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카를하인츠 슈톡하우젠

Karlheinz Stockhausen

카를하인츠 슈톡하우젠(독일어: [kaʁlˈhaɪts ˈʃkhaʊznn]; 1928년 8월 22일 – 2007년 12월 5일)은 독일의 작곡가로서, 비평가들에게 20세기21세기 초의 가장 중요하면서도[1][2][3][4] 논쟁적인[5] 작곡가 중 한 사람으로 널리 인정받았다.전자음악의 획기적인 업적, 연속작곡에 절제된 찬스(알렉토리 기법)를 도입하고, 음악적 공간화를 꾀한 것으로 유명하다.

헉슐레 퓌르 무식 쾰른 대학과 쾰른 대학에서 교육을 받았으며, 이후 파리의 올리비에 메시아엔과 함께, 본 대학에서 베르너 마이어-에플러와 함께 공부했다.다름슈타트 학파의 대표 인물 중 한 명인 그의 작곡과 이론은 예술 음악의 작곡가들뿐만 아니라 재즈대중 음악에도 널리 영향을 미쳤으며 지금도 널리 영향을 미치고 있다.거의 60년에 걸쳐 작곡된 그의 작품들은 전통적인 형식을 지양하고 있다.라이브 연주자가 있든 없든 전자 음악 외에도, 그들은 음악 상자용 미니어처에서부터 솔로 악기, 노래, 실내악, 합창, 관현악 음악까지 7개의 정규 오페라의 사이클에 이르기까지 다양하다.그의 이론과 다른 저술은 10권으로 구성되어 있다.그는 그의 작품, 음반, 그리고 출판사에서 제작한 점수로 수많은 상과 특색을 받았다.

His notable compositions include the series of nineteen Klavierstücke (Piano Pieces), Kontra-Punkte for ten instruments, the electronic/musique-concrète Gesang der Jünglinge, Gruppen for three orchestras, the percussion solo Zyklus, Kontakte, the cantata Momente, the live-electronic Mikrophonie I, Hymnen, Stimmung for six vocalists, Aus den sieben 타겐, 피아노와 전자제품 2대를 위한 만트라, 티에르크레이스, 솔로와 오케스트라를 위한 이노리, 그리고 거대한 오페라 사이클 리히트.

그는 2007년 12월 5일 독일 쿠르텐의 자택에서 79세의 나이로 갑작스러운 심장마비로 사망했다.

전기

유년기

슈톡하우젠은 뫼드라트 마을의 '성'인 버거 뫼드라트에서 태어났다.쾰른 지역의 케르펜 근처에 위치한 이 마을은 1956년 이그나이트 스트립 채굴을 위한 길을 마련하기 위해 이전되었지만, 그 성 자체는 여전히 서 있다.그 이름에도 불구하고, 그 건물은 성이라기 보다는 저택이다.1830년 아렌드라는 이름의 지역 사업가에 의해 건설된 이 건물은 현지인 버거 뫼드라스에 의해 불렸다.1925년부터 1932년까지 버그하임 지구의 산부인과였고, 전쟁 후에는 전쟁 피난민들의 피난처로서 한동안 활동했다.1950년 주인인 몰타 기사단의 뒤셀도르프 지부가 고아원으로 변모했으나, 이후 사유지로 돌려져 다시 사택이 되었다.[6][7]2017년 익명의 후원자가 집을 구입해 현대미술 전시공간으로 2017년 4월 개관했는데, 1층은 1953년부터 2000년 WDR이 스튜디오를 폐쇄하기 직전까지 근무했던 WDR 일렉트로닉 뮤직 스튜디오 박물관의 영구 거처로 활용될 예정이다.[8]

그의 아버지 사이먼 스톡하우젠은 학교 선생님이었고, 그의 어머니 게르트루드(네 스투프)는 쾰른 비트의 뉴라스에 있는 농부가 번창하는 집안의 딸이었다.딸 카테리나(Katherina)는 카를하인즈 다음해에 태어났고, 둘째 아들 헤르만-조제프("Hermenchen")가 1932년에 그 뒤를 이었다.거트루드는 피아노를 연주하고 직접 노래를 부르기도 했지만, 수년 동안 세 번의 임신을 한 후 1932년 12월에 정신 장애를 겪었고, 몇 달 후 어린 아들 헤르만의 죽음으로 인해 제도화되었다.[9]

알텐베르거 돔, 1925년, 스톡하우젠이 처음으로 음악 수업을 받았던 곳

7세 때부터 슈톡하우젠은 알텐베르크에 살았고, 그곳에서 알텐베르거 돔의 개신교 오르가니스트 프란츠-조제프 클로트로부터 첫 피아노 레슨을 받았다.[10]1938년에 그의 아버지는 재혼했다.그의 새 아내 루지아는 그 가족의 가정부였다.그 부부는 딸이 둘 있었다.[11]새 계모와의 관계가 별로 행복하지 않았기 때문에 1942년 1월 칼하인즈는 잔텐에 있는 교사 연수대학의 기숙사가 되어 그곳에서 피아노 연수를 계속하고 오보에와 바이올린을 공부하기도 했다.[11]1941년에 그는 비록 같은 병원에 있는 모든 사람들이 아마도 같은 병으로 죽었을 것이라고는 하지만 표면적으로는 그의 어머니가 백혈병으로 죽었다는 것을 알게 되었다.그녀가 '쓸데없이 먹는 사람들'을 죽이는 나치 정책의 희생양이었다는 것이 대체적으로 이해되었다.[12][13]가족들에게 보내는 공식 서한은 그녀가 1941년 6월 16일 사망했다고 거짓으로 주장했지만, 최근 몬타바우르의 랜드스무식 체육관 학생인 리사 케르네스(Lisa Quernes)의 연구는 그녀가 1941년 5월 27일 헤세-나소의 하달마 안락사 센터에서 89명의 다른 사람들과 함께 가스 중독으로 판명되었다.[14]슈톡하우젠은 오페라 도너스타그 aus Licht의 1막 2장("몬데바")에서 어머니가 병원에서 사망하는 장면을 독극물 주사로 극화했다.[15]

1944년 말, 스톡하우젠은 베드버그에서 들것 운반책으로 징집되었다.[11]1945년 2월, 그는 알텐베르크에서 마지막으로 아버지를 만났다.앞에서 휴가를 나온 사이먼은 아들에게 "돌아오지 않을 거야.사물을 보살피시오."전쟁이 끝날 무렵 그의 아버지는 행방불명으로 간주되었고, 헝가리에서 살해되었을지도 모른다.[13]후에 한 동료는 칼하인츠에게 아버지가 전사하는 것을 보았다고 보고했다.[16]이 사실이 알려진 지 55년 후, 가디언지에 기고한 한 기자는 사이먼 스톡하우젠이 1945년 헝가리에서 살해되었다고 진술했다.[17]

교육

1947년부터 1951년까지 슈톡하우젠은 쾰른 대학에서 음악 교육학과 피아노, 음악학, 철학, 독일학을 공부했다.그는 헤르만 슈뢰더와 함께 조화대위법으로 훈련을 받았으나 1950년까지 작곡에 진정한 관심을 발전시키지 못했다.그는 그해 말 쾰른에서 막 7년 임기를 시작한 스위스 작곡가 프랭크 마틴의 반에 입학했다.[18]스톡하우젠은 1951년 다르스테드 페리엔쿠르세(Darmstédter Ferienkurse)에서 올리비에 메시아엔(분석)과 다리우스 밀하우드(구성)와 막 연구를 마친 벨기에 작곡가 카렐 고이바르츠(Karel Goeyvaerts)를 만났고, 스톡하우젠도 그렇게 하기로 결심했다.[19]1952년 1월 8일 파리에 도착하여 메시아엔의 미학 및 분석 강좌와 밀하우드의 작곡 강좌에 참석하기 시작했다.메시아엔과 1년 동안 계속했지만 밀하우드에 실망해 몇 주 만에 레슨을 포기했다.[20]1953년 3월, 쾰른에 새로 설립된 NWDR(Nordwestdeutscher Rundfunk, 1955년 1월 1일부터 WDR)의 일렉트로닉 뮤직 스튜디오(Electronic Music Studio, NWDR)에서 허버트 아이머트의 조수 자리를 차지하기 위해 파리를 떠났다.[21]1963년 에이머트의 뒤를 이어 스튜디오의 감독을 맡았다.[22]1954년부터 1956년까지 본 대학에서 베르너 마이어-에플러와 함께 음성학, 음향학, 정보이론을 공부했다.[23]스톡하우젠은 에이머트와 함께 1955년부터 1962년까지 잡지 '다이 레이헤'를 편집했다.[24]

직업 및 성인 생활

가족 및 가정

2005년 쿠르텐에 있는 그의 집 정원의 슈톡하우젠

1951년 12월 29일 함부르크에서 스톡하우젠은 도리스 안드레에와 결혼했다.[25][26]그들은 함께 네 명의 자녀를 두었다.수자(b. 1953년), 크리스텔(b. 1956년), 마르쿠스(b. 1957년), 마젤라(b. 1961년).[27][28]그들은 1965년에 이혼했다.[29]1967년 4월 3일 샌프란시스코에서 는 메리 바우어마이스터와 결혼했는데, 그와 함께 줄리카 (1966년 1월 22일)와 사이먼 (1967년)이라는 두 아이를 낳았다.[30][31]그들은 1972년에 이혼했다.[29][32]

