오케스트라

Orchestra
기타 용도는 오케스트라(동음이의한 설명)를 참조하십시오.
부쿠레슈티 교향악단
아르메니아 국립 실내악단

오케스트라(/ˈɔːrk ɪ ə/; OR-ki-str ə)는 클래식 음악의 전형적인 큰 기악 합주단으로, 서로 다른 계열의 악기들이 결합되어 있습니다. 일반적으로 계측기에는 다음과 같은 네 가지 주요 섹션이 있습니다.

피아노, 하프시코드, 첼레스타와 같은 다른 악기들은 때때로 다섯 번째 건반에 등장하거나 콘서트 하프와 같이 독주 악기로서 단독으로 연주할 수 있습니다.[note 1]

전체 규모의 서양 오케스트라는 때때로 심포니 오케스트라 또는 필하모닉 오케스트라(그리스 필-, "러빙", "하모니"에서 유래)로 불리기도 합니다. 연주되는 작품과 공연장 규모에 따라 특정 공연에 고용된 음악가의 수는 70명에서 100명 이상까지 다양할 수 있습니다. 실내 오케스트라(때로는 콘서트 오케스트라)는 50명 이하의 음악가들로 구성된 작은 합주단입니다.[2] 예를 들어 요한 세바스티안 바흐와 게오르게 프리데릭 헨델의 바로크 음악을 전문으로 하는 오케스트라나 하이든과 모차르트의 클래식 레퍼토리 같은 경우에는 루트비히 판 베토벤과 요하네스 브람스의 교향곡 같은 낭만주의 음악 레퍼토리를 연주하는 오케스트라보다 규모가 작습니다. 전형적인 오케스트라는 18세기와 19세기에 걸쳐 규모가 커졌고, 리하르트 바그너와 후에 구스타프 말러의 작품에 요구된 120명이나 되는 대규모 오케스트라와 함께 정점에 이르렀습니다.

오케스트라는 보통 손과 팔의 움직임으로 공연을 지휘하는 지휘자에 의해 이끌어지는데, 종종 지휘자의 지휘봉으로 알려진 짧은 나무 막대를 사용하여 음악가들이 쉽게 볼 수 있도록 만듭니다. 지휘자는 오케스트라를 통일하고, 템포를 정하고, 앙상블의 소리를 형상화합니다.[3] 지휘자는 또한 대중 음악회 전에 리허설을 주도하여 오케스트라를 준비하는데, 이 콘서트에서 지휘자는 연주자들에게 연주되는 음악에 대한 그들의 해석에 대한 지침을 제공합니다.

흔히 콘서트 마스터라고 불리는 첫 바이올린 부문의 리더는 음악가들을 이끄는 데도 중요한 역할을 합니다. 바로크 음악 시대 (1600–1750)에, 오케스트라들은 종종 콘서트 마스터에 의해 이끌어지거나, 화음을 연주하는 음악가가 하프시코드나 파이프 오르간으로 바소 콘티뉴오 파트를 연주하는 것에 의해 이끌어졌습니다, 이 전통은 20세기와 21세기 초기 음악 합주단들이 계속되고 있습니다. 오케스트라는 교향곡, 오페라 및 발레 서곡, 독주 악기를 위한 협주곡, 오페라, 발레 및 일부 유형의 음악 극장(예: 길버트 및 설리번 오페레타)을 위한 피트 앙상블 등 다양한 레퍼토리를 연주합니다.

아마추어 오케스트라는 초등학교 또는 고등학교 학생들, 청소년 오케스트라 및 커뮤니티 오케스트라로 구성되며, 후자의 두 오케스트라는 일반적으로 특정 도시 또는 지역의 아마추어 음악가들로 구성됩니다.

오케스트라라는 용어는 고대 그리스 극장의 무대 앞에 있는 그리스 합창단을 위한 지역의 이름인 그리스 ὀρχήστρα (오케스트라)에서 유래했습니다.

역사

바로크 시대와 고전 시대

바로크 시대에는 오케스트라의 규모와 구성이 표준화되지 않았습니다. 다양한 유럽 지역들 사이에 크기, 악기, 연주 스타일, 그리고 따라서 관현악 사운드스케이프와 팔레트에서 큰 차이가 있었습니다. 바로크 오케스트라는 파트당 한 명의 연주자가 있는 소규모 오케스트라(또는 합주단)부터 파트당 많은 연주자가 있는 대규모 오케스트라까지 다양했습니다. 더 작은 다양성의 예로는 최대 18명의 연주자로 구성된 합주단에 접근할 수 있었던 예를 들어 쾨텐의 바흐의 오케스트라가 있습니다. 대규모 바로크 오케스트라의 예로는 로마에 있는 코렐리의 오케스트라가 있는데, 일상적인 공연을 위해 35명에서 80명 사이의 연주자들이 있었고, 특별한 경우를 위해 150명으로 확대되었습니다.[5]

고전 시대에 오케스트라는 중소형 현악 섹션과 오보에, 플루트, 바순 및 호른 쌍으로 구성된 코어 윈드 섹션으로 표준화되었으며 때로는 타악기와 클라리넷 및 트럼펫 쌍으로 보충되었습니다.

베토벤의 영향

18세기 후반에 개척되어 19세기 전반에 통합된 오케스트라에서 이중풍과 금관악기의 소위 "표준적인 보완"은 일반적으로 하이든과 모차르트 이후 베토벤이 요구한 힘에 기인합니다.[citation needed] 베토벤의 악기는 거의 항상 한 쌍의 플루트, 오보에, 클라리넷, 바순, 호른, 트럼펫을 포함합니다. 예외는 그의 교향곡 4번, 바이올린 협주곡, 피아노 협주곡 4번으로 각각 플루트 하나를 명시하고 있습니다. 베토벤은 혁신적인 효과를 위해 교향곡 3, 5, 6, 9에서 이 특정한 팀브랄 "팔레트"의 확장을 신중하게 계산했습니다. "에로이카" 교향곡의 세 번째 호른이 도착하여 일부 화성적 유연성뿐만 아니라 트리오 악장에서 "합창" 금관의 효과를 제공합니다. 피콜로, 콘트라바순, 트롬본은 그의 교향곡 5번의 승리의 피날레를 장식합니다. 피콜로와 한 쌍의 트롬본은 목가적 교향곡이라고도 알려진 6부에서 폭풍과 햇빛의 효과를 전달하는 데 도움을 줍니다. 아홉 번째는 "에로이카"와 비슷한 이유로 두 번째 뿔 한 쌍을 요구합니다. (이후 네 개의 뿔이 표준이 되었습니다.) 베토벤이 그의 피날레에서 피콜로, 콘트라바순, 트롬본, 그리고 조율되지 않은 타악기를 사용한 것과 코러스와 성악 솔로 연주자들을 더한 것은 교향곡의 음색적 경계가 확장될 수 있다는 그의 최초의 제안입니다. 그가 죽은 후 수십 년 동안, 교향곡 악기는 거의 예외를 제외하고는 베토벤의 잘 정립된 모델에 충실했습니다.[citation needed]

