실험 음악

Experimental music
아방가르드 음악과 혼동하지 말 것.

실험음악은 기존의 경계와 장르 [1]정의를 밀어붙이는 음악이나 음악 장르의 총칭입니다.실험적인 작곡 연습은 음악에서 [2]제도화된 작곡, 연주 및 미적 관습에 근본적으로 반대되는 탐구적 감성에 의해 광범위하게 정의된다.실험음악의 요소는 작곡자가 작곡 또는 연주에 관해 우연 또는 예측 불가능한 요소를 도입하는 불확정음악을 포함한다.예술가들은 다른 스타일의 혼합물에 접근하거나 비정통적이고 독특한 요소를 [1]통합할 수도 있습니다.

이 관습은 20세기 중반, 특히 유럽과 북미에서 두드러졌다.존 케이지(John Cage)는 이 용어를 사용한 최초의 작곡가 중 한 명이자 실험 음악의 주요 혁신가 중 한 명으로, 불확정성 기법을 사용하고 알려지지 않은 결과를 추구했습니다.1953년 프랑스에서 피에르 쉐퍼는 테이프 음악, 음악 콩크레트, 그리고 엘렉트로니쉬 뮤식을 통합한 작곡 활동을 묘사하기 위해 음악 박람회라는 용어를 사용하기 시작했다.또한 미국에서는 1950년대 후반 레자렌 힐러와 같은 작곡가와 관련된 컴퓨터로 제어되는 구성을 설명하기 위해 상당히 뚜렷한 의미의 용어가 사용되었습니다.Harry Partch와 Ivor Darreg는 하모닉 음악의 물리적 법칙에 기초한 다른 조율 음계를 연구했습니다.이 음악을 위해 그들은 실험적인 악기 그룹을 개발했다.Musique Concréte(프랑스어, 문자 그대로 "콘크리트 음악")는 음향을 작곡 자원으로 사용하는 일렉트로 어쿠스틱 음악의 한 형태이다.자유 즉흥 연주 또는 자유 음악은 관련된 음악가의 취향이나 성향을 넘어서는 어떤 규칙도 없는 즉흥 음악이다. 많은 경우 음악가들은 진부한 표현, 즉 인식 가능한 음악 규칙이나 장르에 대한 언급을 피하려고 적극적으로 노력한다.

정의와 용도

오리진스

피에르 쉐퍼의 지도 아래 1953년 6월 8일부터 18일까지 실험음악의 제1차 국제 10년을 조직했다.이는 셰퍼의 독일 엘렉트로니쉬뮤직으로의 음악 동화를 되돌리려는 시도였던 것으로 보이며, 대신 엘렉트로니쉬뮤직, 테이프음악, 월드뮤직 등을 루빅한 "뮤직 익스피리언탈"[3] 아래에 포함시키려 했다.셰퍼의 선언문[4] 출판은 4년 정도 늦춰졌고, 그 무렵 셰퍼는 "음악 박람회"[5][6]를 완전히 포기하지는 않았지만 "음악 연구"라는 용어를 선호했다.

존 케이지 또한 1955년 초에 이 용어를 사용했다.케이지의 정의에 따르면, "실험적인 행동은 결과가 예측되지 않는 것"[7]이며, 그는 특히 예측 불가능한 [8]행동을 하는 완성된 작품에 관심이 있었다.독일에서는 1954년 8월 13일 볼프강 에드워드 레브너가 다름슈타트 페리엔쿠르세에서 행한 "Amerikanische Experimentalmusik"이라는 제목의 강연에서 케이지의 기사가 발표될 것으로 몇 달 전에 발표되었다.레브너의 강의는 구성 [9]방법보다는 소리 자체에 중점을 두었기 때문에 찰스 아이브스, 에드가드 바레스, 헨리 코웰과 함께 시간을 거슬러 올라가 개념을 확장했습니다.

