지오아치노 로시니

Gioachino Rossini
oil painting of head and torso of young white man with medium length dark hair
청년 시절 로시니, 1810년–1815년

지오아치노[n 1] 안토니오[n 2] 로시니(1792년 2월 29일–1868년 11월 13일)는 이탈리아의 작곡가로 39개의 오페라로 유명세를 탔지만, 많은 노래, 실내악곡, 피아노곡, 그리고 성스러운 음악을 작곡했다.그는 희극과 진지한 오페라의 새로운 기준을 세운 뒤 30대 때 대규모 작곡에서 은퇴했다.

페사로에서 두 음악가(아버지는 트럼펫 연주자, 어머니는 가수)인 부모 사이에서 태어난 로시니는 12살 때 작곡을 시작했고 볼로냐의 음악 학교에서 교육을 받았다.그의 첫 오페라는 1810년 베니스에서 공연되었다.1815년 그는 나폴리에서 오페라를 쓰고 극장을 관리하는 일에 종사했다.1810-1823년 동안 그는 이탈리아 무대를 위해 34개의 오페라를 썼는데, 이는 베네치아, 밀라노, 페라라, 나폴리 등지에서 공연되었다. 이러한 생산성은 일부 구성 요소(예: 서곡)와 일정량의 자기 차용에 대한 거의 공식적 접근이 필요했다.이 기간 동안 그는 알제리의 희극 오페라 L'Italiana, Il barbre di Siviglia, 그리고 도메니코 치마로사와 조반니 파이로사와 같은 거장들로부터 물려받은 오페라 부파전통을 절정에 이르게 한 La Cenerentola를 포함한 그의 가장 인기 있는 작품을 만들었습니다.그는 또한 오텔로, 탠크레디, 세미라미드 등의 오페라 세리아 작품을 작곡했다.이 모든 것들은 멜로디, 조화 및 악기 색채, 그리고 극적인 형태에 있어 그들의 혁신에 감탄했다.1824년 그는 파리의 오페라와 계약을 맺고 샤를 10세, 일 비아조랭스(나중에 프랑스에서의 첫 오페라, 르 콩테 오리로 식인된)의 대관식을 축하하는 오페라를 제작했으며, 그의 이탈리아 오페라 중 두 작품인 Le sige de CorintheMosese의 개정판, 1829년 그의 마지막 오페라였다.

로시니가 지난 40년 동안 오페라에서 손을 뗀 것은 결코 충분히 설명되지 않았다; 기여 요인은 건강 악화, 그의 성공이 그에게 가져다 준 부, 그리고 지아코모 마이어베어와 같은 작곡가들의 화려한 그랜드 오페라의 등장이었을지도 모른다.1830년대 초반부터 1855년까지, 그가 파리를 떠나 볼로냐에 근거지를 두고 있을 때, 로시니는 비교적 적은 양의 글을 썼다.1855년 파리로 돌아온 그는 토요일마다 음악가와 파리의 예술적이고 패셔너블한 서클이 정기적으로 참석하는 그의 뮤지컬 살롱으로 유명해졌다. 이 서클은 재미있는 작품 Péchés de vieilese를 썼다.하객은 프란츠 리스트, 안톤 루빈스타인, 주세페 베르디, 마이어비어, 요세프 요아힘을 포함했다.로시니의 마지막 주요 작곡물은 그의 쁘띠 메세 솔레넬레(1863년)였다.그는 1868년 파리에서 죽었다.

