그들의 아름다움과 중요성은 음악적 마지막 의지와 증거의 일종으로 적절하게 간주될 수 있을 정도입니다."[55]라고 썼습니다. 더 최근의 전기 작가 R. J. 스토브도 비슷한 용어로 다음과 같이 썼습니다: "프랭크가 오랜 작별을 고하는 느낌은 내내 분명합니다. 코랄스의 작곡가가 그의 완전한 신체적 치료의 가능성에 대한 환상을 가지고 있다고 믿는 것은 어렵고 거의 불가능합니다."[56]

Frank는 10월에 Conservatoire에서 새 임기를 시작했지만, 감기에 걸렸습니다. 이것은 심낭염에 의해 복잡한 흉막염으로 변했습니다. 이후 병세가 급격히 악화되어 11월 8일 사망하였습니다. 1970년에 쓴 한 병리학자는 Frank의 죽음이 전통적으로 그의 거리 부상과 관련이 있고, 연관성이 있었을 수 있지만, 그 자체로 호흡기 감염이 말기 질병으로 이어질 수 있다고 관찰했습니다. 항생제 부족을 감안할 때, 이것은 "70대 남성의 폐렴에 대한 특이한 패턴으로 간주될 수 없었습니다."[57] 그러나 이 판결은 "'근접적인 원인'에 대해 의심의 여지가 없다"는 질문을 받았다: "프랑크와 그의 부인, 즉, 그가 알고 있을 가능성이 가장 높은 두 사람이 주장한 바는 없다. 그리고 그러한 의심은 1890년 7월과 11월 초 사이에 그를 상대했던 프랑크의 직계 가족 밖의 사람들이 주장한 바도 없다." 수십 년에 걸쳐 '양쪽 끝에서 촛불을 쬐는' 프랭크의 처벌적인 업무량은 그 자체로 작은 부상이라도 물리치기 위해 필요한 신체 회복력을 손상시킬 수 있었습니다."[58]

오귀스트 로댕의 흉상과 함께 몽파르나스 묘지에 있는 프랑크의 무덤.

프랑크의 장례 미사는 생트 클로틸드에서 열렸으며, 레오 델리베스(공식적으로 음악원 대표), 카미유 생트 ë인, 외젠 기구트, 가브리엘 포레, 알렉산드르 길망, 샤를 마리 위도르(음악원에서 프랑크의 뒤를 이어 오르간 교수), 에두아르 랄로(Edouard Lalo) 등의 대규모 신도들이 참석했습니다. 엠마누엘 샤브리에는 몬트루지의 원래 묘지에서 연설했습니다.[60] 이후 프랑크의 시신은 파리의 몽파르나스 묘지에 있는 현재 위치로 옮겨졌고, 그의 친구인 건축가 가스통 레돈이 설계한 무덤으로 옮겨졌습니다. 오귀스타 홀메스가 이끄는 프랑크의 많은 학생들은 1893년에 무덤 옆에 놓여진 프랑크의 4분의 3 흉상인 오귀스트 로댕에게 동메달을 의뢰했습니다.[61] 1904년 조각가 알프레드 레누아(Alfred Lenoir)가 작곡한 오르간의 세자르 프랑크(César Frank) 기념비가 생트 클로틸드(Sainte-Clotilde) 건너편에 있는 새뮤얼-루소 광장(Square Samuel-Rousseau)에 세워졌습니다.

음악

자세한 정보: 세자르 프랑크의 작품 목록

Frank의 많은 작품들은 여러 악장에 걸쳐 통일성을 이루고자 열망하는 방법인 "순환 형식"을 사용합니다. 이것은 초기 주제 자료를 후기의 움직임으로 회상하거나 회상하거나 작품의 모든 주요 주제가 생식 모티프에서 생성되는 Frank의 출력과 같이 달성될 수 있습니다. 이렇게 상호 연관된 주요 멜로디 주제는 마지막 악장에서 요약됩니다. 프랑크가 "순환 형식"을 사용한 것은 그의 교향곡 D단조 (1888)에서 가장 잘 나타나 있습니다.

