심포니

Symphony
이 기사는 확장된 음악 구성의 종류에 관한 것이다.일반적으로 이러한 작곡을 연주하는 대규모 앙상블에 대해서는 오케스트라를 참조하십시오.
기타 용도는 심포니(동음이의)를 참조하십시오.
Heinz Walter Florin 지휘의 Shinfonieorchester Wuppertal [de]의 쾰너 필하모니에서의 구스타프 말러의 8번 교향곡 연주

교향곡은 서양 고전 음악에서 확장된 음악 작곡으로, 대부분 오케스트라를 위한 것이다.비록 이 용어는 고대 그리스 시대의 기원에서 많은 의미를 가지고 있지만, 18세기 후반까지 이 단어는 오늘날 일반적인 의미를 지니게 되었다: 보통 소나타 형식의 첫 악장과 함께 여러 개의 뚜렷한 부분이나 악장으로 구성된 작품, 종종 네 개의 악장으로 이루어져 있다.교향곡은 현악기 섹션(바이올린, 비올라, 첼로, 더블베이스), 금관악기, 목관악기, 타악기 등으로 구성된 오케스트라에서 거의 항상 연주된다.교향곡은 모든 악기 파트가 포함된 악보로 표기됩니다.오케스트라 음악가들은 그들 자신의 악기로만 알려진 음악을 포함하는 부분부터 연주한다.일부 교향곡은 또한 성악 파트를 포함합니다(예: 베토벤의 9번 교향곡).

어원과 기원

심포니라는 단어는 "소리의 합의 또는 일치", "성악 또는 기악의 콘서트"를 뜻하는 그리스어 μμμαα(심포니아), "화합"에서 유래했다.[1]그 단어는 궁극적으로 음악 형식을 의미하는 현재의 의미에 정착하기 전에 다양한 개념들을 언급했습니다.

후기 그리스와 중세 이론에서, 이 단어는 "불협화음"[2]을 의미하는 단어였던 δααδα(디아포니아)와는 달리 자음을 의미했다.중세 이후, 라틴어 형태의 심포니아는 다양한 악기, 특히 두 개 이상의 소리를 동시에 [2]낼 수 있는 악기들을 묘사하는데 사용되었다.세비야의 이시도레는 두 개의 머리를[citation needed] 가진 드럼의 이름으로 심포니아라는 단어를 처음 사용했고, 1155년부터 1377년까지 프랑스 형식의 심포니는 오르간 연주자 또는 허디거디의 이름이었다.중세 후반 영국에서는 심포니가 이 두 가지 의미로 사용되었지만 16세기에는 덜시머와 동일시 되었다.독일어로 심포니는 16세기 [3]후반부터 18세기까지 스피닛과 버지널의 총칭이었다.

'함께 울려 퍼진다'는 의미에서 이 단어는 16세기, 17세기 작곡가 조반니 가브리엘리의 '사크라에 심포니아에'와 1597년과 1615년에 각각 출판된 '리베르세쿤두스' 심포니아에 심포니아에 심포니아에 심포니아에 심포니아에 각각 1597년과 1615년에 출판된 작품 제목에 등장하기 시작한다.ntare, Op. 16은 1607년에 출판되었고, Lodovico Grossi da Viadana의 Sinfonie musicali, Op. 18은 1610년에 출판되었으며, 하인리히 쉬츠의 Symphoniae sacrae, Op. 6와 Symphoniarum secunda, Op. 10은 각각 1629와 1647년에 출판되었습니다.순수하게 기악적이고 세속적인 음악을 담고 있는 비아다나의 컬렉션을 제외하고, 이것들은 모두 신성한 성악 작품들이었고, 일부는 기악 [4][5]반주가 포함되어 있었다.

