서양화

Western painting
북쪽의 [1]모나리자로 알려진 진주 귀걸이를 한 요하네스 베르메르소녀 (1665–1667).
에두아르 마네의 발코니(1868)

서양화의 역사는 비록 붕괴되긴 했지만 고대부터 현재까지 [2]지속되어 온 전통을 나타낸다.19세기 중반까지 그것은 주로 표현과 고전적인 생산 방식에 관한 것이었고, 그 후 더 현대적이고 추상적이며 개념적인 형태가 [3]인기를 얻었다.

처음에는 황실, 개인, 시민, 그리고 종교적 후원을 제공했지만, 서양화는 나중에 귀족과 중산층의 청중을 찾았다.중세부터 르네상스 시대의 화가들은 교회와 부유한 [4]귀족들을 위해 일했다.바로크 시대를 시작으로 예술가들은 더 교육받고 번영한 [5]중산층으로부터 사적인 의뢰를 받았다.프란시스코고야, 존 컨스터블, J. M. W.[7] 터너와 같은 낭만주의 화가들의 작품에서 "예술[6]위한 예술"이라는 개념이 표현되기 시작했다.19세기 동안 상업 갤러리가 설립되었고 20세기에도 [8][9]계속 후원자를 제공했다.

서양화는 드로잉의 정교함, 원근법, 야심찬 건축, 태피스트리, 스테인드글라스, 조각, 그리고 인쇄기[10]출현 전후의 시대와 함께 르네상스 기간 동안 유럽에서 절정에 달했다.발견의 깊이와 르네상스의 혁신의 복잡성을 따라, 서양 회화의 풍부한 유산은 바로크 시대부터 현대 [11]미술까지 이어졌다.

선사 시대

회화의 역사는 선사시대 화가들의 유물로 거슬러 올라가며 모든 문화에 걸쳐 있다.가장 오래된 것으로 알려진 그림들은 프랑스의 Grotte Chauvet에 있으며, 일부 역사가들에 의해 약 32,000년 전의 것이라고 주장되고 있다.그것들은 붉은 황토색과 검은 색소를 사용하여 새겨지고 그려지며 말, 코뿔소, 사자, 버팔로, 매머드, 또는 사람들이 사냥을 자주 하는 것을 보여준다.프랑스, 인도, 스페인, 포르투갈, 중국, 호주 등 전 세계에 동굴 벽화의 가 있다.그림들이 발견된 여러 장소들에서 공통적인 주제들이 많이 있다; 목적의 보편성과 예술가들이 이미지를 창조하도록 영감을 줬을지도 모르는 충동들의 유사성을 암시한다.이 그림들이 작가들에게 어떤 의미를 가지고 있었는지에 대해서는 여러 가지 추측이 나오고 있다.선사시대 남성들은 동물을 더 쉽게 사냥하기 위해 그들의 영혼이나 정신을 "잡기" 위해 그렸을 수도 있고, 그 그림들은 애니멀한 비전과 주변 자연에 대한 경의를 나타낼 수도 있고, 인간에 내재표현의 기본적인 필요성의 결과일 수도 있고, 예술가들과 그들의 삶의 경험에 대한 기록일 수도 있다.관련된 이야기를 들을 수 있을 것 같아요.

서양화

그리스 로마

최초의 서양 문명은 미노아 문명으로도 알려져 있다.미노아 그림은 기원전 약 3000년부터 1100년까지 청동기 에게 해 미노아 문명에 의해 만들어진 예술이지만, 가장 광범위하고 훌륭한 유물은 기원전 2300년부터 1400년까지이다.그것은 에게 미술의 광범위한 그룹의 일부를 형성하고 있으며, 후기에 키클라디아 미술에 지배적인 영향을 끼치게 되었다.나무와 직물이 부패했기 때문에, 미노아 미술의 가장 잘 보존된 (그리고 가장 교훈적인) 현존하는 예들은 [13]도기, 궁궐 건축, 다양한 재료의 작은 조각품, 보석, 금속 용기, 그리고 복잡하게 조각된 인감들이다.

그것은 고대 이집트와 고대 근동의 이웃 문화에 의해 영향을 받았고, 그것은 훨씬 더 오랫동안 정교한 도시 예술을 생산했지만, 작지만 부유한 상업적인 미노아 도시들의 특징은 매우 달랐고, 큰 사원에 기반을 둔 종교, 군주, 또는 전쟁에 대한 증거는 거의 없었다. 그리고 "모든 상상력과 c"아주 젊은 문화의 신선함 같은 것"이라고 말했다.[14]미노아 문화의 이러한 모든 측면들은 다소 미스터리하게 남아있다.싱클레어 후드는 "최고의 미노아 미술의 본질, 고도의 관습을 따르지만 움직임과 삶의 분위기를 만들어내는 능력"[15]이라고 묘사했다.

미노아 미술품 중 가장 크고 최고의 소장품은 크레타 북부 해안의 크노소스 근처에 있는 헤라클리오 고고학 박물관 (AMH)에 있다.미노아 미술과 물질 문화의 다른 잔재들, 특히 도자기 스타일의 시퀀스는 고고학자들에 의해 미노아 문화의 세 가지 주요 단계(EM, MM, LM)와 그들의 많은 하위 단계를 정의하기 위해 사용되어 왔다.이에 첨부되는 날짜는 좁혀지는 [16]범위 내에 있지만 여전히 많이 논의되고 있다.

미노아 미술과 다른 현대 문화 및 이후 고대 그리스 미술의 관계는 많이 논의되어 왔다.크레타가 미케네인들에게 점령된 이후에도, 그것은 분명히 같은 [17]시기의 미케네 미술과 키클라디아 미술을 지배했지만, 미케네 [18]그리스가 멸망한 후 그리스 암흑 시대에는 전통의 일부 측면만 살아남았다.

이집트 북쪽에는 크레타 미노아 문명이 있었다.크노소스 궁전에서 발견된 벽화들은 이집트인들의 그것과 비슷하지만 훨씬 더 자유롭다.

기원전 4세기 그리스 베르기나의 마케도니아 여왕 에우리디케 1세 무덤에서 하데스와 페르세포네가 전차를 타고 있는 모습을 그린 프레스코.

기원전 1100년경, 그리스 북쪽의 부족들이 그리스를 정복했고 그리스 예술은 새로운 방향을 잡았다.고대 그리스의 문화는 시각 예술에 대한 뛰어난 공헌으로 주목할 만하다.고대 그리스의 도자기와 도자기에 그림을 그리는 것은 고대 그리스의 사회가 기능하는 방식에 대한 특별한 정보를 준다.검은 꽃병 그림이나 붉은 꽃병 그림의 좋은 예가 많이 남아 있다.나무 판넬로 작업하고 텍스트에서 언급되는 유명한 그리스 화가로는 아펠레스, 제우시스, 파라시우스 등이 있다. 그러나 피타 판넬을 제외하고는 고대 그리스 판넬 그림의 예는 남아있지 않고 동시대 혹은 후기 로마인들이 기술한 것 뿐이다.Zeuxis는 기원전 5세기에 살았고 sfumato를 최초로 사용한 것으로 알려져 있다.대 플리니에 따르면, 그의 그림의 사실성은 새들이 채색된 포도를 먹으려고 할 정도로 사실적이었다고 한다.아펠레스는 고대 최고의 화가로 묘사되며, 그림, 선명한 색채, 그리고 모델링에 있어서 완벽한 기술로 알려져 있다.

로마 미술은 그리스의 영향을 받아 부분적으로 고대 그리스 회화의 후예로 받아들여질 수 있다.하지만, 로마 그림은 중요한 독특한 특징을 가지고 있다.남아 있는 로마 그림들은 벽화와 프레스코화를 포함하는데, 많은 그림들은 폼페이나 헤르쿨라네움같은 장소에 있는 남부 이탈리아의 캄파니아에 있는 별장들에서 나왔다.이러한 그림은 4개의 주요 "스타일" 또는[19] 시기로 분류될 수 있으며, trompe-l'ilil, 의사 원근법 및 순수한 [20]풍경화의 첫 번째 예를 포함할 수 있다.고대 세계에서 살아남은 거의 유일한 초상화는 알-파염후기 골동품 공동묘지에서 발견된 흉상 형태의 관 초상화이다.비록 이 작품들은 최고의 시대도 아니고 최고의 작품도 아니지만, 그 자체로 인상적이고, 가장 훌륭한 고대 작품이 가지고 있어야 할 품질을 짐작하게 한다.후기 앤티크 그림책의 아주 적은 수의 미니어처도 남아 있고, 중세 초기부터의 많은 복사본도 남아 있다.

중세 시대

기독교의 발흥은 다른 정신과 화풍을 지향했다.6세기까지 그 양식이 확립된 비잔틴 미술은 전통적인 도상화와 양식을 유지하는 데 큰 중점을 두었고, 비잔틴 제국의 천 년 동안 그리고 그리스와 러시아 정교회의 살아있는 전통에 따라 점차 발전했다.비잔틴 회화는 상형적인 느낌을 가지고 있으며 아이콘은 과거에도 그랬고 지금도 신의 계시를 나타내는 것으로 보인다.많은 프레스코화가 있었지만 모자이크보다 더 적은 수의 프레스코화가 살아남았다.비잔틴 미술은 평면성과 인물과 풍경에 대한 매우 양식화된 묘사라는 에서 현대 추상화와 비교되어 왔다.비잔틴 미술의 일부 시기, 특히 10세기 무렵의 마케도니아 미술은 접근 방식이 더 유연하다.14세기 초 팔레올로기 르네상스의 프레스코화가 이스탄불의 초라 교회에 남아 있다.

앤티크 가톨릭 이후 유럽에서 회화를 포함한 최초의 독특한 예술 양식은 영국 제도의 섬나라 예술이었고, 켈스[21]과 같은 일루미네이트 필사본에서 유일하게 남아 있는 예는 미니어처이다.이것들은 추상적인 장식으로 가장 유명한데, 비록 인물과 때로는 장면들이 묘사되기도 했지만, 특히 복음주의자들의 초상화에서 그러하다.카롤링거 미술과 오토니안 미술도 대부분 필사본으로 남아 있지만 벽화가 남아 있고 더 많은 것이 기록되고 있다.이 시기의 예술은 섬과 "바바리안"의 영향과 강력한 비잔틴의 영향과 고전적인 기념물과 균형을 되찾으려는 열망을 결합합니다.