인스트루먼트 테크놀로지

1916년 3월 2일 말러 교향곡 8번의 미국 초연에서 스토코프스키와 필라델피아 오케스트라

1815년 실레지아인 하인리히 스톨첼과 프리드리히 블뤼멜에 의한 피스톤과 회전 밸브의 발명은 오케스트라에 영향을 미친 일련의 혁신들 중 최초의 것이었습니다. 테오발드 뵈름에 의한 플루트를 위한 현대적인 키워크의 개발과 목관의 아돌프 색스의 혁신을 포함하여, 특히 색소폰의 발명. 이러한 발전은 헥터 베를리오즈가 악기에 관한 획기적인 책을 쓰도록 이끌었고, 이것은 악기 소리를 음악의 표현적 요소로 사용하는 것에 관한 최초의 체계적인 논문이었습니다.[6]

바그너의 영향

교향곡 연주의 다음 주요한 확장은 그의 음악극을 동반하기 위해 설립된 리하르트 바그너의 바이로이트 오케스트라로부터 이루어졌습니다. 무대를 위한 바그너의 작품들은 전례 없는 범위와 복잡성으로 점수를 받았습니다: 실제로 그의 다스 라인골드에 대한 점수는 6개의 하프를 요구합니다. 따라서 바그너는 그의 영향력 있는 작품 '지휘에 관한'에서 설명했듯이 극장 오케스트라의 지휘자에게 더욱 더 요구되는 역할을 구상했습니다.[7] 이것은 관현악 편성에 혁명을 가져왔고 이후 80년 동안 관현악 연주를 위한 양식을 정했습니다. 바그너의 이론들은 템포, 역동성, 현악기의 절의 중요성, 오케스트라에서의 교장들의 역할을 재조명했습니다.

20세기 오케스트라

20세기 초, 심포니 오케스트라들은 이전보다 더 크고, 더 나은 자금과 더 나은 훈련을 받았습니다; 결과적으로, 작곡가들은 더 크고 더 야심적인 작품들을 작곡할 수 있었습니다. 구스타프 말러의 작품들은 특히 혁신적이었습니다; 말러는 매머드 교향곡 8번과 같은 그의 후기 교향곡에서, 대규모의 힘을 사용하여 관현악 크기의 가장 먼 경계를 추진합니다. 낭만주의 시대 후반까지, 오케스트라는 거대한 현악 섹션, 거대한 금관 섹션 및 확장된 타악기 범위로 가장 거대한 형태의 교향 표현을 지원할 수 있었습니다. 녹음 시대가 시작되면서 연주의 기준이 새로운 단계로 밀려났는데, 녹음된 교향곡을 가까이서 들을 수 있고, 생방송에서는 눈에 띄지 않을 정도의 억양이나 앙상블의 사소한 오류까지도 평론가들에게 들려줄 수 있었기 때문입니다. 녹음 기술이 20세기와 21세기에 걸쳐 향상됨에 따라 결국 녹음의 작은 오류는 오디오 편집이나 오버더빙으로 "수정"될 수 있습니다. 일부 나이든 지휘자들과 작곡가들은 음악을 가능한 한 단순히 "통달"하는 것이 표준이었던 때를 기억할 수 있었습니다. 녹음으로 가능해진 더 넓은 청중과 결합하여, 이것은 특정 스타 지휘자와 높은 수준의 오케스트라 실행에 대한 새로운 초점으로 이어졌습니다.[8]

계측

모차르트 디베르티멘토 3악장 K. 136을 연주하는 비오티 체임버 오케스트라

전형적인 심포니 오케스트라는 목관, 금관, 타악기, 현악기라고 불리는 4개의 관련 악기 그룹으로 구성되어 있습니다. 피아노와 첼레스타와 같은 다른 악기들은 때때로 건반과 같은 다섯 번째 섹션으로 묶이거나 콘서트 하프와 전기 전자 악기들처럼 홀로 서 있을 수 있습니다. 오케스트라는 크기에 따라 각 그룹의 거의 모든 표준 악기를 포함합니다.

오케스트라의 역사에서, 그것의 악기들은 종종 고전[9] 시대와 루트비히 판 베토벤의 고전 모델에 대한 영향에 의해 표준화되었다고 동의되는, 시간이 지남에 따라 확장되었습니다.[10] 20세기와 21세기에 새로운 레퍼토리 요구는 오케스트라의 악기를 확장하여 클래식 모델 악기와 새로 개발된 전기 전자 악기를 다양한 조합으로 유연하게 사용하는 결과를 낳았습니다.

심포니 오케스트라와 필하모닉 오케스트라라는 용어는 런던 심포니 오케스트라와 런던 필하모닉 오케스트라처럼 같은 지역에서 다른 앙상블을 구별하는 데 사용될 수 있습니다.[note 2] 심포니나 필하모닉 오케스트라는 보통 80명 이상의 음악가가 로스터에 들어가지만, 어떤 경우에는 100명 이상의 음악가가 연주되는 작품과 공연장의 크기에 따라 실제 특정 공연에 고용되는 음악가의 수가 달라질 수 있습니다.[2]

실내악 오케스트라는 보통 더 작은 합주단입니다; 주요 실내악 오케스트라는 50명의 음악가를 고용할 수 있지만, 일부는 훨씬 더 작습니다. BBC Concert Orchestra와 RTE Concert Orchestra처럼 콘서트 오케스트라는 대안적인 용어입니다.

