바순
Bassoon |
 Renard Artist 모델 220 basoon by Fox, 정면 및 측면도 | |
| 목관 악기 | |
|---|---|
| Hornbostel-Sachs 분류 | 422.112–71 (키 포함 이중레다에라폰) |
| 발달된 | 18세기 초반 |
| 플레이 레인지 | |
 (A1) B♭–1E5 (A5) | |
| 관련 기구 | |
바순은 더블 리드 계열의 목관악기로 테너와 베이스 [1]음역에서 연주한다.그것은 6개의 조각으로 구성되어 있고 보통 나무로 만들어졌다.그것은 독특한 음색, 넓은 음역, 다재다능, 그리고 [2]기교로 알려져 있다.이 악기는 비음역 악기로, 일반적으로 베이스와 테너 음정으로, 때로는 [2]고음으로 작곡됩니다.현대 바순에는 두 가지 형태가 있습니다: 뷔페([3]또는 프랑스)와 헤켈(또는 독일) 시스템입니다.일반적으로 좌석 스트랩을 사용하여 앉아 있을 때 연주되지만, 플레이어가 악기를 고정할 수 있는 하니스가 있는 경우 서서 연주할 수 있습니다.소리는 양쪽 입술을 리드 위로 말아 직접 공기 압력을 불어 리드가 진동하도록 함으로써 발생합니다.운지법은 다른 악기에 비해 상당히 복잡할 수 있습니다.19세기 현대적 형태로 등장한 바순은 관현악, 콘서트 밴드, 실내악 문학에서 두드러지고 팝, 록, 재즈 등에서도 종종 들을 수 있다.바순을 연주하는 사람을 바순 연주자라고 합니다.
어원학
| 시리즈의 일부 |
| 악기 |
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| 타악기 |
| 키보드 |
바순이라는 단어는 프렌치 바손과 이탈리아 바손에서 유래했습니다.[4]하지만, 같은 악기의 이탈리아 이름은 fagotto이고, 스페인어와 루마니아어로는 fagot이고,[5] 독일어로는 Fagott이다.파곳은 막대기 [6]묶음을 뜻하는 옛 프랑스어 단어이다.둘치안은 이탈리아에서 파고토로 알려지게 되었다.하지만, 파고토를 "막대 묶음"과 동일시하는 일반적인 어원은 다소 오해를 불러일으키는데, 후자는 나중에야 일반적으로 쓰이기 시작했다.그러나 초기 영어의 변형인 "faget"은 1450년에 장작을 지칭하기 위해 사용되었는데, 이는 둘시안이 가장 먼저 사용되기 100년 전(1550년)이다.막대기 묶음'과 '파고토'(이탈리아어) 또는 변형어 사이의 관계가 없음을 증명하기 위해서는 추가적인 인용이 필요하다.어떤 사람들은 이것이 도끼로 묶은 막대기의 기준인 로마의 파스체스를 닮았을지도 모른다고 생각한다.또 다른 차이점은 둘시안이 하나의 나무 블록으로 조각되었다는 사실이다. 즉, 한 묶음이 아니라 하나의 "막대기"이다.
특성.
범위
바순의 음역은 B♭(1베이스 스태프 아래의 첫 번째 음역)에서 시작하여 3 옥타브 이상, 대략 고음 스태프(G5)[7] 위의 G까지 확장된다.하지만, 바순을 위한 대부분의 글은 C나5 D 이상의5 음을 요구하는 경우는 거의 없습니다; 심지어 봄의 의식에서 스트라빈스키의 오프닝 솔로도 D로5 올라갑니다.이보다 높은 노트는 제작이 어렵고(종종 신뢰성을 확보하기 위해 특정 리드 디자인 기능이 필요함), 적어도 코랭글레에서 같은 음색과 매우 동질적이기 때문에 작성은 거의 불가능하지만 거의 이루어지지 않습니다.프랑스 바순은 매우 높은 음계에서 더 큰 기능을 가지고 있고, 그래서 프랑스 시스템의 레퍼토리가 독일 시스템에서 변경 없이 실행될 수 있지만, 매우 높은 음을 포함하는 레퍼토리는 다소 가능성이 있다.
바순의 광범위한 높은 음색과 서정 테너로서의 빈번한 역할은 테너 음이 부분적으로 과도한 원장 선을 피하기 위해 바로크 이후 문학에서 매우 일반적으로 사용되고 있다는 것을 의미하며, 20세기부터는 비슷한 이유로 고음 음이 또한 보인다.
다른 목관악기와 마찬가지로 가장 낮은 음이 고정되지만1 A는 악기에 특수하게 확장하면 가능합니다. 아래의 "확장 기술"을 참조하십시오.
주음 홀 피치는 다른 비음역 서양 목관악기보다 5번째로 낮지만(실효적으로 영국 호른 아래 옥타브), 바순은 비음역이며, 이는 음이 쓰여진 피치와 일치함을 의미한다.
건설
바순은 갈대를 포함한 6개의 주요 조각으로 분해된다.위로 뻗는 벨(6), 벨과 부츠를 연결하는 베이스 조인트(또는 긴 조인트)(5), 악기 하단의 부트(또는 버트)(4), 부트에서 보칼로 뻗는 윙 조인트(또는 테너 조인트)(3), 윙 조인트를 리드(1)에 부착하는 비뚤어진 금속 튜브(2))(
listen (help·info)).
구조.
바순의 보어는 오보에나 색소폰과 같이 원추형으로 되어 있으며, 부츠 조인트의 보어는 U자형 금속 커넥터로 기기 하단에 연결되어 있다.보어 구멍과 톤 구멍 모두 정밀 가공되어 있으며, 각 계측기는 적절한 튜닝을 위해 수작업으로 마감되어 있습니다.바순의 벽은 보어를 따라 여러 지점에서 더 두껍게 형성되어 있으며, 여기서 톤홀은 보어의 축을 따라 비스듬히 뚫려 있어 외관상의 구멍 사이의 거리가 줄어듭니다.이렇게 하면 일반 성인 손의 손가락으로 커버할 수 있습니다.악기의 거의 전체 길이로 확장되는 복잡한 키 워크 시스템으로 넓은 간격의 구멍 사이의 거리를 좁힘으로써 연주가 용이해집니다.바순의 전체 높이는 1.34m(4피트 5인치)까지 확장되지만 튜브가 다시 두 배로 늘어난 것을 고려하면 총 소리 길이는 2.54m(8피트 4인치)입니다.어린 선수나 작은 선수를 위해 만들어진 단거리 바순도 있다.
자재
현대의 초보자용 바순은 일반적으로 단풍나무로 만들어지며, 무카모레 단풍나무, 슈가 단풍나무 등 중경도 타입을 선호한다.저렴한 모델도 주로 학생용 및 야외용 폴리프로필렌 및 에보나이트와 같은 재료로 제작됩니다.금속 바순은 과거에 만들어졌지만 1889년 이후 어떤 주요 제조사에서도 생산되지 않았다.
갈대
갈대 제조 기술은 수백 년 동안 행해져 왔으며, 가장 [8]먼저 알려진 갈대들 중 일부는 바순의 전신인 둘시안을 위해 만들어졌다.현재 갈대를 만드는 방법은 기본적인 방법들로 구성되어 있지만, 바순 연주자 개개인의 연주 스타일은 매우 다양하기 때문에 갈대를 각각의 바순 연주자에 맞게 맞춤 제작해야 한다.이를 위해 보통 상급 선수들이 직접 갈대를 만든다.상업적으로 만들어진 갈대는 많은 회사나 개인이 미리 만든 갈대를 판매하고 있지만, 플레이어는 자신의 플레이 스타일에 맞게 조정해야 하는 경우가 많습니다.