로마네스크와 고딕 양식의 교회 벽은 프레스코 벽화뿐 아니라 조각으로 장식되었고, 남아있는 몇 안 되는 벽화들 중 상당수는 인물의 처리에 있어 섬 예술의 장식 에너지와 새로운 기념물이 결합되어 있다.일루미네이트 필사본의 훨씬 더 많은 미니어처들이 같은 특징을 보여주며, 고딕 시대까지 계속된다.

판넬 그림은 로마네스크 시대에 비잔틴 아이콘의 영향을 많이 받아 더욱 흔해졌다.13세기 중반, 중세 미술과 고딕 회화는 치마부에와 그의 제자 지오토와 함께 이탈리아에서 부피와 원근법을 묘사하는 것에 관심을 갖기 시작하면서 더욱 사실적이 되었다.지오또 이후 최고의 화가들의 구도 처리 또한 훨씬 자유롭고 혁신적이 되었다.그들은 서양 문화에서 두 명의 위대한 중세 회화의 거장으로 여겨진다.시마뷰는, 비잔틴 전통 안에서, 그의 예술에 더 현실적이고 극적인 접근을 사용했다.그의 제자 지오토는 이러한 혁신을 더 높은 수준으로 끌어올렸고, 이는 다시 서양화 전통의 토대를 마련했다.두 예술가 모두 자연주의로 나아가는 선구자였다.

교회들은 점점 더 많은 창문으로 지어졌고 화려한 스테인드글라스의 사용은 장식의 주요 요소가 되었다.이것의 가장 유명한 예 중 하나는 노트르담파리 대성당에서 찾을 수 있다.14세기까지 서구 사회는 더 부유하고 더 교양 있게 되었고 화가들은 귀족과 심지어 부르주아 계급에서 새로운 후원자를 찾았다.조명된 원고가 새로운 캐릭터를 띠었고 날씬하고 패셔너블한 옷차림의 궁녀들이 그들의 풍경 속에 모습을 드러냈다.이 양식은 곧 국제 고딕 양식으로 알려지게 되었고 1375년부터 1425년까지 지배적이었으며 템페라 판넬 그림들과 제단 작품들이 중요해졌다.

르네상스와 매너리즘

Robert Campin – Merrode Alterpiece, 1427년경.중앙 패널 Campin의 어시스턴트에 의한 사이드 패널과 함께 L'Annonciation

르네상스(Renaissance)는 대략 14세기에서 17세기 중반까지 이어진 문화 운동으로, 르네상스 인문주의와 고전적 원천에 대한 연구가 주도했다.그림에서, 1420년대와 1430년대에 이탈리아와 저지대 국가의 선도적인 화가들은 별도로 새로운 그림 방식을 개발하여, 국제 고딕이나 경우에 따라서는 르네상스조라고 불리는 기성 화가들의 작품보다 그림이 더 사실적으로 보일 수 있게 되었다.약 1495년까지 지속된 이 시기는 초기 르네상스로 알려지게 되었다.

저지대 국가의 플랜더스 지역에서, 특히 1416년에 사망한 림부르 형제에 의해 이루어진 원고의 조명 발전에 따라, 예술가들은 눈에 보이는 세계의 실체에 매료되었고 매우 자연스러운 방식으로 [22]사물을 표현하기 시작했다.판넬 그림에 처음 사용된 유화의 채택전통적으로 얀 반 에이크의 잘못으로 인정되어 이 자연주의를 묘사하는 데 새로운 진리가 가능해졌다.유화 물감의 매체는 이미 멜키오르 브로더람(1409년 사망)의 작품에도 존재했지만 로버트 캄팽(이전의 플레말의 거장)과 반 에이크는 그것을 새로운 수준으로 끌어올려 그들이 지향하는 자연주의를 표현하기 위해 사용했다.이 새로운 매체를 통해 이 시대의 화가들은 강렬한 색조로 풍부한 색채를 만들어 낼 수 있었다.자기 같은 마감으로 빛을 발하는 착시 현상은 초기 네덜란드 회화의 특징이었고 이탈리아에서 [22]사용되는 템페라 페인트의 매트한 표면과는 큰 차이였다.

프라 안젤리코, 1425년-1428년

고대 로마의 예술로부터 많은 작품을 끌어낸 이탈리아인들과는 달리, 북부인들은 중세 시대의 조각과 조명된 필사본의 양식적인 잔재를 가지고 있었다. 시기의 또 다른 중요한 네덜란드 화가는 캄핀의 제자 로지에 데르 바이덴으로, 그의 작품은 15세기 가장 유명한 작품 중 하나이며 그리스도의 십자가에 못 박힌 가장 영향력 있는 네덜란드 그림이었다.다른 중요한 예술가들에는 휴고 고스, 디에릭 바우츠, 페트루스 크리스투스, 한스 멤링,[22] 그리고 제라드 다비드가 있었다.총체적으로 알프스 산맥 북쪽의 유럽에서의 회화의 발전은 북부 르네상스로 알려져 있다.

이탈리아 르네상스 그림에서, 고전 고대의 예술은 이상을 강조하는 그림 스타일에 영감을 주었다.마사치오는 1420년대에 선형 원근법, 그의 인물에서 부피의 묘사, 그리고 그의 인물 얼굴의 감정을 묘사하는데 있어 진보한 것으로 인정받고 있다. 후, 초기 르네상스 시대의 파올로 우첼로, 프라 안젤리코, 피에로 델라 프란체스카, 안드레아 만테냐, 필리포 리피, 산드로 보티첼리 의 예술가들이 1495년까지 이어졌고, 그 후 르네상스 시대의 레오나르도 다빈치, 미켈란젤로 부오나로티, 라파엘리14세기에는 르네상스 시대의 예술가들이 등장하였다.원근법, 인체 해부학 및 비율 연구, 그리고 드로잉 및 페인팅 기법의 전례 없는 정교함의 개발을 통해.다소 더 자연주의적인 르네상스 양식이 베니스에서 나타났다.조반니 벨리니, 조르지오네, 티티안, 베로네즈와 같은 베네치아 유파의 화가들은 그들의 그림의 정확성보다는 그림에 대한 보다 자발적인 접근에 의해 얻을 수 있는 풍부한 색채와 효과의 통일성에 덜 관심이 있었다.

알브레히트 뒤러, 루카스 크라나흐, 마티아스 그뤼뉴발트, 한스 홀바인북방고르네상스 시대의 플랑드, 네덜란드, 독일 화가들은 이탈리아 화가들과 다른 접근 방식을 가지고 있었는데, 이는 보다 현실적이고 덜 이상화된 것이다.1490년대 뒤러를 시작으로 몇몇 북부 화가들은 이탈리아 르네상스 시대의 작품들을 보기 위해 이탈리아로 여행을 갔고 그들은 이탈리아 예술의 특징들을 그들 자신의 다양한 정도에 접목시켰다. 세대 후, 풍속화의 시작은 피터 아르트센피터 브루겔로부터 시작되었다.로마를 여행하고 이탈리아 르네상스의 이상화된 접근법을 많이 채택한 북부 르네상스 화가들의 후세대는 로마주의자로 알려지게 되었다.

티톈, 1520년-1523년

르네상스 회화는 이 시기에 일어난 사상과 과학(천문학, 지리학)의 혁명, 종교개혁, 인쇄기의 발명을 반영한다.판화는 점점 더 중요해지고 많은 화가들에 의해 행해졌다.가장 위대한 판화가로 꼽히는 뒤러는 화가는 단순한 장인이 아니라 사상가이기도 하다고 말한다.르네상스의 이젤 회화의 발달로 회화는 건축으로부터 독립했다.벽에 쉽게 걸 수 있는 움직이는 그림인 이젤 그림은 가구, 벽 또는 다른 구조물에 고정된 그림의 대안이 되었다.종교적 이미지가 지배한 수세기에 걸쳐 세속적인 소재는 서서히 서양화로 되돌아왔다.예술가들은 그들의 그림에 그들 주변의 세계에 대한 비전이나 그들 자신의 상상력의 산물을 포함시켰다.비용을 감당할 수 있는 사람들은 후원자가 되어 그들 자신이나 그들의 가족의 초상화를 의뢰할 수 있었다.

비록 티티안과 파올로 베로네즈와 같은 몇몇 화가들이 세기 후반에 르네상스 양식의 그림을 계속 그렸지만, 이탈리아의 전성기는 1520년 이후 매너리즘으로 알려진 양식화된 예술을 낳았다.16세기 초에 예술을 특징지었던 균형 잡힌 구성과 원근법에 대한 이성적인 접근 대신, 매너리즘은 불안정, 책략, 그리고 의심을 추구했다.라파엘의 차분한 처녀들과 레오나르도 신하들의 평온한 표정은 폰토모의 불안한 표정과 그레코의 감정적인 강도로 대체된다.종종 원근법의 극단적 또는 분리적인 효과, 그리고 스타일화된 포즈는 틴토레토, 폰토모, 브론지노와 같은 이탈리아 매너리스트들의 특징이며 헨드릭 골치우스, 바르톨로메우스 스프레인저, 요아힘 브트와엘과 같은 북부 매너리스트들의 작품에 나중에 등장했습니다.

바로크와 로코코

바로크 회화는 종종 절대주의, 반개혁 또는 가톨릭 [23][24]부흥과 관련된 운동인 바로크 문화 운동과 관련이 있다. 하지만, 중요한 바로크 회화의 존재는 또한 그 스타일이 서유럽 [25]전역에 퍼지면서 그 인기를 강조한다.

