르네상스 음악

시리즈의 일부
르네상스 음악
개요
작곡가 / 바로크로의 이행
이동 및 학교 부르고뉴의 프랑코 플랑드르 컬러리스트 플로렌타인 카메라타 로마인 베네시안 영국 처녀자리론자 영어 마디갈
주요 인물 듀페이 오케젬 틴토리스 조스킨 탈리스 자리노 팔레스트리나 라수스 버드 빅토리아 G. 가브리엘리 몬테베르디
주요 양식 노래 샹손 마디갈 덩어리 모테
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의 주요 시대 서양 고전 음악
초기 음악
중세 c.500–1400 르네상스 c.1400–1600 • 바로크로의 이행
공통실천기간
바로크 양식의 c.1600–1750 • 이행 • (Galant, Empindsamkeit) 고전적인 c.1730–1820 • 로맨틱으로의 이행 • (Sturm und Drang) 낭만적인 c.1800–1910
19세기 후반, 20세기 후반, 21세기 후반
모더니즘 c.1890–1975 컨템포러리 1950년부터 • 포스트모더니즘 1960년대부터
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르네상스 음악은 전통적으로 르네상스 시대보다 늦은 15세기와 16세기의 유럽 음악을 포괄하는 것으로 이해된다.14세기 초 아르스노바에서 시작된 것이 아니라, 트레센토 음악은 중세 음악의 코다로 취급되었고 삼합조화의 부상과 영국에서 부르군트 음악으로 '콘피던스 앵글로즈' 스타일이 확산된 이후 새로운 시대로 거슬러 올라간다.그 종말을 위한 편리한 분수령은 바로크 시대 초기에 바소 콘티뉴를 채택하는 것이다.

그 시기는 대략적으로 세분될 수 있는데, 초기 시기는 기욤 뒤 페이(1397년 경-1474년 경)의 경력과 프랑코 플랑드르 학파에 의해 지배된 중간과 요하네스 오케젬(1410년대 또는 20년대–1497년)과 조스 데스퀸 프레즐레이트(1450년대)가 선호하는 4부 텍스처인 칸틸레나 스타일의 배양과 일치한다.g 팔레스트리나의 화려한 대척점(1525년 경–1594년)과 로마 학파의 반종교.

음악은 중세의 제약으로부터 점점 자유로워졌고, 음역, 리듬, 조화, 형태, 그리고 기보법에서 더 많은 다양성이 허용되었다.한편, 특히 불협화음의 치료와 관련하여 대척점 규칙은 더욱 제약되었다.르네상스 시대에 음악은 개인 표현의 수단이 되었다.작곡가들은 성악이 그들이 설정하고 있는 글들을 더 표현하기 위한 방법을 찾아냈다.세속적인 음악은 신성한 음악으로부터 기술을 흡수했고, 그 반대도 마찬가지였다.샹손과 마드리갈과 같은 인기 있는 세속적인 형태는 유럽 전역으로 퍼져나갔다.법정은 가수와 악기 연주자 모두 거장 연주자를 고용했다.음악은 또한 그 자체를 위해 존재하는 인쇄된 형태로 이용 가능하여 더욱 자급자족하게 되었다.

많은 친숙한 현대 악기들의 선구자 버전은 르네상스 시대에 새로운 형태로 발전했다.이 악기들은 음악적 생각의 진화에 대응하기 위해 변형되었고, 작곡가들과 음악가들이 탐험할 수 있는 새로운 가능성을 제시했습니다.현대 목관악기의 초기 형태와 바순과 트롬본과 같은 금관악기도 등장하여 소닉 컬러의 범위를 넓히고 악기 앙상블의 소리를 증가시켰다.15세기 동안, 완전한 삼합주 소리가 보편화되었고, 16세기 말에 교회 모드의 체계는 완전히 무너지기 시작했고, 다음 3세기 동안 서양 예술 음악을 지배할 기능적인 음조(노래와 곡들이 "키"에 기반을 둔 시스템)에 자리를 내주었다.

르네상스 시대부터, 성악과 기악, 혼합된 성악과 기악 등 세속적이고 신성한 음악이 양적으로 남아 있다.르네상스 시대에는 미사, 모테츠, 마디갈, 샹송, 반주곡, 기악무용, 그리고 많은 다른 것들을 포함하여 다양한 음악 스타일과 장르가 번성했다.20세기 후반부터 수많은 초기 음악 앙상블이 형성되었다.르네상스 시대의 음악을 전문으로 하는 앙상블은 현대 사악기의 복제품과 음악학자들이 그 시대에 사용했다고 생각하는 노래와 연주 스타일을 사용하여 콘서트 투어를 하고 음반을 만든다.