아룬도 도낙스 [8]지팡이로 만든 현대식 바순갈대는 초보 바순이들은 전문 갈대 제조업자로부터 갈대를 구입하거나 스승이 만든 갈대를 사용하는 경우가 많다.갈대는 지팡이 스플리터라고 불리는 도구를 사용하여 세 조각 또는 네 조각으로 쪼개진 긴 튜브 지팡이로 시작한다.그런 다음 나무껍질이 붙어있는 채로 지팡이를 다듬고 원하는 두께로 도려냅니다.절인 후 나무껍질 쪽에서 재료를 제거하여 적당한 모양으로 잘라 원하는 두께로 밀링 가공하거나 프로필 가공한다.이 작업은 파일을 사용하여 수작업으로 수행할 수 있으며, 용도에 맞게 설계된 기계나 도구를 사용하여 수행하는 경우가 더 많습니다.프로파일링된 지팡이가 다시 한 번 젖으면 가운데로 접힙니다.담그기 전에 갈대 제조업자는 칼로 평행선을 그리며 나무껍질에 가볍게 칼자국을 내면서 형성 단계에서 지팡이가 원통형으로 보이게 됩니다.
나무껍질 부분에서 리드메이커는 1개, 2개 또는 3개의 코일 또는 황동선 루프에 결속하여 최종 성형공정에 도움이 된다.이러한 루프의 정확한 위치는 리드 메이커에 따라 다소 다를 수 있습니다.묶은 갈대 블랭크를 두꺼운 면 또는 린넨 실로 감싸고, 원추형 강철 맨드렐(가끔 불꽃으로 가열됨)을 블레이드 사이에 빠르게 삽입합니다.특수한 펜치를 사용하여 지팡이를 눌러 맨드렐의 형상에 맞춘다(가열된 맨드렐에 의해 발생하는 증기에 의해 지팡이가 맨드렐의 형상이 영구적으로 된다).이렇게 만들어진 캐비티의 윗부분을 "목(throat)"이라고 하며, 그 모양은 갈대의 최종 연주 특성에 영향을 미칩니다.대부분 원통형인 하부 부분은 리머라고 불리는 특수 도구로 리드를 밀어내서 리드가 보칼에 맞도록 합니다.
리드가 건조되면 건조 후 움츠러든 리드 주위로 와이어를 조이거나 완전히 교체합니다.하부는 밀봉된 후(Duco 등의 니트로셀룰로오스계 시멘트를 사용할 수 있음) 실로 감아 리드의 바닥에서 공기가 새어나오지 않도록 하고 리드가 모양을 유지하도록 합니다.포장 자체는 종종 두코나 투명한 매니큐어로 밀봉됩니다.전기 테이프는 아마추어 리드 메이커를 위한 랩으로도 사용할 수 있습니다.포장지의 불룩한 부분을 "터키의 머리"라고 부르기도 합니다. 이것은 소에 갈대를 삽입할 때 편리한 손잡이 역할을 합니다.최근에는 시간이 많이 걸리고 안절부절못하는 실 대신 보다 현대적인 열수축 튜브를 선택하는 선수들이 늘고 있다.실타래(크리스 크로스 원단 때문에 통칭 '터반')는 상업용 갈대에서는 여전히 일반적이다.
리드를 완성하기 위해 원래 펼쳐져 있던 지팡이의 중앙에 있던 리드 블랭크 끝을 잘라내 개구부를 만든다.첫 번째 와이어 위에 있는 블레이드의 길이는 약 27~30mm(1.1~1.2인치)입니다.리드가 연주되려면 칼끝에 약간의 베벨을 만들어야 하는데, 이 기능을 수행할 수 있는 기계도 있습니다.경도, 지팡이의 프로필 및 플레이어의 요건에 따라 리드 나이프로 다른 조정이 필요할 수 있습니다.플라이어로 첫 번째 또는 두 번째 와이어를 눌러 리드 개구부를 조정해야 할 수도 있습니다.리드 밸런스를 맞추기 위해 측면("채널") 또는 팁에서 추가 재료를 제거할 수 있습니다.또한 베이스 클리프 스태프의 "e"가 피치가 처져 있는 경우, 매우 날카로운 가위나 [9][10]그에 상응하는 것을 사용하여 길이에서 1~2mm(0.039–0.079인치)를 제거하여 리드를 "클립"해야 할 수 있다.
역사
기원.
음악사학자들은 보통 둘시안이 현대 바순의 [11]선구자라고 생각하는데, 이 두 악기는 많은 특징을 공유하기 때문이다: 금속으로 된 구부러진 곳에 장착된 이중 갈대, 비스듬히 뚫린 음정 구멍 그리고 스스로 두 배로 돌아가는 원추형의 구멍.둘시안의 기원은 불분명하지만, 16세기 중반에는 소프라노에서 대저음까지 8가지 크기로 출시되었습니다.덜시안들의 완전한 동료는 드물었다; 그것의 주된 기능은 그 시대의 전형적인 풍역에서 큰 소리(쇼) 또는 부드러운 소리(레코더)를 제공하는 것으로 보이며, 필요에 따라 역학을 변화시킬 수 있는 놀라운 능력을 나타낸다.그렇지 않으면 덜시안 기법은 8개의 손가락 구멍과 2개의 키가 있어 다소 원시적이어서 제한된 수의 키 시그니처에서만 연주할 수 있음을 알 수 있다.
정황 증거는 바로크 바순이 옛 둘치앙의 단순한 변형이라기 보다는 새롭게 발명된 악기였다는 것을 보여준다.둘치앙은 즉시 대체되지 않았지만, 바흐와 다른 사람들에 의해 18세기까지 계속 잘 사용되었습니다. 그리고 아마도 상호 교환성의 이유로, 이 시기의 레퍼토리는 둘치앙의 작은 나침반을 넘어설 가능성이 매우 낮습니다.진정한 바순을 개발한 가장 유력한 사람은 마르틴 호테테레 (d.1712)로, 그는 또한 세 조각으로 된 플뢰르 (횡류 플루트)와 호트부아 (바로크 오보에)를 발명했을지도 모른다.일부 역사학자들은 1650년대 언젠가 호테테레가 원피스 둘시안에 비해 보어 가공의 정확도가 더 높은 4개의 부분(벨, 베이스 이음, 부츠, 날개 이음)으로 바순을 고안했다고 믿는다.또한 두 개의 [12]키를 추가하여 나침반을 B♭까지 확장했습니다.또 다른 견해에 따르면 호테테레는 초기 바순의 개발에 책임이 있는 몇몇 장인 중 한 명이었다고 한다.여기에는 호테테레 가의 추가 멤버와 같은 [13]시기에 활동한 다른 프랑스 메이커가 포함되었을 수 있습니다.이 시기의 프랑스 바순은 남아있지 않지만, 만약 남아 있다면, 1680년대의 현존하는 초기 바순인 요한 크리스토프 데너와 리처드 하카와 비슷할 것이다.1700년경, 네 번째 건반(G))이 추가되었고, 안토니오 비발디, 바흐, 게오르크 필립 텔레만과 같은 작곡가들이 그들의 까다로운 음악을 작곡한 것은 이런 종류의 악기를 위해서였다.낮은 E♭를 위한 다섯 번째 키는 18세기 전반기에 추가되었습니다.4열쇠와 5열쇠 바로크 바순의 주목할 만한 제작자에는 J.H. 아이첸토프 (1678년–1769년), J. 포어슈만 (1680년–1757년), 토마스 스타네스비 주니어 (1668년–1734년), G.H. 셰레르 (173년–1778년), 그리고 신중한 티에오트 (1786년–176년)가 있다.