확장계측기

핵심 오케스트라 보완 외에도 때때로 다양한 다른 악기들이 요구됩니다.[11] 여기에는 플루겔호른과 코넷이 포함됩니다. 예를 들어 색소폰과 클래식 기타는 19세기에서 21세기까지의 악보에 등장합니다. 모리스 라벨의 모데스트 무소르그스키의 전시회에서의 그림 오케스트레이션과 세르게이 라흐마니노프의 심포닉 댄스와 같은 일부 작품에서 특징적인 독주 악기로만 등장하지만, 색소폰은 라벨의 볼레로, 세르게이 프로코피예프의 로미오와 줄리엣 모음곡 1, 2와 같은 다른 작품에 포함되어 있습니다. 본 윌리엄스의 교향곡 6번과 9번, 윌리엄 월튼의 벨샤자르의 향연 등 관현악 합주단의 일원으로 많은 작품들이 활동하고 있습니다. 유포늄은 구스타프 홀스트의 "행성들"과 리하르트 슈트라우스의 "아인 헬덴레벤"을 포함하여, 보통 "테너 튜바"로 표시된 부분을 연주하는 낭만주의 후기와 20세기 후반의 몇몇 작품에 등장합니다. 호른 가문의 변형된 바그너 튜바는 리하르트 바그너의 사이클 데르 링 데 니벨룽겐과 슈트라우스, 이고르 스트라빈스키, 벨라 바르토크 등의 여러 작품에 등장하며, 안톤 브루크너의 교향곡 7번 E장조에서도 눈에 띄게 중요한 역할을 합니다.[12] 표트르 일리치 차이콥스키의 발레 백조의 호수, 클로드 드뷔시의 라 메르, 헥토르 베를리오즈의 여러 관현악 작품에 코넷이 등장합니다. 이러한 악기들이 다른 악기에서 "두 배"로 연주되지 않는 한(예를 들어, 트롬본 연주자가 유포늄으로 바꾸거나 바순 연주자가 특정 통로에서 콘트라바로 바꾸거나), 오케스트라는 일반적으로 그들의 정규 앙상블을 증가시키기 위해 프리랜서 음악가를 고용합니다.

20세기 오케스트라는 이전 오케스트라보다 훨씬 유연했습니다.[11] 베토벤과 펠릭스 멘델스존의 시대에 오케스트라는 상당히 표준적인 악기의 핵심으로 구성되어 있었는데, 이것은 작곡가들에 의해 매우 드물게 수정되었습니다. 시간이 지남에 따라, 그리고 낭만주의 시대에 베를리오즈와 말러와 같은 작곡가들에 의해 수용된 수정이 이루어지면서, 일부 작곡가들은 바람 기계와 같은 다양한 하프와 효과음을 사용했습니다. 20세기 동안, 현대 오케스트라는 아래에 나열된 현대 악기로 일반적으로 표준화되었습니다. 그럼에도 불구하고, 20세기 중후반까지, 현대 클래식 음악의 발전으로, 악기들은 실질적으로 작곡가에 의해 손으로 선택될 수 있었습니다 (예: 전기 기타와 같은 전자 악기들, 신시사이저와 같은 전자 악기들, 비서구 악기들, 오케스트라에서 전통적으로 사용되지 않는 다른 악기).

이 역사를 염두에 두고 오케스트라는 바로크 시대, 고전 시대, 초기/중기 낭만주의 음악 시대, 후기 낭만주의 시대, 그리고 근대/포스트모던 시대의 다섯 시대로 분석할 수 있습니다. 첫 번째는 바로크 오케스트라(즉, J.S. Bach, Handel, Vivaldi)로, 일반적으로 연주자의 수가 적었고, 하나 이상의 코드 연주 악기, 즉 베이스 라인을 연주하는 바소 콘티뉴오 그룹(예: 하프시코드 또는 파이프 오르간과 다양한 베이스 악기), 중요한 역할을 했습니다; 두 번째는 전형적인 고전 시대 오케스트라(예: 모차르트와 하이든과 함께 초기 베토벤)로, 낭만주의 음악 오케스트라보다 적은 수의 연주자 그룹과 상당히 표준화된 악기를 사용했습니다; 세 번째는 초기/중기 낭만주의 시대의 전형적인 오케스트라(예: 슈베르트, 베를리오즈, 슈만, 브람스(Brahams), 네 번째는 20세기 후반의 낭만주의/초반의 오케스트라(예: 바그너, 말러, 스트라빈스키)로, 2010년대 현대 오케스트라(예: 아담스, 바버, 아론 코플랜드, 글라스, 펜데레키)의 공통적인 보완입니다.

후기 바로크 관현악단

클래식 오케스트라

일반적인 클래식 오케스트라 레이아웃

초기 낭만주의 관현악단

후기낭만관현악단

근대/포스트모던 오케스트라

현대 교향악단 배치

조직

오케스트라 지휘

계측기 그룹과 각 계측기 그룹 내에는 일반적으로 허용되는 계층이 있습니다. 모든 기악 그룹(또는 섹션)에는 일반적으로 그룹을 이끌고 관현악 솔로를 연주하는 책임이 있는 교장이 있습니다. 바이올린은 제1바이올린과 제2바이올린의 두 그룹으로 나뉘는데, 제2바이올린은 제1바이올린보다 낮은 레지스터에서 연주하거나, 반주 파트를 연주하거나, 제1바이올린이 연주하는 선율을 조화롭게 연주합니다. 주 제1바이올린은 콘서트마스터(또는 영국의 오케스트라 '리더')로 불리며 현악 파트의 리더일 뿐만 아니라 지휘자 뒤에 있는 오케스트라 전체의 2인자로 여겨집니다. 콘서트 마스터는 콘서트 전 튜닝을 주도하고 바이올린 또는 전체 현악 섹션에 대한 활을 결정하는 것과 같은 오케스트라 관리의 음악적 측면을 처리합니다. 콘서트 마스터는 보통 청중과 가장 가까운 지휘자의 왼쪽에 앉습니다. 또한 주 제2바이올린, 주 비올라, 주 첼로, 주 베이스가 있습니다.

주트롬본은 낮은 브라스 섹션의 리더로 간주되는 반면, 주트롬본은 일반적으로 전체 브라스 섹션의 리더로 간주됩니다. 오보에는 종종 오케스트라를 위한 튜닝 노트를 제공하지만(300년 된 전통 때문에), 일반적으로 목관 섹션의 지정된 교장은 없습니다(목관 앙상블에서는 플루트가 종종 추정 리더입니다).[13] 대신, 각 교장은 음악적인 의견 차이의 경우에 다른 교장과 동등한 지위를 부여합니다. 대부분의 섹션에는 보조 교장(또는 공동 교장 또는 부교장)이 있거나, 첫 번째 바이올린의 경우 보조 콘서트 마스터가 있으며, 그들은 부재 시 교장을 교체하는 것 외에도 종종 튜티 역할을 합니다.

