악보

Sheet music
북뮤직과 혼동하지 마세요.
기타 용도는 악보(동음이의)를 참조하십시오.
"Adeste Fideles"를 표준 2인용(베이스 직원과 고음 직원)으로 혼합된 목소리로 구성된 찬송가 스타일의 배열
19세기 티베트 악보

악보는 악보나 기악곡의 음조, 리듬 또는 화음을 나타내기 위해 음악 기호를 사용하는 손으로 쓰거나 인쇄된 음악 표기법이다.영어, 아랍어 또는 다른 언어로 인쇄된 책이나 팜플렛과 같은 그것의 유사물과 마찬가지로 악보의 매체는 전형적으로 종이(또는 이전 세기에는 파피루스나 양피지)이다.그러나 1980년대 이후 악보법에 대한 접근은 컴퓨터 화면에서의 악보 표시와 곡이나 곡을 전자적으로 발음할 수 없는 스코어 라이터 컴퓨터 프로그램의 개발을 포함하였고, 경우에 따라서는 신시사이저나 가상 악기를 사용하여 "재생"하기도 했다.

"시트"라는 용어는 기록되거나 인쇄된 형식의 음악을 녹음(비닐 레코드, 카세트, CD), 라디오 또는 TV 방송 또는 녹음된 라이브 공연과 구별하기 위한 것입니다. 이 녹음은 공연의 필름 또는 비디오 영상과 오디오 구성 요소를 캡처할 수 있습니다.일상 사용에서 "시트 뮤직" (또는 단순히 "음악")은 새로운 영화, TV 프로그램, 레코드 앨범 또는 기타 음악과 관련된 특별하거나 인기 있는 이벤트의 발표와 함께 상업용 악보의 인쇄 출판물을 지칭할 수 있습니다.인쇄기로 만들어진 최초의 인쇄된 악보는 1473년에 만들어졌다.

악보는 서양의 클래식 음악을 독주하는 가수나 악기 연주자, 음악 앙상블이 배우고 연주할 수 있도록 표기하는 기본 형식이다.서양 전통음악과 대중음악의 많은 형태는 악보를 사용하는 것이 아니라 가수와 음악가에 의해 "귀로 배우는" 것이 일반적이다(많은 경우, 전통음악과 대중음악을 악보 형태로도 사용할 수 있다.

악보라는 용어는 악보를 대체하기 위한 일반적인 용어이며, 다음과 같이 몇 가지 유형의 악보가 있습니다.악보라는 용어는 연극, 뮤지컬, 오페라 또는 발레를 위해 쓰여진 음악, 또는 텔레비전 프로그램이나 영화를 위해 쓰여진 음악이나 노래를 나타낼 수도 있습니다.마지막으로 영화 악보를 참조해 주세요.

요소들

헥터 베를리오즈의 베아트리스 et 베네딕트 초판 보컬 악보 제목 페이지

직급 및 신용장

20세기와 21세기의 악보는 일반적으로 제목 페이지나 표지에 노래나 작곡의 제목을 나타내거나 제목 페이지나 표지가 없는 경우 첫 페이지 상단에 표시된다.노래나 작품이 영화, 브로드웨이 뮤지컬 또는 오페라에서 나온 것이라면, 그 노래나 작품이 사용된 주요 작품의 제목이 표시될 수 있습니다.

작곡가 또는 작곡가가 알려진 경우, 일반적으로 그들의 이름은 제목과 함께 표시됩니다.가사가 작곡가 또는 작곡가 중 한 명 이외의 사람에 의한 것일 경우 악보는 작사가의 이름을 나타낼 수도 있다.또한 곡 또는 곡이 출판용으로 편곡된 경우 편곡자의 이름도 포함할 수 있습니다.오래된 포크 음악, 블루스나 블루그래스와 같은 장르의 전통 노래, 그리고 매우 오래된 전통 찬송가와 영혼의 노래에는 어떤 작곡가나 작곡가 이름도 표시될 수 없습니다. 왜냐하면 이 음악의 경우, 종종 작곡가의 이름이 일반적으로 사용되는 곳에 전통이라는 단어가 놓이기 때문입니다.

노래 제목 페이지에는 가사의 캐릭터, 설정 또는 이벤트를 나타내는 그림이 있을 수 있습니다.기악 작품의 제목 페이지는 제목 또는 섹션명으로 설정, 캐릭터 또는 스토리와 관련된 프로그램 음악이 아닌 한 삽화를 생략할 수 있다.

악보

음악 기법의 종류는 음악의 장르나 스타일에 따라 많이 다르다.대부분의 클래식 음악에서 멜로디와 반주 부분(있는 경우)은 둥근 음표를 사용하여 스태프의 라인에 기록된다.클래식 악보에서 스태프는 일반적으로 다음을 포함합니다.

J. S. 바흐의 The Well-Deature Clavier의 A♭장조 푸가 No.17 사인 점수 페이지
  1. 저음 또는 고음 등의 음역
  2. 키를 나타내는 키시그니처: 예를 들어 3개의 샤프가 있는 키시그니처는 보통 A장조 또는 F단조 중 하나의 키에 사용됩니다.
  3. 타임 시그니처는 일반적으로 1박자를 나타내는 음표값을 나타내는 2개의 숫자와 바의 비트수를 나타내는 상위 숫자가 수직으로 정렬되어 있습니다.예를 들어 타임 시그니처는 바당 2개의 4분의 1의 음표(크로칫)가 있음을 나타냅니다.

클래식 시대(1750년 경) 이후의 대부분의 노래와 곡들은 알레그로(빠른) 또는 그라브(느린)와 같은 표현(높음 또는 부드러움)을 사용하여 곡의 템포를 나타낸다.가사가 있으면 멜로디 음표 근처에 씁니다.하지만, 바로크 시대(1600–1750년경) 또는 그 이전의 음악은 템포 표시나 역동적인 표시가 없을 수 있다.그 시대의 가수들과 음악가들은 그들의 음악적 경험과 지식으로 인해 주어진 노래나 곡을 연주하거나 부를 때 어떤 템포와 큰 소리를 내야 하는지 알게 될 것으로 기대되었다.현대 고전 음악 시대(20세기와 21세기)와 그 이전(독일어를 사용하는 지역의 낭만주의 시대 등)에 작곡가들은 종종 이탈리아어(예: "빠른" 또는 "슈넬")나 메트로놈 표시(예: = 분당 100비트)보다는 템포 표시를 위해 모국어를 사용했다.