바로크 회화는 르네상스 시대에 소중히 여겨졌던 차분한 합리성 대신 감동과 열정을 불러일으키는 것을 목적으로 한 훌륭한 드라마, 풍부하고 깊은 색채, 강렬한 명암도를 특징으로 한다.최초의 바로크 화가들은 카라치 형제인 아니발레아고스티노를 16세기의 마지막 악보로, 카라바조를 세기의 마지막 10년에 포함시켰다.카라바조는 가장 위대한 바로크 화가 중 한 명이자 르네상스 시대인문주의 회화의 계승자로 알려져 있다.그의 실제 인물에 대한 현실적 접근은 어두운 배경을 배경으로 극적으로 스폿라이트를 비추며 그의 동시대인들을 놀라게 했고 그림 역사의 새로운 장을 열었다.바로크는 1600년경부터 시작하여 17세기 내내 이어지는 지배적인 화풍이었다.바로크 시대의 가장 위대한 화가로는 루벤스, 벨라스케스, 렘브란트, 프란스 할스, 요하네스 베르메르, 르 나인, 쥬세페리베라, 푸생, 투르, 클로드 로레인 등이 있다.푸생, 클로드, 라 투르는 모두 프랑스인인 "고전적인" 바로크 스타일을 채택했는데, 감정에 덜 초점을 맞추고 색채보다는 그림 속 인물들의 아웃라인에 더 많은 관심을 기울였다.이러한 화가들의 대부분은 훈련의 일환으로 이탈리아로 여행을 갔고, 비록 어떤 경우에는 그들의 경력의 대부분을 이탈리아에 남았지만, 바로크 양식을 그들의 고향으로 가져갔다.이탈리아에서 바로크 양식은 카라치, 귀도 레니, 루카 조르다노같은 화가들의 웅장한 매너에서의 종교적, 신화적 그림으로 요약된다.피에트로 다 코르토나의 환상적 교회 천장 벽화가 하늘을 향해 펼쳐지는 듯했다.

렘브란트리엔, 유대인 신부, 1665년–1669년

일상의 소재를 그린 이젤 그림이 중산층 수집가들에게 인기를 끌었던 네덜란드 공화국에서 훨씬 조용한 형태의 바로크가 등장했고, 많은 화가들이 장르 전문가로, 다른 화가들은 풍경이나 바다 풍경 또는 정물화의 전문가가 되었다.Vermeer, Gerard ter Borch, 그리고 Pieter de Hoch는 빌렘 Claesz와 마찬가지로 국내 장면의 그림에 큰 기술적 개선을 가져왔다. 정물화 시키세요.이에 반해 렘브란트는 모든 주제를 잘 그렸고 카라바조와 위트레흐트 카라바기스트에서 파생된 키아로스쿠로와 어두운 배경이 연극성을 잃는 독특한 화풍을 발전시켰다.네덜란드 바로크 그림은 종종 네덜란드 황금시대 그림으로 언급된다.

18세기 동안 로코코 그림은 종종 경박하고 에로틱하며 밝은 파스텔 색을 사용한 바로크의 가벼운 확장으로 이어졌다.로코코는 프랑스에서 장식 예술과 인테리어에서 가장 먼저 발전했다.루이 15세의 후계는 궁중 예술가들과 일반적인 예술 패션에 변화를 가져왔다.1730년대는 앙투안 와토와 프랑수아 부셰의 작품으로 대표되는 프랑스 로코코 발전의 절정을 상징한다.로코코는 여전히 복잡한 형태와 복잡한 패턴에 대한 바로크식 취향을 유지했지만, 이 시기에 이르러서는 동양적인 디자인과 비대칭적인 구성에 대한 취향을 포함한 다양한 특징들을 통합하기 시작했다.

로코코 양식은 프랑스 예술가들과 각인된 출판물들로 퍼져나갔다.그것은 독일, 보헤미아, 오스트리아의 가톨릭 지역에서 쉽게 받아들여졌고, 그곳에서 활기찬 독일 바로크 전통과 결합되었다.독일의 로코코는 특히 남쪽의 교회와 궁전에 열의를 가지고 적용되었고, 반면 프레데릭 로코코는 프러시아 왕국에서 발전했다.

프랑스의 거장 와토, 부쉐, 그리고 프라고나르와 18세기 최고의 프랑스 화가였던 조반니 바티스타 티에폴로와 장 밥티스트 시메옹 샤르댕이 그 스타일을 대표한다.초상화는 모든 나라에서 회화의 중요한 요소였지만, 특히 영국에서는 단도직입적인 사실주의 문체의 윌리엄 호가스, 앤서니다이크의 영향을 받은 프란시스 헤이먼, 안젤리카 카우프먼, 토마스 게인즈버러, 조슈아 레이놀즈 등이 주도했다.로코코 시대 프랑스에서는 드니 디드로[26]애장화가인 장 밥티스트 그루즈초상화와 역사화뛰어났으며 모리스 쿠엔탱 드 라 투르와 엘리자베스 비제 르브룬은 뛰어난 화가였다.라투르는 파스텔 회화에 특화되어 이 시기 동안 대중 매체가 되었다.

William Hogarth는 로코코 아름다움을 위한 이론적 기반을 개발하는 데 도움을 주었다.의도적으로 그 움직임을 언급하지는 않았지만, 그는 로코코에서 두드러지는 기복이 있는 선과 S자 곡선이 (고전주의의 직선이나 원과 달리) 예술이나 자연에서 우아함과 아름다움의 기초라고 주장했다.로코코의 종말은 볼테르와 자크 프랑수아 블론델과 같은 인물들이 예술의 피상성과 퇴폐성에 대한 비판의 목소리를 내기 시작하면서 1760년대 초에 시작되었다.블론델은 현대 인테리어에서 [27]"조개, 용, 갈대, 야자수, 식물의 터무니 없는 뒤죽박죽"을 비난했다.

1785년까지 로코코는 프랑스 대혁명의 이상을 상징하는 역사화를 그린 자크 루이 다비드와 같은 신고전주의 화가들의 질서와 진지함으로 대체되어 유행이 지났다.

19세기 : 신고전주의, 역사화, 낭만주의, 인상주의, 포스트인상주의, 상징주의

로코코 이후 18세기 후반에 건축, 그리고 데이빗과 그의 후계자 잉그레스 같은 예술가들에 의해 가장 잘 표현된 극심한 신 고전주의 화가들이 생겨났다.잉그레스의 작품은 이미 많은 관능성을 포함하고 있지만, 낭만주의를 특징짓기 위한 자발성은 없다.

19세기 중반까지, 화가들은 종교, 신화, 초상화 또는 역사의 장면만을 묘사하려는 그들의 후원으로부터 해방되었다.Francisco de Goya, John Constable, J. M. W. Turner같은 화가들의 작품에서 예술은 더 순수하게 개인 표현의 수단이 되었다.낭만주의 화가들은 풍경화를 주요한 장르로 변화시켰는데, 이때까지는 마이너 장르나 인물 구성의 장식적 배경으로 여겨졌었다.이 시기의 주요 화가로는 외젠 들라크루아, 테오도르 제리코, J. M. W. 터너, 카스파르 데이비드 프리드리히, 존 컨스터블 등이 있다.프란시스코 고야의 후기 작품은 비이성적인 것에 대한 낭만적인 관심을 보여주고, 아놀드 보클린의 작품은 미스터리를 불러일으키고, 영국 라파엘 전파 형제단의 작품은 자연에 대한 근면한 헌신과 중세 문화에 대한 향수를 결합시키며, 미학 운동 화가 제임스 애벗 맥닐 휘슬러의 그림은 정교함을 불러일으킨다.n, 퇴폐, 그리고 "예술을 위한 예술"의 철학.미국에서 풍경화의 낭만주의 전통은 허드슨 강 [28]유파라고 알려져 있다: 토마스 콜, 프레데릭 에드윈 처치, 앨버트 비어스타트, 토마스 모란, 그리고 존 프레드릭 켄셋대표적이다.루미니즘은 허드슨 강 유파와 관련된 미국 풍경화의 운동이다.

요한 종킨드, 1871년 인상주의의 전모

21세기 중반 리얼리즘으로 전환한 주요 인물은 구스타브 쿠르베로, 그의 이상화되지 않은 일반인의 그림은 전통적인 소재에 익숙한 관객들을 불쾌하게 하고 학문적 예술의 마무리핥았지만, 많은 젊은 예술가들에게 영감을 주었다.바르비종 유파의 대표적인 화가인 장 프랑수아 밀레는 또한 풍경화와 소작농 생활의 장면을 그렸다.바비종 유파와 느슨하게 연관된 은 낭만적이고 사실적인 맥락으로 그림을 그렸던 카밀 코로였다; 그의 작품은 요한 종킨드외젠 부댕의 그림처럼 인상주의의 전조가 되었다.부댕은 1857년에 플린 에어 페인팅을 소개한 젊은 클로드 모네에게 중요한 영향을 끼쳤다.

에두아르 마네, 클로드 모네, 피에르 오귀스트 르느와르, 카밀 피사로, 알프레드 시슬리, 베르테 모리소, 메리 카사트, 그리고 에드가 드가와 같은 인상파 화가들은 이전에 공개되었던 것보다 더 직접적인 접근법으로 작업했다.그들은 현대 세계에 대한 개인화된 반응에 호의적인 우화나 서사를 피했고, 때로는 그림의 능숙한 솜씨와 색채의 팔레트에 의존하여 거의 또는 전혀 준비되지 않은 채 그려졌다.모네, 피사로, 그리고 시슬리는 풍경을 그들의 주된 모티브로 사용했고 빛과 날씨의 전달은 그들의 작품에서 주요한 역할을 했습니다.금세기 중반까지 점점 더 인기를 끌었던 관행에 따라 그들은 종종 야외에서 그림을 그리기 위해 함께 시골로 모험을 가곤 했지만,[29] 스튜디오에서 정성스럽게 완성된 작품으로 스케치를 만드는 전통적인 목적은 아니었다.자연에서 직접 햇빛을 받아 그림을 그리고, 세기 초부터 보급되어 온 선명한 합성 안료를 과감하게 활용함으로써, 그들은 보다 가볍고 밝은 화법으로 발전했다.

Edvard Munch, 1893년 표현주의의 초기 예시

마네, 드가, 르누아르, 모리소, 카사트는 주로 인간 주제에 집중했다.마네와 드가는 모두 현대 상황에서 고전적인 비유적인 카논을 재해석했다; 마네의 경우 재상상은 적대적인 대중의 호응을 받았다.르느와르, 모리소, 카사트는 영감을 얻기 위해 가정생활에 눈을 돌렸고 르느와르는 여성 누드에 초점을 맞췄다.시슬리가 풍경화에 대한 인상파적 인식의 원초적 원칙에 가장 밀접하게 집착하는 반면, 모네는 점점 더 색채화되고 변화하기 쉬운 조건들에서 도전을 추구했고, 지베르니에서 그려진 그의 기념비적인 수련 작품 시리즈로 정점을 찍었습니다.