섹션 현악 연주자는 음악에서 상하부가 '밖'(관객 가까이)과 '안'에 배정되는 경우가 많은 분할(분할) 부분을 제외한 나머지 섹션과 함께 일제히 연주합니다. 현악 섹션에서 솔로 파트가 요청되는 경우 섹션 리더는 항상 해당 파트를 연주합니다. 현악 섹션의 섹션 리더(또는 교장)는 또한 종종 콘서트 마스터가 제시한 활을 기반으로 활을 결정하는 역할을 합니다. 어떤 경우에는 현악 섹션의 주임이 악기를 연주하기 위한 요구 사항(예: 더블 베이스 섹션)을 수용하기 위해 콘서트 마스터와 약간 다른 활을 사용할 수도 있습니다. 현악 섹션의 주임은 또한 섹션의 입구를 이끌며, 일반적으로 입구 앞에서 활을 들어 올려 섹션이 함께 플레이되도록 합니다. 투티 관악기와 브라스 연주자들은 일반적으로 독특하지만 솔로가 아닌 역할을 합니다. 섹션 타악기 연주자는 주요 타악기 연주자가 지정한 파트를 연주합니다.

현대의 음악가들은 대개 지휘자에 의해 지휘되지만, 초기 오케스트라에는 지휘자가 없었지만, 이 역할을 콘서트 마스터나 콘티뉴오를 연주하는 하프시코드 연주자에게 부여합니다. 일부 현대 오케스트라는 지휘자 없이도 활동합니다. 특히 소규모 오케스트라와 바로크와 초기 음악의 역사적으로 정확한 (이른바 "기간"이라고 불리는) 연주를 전문으로 하는 오케스트라들은 지휘자 없이도 활동합니다.

교향악단이 가장 자주 연주하는 레퍼토리는 서양 고전 음악이나 오페라입니다. 그러나 오케스트라는 대중 음악(예: 콘서트에서 록이나 팝 밴드를 동반하는 것)에서 때때로 사용되며, 영화 음악에서 광범위하게 사용되며, 비디오 게임 음악에서 점점 더 자주 사용됩니다. 오케스트라는 심포니 메탈 장르에서도 사용됩니다. "오케스트라"라는 용어는 예를 들어 빅 밴드 음악의 연주에서 재즈 앙상블에도 적용될 수 있습니다.

구성원의 선정 및 선임

2000년대에, 전문 오케스트라의 모든 종신 재직자들은 보통 합주단의 자리를 위해 오디션을 봅니다. 연주자들은 일반적으로 협주곡의 악장, 바흐 독주곡, 그리고 오디션 포스터에 광고된 관현악 문학의 다양한 발췌문 등 오디션 참가자가 선택한 하나 이상의 독주곡을 연주합니다(오디션 참가자들이 준비할 수 있도록). 발췌된 부분은 일반적으로 관현악 문학에서 가장 기술적으로 어려운 부분과 솔로입니다. 오케스트라 오디션은 일반적으로 지휘자, 콘서트 마스터, 오디션 참가자가 지원하는 섹션의 주요 연주자, 그리고 아마도 다른 주요 연주자를 포함하는 패널 앞에서 열립니다.

1차 오디션에서 가장 유망한 후보자들을 2차 또는 3차 오디션에 초대하여, 지휘자와 패널이 최고의 후보자들을 비교할 수 있습니다. 연주자들은 관현악을 읽도록 요청받을 수 있습니다. 일부 오케스트라에서 오디션 과정의 마지막 단계는 연주자가 오케스트라와 1~2주 동안 연주하는 시험 주간으로, 지휘자와 주요 연주자들이 실제 리허설과 공연 현장에서 개인이 잘 기능할 수 있는지 확인할 수 있습니다.

다양한 고용 준비가 있습니다. 가장 많이 찾는 자리는 오케스트라의 영구적이고 종신직입니다. 오케스트라는 또한 단일 콘서트부터 풀 시즌 또는 그 이상의 기간에 걸쳐 계약에 따라 음악가를 고용합니다. 계약 연주자들은 오케스트라가 이례적으로 큰 규모의 후기 낭만주의 시대의 관현악 작업을 할 때 개별 콘서트를 위해 고용되거나, 아픈 상임 단원을 대신할 수 있습니다. 한 번의 콘서트를 위해 고용된 전문 음악가를 "서브"라고 부르기도 합니다. 일부 계약 음악가는 정회원이 육아휴직 또는 장애휴직 중인 기간 동안 정회원을 대체할 수 있습니다.

앙상블의 성별 역사

역사적으로, 주요 전문 오케스트라들은 대부분 혹은 전적으로 남성들로 구성되어 왔습니다. 전문 오케스트라에서 고용된 최초의 여성 단원들은 하프 연주자들이었습니다. 예를 들어, 비엔나 필하모닉은 1997년까지 여성들의 정회원 가입을 허락하지 않았으며, 이는 비교 가능한 오케스트라들(2008년 그라모폰이 선정한 세계 5위 안에 든 다른 오케스트라들)보다 훨씬 늦은 것입니다.[14] 여성을 영구적인 자리에 임명한 마지막 주요 오케스트라는 베를린 필하모닉이었습니다.[15] 1996년 2월, 빈 필하모닉의 수석 플루트 디터 플루리(Dieter Flury)는 Westdeutscher Rundfunk에게 여성을 받아들이는 것은 "현재 이 유기체가 가지고 있는 감정적 통일성(emotionelle Geschlossenheit)과의 도박"이 될 것이라고 말했습니다.[16] 1996년 4월, 오케스트라의 공보 비서는 출산 휴가의 "예상되는 휴가를 보상하는 것"이 문제가 될 것이라고 썼습니다.[17]