이러한 클래식 음악 표기법, 특히 영어 템포 명령의 사용은 20세기 및 21세기 대중음악의 악보 버전에도 사용된다.대중음악은 종종 템포와 장르를 모두 나타낸다: "슬로우 블루스" 또는 "업템포 록".팝송은 종종 어쿠스틱 기타리스트나 피아니스트가 즉석에서 현악 반주를 연주할 수 있도록 문자 이름(예: C Maj, F Maj, G7 등)을 사용하여 스태프 위에 코드 이름을 포함합니다.

다른 스타일의 음악에서는 다른 음악 표기법이 사용될 수 있다.예를 들어, 재즈에서는 대부분의 전문 연주자들이 "클래식" 형식의 표기법을 읽을 수 있지만, 많은 재즈 곡들은 곡의 코드 진행과 그 형태를 나타내는 코드 차트를 사용하여 음을 낸다.재즈 리듬 섹션(피아노 연주자, 재즈 기타리스트, 베이시스트)의 멤버들은 그들의 즉흥 반주 부분을 안내하기 위해 코드 차트를 사용하는 반면, 색소폰 연주자나 트럼펫 연주자와 같은 재즈 그룹의 "리드 악기"들은 그들의 솔로 즉흥 연주를 안내하기 위해 코드 변화를 사용한다.인기 있는 음악처럼 재즈 곡들은 종종 템포와 장르를 모두 나타낸다: "슬로우 블루스" 또는 "패스트 밥".

전문 컨트리 음악 세션 음악가들은 일반적으로 내쉬빌 번호 시스템으로 기록된 음악을 사용합니다. 내쉬빌 번호 시스템은 숫자를 사용하여 코드 진행을 나타냅니다(이것은 밴드 리더가 즉시 키를 바꿀 수 있게 합니다).문자 이름, 숫자 또는 로마 숫자(예: I-IV-V)를 사용한 코드 차트는 블루스, R&B, 록 음악 및 헤비 메탈 음악가의 음악을 알리는 데 널리 사용된다.어떤 화음 차트는 리듬 정보를 제공하지 않지만, 다른 화음 차트는 바의 비트를 나타내기 위해 슬래시를 사용하고, 작곡가가 모든 밴드가 함께 연주하기를 원하는 싱코피티드 "히트"를 나타내기 위해 리듬 표기법을 사용합니다.많은 기타 연주자와 일렉트릭 베이스 연주자들은 연주자가 어떤 프레트와 현을 연주해야 하는지를 그래픽으로 표현한 태블러처를 사용하여 노래와 음조를 배웁니다."탭"은 록 음악, 헤비메탈 기타리스트, 베이스 연주자들에 의해 널리 사용된다.많은 대중음악 스타일의 가수들은 가사 시트만을 사용하여 노래를 배우며, 녹음으로부터 멜로디와 리듬을 "귀로" 배운다.

목적과 용도

'오레곤 마이 오리건' 악보

악보는 노래나 음악의 녹음, 안내 또는 연주 수단으로 사용할 수 있습니다.악보를 통해 악보를 읽을 수 있는 연주자(피아니스트, 오케스트라 연주자, 재즈 밴드 등)나 가수들이 노래나 곡을 연주할 수 있다.음악 학생들은 음악의 다양한 스타일과 장르에 대해 배우기 위해 악보를 사용한다.악보의 의도된 목적은 악보의 디자인과 배치에 영향을 미칩니다.악보가 음악사 수업과 같이 학습용이라면 노트나 스탭을 작게 할 수 있기 때문에 편집자는 페이지 넘김을 걱정할 필요가 없습니다.단, 퍼포먼스 점수의 경우 악보대에서 노트를 읽을 수 있어야 하며 편집자는 과도한 페이지 넘김을 피하고 정지 또는 일시정지 후에 페이지 넘김이 없는지 확인해야 합니다(가능한 경우).또한 두꺼운 제본의 악보나 부분은 열린 채로 있지 않기 때문에 퍼포먼스 악보나 부품은 보다 얇은 제본으로 하거나 음악 스탠드에 열린 제본 형식을 사용해야 합니다.

클래식 음악에서, 작곡가가 가지고 있었을지도 모르는 쓰여진 스케치와 작곡의 초기 버전, 그리고 최종 사인 악보와 증거와 인쇄된 악보에 대한 개인적인 표시를 연구함으로써 작품에 대한 권위 있는 음악 정보를 얻을 수 있다.

악보를 이해하는 것은 특별한 형태의 읽고 쓰는 능력, 즉 악보 읽는 능력을 필요로 한다.음악을 읽거나 쓰는 능력은 음악을 작곡하기 위해 요구되는 것이 아니다.어떤 종류의 아마누엔시스가 그들이 생각하는 멜로디를 쓸 수 있는 한, 음악 기법으로 읽거나 쓸 능력 없이 음악을 만들 수 있는 많은 작곡가들과 작곡가들이 있었다.시각장애인 18세기 작곡가 존 스탠리와 20세기 작곡가 라이오넬 바트, 어빙 베를린, 폴 매카트니가 대표적이다.또한 블루스나 포크 음악 같은 전통 음악 스타일에서는 악보를 읽지 못하고 대신 "귀로" 연주하고 노래를 부르는 다작 작곡가들이 많다.