바로크 시대

17세기, 바로크 시대의 대부분에서, 교향곡과 신포니아라는 용어는 오페라, 소나타, 협주곡에 사용되는 기악곡을 포함한 다양한 작곡에 사용되었는데, 이는 대개 더 큰 작품의 일부였다.오페라 신포니아, 즉 이탈리아 서곡은 18세기에 이르러 세 가지 대조적인 악장의 표준 구조를 갖게 되었다: 빠른, 느린, 빠른, 그리고 춤과 같은.그것은 종종 오케스트라 교향곡의 직접적인 전조로 여겨지는 형태이다."오버튜어", "심포니" 그리고 "신포니아"라는 용어는 18세기 [5]대부분에서 교환 가능한 것으로 널리 여겨졌다.

17세기에는 19세기부터 현재까지의 관행처럼 어떤 악기가 어떤 부분을 연주하는지 정확히 알 수 없었다.17세기 작곡가들이 작품을 썼을 때, 그들은 이 작품들이 가능한 어떤 그룹의 음악가들에 의해 연주될 것이라고 기대했다.예를 들어, 19세기 작품에서 베이스라인은 첼로, 더블베이스 및 기타 특정 악기에 대해 점수가 매겨진 반면, 17세기 작품에서는 신포니아에 대한 바소 콘티뉴오 파트가 어떤 악기가 그 역할을 할 것인지 명시하지 않을 것이다.이 곡의 공연은 첼로와 하프시코드 하나만큼 작은 바소 콘티뉴오 그룹과 함께 할 수 있다.그러나 공연에 더 많은 예산이 있고 더 큰 소리가 필요한 경우, 바소 콘티뉴오 그룹은 여러 개의 코드 연주 악기(합시코드, 루트 등)와 첼로, 더블 베이스, 베이스 비올, 심지어 초기 베이스 관악기인 스펜트를 포함한 다양한 베이스 악기를 포함할 수 있다.

갈란트 시대와 고전 시대

LaRue, Bonds, Walsh, Wilson은 The New Grove Dictionary of Music and Musicians의 제2판에 "교향곡은 [6]18세기에 비상한 강도로 발전되었다"고 쓰고 있다.그것은 교회 [7]예배를 포함한 공공 생활의 많은 부분에서 역할을 했지만, 특히 심포닉 공연에 대한 강한 지지 영역은 귀족이었다.아마도 유럽에서 교향곡 작곡을 위한 가장 중요한 장소인 비엔나에서, "문자 그대로 수백 명의 귀족 가문들이 빈과 그들의 조상 소유지로 그들의 시간을 나누면서 음악 시설을 지지했다."[8] 그 당시 오케스트라의 일반적인 규모는 매우 작았기 때문에, 이러한 궁정적인 시설들 중 많은 수가 교향곡을 연주할 수 있었다.1757년 Morzin 일가를 위해 음악감독으로서의 첫 직업을 가진 젊은 Joseph Haydn은 Morzin 일가가 비엔나에 있을 때, 그의 오케스트라는 그들 자신의 앙상블과 [9]함께 콘서트를 후원하는 활기차고 경쟁적인 음악 장면의 일부에 불과하다는 것을 알게 되었다.

LaRue, Bonds, Walsh, Wilson의 글은 18세기에 [10]걸쳐 교향악단의 점진적인 확장을 추적한다.처음에, 교향곡은 현악 교향곡이었고, 단 네 부분으로 쓰여졌다: 제1 바이올린, 제2 바이올린, 비올라, 그리고 베이스 (베이스 라인은 첼로, 더블 베이스는 옥타브 아래 부분을 연주하고, 아마도 바순도 연주했다).때때로 초기 교향곡 연주자들은 비올라 파트를 생략하여 3부로 구성된 교향곡을 만들었다.하프시코드나 다른 현악기와 함께 바순을 포함한 바소 연속부도 [10]가능했다.