1997년 빈 필하모닉은 국립 여성 기구와 국제 여성 음악 연맹의 [미국] 투어 중에 시위에 직면했습니다. 마지막으로, "사회적으로 보수적인 오스트리아에서도 조롱의 강도가 높아지자, 오케스트라의 구성원들은 1997년 2월 28일 출국 전날 임시 회의에서 모였고, 여성인 안나 렐케스를 하프 연주자로 인정하기로 동의했습니다."[18] 2013년 현재, 이 오케스트라에는 6명의 여성 멤버가 있습니다; 그들 중 한 명인 바이올리니스트 알베나 다나일로바는 2008년 이 오케스트라의 콘서트 마스터 중 한 명이 되었고, 이 오케스트라에서 그 자리를 차지한 최초의 여성입니다.[19] 2012년에 여성은 오케스트라 회원의 6%를 차지했습니다. 클레멘스 헬스버그 VPO 회장은 VPO가 현재 완전히 상영된 블라인드 오디션을 사용하고 있다고 말했습니다.[20]

2013년, 마더 존스의 기사는 "뉴욕 필하모닉의 바이올린 부문에서 여성이 남성보다 더 많다."며 "많은 명망 있는 오케스트라들이 여성 바이올린 연주자들에 의해 이끌어지는 반면, 내셔널 심포니 오케스트라, 디트로이트 심포니, 미네소타 심포니를 포함한 몇몇 유명한 앙상블들은 여성 바이올린 연주자들에 의해 이끌어집니다."라고 말했습니다. 주요 오케스트라의 더블베이스, 금관악기, 타악기 부문은 여전히 남성이 주류를 이루고 있습니다.[21] 2014년 BBC 기사는 "심사위원이 성별이나 인종적 편견을 행사하지 못하도록 예비 기악 연주자가 스크린 뒤에서 공연하는 '블라인드' 오디션의 도입은 전통적으로 남성이 지배하는 교향악단의 성별 균형이 점차 변화하는 것을 목격했다"고 말했습니다.[22]

아마추어 앙상블

또한 다양한 아마추어 오케스트라가 있습니다.

학교 오케스트라
이 오케스트라는 초등학교나 중등학교 학생들로 구성되어 있습니다. 그들은 음악 수업이나 프로그램의 학생일 수도 있고 학교 전체에서 뽑힐 수도 있습니다. 학교 오케스트라는 일반적으로 음악 선생님이 지휘합니다. 학교 오케스트라가 현악기를 연주하는 학생들로만 구성된 현악단인 경우도 있는데, 목관악기, 금관악기, 타악기를 연주하는 학생들이 함께 연주 밴드로 묶였습니다.
대학 또는 음악원 오케스트라
이 오케스트라는 대학이나 음악원의 학생들로 구성되어 있습니다. 경우에 따라 대학 오케스트라는 모든 프로그램에서 대학의 모든 학생들에게 개방됩니다. 더 큰 대학들은 두 개 이상의 대학 오케스트라를 가질 수 있습니다: 음악 전공(또는 주요 음악 프로그램의 경우, 여러 계층의 음악 전공 오케스트라, 기술 수준에 따라 순위가 매겨짐)으로 구성된 하나 이상의 오케스트라와 모든 학문적 프로그램(예: 과학, 비즈니스 등)의 대학생들에게 개방된 두 번째 오케스트라.) 이전에 관현악 악기를 연주한 경험이 있는 사람. 대학과 음악원 오케스트라는 일반적으로 대학이나 음악원에서 교수나 강사로 활동하는 지휘자가 지휘합니다.
유스 오케스트라
이 오케스트라는 전체 도시 또는 지역에서 온 십대와 젊은이들로 구성되어 있습니다. 청소년 오케스트라의 연령대는 앙상블마다 다릅니다. 경우에 따라, 청소년 오케스트라는 전 국가의 청소년 또는 청소년으로 구성될 수 있습니다(예: 캐나다 국립 청소년 오케스트라).
커뮤니티 오케스트라
이 오케스트라는 전체 도시 또는 지역에서 온 아마추어 연주자들로 구성되어 있습니다. 커뮤니티 오케스트라는 일반적으로 성인 아마추어 음악가들로 구성됩니다. 커뮤니티 오케스트라는 청중 앞에서 정식 공연을 하지 않고 음악을 연습하는 초급 수준의 오케스트라부터 중급 수준의 앙상블, 표준 전문 오케스트라 레퍼토리를 연주하는 고급 아마추어 그룹까지 다양합니다. 경우에 따라 대학 또는 음악원 학생들이 커뮤니티 오케스트라의 멤버가 될 수도 있습니다. 커뮤니티 오케스트라 단원들은 대부분 보수가 없는 아마추어들이지만, 일부 오케스트라에서는 소수의 전문가들을 고용하여 주요 연주자와 섹션 리더로 활동할 수 있습니다.

레퍼토리 및 공연

오케스트라는 17세기 댄스 모음곡, 18세기 디베르티멘토부터 20세기 영화 악보, 21세기 교향곡까지 다양한 레퍼토리를 연주합니다. 오케스트라는 일반적으로 대조적인 건반과 템포를 제공하는 여러 악장을 포함하는 서양 고전 음악의 확장된 음악 작곡인 교향곡과 동의어가 되었습니다. 교향곡은 모든 악기 부분이 포함된 악보에 표기되어 있습니다. 지휘자는 악보를 사용하여 리허설 전에 교향곡을 공부하고 그들의 해석(예: 템포, 아티큘레이션, 프레이즈 등)을 결정하고, 앙상블을 이끌면서 리허설과 콘서트 동안 음악을 따라갑니다. 관현악 연주자들은 악기를 위해 주석이 달린 음악만 포함된 부분에서 연주합니다. 또한 소수의 교향곡에는 성악 파트(예: 베토벤의 9번 교향곡)도 포함되어 있습니다.

오케스트라는 또한 원래 오페라의 악기 소개에 적용되는 용어인 서곡을 연주합니다.[23] 초기 낭만주의 시대 동안 베토벤과 멘델스존과 같은 작곡가들은 극적 서곡으로 시작된 여러 작품에서 프란츠 리스트에 의해 고안된 형태인 교향시와 같은 장르를 예고하는 독립적이고 자기 존재적인 도구적이고 프로그램적인 작품을 지칭하기 위해 이 용어를 사용하기 시작했습니다. 이것들은 "처음에는 의심할 여지 없이 프로그램의 선두에서 연주하기 위해 의도되었습니다."[23] 1850년대에 콘서트 서곡은 교향시로 대체되기 시작했습니다.