시각 독서의 기술은 악보를 처음 보는 음악가가 낯선 음악을 연주할 수 있는 능력입니다.시각 판독 능력은 클래식 음악, 재즈 및 관련 형식을 연주하는 전문 음악가와 진지한 아마추어에게 기대됩니다.훨씬 더 세련된 기술은 새로운 음악을 보고 그 곡을 연주하거나 연주하거나 부를 필요 없이 머릿속에서 대부분의 또는 모든 소리(멜로디, 하모니, 음색 등)를 들을 수 있는 능력이다.숙련된 작곡가들과 지휘자들은 이러한 능력을 가지고 있으며 베토벤은 유명한 역사적 사례이다.모든 사람이 특정한 기술을 가지고 있는 것은 아닙니다.어떤 사람들에게는 악보가 무의미하지만, 다른 사람들은 악보를 멜로디와 예술의 한 형태로 볼 수도 있다.미국 작가 조디 피쿨트가 "내 여동생의 키퍼"라는 제목의 소설에서 말했듯이, "이것은 마치 낯선 악보를 집어들고 비틀거리기 시작하는 것과 같으며, 한 번 외운 멜로디라는 것을 깨달았을 때, 시도하지 않고 연주할 수 있다."

지휘자의 악보와 지휘봉

관현악 작품, 실내악, 소나타 및 합창 작품을 연주하는 클래식 음악가들은 독주곡, 협주곡 또는 독주곡의 단독 악기 연주를 제외하고 보통 연주할 때 (합창단의 경우 그들 앞에 악보를 놓는다)노래, 오페라 아리아 등)를 암기해야 한다.대부분 즉흥적인 재즈에서, 악보는 멜로디, 코드 변화, 그리고 편곡의 기본적인 지시들을 주기 위해 사용된다.재즈 밴드가 리드 시트, 코드 차트 또는 편곡된 음악을 가지고 있어도, 연주의 많은 요소들이 즉흥적으로 연주된다.

하지만, 손으로 쓰거나 인쇄한 음악은 가수와 악기 연주자들이 일반적으로 "귀로" 노래를 배우거나 다른 사람이 가르쳐준 노래나 곡조를 통해 배우는 전통 음악이나 포크 음악과 같은 음악 연습의 다른 전통에서는 덜 중요하다.비록 많은 대중음악이 어떤 종류의 표기법으로 출판되지만, 사람들이 노래를 귀로 배우는 것은 꽤 흔한 일이다.이것은 또한 노래와 춤이 구전되고 청각적인 전통에 의해 전해지는 대부분의 서양 민속 음악에서도 마찬가지입니다.비록 일부 비서양 문화들이 그들만의 음악 기보법과 악보 형식을 발전시켰지만, 민속과 클래식 모두 다른 문화의 음악은 종종 구두로 전달된다.

비록 악보가 종종 새로운 음악을 위한 플랫폼이자 작곡의 보조 수단으로 생각되지만, 그것은 또한 이미 존재하는 음악의 시각적 기록으로도 작용할 수 있다.학자들과 다른 사람들은 서양음악과 비서양음악을 연구, 분석, 재창조적인 공연을 위해 읽을 수 있는 형태로 전사를 했다.이는 포크 또는 전통 음악(예: 바르토크의 마자르 및 루마니아 포크 음악)뿐만 아니라 음악가의 즉흥 연주(예: 재즈 피아노) 및 부분적으로만 기보법에 기초할 수 있는 연주에 대한 사운드 레코딩으로도 이루어졌습니다.최근 후자의 포괄적인 예는 비틀즈 컬렉션입니다. 전체 점수(런던:Wise Publications, 1993년)는 비틀즈가 녹음한 모든 곡을 기악 및 보컬 디테일로 번역하고 표제화하는 것을 목표로 하고 있다.

종류들

현대 악보는 다른 형태로 나올 수 있다.하나의 악기와 목소리(솔로 악기용 또는 아카펠라 독주용 등)만을 위해 작곡된 악기는 악보 한 곡으로 전체 작품을 작성하거나 인쇄할 수 있다.만약 한 악곡이 한 명 이상의 사람에 의해 연주되도록 되어 있다면, 각 연주자는 보통 파트라고 불리는 악보를 연주할 수 있는 별도의 곡을 갖게 될 것이다.특히 4명 이상의 출연자를 필요로 하는 작품의 출판에서는 항상 만점이 발표된다.성악 작품에서 노래된 부분은 오늘날에는 따로 발행되지 않지만, 역사적으로도 그랬다. 특히 음악 인쇄가 악보를 널리 보급하기 전에는 그랬다.

악보는 개인곡이나 작품(예: 대중가요나 베토벤 소나타), 컬렉션(예: 한 명 또는 여러 작곡가의 작품), 주어진 예술가에 의해 연주된 작품 등으로 발행될 수 있다.

음악 작품의 기악 부분과 성악 부분이 함께 인쇄될 때, 그 결과로 만들어진 악보를 악보라고 한다.일반적으로, 악보는 각 기악 부분이나 발성 부분이 수직 정렬된 음악 표기법(각 부분에 대한 표기법의 동시 이벤트가 병렬로 배열된다는 의미)으로 구성됩니다.악보라는 용어는 또한 오직 한 명의 연주자를 위해 쓰여진 악보를 가리키는 데 사용되어 왔다.점수와 부품의 구별은 퍼포먼스에 필요한 부품이 여러 개 있을 때 적용됩니다.

점수는 다양한 형식으로 제공됩니다.

Max Reger's Der 100 만점 첫 페이지 성가대, 오케스트라, 오르간을 위한 시편

풀 스코어, 변형 및 응축

풀 스코어는 모든 악기와 음성의 음악을 일정한 순서로 나열한 큰 책입니다.오케스트라나 오페라의 리허설이나 공연을 지휘하면서 지휘자가 읽을 수 있을 정도로 넓다.지휘자를 이끄는 앙상블을 위한 실용적 사용 외에도, 풀 스코어는 주어진 작품을 공부하는 음악학자, 음악 이론가, 작곡가, 음악 학생들에 의해서도 사용됩니다.우리는 서로 다른 점수를 구별한다.

미니어처 스코어는 풀 스코어와 비슷하지만 크기가 많이 줄었습니다.지휘자의 연주에 사용하기에는 너무 작지만, 큰 앙상블이나 솔로 연주자를 위한 음악 공부에는 편리합니다.미니어처 스코어에는 도입부가 포함되어 있을 수 있습니다.