인생과 경력

초기 생활

로시니 부모
painting of elderly man, smiling at the artists
주세페 로시니
(1758–1839)
painting of a middle-aged woman, looking with serious expression in the direction of the painter
안나 로시니
(1771–1827)

로시니는 1792년 당시 교황령[2]일부였던 이탈리아의 아드리아 해안에 있는 페사로에서 태어났다.그는 트럼펫 연주자이자 호른 연주자인 주세페 로시니와 그의 아내 안나 귀다리니의 외동딸로 직업상 재봉사로 [12]제빵사의 딸이었다.주세페 로시니는 매력적이지만 충동적이고 무모했다. 가족을 부양하고 아이를 키우는 부담은 주로 그녀의 어머니와 [13][14]시어머니의 도움으로 안나에게 돌아갔다.1824년에 [15]로시니에 대한 다채로운 전기를 출판한 스텐달은 다음과 같이 썼다.

로시니가 아버지로부터 물려받은 몫은 이탈리아인의 진정한 토착 상속물이었다: 약간의 음악, 작은 종교, 그리고 한 의 아리오스토.그의 나머지 교육은 남부 청년들의 합법적인 학교, 그의 어머니의 사회, 회사의 젊은 노래하는 소녀들, 태아의 프리마 돈나들, 그리고 그들이 지나다니는 모든 마을의 소문들에 맡겨졌다.이것은 교황 [16][n 3]마을의 음악 이발사이자 뉴스를 좋아하는 커피 하우스 키퍼에 의해 도움을 받고 다듬어졌다.

주세페는 1790년 마을 나팔수로 고용된 것에 대한 논쟁에서 지역 당국에 불복종했다는 이유로, 그리고 1799년과 1800년 교황의 오스트리아 [17]지지자들에 대한 공화당의 행동주의와 나폴레옹 군대의 지원으로 적어도 두 번 수감되었다.로시니가 6살이던 1798년, 그의 어머니는 코믹 오페라에서 전문 가수로 경력을 쌓기 시작했고, 그녀의 훈련되지 않은 목소리가 [18]떨어지기 전에 트리에스테와 볼로냐를 포함한 도시에서 10여 년 동안 상당한 성공을 거두었습니다.

1802년 가족은 라벤나 근처루고로 이사했고, 그곳에서 로시니는 [18]음악뿐만 아니라 이탈리아어, 라틴어, 산수에서 좋은 기초 교육을 받았다.그는 아버지 주세페 말레르베 신부와 함께 호른과 다른 음악을 공부했는데, 그의 방대한 도서관은 당시 이탈리아에서 거의 알려지지 않았지만 젊은 로시니에게 영감을 주었다.그는 빨리 배우는 사람이었고, 12살 때 그는 4개의 현악기를 위한 6개의 소나타 세트를 작곡했는데, 이것은 1804년 [n 4]부유한 후원자의 도움으로 연주되었다.2년 뒤 그는 최근 문을 연 볼로냐의 리세오 뮤지컬에 입학해 처음에는 노래, 첼로, 피아노를 공부했고 [20]곧 작곡 수업에 들어갔다.그는 미사와 칸타타 등 학생 시절 실속 있는 작품을 썼고, 2년 후 학업을 계속하도록 초청받았다.그는 그 제안을 거절했다: Liceo의 엄격한 학제 체제는 그에게 탄탄한 구성 기법을 주었지만, 그의 전기 작가인 Richard Osborne의 표현대로, "그의 교육을 현실 세계에서 계속하려는 본능이 마침내 나타났다."[21]

아직 리세오에 있는 동안, 로시니는 가수로 대중 앞에서 공연을 했고 극장에서 레페티튜어와 키보드 [22]솔리스트로 일했다.1810년 인기 테너 도메니코 몸벨리의 요청으로 그는 몸벨리의 아내가 쓴 대본에 그의 첫 번째 오페라 악보인 2막의 오페라 드라마 세리오, 데메트리오폴리비오를 썼다.그것은 작곡가의 첫 [20]성공 이후인 1812년에 공개 무대에 올랐다.로시니와 그의 부모는 그의 미래가 오페라를 작곡하는 데 있다고 결론지었다.이탈리아 북동부의 주요 오페라 중심지는 베니스였다; 가족 친구인 작곡가 조반니 모란디의 지도 아래,[23] 로시니는 1810년 말 그가 18살이었을 때 그곳으로 이사했다.