오케스트라는 또한 협주곡에서 기악 독주자들과 함께 연주합니다. 협주곡이 연주되는 동안 오케스트라는 솔리스트(예: 솔리스트 바이올리니스트 또는 피아니스트)에게 반주 역할을 하며, 때로는 솔리스트가 연주하지 않는 동안 음악적 주제나 막간을 소개합니다. 오케스트라는 또한 오페라, 발레, 일부 음악극 작품 및 일부 합창 작품(미사, 세속 작품)에서 연주합니다. 오페라와 발레에서 오케스트라는 각각 가수와 댄서를 동반하고 오케스트라가 연주하는 멜로디가 중심이 되는 서곡과 인터럽트를 연주합니다.

퍼포먼스

바로크 시대에, 오케스트라들은 귀족들의 훌륭한 집, 오페라 홀과 교회를 포함한 다양한 장소에서 공연했습니다. 일부 부유한 귀족들은 그들과 손님들을 공연으로 즐겁게 하기 위해 그들의 영지에 관현악단을 두었습니다. 클래식 시대 동안, 작곡가들이 일반 대중들로부터 재정적인 지원을 점점 더 구하면서, 음악 애호가들이 오케스트라를 듣기 위해 표를 살 수 있는 공공 콘서트 홀에서 오케스트라 콘서트가 점점 더 많이 열렸습니다. 클래식 시대 동안 오케스트라의 귀족적 후원은 계속되었지만, 이것은 대중 음악회와 함께 계속되었습니다. 20세기와 21세기에 오케스트라는 정부라는 새로운 후원자를 발견했습니다. 북미와 유럽의 많은 오케스트라들은 국가, 지역 단위의 정부(예: 미국의 주 정부) 또는 도시 정부로부터 자금의 일부를 받습니다. 이러한 정부 보조금은 티켓 판매, 자선 기부(오케스트라가 자선 단체로 등록된 경우) 및 기타 모금 활동과 함께 오케스트라 수입의 일부를 구성합니다. 음향 녹음, 라디오 방송, 텔레비전 방송 및 인터넷 기반 스트리밍과 콘서트 비디오 다운로드를 포함한 연속적인 기술의 발명으로 오케스트라는 새로운 수익원을 찾을 수 있었습니다.

성능상의 문제

가짜

주 기사: 가짜 (서양 고전 음악)

"관현악 연주에서 언급할 수 없는 위대한 [주제] 중 하나는 "페이킹"입니다. 이 과정은 관현악 연주자가 모든 음을 쓰여진 대로 연주한다는 잘못된 "... 인상"을 주는 과정으로, 일반적으로 인쇄된 음악 부분에 있는 음을 실제로 연주하지 않으면서 매우 높거나 매우 빠른 매우 도전적인 경로에 대해 수행됩니다.[24] 스트라드(The Strad)의 한 기사는 모든 관현악 연주자들, 심지어 최고의 관현악 연주자들조차도 때때로 특정한 구절을 가짜로 만든다고 말합니다.[24] 음악가들이 가짜를 만드는 한 가지 이유는 리허설이 충분하지 않기 때문입니다.[24] 또 다른 요인은 20세기와 21세기 현대 작품의 극단적인 도전입니다. 일부 전문가들은 "일부 현대 작품의 10%에서 거의 90%에 이르는 모든 것에서 가짜"가 필요하다고 말했습니다.[24] 인터뷰에 응한 프로 연주자들은 악기에 맞는 부분이 잘 안 적혀 있을 때는 가짜로 해도 괜찮겠지만, '연습을 안 했다고 해서' 가짜로 해도 안 된다는 공감대가 형성되어 있었습니다.[24]

반혁명

초기 음악 운동의 출현과 함께, 연주에 대한 오래된 논문의 연구에서 파생된 스타일로 연주자들이 작품의 실행을 위해 일하는 더 작은 오케스트라들이 흔해졌습니다. 계몽시대의 오케스트라, 로저 노링턴 경의 지휘 하에 런던 클래식 연주자들, 크리스토퍼 호그우드가 지휘하는 고대 음악 아카데미 등이 이에 해당합니다.[citation needed]

미국의 최근 동향

미국에서는 20세기 후반 오케스트라에 대한 자금과 지원의 위기를 겪었습니다. 후원자들의 근거지 크기에 비해 교향악단의 규모와 비용은 기관의 핵심을 찌르는 이슈가 되었습니다. 객석을 가득 채울 수 있는 오케스트라는 거의 없었고, 개별 이벤트를 위해 임시로 티켓을 구매하는 청취자들이 점점 더 많아지면서, 오랜 시간 동안 유지된 시즌 구독 시스템은 점점 더 시대착오적이 되었습니다. 관현악 기부금과 미국 오케스트라의 일상적인 운영에 더 중점을 둔 관현악 기부자들은 투자 포트폴리오가 축소되거나 수익률이 낮아져 기부자들의 기부 능력이 감소하는 것을 목격했습니다. 게다가 기부자들은 다른 사회적 원인을 더 매력적으로 여기는 경향이 있었습니다. 정부 자금은 유럽 오케스트라보다 미국에 덜 집중되어 있지만, 그러한 자금의 삭감은 여전히 미국 앙상블에게 중요합니다. 마침내 음반 산업 자체의 변화와 관련된 음반 수익의 급격한 감소는 아직 결론에 도달하지 못한 변화의 시기를 시작했습니다.[citation needed]

미국의 11장 파산 관현악단으로는 필라델피아 오케스트라(2011.4.), 루이빌 오케스트라(2010.12.)가 있으며, 7장 파산으로 운영을 중단한 오케스트라로는 2006년 노스웨스트 체임버 오케스트라, 2011.3. 호놀룰루 오케스트라, 2011년 4월 뉴멕시코 심포니 오케스트라, 2011년 6월 시라큐스 심포니. 플로리다 올랜도에서 열린 오케스트라 페스티벌은 2011년 3월 말에 중단되었습니다.