최신 구성
19세기에는 악기와 연주자의 능력에 대한 수요의 증가, 특히 더 큰 볼륨을 필요로 하는 대형 콘서트홀과 거장 작곡가-연주자들의 등장은 더욱 정교함을 증가시켰다.제조 기술과 음향 지식 모두에서 향상된 정교함으로 인해 악기의 연주성이 크게 향상되었습니다.
현대의 바순은 뷔페와 헤켈의 두 가지 뚜렷한 기본 형태로 존재한다.세계의 대부분은 헤켈 시스템을 사용하고 있는 반면, 뷔페 시스템은 주로 프랑스, 벨기에, 그리고 라틴 아메리카 일부 지역에서 사용되고 있습니다.희귀한 갈란드로놈과 같은 여러 종류의 바순이 다양한 악기 제조사에 의해 만들어졌다.영어권 국가에서 헤켈 시스템의 보편성 때문에, 현대 바순에 대한 영어의 참조는 항상 헤켈 시스템을 의미하며, 뷔페 시스템은 보이는 곳에 명시되어 있습니다.
헤켈(독일) 시스템
현대 바순의 디자인은 연주자, 교사, 작곡가 칼 알멘래더에게 많은 빚을 졌다.독일 음향 연구자인 고트프리트 베버의 도움을 받아 그는 4옥타브에 이르는 17키 바순을 개발했다.바순에 대한 알멘래더의 개선은 키워크를 보강하고 재배치함으로써 억양, 반응성 및 기술적 연주 용이성을 향상시키는 방법을 설명하는 1823년 논문으로 시작되었다.이후의 기사들은 그의 생각을 더욱 발전시켰다.그는 쇼트에서 일하면서 이러한 새로운 디자인에 따라 악기를 만들고 시험할 수 있는 자유를 얻었고, 그는 그 결과를 쇼트의 집 저널인 케이실리아에 발표했다.알멘래더는 1846년 사망할 때까지 악기의 출판과 제작을 계속했고, 루드비히 판 베토벤 자신도 그 논문을 듣고 새로 만든 악기의 하나를 요청했다.1831년 알멘래더는 파트너 요한 아담 헤켈과 함께 자신의 공장을 시작하기 위해 쇼트를 떠났다.
헤켈과 2대째의 후손들은 바순을 다듬었고, 그들의 악기가 표준이 되었고, 다른 제작자들이 그 뒤를 따랐다.뛰어난 가창성(알멘래더 악기의 주요 단점 중 하나) 때문에 헤켈 악기는 개혁된 비엔나 시스템, 보엠 스타일의 바순, 그리고 아돌프 색스의 아버지인 찰스-조셉 색스가 고안한 완전한 건반 악기와 경쟁했다.Mer는 1893년에 운지법을 개혁하려고 시도했지만, 그것은 받아들여지지 않았다.악기를 개선하기 위한 다른 시도에는 24키 모델과 싱글 리드 마우스 피스가 포함되었지만, 이 두 가지 모두 음색에 악영향을 미쳐 포기되었습니다.
20세기가 되면서 헤켈식 독일식 바순이 이 분야를 지배했다.헤켈은 20세기 초까지 1,100개 이상의 악기를 만들었다(일련의 숫자는 3,000개로 시작한다). 그리고 영국 제작자들의 악기는 주로 군악대 용도로 남아 있는 교향악단의 변화하는 음높이 요건에 더 이상 적합하지 않았다.
1940년대 짧은 전시에서 볼 베어링 제조로 전환한 것을 제외하면, 헤켈은 오늘날까지 지속적으로 계측기를 생산해 왔습니다.헤켈 바순은 여러 다른 제조업체에서 다양한 헤켈 스타일의 악기를 구입할 수 있지만, 연주 특성이 약간 다릅니다.
그것의 메커니즘은 대부분의 현대 목관 악기들에 비해 원시적이기 때문에, 제작자들은 때때로 바순을 "재발명"하려고 시도했다.1960년대에 자일스 브린들리는 그가 "논리 바순"이라고 부르는 것을 개발하기 시작했는데, 이것은 전기적으로 활성화된 메커니즘을 사용함으로써 억양과 톤의 고르게 하는 것을 목표로 하여 가능한 키 조합을 인간의 손이 관리하기엔 너무 복잡하게 만들었다.브린들리의 논리적인 바순은 판매되지 않았다.
뷔페(프랑스어) 시스템
버핏식 바순은 헤켈식보다 다소 일찍 기본적인 음향 특성을 달성했습니다.그 후, 그것은 더 보수적인 방식으로 계속 발전했다.헤켈 바순의 초기 역사는 음향과 주요 작업 모두에서 악기의 완전한 정비를 포함했지만, 뷔페 시스템의 발전은 주로 주요 작업에 대한 점진적인 개선으로 이루어졌다.뷔페의 이러한 미니멀리즘 접근법은 헤켈 바순에서 발견되는 음조, 조작의 용이성, 그리고 힘의 증가의 향상된 일관성을 박탈했지만, 일부 사람들에 의해 뷔페는 보다 목소리와 표현력을 가진 것으로 여겨진다.지휘자 존 포울즈는 1934년 헤켈식 바순의 우세를 한탄하며, 그들이 뿔과 소리가 너무 동질적이라고 생각했다.현대의 버핏 시스템은 22개의 키를 가지고 있으며, 음역은 헤켈과 동일하지만, 버핏 악기는 상위 음역의 기능이 더 뛰어나고 훨씬 쉽고5 공기 저항이 적은 E와 F에 도달합니다5.
헤켈 바순에 비해 버핏 시스템 바순은 보어가 좁고 메커니즘이 단순하여 여러 음표에 대해 다른 복잡한 핑거를 필요로 합니다.Heckel과 Vuffet 사이를 바꾸려면 광범위한 재교육이 필요합니다.프랑스 목관악기의 음색은 일반적으로 어느 정도 "엣지"를 나타내며, 다른 곳보다 더 많은 성질을 가지고 있으며, 뷔페 바순도 예외는 아니다.이 소리는 버핏 바순을 위한 글쓰기에서 효과적으로 사용되었지만, 헤켈 바순의 음색보다는 섞이는 경향이 덜하다.모든 바순과 마찬가지로, 음색은 개별 악기, 리드, 연주자에 따라 상당히 다릅니다.하위 연주자의 손에서는 헤켈 바순이 평평하고 나무처럼 들릴 수 있지만, 좋은 연주자들은 활기차고 노래하는 음색을 내는 데 성공한다.반대로, 잘 연주되지 않는 버핏은 귀에 거슬리고 콧소리가 날 수 있지만, 좋은 연주자들은 따뜻하고 표현력 있는 소리를 내는 데 성공한다.
영국은 한때 프랑스 시스템을 [14]선호했지만, 뷔페식 악기는 더 이상 그곳에서 만들어지지 않았고 프랑스 시스템의 마지막 유명한 영국 연주자는 1980년대에 은퇴했다.하지만, 일부 지역에서 계속 사용되고 독특한 음색으로 인해, 뷔페는 현대 바순 연주, 특히 그것이 시작된 프랑스에서 계속해서 자리를 잡고 있습니다.뷔페식 바순은 현재 파리에서 뷔페 아이슨과 아틀리에 뒤카세(프랑스 로망빌)에 의해 만들어진다.Selmer Company는 [15]2012년경 프랑스 시스템 기지의 제조를 중단했다.캐나다의 고(故) 제럴드 코리 같은 몇몇 선수들은 두 가지 유형을 모두 배워 레퍼토리에 따라 번갈아 연주할 것이다.
