파사카글리아

Passacaglia
베르나르도 스토라체, Passagli Sopra A la mi re의 마지막 소절과 Passagli Sopra C sol faut의 시작, Selva di varie compositioni (베니스, 1664)

파사칼리아 (/pésˈkɑliə/; 이탈리아어: [passaʎka]a])는 17세기 초 스페인에서 유래한 음악 형식이며 오늘날에도 작곡가에 의해 사용되고 있다.그것은 보통 진지한 성격이고 종종 베이스 오스티나토에 바탕을 두고 3중으로 쓰여진다.

기원.

파사칼리아(스페인어: 파사칼레, 프랑스어: 파사카유, 이탈리아어: 파사칼리아, 파사칼리오, 파사갈로, 파사칼리, 파사칼리)는 스페인어 파사르(걷다)와 칼레(거리)[1][2]에서 유래했다.그것은 17세기 초 스페인에서 악기적으로 반주하는 춤과 노래 사이의 중간중간으로 시작되었다.그 형태의 스페인 어원에도 불구하고, 최초의 문서화된 사례들은 1606년의 [3]이탈리아 자료에서 발견됩니다.이 작품들은 21세기 초부터 이탈리아 소스로부터 온 것들과 함께, 캐치셜 [2]공식을 설명하는 단순하고 짧은 화음들의 연속이다.

파사칼리아는 1620년대 후반에 이탈리아 작곡가 지롤라모 프레스코발디에 의해 재정의되었고, 그는 그것을 [2]베이스에 대한 연속적인 변주곡으로 변형시켰다.후대의 작곡가들은 이 모델을 채택했고, 19세기에 이르러 그 단어는 보통 심각한 성격의 [2]오스티나토 패턴에 대한 일련의 변형을 의미하게 되었다.비슷한 형태인 샤콘도 프레스코발디에 [4]의해 처음 개발되었다.이 두 장르는 밀접하게 관련되어 있지만, "작곡가들은 종종 샤콘과 파사칼리아라는 용어를 무차별적으로 사용했기 때문에, 명확한 구별에 도달하려는 현대의 시도는 자의적이고 역사적으로 근거가 없다."[5]

초기 학회에서 역사적 샤콘과 파사칼리아를 공식적으로 구별하려는 시도가 이루어졌지만 연구자들은 종종 반대의 결론에 도달했다.예를 들어, 퍼시 괴치우스는 샤콘은 보통 반복되는 소프라노 멜로디의 조화 시퀀스에 기초하고, 파사카글리아는 그라운드 [6]베이스 패턴 위에 형성되는 반면, 클라렌스 루카스는 정확히 반대 방식으로 [7]두 가지 형태를 정의했다.그러나, 보다 최근에는, 몇몇 작곡가들(특히 프레스코발디와 프랑수아 쿠페린)이 의도적으로 두 장르를 같은 [8]구성으로 혼합한 17세기 및 18세기 초의 사용에 유용한 구별을 하기 위해 약간의 진전이 있었다.

작곡가

요한 세바스티안 바흐가 쓴 파사칼리아와 푸가의 C단조 원고의 첫 페이지, BWV 582

몇 가지 예로는 요한 세바스찬 바흐, 디테리히 북스테후드, 요한 파첼벨, 시그프리드 카르그-엘르트, 요한 카스파르 케를, 다니엘 그레고리 메이슨, 게오르그 머파트, 고틀리브 머파트, 요한 쿠흐나우, 후안 카빌레스 카비스타의 오르간 등이 있다.

루트를 위한 파사칼리아스는 알레산드로 피치니니, 지오반니 지롤라모 캅스퍼거, 실비우스 레오폴드 바이스, 에사이아스 로이스너, 로지 백작, 로베르 드 비제, 자크 비트너, 필립 프란츠 레사지 드 리치, 갈프만, 글레만 등의 인물에 의해 작곡되었다.울리안 키타시, 그리고 파울로 갈바오, 산티아고 데 무르시아, 프란체스크 게라우, 가스파르 산츠, 마르첼로 [citation needed]비탈레의 바로크 기타.