주목과 비판을 받은 재정적 어려움의 한 원인은 미국 오케스트라의 음악 감독들의 높은 연봉이었고,[25] 이로 인해 최근 몇 년 동안 유명 지휘자들이 급여 삭감을 단행했습니다.[26][27][28] 마이클 틸슨 토마스(Michael Tilson Thomas)와 에사 페카 살로넨(Esa-Pekka Salonen)과 같은 음악 행정가들은 새로운 음악, 그것을 선보이는 새로운 수단, 그리고 지역 사회와의 새로운 관계가 교향악단에 활력을 불어넣을 수 있다고 주장했습니다. 미국 평론가 그레그 샌도우는 오케스트라가 대중문화에 몰입한 21세기 관객들의 기대에 부응하기 위해 음악, 공연, 콘서트 경험, 마케팅, 홍보, 지역사회 참여, 프레젠테이션에 대한 접근법을 수정해야 한다고 상세하게 주장했습니다.

현대 작곡가들이 원하는 효과를 얻기 위해 다양한 신시사이저를 포함한 파격적인 악기를 사용하는 것은 드문 일이 아닙니다. 그러나 많은 사람들이 색과 깊이에 대한 더 나은 가능성을 제공하기 위해 더 전통적인 관현악 구성을 찾습니다. 존 애덤스와 같은 작곡가들은 종종 중국의 닉슨 오페라에서처럼 낭만적인 규모의 오케스트라를 사용합니다. 필립 글래스와 다른 사람들은 더 자유로울 수 있지만 여전히 크기의 경계를 확인합니다. 특히 글래스는 최근 첼로와 오케스트라를 위한 협주곡과 바이올린 협주곡 2번과 같은 작품에서 전통적인 오케스트라로 눈을 돌리고 있습니다.

재원 감소와 함께 일부 미국 오케스트라는 전체 인원은 물론 공연에 출연하는 연주자 수를 줄였습니다. 일반적으로 여러 명의 플레이어가 동일한 파트에서 플레이하기 때문에 성능이 저하된 숫자는 일반적으로 스트링 섹션에 국한됩니다.[citation needed]

지휘자의 역할

주기사 : 전도
대만 타이베이에서 NTNU 심포니 오케스트라 지휘하는 Apo Hsu

지휘는 오케스트라 또는 합창 콘서트와 같은 음악 공연을 지휘하는 예술입니다. 지휘자의 주요 임무는 템포를 정하고, 앙상블의 다양한 구성원들이 정확한 입력을 보장하며, 적절한 경우 표현을 "형성"하는 것입니다.[3] 지휘자는 그들의 생각과 해석을 전달하기 위해, 보통 (반드시 그렇지는 않지만) 손동작을 통해 그들의 음악가들과 소통하고, 관련 연주자들과의 눈맞춤과 같은 다른 몸짓이나 신호를 사용할 수 있습니다.[29] 지휘자의 지시는 거의 항상 공연 전 리허설에서 그들의 음악가들에게 구두 지시나 제안에 의해 보충되거나 강화될 것입니다.[29]

지휘자는 일반적으로 모든 악기와 목소리에 대한 음악 표기를 포함하는 전체 악보를 위한 큰 스탠드가 있는 높은 단상에 섭니다. 18세기 중반 이후 대부분의 지휘자들은 지휘할 때 악기를 연주하지 않았지만,[citation needed] 클래식 음악 역사 초기에는 악기를 연주하면서 합주단을 이끄는 것이 일반적이었습니다. 1600년대부터 1750년대까지의 바로크 음악에서, 이 그룹은 일반적으로 하프시코드 연주자 또는 제1바이올린 (콘서트마스터 참조)에 의해 이끌어지는데, 이 접근법은 현대에 이 시기부터 음악을 위한 여러 음악 감독들에 의해 부활되었습니다. 피아노나 신시사이저를 연주하면서 지휘하는 것도 뮤지컬 극장 피트 오케스트라와 함께 할 수 있습니다. 커뮤니케이션은 일반적으로 공연 중에 비언어적으로 이루어집니다(예술 음악에서는 엄격하게 그러하지만 재즈 빅 밴드나 큰 팝 앙상블에서는 "카운트 인"과 같은 때때로 말하는 지시가 있을 수 있습니다). 그러나 리허설에서 잦은 중단은 지휘자가 음악이 어떻게 재생되거나 노래되어야 하는지에 대해 구두로 지시할 수 있게 합니다.

지휘자는 자신이 지휘하는 오케스트라나 합창단의 가이드 역할을 합니다. 그들은 공연될 작품들을 선택하고, 그들의 악보들을 연구하고, 그들은 일정한 조정(예를 들어, 템포, 아티큘레이션, 표현, 섹션의 반복 등)을 할 수 있고, 그들의 해석을 실행하고, 그들의 비전을 연주자들에게 전달할 수 있습니다. 그들은 또한 리허설 [30]스케줄을 정하고, 콘서트 시즌을 계획하고, 오디션을 듣고 멤버를 선발하고, 미디어에서 그들의 앙상블을 홍보하는 것과 같은 조직적인 문제에 참석할 수 있습니다. 오케스트라, 합창단, 콘서트 밴드 및 빅 밴드와 같은 기타 상당한 규모의 음악 앙상블은 보통 지휘자가 주도합니다.

지휘자 없는 오케스트라

메인 기사: 무지휘 오케스트라

바로크 음악 시대 (1600–1750)에, 대부분의 오케스트라들은 음악가들 중 한 명에 의해 이끌어졌습니다, 보통 콘서트마스터라고 불리는 주요 제1바이올린. 콘서트 마스터는 리드미컬한 방식으로 활을 들어 올리며 곡의 템포를 이끌었습니다. 리더십은 대부분의 바로크 기악 합주곡의 핵심인 바소 콘티뉴오 파트를 연주하는 코드 연주자들 중 한 명에 의해 제공될 수도 있습니다. 일반적으로 하프시코드 연주자, 파이프 오르가니스트 또는 루티스트 또는 오르보 연주자입니다. 키보드 연주자는 자신의 머리로 합주단을 이끌거나 키보드에서 한 손을 떼서 더 어려운 템포 변화를 이끌 수 있습니다. 루테니스트나 오르보 연주자는 악기의 목을 위 아래로 들어 올려 작품의 템포를 나타내거나 종지나 종지 중에 리타드를 이끌 수 있습니다. 합창단과 기악 합주단을 합주한 일부 작품에서는 두 명의 지도자가 사용되기도 했습니다. 기악 연주자들을 이끌 콘서트 마스터와 가수들을 이끌 코드 연주자. 고전 음악 시기 c.(1720–1800) 동안, 바소 콘티뉴오를 연주하기 위해 현악기를 사용하는 관습은 점차 사라졌고, 그것은 1800년까지 완전히 사라졌습니다. 대신, 앙상블들은 오케스트라의 템포와 연주 스타일을 이끌기 위해 지휘자를 사용하기 시작했고, 반면에, 콘서트마스터는 음악가들, 특히 콘서트마스터의 활치기와 연주 스타일을 모방하는 현악기 연주자들을 위해 다양한 현악기가 가능한 정도로 추가적인 리더 역할을 했습니다.