바이올린과 피아노를 위한 소나타
I. 알레그레토 벤모데라토
II. 알레그로
III. Recitativo-Fantasia: 벤모데라토
IV. 알레그레토 포코모소
티보르 소모라와 미나미 마츠나가 공연
이 파일을 재생하는 데 문제가 있습니까? 미디어 도움말을 참조하십시오.

그의 음악은 프란츠 리스트와 리하르트 바그너의 영향력을 많이 보여주는 낭만주의의 원형인 화성적 언어를 사용하여 대조적으로 복잡합니다. 그의 작곡에서, Frank는 자주, 우아한 키의 변조에 재능과 펜촉을 보였습니다. 종종 피벗 코드나 멜로디 프레이즈의 변곡을 통해 달성되는 이러한 조절 시퀀스는 조화롭게 원격 키에 도달합니다. 실제로, Frank의 학생들은 그의 가장 빈번한 훈계가 항상 "조절, 조절"하는 것이라고 보고했습니다. 프랑크의 절제적인 스타일과 그의 관용적인 멜로디 표현법은 그의 가장 잘 알려진 특징 중 하나입니다.

프랑크는 건반의 12분의 1 간격에 걸칠 수 있는 거대한 손(Ste-Clotilde 오르간의 유명한 사진에서 알 수 있음)을 가지고 있었습니다.[62] 이로 인해 그는 푸갈 작곡의 내부 파트와 그의 건반 음악의 많은 부분(예: 그의 프리에르와 트로이시엠 합창)에 포함된 넓은 화음과 스트레치에서 목소리를 리드하는 특이한 유연성을 갖게 되었습니다. 바이올린 소나타의 작품 중에는 "프랑크, 모든 음악가들의 손이 자신의 손만큼 거대하지는 않다는 것을 행복하게 잊기 십분의 일장조 화음으로 피아노 부분(특히 마지막 악장)을 어질러 놓았습니다. 그 이후로 대부분의 단순한 피아노 연주자들은 그것들을 연주하기 위해 그것들을 퍼뜨려야 할 의무가 있었습니다."[63]

그의 음악의 열쇠는 그의 성격에서 찾을 수 있습니다. 그의 친구들은 그가 "엄청난 겸손함, 소박함, 존경심, 근면함을 가진 사람"이었다고 기록합니다. 노트르담의 제자이자 후에 오르간 연주자가 된 루이 비에른은 자신의 회고록에서 프랑크가 "그의 예술의 존엄성, 그의 사명의 고귀함, 그리고 소리로 전하는 설교의 열정적인 성실함에 대해 지속적인 관심을 보였다"고 썼습니다. 기쁨 또는 우울함, 엄숙함 또는 신비함, 강력함 또는 이상함: 생트 클로틸드에 있던 사람들은 모두 프랑크였습니다."[64]

레거시

7구 스퀘어 새뮤얼-루소에 있는 프랑크의 기념비.

이러한 중요성과 명성을 가진 작곡가에게 있어서, 프랑크의 명성은 주로 그의 말년에 쓰여진 소수의 작곡들, 특히 그의 교향곡 D단조 (1886–88), 피아노와 오케스트라를 위한 교향곡 변주곡 (1885), 피아노 독주를 위한 전주곡, 코랄레와 푸가 (1884), 바이올린과 피아노를 위한 소나타 A장조 (1886), 피아노 5중주 F단조 (1879), 교향시 르 샤수르 마우디 (1883). 교향곡은 특히 젊은 세대의 프랑스 작곡가들 사이에서 찬사와 영향력을 받았으며 수년간의 쇠퇴 후 프랑스 교향곡 전통에 활기를 불어넣는 데 큰 책임이 있었습니다. 이것은 또한 그가 작곡하고 연주한 첫 번째이자 유일한 교향곡이었고, 총 3년이 걸렸고, 1889년 2월 파리 음악원에서 처음 연주되었습니다. 그의 가장 잘 알려진 짧은 작품 중 하나는 모테트 설정 파니스 안젤리쿠스인데, 이것은 원래 오르간과 현악 반주가 있는 테너 솔로를 위해 쓰여졌지만, 다른 목소리와 악기 조합을 위해 편곡되기도 했습니다.