이 단순한 앙상블에 처음 추가된 것은 뿔 한 쌍, 때때로 오보에 한 쌍, 그리고 두 개의 뿔과 오보에가 함께 있었다.세기에 걸쳐 다른 악기들이 클래식 오케스트라에 추가되었다: 플루트, 바순, 클라리넷, 그리고 트럼펫과 팀파니.작품들은 이러한 추가 악기 중 어떤 악기가 등장할 것인가에 대한 채점에 있어서 다양했다.이번 세기 말에 가장 큰 규모의 교향곡을 위해 배치된 이 본격적인 클래식 오케스트라는 위에서 언급한 표준 현악 합주단, 바람(플루트, 오보, 클라리넷, 바순), 호른 한 쌍, 팀파니를 가지고 있다.키보드 콘티뉴오 악기(합시코드 또는 피아노)는 여전히 선택 사항이었다.

종종 오페라 하우스에서 서곡과 엔트락테로 사용되는 "이탈리아" 스타일의 교향곡은 표준적인 3악장이 되었다: 빠른 악장, 느린 악장, 그리고 또 다른 빠른 악장.18세기에는 다음 단락에서 설명하는 선에 따라 4악장 [11]교향곡을 작곡하는 것이 관습이 되었다.3악장 교향곡은 천천히 사라졌습니다; 하이든의 첫 30개 교향곡 중 절반 정도가 3악장으로 [12]되어 있습니다; 그리고 젊은 모차르트에겐, 아마도 그의 친구 요한 크리스티안 [13]바흐의 영향 아래, 3악장 교향곡이 표준이었습니다.세 악장으로 구성된 고전 교향곡의 두드러진 후기 사례는 1786년에 작곡된 모차르트의 프라하 교향곡이다.

이 진화에서 나타난 4개의 이동 형태는 다음과 같다.[14][15]

  1. 오프닝 소나타 또는 알레그로
  2. 안단테와 같은 느린 움직임
  3. 3인조가 있는 미뉴에트 또는 체르조
  4. 알레그로, 론도 또는 소나타

중간 악장의 순서를 바꾸거나 첫 악장에 느린 서론을 추가하는 등 이 레이아웃의 변형이 흔했다.하이든, 모차르트 그리고 그들의 동시대인들은 베토벤 솔로 소나타는 종종 3악장만큼 4악장으로 [16]작곡되기 때문에 4악장 형식을 관현악이나 4악장과 같은 멀티 악기 실내 음악으로 제한했다.

초기 교향곡의 구성은 밀라노, 비엔나, 만하임을 중심으로 이루어졌다.밀라노 학교는 조반니 바티스타 삼마르티니를 중심으로 안토니오 브리오스키, 페르디난도 갈림베르티, 조반니 바티스타 람푸그나니를 포함했다.비엔나에서 이 형식의 초기 주창자들은 게오르크 크리스토프 바겐실, 웬젤 라이문드 비르크, 게오르크 마티아스 몬을 포함했고, 후에 유명한 빈 작곡가들에는 요한 침례교향곡 완할, 칼 디터스 폰 디터스도르프, 레오폴트 호프만이 포함되었습니다.만하임 학파에는 요한 스타미츠가 [17]있었다.

18세기 후반의 가장 중요한 교향곡 연주자는 36년 [18]동안 최소 106개의 교향곡을 작곡한 하이든과 24년 [19]동안 최소 47개의 교향곡을 작곡한 모차르트이다.

낭만주의 시대

베토벤 교향곡 5번
제1악장:알레그로 콘 브리오
제2악장 : 안단테 콘 모토
제3악장: 셰르조알레그로
제4악장:알레그로
스키드모어 칼리지 오케스트라가 연주했습니다.음악 제공: Musopen
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19세기 초, 베토벤은 이 교향곡을 대량으로 생산되는 일상적인 장르에서 작곡가들이 단 몇 개의 [20]작품에서 최고의 잠재력에 도달하기 위해 노력하는 최고의 형태로 발전시켰다.베토벤은 그의 모델인 모차르트와 하이든을 직접 모방한 두 개의 작품으로 시작하였고, 그 후 장르의 범위와 야망을 확장한 제3교향곡 ("에로이카")을 시작으로 일곱 개의 교향곡을 더 만들었다.그의 교향곡 5번은 아마도 지금까지 작곡된 교향곡 중 가장 유명한 곡일 것이다; 감정적으로 폭풍우가 치는 C단조 오프닝 악장에서 승리의 장조의 마지막 악장으로의 전환은 브람스와 [citation needed]말러와 같은[21] 후대의 교향곡 연주자들이 채택한 모델을 제공했다.그의 교향곡 6번은 새 울음소리와 폭풍우의 악기적 모사를 특징으로 하는 프로그램적인 작품입니다; 그리고 관례에 어긋나지 않게, 제5악장 (대개 교향곡은 최대 4악장을 가지고 있습니다.)그의 교향곡 9번은 마지막 악장에 보컬 솔리스트와 합창단을 위한 파트가 포함되어 있어 합창 [22]교향곡이 된다.