개요

초기 르네상스 유럽 예술 음악의 가장 뚜렷한 특징 중 하나는 세 번째와 그것의 반전에 대한 증가하는 의존, 여섯 번째 (중세에, 3번째와 6번째는 불협화음으로 간주되었고, 오직 완벽한 네 번째의 완벽한 다섯 번째, 옥타브, 그리고 운의 음정만이 자음으로 취급되었습니다.다성음악(polyphony) - 동시에 연주되는 복수의 독립된 멜로디 라인의 사용은 14세기 내내 매우 독립적인 목소리(성악과 기악 음악 모두에서)와 함께 점점 더 정교해졌다.15세기 초에 작곡가들은 종종 멜로디 부분의 부드러움을 위해 노력하면서 단순화를 보였다.이것은 음악에서 음역이 크게 증가했기 때문에 가능했다 – 중세에는 음역이 좁아서 파트를 자주 교차시킬 필요가 있었고, 따라서 다른 파트를 구별하기 위해 그들 사이의 더 큰 대비가 필요했다.르네상스 음악의 모달은 5분의 1 또는 4분의 1의 뿌리 움직임의 사용이 증가하면서 그 기간이 끝날 무렵에 분해되기 시작했다.코드 루트가 4분의 1 간격으로 이동하는 코드 진행의 예로는 코드 진행이 있으며, C 장조의 키인 "D 단조/G 장조/C 장조"가 있습니다(이들은 모두 3음 코드입니다).D단조 화음에서 G단조 화음으로의 이동은 완벽한 4분의 1 간격이다.G장조 화음에서 C장조 화음으로의 움직임 또한 완벽한 4분의 1의 간격이다.이것은 나중에 바로크 시대에 ^{[citation needed]}음조의 결정적인 특징 중 하나로 발전했다.

르네상스 음악의 주요 특징은 다음과 같습니다.^[1]

• 모드에 따른 음악
• 4개 이상의 독립된 멜로디 파트가 동시에 연주되어 풍부한 텍스처.이러한 서로 얽힌 멜로디 라인, 폴리포니라고 불리는 스타일은 르네상스 음악의 결정적인 특징 중 하나이다.
• 음악의 질감에서 대비가 아닌 멜로디 라인을 블렌딩하는 것.
• 음악의 부드러운 흐름과 화음의 진행에 더 큰 관심을 둔 하모니.

다성음악의 발달은 중세부터 음악적으로 르네상스를 알리는 악기에 주목할 만한 변화를 가져왔다.그것의 사용은 더 큰 앙상블의 사용을 장려했고 전체 ^[2]음역에 걸쳐 함께 어우러질 악기 세트를 요구했습니다.

배경

다른 예술과 마찬가지로, 그 시대의 음악은 초기 근대시대를 정의하는 발달에 의해 크게 영향을 받았다: 인문주의적 사상의 부상, 고대 그리스와 고대 로마의 문예적 유산의 회복, 혁신과 발견의 증가, 상업 사업의 성장, 부르주아 계급의 부상계급, 그리고 개신교 종교 개혁.이 변화하는 사회로부터 공통적이고 통일적인 음악 언어, 특히 프랑코-플랑드르 학파의 다성어 스타일이 생겨났다.

1439년 인쇄기의 발명은 더 싸고 더 많은 사람들에게 음악과 음악 이론 원문을 더 넓은 지리적 규모로 배포하는 것을 더 쉽게 만들었다.인쇄술이 발명되기 전에, 쓰여진 음악과 음악 이론의 텍스트는 손으로 복사되어야 했고, 이는 시간이 많이 걸리고 비용이 많이 드는 과정이었다.부르주아 계급의 출현과 함께 음악 오락과 교육받은 아마추어를 위한 여가 활동으로서의 수요가 증가했다.샹손, 모테, 그리고 대중이 유럽 전역에 보급된 것은 16세기 후반 지오반니 피에를루이지 다 팔레스트리나, 오를란데 드 라수스, 토마스 탈리스, 윌리엄 버드, 토마스 루이스 드 빅토리아와 같은 작곡가의 작품에서 절정에 이른 유동적인 스타일로 다성 연습이 통일된 것과 동시에 일어났다.저지대 국가들의 상대적인 정치적 안정과 번영은 이 지역의 많은 교회와 성당에서의 음악 교육의 번영과 함께 많은 수의 가수, 악기 연주자, 작곡가들의 훈련을 가능하게 했다.이러한 음악가들은 유럽, 특히 교회와 귀족 법정이 그들을 작곡가, 연주자, 그리고 교사로 고용한 이탈리아 전역에서 매우 인기가 있었다.인쇄기가 인쇄된 음악을 더 쉽게 보급할 수 있게 만든 이후, 16세기 말까지 이탈리아는 베네치아, 로마, 그리고 다른 도시들이 음악 활동의 중심이 되면서 북부 음악의 영향을 흡수했다.이것은 100년 전보다 상황을 역전시켰다.가수들이 악기를 반주하는 극적인 무대 장르인 오페라는 이때 플로렌스에서 생겨났다.오페라는 고대 ^[3]그리스의 음악을 부활시키려는 의도적인 시도로 개발되었다.

장르

르네상스 시대 내내 사용되었던 주요한 예배식 음악 형식은 대중과 모테트였고, 특히 신성한 음악의 작곡가들이 종교적인 사용을 위해 세속적인 음악 형식을 채택하기 시작하면서 그 시대의 종말을 향해 몇몇 다른 발전이 있었다.15세기와 16세기 미사에는 사용된 두 종류의 소스가 있었다: 단성(단일한 멜로디 선율)과 다성(복수, 독립적인 멜로디 선율 선율)의 두 가지 주요 형태와 함께, 또는 1500년경부터 작곡가들이 작곡하는 "전주 모조품"의 새로운 스타일이 사용되었다.ich 다른 목소리나 부분들은 다른 목소리나 부분들에 의해 수행되는 멜로디나/또는 리듬 모티브를 모방할 것이다.다음과 같은 몇 가지 주요 유형의 질량이 사용되었다.