세잔과 약간 젊은 빈센트고흐, 폴 고갱, 그리고 조르주-피에르 쇠라와 같은 후기 인상파 화가들은 예술을 모더니즘의 가장자리로 이끌었다.고갱 인상주의는 개인적인 상징성에 자리를 내줬다.Sureat는 인상주의의 망가진 색을 프리즈 같은 구성을 바탕으로 한 과학적 광학 연구로 변형시켰습니다.분할주의라고 불리는 그가 개발한 그림 기법은 폴 시그낵과 같은 많은 추종자들을 끌어 모았고, 1880년대 후반 몇 년간 피사로는 그의 방법 중 일부를 채택했다.반 고흐의 파란만장한 페인트 적용 방식은 색채의 화려한 사용과 결합되어 표현주의와 야수주의예견했고, 세잔은 고전적 구성과 자연 형태의 혁명적인 추상화를 결합하기를 바랐으며, 20세기 예술의 선구자로 여겨질 것이다.

인상주의의 주문은 칠드 하삼, 존 헨리 토흐만, 그리고 테오도르 로빈슨과 같은 미국 인상파 화가들의 그림에 없어서는 안 될 요소가 된 미국을 포함한 전 세계적으로 느껴졌다.그것은 또한 초상화나 풍경화가싱어 서젠트처럼 이론적으로 인상주의적이지 않은 화가들에게도 영향을 미쳤다.동시에 20세기 초에 미국에는 토마스 에이킨스의 비유적인 작품, 애쉬캔 학파, 윈슬로 호머의 풍경과 바다 풍경에 풍부하게 구현된 토착적이고 거의 배타적인 사실주의가 존재했는데, 그의 그림들은 모두 자연 형태의 견고함에 깊이 투자되었다.야간의 모호함에 크게 의존하는 동기는 Albert Pinkham Ryder와 Ralph Albert Blakelock에서 그 지지자들을 발견했습니다.

19세기 후반에는 20세기의 젊은 예술가들, 특히 야수파초현실주의자들과 함께 반향을 일으킨, 다소 다른 몇몇 상징주의 화가 그룹도 있었다.그들 중에는 구스타브 모로, 오딜론 레동, 피에르 푸비스샤반느, 앙리 팡탱 라투르, 아놀드 뵈클린, 페르디난드 호들러, 에드바르 뭉크, 펠리시앙 롭스, 얀 투롭, 구스타프 클림트러시아상징주의자들있었다.

상징주의 화가들은 영혼의 시각적인 언어를 위해 신화와 꿈의 이미지를 발굴했고 정적 세계를 떠올리게 하는 회화를 추구했다.상징주의에서 사용되는 상징은 주류 도상학친숙한 상징이 아니라 매우 개인적인, 사적인, 모호하고 애매한 언급이다.실제 미술 스타일이라기보다 철학적인 상징주의 화가들은 현대 아르누보 운동과 레나비에 영향을 끼쳤다.꿈과 같은 주제를 탐구하면서, 상징주의 화가들은 수 세기와 문화 전반에 걸쳐 발견됩니다. 베르나르 델바유는 르네 마그리트의 초현실주의를 "상징주의와 프로이트"[30]라고 묘사했습니다.

20세기

고흐, 세잔, 고갱, 쇠라같은 화가들의 유산은 현대 미술의 발전에 필수적이었다.20세기 초에 앙리 마티스와 큐비스트 이전의 조르주 브라크, 앙드레 데랭, 라울 뒤피, 그리고 모리스 드 블라밍크를 포함한 몇몇 젊은 화가들은 "야생적인" 색채의 표현적인 풍경화와 비평가들이 포비즘이라고 부르는 인물화로 파리 미술계에 혁명을 일으켰다.앙리 마티스의 두 번째 버전의 춤은 그의 경력과 현대 [31]회화의 발전에 있어 중요한 부분을 나타낸다.그것은 마티스의 원시 예술에 대한 초기 매력을 반영한다: 시원한 청록색 배경에 대한 강렬한 따뜻한 색상과 춤추는 누드의 리드미컬한 연속은 감정적 해방과 쾌락주의의 감정을 전달한다.파블로 피카소는 자연에 대한 모든 묘사가 세 가지 입체, 구체, 원뿔로 압축될 수 있다는 세잔의 생각을 바탕으로 그의 첫 입체주의 그림을 그렸다.피카소는 아비뇽의 레 데모이젤(1907년)이라는 그림으로 아프리카 부족 가면과 자신의 큐비즘 발명품을 연상시키는 다섯 명의 매춘부와 난폭하게 그려진 매춘부들의 창녀 장면을 묘사한 새롭고 급진적인 그림을 그렸다.입체주의는 1908년부터 1912년까지 파블로 피카소와 조르주 브라크에 의해 공동 개발되었으며, 그의 바이올린과 촛대는 파리 (1910)에 전시되어 있다.큐비즘의 첫 분명한 표현은 브라크, 피카소, 장 메칭거, 알베르 글리제, 페르난드 레제, 앙리포코니에, 그리고 로베르 들뢰니에에 의해 실천되었다.후안 그리스, 마르셀 뒤샹, 알렉산더 아치펜코, 조셉 차키 등이 곧 [32]합류했다.브라크와 피카소가 실천한 합성 큐비즘은 다른 질감, 표면, 콜라주 요소, 파피에르 콜레, 그리고 다양한 융합된 [32]소재의 도입으로 특징지어진다.

1905년의 살롱 오토네는 앙리 마티스포비즘작품에 악명과 관심을 가져왔다.단체는 비평가 루이 보크셀레스가 그들의 작품을 "야수들 사이에서 도나텔로"[33]라는 문구로 묘사하면서 이름을 얻었는데, 이 그림들을 그들과 [34]방을 공유하는 르네상스 형식의 조각과 대조시켰다.앙리 루소의 정글 장면 배고픈 사자가 영양에게 몸을 던지다(는 파우브가 아니었다)는 마티스의 작품 근처에 걸려 있었고 [35]언론에 사용된 비꼬는 용어에 영감을 줬을 수도 있다.보크셀레스의 코멘트는 1905년 10월 17일 일간지블라스에 실렸으며 널리 [34][36]쓰이게 되었다.

20세기의 첫 20년 동안 그리고 큐비즘 이후, 몇몇 다른 중요한 운동들이 나타났다; 미래주의, 추상 예술 (칸딘스키와 프란츠 마르크), 바우하우스, 오르피즘 (델라우나이쿠프카), 신크로미즘 (),vism(타틀린), Dadaism(듀샹, 피카비아, 아르프), 초현실주의(de Chirico, André Breton, Miro, Magritte, Dalli, Ernst)가 그것이다.현대화는 모더니즘 건축과 디자인에서 아방가르드 영화, 연극, 현대 무용에 이르기까지 모든 시각 예술에 영향을 미쳤고, 사진, 구체적인 시에서 광고 예술과 패션에 이르기까지 시각적 경험을 표현하는 실험실이 되었다.

야수파, Der Blaue Laughter, Die Brücke

야수주의는 20세기 초반 화가들의 느슨한 집단이었고, 그의 작품들은 화가의 자질을 강조했고, 대표적 가치보다 깊은 색의 상상력을 사용했다.이 운동의 리더는 앙리 마티스와 앙드레 데랭으로 이들은 각각 자신의 추종자들을 거느린 일종의 우호적인 라이벌이다.결국 마티스는 20세기에 피카소의 으로 자리잡았다.야수파 화가들은 알베르 마르케, 샤를 카모인, 모리스블라밍크, 라울 뒤피, 오톤 프리츠, 네덜란드 화가 키스 반 동겐, 그리고 피카소의 큐비즘 파트너인 조르주 브라크 [37]등을 포함했다.

야수파는 구체적인 이론이 없었고 1905년부터 1907년까지 단명했다.그들은 단지 세 개의 전시회를 가졌을 뿐이다.마티스는 나이와 학계에서의 선후배 때문에 그 운동의 리더로 여겨졌다.1905년 그의 Mme 초상화.녹색 줄무늬 마티스는 처음 전시되었을 때 파리에서 센세이션을 일으켰다.그는 즐겁게 예술을 창조하고 싶었다고 말했고 밝은 색채의 사용은 구성의 평온함을 유지하려고 노력했다고 할 수 있다.1906년 앙드레 데랭은 그의 딜러 앙브루아 볼라르의 제안으로 런던으로 가서 인상파 화가 클로드 모네의 유명한 시리즈를 바꾸어 표현하면서 샤링 크로스 브릿지, 런던을 포함한 일련의 그림을 포비스트 스타일로 그렸다.

1907년까지 야수파는 더 이상 충격적인 새로운 운동이 아니었고, 아폴리나이어는 라 팔랑지에 실린 기사에서 마티스에 대해 "우리는 여기에 사치스럽거나 극단주의자가 하는 일 앞에 있지 않다: 마티스의 예술은 대단히 합리적"[38]이라고 말했다.

Die Brücke는 1905년 드레스덴에서 결성된 독일 표현주의 예술가 그룹이다.창립 멤버는 프리츠 블릴, 에리히 헤켈, 에른스트 루트비히 키르치네르, 카를 슈미트 로틀루프였다.그 이후의 멤버는 막스 페흐슈타인오토 뮐러포함했다.이 정파 그룹은 20세기 현대 미술의 진화에 큰 영향을 미쳤고 표현주의[39]양식을 창조했다.

Der Blaue Laughter는 표현주의의 기본인 1911년부터 1914년까지 지속된 독일의 운동이다.바실리 칸딘스키, 프란츠 마르크, 아우구스트 맥케, 알렉세이 야울렌스키, 러시아 무용수 알렉산더 사하로프의 초상화(1909)의 심리적으로 표현력이 풍부한 그림이 이곳에서 보여지는 마리안 와레프킨, 라이오넬 파이닝어 등은 칸딘스키의 마지막 거절에 대한 반응으로 데르 블라우에 그룹을 다시 설립했다.Der Blaue Laughter는 중심적인 예술 선언이 부족했지만, Kandinsky와 Marc를 중심으로 이루어졌다.예술가 가브리엘 먼터와 폴 클리도 참여했다.이 운동의 이름은 칸딘스키가 1903년에 그린 그림에서 따왔다.칸딘스키에게 파란색은 영성의 색이다: 파란색이 짙을수록 영원한 [40]것에 대한 인간의 욕망을 일깨운다.