슈베르트의 교향곡 중 두 곡은 레퍼토리의 핵심 품목으로 자주 연주된다.8번 교향곡(1822년) 중 슈베르트는 처음 두 악장만 완성했다. 이 매우 낭만적인 작품은 보통 "미완성"이라는 별명으로 불린다.그의 마지막 완성된 교향곡인 9번 (1826년)은 고전적 [23]관용어로 된 거대한 작품이다.

초기 낭만주의자들 중에서, 펠릭스 멘델스존과 로베르트 슈만은 그들만의 음악 언어를 사용했음에도 불구하고 고전적인 틀로 교향곡을 계속 썼다.이와는 대조적으로 베를리오즈는 그의 "극적 교향곡" 로메오 에 줄리엣, 비올라 교향곡 해롤드 엔 이탈리, 그리고 매우 독창적인 교향곡 판타지악 등 프로그램적인 작품들을 선호했다.후자는 또한 프로그램 작업이고 행진곡과 왈츠, 그리고 관례적인 4악장이 아닌 5악장이 있다.그의 네 번째이자 마지막 교향곡인 "그란데 교향곡"은 1840년 야외에서 연주될 200개의 행진 군악대를 위해 작곡되었으며 밴드 교향곡의 초기 사례이다.베를리오즈는 나중에 현악기 부분과 합창 [24]피날레를 추가했다.1851년, 리하르트 바그너는 이 모든 포스트 베트호벤 교향곡들이 실질적으로 새로운 것을 제공하지 않고 에필로그에 불과하다고 선언했다.사실, 슈만의 마지막 교향곡인 1850년에 작곡된 "레니쉬" 이후, 20년 동안 리스트 교향시는 대규모 기악곡의 주요 형태로서 교향곡을 대체한 것으로 보인다.그러나 리스트는 또한 이 시기에 두 개의 프로그램적인 합창 교향곡, 파우스트와 단테를 작곡했다.만약 그렇지 않았다면, 이 교향곡이 1870년대와 1880년대에 브루크너, 브람스, 차이코프스키, 생상스, 보로딘, 드보르작, 프랑크의 교향곡으로 "제2의 시대"에 다시 등장하기까지는 그리 오래 걸리지 않았다.ury.[20]

19세기 내내 작곡가들은 계속해서 교향악단의 크기를 늘렸다.세기 초에, 본격적인 오케스트라는 현악기 부분과 플루트, 오보, 클라리넷, 베이스순, 호른, 트럼펫, 그리고 마지막으로 팀파니 [25]세트로 구성되었다.예를 들어 베토벤 교향곡에 사용된 악보는 1, 2, 4, 7, 8번이었다.이전에는 교회와 연극 음악에만 국한되었던 트롬본이 교향악단에 추가되었고, 특히 베토벤의 5번, 6번, 9번 교향곡에 추가되었다.18세기 작곡가들이 소위 "터키 음악"에서 색채적 효과로 사용했던 베이스 드럼, 삼각형, 심벌즈(때로는: 피콜로)의 조합은 19세기 후반기에 그러한 장르의 [25]함축 없이 점점 더 많이 쓰이게 되었다.말러의 시대(아래 참조)까지, 작곡가는 "관현악기의 진정한 요약"[25]을 위한 교향곡을 작곡할 수 있었다.19세기 교향곡은 악기의 다양성뿐만 아니라 현악기 연주자와 관악기 파트로 점차 증가하여 콘서트홀이 [25]성장함에 따라 오케스트라의 수가 크게 증가하였다.