대체 분류

Composer이자 비평가 마이클 Nyman 케이지의 definition,[10]고 다른 미국 작곡가의 일을 기술하는 용어를"실험"을 개발하고 시작한다(크리스티안 볼프, 얼 브라운, 메레디스 몽크, 말콤 골드스타인 펠드먼, 테리는 라일리, 라 몬테 영, 필립 글래스, 스티브 라이히, 등)뿐만 아니라 개빈 브라이얼, Joh와 같은 작곡가들.n칼슘레, 이치야나기 토시, 코넬리우스 카듀, 존 틸버리, 프레데릭 르제프스키, 키스 [11]로에.나이만은 "작곡의 정체성이 가장 중요한"[12] 유럽의 아방가르드(Boulez, Kagel, Xenakis, Birtwistle, Berio, Stockhausen, and Bussoti)에 대한 실험적인 음악을 반대한다.앞의 사례에서 "실험적"이라는 단어는 "성공과 실패의 관점에서 나중에 판단해야 할 행위를 기술하는 것이 아니라 단순히 결과를 알 [13]수 없는 행위를 기술하는 것으로 이해된다면 적절하다."

데이비드 코프는 또한 실험음악을 "현상을 받아들이는 것을 거부한다"[14]고 묘사하면서 실험음악과 아방가드를 구분한다.데이비드 니콜스 역시 "...매우 일반적으로 아방가르드 음악은 전통 안에서 극단적인 위치를 차지하고 있는 것으로 볼 수 있지만 실험적인 음악은 그 밖에 있다"[15]고 말하며 이러한 구별을 짓는다.

Warren Burt는 "최첨단 기술과 특정한 탐색적 태도의 결합"으로서 실험 음악은 "카게이아의 영향과 낮은 기술, 즉흥성, 건전한 시, 언어학 및 새로운 악기로 작업"과 같은 분야를 포괄하는 광범위하고 포괄적인 정의를 필요로 한다고 경고합니다.특히 이러한 활동이 '우리는 아직 좋아하지 않는다'는 음악들을 '문제 추구 환경'에서 찾기 위해 이루어지는 경우 [Herbert Brün을 인용하는 크리스 만].[16]

벤자민 피에쿠트는 이러한 "실험주의에 대한 합의된 견해"는 "애초에 어떻게 이 작곡가들이 함께 모였는가, 그들이 이제 서술의 대상이 될 수 있는가?"라는 질문을 하기 보다는 선험적 "집단화"에 기초하고 있다고 주장한다.즉, "대부분 실험 음악 연구는 실제로 설명하지 않고 범주를 기술합니다."[17]그래서"실험 주의는 미리 범주를 가정한 설명으로 생각으로 한 그는 데이비드 니콜스의 작품 에이미 Beal,[18], 특히, 그리고 그들의 일이"학력이 마크 실험 주의 근본적인 존재론에 대한 변화는에서 표상 주의에 performativity"에서 끝나고 칭찬할 만한 예외를 발견한다. 지수 함수라인은 형이상학에서의 연습이지 존재론이 아니다.[19]

레너드 B. 반면, 마이어는 "실험적인 음악" 아래 베리오, 불레즈, 스톡하우젠과 같은 "실험적인 음악" 작곡가들과 "전체적인 연속주의"[20] 기법들을 포함하고 있으며, "단일적이거나 심지어 뛰어난 실험적인 음악은 없으며, 오히려 다양한 방법들과 종류들이 많다"고 주장한다.[21]

중단임계항

1950년대에 "실험적"이라는 용어는 "엔지니어 아트", "원자의 음악적 분할", "연금술사의 부엌", "아토날", "시리얼"과 같은 많은 다른 단어들과 함께 보수적인 음악 비평가들에 의해 종종 "중절적 개념"으로 간주되었지만,[22] 그들은 "상관적 개념"으로 간주되지 않았다.이것은 기존의 [23]관습에 맞지 않는 다양한 종류의 음악을 경시하고 무시하려는 시도였다.1955년, 피에르 불레즈는 이것을 "실험실에 한정하는 것을 가능하게 하는 새로운 정의"라고 규정했는데, 이것은 용인되지만 검사 대상이 되고, 모든 음악적 도덕성을 타락시키려는 시도이다.일단 위험에 한계를 두고 나면 좋은 타조는 다시 잠을 자고 일어나 실험으로 인한 주기적인 파괴의 쓰라린 사실을 받아들여야 할 때 분노로 발을 동동 구릅니다.그는 "실험적인 음악 같은 것은 없지만... 불임과 발명 사이에는 매우 현실적인 차이가 있다"[24]고 결론지었다.