스터디 점수는 때때로 이름만 제외하고 미니어처 점수와 같은 크기이며 종종 구별되지 않습니다.일부 스터디 점수는 옥타보 크기이기 때문에 풀 스코어와 미니 스코어 사이즈가 됩니다.학습 점수, 특히 학술 연구를 위한 앤솔로지의 일부인 경우, 학습 목적을 위한 음악과 표시에 대한 추가 코멘트를 포함할 수 있습니다.

피아노 악보(또는 피아노 축소)는 많은 연주 부분, 특히 관현악 작품을 위한 피아노의 어느 정도 문자 그대로 옮겨 쓴 것이다.이것은 큰 성악 작품 내의 순수한 기악 부분을 포함할 수 있다(아래의 성악보 참조).이러한 배열은 피아노 솔로(두 손) 또는 피아노 듀엣(피아노 한두 대, 네 손)에 대해 이루어집니다.프레젠테이션을 보다 완성하기 위해 피아노 악보의 특정 지점에 여분의 작은 막대기가 추가되기도 하지만, 일반적으로 연주 중에 그것들을 포함시키는 것은 비현실적이거나 불가능하다.

보컬 스코어(아래)와 마찬가지로 오케스트라 스코어를 이렇게 작은 형태로 줄이는 것은 키보드로 연주할 수 있을 뿐만 아니라 의도된 하모니, 텍스처, 비유 등을 충분히 표현할 수 있어야 하기 때문에 상당한 기술이 필요하다.경우에 따라 지정된 지점에서 어떤 악기가 연주 중인지 표시하기도 합니다.

피아노 악보가 보통 공부와 즐거움을 벗어난 연주를 위한 것이 아닌 반면, 발레는 피아노 악보로부터 가장 실질적인 이익을 얻습니다. 왜냐하면 한 두 명의 피아니스트와 함께 그들은 훨씬 낮은 비용으로 발레가 많은 리허설을 할 수 있도록 하기 때문입니다.마지막 리허설을 위해 오케스트라를 고용해야 한다.피아노 악보는 교향곡을 피아노로 축소한 피아니스트를 지휘할 수 있는 초보 지휘자를 훈련시키는 데도 사용될 수 있다. 이것은 전체 오케스트라를 지휘하는 것보다 훨씬 비용이 적게 든다.오페라의 피아노 악보에는 성악 부분을 위한 별도의 스테이브가 포함되어 있지 않지만, 그들은 노래된 텍스트와 무대 방향을 음악 위에 추가할 수 있다.

부품은 특정 계측기 부품의 전체 점수에서 추출한 것입니다.오케스트라 연주자들이 풀 스코어가 너무 번거로운 연주에서 사용한다.그러나 실제로 작업이 길고 특정 악기가 대부분의 기간 동안 재생되는 경우 상당한 문서가 될 수 있습니다.

세사르 쿠이의 오페라 윌리엄 래트클리프의 피아노 보컬 악보 발췌.재생(도움말·정보)

보컬 스코어

성악보(또는 피아노-보컬 악보)는 성악곡(예를 들어 오페라, 뮤지컬, 오라토리오, 칸타타 등)의 전체 악보를 줄인 것으로, 성악 부분 아래에 있는 피아노 부분(보통 양손용)으로 관현악 부분을 보여준다.피아노도 줄일 수 있습니다.작품의 일부가 아카펠라일 경우, 리허설에서 도움이 되도록 종종 피아노 부분을 줄인다(이는 아카펠라 종교 악보의 경우이다).

피아노-보컬 악보는 보컬 솔리스트와 합창단이 오케스트라와 별도로 음악을 배우고 리허설을 할 수 있는 편리한 방법이다.뮤지컬의 보컬 스코어는 단서들을 제외하고 일반적으로 말하기 대화를 포함하지 않는다.피아노 성악은 아마추어 단체나 소규모 전문 단체의 오페라, 뮤지컬, 오라토리오 공연에 피아노 반주를 제공하기 위해 사용된다.이것은 한 명의 피아노 연주자가 할 수도 있고 두 명의 피아노 연주자가 할 수도 있다.2000년대 뮤지컬에서는 키보드 연주자들이 피아노 대신 신시사이저를 연주할 수도 있다.

관련이 있지만 흔하지 않은 합창 악보에는 반주가 줄어든 합창 파트가 포함되어 있습니다.

비슷한 오르간 악보 또한 존재하며, 보통 헨델의 메시아 편곡과 같이 성악과 오케스트라를 위한 교회 음악과 관련되어 있다.피아노 성악 악보와 같은 것으로, 성악 부분은 한 사람이 연주할 수 있는 악보를 줄인다.보컬 악보와 달리 오르간 악보는 필요할 경우 오케스트라를 대체하기 위해 편곡자에 의해 의도되기도 한다.

특정 뮤지컬의 노래 모음은 보통 레이블 보컬 선곡 아래에 인쇄됩니다.이는 같은 쇼의 보컬 악보와는 달리 완곡하지 않고 피아노 반주가 단순하고 멜로디 라인이 들어간 것이 일반적이다.

기타 타입

악보가 짧다는 것은 많은 악기의 악보를 단 몇 개의 스테이브로 줄인 것입니다.많은 작곡가들이 직접 전체 악보를 작곡하기 보다는 작곡을 하면서 어떤 종류의 짧은 악보를 연주하고 나중에 완전한 편곡을 확장한다.예를 들어, 오페라는 먼저 짧은 악보로 쓰여지고, 그 다음에 전체 악보로 쓰여지고, 리허설을 위해 보컬 악보로 줄어들 수 있다.쇼트 스코어는 공개되지 않는 경우가 많습니다.일부 공연장(밴드 등)에서는 다른 공연장보다 더 일반적일 수 있습니다.그들의 예비적인 특성 때문에, 짧은 악보는 다른 사람의 미완성 작품의 완성을 시도하고자 하는 작곡가들에게 주요한 참조 포인트이다(예: Gustav Mahler의 10번 교향곡의 2악장부터 5악장까지 또는 Alban Berg의 오페라 Lulu의 3악장까지.