후기 낭만주의, 모더니즘 및 포스트모더니즘 시대

19세기 말, Gustav Mahler는 20세기 초까지 계속해서 작곡한 길고 큰 규모의 교향곡을 쓰기 시작했다.1896년에 완성된 그의 3번 교향곡은 대부분의 공연에서 약 100분 길이의 가장 긴 정규 공연 교향곡 중 하나이다.제8교향곡은 1906년에 작곡되었으며, 이 작품을 연주하는데 많은 수의 목소리가 필요하기 때문에 "천명의 교향곡"이라는 별명을 가지고 있다.

20세기는 작곡가들이 [26]교향곡이라고 부르는 작품의 스타일과 내용이 더욱 다양해졌다.드미트리 쇼스타코비치, 세르게이 라흐마니노프, 그리고 칼 닐슨을 포함한 몇몇 작곡가들은 전통적인 4악장 형태로 계속 작곡을 했고, 다른 작곡가들은 다른 접근법을 취했다: 그의 마지막인 장 시벨리우스의 교향곡 7번은 한 악장에 있고, 리하르트 스트라우스의 알파인 교향곡은 한 악장에 22개의 세부 악장으로 분할되었다.심지어 산을 통과하는 한 시간 동안의 하이킹과 앨런 호바네스의 교향곡 9번 세인트 바탄(원래 작품 80번)은 1949-50년에 작곡된 작품 180번으로 바뀌었다)[27]은 24번이다.

전통적인 4악장 교향곡을 하나의 형식적 개념으로 통일하는 것에 대한 우려는 19세기 말에 나타났다.이것은 "2차원 교향곡 형식"이라고 불리며, 1920년대에 쿠르트 바일의 제1악장 교향곡 (1921), 맥스 부팅의 교향곡 (25)을 포함한 다른 주목할 만한 독일 교향곡들이 뒤따랐던 아놀드 쇤베르크의 실내 교향곡 1번, Op.9(1909)에서 그 핵심 전환점을 찾는다.심포니[28]

이 실험과 함께, 다른 20세기 교향곡들은 형식과 심지어 음악 스타일 면에서 18세기 장르의 기원을 의도적으로 환기하려고 시도했는데, 1916-17년의 세르게이 프로코피예프의 교향곡 1번 "고전"과 1938-40년의 [29]이고르 스트라빈스키의 "교향곡 C"이 대표적이다.

하지만, 특정한 경향이 남아 있었다.작품을 심포니로 지정하는 것은 여전히 어느 정도의 정교함과 목적의 진지함을 암시한다.sinfonietta라는 단어는 오케스트라를 [30][31]위한 세르게이 프로코피예프의 Sinfonietta와 같이 교향곡보다 짧고, 더 작은 목적을 가진, 또는 "가벼운" 작품을 지정하기 위해 사용되었습니다.

세기 전반에는 에드워드 엘가, 구스타프 말러, 장 시벨리우스, 칼 닐슨, 이고르 스트라빈스키, 보후슬라프 마르티누스, 로저 세션스, 세르게이 프로코피예프, 루드 랑가르드, 드미트리 쇼스타코비치를 포함한 작곡가들이 "비범한 범위, 풍부한 독창성, 독창성"의 교향곡을 작곡했다.교향곡의 중요성에 대한 한 가지 척도는 그것이 창작된 시대에 특정한 시간적 형식의 개념을 반영하는 정도입니다.20세기 전반에 걸쳐 이 음을 충족시킨 다섯 명의 작곡가는 장 시벨리우스, 이고르 스트라빈스키, 루치아노 베리오, 엘리엇 카터, 그리고 펠레 구드문센-홀름그린이다.[33]

20세기 중반부터 21세기까지 많은 포스트모더니즘 작곡가들이 특히 영국에서 이 교향곡에 대한 관심이 되살아났다.피터 맥스웰 데이비스(10),[34] 로빈 할로우웨이([35]1), 데이비드 매튜스([36]9), 제임스 맥밀런([37]4), 피터 시보른([38]5), 필립 소이어스(3).[39]

