클래식 음악에서 로맨틱 음악으로의 전환

의 역사 서양 고전 음악
초기 음악
중세 c. 500–1400 • 아르스 골동품 c. 1170–1310 • 아르스노바 c. 1310–1377 • Ars 하위 계통 c. 1360–1420 르네상스 c. 1400–1600 • 바로크로의 전환
공통실습기간
바로크 c. 1580–1750 • 갤런트 음악 c. 1720–1770 • 엠파인드삼키트 c. 1740년대-1780년 고전적인 c. 1750–1820 • 만하임 학교 c. 1740년대-1780년 • Sturm und Drang c. 1770년대 • 낭만주의로의 전환 낭만적인 c. 1800–1910
19세기 후반, 20세기 후반, 21세기 후반
모더니즘 c. 1890–1975 • 인상주의 c. 1890–1930 • 표현주의 c. 1900–1930 • 신고전주의 c. 1920–1950 • 연재주의 c. 1920–1975 컨템포러리 1950년부터 • 미니멀리즘 1960년부터 • 포스트모더니즘 1960년대부터 • 후기 미니멀리즘 1980년부터
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1750년경에서 1820년경까지 지속되었던 유럽 예술 음악의 고전기에서 1815년경에서 1910년경까지 지속된 낭만주의 음악으로의 전환은 18세기와 19세기에 일어났다.^{[not verified in body]} 작곡가들은 그들의 작곡과 멜로디 기법을 클래식 음악의 선형 작곡 스타일과 반대로 서정적인 멜로디의 구현으로 인해 낭만주의 시대 또는 낭만주의로^{[not verified in body]} 알려진 새로운 음악적 형태로 전환하기 시작했다.^{[not verified in body]}

클래식 스타일과 로맨틱 스타일의 대비

클래식 음악은 4개의 마디가 균형 잡힌 구절, 명료한 지적, 반복, 순서가 있는 우아한 국제 음악 스타일로 생각되는 구조의 명확성과 규칙성, 즉 '자연스런 단순성'으로 잘 알려져 있었다.^[1] 소나타 형식은 다수의 작품이 탄생한 토대가 되어 낭만주의의 새로운 시대를 여는 토대가 되었다.^{[citation needed]}

서정적인 멜로디, 색채주의와 불협화음, 극적 역동성으로 특징지어지는 낭만주의 시대는 변화를 반영한 주권적 이야기 라인과 민족주의 행진으로 모인 감정을 불러일으켰다.^[2][3] 새로운 음악 어휘는 풍부한 조화, 리듬감 있는 언어 외에도 "돌체"나 "돌렌테"와 같은 용어를 사용하여 더욱 발전하기 시작했다.^[3] 교향시, 합창 교향곡, 솔로 보컬과 오케스트라를 위한 작품과 같은 관현악 형식은 다른 예술 형식을 더 가까이 끌어들이기 시작했다.^[3]

낭만주의 음악은 계몽주의^[3] 시대의 이상에서 벗어나는 자의식적인 단절일 뿐 아니라 폭군으로부터 더 큰 인간의 자유를 바라는 사회정치적 욕구에 대한 반응이었다.^[4] 이 운동은 하인리히 하이네나 빅토르 위고 같은 작가들이 새로운 서정시를 만들어 예술적으로 옹호하는 자유와 우애, 평등을 표현하고자 하였다.^[3] 자연에 대한 새로운 항복, 과거에 대한 향수, 신비주의로 향한 방향 전환, 민족 정체성에 대한 새로운 관심, 자전적 에 대한 관심, 그리고 고전 작품에서 행사되는 음악적 공식과 관습에 대한 전반적인 불만이 있었다.^[5] 지휘자들은 관현악 공연의 중심 인물이 되었고, 더 큰 곡들의 음속 흐름을 책임졌다.^[3]

전환 단계

스텀 운드랑 드랑

스투름 und 드랑(Sturm und Drang) 또는 '폭풍과 드라이브(Storm and drive)'는 낭만주의 시대의 미학을 확립하는 데 도움을 준 원로맨틱한 운동이었다.^[6] 하이든이 큐레이션한 이 작품은 고전시대의 단순한 작품들과 대조되어 낭만주의 작곡가들이 추구하는 분명하고 극적인 감정주의로 발전했다.^[7] 하이든과 같은 작곡가들은 격동의 정치 풍토를 반영하여 작곡 작업을 하는 것을 좋아했다.^[4] 이로써 F♯ 마이너 45번 고별 교향곡이 탄생하게 되었는데, 긴 느림 아다지오와 날카로운 선회를 통해 이러한 전환의 몇 가지 특징을 담고 있어 사회적으로 일어나고 있는 굽히지 않는 의견과 철학적 주제의 요구를 예시하고 있다.^[7]

주 전이

산업혁명은 오케스트라 규모의 극적인 확대와 악기의 다양성을 촉진시켰다.^[8] 주된 전환은 피아노의 개선으로 추진되었는데, 주철 프레임은 굵은 현과 더 깊은 현란한 음색을 가능하게 했다.^[3] 마찬가지로 오피클라이드와 같은 새로운 악기가 만들어졌고, 피콜로나 잉글리시 호른 같은 초기 악기가 개선되어 과거의 새로운 꿈 같은 해석에 기여하게 되었다. 새로운 공공 공연장은 점점 커지는 오케스트라의 규모를 수용했다.^[3] 대중적인 '빛나는 음악'은 오락으로, '예술적인 음악'은 진지하게 듣는 것으로 보는 등, '하이브라우드'와 '로우브라우드' 작곡 작품의 구분이 확립된 것은 주요 과도기 시기였다.^[3]

과도기적 예술가, 작곡가, 작품

19세기 말에 이르러서야 비로소 뮤지크위센샤프트(음악학)의 긴급한 규율이 고전과 낭만주의 시대의 전환에 어떤 작곡가가 기여했는지를 규명하기 시작했다.^[9] 고전음악을 작곡한 것으로 더 잘 알려진 볼프강 아마데우스 모차르트는 당시의 음악에 낭만적인 자질을 도입한 오페라, 협주곡, 교향곡, 소나타, 현악 사중주단을 통합하였다.^[10]

루드비히 판 베토벤의 에로이카, 목회, 파테티크 등 과도기적인 작품들 사이에서 프로그램적인 음악의 개념이 만연했다.^[11] 리차드 스트라우스 같은 낭만주의 작곡가들에 의해 작곡의 특징적인 이름을 붙이는 것이 표준이 되었다.^[11]

프란츠 슈베르트는 초기 기악곡에서 고전 작곡가의 마지막 곡으로 여겨져 고전에서 낭만으로 이행하는 과정에 참여했고, 그의 600곡의 예술곡을 통해 낭만주의에서 첫 번째로 멜로디와 하모니를 이루었다.^[12]

과도기 이후에는 루드비히 반 베토벤, 프란츠 슈베르트, 칼 마리아 폰 베버, 존 필드가 초기 낭만주의 세대에서 두각을 나타내면서 낭만주의 운동을 공고히 하기 위해 낭만주의 음악가 프레데릭 쇼팽과^[13] 프란츠 리스트의^[14] 거장 피아노 스타일이 중요했다.^[15]

참조