표현주의, 상징주의, 미국 모더니즘, 바우하우스

표현주의상징주의는 서유럽, 동유럽, 북유럽에서 만들어지고 있는 아방가르드 미술의 대부분을 지배했던 20세기 그림의 여러 관련 운동과 관련된 광범위한 루브릭이다.표현주의 작품들은 주로 프랑스, 독일, 노르웨이, 러시아, 벨기에, 오스트리아에서 제1차 세계대전과 제2차 세계대전 사이에 그려졌다.야수파, 디 브뤼케, 그리고 데르 블라우는 표현주의 화가들과 상징주의 화가들의 세 그룹으로 가장 잘 알려져 있다.마크 샤갈그림 'I and the Village'는 예술적 상징성의 사전과 함께 작가와 그의 기원 사이의 관계를 조사하는 자전적인 이야기를 담고 있다.구스타프 클림트, 에곤 실레, 에드바르 뭉크, 에밀 놀데, 차임 사우틴, 제임스 엔소르, 오스카 코코슈카, 에른스트 루드비히 키르치네르, 막스 베크만, 프란츠 마르크, 조르주 루올트, 아메데오 모딜리아니 등 해외의 미국인들비록 알베르토 지아코메티는 주로 초현실주의 조각가로 생각되지만, 그는 강렬한 표현주의 그림도 그렸다.

제1차 세계대전과 제2차 세계대전 사이의 기간 동안 미국 화가들은 인정을 받기 위해 유럽으로 가는 경향이 있었다.Marsden Hartley, Patrick Henry Bruce, Gerald Murphy, Stuart Davis와 같은 모더니즘 화가들은 해외에서 명성을 쌓았다.패트릭 헨리[41] 브루스가 유럽에서 입체파 관련 그림을 그린 반면 스튜어트 데이비스와 제럴드 머피는 미국 팝아트[42][43][44] 초기 영감을 준 그림을 그렸고 마르스덴 하틀리는 표현주의를 실험했다.1920년대 사진작가 알프레드 스티글리츠는 조지아 오키프, 아서 도브, 알프레드 헨리 마우러, 찰스 드무트, 마린과 유럽의 거장 앙리 마티스, 오귀스트 로댕, 앙리 루소, 폴 세잔, 피카소를 포함한 다른 예술가들을 뉴욕 갤러리에서 291전시했다.[45]유럽에서는 앙리 마티스와 피에르 보나르 같은 거장들이 어떤 운동에도 의존하지 않고 그들의 서술 스타일을 계속 발전시켰다.

추상화의 선구자

피에트 몬드리안, "작곡 10번" 1939-1942, De Stijl

바실리 칸딘스키는 일반적으로 현대 추상 미술의 첫 번째 중요한 화가 중 한 명으로 여겨진다.초기 모더니스트로서, 그는 현대의 신비주의자들과 신지론자들이 그랬듯이, 순수한 시각적 추상화는 소리와 음악에 부수적인 진동을 가지고 있다고 이론을 세웠다.그들은 순수한 추상화가 순수한 영성을 표현할 수 있다고 가정했다.그의 초기 추상화들은 일반적으로 작곡가의 작품과 연결되면서 작곡 VII의 예시로 제목이 붙여졌다.칸딘스키는 추상 예술에 대한 그의 많은 이론을 그의 책 "예술의 정신에 대하여"에 포함시켰다.초기 추상화의 다른 주요 선구자들로는 스웨덴 화가 Hilma af Klint, 러시아 화가 Kazimir Malevich, 스위스 화가 Paul Klee가 있다.Robert Delaunay오르피즘과 연관된 프랑스 예술가였다.추상화에 대한 그의 주요 공헌은 그의 과감한 색채 사용과 깊이와 음색 둘 다에 대한 그의 실험이다.

다다와 초현실주의

Marcel Duchamp는 1913년 뉴욕시 무기고 쇼의 결과로 국제적인 명성을 얻었는데, 그 곳에서 의 누드 계단 내려오기 2번이 원인인 célébre가 되었다.그 후 그는 "총각들이 맨몸으로 벗은 신부, 심지어 커다란 유리"를 만들었다.Large Glass는 페인팅, 콜라주, 건축이라는 새로운 한계로 페인팅 예술을 급진적으로 끌어올렸다.뒤샹은 제1차 세계대전 중 스위스 취리히에서 시작되어 1916년부터 1920년까지 절정에 달했던 다다 운동과 밀접하게 연관되었다.이 운동은 주로 반전 정치와 반 예술 문화 작품을 통한 미술의 지배적인 기준에 대한 거부감을 증진시키기 위해 시각 예술, 문학, 연극, 그리고 그래픽 디자인을 포함했다.다다 운동과 관련된 다른 예술가로는 프란시스 피카비아, 맨 레이, 커트 슈비터스, 한나 회흐, 트리스탄 짜라, 한스 리히터, 장 아르프, 그리고 소피 태우버-아르프있다.뒤샹과 몇몇 다다이스트들은 또한 1920년대와 1930년대에 유럽 회화를 지배했던 운동인 초현실주의와 관련이 있다.

Marcel Duchamp, Nude Descending a Staircase, 1912년 2호, 필라델피아 미술관

1924년 앙드레 브레통은 초현실주의 선언을 발표했다.회화의 초현실주의 운동은 아방가르드와 동의어가 되었고 추상주의에서 초현실주의로 다양한 작품을 가진 예술가들을 등장시켰다.'머신 턴 퀵(Machine Turn Quick)'과 같은 종이 작품과 함께, 프란시스 피카비아는 1919년까지 취리히와 파리에서 다다 운동에 계속 관여하다가 초현실주의 예술에 대한 관심을 키운 후 탈피했다.이브 탕기, 르네 마그리트, 살바도르 달리 은 꿈의 이미지를 사실적으로 묘사하고 상상력을 환상적으로 표현하는 것으로 특히 유명하다.1920년대 동안 앙드레 마송의 작품은 젊은 예술가 조안 미로가 초현실주의 회화에 뿌리를 내리는데 결정적인 역할을 했다.미로의 타일드 필드(1923–1924)는 추상화에 가깝고, 사물이나 인물, 성적인 활동적인 캐릭터의 배치를 암시한다.미로의 첫 번째 초현실주의 [46]걸작이다.Joan Miro, Jean Arp, Andre Masson, 그리고 Max Ernst는 특히 1940년대에 미국에서 매우 영향력이 있었다.

1920년 이곳에서 '살해 비행기'를 그린 막스 에른스트는 본에서 철학과 심리학을 공부하며 정신이상자들이 겪는 대안적 현실에 관심을 가졌다.그의 그림은 편집증 환자 다니엘슈레버의 망상에 대한 정신분석학자 지그문트 프로이트의 연구에서 영감을 얻었을지도 모른다.프로이트는 슈레버가 여자가 되고자 하는 환상 거세 콤플렉스로 규정했다.두 쌍의 다리의 중심 이미지는 슈레버의 양성애적 욕망을 나타낸다.그림 뒷면에 새겨진 에른스트의 글은 다음과 같다.그 그림은 대칭성 때문에 신기하다. 남녀가 서로 [47]균형을 잡고 있다

1930년대 내내, 초현실주의는 대중에게 계속해서 더 많이 보이게 되었다.영국에서 초현실주의 그룹이 발전했고, 브레튼에 따르면, 1936년 런던 국제 초현실주의 전시회는 그 시대의 최고봉이었고 국제 전시회의 모델이 되었다.일본, 특히 중남미, 카리브해, 멕시코의 초현실주의 단체들은 혁신적이고 독창적인 작품을 만들어냈다.다른 유명한 초현실주의 예술가로는 조르지오 드 치리코, 메레 오펜하임, 토옌, 그레과이어 미천제, 로베르토 마타, 케이 세이지, 레오노라 카링턴, 도로테아 태닝, 레오노르 피니가 있다.

Neue Sachlichkeit, 사회적 사실주의, 지역주의, 미국 풍경화, 상징주의

1920년대와 1930년대 그리고 대공황 동안, 유럽 미술계는 초현실주의, 후기 입체주의, 바우하우스, 드 스틸, 다다, 노이 사클리케이트, 표현주의로 특징지어졌고 앙리 마티스와 피에르 보나르 같은 뛰어난 모더니스트 화가들에 의해 점령되었다.

독일에서는 막스 베크만, 오토 딕스, 조지 그로스와 다른 사람들이 그들의 그림을 정치화하면서 뉴 사클리히케이트("새로운 객관성")가 등장했다.이 예술가들의 작품은 표현주의에서 발전했고 바이마르 공화국의 정치적 긴장에 대한 반응이었고 종종 신랄하게 풍자되었다.

1930년대 급진 좌파 정치는 파블로 [48]피카소를 포함한 초현실주의와 관련된 많은 예술가들의 특징을 보였다.1937년 4월 26일 스페인 내전 중 바스크의 게르니카 마을은 나치 독일 루프트바페의 콘도르 군단에 의한 게르니카 폭격의 현장이었다.독일군은 바스크 정부와 스페인 공화당 정부를 전복시키려는 프란시스코 프랑코의 노력을 지지하기 위해 공격했다.파블로 피카소는 폭격의 참상을 기념하기 위해 게르니카 크기의 벽화를 그렸다.

파블로 피카소, 1937년 게르니카, 파시즘에 대한 항의

게르니카는 유화로 그려진 3.5미터 높이와 7.8미터 폭의 거대한 흑백 벽화이다.벽화는 직접적인 원인을 묘사하지 않고 죽음, 폭력, 잔인성, 고통, 무력함의 장면을 보여준다.흑백으로 그리는 선택은 신문사진의 [49]즉각성을 불러일으킨다.이 그림은 1937년 파리에서 처음 전시되었고, 그 후 스칸디나비아와 런던에서 전시되었고, 1939년 피카소의 요청으로 MoMA에서 장기 대여(보관)되어 미국으로 보내졌다. 마지막으로 스페인 사람들에게 선물로 이 그림을 주려는 피카소의 희망에 따라 1981년 스페인으로 보내졌다.

1930년대 대공황부터 제2차 세계대전까지 미국 미술사회적 사실주의와 미국 풍경화특징지어졌다.미국 미술계는 정치와 사회적 논평을 모두 담은 지역주의 운동으로 인해 샨, 토마스 하트 벤튼, 그랜트 우드, 조지 토커, 존 스테어트 커리, 레지날드 마쉬 의 작가들이 눈에 띄었다.