• 주기 질량(테너 질량)
• 환산질량
• 모조 질량

미사는 보통 그들이 빌린 원천에 의해 제목이 붙여졌다.Cantus firmus mass는 같은 모노포닉 멜로디를 사용합니다.이 멜로디는 보통 구호와 테너에서 그리고 대부분의 경우 다른 ^[4]목소리보다 더 긴 음표 값입니다.다른 신성한 장르로는 마드리갈레 스피리추얼과 라우드가 있었다.

그 기간 동안, 세속적인 (비종교적인) 음악은 다양한 형태와 함께 증가하는 유통을 가지고 있었지만, 다양성의 폭발을 가정하는 것에 주의해야 한다: 인쇄가 음악을 더 널리 이용할 수 있게 만든 이후, 이전 중세 시대보다 이 시대로부터 훨씬 더 많은 것이 살아남았고, 아마도 그 시대의 대중음악의 풍부한 저장고일 것이다.중세 후기는 사라졌습니다.세속음악은 교회로부터 독립된 음악이었다.주요 유형은 German Lie, 이태리 프로톨라, 프랑스 샹송, 이태리 마드리갈, 스페인 빌란치코였다.^[1]다른 세속적인 성악 장르로는 카시아, 론도, 비렐라이, 베르헤레트, 발라드, 뮤지크 메수레, 칸조네타, 빌라넬라, 빌로타, 그리고 루트 노래가 있었다.모테 샹손과 세속적인 모테와 같은 혼합된 형태도 나타났다.

순수하게 기악은 레코더나 비올, 기타 악기를 위한 협력음악과 다양한 앙상블을 위한 춤을 포함한다.일반적인 악기 장르는 토카타, 전주곡, 리커카, 칸조나였다.기악 앙상블에 의해 연주되는 춤은 바세 단세, 투르디온, 살타렐로, 파반, 갈리아드, 알레만데, 쿠란테, 브란슬, 카나리, 피바, 그리고 라볼타를 포함한다.루트, 비후엘라, 하프, 키보드와 같은 다양한 장르의 음악을 솔로 악기로 편곡할 수 있었다.그러한 배치를 인타볼라투라(It. Intavolatura, Ger. Intabulierung)라고 불렀다.

그 기간이 끝날 무렵, 모노디, 마드리갈 코미디, 인터미디오와 같은 오페라의 초기 극적 전조들이 들려온다.

이론과 표기법

Margaret Bent에 따르면: "르네상스 표기법은 우리의 [현대] 기준에 의해 규정되어 있지 않다; 현대 형식으로 번역될 때, 그것은 원래의 개방성을 지나치게 명시하고 왜곡하는 규정적 무게를 얻는다."^[5]르네상스 시대의 작곡은 개별적인 부분에서만 기록되었다; 악보는 극히 드물었고, 바라인은 사용되지 않았다.음표 값은 일반적으로 오늘날 사용되는 것보다 더 컸습니다. 비트의 주요 단위는 반음계 또는 전체 음표였습니다.아르스 노바(중세의 음악 참조) 이후 그래왔듯이, 각 양조마다 두세 개의 음이 있을 수 있는데, 이것은 현대의 "음"과 동등하다고 볼 수 있지만, 음은 그렇지 않다.상황은 이렇게 생각할 수 있다: 현대 음악에서 4분의 1 음이 8분음표 2개 또는 3개와 같아 "트리플렛"으로 쓰여질 수 있는 규칙과 같다.같은 계산으로, 각 반음계에 두세 개의 작은 음표인 "minim"이 있을 수 있다.

이러한 다른 배열은 breve-semibreve 관계 수준에서 "완벽/불완벽한 온도", semibreve-minim 수준에서 "완벽/불완벽한 프로화"라고 불리며, 서로 가능한 모든 조합으로 존재했다.3대 1은 "완벽함"이라고 불렸고, 2대 1은 "불완벽함"이라고 불렸습니다.또한 단일 음표가 다른 특정 음표 앞에 있거나 뒤에 있을 때 가치가 반감되거나 두 배가 될 수 있는 규칙도 존재했다.검은색 노트헤드가 있는 노트(예: 사분음표)는 발생 빈도가 낮습니다.흰색 멘솔러 표기법의 발달은 종이 사용의 증가에 따른 결과일 수 있다. 왜냐하면 약한 종이가 단단한 노트헤드를 채우는데 필요한 긁힘을 견디지 못했기 때문이다; 이전의 표기법은 벨룸에 쓰여져 검은색이었다.다른 색상, 그리고 나중에 채워진 음표도 일상적으로 사용되었는데, 주로 앞에서 언급한 결함이나 변경을 시행하고 다른 일시적인 리듬 변화를 요구하기 위해 사용되었습니다.

우연(예를 들어 음을 바꾸는 샤프, 플랫 및 자연스러움 추가)은 오늘날 기타 패밀리 악기(태블러처)의 특정 핑거링 표기법에서처럼 항상 명시되지 않았다.하지만, 르네상스 시대의 음악가들은 2진법의 대척점에 대해 고도로 훈련받았을 것이고, 따라서 우연이 기록되지 않았더라도 악보를 정확하게 읽는데 필요한 이것과 다른 정보를 가지고 있었을 것이다.이와 같이, "현대 기보법이 요구하는 것은 대척점에 정통한 가수에게 기보법이 없었다면 완벽하게 드러났을 것이다." (뮤지카 허구 참조)가수는 다른 파트를 염두에 두고 음절 공식을 계산해 자신의 파트를 해석하고, 함께 노래를 부를 때는 평행 옥타브와 평행 오분의 일을 피하거나 다른 음악가의 ^[5]결정에 따라 음절 부분을 바꾸곤 했다.다양한 악기의 현대적 태플릿을 통해 우리는 독창적인 실무자들이 어떤 우연으로 연주했는지에 대한 많은 정보를 얻었다.