콘서트 밴드의 교향곡

헥터 베를리오즈는 1840년 군악대를 위해 그란데 심포니 펑브르 트리오말레를 작곡했다.안톤 Reicha 큰 바람의 합주가 심지어 전에, 1815년에, 의식 루이 16세와 마리 Antoinette[40][더 나은 공급원이 필요하]의 reburial 하지만 선미와 관련한 그의four-movement 'Commemoration의 교향곡(또한Musique를 célébrer 르 Mémorie 데 그랑 Hommes로 의심 qui 알려진 sont Illustrés au 서비스 드 라 네이션 프랑세즈)작곡했다., f초기 노력 Er심포니는 지난 세기보다 더 많은 심포니가 콘서트 밴드를 위해 쓰여진 20세기까지 관악대를 위해 쓰여졌다.1932년부터 예시가 존재하지만,[41] 이러한 중요한 첫 번째 교향곡은 1939년에 작곡된 니콜라이 미아스코프스키의 교향곡 19번, 작품 46번이다.또 다른 예로는 1951년에 작곡된 폴 힌데미스의 밴드용 B플랫 교향곡, 1952년에 작곡된 모튼 굴드의 교향곡 4번 "웨스트 포인트", 1956년에 작곡된 빈센트 페르시케티의 교향곡 6번, 작품 69번, 비토리오 지안니니의 교향곡 3번, 1958년에 작곡된 알란 3번이 있다.14일"Mount아라라트 산", Op.194곳과 23번,"만화", Op.249,1958년부터, 1959년, 1961년고, 1972년의 각각 구성되어;[42]존 반스의 기회의 교향곡 2번, 1972년으로 구성되어, 알프레드 리드 씨가, 3,4,~52교향곡, 1979년, 1988,1992,1994년 각각으로 구성되어;8데이비드 Maslanka의 10번호 교향곡, 날짜에 b5개의 교향곡[43]줄리는 에스파냐Giroux(비록 현재는 sixth[44]에서 일하는 중이다.), 요한 드 Meij의 교향곡 제1"반지의 제왕", 1988년이고, 그의 교향곡 2번"빅 애플", 1993년으로 구성되어;Yasuhide 이토의 심포니 3장면에서, 1998년으로 구성되어, 군악대에 있어 그의 세번째 교향곡 비타 'La;JohnCorigliano의 교향곡 3번 'Circus 맥심.우리,2004년 작곡, 2014년과 [45]2015년에 작곡된 데니스 르빌랑의 파차마 심포니, 그리고 제임스 M.스티븐슨의 교향곡 2번은 미국 해병 밴드가 초연하고 전미악단협회의 윌리엄 D.를 받았다.리벨리(2017년)[46]와 미국 밴드마스터 협회의 수자/오스왈드(2018년)[47] 상.

"심포니"의 다른 현대적 사용법

영어의 종류에서, 단어"교향곡"또한 그의 오케스트라, 종종 이 작품들을 수행하는 큰 앙상블을 가리키는 데 사용된다.그 단어"교향곡" 많은 오케스트라의 이름, 예를 들어, 런던 교향악단, 보스턴 교향악단, 성에 나타납니다루이스 심포니, 휴스턴 심포니,이나 마이애미의 뉴월드 심포니.어떤 오케스트라의 경우,"(도시 이름)교향곡". 예를 들면, 옥스퍼드 영어 사전 밴쿠버 교향악단의 가능한 약식 형태로"밴쿠버 교향악단"을 준다 전체 이름의 더 짧은 버전을 제공합니다.[48][49]또한 흔히 사용된 사람 그들은 교향곡 공연하는 오케스트라는 프로그램에 없는 작품들에 대한 참조를 들어 보겠습니다라고 말할 수 있습니다.이 관용어 영국 영어에서 흔한 것은 아니다.

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레퍼런스

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원천

추가 정보

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