아메리칸 고딕은 그랜트 우드가 1930년에 그린 그림이다.카펜터 고딕 양식의 집 앞에서 쇠지렛대를 든 농부와 젊은 여성을 묘사한 이 작품은 20세기 미국 미술에서 가장 친숙한 이미지 중 하나이다.미술 비평가들은 이것이 의도적인 풍자적인 것이라고 추정했다; 그것은 셔우드 앤더슨의 1919년 오하이오주 와인스버그, 싱클레어 루이스의 1920년 메인 스트리트, 그리고 칼 반 베히텐[50]문신 백작 부인으로 대표되는 미국의 시골에 대한 점점 더 비판적인 묘사 경향의 일부라고 생각되었다.그러나 대공황이 시작되면서 이 그림은 확고한 미국 개척자 정신을 표현하게 되었다.

중남미 미술의 부흥에는 우루과이 화가 호아킨 토레스 가르시아, 멕시코 화가 루피노 타마요, 디에고 리베라, 데이비드 시케이로스, 호세 오로스코, 페드로고메즈, 산티아고 마르티네즈 델가도와 같은 멕시코 벽화 운동의 예술가들과 상징이 포함되어 있다.벽화가들은 역사적, 정치적 메시지를 전달했다.디에고 리베라는 아마도 1933년 록펠러 센터의 RCA 빌딩 로비에 있는 그의 벽화 "사거리에서의 남자"로 대중들에게 가장 잘 알려져 있을 것이다.그의 후원자 넬슨 록펠러는 벽화에 레닌의 초상화와 다른 공산주의 이미지들이 포함되어 있다는 것을 발견하고 리베라를 해고했고, 완성되지 않은 작품은 록펠러의 지팡이에 의해 결국 파괴되었다.

Frida Kahlo의 작품은 초현실주의와 문학에서의 매직 리얼리즘 운동과 관련이 있다.그녀의 작품들은 종종 고통을 적나라하게 묘사하는 것이 특징이다.그녀의 그림 143점 중 55점은 그녀의 신체적,[51] 정신적 상처의 상징적 묘사를 자주 포함하고 있는 자화상이다.

Abstract expressionism

The 1940s in New York City heralded the triumph of American abstract expressionism, a movement that combined lessons learned from European Modernists via great teachers in America like Hans Hofmann and John D. Graham. American artists benefited from the presence of Piet Mondrian, Fernand Léger, Max Ernst and the André Breton group, Pierre Matisse's gallery, and Peggy Guggenheim's gallery The Art of This Century, as well as other factors.

Barnett Newman, Onement 1, 1948. During the 1940s Barnett Newman wrote several articles about the new American painting.

Post-Second World War American painting called Abstract expressionism included artists like Jackson Pollock, Willem de Kooning, Arshile Gorky, Mark Rothko, Hans Hofmann, Clyfford Still, Franz Kline, Adolph Gottlieb, Barnett Newman, Mark Tobey, James Brooks, Philip Guston, Robert Motherwell, Conrad Marca-Relli, Jack Tworkov, Esteban Vicente, William Baziotes, Richard Pousette-Dart, Ad Reinhardt, Hedda Sterne, Jimmy Ernst, Bradley Walker Tomlin, and Theodoros Stamos, among others. American Abstract expressionism got its name in 1946 from the art critic Robert Coates.[52][53] Abstract expressionism, Action painting, and Color Field painting are synonymous with the New York School.[54]

Technically Surrealism was an important predecessor for Abstract expressionism with its emphasis on spontaneous, automatic or subconscious creation. Jackson Pollock's dripping paint onto a canvas laid on the floor is a technique that has its roots in the work of André Masson. Another important early manifestation of what came to be abstract expressionism is the work of American Northwest artist Mark Tobey, especially his "white writing" canvases, which, though generally not large in scale, anticipate the "all over" look of Pollock's drip paintings.

Additionally, Abstract expressionism has an image of being rebellious, anarchic, highly idiosyncratic and, some feel, rather nihilistic. In practice, the term is applied to any number of artists working (mostly) in New York who had quite different styles, and even applied to work which is not especially abstract nor expressionist. Pollock's energetic "action paintings", with their "busy" feel, are different both technically and aesthetically, to the violent and grotesque Women series of Willem de Kooning. Woman V is one of a series of six paintings made by de Kooning between 1950 and 1953 that depict a three-quarter-length female figure. He began the first of these paintings, Woman I, in June 1950, repeatedly changing and painting out the image until January or February 1952, when the painting was abandoned unfinished. The art historian Meyer Schapiro saw the painting in de Kooning's studio and encouraged the artist to persist. De Kooning's response was to begin three other paintings on the same theme; Woman II, Woman III, and Woman IV. During the summer of 1952, spent at East Hampton, de Kooning further explored the theme through drawings and pastels. He finished work on Woman I by November 1952, and probably the other three women pictures were concluded at much the same time.[55] The Woman series are decidedly figurative paintings. Another important artist is Franz Kline, as demonstrated by his painting High Street (1950), who was labelled an action painter because of his seemingly spontaneous and intense style, focusing less, or not at all, on figures or imagery, but on the actual brush strokes and use of canvas.

Clyfford Still, Barnett Newman, Adolph Gottlieb, and the serenely shimmering blocks of color in Mark Rothko's work (which is not what would usually be called expressionist and which Rothko denied was abstract), are classified as abstract expressionists, albeit from what Clement Greenberg termed the Color field direction of abstract expressionism. Both Hans Hofmann and Robert Motherwell can be described as practitioners of action painting and Color field painting.

During the 1950s Color Field painting initially referred to a particular type of abstract expressionism, especially the work of Mark Rothko, Clyfford Still, Barnett Newman, Robert Motherwell and Adolph Gottlieb. It essentially involved abstract paintings with large, flat expanses of color that expressed the sensual, and visual feelings and properties of large areas of nuanced surface. Art critic Clement Greenberg perceived Color Field painting as related to but different from Action painting. The overall expanse and gestalt of the work of the early color field painters speaks of an almost religious experience, awestruck in the face of an expanding universe of sensuality, color and surface. During the early-to-mid-1960s Color Field painting came to refer to the styles of artists like Jules Olitski, Kenneth Noland, and Helen Frankenthaler, whose works were related to second-generation abstract expressionism, and to younger artists like Larry Zox, and Frank Stella – all moving in a new direction.

Realism, Landscape, Seascape, Figuration, Still-Life, Cityscape

During the 1930s through the 1960s as abstract painting in America and Europe evolved into movements such as abstract expressionism, Color Field painting, Post-painterly Abstraction, Op art, hard-edge painting, Minimal art, shaped canvas painting, and Lyrical Abstraction. Other artists reacted as a response to the tendency toward abstraction allowing imagery to continue through various new contexts like the Bay Area Figurative Movement in the 1950s and new forms of expressionism from the 1940s through the 1960s. Throughout the 20th century many painters practiced Realism and used expressive imagery in landscape and figurative painting with contemporary subjects. They include artists as varied as Milton Avery, John D. Graham, Fairfield Porter, Edward Hopper, Andrew Wyeth, Balthus, Francis Bacon, Frank Auerbach, Lucian Freud, Leon Kossoff, Philip Pearlstein, Willem de Kooning, Arshile Gorky, Grace Hartigan, Robert De Niro, Sr., and Elaine de Kooning.

In Italy during this time, Giorgio Morandi was the foremost still-life painter, exploring a wide variety of approaches to depicting everyday bottles and kitchen implements.[56]

Arshile Gorky's portrait of Willem de Kooning is an example of the evolution of abstract expressionism from the context of figure painting, cubism and surrealism. Along with his friends de Kooning and John D. Graham Gorky created bio-morphically shaped and abstracted figurative compositions that by the 1940s evolved into totally abstract paintings. Gorky's work seems to be a careful analysis of memory, emotion and shape, using line and color to express feeling and nature.[57][58]

Study after Velázquez's Portrait of Pope Innocent X, 1953 is a painting by the Irish-born artist Francis Bacon and is an example of Post World War II European Expressionism. The work shows a distorted version of the Portrait of Innocent X painted by the Spanish artist Diego Velázquez in 1650. The work is one of a series of variants of the Velázquez painting which Bacon executed throughout the 1950s and early 1960s, over a total of forty-five works.[59] When asked why he was compelled to revisit the subject so often, Bacon replied that he had nothing against the Popes, that he merely "wanted an excuse to use these colours, and you can't give ordinary clothes that purple colour without getting into a sort of false fauve manner."[60] The Pope in this version seethes with anger and aggression, and the dark colors give the image a grotesque and nightmarish appearance.[61] The pleated curtains of the backdrop are rendered transparent, and seem to fall through the Pope's face.[62]

The figurative work of Francis Bacon, Frida Kahlo, Edward Hopper, Lucian Freud, Andrew Wyeth and others served as a kind of alternative to abstract expressionism. Nighthawks (1942) is a realist painting by Edward Hopper that portrays people sitting in a downtown diner late at night. It is not only Hopper's most famous painting, but one of the most recognizable in American art. The urban street is empty outside the diner, and inside none of the three patrons is apparently looking or talking to the others but instead is lost in their own thoughts. This portrayal of modern urban life as empty or lonely is a common theme throughout Hopper's work. One of the most well-known images in 20th-century American art is Wyeth's tempera painting, Christina's World, in the collection of the Museum of Modern Art in New York City. It depicts a woman lying on the ground in a treeless, mostly tawny field, looking up at and crawling towards a gray house on the horizon; a barn and various other small outbuildings are adjacent to the house.[63]

After World War II the term School of Paris often referred to Tachisme, the European equivalent of American Abstract expressionism and those artists are also related to Cobra. Important proponents being Jean Dubuffet, Pierre Soulages, Nicolas de Staël, Hans Hartung, Serge Poliakoff, and Georges Mathieu, among several others. During the early 1950s Dubuffet (who was always a figurative artist) and de Staël abandoned abstraction, and returned to imagery via figuration and landscape. De Staël's return to representation (seascapes, footballers, jazz musicians, seagulls) during the early 1950s can be seen as an influential precedent for the American Bay Area Figurative Movement, as many of those abstract painters like Richard Diebenkorn, David Park, Elmer Bischoff, Wayne Thiebaud, Nathan Oliveira, Joan Brown and others made a similar move; returning to imagery during the mid-1950s. Much of de Staël's late work – in particular his abstract landscapes of the mid-1950s – predicts Color Field painting and Lyrical Abstraction of the 1960s and 1970s. Milton Avery as well through his use of color and his interest in seascape and landscape paintings connected with the Color field aspect of Abstract expressionism as manifested by Adolph Gottlieb and Mark Rothko as well as the lessons American painters took from the work of Henri Matisse.[64][65]

Pop art

Pop art in America was to a large degree initially inspired by the works of Jasper Johns, Larry Rivers, and Robert Rauschenberg, although the paintings of Gerald Murphy, Stuart Davis and Charles Demuth during the 1920s and 1930s foreshadow the style and subject matter of Pop art.