스톡하우젠의 자녀 중 4명은 전문 음악가가 되었고(쿠르츠 1992, 202) 그는 이들을 위해 자신의 작품 중 일부를 특별히 작곡했다.시리우스(1975-77년)부터 인 프룬샤프트(1997년)의 트럼펫 버전에 이르기까지 트럼펫을 위한 많은 곡들이 그의 아들 마르쿠스에 의해 작곡되고 작곡되었다.[33][34][35]마커스는 4살 때 오리지널의 쾰른 프리미에르에서 그의 여동생 크리스텔과 번갈아 공연하면서 "The Child" 역을 공연했었다.[36]클라비에르슈튀크 XII클라비에르슈튀크 XIII(그리고 오페라 도너스타그 aus Licht삼스타그 aus Licht의 장면으로서의 그들의 버전)는 그의 딸 마젤라를 위해 쓰여졌고, 각각 16세와 20세에 그녀가 처음으로 공연했다.[37][38][39]도너스타그 aus Licht 2막의 색소폰 듀엣과 디엔스타그 출신의 클라비에르슈튀크 XV("신티푸우")를 비롯한 리히트 오페라의 다수의 신시사이저 파트는 프리타그 aus Licht의 전자음악 제작에도 아버지를 보좌했던 아들 시몬을 위해 작곡되었다.[40][41][42]그의 딸 크리스텔은 1977년 티에르크레이스의 해석에 대해 공연하고 강의를 한 플로티스트인데,[43] 후에 기사로 출판되었다.[44]

1961년 슈톡하우젠은 쾰른 동쪽 마을인 쾨르텐 부근에 있는 베르기슈 글래드바흐 부근의 한 소포를 취득했다.그는 그곳에 집을 지었는데, 건축가 에리히 슈나이더 웨슬링이 설계한 대로 설계했고, 1965년 가을 완공된 이후부터 그곳에 거주했다.[45]

티칭

스톡하우젠은 1957년 다르슈타트에서 제12회 뉴뮤직 국제 서머 코스에서 강연했다.

스톡하우젠은 다름슈타트에서 열린 국제페리엔쿠르스 퓌르 느에 무식(Internationale Ferienkurse für Neue Musik)에서 강연을 한 뒤 유럽, 북미, 아시아에서 강연과 콘서트를 열었다.[46]1965년에는 펜실베이니아 대학교에서 작곡을 초빙 교수로, 1966~67년에는 캘리포니아 대학교 데이비스에서 초빙교수를 지냈다.[47][48]1963년부터 1968년까지 쾰른 신음악 강좌를 개설하고 지휘했으며, 1971년 헉슐레 퓌르 무식 쾰른 작곡학 교수로 임명되어 1977년까지 가르쳤다.[49][50]1998년에는 쿠르텐에서 매년 개최되는 스톡하우젠 강좌를 개설하였다.[51]

출판활동

1950년대 중반부터, 스톡하우젠은 그의 출판사인 유니버설 에디션을 위해 자신의 음악적 악보를 디자인(그리고 어떤 경우에는 인쇄하도록 주선)했는데, 이 악보는 종종 파격적인 장치를 수반했다.예를 들어, 그의 작품 "후렴"의 점수는 투명한 플라스틱 스트립에 회전할 수 있는 (리프레임)을 포함한다.1970년대 초 유니버설 에디션과의 계약을 종료하고, 스톡하우젠-베를라그 각인 하에 자신의 악보를 발행하기 시작했다.[52]이 배열로 그는 공칭적 혁신(예를 들어 웰트파릴라멘트의 역학관계[미트워치 aus Licht]의 첫 장면은 컬러 코드로 코딩된다)을 연장할 수 있었고, 1992년(루지퍼스 탄츠)과 2005년(손타그 aus Licht호치-제이텐) 사이에 8개의 독일 음악 출판협회상을 받았다.[53]2007년 스톡하우젠 사망 직전 발표된 모멘테 스코어는 9번째로 이 상을 받았다.[54]

1990년대 초, 스톡하우젠은 그 시점까지 자신이 만든 대부분의 음악 녹음 파일에 대한 라이선스를 다시 얻었고, 컴팩트 디스크에서 이 음악을 영구적으로 사용할 수 있도록 하기 위해 자신의 레코드 회사를 설립했다.[55]

죽음

슈톡하우젠의 묘소, 발트프리드호프, 쿠르텐
묘비(후경)

스톡하우젠은 2007년 12월 5일 오전 노르트라인베스트팔렌주 쿠르텐에서 갑작스러운 심부전으로 사망했다.그 전날 밤, 그는 볼로냐의 모차르트 오케스트라의 최근 공연 의뢰를 받은 작품을 끝마쳤다.[56]그는 79세였다.

구성

스톡하우젠은 370개의 개별 작품을 썼다.그는 종종 음악적 전통에서 급진적으로 벗어나며 그의 작품은 올리비에 메시아엔, 에드가드 바레스, 안톤 베번 등의 작품과 영화[57], 피에트 몽드리안[58][59][60], 폴 클라이 같은 화가들의 영향을 받는다.[61]

1950년대

스톡하우젠은 음악원에서 3년 동안 비로소 본격적으로 작곡을 시작했다.[62]그의 초창기 학생 작곡은 1971년 츄레 퓌르 도리스, 알토 음성 및 실내 오케스트라용 드레 리거, 아카펠라 합창단용 합창단용 합창단(1950년부터 세 곡 모두), 바이올린과 피아노용 소나틴(1951년)을 발표하기 전까지 대중들의 주목을 받지 못했다.[63]

스톡하우젠은 1951년 8월, 첫 번째 다르슈타트 방문 직후 쇤베르크12음 기법을 거부하는 일종격정적인 직렬 구성으로 작업을 시작했다.[64]그는 이러한 초기 작품들 중 몇 가지를 분석한 후, 한 비평가가 "실제로 절대 작곡하지 않는다"[65]고 결론내렸지만, 이러한 초기 작품들 중 많은 작품들을 (당시의 다른 비슷한 생각을 가진 작곡가의 음악과 함께) 펑투엘 무식한 음악, "patterial" 또는 "pointist" 음악으로, 일반적으로 오역한 "pointillist" 음악으로 특징지어졌다.Compositions from this phase include Kreuzspiel (1951), the Klavierstücke I–IV (1952—the fourth of this first set of four Klavierstücke, titled Klavierstück IV, is specifically cited by Stockhausen as an example of "punctual music",[66] and the first (unpublished) versions of Punkte and Kontra-Punkte (1952).[67]그러나, 이 같은 해의 몇몇 작품들은 그의 "이론에 대한 최초의 진정으로 획기적인 공헌과 무엇보다도, 구성의 실천"을 형성하는 것을 보여준다. "그룹 구성"은 1952년 초 슈톡하우젠의 작품에서 발견되어 그의 구성 경력 내내 계속된다.[68]이 원리는 1955년 12월부터 슈톡하우젠이 라디오 대담에서 "그루펜콤포지션:클라비에르슈튀르크 1세"[69]라는 제목으로 처음 공개적으로 설명한 것이다.

1952년 12월 피에르 샤에페르파리뮤지크 콩크레테 스튜디오에서 실현된 콩크레테 에튀데를 작곡했다.1953년 3월 쾰른의 NWDR 스튜디오로 옮겨 2개의 전자 연구(1953년과 1954년)로 전자 음악으로 전향한 뒤 혼합 콩크레테와 전자 작품 게상 쩡링게(1955~56년)로 음원의 공간 배치를 소개했다.연구에서 얻은 경험은 타임브레를 안정된 실체로 간주하는 것은 용인할 수 없는 지나친 단순화라는 것을 분명히 했다.[70]1955년에 시작된 마이어-에플러와의 연구에 의해 강화되어, 스톡하우젠은 새로운 "통계적" 구성 기준을 공식화하였고, 음운동의 알레토릭적이고 방향적인 경향에 주목하였다. "고정된 상태와는 반대로, 운동을 복귀시키든 말든 간에"[71]슈톡하우젠은 이후 작곡 작품에서 이 시기를 설명하면서 "제1차 혁명은 1952년/53년부터 음악 콩크레테, 전자 테이프 음악, 우주 음악 등으로 일어났으며 변압기, 발전기, 변조기, 자기소폰 등과 작곡을 수반했다; 모든 구체적이고 추상적인 (합성된) 소리 가능성의 통합 (또한 a)소음), 그리고 공간의 음의 제어된 투영".[72]게상 데르 쩡링게와 함께 '자기 세대의 대표적인 독일 작곡가'[73]라는 지위는 목관악 5인방 자이트마제, 오케스트라 3인방 그루펜, 클라비에르슈튀르크 XI 등 3곡을 미디어에 동시 편성했다.[74]후자의 세 가지 구성의 기초가 되는 원칙은 스톡하우젠의 가장 잘 알려진 이론적 기사 "...위 디 지트 버지트..."("...)에 제시되어 있다.시간이 어떻게 지나가는가..."), 1957년 다이 레이허 3권에 처음 출판되었다.[75]