바로크 양식의

서양 고전 음악에서 가장 잘 알려진 파사칼리아의 예 중 하나는 요한 세바스티안 바흐의 오르간을 위한 C단조 BWV 582의 파사칼리아와 푸가이다.프랑스 클라베시니스트들, 특히 루이 쿠페랭과 그의 조카 프랑수아 쿠페랭은 변형된 형태인 파사카유 앙 론도를 사용했는데, 변형된 형태 사이에 반복적인 에피소드가 있었다.기념비적인 로사리 소나타의 마지막 곡인 하인리히 이그나츠 프란츠 비버의 "파사칼리아"는 독주 바이올린으로 알려진 가장 초기의 작품 중 하나이다.Claudio Monterverdi의 Madrigal Saneto della Ninfa의 중심 에피소드는 하강하는 테트라코드의 파사카글리아이다.요한 하인리히 슈멜저의 소나타 우나룸 피디움의 네 번째 소나타의 첫 번째 두 악장은 하강하는 테트라코드의 파사카글리아이지만, 독특한 장조는 아니다.루이지 보케리니의 퀸테티노 6번, 작품 30(Musica noturna delle strade di Madrid)의 네 번째 악장은 "Passacale"이라는 제목이다.조지 프리데릭 헨델의 하프시코드 G단조(HWV 432)의 마지막 악장은 노르웨이 바이올리니스트 요한 할보르센이 편곡한 바이올린과 비올라의 듀오로 잘 알려진 파사칼리아다.

파사카유의 다른 예로는 장밥티스트 루리의 오페라 아미드(1686)와 디도의 한탄, 헨리 푸르셀의 디도와 아이네아스, 아리아 피앙고, 게모, 소스피로, [citation needed]비발리오의 비발리오가 쓴 '내가 땅에 눕혀졌을 때'가 있다.

낭만 주의

19세기의 예로는 펠릭스 멘델스존의 오르간용 C-마이너 파사칼리아와 요제프 라인버거의 8번째 오르간 소나타 피날레가 있다.요하네스 브람스의 명곡 중 하나인 제4교향곡의 마지막 악장에서 주목할 만한 비사카글리아를 찾을 수 있다.브람스가 클래식 댄스의 엄격한 측정 기준을 따르기 위해 작곡한 영국의 지휘자 콘스탄트 램버트는 이 작품을 "엄청난 지적인"[9] 작품이라고 불렀습니다.하이든이 작곡한 브람스의 '주제에 관한 변주곡'에서 베이스는 곡 전체에 걸쳐 같은 조화 패턴을 반복한다.한스 휴버의 피아노 협주곡 3번, 작품 113 (1899)의 첫 악장은 파사칼리아이다.[10]

컨템포러리

파사칼리아는 20세기와 그 이후 내내 지속되는 형태로 판명되었다.금세기 중반, 한 작가는 "새로운 음악의 연주에서 불가피한 지연에도 불구하고, 이러한 형태의 바로크 작품보다 연주자들의 활발한 레퍼토리에 20세기 작품들이 더 많다"[11]고 말했다.특히 파사칼리아와 관련된 세 명의 작곡가는 벤자민 브리튼, 드미트리 쇼스타코비치, 폴 힌데미트이다.그의 오페라에서 브리튼은 극의 절정의 순간을 연출하기 위해 종종 파사칼리아를 사용한다.예들은 피터 그라임즈, 빌리 버드, 더 턴 오브 더 스크류, 베니스에서의 죽음, 그리고 심지어 코믹 오페라 알버트 헤링에서 발견된다.브리튼은 또한 테너, 호른, 현악기를 위한 세레나데(1943년)와 존 던의 성스러운 소네트(1945년)와 같은 작은 성악 형태와 첼로 2중주, 3중주, 첼로 심포니, 야행곡에서 이 형식을 사용했다. 기타는 존 다우랜드.쇼스타코비치는 악곡의 사용을 악기 형식으로 제한했는데, 가장 주목할 만한 예는 그의 10번째 현악 4중주, 2번째 피아노 3중주, 8번째 교향곡과 15번째 교향곡, 그리고 제1 바이올린 협주곡에서 찾을 수 있다.힌데미스는 1938년 발레 '노빌리시마 비전'을 완성하기 위해 이 형식을 사용했으며, 그의 초기 비올라 솔로곡인 Op. 11, 5번(1919년)과 곡 사이클 다스 마리엔레벤의 2악장(1948년)뿐만 아니라 5현악 사중주곡과 현악기와 옥텟과 같은 후기 작품에서도 볼 수 있다.이고르 스트라빈스키는 그의 신고전 시대와 연속기 사이의 과도기 작품인 그의 7중전(1953)의 중심 운동을 위해 그 형식을 사용했다.비톨드 루토스와프스키의 오케스트라를 위한 협주곡의 피날레에도 파사칼리아가 있다.