오픈 스코어는, 다른 스탭의 각 음성을 나타내는 폴리폰 곡의 스코어입니다.르네상스나 바로크 시대의 건반곡에서는 한 [1]손에 한 개의 지팡이를 사용하는 보다 현대적인 관습 대신 네 개의 막대기로 이루어진 열린 악보가 사용되기도 했다.또, 풀 스코어(스탭 마다 복수의 파트가 있는 경우도 있습니다)와 같은 의미도 있습니다.

바로크 시대(1600년-1750년)의 악보는 종종 베이스 음정의 베이스 라인의 형태와 악기로 연주되거나 고음 음정의 위쪽 칸에서 노래됩니다.베이스 라인은 일반적으로 베이스 노트 위에 그림 베이스(예: 코드)를 연주해야 하는 간격을 나타내는 그림이 적혀 있었다.그림은 하프시코드 연주자, 파이프 오르간 연주자 또는 류트 연주자가 각 베이스 음표 위에서 연주해야 하는 간격을 나타냅니다.

노래 "Trifle in Pyjamas"의 리드 시트는 멜로디와 코드 기호만 보여준다.이 곡을 연주하기 위해 재즈 밴드의 리듬 섹션 음악가들은 코드 기호를 사용하여 코드 보이스와 베이스라인을 즉흥적으로 연주합니다.색소폰이나 트럼펫과 같은 리드 악기는 선율을 더 흥미롭게 하기 위해 장식품을 즉흥적으로 연주하고, 그리고 나서 솔로 파트를 즉흥적으로 연주했다.

대중음악

리드 시트는 멜로디, 가사, 화음만을 지정하며, 코드 기호가 위에 배치되고 가사가 아래에 배치된 한 명의 스태프를 사용합니다.그것은 대중음악과 재즈에서 노래가 어떻게 편곡되거나 연주되어야 하는지에 대한 세부사항을 명시하지 않고 노래의 필수적인 요소들을 포착하기 위해 일반적으로 사용된다.

코드 차트(또는 단순히 차트)는 멜로디 정보를 거의 또는 전혀 포함하지 않지만 기본적인 조화 정보를 제공합니다.일부 코드 차트는 특히 편곡자가 모든 리듬 섹션이 수행하기를 원하는 동기화된 일련의 "히트"가 있는 경우 재생해야 하는 리듬을 나타냅니다.그렇지 않으면 코드 차트가 리듬을 공백으로 두거나 각 박자에 대해 슬래시를 표시합니다.

이것은 재즈나 다른 형식의 대중음악을 연주하는 전문 세션 뮤지션에 의해 사용되는 가장 일반적인 종류의 작곡 음악으로 리듬 섹션(보통 피아노, 기타, 베이스 및 드럼 포함)과 즉흥적인 솔로 연주자(예를 들어 색소폰 연주자 또는 트럼펫 연주자)가 참조로 사용하는 것을 목적으로 한다.그들의 즉흥적인 대사에 대한 ce 포인트.

가짜 책은 제공된 음악의 기본 요소만 있는 재즈 노래와 곡들을 모은 것입니다.가짜 책에는 (1) 선율, 코드, 가사(있는 경우)를 포함한 리드 시트 모음과 (2) 코드만 있는 노래와 곡의 모음 두 종류가 있습니다.코드만 포함된 가짜 책은 리듬 섹션 연주자(특히 일렉트릭 기타 연주자, 피아노 연주자, 베이시스트 등 코드 연주자)에 의해 곡의 반주 파트의 즉흥 연주를 안내하기 위해 사용된다.코드만 있는 가짜 책은 즉흥 독주 가이드로 '리드 악기'(예를 들어 색소폰이나 트럼펫)에 의해 사용될 수도 있다.이 멜로디는 코드만 있는 가짜 책에는 수록되어 있지 않기 때문에 리드 인스트루먼트 연주자들이 이 멜로디를 알 수 있을 것으로 예상된다.

C 장음계(위) 및 기타용 표음계(아래)

태블러처(또는 탭)는 특정 유형의 악기로, 일반적으로 솔로 악기의 경우, 어떤 음을 낼지, 리듬을 나타낼지 보다는 특정 악기의 음을 어디에 연주할지를 보여 주는 특별한 악보입니다.태블러처는 2000년대 들어 록, 헤비메탈 등 대중음악 장르에서 기타와 일렉트릭 베이스, 곡에 널리 쓰이고 있다.이런 종류의 표기법은 중세 후기에 처음 사용되었고 키보드(파이프 오르간)와 플렛 현악기(루트, 기타)[2]에 사용되었다.

역사

현대의 유로 중심 문화 밖에는 다양한 음악 기보법이 존재하며, 각각의 음악 기보법은 문제의 음악 문화의 독특한 요구에 적응하고 있으며, 일부 고도로 진화된 클래식 음악들은 북인도의 khyal과 dhrupad 형식과 같은 기보법을 전혀 사용하지 않는다.서양의 악보 체계는 음악 형식과 악기의 필요에 따라 동일한 기질을 바탕으로 한 음악만을 기술할 뿐, 일본의 궁정적인 형식, 인도의 드루패드, 또는 이브의 타악곡과 같은 다른 종류의 음악을 기술하기에는 적합하지 않다.음악학자 알랭[3] 다니엘루와 다른 사람들은 서구 스태프 기법이 이러한 문화에 침투하는 것을 문화적 제국주의의 [4]과정으로 묘사했다.

악보의 전조

악보법은 양피지나 종이가 쓰이기 전에 발전되었다.음악 기법의 가장 초기 형태는 기원전 2000년 수메르(오늘날의 이라크)의 니푸르에서 만들어진 설형 문자판에서 찾을 수 있다.이 명판은 음악을 연주하기 위한 단편적인 지시, 3분의 1의 화음,[5] 2분의 1의 음계를 사용하여 작곡되었음을 나타냅니다.