전자음악을 다루는 그의 작업과 그것의 완전한 고정성은 그가 연주자의 개별적인 능력과 특정 공연의 상황(예: 홀 음향)이 작곡의 특정 측면을 결정할 수 있는 기악과 성악의 모드를 탐구하도록 이끌었다.그는 이것을 "변량형"이라고 불렀다.[76]다른 경우, 작품은 다양한 관점에서 제시될 수 있다.예를 들어 자이클루스(1959년)에서 그는 기악음악에 그래픽 표기법을 사용하기 시작했다.어떤 페이지에서든 공연이 시작되도록 점수가 적혀 있고, 공연자가 선택하는 대로 거꾸로 읽거나, 오른쪽에서 왼쪽으로 읽을 수도 있다.[77]여전히 다른 작품들은 구성부품을 통한 다른 경로들을 허용한다.스톡하우젠은 이 두 가지 가능성을 모두 '폴리밸런스 형태'[78]라고 불렀는데, 이는 클라비어슈튀크 XI(1956년)와 마찬가지로 개방형 형태(본질적으로 불완전하며, 프레임 너머를 가리킴)이거나, 모멘테(1962–64/69년)와 마찬가지로 '폐쇄형'(1962년–64/69년)일 수도 있다.[79]

그의 작품들에서는 많은 요소들이 동시에 그리고 연속적으로 서로 대립된다: 콘트라펑크테 ("Against Points", 1952–53)에서는, 그의 공식 "opus 1"이 되어, 분리된 음의 초기 "점" 질감에서 플로리드를 향한, 장식적인 결말은 다양성 (6개)의 경향에 의해 반대된다.획일성(솔로 피아노의 음색, 거의 일정한 부드러운 역동성, 그리고 상당히 고른 지속시간)[80]을 지향하는 티브르, 역동성, 그리고 지속시간.그루펜(1955~57)에서는 팬퍼레어와 다양한 속도(하모니 시리즈에 기초한 중첩된 지속 시간)의 구절이 3개의 풀 오케스트라 사이에 가끔 던져져 우주에서의 움직임의 느낌을 준다.[81]

전자음(피아노와 타악기로 선택적으로)에 대한 콘탁테(1958–60)에서, 그는 처음으로 음, 지속시간, 역동성, 음색의 네 가지 매개변수의 이등형성을 달성했다.[82]

1960년대

1960년 스톡하우젠은 카레와 함께 4개의 오케스트라와 4개의 합창단을 위해 성악 작곡(게상쩡링게 이후 처음으로)으로 돌아왔다.[83]2년 후, 그는 솔로 소프라노, 4개의 합창단, 13명의 기악가들을 위해 모멘테 (1962–64/69)라는 제목의 확장 칸타타를 시작했다.[83]1963년, 스톡하우젠은 무제한의 다른 구성을 만들기 위해 기본 노트 자료와 그 재료가 적용되는 복잡한 변환 시스템을 포함하는 "실현을 위한 2 × 7페이지"의 플러스-미누스를 만들었다.[84][85]1960년대의 나머지를 통해 프로세션(1967년), 커즈웰렌, 스파이럴(둘 다 1968년) 등 라이브 공연을 위한 작품에서 그와 같은 「프로세스 구성」의 가능성을 계속 탐구해 왔으며, 아우스 시벤 타겐(1968년)과 푸르코멘드 자이텐(1968년–70년)의 구두로 묘사된 「직관 음악」 작곡으로 절정을 이루었다.[86][87][88][89]예렘(1972년)이나 허브스트무식(1974년)의 처음 세 부분 등 그의 후기 작품도 이 루브릭에 속한다.[90]이러한 프로세스 구성의 몇 가지가 엑스포 70에서 제시된 하루 종일 프로그램에 포함되었는데, 이 프로그램에서는 스톡하우젠이 두 명의 선수를 위한 폴과 세 명의 선수를 위한 엑스포가 두 개의 유사한 작품을 위해 두 개의 유사한 작품을 더 만들었다.[91][92]그는 1968-69년에 유니버설 에디션의 알프레드 칼무스를 기리기 위해 쓰여진 오케스트라 스톱 포 오케스트라(1965), 윈드 5중주단을 위한 아듀(1966), 닥터 K 젝스트릿과 같은 다른 작곡에서 그의 연주자들에게 좀 더 제한적인 즉흥적인 가능성을 보여주었다.[93]

그는 오케스트라와 전자제품의 경우 믹서르(1964/67/2003)에서 라이브 일렉트로닉스를 개척했고,[94][97] 탐탐의 경우 미크로포니 1(1964), 마이크로폰 2개, 전위차계의 필터 2개(6명),[95][96] 합창단의 경우 미크로포니 2세(1965)와 해먼드 오르간, 4개의 링 변조기(1966)가 있는 멜로디악기의 경우 솔로(1966)를 개척했다.[98]즉흥연주도 이 모든 작품에서 한몫을 하고 있지만, 특히 솔로에서는 더욱 그렇다.[99]그는 또한 테잎용 전자 작품인 텔레무식(1966년)과 찬송가(1966년–67년)을 작곡했다.[100][101]후자는 또한 부분적으로 즉흥적인 솔리스트를 가진 버전으로 존재하며, 오케스트라와 함께한 버전으로 네 개의 "지역" 중 세 번째 버전이 존재한다.[101]이때 스톡하우젠도 세계 전통에서 유래한 선구적인 음악을 작곡에 접목시키기 시작했다.[102][103]텔레무식은 이러한 경향의 첫 번째 명백한 예였다.[104]

1968년, 스톡하우젠은 낮은 B플랫오버톤을 전적으로 기반으로 한 한 시간짜리 작품인 콜레기움 보칼레 쾰른을 위해 보컬 섹스트릿 스팀멍을 작곡했다.[105]이듬해에는 4개의 관현악단인 완델무식(Wandelmusik) 작곡을 위한 프레스코(Fresco)를 만들었다.[106]이것은 본의 베토벤할레 강당 단지와 그라운드에서 약 5시간 동안 공연될 예정이었다. 그 이전, 이후, 그리고 시설의 강당에서 그의 음악을 (부분적으로 동시에) 연주하는 그룹이었다.[107]전체 프로젝트에는 Musik für die Beethovethalle이라는 제목이 주어졌다.[108]이 Karlheinz다름슈타트에서 1967년부터 1968년 준 두 collective-composition 세미나 프로젝트에:앙상블과 Musik für ein Haus,[109][110][111][106]고"공원 음악"조성이 5공간에 이산 그룹, 1971년 Sternklang("스타 소리"), 즉 오케스트라 일 트랜스, 샘에서 작곡 후계자들이 선례 있었다.E해를 보내고 thir.십대들의 동시 "독주자와 듀엣을 위한 음악적 장면"은 알파벳 퓌르 리에지 (1972년)[112]라는 제목이다.

우주 음악과 엑스포 70년

70년 엑스포 독일관(구형 강당은 오른쪽이 보이지 않는다)

스톡하우젠은 1950년대 중반부터 5채널 게상쩡링게(1955~56)와 텔레무식(1966), 4채널 콘탁테(1958~60)와 찬송가(1966~67) 등 전자음악뿐만 아니라 작품에서도 공간화 개념을 개발해 왔다.3개의 오케스트라를 위한 그루펜(1955~57)과 4개의 오케스트라와 4개의 합창단을 위한 카레(1959~60)와 같은 기악/초컬 작품도 이러한 특징을 보여준다.[113][114][115]그는 1958년부터 '우주 속의 음악' 등의 강연에서 "공간음악의 요건에 맞는" 새로운 종류의 공연장 건립을 요구했다.[116]그의 아이디어는

확성기가 사방에 설치된 구면 공간이 구면 공간의 한가운데에서, 소리를 낼 수 있고 투명한 플랫폼은 듣는 사람들을 위해 중단될 것이다.그들은 그러한 표준화된 공간을 위해 작곡된 음악을 위, 아래, 나침반의 모든 지점에서 들을 수 있었다.[117]

1968년 서독 정부는 스톡하우젠을 초청하여 1970년 오사카에서 열린 세계박람회에서 독일관 협업을 하고 이를 위한 공동 멀티미디어 프로젝트를 예술가 오토 피엔과 함께 만들도록 하였다.이 프로젝트에 참여한 다른 협력자들로는 이 파빌리온의 건축가 프리츠 보네만, 베를린 공과대학 전자음악 스튜디오의 감독 프리츠 윈켈, 엔지니어 막스 멘베링하우젠 등이 있다.정자 테마는 '음악의 정원'으로, 본레만은 넓은 잔디밭 아래에 전시장을 '배관'하고, 지상에는 연결된 강당을 '배관'으로 꾸밀 계획이었다.처음에, 보르네만은 원형경기장 형태로 이 강당을 구상했는데, 중앙 오케스트라 단상과 주변 관중 공간이 있었다.1968년 여름, 스톡하우젠은 보르네만과 만나, 구내벽을 중심으로 각기 다른 '위도'에 일곱 개의 고리를 가진 확성기 그룹에 둘러싸인 가운데 관객이 있는 구면공간으로 이 개념을 바꾸도록 설득했다.[118][119]