초연 오페라: 1810~1815

로시니의 첫 번째 오페라는 1810년 11월 작은 산모이세 극장에서 공연된 단막 코미디인 라 캄비알마트리모니오였다.[n 5]이 작품은 큰 성공을 거두었고 로시니는 당시 그에게 상당한 액수인 "40 스쿠디 – 내가 본 적이 없는 양"[24]을 받았다.그는 나중에 산모이제는 젊은 작곡가가 자신의 기술을 배우기에 이상적인 극장이라고 묘사했다.- "모든 것이 [25]초보 작곡가의 데뷔에 도움이 되는 경향이 있었다."- 코러스가 없고 소규모 교장단이 있었다. 주요 레퍼토리는 소박한 풍경과 최소한의 리허설로 [26]무대에 오른 단막 희극 오페라였다.Rossini는 그의 첫 번째 작품의 성공을 따랐고 세 개의 극장이 더 있었다: L'inganno felice (1812), La scala di seta (1812),[n 6][n 7] 그리고 Il signor Bruschino (1813).[27]

로시니는 볼로냐와의 관계를 유지하였고, 1811년 하이든의 "The Seasons"[28]를 감독하는 데 성공하였고, 그의 첫 번째 장편 오페라인 "L'equivoco stravagante"[n 8][29][30]로 실패하였다.그는 또한 페라라와 [31]로마의 오페라 하우스에서 일했다.mid-1812에서 그는 라 스칼라, 밀란, 그의two-act 코미디 라 피에트라 델 paragone[n9]fifty-three 공연에 출마할 뿐 아니라 경제적 혜택들 그가 자신이 시간을 위해 상당한 공정에서,지만 병역 면제와 거장 디의 제목 cartello 광고 포스터에 이름을 가진 구아로서 따라서– 작곡가 수수료를 받았다.분담금만원을 [26]이루다이듬해 그의 첫 오페라 세리아인 탠크레디는 베니스에 있는 페니스에서 좋은 성적을 거뒀고, 페라라에서는 다시 쓴 비극적인 [31]결말로 더 잘했다.탠크레디의 성공은 로시니의 이름을 국제적으로 알렸다; 오페라의 제작은 런던과 뉴욕에서 이어졌다.[32]탠크레디 이후 몇 주 만에 로시니는 알제리에서 [n 10]코미디 '란탈리아'로 또 다른 흥행 성공을 거두었고, 매우 급하게 작곡되어 1813년 [33]5월에 초연되었다.

1814년은 이탈리아의 Il[n 11] turcoSigismondo아닌 신진 작곡가에게는 그다지 주목할 만한 해였다. 1815년은 [34][35]로시니 경력에 있어서 중요한 무대였다.5월에 그는 왕실 극장의 음악 감독직에 취임하기 위해 나폴리로 이사했다.여기에는 이 도시의 주요 오페라 하우스인 산 [31]카를로 극장도 포함되었고, 그곳의 매니저 도메니코 바르바이아는 그곳에서 [36]작곡가의 경력에 중요한 영향을 끼쳤다.