특정 이론가에 대한 정보는 요하네스 틴토리스, 프렌치누스 가푸리우스, 하인리히 글레언, 피에트로 아론, 니콜라 비센티노, 토마스 데 산타 마리아, 지오세포 잘리노, 비센테 루시타노, 빈센초 갈릴레이, 조반니 아르투시우스, 니치우스를 참조하십시오.

작곡가 – 타임라인

초기(1400~1470)

르네상스 초기의 주요 작곡가들도 중세 후기 스타일로 작곡을 했기 때문에 그들은 과도기적인 인물들이다.레오넬 파워 (1370년대 또는 1380년대–1445년)는 중세 말기와 르네상스 초기의 영국 작곡가였다.존 던스타플과 함께 그는 15세기 초 영국 음악의 주요 인물 중 한 명이었다.)^[6][7]권력은 15세기 초 영국 음악의 유일한 손상되지 않은 원천 중 하나인 올드 홀 필사본에 가장 잘 표현된 작곡가이다.권력은 주제적으로 통일되고 연속적인 공연을 의도한 대중의 일반적인 악장을 분리한 최초의 작곡가 중 한 명이었다.올드 홀 필사본은 마리아 대척점인 알마 재림포리스 마테라에 기초한 그의 미사 내용을 담고 있는데, 이 대척점은 말 그대로 각 악장마다 테너 목소리로 쓰여져 있고 선율적인 장식도 없다.이것은 ^[8]그에게서 기인할 수 있는 유일한 질량 통상 순환 설정이다.그는 매스 사이클, 단편, 단일 악장, 그리고 다양한 다른 신성한 작품들을 썼다.

존 던스타플 (또는 던스타블) (1390–1453)은 중세 말기와 르네상스 초기의 다성음악 작곡가였다.그는 15세기 초에 활동한 가장 유명한 작곡가 중 한 명으로, 거의 동시대의 권력자였으며, 영국뿐만 아니라 대륙, 특히 부르군트 학파의 발전적인 스타일에서 널리 영향을 미쳤다.대륙의 음악 어휘에 대한 던스타플의 영향력은 엄청났으며, 특히 그의 작품들의 상대적 부족함을 고려하면 더욱 그러했다.그는 부르군트 학파의 음악에서 이전에 들어본 적이 없는 무엇인 "la contence angloise" ("영국의 얼굴")을 소유하고 있는 것으로 인정받았는데, 이는 시인 마르틴 르프랑이 그의 르 샹피옹 데 다메스에서 사용한 용어이다.르프랑은 이 스타일이 뒤페이와 빈초이에 영향을 미쳤다고 덧붙였다.플랑드르 작곡가이자 음악 이론가인 틴토리스는 던스타플이 영감을 준 "새로운 예술"을 강조하며, 약 1476년에 작곡하면서 던스타플이 가졌던 강력한 영향력을 재확인했다.틴토리스는 던스타플을 "샘과 기원"^{[quote citation needed]}인 이 스타일의 창시자로 환영했다.

마르탱 르 프랑에 의해 정의되지는 않았지만, 앵글로이즈는 아마도 3번째 음정 간격에 대한 선호와 함께 완전한 3중 화음(3음 화음)을 사용하는 던스타플의 스타일적 특성에 대한 언급이었을 것이다.그가 베드포드 공작과 함께 대륙에 있었다고 가정했을 때, 던스타플은 프랑스 가짜 부르동을 소개받았을 것이다; 몇몇 음원을 빌려, 그는 3번째와 6번째 음정의 예로는 C와 E를 사용하여 자신의 음악에서 우아한 하모니를 만들었다.종합하면, 이것들은 초기 르네상스 음악의 특징들을 정의하는 것으로 여겨진다.이러한 특징들 중 많은 것들이 영국에서 유래되어 세기 중반경에 부르군트 학파에 뿌리를 두고 있을 것이다.

던스타플의 작품들이 이탈리아어, 독일어 필사본에서 많이 발견되었기 때문에, 그의 명성은 유럽 전역에 퍼졌을 것이다.그의 작품 중 살아남은 것은 50여 점뿐이며, 그 중에는 완전한 질량 2개, 연결된 질량 3개, 개별 질량 14개, 완전한 등리듬 모테 12개, 마리안 안티폰 7개 등이 있다.던스타플은 칸투스 피르무스로서 하나의 멜로디를 사용하여 미사를 작곡한 최초의 사람 중 하나였다.이 기술의 좋은 예는 그의 Missa Rex seculorum이다.그는 세속적인 (비종교적인) 음악을 작곡했다고 믿어지지만, 어느 정도 확실한 지방어의 노래라고는 할 수 없다.

오스왈드 폰 볼켄슈타인 (1376년경–1445년)은 초기 독일 르네상스의 가장 중요한 작곡가 중 한 명이다.그는 잘 작곡된 멜로디와 여행, 신,^[9] 섹스 세 가지 주제를 사용한 것으로 가장 잘 알려져 있다.