앙상블에서 사용
20세기 이전의 앙상블
1760년 이전
1760년 이전에 바순의 초기 조상은 둘시안이었다.그것은 [3]콘소트라고 불리는 윈드 앙상블에서 베이스 라인을 보강하기 위해 사용되었다.하지만, 콘서트 오케스트라에서 그것의 사용은 17세기 후반, 쌍갈대가 표준 악기로 등장하기 전까지 산발적이었다.둘치앙을 바소 콘티뉴 악기로 사용하는 것이 늘어나면서 라인하르트 카이저와 장 밥티스트 [1]룰리와 같은 오페라 오케스트라에 포함되기 시작했다.한편, 둘시안이 기술을 발전시키고 더 많은 기교를 발휘할 수 있게 되자, 요제프 보댕 드 보이스모르티에, 요한 에른스트 갈리아드, 요한 프리드리히 파슈, 게오르크 필립 텔레만과 같은 작곡가들은 [1]이 악기를 위한 독주와 앙상블 음악을 요구하였다.안토니오 비발디는 그것을 39개의 [1]협주곡에 수록함으로써 그것을 두드러지게 했다.
c. 1760-1991
바순은 낮은 음역 때문에 베이스라인을 선명하게 하는 데 많이 사용되었지만, 클래식 시대에는 기술이 발전하면서 관악기의 역량이 증가하였다.이를 통해 악기는 덜시안보다 더 많은 키로 연주할 수 있었습니다.요제프 하이든은 바순이 F-샤프 [3]단조로 연주하는 교향곡 45번에서 이 점을 이용했다.이러한 진보에 따라, 작곡가들은 베이스 라인을 두 배로 만드는 형식적인 능력보다는 독특한 색채, 유연성, 그리고 기교적인 능력으로 바순을 활용하기 시작했다.클라리넷과 바순을 위한 3중주곡(WoO 27)의 루트비히 [16]반 베토벤과 바이올린과 바순을 위한 2중주곡의 니콜로 파가니니 등이 있다.모차르트는 바순 협주곡 B플랫 장조에서 음색, 스타카토 연주, 표현음 대비 등 바순의 표현력을 모두 살렸고 특히 2악장에서 [3]가창력이 돋보였다.이 협주곡은 [1]오늘날에도 종종 바순의 모든 레퍼토리에서 가장 중요한 작품 중 하나로 여겨진다.
바순의 인간의 목소리와 유사함은 새로 발견된 뛰어난 능력 외에도 고전 시대에 많은 작곡가들이 이용했던 또 다른 특성이었다.1730년 이후 독일 바순의 음역은 B♭4까지 확장되었고 프랑스 [17]악기와 함께 훨씬 더 높아졌습니다.기술의 진보로 인해 바순의 테너 레지스터 사운드가 더욱 울려 퍼지게 되었고, 특히 오스트리아-독일 음악계에서 이 레지스터에서 연주되는 것이 인기를 끌었다.요제프 프롤리치와 같은 교육자들은 학생들에게 성악가 학생들이 할 수 있는 것처럼 음계, 3등분, 4등을 연습하라고 가르쳤다.1829년, 그는 바순이 "가치 있는 사람, 남성적인 사람, 엄숙한 사람, 위대한 사람, 숭고함, 침착함, 온화함, 친밀함, 감정, 갈망, 진심, 존경심, 영혼의 열정"[3]을 표현할 수 있다고 썼다.G.F. 브란트가 연주한 칼 마리아 폰 베버의 바순 협주곡 Op. 75 (J. 127)에서도 그것은 사람의 [3]목소리에 비유되었다.프랑스에서 피에르 쿠그니에 씨는 바순의 역할을 베이스 부분뿐만 아니라 목소리와 하프 반주, 하모니 클라리넷과 호른을 짝을 지어 연주하고 [3][1]이전 시대의 소나타보다 훨씬 흔했던 협주곡을 포함한 거의 모든 종류의 음악으로 연주한다고 설명했다.Cugnier와 에티엔 오지 둘 다 바순의 노래하는 [3]목소리와 유사성의 중요성을 강조했다.
오케스트라에서 바순의 역할은 나라에 따라 달랐다.빈 오케스트라에서 이 악기는 모차르트의 '피가로의 결혼 K 492' 서곡에서 보듯이 바이올린과 같은 다른 악기들을 두 배로 하여 앙상블에 입체적인 사운드를 제공했는데, [3]현악기와 함께 다소 기술적인 역할을 한다.그는 또한 바순이 어떤 악기와 짝을 이루느냐에 따라 음색을 바꾸라고 썼다; 클라리넷으로 더 따뜻하고, 플루트로 속이 비어있고,[3] 바이올린으로 어둡고 위엄이 있다.독일과 스칸디나비아 국가에서 오케스트라는 보통 두 개의 바순만을 특징으로 했습니다.그러나 프랑스에서는 19세기 [17]후반에 오케스트라가 그 수를 4개로 늘렸다.영국에서는 앙상블에 따라 바순 연주자의 역할이 달랐다.요한 크리스티안 바흐는 독주 바순 협주곡 2곡을 작곡했고, 청교도 혁명으로 대부분의 교회 [3]오르간이 파괴된 후 교회 성가대 반주 등 더욱 조연으로 등장하기도 했다.미국 식민지에서 바순은 전형적으로 방 안에서 목격되었다.독립 전쟁 후, 대중 공연을 [3]하는 관악대에서 바순 연주자들이 발견되었다.1800년까지, 미국 마린 [3]밴드에는 적어도 한 명의 바순이 있었다.남미에서, 바순은 작은 오케스트라, 밴드, 그리고 밀리터리뮤지크에도 [3]등장했다.
c. 1830-180
낭만주의 시대에 바순의 역할은 보조 베이스 악기로서의 역할과 거장, 표현력, 솔로 악기로서의 역할 사이에서 다양했다.사실, 그것은 거의 모든 상황에서 사용할 수 있는 악기로 여겨졌습니다.바순의 소리를 사람의 목소리에 비유하는 것은 많은 교육학이 이 소리를 모방하는 것을 둘러싸고 있었기 때문에 이 시기에도 계속되었다.주세페 베르디는 그의 Messa da [3]Requiem과 같은 곡들로 감정을 불러일으키기 위해 악기의 서정적이고 노래하는 목소리를 사용했습니다.유진 얀코트는 바순에 비브라토를 사용하는 것을 가수와 비교했고, 루이지 오르셀리는 바순이 사람의 [3]목소리와 잘 어울린다고 썼다.그는 또한 당시 프랑스 오케스트라에서 바순의 기능에 주목했는데, 그것은 비올라 소리를 지원하고 스타카토 소리를 보강하며 베이스, 클라리넷, 플루트,[3] 오보에를 두 배로 증가시키는 역할을 했다.또한 5악장의 헥터 베를리오즈의 교향곡 Op.14처럼 짧고 공격적인 것으로 묘사될 수 있는 바순의 스타카토 특유의 소리가 강조되기 시작했다.Paul Dukas는 The Sorprer's Apprentice에서 [17]살아나는 두 개의 빗자루의 이미지를 묘사하기 위해 스타카토를 이용했다.