나폴리와 일 바비: 1815-1820

알렉상드르 프라고나르의 1830년 석판 인쇄에 나오는 바비어의 폭풍 장면

나폴리의 음악 기득권은 로시니에게 즉시 환영받지 못했는데, 로시니는 그들의 소중한 오페라 전통을 침해하는 것으로 여겨졌다.그 도시는 한때 유럽의 [37]오페라 수도였다; 치마로사의 기억은 존경되었고 페이시엘로는 여전히 살아있었다. 그러나 그들을 따를 어떤 지역 작곡가도 없었고, 로시니는 대중과 비평가들을 [38]빠르게 얻었다.산카를로, 엘리사베타, 레지나 디질테라를 위한[n 12] 로시니의 첫 번째 작품은 2막의 극작이었는데, 그는 이 작품에서 지역 대중들에게 생소한 그의 초기 작품의 상당 부분을 재사용했다.로시니 학자인 필립 고셋과 패트리샤 브라우너는 "로시니는 [39]나폴리에서 부활할 것 같지 않은 오페라에서 최고의 음악을 선정함으로써 나폴리 대중들에게 자신을 알리려는 것과 같다"고 썼다.새 오페라는 알제리에서 나폴리 초연된 L'Italiana와 마찬가지로 엄청난 열성으로 환영받았고 나폴리에서 로시니 씨의 입지는 [40]확실했다.

로시니는 처음으로 일류 가수들과 훌륭한 오케스트라로 구성된 상주 회사를 위해 충분한 리허설과 스케줄로 정기적으로 작곡을 할 수 있게 되었다.[38]1815년과 1822년 사이에 그는 18개의 오페라를 더 작곡했다: 나폴리를 위한 9개와 다른 도시의 오페라 하우스를 위한 9개.1816년, 그는 로마의 테아트로 아르헨티나를 위해 그의 가장 잘 알려진 오페라를 작곡했다.Il barbiere di Siviglia (세비야의 이발사).페이시엘로의 유명한 오페라도 있었고 로시니 버전은 원래 영웅 알마비바[n 13]같은 제목이 붙여졌다.무대에서의 불상사와 많은 친파이시엘로 및 반로시니 관객들과 함께 실패한 첫날 밤에도 불구하고, 오페라는 빠르게 성공했고, 몇 달 후 볼로냐에서 첫 번째 부활이 있을 때, 그것은 현재의 이탈리아 타이틀로 광고되었고, 페이시엘로의 [39][n 14]배경을 빠르게 덮어버렸다.

painting of young woman in long white frock with purple shawl; she holds a lyre
이사벨라 콜브란, 산카를로프리마돈나로, 1822년에 로시니와 결혼했다.

산 카를로를 위한 로시니의 오페라는 실질적이고, 주로 진지한 작품이었다.그의 오텔로 (1816년)는 바이런 경을 자극하여 이렇게 썼다. "그들은 오셀로를 오페라로 십자가에 못박고 있다: 음악은 좋지만, 그러나 말은 그렇다!"[42]그럼에도 불구하고, 이 작품은 일반적으로 인기를 끌었고, 70년 [43] 베르디 버전에 가려질 때까지 빈번한 재공연으로 무대를 유지했습니다.이 집을 위한 그의 다른 작품들로는 성경에 나오는 모세와 이집트로부터의 탈출에 바탕을 둔 에기토의 모세월터 스콧 경의 호수여인 (1819)에 나오는 라돈나라고가 있다.그는 라 스칼라를 위해 오페라 세미세리아 라자라 (1817년)[n 15][44]를 썼고, 로마를 위해 그의 신데렐라 이야기 버전인 라 세네렌톨라 (1817년)를 썼다.1817년에 파리의 Theétre-Italien에서 그의 오페라 중 하나인 L'Italiana의 첫 공연이 있었다; 그것의 성공은 그의 오페라들의 다른 공연으로 이어졌고 결국 1824년부터 [45]1830년까지 파리에서 그의 계약으로 이어졌다.

Rossini는 그의 사생활은 가능한 한 비밀에 부쳤지만, 그는 그가 함께 일했던 회사의 가수들에 대한 그의 감수성으로 유명했다.그의 어린 시절 연인 중에는 에스테르 몸벨리(도메니코의 딸)와 볼로냐 [46]회사의 마리아 마르콜리니있었다.이러한 관계들 중 가장 중요한 것은 개인적이든 직업적이든 상관 없이 Teatro San Carlo의 프리마돈나 이자벨라 콜브란(그리고 Barbaia의 전 정부)의 관계였다.로시니는 1807년 볼로냐에서 그녀가 노래하는 것을 들었고, 그가 나폴리로 이사했을 때 [47][48]오페라에서 그녀를 위해 중요한 역할들을 계속해서 썼다.