질레스 빈초이스 (1400–1460년 경)는 부르고뉴파의 초기 멤버 중 한 명이자 15세기 초의 가장 유명한 작곡가 세 명 중 한 명이었던 네덜란드 작곡가였다.당대 학자들에 의해 종종 그의 동시대 기욤 뒤페이와 존 던스타플에 뒤졌지만, 그의 작품은 여전히 인용되고, 빌리고, 그가 죽은 후에도 자료로 사용되었다.빈초이는 노래를^{[by whom?]} 부르기 쉽고 기억에 남는 정성스럽게 모양을 만든 가사를 쓰는 훌륭한 멜로디스트로 여겨진다.그의 곡들은 그가 죽은 지 수십 년이 지난 후에 사본으로 등장했고 후대의 작곡가들에 의해 대량 작곡의 원천으로 종종 사용되었다.그의 대부분의 음악, 심지어 그의 신성한 음악도 단순하고 윤곽이 명확하며, 때로는 금욕적인 음악도 있다.빈초이스와 이전(14세기)의 아르 하위 기일까지의 극단적인 복잡성 사이의 더 큰 대조를 상상하기는 어려울 것이다.그의 세속적인 노래의 대부분은 론도이며, 이것은 세기에 가장 흔한 노래 형태가 되었다.그는 거의 스트로피 형식으로 글을 쓰지 않았고, 그의 멜로디는 일반적으로 그들이 설정한 운율 체계와 독립적이다.빈초이스는 궁정을 위한 음악, 기대에 부응하고 그를 고용한 부르고뉴 공작의 취향을 만족시키는 사랑과 기사도의 세속적인 노래를 작곡했고, 그에 따라 그의 음악을 사랑했던 것이 분명하다.그의 현존하는 세속음악의 약 절반은 옥스퍼드 보들리언 도서관에서 찾을 수 있다.

기욤 뒤 페이 (1397년–1474년)는 르네상스 초기의 프랑코 플랑드르 작곡가이다.부르군트 학파의 중심 인물인 그는 ^[10]15세기 중반 유럽에서 가장 영향력 있는 작곡가로 동시대인들에게 여겨졌다.Du Fay는 미사, 모테츠, 마니페라트, 찬송가, 성스러운 음악 영역 내에서의 간단한 구호 설정 및 안티폰, 그리고 세속적인 음악 영역 내에서의 론도, 발라드, 비렐라 및 몇몇 샹송 타입을 포함한 하루의 대부분의 일반적인 형태로 작곡되었다.악기는 확실히 그의 세속적인 음악들, 특히 낮은 부분을 위해 사용되었지만, 그의 생존 음악들 중 어떤 것도 특별히 중요한 것은 아니다; 그의 신성한 음악들은 모두 성악이다.악기는 그의 거의 모든 ^{[citation needed]}작품에서 실제 연주에서 목소리를 강화하기 위해 사용되었을지도 모른다.7개의 완전한 미사, 28개의 개별적인 미사 움직임, 미사 프로퍼에 사용되는 15개의 구호 세트, 3개의 매니플레이트, 2개의 베네디카무스 도미노 세트, 15개의 안티폰 세트(그 중 6개는 마리안 안티폰), 27개의 찬송가, 22개의 모테트(이들 중 13개는 보다 각진하고 엄격한 14세기 스타일의 선율적이고 감각적인 트리블럼 도밍 도밍에 영향을 주었다)두페이의 젊은 시절 "세 번째 이하" 운율로 끝나는 구절의 에드 파트라이팅과 그에 의해 확실히 87개의 샹손이 ^{[citation needed]}살아남았다.

Du Fay의 많은 작곡은 단순한 구호 설정이었고, 분명히 예배용으로 설계되었으며, 아마도 꾸미지 않은 구호 대신으로 보여질 수 있다.종종 조화는 Marian Antiphon Ave Maris stella의 설정처럼 가짜 부르돈으로 알려진 병렬 쓰기 기술을 사용했다.두 파이는 15세기 예배음악과 특히 부르군트 음악에서 두드러졌던 이 단순한 작곡 스타일을 위해 "fauxbourdon"이라는 용어를 사용한 최초의 작곡가였을지도 모른다.Du Fay의 세속적인 (비종교적인) 노래의 대부분은 14세기와 15세기의 세속적인 유럽 음악을 지배했던 형식(론도, 발라드, 비렐라이)을 따른다.그는 또한 이탈리아에 있는 동안 거의 확실히 이탈리아 발라트를 썼다.그의 모테트가 그렇듯, 많은 곡들이 특정한 경우를 위해 작곡되었고, 많은 곡들이 측정 가능한 것이어서 유용한 전기 정보를 제공한다.그의 노래의 대부분은 세 목소리를 위한 것으로, 가장 높은 목소리가 지배하는 질감을 사용했고, 텍스트가 제공되지 않은 나머지 두 목소리는 아마도 ^{[citation needed]}악기로 연주되었을 것이다.

듀페이는 이소리듬과 ^[11]같은 중세 후기 다성 구조 기법을 사용한 마지막 작곡가 중 한 명이었고,^[12] 르네상스 초기의 특징인 보다 감미로운 화음, 구절 및 멜로디를 사용한 최초의 작곡가 중 한 명이었다.더 큰 장르(매스, 모테트, 샹송)에서의 그의 작곡은 대부분 서로 유사하다. 그의 명성은 기억에 남고 노래할 수 있는 선율에 대한 재능뿐만 아니라 그가 일하는 형식에 대한 완벽한 통제로 인식된 것에 기인한다.15세기 동안, 그는 보편적으로 그의 시대의 가장 위대한 작곡가로 여겨졌으며,^{[citation needed]} 그 의견은 오늘날까지 대부분 남아 있다.