특히 이 형태의 중요한 예는 제2빈 학교의 성과물에서 찾을 수 있다.안톤 베베른의 작품 1은 관현악단을 위한 파사칼리아이며, 아놀드 쇤베르크는 피에로 루네르의 파사칼리아 악장을, 알반 베르크는 브제크의 1막 4장에서 파사칼리아 악장을 오페라적으로 사용했다.

레퍼런스

  1. ^ 워커 1968, 305호
  2. ^ a b c d 2001년 실비거.
  3. ^ 허드슨 1971, 364번지
  4. ^ Wolff 1991, 306. 오류:: 도움말
  5. ^ 부코프저 1947, 42
  6. ^ 괴치우스 1915, 29, 40
  7. ^ 루카스 1908, 203
  8. ^ 실비거 1996년
  9. ^ Norton, Leslie (2004). Leonide Massine and the 20th Century Ballet. McFarland & Company. ISBN 9780786483990. Retrieved 25 July 2019.
  10. ^ Murtomaeki 2008.
  11. ^ 스타인 1959, 150.

참고 문헌

  • Bukofzer, Manfred. 1947. Music in the Baroque Era. New York: W. W. Norton.
  • Fischer, Kurt von. 1958. "Chaconne und Passacaglia: Ein Versuch". Revue Belge de Musicologie / Belgisch Tijdschrift voor Muziekwetenschap 12:19–34.
  • Goetschius, Percy. 1915. The Larger Forms of Musical Composition: An Exhaustive Explanation of the Variations, Rondos, and Sonata Designs, for the General Student of Musical Analysis, and for the Special Student of Structural Composition. [New York]: G. Schirmer.
  • Handel, Darrell. 1970. "Britten's Use of the Passacaglia", Tempo, new series no. 94 (Autumn): 2–6.
  • Henderson, Lyn. 2000. "Shostakovich and the Passacaglia: Old Grounds or New?" Musical Times 141, no. 1870 (Spring): 53–60.
  • Hudson, Richard. 1970. "Further Remarks on the Passacaglia and Ciaconna". Journal of the American Musicological Society 23, no. 2 (Summer): 302–14.
  • Hudson, Richard. 1971. "The Ripresa, the Ritornello, and the Passacaglia." Journal of the American Musicological Society 24, no. 3 (Autumn): 364–94.
  • Lucas, Clarence. 1908. The Story of Musical Form. The Music Story Series, edited by Frederick J. Crowest. London: The Walter Scott Publishing Co., Ltd.; New York: Charles Scribner’s Sons.
  • Murtomäki, Veijo. 2008. Pianokonserttoja Lisztin ja Brahmsin välissä. Helsinki: Sibelius-Akatemia. (in Finnish) Retrieved on 29 January 2008.
  • Schmitt, Thomas. 2010. "Passacaglio ist eigentlich eine Chaconne. Zur Unterscheidung zweier musikalischer Kompositionsprinzipien." Frankfurter Zeitschrift für Musikwissenschaft 13:1–18.
  • Silbiger, Alexander. 1996. "Passacaglia and Ciaccona: Genre Pairing and Ambiguity from Frescobaldi to Couperin". Journal of Seventeenth-Century Music 2, no. 1.
  • Silbiger, Alexander. 2001. "Passacaglia". The New Grove Dictionary of Music and Musicians, second edition, edited by Stanley Sadie and John Tyrrell. London: Macmillan Publishers.
  • Stein, Leon. 1959. "The Passacaglia in the Twentieth Century". Music and Letters 40, no. 2 (April): 150–53.
  • Walker, Thomas. 1968. "Ciaccona and Passacaglia: Remarks on Their Origin and Early History". Journal of the American Musicological Society 21, no. 3 (Autumn): 300–20.

외부 링크