비엔나 및 런던: 1820–1824

1820년대 초에 로시니는 나폴리에 싫증이 나기 시작했다.전년도 그의 오페라 비극 에르미오네의 실패는 그와 나폴리 관객이 서로에 [49]대해 충분히 알고 있다는 것을 확신시켰다.나폴리에서 일어난 반란은 비록 빠르게 진압되었지만 로시니를 [50]불안하게 만들었다. 바르바이아가 이 회사를 비엔나로 데려가는 계약에 서명했을 때, 로시니는 기꺼이 동참했지만,[51] 이후 그가 나폴리로 돌아갈 의사가 없음을 바르바이아에게 밝히지 않았다.그는 1822년 3월 콜브란과 함께 볼로냐로 여행을 떠났다. 볼로냐는 볼로냐에서 그들의 여정을 중단했고,[52] 볼로냐에서 몇 마일 떨어진 카스테나소에 있는 작은 교회에서 그의 부모님이 지켜보는 가운데 결혼식을 올렸다.신부는 37세, 신랑은 [n 16]30세였다.

비엔나에서 로시니는 영웅의 환영을 받았다; 그의 전기 작가들은 그것을 "전대미문의 열광",[54] "로시니 열풍"[55] 그리고 "거의 히스테리"[56]라고 묘사했다.오스트리아 제국의 권위주의적인 수상인 메테르니히는 로시니 음악을 좋아했고, 모든 잠재적 혁명가나 공화주의 단체로부터 자유로워졌다고 생각했다.그래서 그는 산 카를로 회사가 작곡가의 [57]오페라를 공연하도록 허락하게 되어 기뻤다.3개월의 시즌 동안 그들은 베토벤의 조수 안톤 쉰들러가 그것을 "우상적인 기괴함"[55]이라고 묘사할 정도로 열광적인 관객들에게 여섯 곡을 연주했다.

drawing of plump man in court dress greeting a slimmer, balding one, also in formal court dress
1823년 브라이튼 파빌리온에서 로시니에게 인사하는 조지 4세(왼쪽)

비엔나에 있는 동안 로시니는 베토벤의 에로이카 교향곡을 듣고 매우 감동하여 이 은둔적인 작곡가를 만나기로 결심했다.그는 마침내 그렇게 해냈고 나중에 에두아르트 한슬릭과 리하르트 바그너를 포함한 많은 사람들에게 그 만남을 묘사했다.그는 베토벤의 청각장애와 로시니의 독일어 무지로 대화가 방해됐지만 베토벤은 로시니의 재능은 진지한 [58]오페라를 위한 것이 아니라고 생각한다는 점을 분명히 했으며 무엇보다 바비에르를 더 많이 해야 한다고 말했다.[59][n 17]

비엔나 시즌이 끝난 후, 로시니는 카스테나소로 돌아와 라 페니체의 의뢰로 그의 리브레티스트인 가에타노 로시와 세미라미드를 작업했다.그것은 1823년 2월에 초연되었는데, 이탈리아 극장을 위한 그의 마지막 작품이었다.콜브란이 출연했지만, 그녀의 목소리가 심각하게 감소하고 있다는 것은 모두에게 분명했고,[61] 세미라미드는 이탈리아에서의 활동을 끝냈다.이 작품은 한 가지 큰 단점을 극복하고 국제 오페라 레퍼토리에 진출하여 19세기 [62]내내 인기를 누렸다. 리처드 오스본의 말에 따르면, "로시니"의 이탈리아 경력은 화려하게 [63]막을 내렸다.