독일 [17]오케스트라에는 단 두 개의 바순만 있는 것이 일반적이었다.오스트리아와 영국의 군악대도 2개의 바순만을 가지고 다녔고, 주로 반주나 엇박자 [3]연주에 사용되었습니다.프랑스에서도 헥터 베를리오즈는 바순을 두 개 이상 사용하는 것을 유행시켰다. 그는 종종 서너 개를 위해 득점했고, 그의 [3]임페리알에서처럼 8개까지 썼다.
이 시점에서 작곡가들은 베이스순이 종종 악기의 음역과 기술에 도전하는 독주를 썼기 때문에 다른 관악기들과 마찬가지로 비범할 것으로 기대했다.이들의 예. 셰헤라, Op에서 클라리넷을 다음과 같은 니콜라이 림스키 코르사코프의 바순 독주와 cadenza을 포함한다 35와 리처드 바그너의 탄호이저는 트리플 혀에 가서는 범위의 위로 후진 등을 연주하는 것이 바순 연주자 요구했다.[3]바그너도 그의 글에서는 스타 카토로 쳐라 능력을, 하고, 종종 그의 3b를 작곡한 바순을 사용했다asoon 파츠는 3등분하여 음색이 [3]뚜렷하고 어두운 소리를 냅니다.Modest Mussorgsky의 Night on Bald Mountain에서 바순들은 [17]"악마의 목소리"를 불러일으키기 위해 다른 베이스 악기들과 함께 포르티시모를 연주한다.
20세기와 21세기 앙상블
이 시점에서 바순의 발달은 더디게 되었다.기술 향상에 있어서 큰 도약을 하는 것이 아니라, 기기의 기능에 있어서의 작은 결함을 수정했습니다.[3]악기는 20세기 내내 상당히 다재다능해졌다. 이 시점에서 악기는 3옥타브, 다양한 트릴을 연주할 수 있었고 모든 음계와 동적 수준에서 [18]안정된 억양을 유지했다.바순 연주자들의 교육학은 나라마다 달랐기 때문에 전체적인 악기 자체가 다양한 역할을 했다.이전 시대의 일반적인 주제처럼, 바순은 독특한 목소리로 작곡가들에 의해 높이 평가되었고, 그 사용의 음색이 더 높아졌다.이것의 유명한 예는 이고르 스트라빈스키의 봄의 의식에서 바순이 러시아의 두드카를 [18]흉내내기 위해 가장 높은 음계를 연주해야 한다.작곡가들은 또한 스트라빈스키의 "불새"의 "베르세우스"와 장 시벨리우스의 [18]작품 82번 E-플랫 장조 교향곡 5번과 같이 바순의 중간 음계를 위해 작곡했다.그들은 또한 세르게이 프로코피예프의 유머러스 셰르조에서 [18]들은 바와 같이 바순의 스타카토 소리를 계속해서 강조했습니다.세르게이 프로코피예프의 '피터와 늑대'에서 할아버지의 역할은 바순이 연기한다.
오케스트라 환경에서, 20세기 초부터 현재까지 대부분의 오케스트라에는 서너 명의 바순 연주자가 있고, 네 번째 오케스트라는 일반적으로 [17]콘트라바순을 다룬다.음색, 비브라토, 그리고 구문의 사용에 대한 더 큰 강조가 바순 교육학에서 나타나기 시작했고, 많은 사람들은 음악 [3]표현에 대한 마르셀 타부토의 철학을 따랐다.비브라토는 음악의 [3]표현에 따라 앙상블 연주에 사용되기 시작했다.바순은 기교와 기교 면에서 다른 목관악기들과 유창하게 연주될 것으로 기대되었고, 현재도 그러하다.이것의 예로는 모리스 라벨의 랩소디 에스파골의 바순을 위한 카덴자와 스트라빈스키의 [3]옥텟에 사용된 여러 손가락 트릴이 있다.
20세기에, 바순은 협주곡 독주자보다 덜했고, 그럴 때, 반주하는 앙상블은 부드럽고 [3]조용해졌다.게다가,[19] 그것은 행진 밴드에서 더 이상 사용되지 않았다. 하지만 여전히 그들 중 한 두 명이 있는 콘서트 밴드에서 존재했다.오케스트라 레퍼토리는 대부분의 서구 [19]국가들에서 오스트리아-독일 전통과 거의 같은 상태로 남아 있었다.그것은 주로 솔로, 실내, 교향곡 환경에서 나타났다.1900년대 중반, 방송과 녹음의 인기가 높아지면서, 바순 연주자들에게 새로운 기회가 주어졌고, 라이브 [19]공연의 느린 감소로 이어졌다.20세기 후반과 21세기 초 바순을 위한 새로운 음악의 대부분은 종종 확장된 기교를 포함했고 솔로 또는 실내 환경을 위해 쓰여졌다.확장된 기술을 포함한 한 조각은 루치아노 베리오의 세켄자 XII로, 미세조절 손가락, 글리산도, 그리고 [19]추골을 필요로 했다.브루노 바르톨로찌의 협주곡에는 이중, 삼중 통, 플래터 통, 멀티 호닉, 쿼터 톤,[1] 노래가 모두 사용되고 있습니다.또한 존 윌리엄스의 오성수, 앙드레 프레뱅의 바순과 피아노 소나타 등 다양한 협주곡과 바순, 피아노 곡들이 쓰여졌다.피터 쉬켈레의 쏘나타 아바순아타와 같은 연주곡도 있어 바순 연주자가 음악가이자 [19]배우여야 했다.바순 4중주단은 이 시기에 다니엘 도프의 "It Takes Four to [19]Tango"와 같은 곡들로 유명해졌다.
재즈
바순은 재즈 악기로 자주 쓰이지 않고 재즈 앙상블에서는 거의 볼 수 없다.그것은 가빈 부셸이 바순을 그의 [3]공연에 포함시키기 시작한 1920년대에 처음 나타나기 시작했다.Paul Whiteman의 그룹, Alex Wilder의 특이한 옥텟, 그리고 몇 가지 다른 세션 출연에서 특정 사용이 요구되었습니다.이후 수십 년 동안 심포닉 재즈가 인기를 잃으면서 이 악기는 산발적으로만 사용되었지만, 1960년대에는 유세프 라테프와 칙 코레아와 같은 아티스트들이 그들의 녹음에 바순을 포함시켰다.라테프의 다양하고 다양한 기구는 바순을 자연스러운 첨가물로 보았다(예:몇 개의 솔로곡을 포함한 6인조 호른 섹션의 일부로 바순을 특징으로 하는 센타우르와 불사조(1960년)는 코레아가 플루티스트 휴버트 로스와 함께 바순을 고용했습니다.
최근에는 일리노이 자켓, 레이 피지, 프랭크 티베리, 마셜 앨런이 색소폰 연주에 더해 바순 연주도 두 배로 늘었습니다.프리 재즈의 연주자인 바순 연주자 카렌 보르카는 바순만을 연주하는 몇 안 되는 재즈 음악가 중 한 명이고, 마이클 라비노위츠, 스페인 바순 연주자 하비에르 아바드, 노르웨이 베르겐에 거주하는 미국인 제임스 라센도 그 중 한 명이다.캐서린 영은 앤서니 브랙스턴의 앙상블에서 바순을 연주한다.린제이 쿠퍼, 폴 핸슨, 브라질 베이스순 연주자 알렉산드르 실베리오, 트렌트 제이콥스, 다니엘 스미스도 현재 재즈에서 바순을 사용하고 있다.프랑스 바순 연주자 장 자크 드룩과[20] 알렉상드르 오주노프는[21] 모두 재즈를 녹음해 뷔페식 악기의 유연성을 효과적으로 활용했다.