오르간 연주자로서 그는 특히 즉흥 연주의 기술로 유명했습니다. 단지 12개의 주요 오르간 작품들에 기초하여, 프랑크는 바흐 다음으로 많은 사람들에 의해 오르간 음악의 가장 위대한 작곡가로 여겨집니다. 그의 작품들은 한 세기가 넘는 시간 동안 프랑스에서 나온 가장 훌륭한 오르간 작품들 중 일부였고, 프랑스 교향곡 양식의 기초를 놓았습니다. 특히 25분짜리 작품인 그의 초기 그란데 피에체 심포니크는 샤를-마리 위도르, 루이 비에르, 마르셀 뒤프레의 오르간 교향곡의 길을 열었고, 그의 고인이 된 트로이스 코랄스는 정기적으로 콘서트 프로그램에 출연하는 오르간 레퍼토리의 초석입니다.

Frank는 음악에 지대한 영향을 미쳤습니다. 그는 실내악을 새롭게 하고 활성화하는 데 도움을 주었고 순환 형식의 사용을 발전시켰습니다. 클로드 드뷔시와 모리스 라벨은 순환 형식을 기억하고 사용했지만, 그들의 음악 개념은 더 이상 프랑크의 것과 같지 않았습니다. 롤린 스미스(Rollin Smith)는 오르간 연주자이자 작곡가인 프랑크를 프랑스 음악에서 그의 위치와 관련하여 "19세기 프랑스 오르간 작곡의 오르간 연주자이자 논쟁의 여지가 없는 거장이라는 세자르 프랑크의 개념이 다른 매체에서 그의 작품에 대한 거의 모든 언급에 스며들어 있다"[65]고 말합니다.

참고문헌

인용

  1. ^ D'Indy는 Nicolas-Joseph를 "철저하고 독재적인"이라고 부릅니다(31쪽); Léon Vallas는 "상업적 착취"를 직설적으로 언급합니다(16쪽).
  2. ^ 발라스, p. 15
  3. ^ 발라스, 22쪽
  4. ^ 인디, 31살
  5. ^ a b d'Indy, p. 34
  6. ^ 발라스, p. 37
  7. ^ 발라스, p. 45
  8. ^ 레온 발라스, 62쪽
  9. ^ 데이비스, 63쪽
  10. ^ d'Indy, p. 111
  11. ^ 데이비스, 페이지 62
  12. ^ Vallas, p. 75-6
  13. ^ 발라스, 페이지 105
  14. ^ d'Indy, p. 41
  15. ^ 데이비스, 페이지 72
  16. ^ Vallas, p. 84-5
  17. ^ 발라스, 페이지 85
  18. ^ d'Indy, p. 39
  19. ^ 발라스, 102쪽
  20. ^ 발라스, 페이지 100
  21. ^ 발라스, 103쪽
  22. ^ 발라스, 104쪽
  23. ^ 스미스, 방향, 페이지 31-34
  24. ^ Hildebrandt, Vincent. "Orgue Cavaillé-Coll Ste-Clotilde Paris". www.orgue-clotilde-paris.info. Archived from the original on 27 October 2017. Retrieved 16 August 2017.
  25. ^ 발라스, 112쪽, 메모
  26. ^ d'Indy, p. 41-42, 주
  27. ^ a b Thomson, Andrew (1990). "César Franck: Mind, Flesh and Spirit". The Musical Times. 131 (1774): 639–641. doi:10.2307/966717. ISSN 0027-4666. JSTOR 966717.
  28. ^ Smith, Playing, 27쪽
  29. ^ 발라스, 페이지 127
  30. ^ 데이비스, 87쪽
  31. ^ Smith, Playing, 29쪽
  32. ^ 발라스, 페이지 135
  33. ^ 발라스, 137-8쪽; 스미스, 연주, 30쪽
  34. ^ d'Indy, p.235
  35. ^ d'Indy, p. 235
  36. ^ d'Indy, p. 247
  37. ^ 발라스, 페이지 152
  38. ^ d'Indy, p. 223
  39. ^ 발라스, 163쪽
  40. ^ Vallas, p. 247
  41. ^ Vallas, p. 243
  42. ^ 발라스, 168쪽
  43. ^ 스토브 260쪽
  44. ^ 발라스, 198쪽
  45. ^ d'Indy, p. 52
  46. ^ 발라스, p. 185
  47. ^ 발라스, 206쪽
  48. ^ d'Indy, p. 173-4
  49. ^ 스토브, 262쪽
  50. ^ d'Indy, p. 54
  51. ^ 발라스, 211-213쪽
  52. ^ 발라스, 212쪽
  53. ^ 발라스, 216쪽
  54. ^ 스토브, 279쪽, 295쪽
  55. ^ 발라스, p. 232
  56. ^ 스토브 283-284쪽
  57. ^ 오버, 83쪽
  58. ^ 스토브, 296쪽
  59. ^ 발라스, 페이지 234-235
  60. ^ 스토브, 300쪽
  61. ^ "Auguste Rodin – Biography". www.rodin-web.org. Retrieved 16 August 2017.
  62. ^ Smith, Toward, 36쪽, 노트 87
  63. ^ 스토브, 257쪽
  64. ^ 비어른, 메스 기념품, 43쪽, 스미스에서 인용, 24쪽.
  65. ^ 스미스, 방향, p. 15