히나브-히나우프(Hinab-Hinauf)라는 제목의 스톡하우젠과 피엔의 계획적인 멀티미디어 프로젝트가 상세하게 개발되었지만,[120] 세계 박람회 위원회는 그들의 개념이 너무 사치스럽다는 것을 거부하고 대신 스톡하우젠에게 그의 음악 프로그램을 매일 5시간씩 발표하도록 요청했다.[121]스톡하우젠의 작품은 총 100만 명의 청중에게 183일 동안 매일 5시간씩 공연되었다.[122]스톡하우젠의 전기작가 마이클 커츠에 따르면 "많은 관람객들이 구면 강당이 일반적인 허풍 속에서 평온의 오아시스로 느껴졌고, 잠시 후 1970년 엑스포의 주요 명소 중 하나가 되었다"고 한다.[123]

1970년대

1972년 이란 시라즈 예술 축제 만트라에서 알폰스와 알로이스 콘타르스키의 공연을 위해 믹싱 데스크에 있는 스톡하우젠(앞쪽 센터)

대의 피아노와 전자제품에 대한 만트라(1970년)를 시작으로, 스톡하우젠은 하나의, 이중 또는 삼중 멜로디 라인 공식의 투영과 곱셈을 포함하는 기술인 공식 구성으로 방향을 틀었다.[124][125][126]때로는 만트라와 마임 솔리스트인 이노리가 등장하는 대형 관현악 편곡에서처럼 간단한 공식은 처음에 소개로 명시된다.그는 2003년 오페라 사이클 리히트의 완성을 통해 이 기법을 계속 사용하였다(예를 들어, 관련된 두 곡의 단독 클라리넷 작품에서 1975년할레킨[할레킨]과 더 클라이네 할레킨[작은 할레킨], 그리고 1977년의 관현악 주빌레움[쥬빌리][127][128][124][125][129][126][130]Some works from the 1970s did not employ formula technique—e.g., the vocal duet "Am Himmel wandre ich" (In the Sky I am Walking, one of the 13 components of the multimedia Alphabet für Liège, 1972, which Stockhausen developed in conversation with the British biophysicist and lecturer on mystical aspects of sound vibration Jill Purce), "Laub und Regen" (Leaves and Rain, 연극 작품 허브스트무식 (1974년), 무반주 클라리넷 작곡 아무르, 합창 오페라 Atmen Gibt Das Leben (호흡하는 것은 생명을 준다, 1974년/77년) 그러나 그럼에도 불구하고, 더 단순하고 멜로 지향적인 스타일을 공유한다.[131][132]그러한 두 작품인 Tierkreis("Zodiac", 1974–75)와 In Freundschaft(In Friendly, 1977년, 사실상 모든 관현악기를 위한 버전을 가진 솔로곡)는 스톡하우젠의 가장 널리 연주되고 기록된 작곡품이 되었다.[133][134][135]

이 극적인 스타일의 단순화는 독일 작곡가들의 새로운 세대에게 모델을 제공했는데, 이는 네에 에인파흐이트 또는 새로운 단순성이라는 꼬리표 아래 느슨하게 연관되어 있다.[136]이들 작곡가 중 가장 잘 알려진 사람은 1972-73년 스톡하우젠과 함께 공부한 볼프강 럼이다.그의 관현악곡 Sub-Kontur(1974~75)는 스톡하우젠의 이노리(1973~74)의 공식을 인용하며, 이 작품에 대한 모멘트의 영향도 인정했다.[137]

스톡하우젠의 다른 10년 후의 대형 작품으로는 관현악 트랜스(1971년)와 티어크레이스 멜로디를 활용한 두 개의 음악 테라테레 작곡이 있다.6명의 타악기 연주자를 위한 뮤식 바우치(1975년)와 4계절의 4가지 버전을 가진 소프라노, 베이스, 트럼펫, 베이스 클라리넷과 함께 8채널 전자음악을 위한 공상과학소설 '오페라' 시리우스(1975-77년)는 각각 1시간 30분 이상 지속된다.[138]

스톡하우젠은 2004년 쾰른의 사운드 스튜디오 N에서 손탁 aus Licht엔젤 프로시온 녹음을 믹스다운하면서

1977–2003

1977년과 2003년 사이에 스톡하우젠은 리흐트: 다이 시벤 테이지 데어 워체("빛:그 주의 7일").[139]리히트 사이클은 평일(월요일 = 출생과 다산, 화요일 = 갈등과 전쟁, 수요일 = 화해와 협력, 목요일 = 여행과 학습 등)과 다양한 역사적 전통과 관련된 특징과 세 가지 원형 인물 간의 관계를 다룬다.마이클, 루시퍼, 그리고 이브.[140][141]이들 각 등장인물은 오페라(도너스타그 [목요일], 삼스태그 [토요일], 몬태그 [월요일]) 중 하나를 지배하고 있으며, 가능한 세 쌍은 다른 세 쌍으로 포그라운드되며, 세 쌍 모두 동일한 조합이 미트워치[수요일]에 등장한다.[142]

슈톡하우젠의 오페라에 대한 개념은 유의하게 의식과 의식에 기반을 두고 있었으며,[143] 일본 노극장의 영향력은 물론 유대-기독교 전통과 베딕 전통의 영향을 받았다.[144]1968년, 아우스 시벤 타겐의 작곡 당시, 스톡하우젠은 사트프레임의 벵골 구루 스리 아우로빈도에 관한 전기를 읽었고,[145] 이후 아우로빈도 자신이 직접 출판한 많은 저술도 읽었다.리히트라는 호칭은 핵물리학의 두 가지 기본 전제로부터 발전한 오로빈도의 '아그니'(힌두어와 베딕 불신) 이론에 힘입은 바가 무엇인가 있는데, 스톡하우젠의 공식 정의와 특히 리히트 초포뮬라에 대한 그의 구상 역시 스리 아우로빈도의 '기초적'[146] 범주에 크게 힘입은 바가 크다.마찬가지로, 음성 및 텍스트에 대한 그의 접근법은 때때로 전통적인 관용에서 벗어났다.등장인물은 가수처럼 기악가나 댄서들에 의해 묘사될 가능성이 높았고, 리히트의 몇몇 부분들(예: 삼스탁루지퍼스 트라움, 미트워치웰트-파라멘트, 리히터-와서, 손탁호치-자이텐)은 작문되거나 즉흥적으로 만들어진 언어를 사용한다.[147][148][149][150][151]

The seven operas were not composed in "weekday order" but rather starting (apart from Jahreslauf in 1977, which became the first act of Dienstag) with the "solo" operas and working toward the more complex ones: Donnerstag (1978–80), Samstag (1981–83), Montag (1984–88), Dienstag (1977/1987–91), Freitag (1991–94), Mittwoch (1995–97), and finally Sonn([152]1998-2003).

슈톡하우젠은 평생 비행의 꿈을 가지고 있었으며, 이러한 꿈은 1993년에 완성된 헬리오콥터-스트레이히콰르텟(미트워흐 aus Licht의 세 번째 장면)에 반영되어 있다.그 속에서 현악4중주단의 4인조는 공연장 인근 시골을 독립 비행로를 비행하는 4대의 헬리콥터에서 공연을 펼친다.이들이 연주하는 소리는 헬리콥터 소리와 함께 뒤섞여 홀 안의 관객들에게 스피커를 통해 들려준다.공연자들의 영상도 다시 공연장으로 전송된다.연주자들은 클릭 트랙의 도움으로 동기화되어 그들에게 전송되고 헤드폰을 통해 들을 수 있다.[153]

이 작품의 첫 공연은 1995년 6월 26일 암스테르담에서 네덜란드 축제의 일환으로 열렸다.[154]극히 특이한 성격에도 불구하고, 이 작품은 2003년 8월 22일 한가르-7 행사장의 개장을 위한 잘츠부르크 축제의 일부로,[155] 2007년 6월 17일 브라운슈바이그에서 스타드 데어 위센샤프트 2007 축제의 일환으로 독일 프리메라리가를 포함한 여러 번의 공연을 받았다.[156]이 작품은 아르디티 4중주단에 의해서도 기록되었다.[citation needed]

1999년에 그는 Rhingau Music Festival의 연례 Komponistenportrett에 등장하는 아홉 번째 작곡가로 Walter Fink에 의해 초대되었다.[157]

1999년 BBC 프로듀서 로드니 윌슨은 스톡하우젠에게 영화 '사운드 온 필름 인터내셔널'의 네 번째 시리즈를 위해 스티븐과 티모시 퀘이와 협업을 요청했다.비록 스톡하우젠의 음악은 이전부터 영화에 사용되었지만(가장 두드러진 것은 1971년 니콜라스 로에그 워크 어바웃찬송가의 일부분), 그가 그 목적을 위해 특별히 음악을 제공하라는 요청을 받은 것은 이번이 처음이었다.그는 결과를 Zwei Paare(두 커플)라고 부르며 자신의 전자음악에서 가져온 21분 분량의 자료를 프리타그 aus Licht에 각색했고, 브라더스 퀘이는 음악에 대한 반응과 창문이 하나의 아이디어일 수 있다는 단순한 제안만을 근거로 In In In Euntia라는 제목의 애니메이션 영화를 만들었다.[158]스톡하우젠은 한 미친 여자가 황량한 망명지에서 편지를 쓰는 장면을 미리 보고 눈물을 글썽였다.퀘이 형제는 그의 어머니가 나치에 의해 나치에 의해 격리되어 있다가 그곳에서 사망했다는 것을 알고 놀랐다.이 순간은 우리에게도 매우 감동적인 순간이었고, 특히 우리가 이 사실을 전혀 모르고 영화를 만들었기 때문이다."[159]

2003–2007

스톡하우젠과 안토니오 페레스 아벨란(Abellan)은 2007년 클랑의 3시간째인 나튀를리히데 다우엔(Naturliche Dauern)의 녹음 세션에서 만났다.