중기(1470~1530)

이 섹션은 확장해야 합니다.여기에 추가해서 도움을 줄 수 있다. (2020년 4월)

16세기 동안, Josquin des Pres (1450/1455년경–1521년 8월 27일)는 점차 그 시대의 가장 위대한 작곡가라는 명성을 얻었고, 그의 기술과 표현에 대한 숙달은 보편적으로 모방되고 존경받았다.발다사레 카스틸리오네와 마틴 루터처럼 다양한 작가들이 그의 명성과 명성에 대해 썼다.

후기(1530~1600)

약 1530년부터 약 1600년까지, 인상적인 다합창 스타일이 개발되었고, 이것은 산 마르코 디 베네치아 성당의 다른 공간적 위치에 있는 여러 합창단, 금관악기, 현악기들로 구성된 그 당시까지 유럽에게 가장 웅장하고 가장 시끄러운 음악을 주었다.이러한 여러 혁명은 독일에서 시작해 얼마 후 스페인, 프랑스, 영국으로 옮겨가면서, 우리가 지금 바로크 음악 시대로 알고 있는 것의 시작을 획정하는 다음 수십 년 동안 유럽 전역으로 확산되었다.

로마 학파는 르네상스 후기부터 바로크 초기까지 로마에서 주로 교회 음악을 작곡한 사람들이다.많은 작곡가들은 비록 여러 교회에서 일했지만 바티칸과 교황 예배당과 직접적인 연관이 있었다; 양식적으로 그들은 종종 훨씬 더 진보적인 동시 운동인 베네치아 작곡가 학교와 대조된다.지금까지 로마 학파의 가장 유명한 작곡가는 조반니 피에를루이지 다 팔레스트리나이다.미사곡과 운동곡의 다작 작곡가로 가장 잘 알려져 있지만, 그는 또한 중요한 매드리거리스트였다.반종교 기간 동안 가톨릭 교회의 기능적 요구와 지배적인 음악 스타일을 결합하는 그의 능력은 그에게 지속적인 ^[13]명성을 주었다.

1588년부터 1627년까지 영국에서 음악 마드리갈의 짧지만 강렬한 개화는 그것들을 만든 작곡가들과 함께 영국 마드리갈 스쿨로 알려져 있다.영어의 madrigal은 아카펠라로, 주로 가벼운 스타일로 이탈리아어 모델의 카피 또는 직역으로서 시작되었다.대부분은 3~6명의 목소리를 위한 것이었다.

Musica reservata는 16세기 후반 이탈리아와 독일 남부에서 주로 아카펠라 성악의 스타일 또는 연주 연습으로, 노래 텍스트의 세련됨,^{[citation needed]} 독점성, 강렬한 감정 표현을 포함한다.

아메리카에서 유럽 음악의 재배는 스페인인들이 도착하고 멕시코를 정복한 직후인 16세기에 시작되었다.유럽풍이지만, 멕시코 고유의 언어와 유럽 음악의 실천을 바탕으로 한 독특한 멕시코 하이브리드 작품들이 매우 일찍 등장했습니다.뉴 스페인의 음악 연습은 바로크와 클래식 음악 시대를 거치면서 유럽의 경향과 지속적으로 일치했다.이 신세계 작곡가들 중에는 에르난도 프랑코, 안토니오 드 살라자르, 마누엘 드 ^{[citation needed]}주마야가 있었다.

게다가, 1932년 이후 작가들은 ^[14]16세기 후반과 17세기 초반 동안 소위 말하는 세컨다 프라티카(단조적인 문체와 불협화음을 다루는 자유를 포함하는 혁신적인 관행, 둘 다 표현적인 텍스트 설정에 의해 정당화됨)를 지켜왔다.

매너리즘

16세기 후반, 르네상스 시대가 끝나면서, 극도로 매너리즘적인 스타일이 발달했다.세속적인 음악, 특히 마디갈에서, 복잡성과 심지어 극단적인 색채주의로 향하는 경향이 있었다(루자시, 마렌지오, 게수알도의 마디갈에서 예시되었다.매너리즘이라는 용어는 미술사에서 유래했다.

바로크 양식으로의 이행

플로렌스에서 시작하여, 모노디, 즉 단순한 반주 위에 격찬된 음악의 한 형태를 통해 고대 그리스의 드라마틱하고 음악적인 형태를 되살리려는 시도가 있었다; 이전의 폴리포닉 스타일과 더 극단적인 대조를 찾기 어려울 것이다; 또한, 적어도 처음에는, 세속적인 경향이었다.이 음악가들은 플로렌타인 카메라타로 알려져 있었다.

우리는 이미 바로크를 이끄는 데 도움을 준 음악적 발전의 일부에 주목했지만, 이 전환에 대한 더 자세한 설명은 "소스와 더 읽기"에서 주어진 작품뿐만 아니라 안티폰, 콘체르타토, 모노디, 마디갈, 오페라를 참조하십시오.

인스트루먼트

많은 악기들은 르네상스 시대에 유래되었다; 다른 악기들은 이전에 존재했던 악기들의 변형 혹은 개량이었다.몇몇은 오늘날까지 살아남았고, 다른 것들은 사라졌지만, 오직 그 시대의 음악을 진짜 악기로 연주하기 위해 재현되었다.현대와 마찬가지로 악기는 금관악기, 현악기, 타악기, 목관악기로 분류될 수 있다.