기원전 1250년 경의 한 판은 더 발전된 형태의 [6]표기법을 보여준다.표기법에 대한 해석은 여전히 논란의 여지가 있지만, 표기법이 리라의 현의 이름을 나타내며, 다른 [7]태블릿에서 그 튜닝이 설명되어 있는 것은 분명하다.비록 그것들은 단편적이지만,[7] 이 태블릿들은 세계 어디에서나 볼 수 있는 가장 초기의 음표 있는 멜로디를 나타냅니다.

델파이의 원래 돌에는 아폴로에게 바치는 델파 찬송가 두 개 중 두 번째가 들어 있습니다.음악 표기법은 그리스 문자의 중단 없는 주요 행 위에 가끔 있는 기호들의 행입니다.

고대 그리스 음악 표기법은 적어도 기원전 6세기부터 서기 4세기까지 사용되었다; 이 표기법을 사용한 몇몇 완전한 작곡과 작곡 조각들이 남아 있다.표기법은 텍스트 음절 위에 배치된 기호로 구성됩니다.완전한 구성의 예로는 세이킬로스 비문이 있는데, 이 비문은 기원전 2세기에서 서기 1세기 사이에 다양한 연대를 가지고 있다.

고대 그리스 음악에는 크레타의 메소메데스의 찬송가 세 개가 필사본으로 존재한다.음악 기보법의 가장 오래된 예 중 하나는 그리스 시대의 연극 오레스테스의 파피루스 조각으로 합창가를 위한 음악 기보법을 포함하고 있다.고대 그리스 표기법은 로마 제국의 쇠퇴기에 이르러 사용되지 않게 된 것으로 보인다.

서양식 표기법

15세기 이전에는 서양음악이 손으로 써서 필사본에 보존되어 있었는데, 대개 많은 양으로 제본되었다.중세 음악 기법의 가장 잘 알려진 예는 단성 구호의 중세 필사본이다.구호 표기법은 구호 멜로디의 음을 나타내지만 리듬의 표시는 없었다.모테트와 같은 중세 다성음악의 경우, 그 부분들은 마주보는 페이지의 다른 부분에 쓰여졌다.이 과정은 리듬을 나타내며 동시에 (후대와 같이) 다성음악의 일부를 순차적으로 구성하는 중세 관행과 병행되는 남성적 표기법의 출현에 의해 도움을 받았다.악보 형식으로 부품을 함께 보여주는 원고는 드물었고 대부분 오르가눔, 특히 노트르담 학교의 것으로 제한되었다.중세 시대에는 수도원장이 다른 도시에 있는 수도원장이 소유하고 있는 작품과 같은 기존 작품의 복사본을 갖고 싶다면, 그녀는 손으로 그 작업을 하기 위해 카피스트를 고용해야 했는데, 이것은 시간이 오래 걸리고 전사 오류로 이어질 수 있다.

1400년대 중반 음악 인쇄술의 등장 이후에도, 많은 음악은 18세기까지 작곡가의 손으로 쓴 원고에만 계속 존재했다.

인쇄

참고 항목:음악 출판과 음악 판화의 역사

15세기

새로운 인쇄 기술을 음악으로 변환하는 데 몇 가지 어려움이 있었습니다.음악을 포함한 첫 번째 인쇄물인 마인츠 시편(1457)에는 음악 표기법(스태프 라인과 음표 모두)이 손으로 추가되었다.이것은 수도를 위해 다른 주걱턱에 남겨진 방과 비슷하다.이 시편은 요한 푸스트와 피터 쇠퍼에 의해 독일 마인츠에서 인쇄되었고, 현재 하나는 윈저 성에 있고 다른 하나는 영국 도서관에 있다.나중에, 직원 라인이 인쇄되었지만, 나머지 음악에는 여전히 손으로 낙서가 추가되었다.가동 활자를 사용하여 음악을 인쇄할 때 가장 큰 어려움은 모든 요소가 일렬로 정렬되어야 한다는 것입니다. 노트 헤드가 직원과 올바르게 정렬되어야 합니다.성악에서는 텍스트가 적절한 음표와 일치해야 한다(이 시점에서는 원고에서도 높은 우선순위는 아니었다).

음악 판화는 기계적인 재생을 목적으로 음악 표기법을 고품질로 그리는 예술이다.최초의 기계로 인쇄된 음악은 구텐베르크가 인쇄기를 도입한 지 약 20년 후인 1473년경에 등장했다.1501년, 오타비아노 페트루치는 96곡의 인쇄된 음악을 수록한 하모니체 뮤시스 오데카톤 A를 출판했다.페트루치의 인쇄 방법은 깨끗하고, 읽기 쉽고, 우아한 음악을 만들어 냈지만, 인쇄기를 통해 세 개의 개별적인 통과를 필요로 하는 길고 어려운 과정이었다.페트루치는 이후 단 두 번의 인쇄기 통과가 필요한 과정을 개발했다.그러나 각 패스는 결과를 읽기 쉽게 하기 위해 매우 정밀한 정렬이 필요했기 때문에(즉, 노트 헤드가 직원 라인과 올바르게 정렬되도록) 여전히 힘들었습니다.이것이 잘 보급된 최초의 다성 인쇄 음악이었다.페트루치는 또한 가동 활자로 최초의 태블러처를 인쇄했다.단인쇄술은 1520년경 런던에서 처음 등장했는데, 단인쇄술은 지팡이의 선과 메모를 한 번에 인쇄할 수 있다.피에르 아탱낭은 1528년에 이 기술을 널리 사용하였고, 200년 동안 거의 변하지 않았다.

페트루치의 오데카톤 앞부분

르네상스 시대에 다부, 다성음악을 발행하는 일반적인 형식은 파트북이었다.이 형식에서는 예를 들어 5부로 구성된 마드리갈 컬렉션의 각 음성 파트는 자신의 책에 별도로 인쇄되므로 5부 모두 음악 연주에 필요합니다.같은 파트북을 가수나 악기 연주자들이 사용할 수 있다.비록 (중세 후기처럼 연속적으로 작곡하는 것이 아니라) 동시에 작곡하는 수단으로 악보 형식을 사용한 것이 Josquin des Pres의 공로를 인정받고 있지만, 르네상스 시대에는 다부 음악의 악보가 거의 인쇄되지 않았다.