리히트를 완성한 후, 스톡하우젠은 하루의 시간인 클랑("사운드")을 바탕으로 한 새로운 작곡 사이클에 착수했다.이 중 21점은 스톡하우젠이 사망하기 전에 완성됐다.[160]이 주기의 첫 네 작품은 퍼스트 아워:Himmelfahrt (Ascension), 오르간 또는 신시사이저, 소프라노 및 테너(2004–2005)용두 번째 시간: 두 개의 하프를 위한 프뤼드(조이)(2005);세 번째 시간: Naturliche Dauern (Natural Durnations) (2005–2006) 및 네 번째 시간:타악기 연주자와 어린 소녀(2005)를 위한 히멜스튀르(헤븐의 문).[161]《The Fifth Hour》, 《Harmonies》(Harmonies)는 플루트, 베이스 클라리넷, 트럼펫(2006)의 세 가지 버전으로 된 솔로곡이다.[161]제6회부터 제12회까지는 제5회부터의 소재를 바탕으로 한 실내악 작품이다.[161]13시간, 우주펄스(Cosmic Pulse)는 공연장 주변에 배치된 8개의 확성기 가운데 각각 자신만의 공간적 동작이 있는 24겹의 소리를 겹쳐서 만든 전자 작품이다.[162]14시간에서 21시간은 각각 베이스보이스, 바리톤보이스, 바셋호른, 호른, 테너보이스, 소프라노보이스, 소프라노 색소폰, 플루트용 솔로곡으로 각각 우주펄스와 다른 3겹의 전자반주가 있다.[163]21곡의 완성된 작품은 2010년 5월 8일~9일 176개의 개별 콘서트에서 MusikTriennale Köln 축제에서 사이클로 함께 처음 공연되었다.[164]

이론들

스톡하우젠 2005년 이노리 강의

1950년대와 1960년대 초, 스톡하우젠은 음악 이론 분야에서 그의 중요성을 확립한 기사를 연재했다.모차르트, 드뷔시, 바르토크, 스트라빈스키, 괴이바에르츠, 불레즈, 노노, 요하네스 프리치, 마이클비엘, 특히 베번,[165] 자신의 작품과 직접 관련된 작곡 이론에 관한 항목들은 일반적으로 가장 중요한 것으로 여겨진다."사실, 텍스테는 전후 시기에 일반적인 구성 이론을 제공하는 데 현재 이용 가능한 어떤 것보다 더 가까이 접근하고 있다."[166]그의 가장 유명한 기사는 "...wie die Zeitbertht..." ("...)이다.시간이 어떻게 지나가는가..."), 제3권 다이 레이허(1957년)에 처음 출판되었다.그 속에서 그는 그의 기악 작곡인 Zeitmamae, Gruppen, Klavierstück XI의 밑바탕에 있는 많은 시간적 개념을 설명한다.특히, 본 논문은 (1) 색도 피치 척도와 유사한 12 템포의 척도, (2) 기본 (기본) 지속시간에 걸쳐 점진적으로 더 작고 적분된 세분화를 구축하는 기법, 오버론 시리즈와 유사하게, (3) 양쪽 s에서 부분장(시간장 및 필드 크기) 개념의 음악적 응용을 전개한다.과도하고 동시적인 비율, (4) 일련의 비율에서 대규모의 형태를 투영하는 방법, (5) "진행" 구성의 개념, (6) "행동 지속시간" 및 관련 "진행형"[75]의 개념, (7) "방향 없는 시간장" 및 이와 함께 "진행형"의 개념.

이 시기로부터 다른 중요한 기사"Musik Graphik und"("음악 및 그래픽", 1959년)[169]"Elektronische und Instrumentale Musik"("그리고 기악 음악 전자", 1958년)[167][168]"Musik 암 라움"("음악 공간에", 1958년)[116]"Momentform"(1960년)[170]"다이 다양musikalischen Zeit der"("그 통일 음악 시간의", 1961년),는 경우에는 171을 포함한다.][172]그리고``Erfindung und Entdecku.ng" ("발명과 발견",[173] 1961)은 1961년까지 개발된 아이디어들을 마지막으로 요약한 것이다.[citation needed]이 시간적 이론들을 종합해 보면

전체 구성 요소의 구조"음색"로 간주될 수 있을 때 어떤 주어진 구성 요소의 수준에 따르면 전체 음악적 결과"이 통일된 시간의 다른 세그먼트 소: 얇은 널빤지 따위 범위에 색채, 화음과 멜로디, 미터와 리듬, 역학, 그리고 형태 등 다른 경험이 풍부한 구성 요소 해당한다"[174]는 단순히"spect 추천.rum"보다 기초적인 지속시간(즉, 해당 지속시간의 오버톤 구조의 전체적인 효과로 인식되는 "계기"는 현재 해당 지속시간의 "계기" 세분화뿐만 아니라 상대적인 "계기" 강도, "계기" 등을 포함하는 것으로 간주된다.

...

구성적으로 고려했을 때, 이것은 "근본적"에 대한 그들의 관계 때문에 개별적인 음색에서 서로 관련된 음색의 전체 콤플렉스로의 초점을 변화시켰는데, 그것은 아마도 1950년대 후반에 스톡하우젠의 음악뿐만 아니라 "선진적" 음악에 대한 가장 중요한 구성 발전이었을 것이다.일반의[175]

순전히 이론적 관점에서(특정 구성에 대한 설명으로 그들의 맥락에서 분리) 고려된 이러한 생각들 중 일부는 중대한 비판적 불을 이끌어냈다.[176][177][178]이 때문에 슈톡하우젠은 이런 글들에 대해 '쓸데없는 장대미학'이 많이 생겨났다고 느끼고 작곡에 관심을 집중하는 것을 선호해 수년 동안 이런 글들을 출판하는 것을 중단했다.[179]

1960년대를 거치면서 공개적으로 가르치고 강의했음에도 불구하고, 스톡하우젠은 분석적 또는 이론적 성격을 거의 출판하지 않았다.[180]1970년에야 그는 다시 이론적 기사를 쓰기 시작했는데, 다름스테드 페리엔쿠르스를 위한 여섯 개의 세미나 강의의 추상적인 "크리테리엔"과 함께 말이다.[181]The seminars themselves, covering seven topics ("Micro- and Macro-Continuum", "Collage and Metacollage", "Expansion of the Scale of Tempos", "Feedback", "Spectral Harmony—Formant Modulation", "Expansion of Dynamics—A Principle of Mikrophonie I", and "Space Music—Spatial Forming and Notation") were published only posthumously.[182]

그의 수집된 저술은 그의 작곡 이론과 음악에 대한 분석을 일반적인 현상으로 하는 등 Texte jur Musik에 발표되었다.[183]

리셉션

음악적 영향

스톡하우젠은 "20세기 음악의 위대한 선지자 중 한 명"으로 묘사되어 왔다.[184]그의 두 초기 전자학(특히 두 번째)은 1950년대와 1960년대 이후 전자음악의 발전에 큰 영향을 미쳤으며, 특히 이탈리아인 프랑코 에반젤리스티와 폴란드인 안드르제즈 도브로볼스키브와지미에르츠 코토스키의 작품에서 그러했다.[185]그의 콘트라펑크테, Zeitmasse, 그리고 Gruppen영향은 이고르 스트라빈스키의 트레니(1957–58)와 피아노와 오케스트라를 위한 무브먼트(1958–59)를 포함한 많은 작곡가들의 작품에서 볼 수 있다. 그의 리듬은 "최소한 부분적으로는 스톡하우젠의 그루펜의 특정 구절에 의해 영감을 받은 것 같다"고 암기엄의 알두스 헉슬리(1963–64)가 말했다.[186]슈톡하우젠 세대의 음악은 거의 영향을 미치지 않는 것처럼 보일 수 있지만 스트라빈스키 씨는 1957년 대화에서 이렇게 말했다.