유럽의 중세 악기는 가장 일반적으로 단독으로 사용되었고, 종종 드론과 함께 또는 때때로 부품으로 사용되었습니다.적어도 13세기부터 15세기까지 악기는 오트(haut, 큰 소리, 날카로운 소리, 야외 악기)와 베이스(조용하고 친밀한 악기)^[15]로 구분되었다.두 종류의 앙상블에서 자유롭게 연주할 수 있는 악기는 단 두 그룹뿐이었다: 코넷과 자루부트, 그리고 타보르와 탬버린.^[4]

16세기 초에 악기는 목소리보다 덜 중요하다고 여겨졌다.그것들은 춤과 성악 ^[1]반주로 사용되었다.기악은 여전히 성악에 종속되어 있었고, 그 레퍼토리의 대부분은 성악 ^[3]모델로부터 파생되거나 성악 모델에 의존하는 다양한 방식으로 이루어졌다.

오르간

르네상스 시대에는 큰 교회 오르간부터 작은 오르간, 리갈이라고 불리는 갈대 오르간까지 다양한 종류의 오르간이 일반적으로 사용되었다.

금관 악기

르네상스 시대의 금관악기는 전통적으로 전문가들에 의해 연주되었다.연주된 일반적인 금관 악기:

• 슬라이드 트럼펫:몸의 일부가 미끄러지는 대신 마우스피스 근처와 마우스피스 자체가 정지해 있는 것을 제외하면 오늘날의 트롬본과 유사합니다.또한, 차체는 S자형이어서 다소 다루기 힘들었지만, 가장 많이 사용되던 느린 댄스 음악에 적합했다.
• Cornett: 나무로 만들어져 녹음기처럼 연주된다(한쪽 끝을 불어서 손가락을 바깥쪽으로 위아래로 움직인다). 그러나 트럼펫처럼 컵 마우스피스를 사용한다.
• 트럼펫: 초기의 트럼펫은 밸브가 없었고 오버톤 시리즈에 존재하는 음색으로 제한되었습니다.그것들은 또한 다양한 크기로 만들어졌다.
• Sackbut(때로는 sackbutt 또는 sagbutt):15세기 ^[16]중반까지 슬라이드 트럼펫을 대체한 트롬본의 ^[17]다른 이름.

줄들

가족으로서 끈은 신성하고 세속적인 많은 상황에서 사용되었다.이 패밀리에는 다음이 포함됩니다.

• 비올: 15세기에 개발된 이 악기는 일반적으로 6개의 현을 가지고 있다.그것은 보통 활로 연주되었다.그것은 스페인에서 뽑은 비후엘라와 비슷한 구조적 특성을 가지고 있다; 그것의 주요한 분리 특성은 큰 크기이다.이것은 첼로와 비슷한 방식으로 바닥에 기대거나 다리 사이에 놓기 위해 음악가의 자세를 변화시켰다.비후엘라와 비슷한 점은 날카로운 허리 절단, 비슷한 프렛, 평평한 등, 얇은 갈비뼈, 그리고 동일한 튜닝이었습니다.이러한 방식으로 연주될 때, 바이올린 계열로 발전한 비올레 다 브라치오라는 비올레와 구별하기 위해 비올라 다 감바라고 불리기도 했다.
• 리어: 그것의 구조는 비록 뽑히는 대신, 그것은 펩트럼으로 다듬어져 있지만 작은 하프와 비슷합니다.그 현은 시대에 따라 4개, 7개, 10개까지 다양했다.그것은 오른손으로 연주되었고 왼손은 원하지 않는 음을 잠재웠다.새로운 리어는 활로 연주하도록 수정되었다.
• 아일랜드 하프: 스코틀랜드 게일어로는 클라르사흐 또는 아일랜드어로는 클라르사흐로 불리며, 중세에는 아일랜드와 스코틀랜드에서 가장 인기 있는 악기였다.아일랜드 역사에서 그 중요성 때문에, 그것은 기네스 라벨에도 나타나며 오늘날까지도 아일랜드의 국가 상징이다.연주할 때는 보통 ^{[clarification needed]}뽑힌다.무릎에서 연주할 수 있는 하프부터 바닥에 놓는 풀사이즈 하프까지 크기가 다양하다.
• 허디거디: (휠 바이올린으로도 알려져 있습니다), 현이 지나가는 바퀴에 의해 현이 울립니다.활(바퀴)이 크랭크에 의해 회전한다는 점에서 그 기능은 기계 바이올린과 비교할 수 있다.그 독특한 소리는 주로 백파이프와 비슷한 음을 내는 "드론 현" 때문이다.
• Gittern과 Mandore: 이 악기들은 유럽 전역에서 사용되었습니다.만돌린과 기타를 포함한 현대 악기의 선구자.
• 리라 다 브라치오
• 반도라
• 시트론
• 류트
• 오르파리온
• 비후엘라
• 클라비코드
• 하프시코드
• 처녀자리

타악기

몇몇 르네상스 타악기들은 삼각형, 유대인의 하프, 탬버린, 종소리, 심벌즈, 럼블 포트, 그리고 다양한 종류의 드럼을 포함한다.