1960년대부터, "실험 음악"은 근본적으로 혁신적이고 "외계인" 작곡가들로 구성된 느슨하게 식별된 그룹을 합법화하는 것을 돕기 위해 역사적 범주를 확립하기 위해 거의 반대의 목적으로 미국에서 사용되기 시작했다.이것이 학계에서 어떤 성공을 거두었든 간에, 이 장르를 구축하려는 시도는 메츠거가 지적한 의미 없는 이름 부르기만큼이나 실패적이었다. 왜냐하면 "장르" 자체의 정의에 따르면, 그것이 포함하는 작품은 "극적으로 다르고 매우 개인주의적"[25]이기 때문이다.그러므로 그것은 장르가 아니라 열린 범주인데, "현상을 분류할 수 없고 (종종) 실험 음악처럼 이해하기 어려운 것으로 분류하려는 어떠한 [26]시도도 부분적이어야 하기 때문이다.게다가, 공연의 특징적인 불확정성은 "같은 곡의 두 버전이 공통적으로 인지할 수 있는 음악적 사실"[27]을 사실상 가지지 않을 것을 보장한다.

컴퓨터 구성

주요 기사:컴퓨터 음악

1950년대 후반, 레자렌 힐러와 L. M. 아이작슨은 확립된 음악 기법에 기초하여 새로운 작곡에 대한 예측을 하는 "실험"[28]이라는 과학적인 의미에서 컴퓨터 제어 작곡과 관련하여 이 용어를 사용했다."실험 음악"이라는 용어는 전자 음악, 특히 프랑스의 [29]샤퍼와 헨리의 초기 음악 작품에서 동시에 사용되었다.다운타운 음악과 더 일반적으로 실험 음악이라고 불리는 음악 사이에는 상당한 중복이 있는데, 특히 나이먼이 그의 책 Experimental Music: Cage and Beyond에서 그 용어를 길게 정의했기 때문이다.

역사

영향력 있는 선행 요소

존 케이지의 선례와 영향을 받은 많은 20세기 초반의 미국 작곡가들은 때때로 "American Experimental School"로 불린다.여기에는 찰스 아이브스, 찰스 앤 루스 크로포드 시거, 헨리 코웰, 칼 러글스,[30][9] 존 베커가 포함된다.

뉴욕 스쿨

주요 기사:뉴욕 스쿨(예술) » 작곡가들

아티스트: John Cage, Earle Brown, Christian Wolff, Morton Feldman, David Tudor, 관련:머스 커닝햄

콩크르테

주요 기사:콩크르테

Musique Concréte(프랑스어, 문자 그대로 "콘크리트 음악")는 음향을 작곡 자원으로 사용하는 일렉트로 어쿠스틱 음악의 한 형태이다.구성 재료는 악기나 음성에서 파생된 음성의 포함에 제한되지 않으며 전통적으로 "음악적"으로 생각되는 요소(멜로디, 하모니, 리듬, 미터 등)에 제한되지 않습니다.미학의 이론적 토대는 1940년대 후반부터 피에르 쉐퍼에 의해 개발되었습니다.

플럭서스

주요 기사:플럭서스

플럭서스는 1960년대에 시작된 예술 운동으로, 연극성의 증가와 혼합 미디어의 사용이 특징이다.플럭서스 무브먼트에서 나타나는 또 다른 알려진 음악적 측면은 공연에서 원시 치료에서 파생된 원시 절규를 사용한 것이다.오노 요코가 이 [31]표현법을 사용했다.

미니멀리즘

주요 기사:미니멀리즘 음악

트랜스인종주의

"실험적"이라는 용어는 때때로 인지할 수 있는 음악 장르, 특히 특정 민족 집단과 동일시되는 음악 장르들의 혼합에 적용되어 왔다. 예를 들어 로리 앤더슨, 주원충, 스티브 라이히, 케빈 볼란스, 마틴 셔징거, 마이클 블레이크, 그리고 뤼디거 [32][33][34]마이어의 음악에서 볼 수 있다.

자유 즉흥 연주

주요 기사:자유 즉흥 연주

자유 즉흥 연주 또는 자유 음악은 관련된 음악가의 취향이나 성향을 넘어서는 어떠한 규칙도 없는 즉흥 음악이다. 많은 경우 음악가들은 인식 가능한 음악 장르에 대한 명백한 언급을 피하려고 적극적으로 노력한다.이 용어는 다소 역설적이다. 왜냐하면 그것은 기교(단호한 장르와 형식을 무시하고 싶어하는 음악가들에 의해 고용됨)와 그 자체로 인정받을 수 있는 장르로 여겨질 수 있기 때문이다.

게임 피스

주요 기사 : 게임 피스 (음악)

레퍼런스

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외부 링크