대중음악
전자 픽업과 증폭의 사용과 함께, 악기는 재즈와 록 [3][1]환경에서 다소 더 많이 사용되기 시작했다.하지만, 바순은 여전히 록 밴드의 정규 멤버로서 꽤 드물다.스모키 로빈슨의 "광대의 눈물"과 기적을 포함한 몇몇 1960년대 팝 음악 히트곡들은 바순을 특징으로 한다.시라드[22]), 도노반의 제니퍼 주니퍼, 하퍼스 기괴한의 59번가 브릿지 송, 그리고 뉴 보드빌 밴드의 윈체스터 대성당의 밑바탕에 있는 옴파 바순.1974년부터 1978년까지, 바순은 영국의 아방가르드 밴드 헨리 코우의 린제이 쿠퍼가 연주했다.레너드 니모이의 노래 빌보 배긴스의 발라드에는 바순이 등장한다.1970년대에는 영국 중세/프로그레시브 록 밴드 그리폰에서 브라이언 걸랜드가 연주했고, 미국 밴드 앰브로시아가 드럼 연주자 벌리 드러몬드가 연주했다.야권 밴드 유니버시티 제로의 벨기에 록은 바순을 사용하는 것으로도 알려져 있다.
더 최근에, The New Puritans의 2010년 앨범 Hidden은 이 악기를 내내 많이 사용하고 있다; 그들의 주요 작곡가인 Jack Barnett은 녹음 [23]준비 과정에서 "바순을 위해 많은 음악을 쓰고 있다"고 계속해서 주장했다.2011년 초, 미국의 힙합 아티스트 Kanye West는 팔로워들에게 그가 최근 아직 이름이 알려지지 않은 [24]노래에 바순을 추가했음을 알리기 위해 그의 트위터 계정을 업데이트했다.록 밴드 Better Than Ezra는 Ernest Hemingway의 A Movable Festival의 한 구절에서 따왔다. 작가는 에즈라 파운드를 언급하며 짜증나게 수다스러운 사람의 말을 듣는 것이 "에즈라가 바순을 연주하는 법을 배우는 것보다 낫다"고 말한다.
영국의 사이키델릭/프로그레시브 록 밴드 나이프월드는 실험적인 실내 록 오케스트라 크롬 후프에서도 연주하는 클로이 헤링턴의 바순 연주를 특징으로 합니다.
2016년, 바순은 영국의 "grime" 아티스트 Stormzy의 앨범 Gang Signs and Presides에 수록되었다.영국의 바순 연주자 루이스 왓슨이 연주한 바순은 이 장르에서 전형적으로 볼 수 있는 일렉트로닉 신시사이저 베이스 라인의 보완곡으로 "Cold"와 "Mr Skeng" 트랙에서 들을 수 있다.
기술.
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바순은 선수 앞에 비스듬히 세워지지만 플루트, 오보에, 클라리넷과 달리 연주자의 손만으로는 쉽게 지탱할 수 없다.일반적으로 몇 가지 추가 지지 수단이 필요합니다. 가장 일반적인 방법은 앉기 전에 의자 시트에 걸쳐 있는 부트 조인트 베이스에 부착된 시트 스트랩 또는 부트 조인트 상단에 부착된 넥 스트랩 또는 어깨 하니스입니다.때때로 첼로나 베이스 클라리넷에 사용되는 것과 유사한 스파이크가 부츠 조인트 바닥에 부착되어 바닥에 놓입니다.플레이어가 넥 스트랩이나 유사한 하니스를 사용하거나 시트 스트랩이 벨트에 묶여 있으면 서서 플레이할 수 있습니다.서서 놀 때는 밸런스 행거라고 하는 기구를 사용하는 경우가 있습니다.이는 기기와 목 스트랩 사이에 설치되며 지지 지점을 무게 중심에 가깝게 이동시켜 두 손 사이의 무게 분포를 조정합니다.
바순은 양손이 정지된 상태에서 연주되며, 왼쪽 위에는 악기 전면에 5개의 주요 손가락 구멍(청중 가장 가까운 곳)과 열려 있는 키로 작동되는 6번째 손가락 구멍이 있다.전면에 있는 5개의 추가 키는 각 손의 작은 손가락으로 제어됩니다.악기 뒷면(선수 가장 가까운 곳)에는 엄지로 제어할 수 있는 키가 12개 이상 있으며, 정확한 숫자는 모델에 따라 다릅니다.
오른손을 안정시키기 위해, 많은 바순 연주자들은 부츠 조인트에 장착하는 "클러치" 또는 손 받침대라고 불리는 조절 가능한 쉼표 모양의 기구를 사용한다.목발은 엄지 나사로 고정되어 있어 바순에서 돌출된 거리도 조정할 수 있습니다.선수들은 오른손의 곡선을 엄지손가락이 목발에 손바닥을 맞닿게 한다.또한, 목발은 오른손이 피곤하지 않게 하고 플레이어가 손가락 구멍과 열쇠에 손가락 패드를 평평하게 유지할 수 있게 해줍니다.
다른 목관악기에서는 볼 수 없는 바순기법의 한 측면을 플리킹이라고 한다.왼손 엄지손가락이 중간 옥타브의 특정 음이 시작할 때 높은 A, C, D 키를 순간적으로 누르거나 "플릭"하여 낮은 음에서 깨끗한 음을 얻습니다.이를 통해 이 기술을 사용하지 않고 발생하는 균열 또는 짧은 멀티호닉이 제거됩니다.다른 방법은 "벤트"입니다. 즉, 음표 시작 부분에서 일시적으로 열리는 것이 아니라 레지스터 키를 전체 핑거링의 일부로 사용해야 합니다.이것은 때때로 "유럽 스타일"이라고 불리기도 합니다. 환기는 음의 억양을 약간 높여주며, 더 높은 주파수로 조율할 때 유리할 수 있습니다.일부 바순 연주자들은 명확한 명료성을 위해 혀로 A와 B♭를 플리킹하지만 플리킹(또는 호흡)은 실질적으로 슬러에 흔하다.
플리킹은 최대 고음까지 슬러링하는 데 사용되는 반면 위스퍼 키는 저음까지 사용됩니다.중앙 C 바로 아래의 A♭에서 왼손 엄지손가락으로 위스퍼 키를 누른 상태로 음이 지속되는 동안 유지합니다.낮은 음은 때때로 높은 옥타브에 균열이 발생할 수 있기 때문에 이것은 균열을 예방합니다.고레지스터와 저레지스터 사이에서 음이 올바르게 발음되도록 하기 위해서는 플릭과 위스퍼 키 사용이 특히 중요합니다.