• 탬버린:탬버린은 프레임 드럼입니다.프레임을 둘러싼 피부는 벨룸이라고 불리며 손가락 마디, 손가락 끝 또는 손으로 표면을 쳐서 비트를 발생시킨다.또한 악기를 흔들어 탬버린의 징글이나 펠릿 벨(둘 중 하나일 경우)이 "쨍그랑"하고 "징글"할 수 있도록 하는 방식으로 연주할 수도 있습니다.
• 유대인 하프: 입 모양을 사용하여 입으로 다른 모음을 발음하는 악기.계측기 혀의 구부러진 끝에 있는 루프는 다양한 진동 스케일로 당겨져 다양한 톤을 생성합니다.

목관악기(에어로폰)

목관악기(에어로폰)는 파이프 내부의 공기 기둥을 진동시켜 소리를 낸다.파이프를 따라 뚫린 구멍을 통해 플레이어는 공기 기둥의 길이와 피치를 제어할 수 있습니다.공기 기둥을 진동시키는 방법에는 여러 가지가 있으며, 이러한 방법들은 목관악기의 하위 범주를 정의합니다.연주자는 플루트처럼 입구멍을 가로질러 불거나, 오늘날의 클라리넷이나 색소폰처럼 갈대가 한 개 달린 마우스피스에 불거나, 오보에나 바순처럼 갈대가 두 개 있는 것을 불 수 있다.이 세 가지 음색 제작 방법은 모두 르네상스 악기에서 찾을 수 있다.

• 숄: 전형적인^{[clarification needed]} 동양 숄은 키리스이고 7개의 손가락 구멍과 엄지 구멍이 있는 약 1피트 길이입니다.그 파이프들은 또한 가장 흔하게 나무로 만들어졌고 많은 파이프들은 조각과 장식이 되어 있었다.그것은 르네상스 시대의 가장 인기 있는 이중 갈대 악기였다; 그것은 화려하고, 뚫리고, 종종 귀가 멍멍할 정도의 소리 때문에 거리에서 드럼과 트럼펫과 함께 흔히 사용되었다.숄을 연주하기 위해 사람은 갈대를 통째로 입에 넣고 볼을 불며 코로 숨을 쉬면서 파이프에 입김을 불어넣는다.

• 리드^{[contradictory]} 파이프:짧은 길이의 지팡이 하나와 마우스 피스, 4~5개의 손가락 구멍, 갈대로 만든 것입니다.갈대는 작은 혀를 잘라내지만 밑부분은 붙어있는 채로 만들어 진다.색소폰과 클라리넷의 전신이다.
• 경음기:리드 파이프와 같지만 끝에는 벨이 달려 있습니다.
• 백파이프/소낭 파이프:양이나 염소 가죽으로 만든 가방을 사용하면 기압을 공급하여 플레이어가 숨을 쉴 때, 연주자는 톤을 계속하기 위해 겨드랑이에 낀 가방을 쥐어짜기만 하면 된다고 생각한 목동들에 의해 신봉자들이 발명했다고 한다.마우스 파이프에는 파이프의 백 엔드에 힌지로 연결된 단순한 원형 가죽 조각이 있으며 역류 방지 밸브 역할을 합니다.갈대는 금속으로 만들어지고 갈대가 안쪽이 아닌 바깥쪽에 있었다면 소라고 불렸을 긴 입 안에 있습니다.
• 판파이프:한쪽 끝에는 스토퍼가 있고 다른 한쪽 끝에는 열려 있는 여러 개의 나무 튜브를 사용합니다.각 튜브는 크기가 다르므로(따라서 다른 톤을 생성함) 1옥타브 반의 음역을 제공합니다.플레이어는 원하는 튜브에 입술을 대고 튜브를 가로질러 불면 됩니다.
• 가로 플룻:가로형 플루트는 현대의 플루트와 유사하며, 정지된 끝 부근에 입구멍이 있고 몸체를 따라 손가락구멍이 나 있다.연주자는 입구멍을 가로질러 불어서 피리를 오른쪽이나 왼쪽으로 잡습니다.
• 녹음기:녹음기는 르네상스 시대에 흔한 악기였다.갈대 대신 호루라기 모양의 마우스피스를 주요 음향원으로 사용한다.그것은 보통 7개의 손가락 구멍과 엄지손가락 구멍으로 만들어진다.

「 」를 참조해 주세요.

• 음악의 역사
• 르네상스 시대의 작곡가 목록
• 프랑스 르네상스의 음악
• 엘리자베스 시대의 음악

레퍼런스

원천

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외부 링크

• Pandora 라디오:르네상스 시대
• 고대 FM(중세 및 르네상스 음악을 특징으로 하는 온라인 라디오)
• 중세 및 르네상스 악기 안내서 – 설명, 사진 및 소리.
• "일요일 아침의 이곳"
• 르네상스 시대 5개국 음악 모음집
• '르네상스 채널'– 르네상스 뮤직비디오
• '인터넷 라디오 전후'– 중세, 르네상스, 현대 클래식 음악
• Répertoire International des Sources Musicales(RISM)는 1800년경까지 전 세계 음악 원고를 검색할 수 있는 무료 데이터베이스입니다.
• WQXR: 르네상스 표기법 나이프

현대적 퍼포먼스

• 링컨 웨이스 시 링컨 시장 자신의 밴드 오브 뮤식
• 판타그루엘 – 르네상스 뮤직케 앙상블
• Stella Fortuna:중세 음유시인 (1370년) 천례재연회 예컴패녀의 작품입니다.사진 및 오디오 다운로드.
• The Waits 웹사이트 – 르네상스 시빅 밴드 오브 유럽
• 앙상블 Feria VI – 6개의 목소리와 비올라 다감바