나는 그들 세대가 10년간의 영향력과 유행을 겪은 후, 더 이상의 발전과 다음 세대로부터 자신을 봉쇄하는 작곡가들의 장관을 내 주위에 가지고 있다. (내가 이렇게 말하듯이, 예외는, 예를 들어, 크레넥이라는 것이 떠오른다.)물론 후배들에게 배우는 데는 더 큰 노력이 필요하며, 그들의 매너도 변함없이 좋은 것은 아니다.그러나 당신이 75세이고 당신의 세대가 4명의 젊은 세대들과 겹칠 때, 당신은 "작곡가들이 얼마나 멀리 갈 수 있는지" 미리 결정하지 말고, 새로운 세대를 새롭게 만드는 어떤 새로운 것을 발견하려고 노력해야 한다.[187]

영국 작곡가들 사이에서 해리슨 비르트위슬 경은 스톡하우젠의 Zeitmaße(특히 그의 두 개의 바람 5중주곡인 Reforgines와 Choruss and Five Distance)와 그루펜이 자신의 작품에 미치는 영향을 보다 일반적으로 인정한다.[188][189][190][191][192]브라이언 페니허클라비에르슈튀케 I-IV, 크루즈스피엘, 콘트라펑테의 "기술적이고 투기적인 혁신"이 첫 만남에서 빠져나갔지만 그럼에도 불구하고 "흔들린 감정, 그들의 대담함에 의해 야기된 이로운 충격의 결과"를 만들어내며 "모방이 아닌 동기부여의 중요한 원천"을 제공했다고 말한다.내 조사를 위해서"[193]라고 말했다.아직 학교에 있는 동안, 그는 그루펜의 영국 전설을 듣고 매료되었다.

이 공연의 녹음을 여러 번 들으면서, 그 비밀, 즉 그것이 항상 폭발할 것처럼 보였지만, 그럼에도 불구하고 그것의 핵심에 상처를 입지 않고 가까스로 탈출할 수 있었던 방법, 즉 그 비밀을 꿰뚫어 보려고 애쓰면서, 그 연주에 대한 녹음을 여러 번 들었다.돌이켜보면, 이러한 혼란으로부터 오늘날까지 남아 있는 형식적인 질문들에 대한 나의 관심으로 태어난 것이 분명하다.[193]

비록 결국 그 나름의 방향으로 진화했지만, 1967년 페르니호우의 바람 섹스테트인 프로메테우스는 스톡하우젠의 자이트마주와의 직접적 만남에서 비롯된 코르앵글라이스와 함께 바람 5중주로서 시작되었다.[194]스톡하우젠의 후기 작업에 대해서는 이렇게 말했다.

나는 스톡하우젠의 발전을 특징짓는 어휘의 많은 변형이 그가 젊었을 때 가졌던 엄격한 질서의 초기 비전을 실행할 수 없다는 명백한 징조라는 논문에 (어떠한 개인적인 거리라도) 가입해 본 적이 없다.오히려 내가 보기에는 그의 전제를 계속 재고해 온 것이 시간이 흐르면 더욱 분명해질 현저하게 질긴 역사의식의 실타래를 유지하게 된 것 같다……스톡하우젠의 작품 덕분에 잠깐이라도 음악의 세계를 다르게 보지 못한 중재 세대의 작곡가가 단 한 명도 있었는지 의심스럽다.[193]

짧은 글이 자신의 일에 대한 영향을 설명하는에서, 리처드 바렛은 결론을 내리고 있다는"나 떨어져 물론 나는 예상하는 다음 청문회에 대부분의 Karlheinz채 남아 있는 작곡가,"과 그의 음악적 생각 만트라, Gruppen, 카레, Klavierstück X, Inori, Jubiläum에 대한 특정한 영향을 미쳤다 작품으로 이름.[195]

프랑스 작곡가 겸 지휘자 피에르 불레즈는 "스톡하우젠은 현존하는 작곡가 중 가장 위대한 작곡가며, 내가 나의 또래로 인정하는 유일한 작곡가"[196][197]라고 선언한 바 있다.Boulez는 또한 스톡하우젠의 Zeitmaße를 지휘자로써의 후속 발전에 공연한 영향도 인정했다.[198]또 다른 프랑스 작곡가 장 클로드 엘로이는 스톡하우젠을 20세기 후반의 가장 중요한 작곡가로 간주하고 있으며, 사실상 "그의 모든 작품 카탈로그"를 "강력한 발견[sic]과 진정한 계시"로 인용하고 있다.[199]

네덜란드의 작곡가 루이스 안드리센은 1968년 그의 중추적인 작품 콘트라 템푸스에서 스톡하우젠의 모멘테의 영향을 인정했다.[200]슈톡하우젠과 함께 공부한 독일 작곡가 볼프강 림모멘트찬송가, 이노리의 영향을 받았다.[201]

1960년 쾰른 ISCM 페스티벌에서 덴마크의 작곡가 페르 뉘르그르트는 슈톡하우젠의 콘탁테와 카겔, 불레즈, 베리오의 곡을 들었다.그는 그가 들은 것에 깊은 영향을 받았고 그의 음악은 갑자기 "모든 변수에 엄격한 조직, 어느 정도의 알레아토리즘과 통제된 즉흥 연주와 함께 다른 음악으로부터의 콜라주에 대한 관심을 포함하는 훨씬 더 불연속적이고 분리된 스타일"[202]로 바뀌었다.

마일스 데이비스,[203] 찰스 밍거스,[citation needed] 허비 핸콕,[204] 유세프 라테프,[205][206] 앤서니 브랙스턴[207] 등 재즈 뮤지션들은 스톡하우젠을 영향력으로 꼽는다.

스톡하우젠은 팝과 록 음악에서도 영향력이 있었다.프랭크 자파는 《발명의 어머니》 1966년 데뷔한 《Freak Out!》의 라이너 노트에서 스톡하우젠을 인정한다.미국에서 발매된 The Who's 두 번째 LP의 뒷면에는 그들의 1차 작곡가 겸 기타리스트인 피트 타운젠드(Pete Townshend)가 '스톡하우젠에 대한 관심'을 갖고 있다고 한다.핑크 플로이드의 릭 라이트로저 워터스도 스톡하우젠을 영향력으로 인정한다.[208][209]샌프란시스코의 사이키델릭 그룹인 제퍼슨 항공과 감사하는 사드는 같은 일을 했다고 한다;[210] 스톡하우젠은 감사하는 사자가 "새로운 음악에 잘 적응했다"[211][verification needed]고 말했다.쾰른에 기반을 둔 실험 밴드 , 어민 슈미트, 홀거 쿠케이의 창단 멤버들은 둘 다 쾰른 음악 강좌에서 스톡하우젠과 함께 공부했다.[212]독일의 전자 선구자 크래프트워크도 스톡하우젠과 함께 공부했다고 말하고,[213] 아이슬란드 출신의 보컬리스트 비외르크는 스톡하우젠의 영향력을 인정했다.[214][215][216]

문화적 명성 확대

스톡하우젠은 존 케이지와 함께 대중의 의식을 파고드는 데 성공한 몇 안 되는 아방가르드 작곡가 중 한 사람이다.[217][218][184]비틀즈병장의 표지에 그의 얼굴을 포함시켰다. 페퍼의 Lonely Hearts 클럽 밴드.[219]이는 밴드 자체의 아방가르드 실험에 대한 그의 영향력은 물론 그 무렵(1967년)까지 달성한 전반적인 명성과 악명을 반영한다.[citation needed]특히 '인생의 하루'(1967년)와 '레볼루션 9'(1968년)는 스톡하우젠의 전자음악의 영향을 받았다.[220][221]스톡하우젠의 이름, 그리고 그의 음악에 대한 인지된 이상함과 듣기가 불가능하다고 여겨지는 것은, 공식 스톡하우젠 웹사이트(스톡하우젠 만화)의 한 페이지에 기록된 바와 같이, 만화의 펀치라인이기도 했다.아마도 스톡하우젠에 대한 가장 신랄한 발언은 토마스 비첨 경의 말이었을 것이다.'스톡하우젠에 대해 들어본 적이 있느냐'는 질문에 "아니다만, 일부에서는 그런 적이 있다고 생각한다"[222]고 답한 것으로 알려졌다.

스톡하우젠의 명성은 문학 작품에도 반영된다.예를 들어, 그는 필립 K에 언급되어 있다.의 1974년 소설 "내 눈물 흐르네"와 "경찰이 말했다"[223] 그리고 토마스 핀촌의 1966년 소설 "The Crying of Lot 49"에 나오는 소설이다.핀촌 소설에는 '엄격한 전자음악 정책'을 내세운 술집 '더 스코프'가 등장한다.주인공 오이디파 마스는 '주크박스의 일종'에서 나오는 '후루프와 이블의 후렴구'에 대해 '엉덩이 회색곰팡이'에게 묻는다.그는 "그건 스톡하우젠의...초창기 군중들은 당신의 라디오 쾰른 소리를 듣는 경향이 있다.나중에 우리는 정말로 그네를 탄다."[224]

프랑스 작가 미셸 부토는 슈톡하우젠의 음악이 특히 전자 작품인 게상쩡링게찬송가를 언급하면서 "나를 많이 괴롭혔다"고 인정한다.[225]

그의 말년에, 스톡하우젠은 적어도 한 언론인, 가디언지의 존 오마호니에 의해 괴짜로 묘사되었는데, 예를 들어 오마호니가 두 여성과 효과적으로 다처제 생활을 하고 있다고 주장되는 한편, 오마호니는 두 여성 모두와 결혼하지 않았다고 말했다.[17]같은 기사에서, 오마호니는 스톡하우젠이 자신이 시리우스 항성을 돌고 있는 행성에서 태어났다고 말했다고 주장하고 있다.슈톡하우젠은 독일 신문 디제이트(Die Zeit)에서 시리우스(Sirius)에서 교육을 받았다고 밝혔다(아래 논쟁 참조).