원천

  • Boyden, Matthew; Buckley, Jonathan (1994). Classical Music on CD-The Rough Guide. London: Rough Guides. ISBN 1-85828-113-X.
  • 딘디, 빈센트 (1910). 세자르 프랑크; 빈센트 인디의 프랑스어 번역: 로사 뉴마치의 서론. 런던: 존 레인, 보들리 헤드. 1965년 뉴욕 재인쇄: 도버. ISBN 0-486-21317-X. 위키소스의 프랑스어 원본
  • 데이비스, 로렌스 (1970). 세자르 프랑크와 그의 서클. 보스턴: Houghton Mifflin.
  • Davis, Elizabeth, ed. (1997). A Basic Music Library- Essential Scores and Sound Recordings. Chicago: American Library Association. ISBN 0-8389-3461-7.
  • "프랑크, 세자르." 노튼/그로브 간결한 음악 백과사전. (영국에서는 Grove Concise Dictionary of Music.) 뉴욕: 노튼, 1988.
  • 오버, 윌리엄 B. (1970) "드 모티버스 뮤직오룸: 병리학자의 수첩에서 추출한 사례도 있습니다." 스테레오 리뷰, vol. 25 No. 5 (1970년 11월).
  • 스미스, 롤린 (1997). 세자르 프랑크의 오르간 작품 연주. 시리즈: 완전한 오르간 1번. 뉴욕 힐스데일: 펜드라곤 프레스 ISBN 0-945193-79-3.
  • ——— (2002). 세자르 프랑크의 오르간 작품에 대한 진정한 해석을 향하여. 수정 및 확장된 세컨드 에디션입니다. 시리즈: 완전한 오르간 6번; 줄리아드 연주 가이드 1번. 힐스데일, 뉴욕: 펜드라곤 프레스. ISBN 978-1-57647-076-3.
  • 스토브, R. J. (2012) 세자르 프랑크: 그의 인생과 시대. Maryland, Lanham: 허수아비 출판부. ISBN 978-0-8108-8207-2.
  • 발라스, 레옹 (1951). 세자르 프랑크. 트랜스. 휴버트 J. 포스. 뉴욕: 옥스퍼드 대학 출판부. 라베리블 히스토리에 드 세자르 프랑크의 트랜스 ISBN 0-837-16873-2

외부 링크

위키 인용문에는 세자르 프랑크와 관련된 인용문이 있습니다.
위키미디어 커먼즈에는 세자르 프랑크와 관련된 미디어가 있습니다.
위키 소스는 1920년 미국 백과사전의 세자르 프랑크에 관한 기사의 텍스트를 가지고 있습니다.