인쇄된 음악의 효과는 인쇄된 단어의 효과와 비슷했다. 그 이유는 정보가 수고스럽게 손으로 복사한 원고를 통해 더 빠르고, 더 효율적으로, 더 많은 사람들에게 전파된다는 점이다.악보를 구할 수 있는 충분한 재력을 가진 아마추어 음악가들이 공연을 할 수 있도록 장려하는 부가적인 효과가 있었다.이것은 많은 면에서 음악 산업 전체에 영향을 미쳤다.작곡가들은 이제 중산층에게 분배되고 팔릴 수 있다는 것을 알고 아마추어 연주자들을 위해 더 많은 음악을 쓸 수 있었다.

이것은 작곡가들이 부유한 귀족들의 후원에만 의존할 필요가 없다는 것을 의미했다.프로 선수들은 더 많은 음악을 자유롭게 사용할 수 있고 다른 나라의 음악을 접할 수 있었다.그것은 아마추어들의 수를 증가시켰고, 프로 선수들은 그들에게 가르침을 줌으로써 돈을 벌 수 있었다.그럼에도 불구하고, 초기 몇 년 동안, 인쇄된 음악의 비용은 그것의 유통을 제한했다.인쇄된 음악의 영향을 제한한 또 다른 요인은 많은 곳에서, 왕에 의해 음악을 인쇄할 수 있는 권리가 주어졌고, 특별한 허가를 받은 사람들만이 그렇게 할 수 있게 되어 그들에게 독점권을 주었다는 것이다.이것은 종종 선호하는 궁중 음악가나 작곡가들에게 주어지는 영광이었다.

16세기

16세기 악보와 악보 표기법의 예."Muziek voor 4 korige diatonische cister"[8] 원고에서 발췌.

기계식 판화는 16세기 [9]후반에 발달했다.판화는 15세기 초부터 시각 예술과 지도를 만드는 데 사용되었지만, [9]1581년까지는 음악에 적용되지 않았다.이 방법은 음악 한 페이지의 거울상을 금속판에 새겼다.그 후 홈에 잉크를 도포하고 음악 프린트를 종이에 전사했습니다.금속판을 보관하고 재사용할 수 있어 이 방법은 음악 조각가들에게 매력적인 선택사항이 되었다.구리는 초기 판의 초기 금속이었지만 18세기에는 가단성과 낮은 [10]비용 때문에 퓨터가 표준 재료가 되었습니다.

판화는 19세기 후반까지 음악 인쇄를 위한 선택 방법론이었는데, 그 시점에서는 사진 [9]기술의 발달로 그 쇠퇴가 가속화되었다.그럼에도 불구하고 이 기술은 오늘날까지 존속하고 있으며 G와 같은 엄선된 출판사에서 여전히 가끔 사용되고 있다. 독일의 [11]헨레 베를라그.

음악 구성이 복잡해지면서 정확한 악보를 내기 위한 기술도 필요하게 되었다.주로 인쇄된 단어를 포함하는 문학 인쇄와 달리, 음악 판화는 여러 가지 다른 종류의 정보를 동시에 전달한다.음악가들에게 확실히 하기 위해서는, 판화 기법이 절대적인 정밀도를 가능하게 하는 것이 필수적이다.코드, 동적 표시 및 기타 표기법은 수직 정확도로 정렬됩니다.텍스트가 포함된 경우 각 음절은 할당된 멜로디와 수직으로 일치합니다.수평으로 비트의 세분화는 플래그와 빔뿐만 아니라 페이지 [9]상의 상대적인 공간에 의해서도 표시됩니다.이러한 정밀한 카피의 작성은 초기 음악 조각가들에게 몇 가지 문제를 일으켰고, 여러 음악 조각 기술의 발전을 가져왔다.

19세기

1910년 [12]뉴욕시의 틴팬앨리 음악출판구 건물.

19세기에 음악 산업은 악보 출판사들이 장악했다.미국에서는 흑인 음유시인과 함께 악보 산업이 부상했다.이 업계를 지배하고 있는 뉴욕시의 음악 출판사, 작사가, 작곡가의 그룹은 "틴 팬 앨리"로 알려져 있었다.19세기 중반에는 멜로디에 대한 저작권 통제가 엄격하지 않았고, 출판사들은 종종 그 당시에 인기 있었던 곡들의 그들만의 버전을 인쇄하곤 했다.금세기 말에 더 강력한 저작권 보호법과 함께, 작곡가, 작사가, 그리고 출판사들은 상호 재정적인 이익을 위해 함께 일하기 시작했다.뉴욕시의 출판사들은 성악에 집중했다.가장 큰 음반 회사들은 뉴욕에 자리를 잡았지만, 종종 상업적인 프린터나 음반 가게와 연결된 작은 지역 출판사들은 전국적으로 계속 번창했습니다.엄청난 수의 동유럽 이민자들이 틴팬앨리의 음악 출판사이자 작곡가가 되었다 - 가장 유명한 것은 어빙 베를린이다.성공적인 곡의 제작자가 된 작사가들은 음악 회사의 스태프로 고용되었다.

19세기 후반에는 피아노에 대한 소유권과 기술을 가진 실내악이 폭발적으로 증가하여 중산층 가정의 규칙이 되었다.19세기 후반 중산층 가정이 인기 있는 신곡이나 곡을 듣고 싶으면 악보를 사서 집에서 아마추어 방식으로 연주했다.그러나 20세기 초에 축음기와 녹음된 음악의 중요성이 크게 커졌다.1920년대부터 라디오 방송의 인기가 높아지면서 악보 출판사의 중요성이 낮아졌다.음반 산업은 결국 악보 출판사를 제치고 음악 산업의 가장 큰 힘이 되었다.