비판

로빈 매코니는 "스톡하우젠의 음악은 동시대 사람들의 작품과 비교해 볼 때 상당히 뛰어난 깊이와 합리적 무결성을 가지고 있다...마이어-에플러가 처음 지도한 그의 연구는 당시 또는 그 이후 다른 작곡가들과는 다른 일관성을 가지고 있다.[226]마코니는 또한 스톡하우젠을 베토벤에 비유한다: "만약 천재가 모든 설명의 시도에서 살아남은 아이디어라면, 그 정의에 따르면 스톡하우젠은 금세기 베토벤과 가장 가까운 것이다.이유?그의 음악은 지속된다"[227]는 말과 "스트라빈스키가 말했듯이, 발명의 질은 단순한 장인정신을 초월하기 때문에 베토벤을 훌륭한 오케스트라로 생각하지 않는다.그것은 스톡하우젠과 같다: 상상력의 강렬함은 의식적인 디자인보다는 필요성에서 비롯되는 요소적이고 겉보기에는 헤아릴 수 없을 것 같은 아름다움에 대한 음악적 인상을 불러일으킨다."[228]

크리스토퍼 발란틴은 실험음악과 전위음악의 범주를 비교하면서 다음과 같이 결론짓는다.

아마도 스톡하우젠은 다른 어떤 현대 작곡가보다도 실험적인 음악과 전위적인 음악 사이의 변증법이 뚜렷해지는 시점에 존재할 것이다; 이러한 다양한 접근법이 수렴되는 것은 그 어느 곳보다도 분명히 그 안에 있다.이것만으로도 그의 주목할 만한 의의를 시사하는 것 같다.[229]

이고르 스트라빈스키로버트 크래프트와의 대화책에서 스톡하우젠의 음악에 대한 대단하지만 비평가적이지는 않은 열정을 표현했고,[230] 수년 동안 스톡하우젠의 최신작의 테이프를 틀었던 그의 집에서 친구들과 비공개 청취회를 조직했다.[231][232]그러나 1968년 3월에 발표된 인터뷰에서 그는 정체불명의 사람에 대해 말한다.

나는 일주일 내내 한 시간 남짓한 시간 전에 머무르는 그의 능력에 대해 크게 존경받는 작곡가의 피아노 음악을 듣고 있었지만, 18세기 가장 지루한 음악의 네 스쿼리보다 더 단조롭게 구성되는 음표 덩어리와 침묵의 교대 현상을 발견한다.[233]

이듬해 10월, 소베츠카이아 무지카에서[234] 한 보고서는 이 문장(그리고 같은 기사의 몇몇 다른 것들도)을 러시아어로 번역하여, 접속사 "아이메우 바이두 칼케인사 쇼톡하우젠나"("나는 칼하인츠 슈톡하우젠을 지칭한다")를 대신했다.이 번역이 드러스킨스키의 스트라빈스키 전기에서 인용되었을 때, 그 분야는 스톡하우젠의 모든 작곡으로 확대되었고 드러스킨은 "사실, 그가 불필요하고 쓸모없고 흥미없다고 부르는 작품들"이라고 좋은 척도로 덧붙였는데, 다시 같은 소베츠카이아 무지카 기사를 인용하여, 비록 그 성격화가 아메르의 작품이라는 것을 분명히 했음에도 불구하고, 같은 기사를 인용하였다.ican "대학 작곡가".[235]

1995년 초 BBC 라디오 3는 스톡하우젠에게 현대 예술가 아펙스 트윈, 리치 호틴(플라스틱맨), 스캐너, 다니엘 펨버튼의 녹음 파일을 묶은 꾸러미를 보내 음악에 대한 의견을 물었다.그해 8월 라디오 3의 기자 딕 위츠는 이 곡들에 대해 10월 방송을 위해 스톡하우젠과 인터뷰를 했고, 이후 영국 출판사 와이어 11월호에 이 젊은 음악가들에게 어떤 조언을 해줄 것인지 물었다.스톡하우젠은 각각의 음악가들에게 제안을 했고, 그들은 그 후 응답하도록 초대되었다.플라스티크먼을 제외한 모든 사람들이 의무적으로 해야 했다.[236]

논란

스톡하우젠은 선수 생활 내내 논란을 불러일으켰다.그 이유 중 하나는 그의 음악이 '세계를 형성하고 변화시키는 것, 삶의 진실과 현실에 대한 것, 영혼이 결정한 미래로의 창조적 출발'에 대한 높은 기대를 나타내고 있기 때문에, 스톡하우젠의 작품은 "새로운 음악의 역사에서 다른 것은 아니지만, 양극화 효과를 가지고 있고, 열정을 불러일으키며, 과감한 o를 유발한다"는 것이다.'[237]증오'라고까지 할 수 있어또 다른 이유는 스톡하우젠 자신이 1960년 9월 4일 바이에른 라디오와의 인터뷰에서 자신의 첫 번째 저술집 서문으로 재인쇄된 질문에 대한 답변에서 인정받았다.

나는 종종, 특히 최근에, 너무 솔직하다는 비난을 받아왔고, 이를 통해 적지 않은 적들이 나 자신에게 외교적이지 않다는 비난을 받아왔다.다음과 같이 인정해야 한다.나는 신비주의자나 은둔자나 외교관이 아닌 난해한 사람으로서 재능이 있는 것이 아니다. 그것은 나의 동료 인간에 대한 사랑이 솔직함으로 표현되는 것과 일치한다.나는 나의 적들이 이 일로 나를 파괴하지 않기를 바란다; 나는 또한 나의 적들이 내가 고귀하고 진정으로 인간적인 형태의 적의를 통해 나를 존중해 주는 풍부하게 공상적이고, 재치 있고, 적절하고, 교훈적인 응징의 형태를 찾기를 바란다.[238]

1968년 학생이 반란을 일으킨 후 독일에서의 음악적 생활은 매우 정치화되었고, 슈톡하우젠은 특히 "계급투쟁을 위해 봉사하는" 음악을 원하는 좌파 진영으로부터 자신을 비판의 대상으로 삼았다.코넬리우스 카듀콘라드 보흐머는 전 스승이 "자본주의의 종군자"라고 비난했다.음악이 정치적 이념보다 덜 중요한 풍토에서, 일부 비평가들은 스톡하우젠이 너무 엘리티스트라고 주장하는 반면, 다른 비평가들은 그가 너무 신비롭다고 불평했다.[239]

프레스코 초연에서의 스캔들

독일 잡지 《더 슈피겔》에 보도된 바와 같이, 1969년 11월 15일 스톡하우젠의 4개 관현악단(다른 4개 장소에서 연주)의 작품 《프레스코》의 프리메라(그리고 현재까지 유일하게 공연)는 스캔들의 현장이었다.이미 리허설에는 '글리산도 1분당 1옥타브 이하'와 같은 방향에 의문을 제기하는 관현악인들의 반대와 이들이 진정으로 스톡하우젠 작품을 오케스트라의 일부로서 수행해야 하는지를 명확히 하기 위해 예술인 조합에 전화를 거는 등의 반대 의견이 눈에 띄었다.시사회 뒷마당 준비실에는 "우리는 놀고 있다, 그렇지 않으면 해고될 것이다"라는 손글씨가 적힌 팻말이 보였다.첫 공연 동안, 몇몇 음악 스탠드의 부분들은 갑자기 "스톡하우젠 주"와 같은 것을 읽는 플래카드로 대체되었다.제발 먹이지 마"라고 누군가 심은 것이다.공연이 4~5시간 계획되어 있었지만, 원숭이들에게 진저리가 난 몇몇 음악가들은 1시간 후에 떠났다.스톡하우젠 팬들은 항의했고, 스톡하우젠 적들은 음악가들에게 "어떻게 그런 쓰레기 같은 일에 참여할 수 있냐"고 물었다("Wie könt ihr blooming so eine Scheiße machen!"어느 순간 누군가가 음악가들을 어둠 속에 남겨둔 채 겨우 스탠드 불을 껐다.260분 후, 공연은 더 이상 아무도 참여하지 않고 끝났다.[240]

시리우스 항성계통

카를하인츠 슈톡하우젠은 독일 신문 디제이트의 부고문에서 "아직 쾰른 인근 쿠르텐에 살고 있지만 시리우스에서 교육을 받았으며 그곳으로 돌아가고 싶다"[241]고 말한 것으로 전해졌다.이 소식을 들은 지휘자 마이클 질렌은 이렇게 말했다. "그가 시리우스에서 무슨 일이 일어나고 있는지 알고 있다고 말했을 때, 나는 공포에 질려 그를 외면했다.그 후로는 쪽지 한 장도 듣지 않았소."그는 스톡하우젠의 진술을 '허브리스'와 '말도 안 되는 소리'라고 하면서 동시에 점성술에 대한 자신의 신념을 옹호하는 동시에 "이 큰 천체들이 무엇 때문에 서 있지 않으면 안 되는가?나는 우주에 분별없는 것이 있다는 것을 상상할 수 없다.우리가 이해하지 못하는 것이 많다"[242]고 말했다.