In New York City during the mid-1950s, Rauschenberg and Johns created works of art that at first seemed to be continuations of Abstract expressionist painting. Actually their works, and the work of Larry Rivers, were radical departures from abstract expressionism especially in the use of banal and literal imagery and the inclusion of mundane materials into their work. Johns' use of various images and objects like chairs, numbers, targets, beer cans and the American Flag; Rivers' paintings of subjects drawn from popular culture such as George Washington crossing the Delaware, and his inclusions of images from advertisements like the camel from Camel cigarettes; and Rauschenberg's surprising constructions using inclusions of objects and pictures taken from popular culture, hardware stores, junkyards, the city streets, and taxidermy, gave rise to a radical new movement in American art. Eventually by 1963 the movement came to be known worldwide as Pop art.

Pop art is exemplified by the artists Andy Warhol, Claes Oldenburg, Wayne Thiebaud, James Rosenquist, Jim Dine, Tom Wesselmann and Roy Lichtenstein among others. Lichtenstein used oil and Magna paint in works such as Drowning Girl (1963; Museum of Modern Art, New York), which was appropriated from the lead story in DC Comics' Secret Hearts #83.[66]) Thick outlines, bold colors and Ben-Day dots reproduce the appearance of commercial printing. Lichtenstein would say of his own work: Abstract Expressionists "put things down on the canvas and responded to what they had done, to the color positions and sizes. My style looks completely different, but the nature of putting down lines pretty much is the same; mine just don't come out looking calligraphic, like Pollock's or Kline's."[67] Pop art merges popular and mass culture with fine art, while injecting humor, irony, and recognizable imagery and content into the mix. In October 1962 the Sidney Janis Gallery mounted The New Realists, the first major Pop art group exhibition in an uptown art gallery in New York City. The show sent shockwaves through the New York School and reverberated worldwide. Campbell's Soup Cans (sometimes referred to as 32 Campbell's Soup Cans) is the title of an Andy Warhol work of art that was produced in 1962. It consists of thirty-two canvases of equal size, each consisting of a painting of a Campbell's Soup can—one of each canned soup variety the company offered at the time. The individual paintings were produced with a semi-mechanised silkscreen process, using a non-painterly style. They helped usher in Pop art as a major art movement that relied on themes from popular culture.

Earlier in England in 1956 the term Pop Art was used by Lawrence Alloway for paintings that celebrated consumerism of the post World War II era. This movement rejected Abstract expressionism and its focus on the hermeneutic and psychological interior, in favor of art which depicted material consumer culture, advertising, and iconography of the mass production age.[68] The early works of English artist David Hockney, such as A Bigger Splash, and the works of Richard Hamilton, Peter Blake, and Eduardo Paolozzi, are considered seminal examples in the movement. In New York's East Village 10th Street galleries artists were formulating an American version of Pop art. Claes Oldenburg had his storefront, and the Green Gallery on 57th Street began to show Tom Wesselmann and James Rosenquist. There is a connection between the radical works of Duchamp, and Man Ray, the rebellious Dadaists – with a sense of humor; and Pop Artists like Alex Katz, Claes Oldenburg, Andy Warhol, Roy Lichtenstein and the others.

Art Brut, New Realism, Bay Area Figurative Movement, Neo-Dada, Photorealism

During the 1950s and 1960s as abstract painting in America and Europe evolved into movements such as Color Field painting, Post painterly abstraction, Op art, hard-edge painting, Minimal art, shaped canvas painting, Lyrical Abstraction, and the continuation of Abstract expressionism. Other artists reacted as a response to the tendency toward abstraction with Art brut,[69] as seen in Court les rues, 1962, by Jean Dubuffet, Fluxus, Neo-Dada, New Realism, Photorealism, allowing imagery to re-emerge through various new contexts like Pop art, the Bay Area Figurative Movement (a prime example is Diebenkorn's Cityscape I,(Landscape No. 1) (1963), and later in the 1970s Neo-expressionism. The Bay Area Figurative Movement of whom David Park, Elmer Bischoff, Nathan Oliveira and Richard Diebenkorn whose painting Cityscape 1 (1963) is a typical example, were influential members flourished during the 1950s and 1960s in California. Younger painters practiced the use of imagery in new and radical ways. Yves Klein, Arman, Martial Raysse, Christo, Niki de Saint Phalle, David Hockney, Alex Katz, Malcolm Morley, Ralph Goings, Audrey Flack, Richard Estes, Chuck Close, Susan Rothenberg, Eric Fischl, and Vija Celmins were a few who became prominent between the 1960s and the 1980s. Fairfield Porter was largely self-taught, and produced representational work in the midst of the Abstract Expressionist movement. His subjects were primarily landscapes, domestic interiors and portraits of family, friends and fellow artists.

Also during the 1960s and 1970s, there was a reaction against painting. Critics like Douglas Crimp viewed the work of artists like Ad Reinhardt, and declared the "death of painting". Artists began to practice new ways of making art. New movements gained prominence some of which are: Fluxus, Happening, Video art, Installation art Mail art, the situationists, Conceptual art, Postminimalism, Earth art, arte povera, performance art and body art among others.[70][71]

Neo-Dada is also a movement that started in the 1950s and 1960s and was related to Abstract expressionism only with imagery. This trend, in which manufactured items are combined with artist materials, is exemplified by the work of Jasper Johns and Robert Rauschenberg. Rauschenberg's "combines" in the 1950s were forerunners of Pop Art and Installation art, and made use of the assemblage of large physical objects, including stuffed animals, birds and commercial photography. Rauschenberg, Johns, Larry Rivers, John Chamberlain, Claes Oldenburg, George Segal, Jim Dine, and Edward Kienholz among others created new conventions of art-making; they made acceptable in serious contemporary art circles the radical inclusion of unlikely materials as parts of their works of art.[72][73]

Geometric abstraction, Op Art, Hard-Edge, Color field, Minimal Art, New Realism

During the 1960s and 1970s abstract painting continued to develop in America through varied styles. Geometric abstraction, Op art, hard-edge painting, Color Field painting and minimal painting, were some interrelated directions for advanced abstract painting as well as some other new movements. Morris Louis was an important pioneer in advanced Colorfield painting, his work can serve as a bridge between Abstract expressionism, Colorfield painting, and Minimal Art. Two influential teachers, Josef Albers and Hans Hofmann, introduced a new generation of American artists to their advanced theories of color and space. Albers is best remembered for his work as a Geometric abstractionist painter and theorist. Most famous of all are the hundreds of paintings and prints that make up the series Homage to the Square. In this rigorous series, begun in 1949, Albers explored chromatic interactions with flat colored squares arranged concentrically on the canvas. Albers' theories on art and education were formative for the next generation of artists. His own paintings form the foundation of both hard-edge painting and Op art.

Josef Albers, Hans Hofmann, Ilya Bolotowsky, Burgoyne Diller, Victor Vasarely, Bridget Riley, Richard Anuszkiewicz, Frank Stella, Morris Louis, Kenneth Noland,[74] Ellsworth Kelly, John McLaughlin, Barnett Newman, Larry Poons, Ronald Davis, John Hoyland, Larry Zox, Al Held, Mino Argento[75] are artists closely associated with Geometric abstraction, Op art, Color Field painting, and in the case of Hofmann and Newman Abstract expressionism as well. Agnes Martin, Robert Mangold, Brice Marden, Jo Baer, Robert Ryman, Richard Tuttle, Neil Williams, David Novros, Paul Mogenson, are examples of artists associated with Minimalism and (exceptions of Martin, Baer and Marden) the use of the shaped canvas also during the period beginning in the early 1960s. Many Geometric abstract artists, minimalists, and Hard-edge painters elected to use the edges of the image to define the shape of the painting rather than accepting the rectangular format. In fact, the use of the shaped canvas is primarily associated with paintings of the 1960s and 1970s that are coolly abstract, formalistic, geometrical, objective, rationalistic, clean-lined, brashly sharp-edged, or minimalist in character. The Bykert Gallery, and the Park Place Gallery were important showcases for Minimalism and shaped canvas painting in New York City during the 1960s.

Shaped canvas, Washington Color School, Abstract Illusionism, Lyrical Abstraction

Color Field painting pointed toward a new direction in American painting, away from abstract expressionism. Related to Post-painterly abstraction, Suprematism, Abstract Expressionism, Hard-edge painting and Lyrical Abstraction,[76] Color Field painting sought to rid art of superfluous rhetoric. Artists like Clyfford Still, Mark Rothko, Hans Hofmann, Morris Louis, Jules Olitski, Kenneth Noland, Helen Frankenthaler, Larry Zox, and others painted with a highly articulated and psychological use of color. In general these artists eliminated recognizable imagery. Certain artists made references to past or present art, but in general color field painting presents abstraction as an end in itself. In pursuing this direction of modern art, artists wanted to present each painting as one cohesive, monolithic image. Gene Davis along with Kenneth Noland, Morris Louis and several others was a member of the Washington Color School painters who began to create Color Field paintings in Washington, D.C. during the 1950s and 1960s, Black, Grey, Beat is a large vertical stripe painting and typical of Gene Davis's work. Frank Stella, Kenneth Noland, Ellsworth Kelly, Barnett Newman, Ronald Davis, Neil Williams, Robert Mangold, Charles Hinman, Richard Tuttle, David Novros, and Al Loving are examples of artists associated with the use of the shaped canvas during the period beginning in the early 1960s.

From 1960 Frank Stella produced paintings in aluminum and copper paint and his first works using shaped canvases (canvases in a shape other than the traditional rectangle or square), often being in L, N, U or T-shapes. These later developed into more elaborate designs, in the Irregular Polygon series (1967), for example. Later he began his Protractor Series (1971) of paintings, in which arcs, sometimes overlapping, within square borders are arranged side by side to produce full and half circles painted in rings of concentric color. Harran II, 1967, is an example of the Protractor Series.