20세기에서 21세기 초반

20세기 후반과 21세기에 들어서면서 악보를 컴퓨터로 읽을 수 있는 형식(음악 표기 소프트웨어 참조)과 다운로드 가능한 파일로 표현하는 데 상당한 관심이 생겼습니다.스캔한 악보를 "읽어 결과를 조작할 수 있게" 하는 소프트웨어인 음악 OCR은 1991년부터 제공되어 왔다.

1998년에 가상 악보가 디지털 악보라고 불리는 것으로 발전하면서 출판사는 처음으로 저작권 악보를 온라인으로 구입할 수 있게 되었다.하드카피 파일과 달리 이 파일들은 악기 변경, 전위, MIDI(Musical Instrument Digital Interface) 재생 등의 조작이 가능했다.뮤지션들 사이에서 이 인스턴트 딜리버리 시스템의 인기는 가까운 미래에 이 산업의 새로운 성장의 촉매제로 작용하고 있는 것으로 보인다.

가정용 컴퓨터에서 사용 가능한 초기 컴퓨터 표기 프로그램은 Music Construction Set으로 1984년에 개발되어 여러 다른 플랫폼용으로 출시되었습니다.당시 홈 유저에게는 거의 알려지지 않은 개념을 소개하면서 마우스와 같은 포인팅 장치로 노트와 기호를 조작할 수 있게 되었습니다. 사용자는 팔레트에서 노트 또는 기호를 "잡아" 올바른 위치에 있는 직원에게 "드롭"할 수 있었습니다.이 프로그램은 다양한 초기 사운드 카드를 통해 생산된 음악을 재생할 수 있도록 했으며 그래픽 프린터로 악보를 인쇄할 수 있었다.

현대의 디지털 오디오 워크스테이션 및 일반 퍼스널 컴퓨터용 스코어 라이터용 소프트웨어 제품의 대부분은 MIDI 파일에서 악보를 재생하거나 MIDI가 장착된 키보드 또는 기타 MIDI 컨트롤러에서 음표를 재생하거나 마우스 또는 기타 컴퓨터 장치를 사용한 수동 입력을 통해 악보 생성을 지원합니다.

1999년까지, 오케스트라에서 연주자들 사이의 음악 표시를 조정하는 시스템과 방법은 해리 코닉 [13]주니어에 의해 특허를 받았다.그것은 컴퓨터 화면이 있는 장치로, 오케스트라에서 더 일반적으로 사용되는 종이 대신 악보를 보여주는 데 사용됩니다.예를 들어,[14] 코닉은 그의 빅 밴드와 함께 투어를 할 때 이 시스템을 사용합니다.무선 네트워크와 아이패드의 보급으로 유사한 시스템이 개발되었습니다.클래식 음악 세계에서는 일부 현악 사중주단이 컴퓨터 스크린 기반의 파트를 사용한다.컴퓨터 기반 부품에는 몇 가지 장점이 있습니다.컴퓨터 화면에 점수가 표시되기 때문에 사용자는 읽기 쉽게 대비, 밝기, 노트 크기까지 조절할 수 있다.또한 일부 시스템은 풋 페달을 사용하여 "페이지 회전"을 수행합니다. 이는 종이 부품에서 자주 발생하는 것처럼 페이지 회전 중에 연주자가 음악을 틀지 않아도 된다는 것을 의미합니다.

일반 대중들에게 특별한 실용적인 관심사는 프로젝트 구텐베르크의 퍼블릭 도메인 도서 도서 도서 도서관과 견줄 수 있는 퍼블릭 도메인 악보 라이브러리를 만들기 위한 노력인 Mutopia 프로젝트입니다.국제음악음악도서관프로젝트(IMSLP)는 또한 모든 퍼블릭 도메인 악보뿐만 아니라 그들의 음악을 세계와 무료로 공유하고자 하는 작곡가들의 악보를 담은 가상 도서관을 만들려고 시도하고 있다.

일부 스코어라이터 컴퓨터 프로그램에는 작곡가와 편곡자에게 매우 유용한 기능이 있습니다. 즉, 신시사이저 사운드나 가상 악기를 사용하여 "재생"할 수 있는 기능입니다.새로운 작곡을 연주하기 위해 완전한 교향악단을 고용하는 데 드는 높은 비용 때문에, 이러한 컴퓨터 프로그램이 개발되기 전에는, 많은 작곡가들과 편곡가들이 그들의 오케스트라 작품을 피아노, 오르간 또는 현악 4중주로 편곡해야만 들을 수 있었다.스코어워이터 프로그램의 재생은 프로 오케스트라 녹음의 뉘앙스를 담고 있지는 않지만, 곡에 의해 만들어지는 음색과 다른 부분의 상호작용에 대한 감각을 전달한다.

「 」를 참조해 주세요.

레퍼런스

  1. ^ Cochrane, Lalage (2001). "Open score". In Sadie, Stanley; Tyrrell, John (eds.). The New Grove Dictionary of Music and Musicians (2nd ed.). London: Macmillan.‎
  2. ^ Hawkins, John (1776). A General History of the Science and Practice of Music (First ed.). Cambridge: Cambridge University Press. p. 237. Retrieved 3 May 2020. {{cite book}}:외부 링크 ref=(도움말)
  3. ^ Daniélou, Alain (2003). Sacred Music: Its Origins, Powers, and Future : Traditional Music in Today's World. Varanasi, India: Indica Books. ISBN 8186569332.[페이지 필요]
  4. ^ Garofalo, Reebee (1993). "Whose World, What Beat: The Transnational Music Industry, Identity, and Cultural Imperialism". The World of Music. 35 (2): 16–32. JSTOR 43615564.
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  9. ^ a b c d King, A. Hyatt (1968). Four Hundred Years of Music Printing. London: Trustees of the British Museum.
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  11. ^ "Music Engraving". G. Henle Publishers. Retrieved November 3, 2014.
  12. ^ "America's Music Publishing Industry – The story of Tin Pan Alley". The Parlor Songs Academy.
  13. ^ 미국 특허 6,348,648
  14. ^ "Harry Connick Jr. Uses Macs at Heart of New Music Patent". The Mac Observer. 2002-03-07. Retrieved 2011-11-15.

외부 링크

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