공장에서 바순은 보통 비판적으로 튜닝되지만, 그럼에도 불구하고 플레이어는 호흡 보조 장치, 엠보셔, 리드 프로필을 사용하여 피치 컨트롤의 유연성이 뛰어납니다.플레이어는 또한 손가락을 번갈아 사용하여 많은 음표의 음높이를 조정할 수 있습니다.다른 목관악기와 마찬가지로, 바순의 길이를 낮은 음조로 늘릴 수도 있고 낮은 음조로 늘릴 수도 있습니다.바순에서는 보칼을 다른 길이 중 하나로 변경하는 것이 바람직하지만(길이는 보통 가장 짧은 길이가 0, 가장 긴 길이가 3으로 시작되지만 다른 숫자를 사용하는 제조업체도 있습니다) 보칼을 약간 밀어내거나 밖으로 빼서 p를 전체적으로 조정할 수 있습니다.가려움증[25]
엠보셔와 사운드 제작
바순 엠보셔는 그 악기에서 가득하고 둥글고 풍부한 소리를 내는 데 매우 중요한 측면이다.입술은 둘 다 치아 위로 말아 올려져 있고, 종종 윗입술이 "과다"를 따라 더 멀리 떨어져 있습니다.입술은 갈대의 전체 둘레에 미세근육압력을 제공하며, 이것은 억양과 조화 흥분을 크게 조절하기 때문에, 음이 바뀔 때마다 지속적으로 조절되어야 한다.입술이 갈대를 따라 얼마나 멀리 놓여지는지는 음색과 (입 안의 갈대가 줄어들면 소리가 더 날카로워지거나 "리디"하고 더 많은 갈대가 부드러워지고 덜 투사성) 압력에 반응하는 방식 모두에 영향을 미칩니다.
바순 엠보셔에 사용되는 근골격은 주로 입술 주위에 있는데, 이것은 갈대를 원하는 소리에 필요한 모양으로 압박합니다.턱은 구강을 조절하기 위해 올리거나 내리지만 턱 근육은 단일 갈대보다 훨씬 더 적은 수직 압력으로 사용되며 매우 높은 음역에서만 사용됩니다.하지만, 이중 갈대 학생들은 입술과 다른 근육의 제어와 톤이 아직 발달하고 있기 때문에 종종 이러한 근육으로 갈대를 "물고" 있지만, 이것은 일반적으로 갈대의 구멍을 수축시키고 칼날의 진동을 억제하기 때문에 소리를 날카롭고 "갈대"하게 만든다.
적절한 엠보셔와는 별도로, 학생들은 또한 횡격막, 목, 목, 그리고 위 가슴의 상당한 근육 강화와 통제력을 발달시켜야 하며, 이것들은 모두 기압을 증가시키고 지시하기 위해 사용된다.공기 압력은 이중 리드 악기의 음색, 억양 및 투영에 있어 매우 중요한 측면이며, 엠보셔의 음질만큼, 또는 엠보셔보다 더 큰 영향을 미칩니다.
바순의 음을 원하는 음높이에 대해 부정확한 양의 근육이나 기압으로 공격하면 억양 불량, 균열 또는 멀티폰이 발생하거나 실수로 부정확한 부분을 생성하거나 갈대가 전혀 말을 하지 않게 됩니다.이러한 문제들은 고유의 이유와 일관성이 없는 이유로 행동에서 절대적으로 모순되는 갈대의 개별적인 특성으로 인해 복합화된다.
갈대의 근육 요건과 다양성은 바순이스트(및 오보이스트)가 모든 갈대, 역동성 및 연주 환경을 일관되게 제어하는 엠보셔를 개발하는 데 시간이 걸린다는 것을 의미합니다.
현대 운지법
바순의 운지법은 다른 관현악 목관악기보다 연주자마다 차이가 크다.복잡한 메커니즘과 음향은 바순이 좋은 음질이나 억양(특히 높은 음역)의 단순한 손가락이 부족하다는 것을 의미하지만, 반대로, 그것들에 대한 매우 다양한 우수하지만 일반적으로 더 복잡한 손가락이 있다.일반적으로 이러한 음표를 위한 간단한 손가락은 대체 또는 트릴 핑거로 사용되며, 바순 연주자는 최적의 음질을 위해 가능한 한 복잡한 실행 중 하나 또는 여러 개의 "완전 핑거링"으로 사용합니다.사용되는 손가락은 바순 연주자의 재량에 따라 결정되며, 특정 구절에 대해 연주자에게 관용적인 새로운 대체 손가락을 찾기 위해 실험할 수 있습니다.
이러한 요소들은 바순 연주자들 사이에 "완전"과 "대체" 핑거가 크게 달라졌고, 찾는 소리의 문화적 차이, 갈대가 만들어지는 방법, 튜닝 주파수의 지역적 변화(더 날카롭고 평평한 핑거가 필요함)와 같은 요소들에 의해 더욱 많이 알려졌습니다.바순 연주자들의 지역 집단은 기술에 있어서 어느 정도 통일성을 갖는 경향이 있지만, 세계적으로 볼 때, 두 명의 바순 연주자들이 특정 음표에 대해 손가락질을 하지 않을 정도로 기법이 다르다.이러한 요인들 때문에 유비쿼터스 바순 기법은 부분적으로만 알릴 수 있다.
왼쪽 엄지손가락은 9개의 키, 즉2 B12♭,1 B5, C, D, D5, C(또한4 B), 결합 시 2개의 키 생성4 A 및 Whisper 키를 조작합니다.위스퍼 키는 F와 G'3 사이의 음표 및 기타2 특정 음표의 경우 눌러야 합니다. 생략할 수 있지만 음높이가 불안정해집니다.왼손 엄지 키를 사용하여 추가 노트를 작성할 수 있습니다.테너 조인트의 위스퍼 키(C' 키) 위에 있는D 키와 아래 키를 함께2 누르면 C'3와 C'4가 모두 생성됩니다.같은 하단의5 테너 조인트 키와 추가 운지법을 사용하여 E와 F를 만듭니다5.D와55 C가 함께 C'5를 만듭니다.A를 만들기4 위해 테너 조인트의 2개의 키를 부트 조인트의 핑거링을 약간 바꾸면 B♭4가 생성됩니다.위스퍼 키는 다른 핑거와 함께 계측기의 고음역 전반에 걸쳐 특정 지점에서 사용하여 음질을 원하는 대로 변경할 수도 있습니다.
오른손 엄지손가락은 4개의 키를 조작합니다.맨 위 키는 B♭2와 B♭3를 생성하는 데 사용되며, B, F,4 C5, D5, F5, E♭5에서4 사용될 수 있습니다.E부터 B2♭1까지의 모든 최저 음표에 대해 "키"라고도 하는 큰 원형 키가 눌려 있습니다.또한 위스퍼 키와 같이 사운드를 음소거하기 위한 추가 핑거로도 사용됩니다.예를 들어, 라벨의 "볼레로"에서 바순은 G에서4 오스티나토를 연주하도록 요구받습니다.이것은 G에 대한4 일반적인 핑거링으로는 쉽게 할 수 있지만, Label은 플레이어가 E 키(팬케이크 키)를2 눌러 소리를 줄여야 한다고 지시한다(이것은 버핏 시스템을 염두에 두고 쓰여진다). Bb 키를 포함하는 G 핑거링(Heckel에서는 "프랑스어" G라고도 불린다).오른손 엄지손가락으로 조작하는 다음 키는 "스파툴라 키"로 알려져 있는데, 이 키는 주로 2F and과 3F♯를 생성하는 데 사용됩니다.가장 낮은 키는 덜 사용됩니다. 다른 음표에서 오른손 네 번째 손가락이 미끄러지지 않도록 A♭23(GΩ)2 및 A♭(GΩ)3를 생성하는 데 사용됩니다.