1922년, 지휘자가 없는 오케스트라에 대한 생각이 혁명 이후의 소련에서 부활했습니다. 심포니 오케스트라 퍼시팬스는 지휘자 없이 결성되었는데, 이는 설립자들이 합주단이 모든 사람이 평등한 이상적인 마르크스주의 국가를 모델로 삼아야 한다고 믿었기 때문입니다. 그래서, 그 구성원들은 지휘자의 독재적인 지휘봉에 이끌릴 필요가 없다고 느꼈습니다. 대신 그들은 템포와 연주 스타일을 결정하는 위원회에 의해 이끌려졌습니다. 소련 내에서 부분적인 성공을 거두기는 했지만, 그 개념의 주된 어려움은 공연 중에 템포를 바꾸는 것이었습니다. 왜냐하면 위원회가 템포 변경이 어디에서 이루어져야 하는지에 대한 법령을 발표했더라도 이 템포 변경을 지도할 지도자가 앙상블에 없었기 때문입니다. 이 오케스트라는 스탈린의 문화 정치가 자금을 빼앗아 해체하기 전까지 10년 동안 살아남았습니다.[31]

서양에서는, 뉴욕에 기반을 둔 오르페우스 챔버 오케스트라와 같은 몇몇 앙상블은 지휘자가 없는 오케스트라와 함께 더 많은 성공을 거두었지만, 결정은 앙상블 내의 어떤 리더십(예를 들어, 주현악 연주자, 특히 콘서트 마스터)으로 미뤄질 가능성이 있습니다. 다른 사람들은 주요 연주자, 보통 바이올리니스트의 전통으로 돌아가, 예술 감독을 맡고 리허설과 선도적인 콘서트를 운영하고 있습니다. 그 예로 호주 체임버 오케스트라, 암스테르담 신포니에타 & 칸디다 톰슨 그리고 뉴 센추리 체임버 오케스트라가 있습니다. 또한, 초기 음악 운동의 일환으로, 일부 20세기와 21세기 오케스트라들은 바로크 작품들을 위해 지휘자가 없는 바로크 관행을 부활시켰고, 지휘자나 화음을 연주하는 바소 컨티뉴오 연주자(예: 하프시코드 또는 오르간)를 사용하여 그룹을 이끌었습니다.

다중 도체

무대 밖 악기

어떤 오케스트라 작품들은 무대 밖의 트럼펫을 사용하거나 오케스트라의 다른 악기들이 무대 밖이나 무대 뒤에 배치되어 유령 같은 신비로운 효과를 만들어 내야 한다고 명시합니다. 무대 밖의 악기 연주자가 제 시간에 연주할 수 있도록 하기 위해 때때로 부지휘자가 주지휘자의 시야가 명확한 무대 밖에 배치됩니다. 그 예로는 구스타프 홀스트의 "행성"에 나오는 "넵튠"의 결말이 있습니다. 수석 지휘자는 큰 오케스트라를 이끌고, 부지휘자는 수석 지휘자의 템포와 몸짓을 무대 밖 음악가(또는 음악가)에게 전달합니다. 두 개의 도체를 사용하는 데 있어 어려움 중 하나는 두 번째 도체가 주 도체와 동기화되지 않거나 주 도체의 제스처를 잘못 전달(또는 오해)하여 무대 밖 악기의 시간이 부족해질 수 있다는 것입니다. 20세기 후반과 21세기 초에는 두 대의 지휘자를 사용하는 대신 주 지휘자를 가리키는 비디오 카메라와 무대 밖 연주자들 앞에 설치된 폐쇄회로 TV를 사용하는 오케스트라도 있습니다.

현대음악

폴리스타일리즘과 폴리템포[32] 음악의 기술은 몇몇 20세기와 21세기 작곡가들이 여러 오케스트라나 앙상블이 동시에 연주하는 음악을 작곡하도록 이끌었습니다. 이러한 경향은 별개의 부도체가 각 그룹의 음악가를 지휘하는 다도체 음악의 현상을 가져왔습니다. 보통 한 명의 주도체가 부도체를 지휘하여 전체적인 성능을 형성합니다. 3명의 지휘자를 포함한 퍼시 그레인저의 "전사들"에서: 오케스트라의 1차 지휘자, 무대 밖의 금관 합주를 지휘하는 2차 지휘자, 타악기와 하프를 지휘하는 3차 지휘자. 세기 후반 관현악 음악의 한 예는 청중 주위에 배치된 세 개의 관현악을 위한 카를하인츠 슈토크하우젠의 그루펜입니다. 이렇게 하면 전기 음향 작업에서와 같이 "음량 덩어리"를 공간화할 수 있습니다. 그루펜은 1958년 쾰른에서 슈토크하우젠, 브루노 마데르나, 피에르 불레즈에 의해 초연되었습니다. 1996년 사이먼 래틀, 존 케어, 다니엘 하딩이 공연한 적이 있습니다.[33]

참고 항목

메모들

  1. ^ 그들의 망치 동작 때문에, 피아노와 첼레스타는 타악기 ("음역 타악기")에, 하프, 하프시코드, 기타는 현악기에, 파이프 오르간은 목관 악기에 종종 포함됩니다. 하프는 적어도 낭만주의 시대의 음악을 위해 현대 오케스트라에 정기적으로 포함되는 유일한 악기입니다. 피아노는 일반적으로 팝 오케스트라의 일부이고 하프시코드는 일반적으로 바로크 실내 오케스트라에 포함됩니다.
  2. ^ 심포니 오케스트라와 필하모닉 오케스트라를 같은 지역에 있는 두 오케스트라를 구별하기 위해 사용하는 현재의 사용은 단어의 의미가 가지고 있었던 이전의 차이점을 지워줍니다. 오케스트라 유형에 대한 두 가지 이름이 동일합니다.[2]

참고문헌

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외부 링크

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