The Andre Emmerich Gallery, the Leo Castelli Gallery, the Richard Feigen Gallery, and the Park Place Gallery were important showcases for Color Field painting, shaped canvas painting and Lyrical Abstraction in New York City during the 1960s. There is a connection with post-painterly abstraction, which reacted against abstract expressionisms' mysticism, hyper-subjectivity, and emphasis on making the act of painting itself dramatically visible – as well as the solemn acceptance of the flat rectangle as an almost ritual prerequisite for serious painting. During the 1960s Color Field painting and Minimal art were often closely associated with each other. In actuality by the early 1970s both movements became decidedly diverse.

Lyrical Abstraction (the term being coined by Larry Aldrich, the founder of the Aldrich Contemporary Art Museum, Ridgefield Connecticut), encompassed what Aldrich said he saw in the studios of many artists at that time.[77] It is also the name of an exhibition that originated in the Aldrich Museum and traveled to the Whitney Museum of American Art and other museums throughout the United States between 1969 and 1971.[78] Lyrical Abstraction is a type of freewheeling abstract painting that emerged in the mid-1960s when abstract painters returned to various forms of painterly, pictorial, expressionism with a predominate focus on process, gestalt and repetitive compositional strategies in general.[79][80] In contrast to Action Painting, where emphasis is on brushstrokes and high compositional drama, in Lyrical Abstraction—as exemplified by the 1971 Ronnie Landfield painting Garden of Delight—there is a sense of compositional randomness, relaxed compositional drama and an emphasis on process, repetition, and an all over sensibility. Lyrical Abstraction in the late 1960s is characterized by the paintings of Dan Christensen, Ronnie Landfield, Peter Young and others, and along with the Fluxus movement and Postminimalism (a term first coined by Robert Pincus-Witten in the pages of Artforum in 1969)[81] sought to expand the boundaries of abstract painting and Minimalism by focusing on process, new materials and new ways of expression. Postminimalism often incorporating industrial materials, raw materials, fabrications, found objects, installation, serial repetition, and often with references to Dada and Surrealism is best exemplified in the sculptures of Eva Hesse.[81] Lyrical Abstraction, Conceptual Art, Postminimalism, Earth Art, Video, Performance art, Installation art, along with the continuation of Fluxus, Abstract Expressionism, Color Field painting, Hard-edge painting, Minimal Art, Op art, Pop art, Photorealism and New Realism extended the boundaries of Contemporary Art in the mid-1960s through the 1970s.[82]

Abstract Illusionism, Monochrome, Minimalism, Postminimalism

One of the first artists specifically associated with Minimalism was Frank Stella, whose early "stripe" paintings were highlighted in the 1959 show, "16 Americans", organized by Dorothy Miller at the Museum of Modern Art in New York. The widths of the stripes in Stella's stripe paintings were not entirely subjective, but were determined by the dimensions of the lumber used to construct the supportive chassis upon which the canvas was stretched. In the show catalog, Carl Andre noted, "Art excludes the unnecessary. Frank Stella has found it necessary to paint stripes. There is nothing else in his painting." These reductive works were in sharp contrast to the energy-filled and apparently emotionally charged paintings of Willem de Kooning or Franz Kline and leaned more toward less gestural coloristic field paintings of Barnett Newman and Mark Rothko.

Artists such as Larry Poons—whose work related to Op Art with his emphasis on dots, ovals and after-images bouncing across color fields—Kenneth Noland, Ralph Humphrey, Robert Motherwell and Robert Ryman had also begun to explore stripes, monochromatic and Hard-edge formats from the late 1950s through the 1960s.[83]

Because of a tendency in Minimalism to exclude the pictorial, illusionistic and fictive in favor of the literal—as demonstrated by Robert Mangold, who understood the concept of the shape of the canvas and its relationship to objecthood—there was a movement away from painterly and toward sculptural concerns. Donald Judd had started as a painter, and ended as a creator of objects. His seminal essay, "Specific Objects" (published in Arts Yearbook 8, 1965), was a touchstone of theory for the formation of Minimalist aesthetics. In this essay, Judd found a starting point for a new territory for American art, and a simultaneous rejection of residual inherited European artistic values. He pointed to evidence of this development in the works of an array of artists active in New York at the time, including Jasper Johns, Dan Flavin and Lee Bontecou. Of "preliminary" importance for Judd was the work of George Earl Ortman [2], who had concretized and distilled painting's forms into blunt, tough, philosophically charged geometries. These Specific Objects inhabited a space not then comfortably classifiable as either painting or sculpture. That the categorical identity of such objects was itself in question, and that they avoided easy association with well-worn and over-familiar conventions, was a part of their value for Judd.

In a much more general sense, one might find European roots of Minimalism in the geometric abstractions painters in the Bauhaus, in the works of Piet Mondrian and other artists associated with the movement DeStijl, in Russian Constructivists and in the work of the Romanian sculptor Constantin Brâncuși. American painters such as Brice Marden and Cy Twombly show a clear European influence in their pure abstraction, minimalist painting of the 1960s. Ronald Davis polyurethane works from the late 1960s pay homage to the Broken Glass of Marcel Duchamp. This movement was heavily criticised by high modernist formalist art critics and historians. Some anxious critics thought Minimalist art represented a misunderstanding of the modern dialectic of painting and sculpture as defined by critic Clement Greenberg, arguably the dominant American critic of painting in the period leading up to the 1960s. The most notable critique of Minimalism was produced by Michael Fried, a Greenbergian critic, who objected to the work on the basis of its "theatricality". In Art and Objecthood (published in Artforum in June 1967) he declared that the Minimalist work of art, particularly Minimalist sculpture, was based on an engagement with the physicality of the spectator. He argued that work like Robert Morris's transformed the act of viewing into a type of spectacle, in which the artifice of the act observation and the viewer's participation in the work were unveiled. Fried saw this displacement of the viewer's experience from an aesthetic engagement within, to an event outside of the artwork as a failure of Minimal art.

Ad Reinhardt, actually an artist of the Abstract Expressionist generation, but one whose reductive all-black paintings seemed to anticipate minimalism, had this to say about the value of a reductive approach to art: "The more stuff in it, the busier the work of art, the worse it is. More is less. Less is more. The eye is a menace to clear sight. The laying bare of oneself is obscene. Art begins with the getting rid of nature."[84]

During the 1960s and 1970s artists as powerful and influential as Adolph Gottlieb, Phillip Guston, Lee Krasner, Richard Diebenkorn, Elmer Bischoff, Agnes Martin, Sam Francis, Gene Davis, Joan Mitchell, Friedel Dzubas, and younger artists like Sam Gilliam, Sean Scully, Pat Steir, Elizabeth Murray, Walter Darby Bannard, Dan Christensen, Joan Snyder, Richard Tuttle, Ross Bleckner, Archie Rand, Susan Crile, and dozens of others produced vital and influential paintings.

Still other important innovations in abstract painting took place during the 1960s and the 1970s characterized by Monochrome painting and Hard-edge painting inspired by Ad Reinhardt, Barnett Newman, Milton Resnick, and Ellsworth Kelly. Artists as diversified as Al Held, Larry Zox, Frank Stella, Larry Poons, Brice Marden and others explored the power of simplification. The convergence of Color Field painting, Minimal art, Hard-edge painting, Lyrical Abstraction, and Postminimalism blurred the distinction between movements that became more apparent in the 1980s and 1990s. The Neo-expressionism movement is related to earlier developments in Abstract expressionism, Neo-Dada, Lyrical Abstraction and Postminimal painting.

Neo-expressionism

In the late 1960s the abstract expressionist painter Philip Guston helped to lead a transition from abstract expressionism to Neo-expressionism in painting, abandoning the so-called "pure abstraction" of abstract expressionism in favor of more cartoonish renderings of various personal symbols and objects. These works were inspirational to a new generation of painters interested in a revival of expressive imagery.[85] His painting Painting, Smoking, Eating is an example of Guston's return to representation.

In the late 1970s and early 1980s, there was also a return to painting that occurred almost simultaneously in Italy, Germany, France and Britain. These movements were called Transavantguardia, Neue Wilde, Figuration Libre,[86] Neo-expressionism, the school of London, and in the late 80s the Stuckists respectively. These painting were characterized by large formats, free expressive mark making, figuration, myth and imagination. All work in this genre came to be labeled neo-expressionism.

Neo-expressionism was a style of modern painting that became popular in the late 1970s and dominated the art market until the mid-1980s. It developed in Europe as a reaction against the conceptual and minimalistic art of the 1960s and 1970s. Neo-expressionists returned to portraying recognizable objects, such as the human body (although sometimes in a virtually abstract manner) in a rough and violently emotional way using vivid colors and banal color harmonies. The veteran painters Philip Guston, Frank Auerbach, Leon Kossoff, Gerhard Richter, A. R. Penck and Georg Baselitz, along with the slightly younger artists Damien Hirst, Anselm Kiefer, the Americans Eric Fischl, Susan Rothenberg, David Salle, Jean-Michel Basquiat, Julian Schnabel, and Keith Haring, the Italians Francesco Clemente, Mimmo Paladino, Sandro Chia, and Enzo Cucchi, and many others became known for working in this intense expressionist vein of painting. Critical reaction was divided. Some critics regarded it as driven by profit motivations by large commercial galleries.[85]

Anselm Kiefer is a leading figure in European Neo-expressionism.[87] By the 1980s, Kiefer's themes widened from a focus on Germany's role in civilization to the fate of art and culture in general. His work became more sculptural and involves not only national identity and collective memory, but also occult symbolism, theology and mysticism.[88] The theme of all the work is the trauma experienced by entire societies, and the continual rebirth and renewal in life.

Painting still holds a respected position in contemporary art. Art is an open field no longer divided by the objective versus non-objective dichotomy. Artists can achieve critical success whether their images are representational or abstract. What has currency is content, exploring the boundaries of the medium, and a refusal to recapitulate the works of the past as an end goal.[89][90][91]

Contemporary painting into the 21st century

Throughout the 20th century and into the 21st century, with the advent of Modern and Postmodern art forms, distinctions between what is generally regarded as the fine arts and the low arts have started to fade,[92] as contemporary high art continues to challenge these concepts by mixing with popular culture.[93]

Mainstream painting has been rejected by artists of the postmodern era in favor of artistic pluralism.[94] According to art critic Arthur Danto there is an anything goes attitude that prevails; an "everything going on", and consequently "nothing going on" syndrome; this creates an aesthetic traffic jam with no firm and clear direction and with every lane on the artistic superhighway filled to capacity.[95]

See also

References

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Sources

On the effects of Gutenberg's printing

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