왼손의 네 손가락은 각각 두 가지 다른 위치에서 사용할 수 있습니다.검지로 정상적으로 조작되는 키는 주로 E에 사용되며5, 하부 레지스터의 트릴에도 사용됩니다.그 주된 역할은 어퍼톤 홀입니다.이 구멍은 손가락을 아래로 굴려 완전히 또는 부분적으로 닫힐 수 있습니다.이 하프홀 공법은 F,,3 G3 g,3 G♯를 오버블로하는 데 사용됩니다.가운데 손가락은 일반적으로 테너 조인트의 중앙 구멍에 있습니다.또한 트릴 키인 E♭5에 사용되는 레버로 이동할 수도 있습니다.약지는 대부분의 모델에서 한 개의 키로 작동합니다.일부 바순은 주로 트릴을 위해 톤 구멍 위에 대체 E♭ 키가 있지만 대부분은 그렇지 않습니다.가장 작은 손가락으로 베이스 조인트의 사이드 키 2개를 조작합니다.일반적으로 하위 키는 C'2에 사용되지만 테너 레지스터의 음을 음소거 또는 평탄하게 하는 데 사용할 수 있습니다.위쪽 키는 E♭24, E4, F4,4 Fµ, A4, B♭, B4, C5,5 Cµ 및5 D에 사용됩니다. 이 키는 G를 평탄하게 하며3 A440과 같이 헤르츠 레벨을 낮추도록 조정되는 많은 위치에서 G의 표준 핑거링입니다.
오른손의 네 손가락에는 각각 적어도 하나의 과제가 있습니다.E♭5를 연주할 때 부츠 상단에 있는 사이드 키가 사용되는 것을 제외하고 검지는 하나의 구멍에 머물러 있습니다(이 키는 D의 경우 날카롭지만 3CΩ 트릴도 제공합니다).가운데 손가락은 구멍 위에 고리를 두르고 정지해 있으며, 오른손의 가장 작은 손가락이 레버를 누르면 이 링과 다른 패드가 들어올려집니다.일반적으로 약지는 아래쪽 약지 키에서 움직이지 않습니다.그러나 일반적으로 B♭2 및 B♭3의 경우 부츠 조인트 전면에 있는 상단 엄지 키 대신 상단 약지 키를 사용할 수 있습니다. 이 키는 오보에에서 파생된 것이며, 일부 바순은 엄지 손가락 핑거링이 실질적으로 보편적이기 때문에 이 키가 없습니다.가장 작은 손가락이 3개의 키를 조작합니다.바순 연주자와 가장 가까운 맨 뒷부분은 대부분의 베이스 레지스터를 통해 눌려 있습니다.이 키를 사용하여 4G, B♭,4 B4, C5(후자 3개에서는 피치를 평탄화하고 안정시키기 위해 이 키만 사용)를4 생성할 수 있습니다.오른손에서 가장 작은 손가락의 가장 낮은 키는 주로 A♭23(Gg)2 및 A♭(G))3에 사용되지만 D, E♭5 및5 F를 개선하는5 데 사용할 수 있습니다.그frontmost 키, 엄지 키 외에, G♭2과 G♭3을 만듭니다. 많은 bassoons에 이 열쇠며 약간 아첨 F♯("F♯ 중복")를 생성하는 엄지 키에 다른 톤 구멍을 운영한다;몇몇 기법 둘 다의 옥타브들과 유용성 때문 다른 기준으로지만, 다른 사람들은, 네번 낮은 fing의 엄지 키를 사용해 하나를 사용하여 사용된다.er은 높은 쪽입니다.
확장된 기술
다음, 설레임, 원형 호흡, 더블 통, 하모닉 등 바순에 대해 많은 확장 기술을 수행할 수 있다.바순의 경우, 기존의 Rs 압연 방법 뿐만이 아니라, 후두부에서 「가글」하는 것으로써, 설레임을 실시할 수 있다.바순의 멀티호닉은 풍부하고 특정 대체 핑거를 사용하여 달성할 수 있지만 일반적으로 엠보셔 위치에 의해 큰 영향을 받습니다.또, 특정의 손가락을 사용해, 실제의 악기의 음역보다 낮은 음을 내는 악기에 음을 낼 수 있다.이러한 음은 매우 무겁고 음정이 맞지 않는 경향이 있지만, 엄밀히 말하면 낮은 B♭ 밑에서는 소리가 납니다.
바순 연주자는 벨 길이를 연장하여 하단 B♭보다 낮은 음을 낼 수도 있습니다.이는 특별히 제작된 "낮은 A 확장"을 벨에 삽입함으로써 달성할 수 있지만, 작은 종이 또는 고무 튜브 또는 바순 벨 안에 있는 클라리넷/코랭글라이 벨(음표가 날카로울 수 있음)을 사용하여 달성할 수도 있습니다.이렇게 하면 낮은 B♭가 낮은 음으로 변환됩니다(거의 항상 A가 자연스러운 상태). 이렇게 하면 계측기의 피치가 크게 낮아지고(낮은 레지스터에서 가장 두드러지게 표시됨), 그에 따라 낮은 B가 B♭로 변환되는 경우가 많습니다(그리고 이웃 C가 매우 평평해집니다.낮은 A를 사용하는 아이디어는 바순의 범위를 넓히기를 원했던 리하르트 바그너에 의해 시작되었습니다.그의 후기 오페라의 많은 구절들은 바로 위에 있는 B-플랫뿐만 아니라 낮은 A를 필요로 한다 - 이것은 낮은 B-플랫을 B♭로 평탄하게 만드는 확장을 사용하는 일반적인 바순에서 가능하지만, 종에 대한 모든 확장은 악기의 하단 레지스터에서 억양과 음질에 상당한 영향을 미친다, 그리고 이와 같은 구절들은 모어입니다.e는 종종 콘트라바스에 의해 비교적 쉽게 실현된다.
몇몇 바순들은 바순 연주자들이 비슷한 구절을 깨닫도록 특별히 만들어졌다.이 바순들은 낮은 A와 낮은 B플랫의 키를 모두 가진 확장된 종인 바그너 벨로 만들어졌지만 널리 퍼져 있지는 않다. 바그너 벨이 있는 바순은 일반적인 A 확장을 가진 바순과 비슷한 억양 문제를 겪고 있으며, 바순을 수용하기 위해 특별히 바순을 건설해야 한다.훨씬 덜 복잡합니다.바순의 음역을 A보다 더 낮게 연장하면 음높이에 더 큰 영향을 미쳐 악기를 효과적으로 사용할 수 없게 된다.
노트의 논리적인 어려움에도 불구하고, 바그너는 낮은 A를 쓴 유일한 작곡가는 아니었다.바순의 음색을 낮은 A까지 낮추도록 요구한 또 다른 작곡가는 구스타프 말러이다.리하르트 스트라우스는 또한 그의 오페라 인터메조에서 낮은 A를 요구한다.Carl Nielsen의 Wind Quintet, op.43에서와 같이 일부 작품은 작품의 최종 운율을 위한 선택적 낮은 A를 포함한다.
바순을 배우다
복잡한 운지법과 갈대 문제는 바순을 다른 [26]목관악기보다 더 배우기 어렵게 만든다.바순을 추구하기로 결정한 또 다른 큰 요인은 비용이다.가격은 고품질 [27]악기의 경우 미화 7,000달러에서 45,000달러 이상이다.북미에서, 학생들은 보통 클라리넷이나 [28]색소폰과 같은 다른 리드 악기를 시작한 후에야 바순을 시작한다.
미국의 학생들은 종종 음악 교육의 중년에 바순 연주와 기술에 대한 연구를 추구하기 시작한다.학생들은 종종 학교 악기를 제공받고 개인 강사와 함께 수업을 듣도록 권장받는다.학생들은 보통 올바른 자세, 손 자세, 엠보셔, 톤 연출에 대한 교육을 받는다.
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레퍼런스
인용문
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