9월 11일 테러

2001년 9월 16일 함부르크에서 열린 기자회견에서, 스톡하우젠은 한 언론인으로부터 리히트의 등장인물들이 "거의 공통적인 문화사에서 나온 일부 인물들"인지, 아니면 "물질적인 모습"인지를 물었다.슈톡하우젠은 "나는 마이클에게 매일 기도하지만 루시퍼에게는 기도하지 않는다.나는 그를 포기했다.하지만 그는 최근 뉴욕처럼 매우 많이 참석하고 있다."[243]이어 같은 저널리스트는 9월 11일의 사건이 자신에게 어떤 영향을 미쳤는지, 찬송가엔에 대표되는 인류의 조화와 관련하여 공격에 대한 보도를 어떻게 보는지 물었다.그는 이렇게 대답했다.

음, 거기서 일어난 일은, 물론, 이제 여러분 모두가 머리를 조절해야 하는데, 지금까지 있었던 가장 큰 예술 작품이었습니다.영혼들이 음악 속에서 우리가 꿈도 꾸지 못하는 것을 한 번의 연기로 성취한다는 사실, 사람들은 10년을 미친 듯이, 광적으로 연주회를 위해 연습한다.그리고 나서 죽는다.[엄청나게.]그리고 그것은 코스모스 전체를 위해 존재하는 가장 위대한 예술 작품이다.거기서 무슨 일이 일어났는지 상상해보라.이 한 번의 공연에 그렇게 집중한 사람들이 있는데, 그 후 5천 명이 부활로 몰린다.한순간에.나는 그렇게 할 수 없었다.그것에 비하면 우리는 작곡가로서 아무것도 아니다.] [...] 물론 그것은 범죄다, 국민들이 동의하지 않았기 때문이다.그들은 "콘서트"에 오지 않았다.그것은 명백하다.아무도 그들에게 말하지 않았다. "그 과정에서 죽을 수도 있다."[244]

스톡하우젠의 논평에 대한 언론 보도에 대한 반응의 결과, 함부르크에서 4일간의 작품 축제가 취소되었다.게다가, 그의 피아니스트 딸은 "스톡하우젠"이라는 이름으로 더 이상 출연하지 않겠다고 언론에 발표했다.[245]이후 이어진 메시지에서 그는 언론이 그의 발언에 대해 "거짓, 모욕적인 보도"를 발표했다고 진술하고 다음과 같이 말했다.

함부르크에서 열린 기자회견에서 나는 마이클, 이브, 루시퍼가 과거의 역사적 인물이었는지 물었고 나는 그들이 지금 존재한다고 대답했는데, 예를 들면 뉴욕의 루시퍼였다.내 작품에서, 나는 루시퍼를 반란의 우주적 정신, 무정부상태라고 정의했다.그는 높은 수준의 지능을 이용해 창조를 파괴한다.그는 사랑을 모른다.미국의 사건들에 대해 더 많은 질문을 한 후, 나는 그러한 계획이 루시퍼의 가장 위대한 예술 작품으로 보인다고 말했다.물론 나는 루시퍼에서 의인화된 파괴의 작품을 의미하기 위해 "예술 작품"이라는 명칭을 사용했다.내 다른 논평의 맥락에서 이것은 분명했다.[246]

명예

슈톡하우젠, 안넬리제 로텐베르거, 에도와르트(1969년)
카를하인츠-스톡하우젠-플라츠와 쿠르텐의 알테스 라타우스

스톡하우젠에게 부여된 수많은 명예와 특색 중에는 다음과 같은 것들이 있다.

  • 1964년 [247]독일 축음기 비평가상
  • 1966년 및 1972년 관현악 작품 SIMC상(이탈리아)[247]
  • 1968년 노르트라인베스트팔렌 주의 음악 대상,[247] 그랑프리디스크(프랑스)[247]함부르크 자유 예술 아카데미 [32]회원
  • 1968년, 1969년 및 1971년 에디슨상(네덜란드)[247]
  • 1970년 스웨덴 왕립 음악 아카데미[32]회원
  • 1973년 베를린 예술원 [247]회원
  • 1974년 연방 공로회, 제1종(독일)[247]
  • 1977년 로마 필하모닉 아카데미 [32]회원
  • 1979년 [248]미국 아카데미문학 협회 명예 회원
  • 1980년 유럽과학예술문자협회 회원[fr][32]
  • 1981년 이탈리아 음악 비평가 도너스타그 aus Licht [247]상.
  • 1982년 독일 축음기상(독일 축음기 아카데미)[247]
  • 1983년 도너스타그 aus Licht를 위한 디아파손 도르(프랑스).[32]
  • 1985년 지휘관 de l'Ordre des Arts et des Letres(프랑스);[32]
  • 1986년 Ernst von Siemens 음악상;[249][247]
  • 1987년 [32]런던 왕립 음악 아카데미의 명예 회원
  • 1988년 [250]쿠에르텐 공동체의 명예시민
  • 1989년 [251]미국 예술 과학 아카데미 명예 회원
  • 1990년 [252][247]포뮬러 원 오스트리아 린츠 일렉트로니카
  • 1991년 아일랜드 왕립 음악 아카데미의 명예 펠로, 로마 산타 카실리아 나치오날레의 악카덴코 오노라리오, 사운드 프로젝트의 명예 후원자 바이마르
  • 1992년 IMC-UNESCO 피카소 메달,[247] 독일 노르트라인-웨스트팔렌 주의 공로상,[247] 루지퍼스 탄즈의 점수에 대한 독일 음악 출판 협회상(빛에서 토요일 3번째 장면)[247]
  • 1993년 유럽 플루트 축제의 후원자; 클라비에르슈튀케 I-XI미크로포니 1세2세 디아파손 도르;[247]
  • 1994년 독일 음악 퍼블리셔 소사이어티상(Light에서 화요일 1막)[247]
  • 1995년 독일 전기음향음악협회 명예회원, 함부르크시 바흐상.[247]
  • 1996년 명예박사학위(닥터 필.베를린 자유대학의 h. c.); 유럽 문화 수도 코펜하겐의 작곡가; 만트라에 대한 에디슨 상(네덜란드),[247] 라이프치히 예술 아카데미 회원;[32] 라이프치히 오페라의 명예 회원;[32] 쾰른 문화상;[247]
  • 1997년 독일 음악 출판사 협회상(빛에서 수요일 첫 장면)[247]마드리드 음악 앙상블 림(Lemonatorio de Edomaticion Music), [32]명예 단원
  • 1999년 [247]쾰른 시 금서 등재
  • 2000년 Evas Erstgeburt (Light에서 월요일 1막)[247]의 점수에 대한 독일 음악 출판 협회상
  • 2000-2001년 퀘이 브라더스(잉글랜드)가 카를하인츠 슈톡하우젠의 콘크리트와 전자음악으로 만든 영화 In In Antinia가 라이프치히에서 열린 국제애니메이션영화제에서 황금 비둘기(1등)를 수상했다.추가 상: 특별 쥬리 언급, 몬트리올, FCM 2000; 특별 쥬리 상, 탐페르 2000; 특별 언급, 골든 프라하 상, 명예 졸업장 상, 크라코프 2001; 최우수 애니메이션 단편 영화, 50회 멜버른 국제 영화제, 그랑프리, 투르쿠 핀란드 2001;[247]
  • 2001년 독일 음악 출판사 협회 헬리콥터 현악 사중주곡상(빛에서 수요일 세 번째 장면);[247] 스웨덴 왕립 예술 아카데미의 극음악상.[247]
  • 2002년 [32]영국 소닉 아트 네트워크 명예 후원자
  • 2003년 독일 음악출판사 협회상(빛에서 수요일 4번째 장면)[32]
  • 2004년 Academy Royale des Sciences, des Letres & des Beaux-arts(벨기에)[32]의 관련 회원명예박사(필 박사)Belfast에 있는 퀸즈 대학의 h. c.);[32] 6개 기악 그룹에 대한 Stop and Start 점수에 대한 독일 음악 출판 협회상;[253]
  • 2005년 독일 음악 출판사 협회 합창단 호치 자이텐 점수(빛에서 일요일 5장)[253]
  • 2006년 악카데미 필라모니카볼로냐 [32]명예회원
  • 2008년 8월 22일, 스톡하우젠의 생일인 그의 고향인 쾨르텐의 라타우스플라츠는 그의 영예로 카를하인츠-스톡하우젠-플라츠로 개명되었다.[254]
  • 2008년 10월 10일 네덜란드 헤이그 왕립 음악원의 전자음악 스튜디오가 칼하인츠 슈톡하우젠 스튜디오로 명칭을 변경하였다.[255][256]
  • 2009년 독일 음악 출판사 협회 솔로 소프라노, 4개의 합창 그룹, 13명의 기악가에게 수여되는 Momente 점수에 대한 상.[54]
  • 2010년 쿠르텐 시에서는 고(故)[257] 작곡가를 기리기 위해 "스톡하우젠게민데"(스톡하우젠 시)라는 명칭을 채택하고 있다.

저명한 학생

참조

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