1823년 11월, 로시니와 콜브란은 수익성 있는 계약이 제안되었던 런던으로 출발했다.그들은 파리에 가는 도중에 4주 동안 머물렀다.비록 그가 비엔나에서 했던 것처럼 파리 사람들에게 열광적인 갈채를 받지는 못했지만, 그럼에도 불구하고 그는 음악계와 대중들로부터 이례적으로 환영을 받았다.그가 이탈리아 테트르에서 열린 일 바비르 공연에 참석했을 때, 그는 박수갈채를 받았고, 무대 위로 끌려갔고, 음악가들로부터 세레나데를 받았다.프랑스 유력 작곡가들과 예술가들이 참석한 가운데 그와 그의 아내를 위한 연회가 열렸고, 그는 파리의 문화적 풍토가 [64]조화롭다는 것을 알았다.

그 해 말에 로시니는 런던에 도착했고, 비록 작곡가는 왕족과 [65]귀족에 의해 감명받지 못했지만, 조지 4세에게 환영을 받고 많은 존경을 받았다.로시니와 콜브란은 헤이마켓 킹스 극장에서 오페라 시즌 계약을 맺었다.그녀는 목소리의 결점이 심각한 골칫거리였고, 마지못해 공연을 그만두었다.여론은 약속대로 [66]새로운 오페라를 제공하지 못한 로시니 때문에 개선되지 않았다.임프레사리오 빈센조 베넬리는 작곡가와의 계약을 파기했지만, 이는 [66][67]로시니를 비난한 런던 언론과 대중들에게 알려지지 않았다.

2003년 이 작곡가의 전기에서 가이아 세르바디오는 로시니 대통령과 영국은 서로 잘 맞지 않는다고 말한다.그는 해협 건널목의 영향을 받아 영국 날씨나 영국 [68]요리에 열광하지 않을 것 같았다.비록 그의 런던 체류는 금전적으로 보람이 있었지만 – 영국 언론은 그가 3만 파운드[n 18] 이상을 벌었다고 못마땅하게 보도했지만, 그는 더 [69][70]편안함을 느꼈던 파리로 돌아가기 위해 런던 주재 프랑스 대사관에서 계약을 체결하게 되어 기뻤다.

파리와 최종 오페라: 1824–1829

로시니가 파리에 도착한 직후인 1824년 9월 사망한 루이 18세 밑에서 로시니가 프랑스 정부와의 새로운, 그리고 높은 보수를 받는 계약이 협상되었다.이 작곡가는 아카데미 로얄 드 뮤지크에게 오페라 1편을, 이탈리아 오페라극장에 오페라 뷔파 또는 오페라 세미세리아를 [71]제작하기로 합의했었다.그는 또한 후자의 극장을 운영하고 [72]그곳에서 부흥을 위해 그의 초기 작품 중 하나를 수정하는 것을 도울 예정이었다.왕의 죽음과 찰스 10세의 등극은 로시니의 계획을 바꾸었고, 파리에서의 그의 첫 번째 새 작품은 1825년 6월 샤를의 대관식을 축하하기 위해 주어진 오페라 오락물인 일 비아조[n 19]랭스였다.그것은 로시니에게 이탈리아어 대본이 [73]있는 마지막 오페라였다.그는 그 [74][n 20]작품의 단 4회 공연만 허용했는데, 이는 더 짧은 [76]오페라에서 최고의 음악을 재사용하려는 의도였다.르 콩테 오리의 악보의 약 절반은 초기 작품에서 [77]나온 것이다.

coloured drawing of leading operatic players in costume
이솔리에, 오리, 아델, 라곤데, 르 콩테 오리

콜브란의 강제 은퇴는 로시니 부부의 결혼 생활에 부담을 줬고, 로시니 부부는 그가 음악적 관심의 중심이고 지속적으로 [61]수요가 있는 동안 빈자리가 되었다.그녀는 세르바디오가 "[78]쇼핑의 새로운 즐거움"이라고 표현한 것으로 스스로를 위로했다. 로시니에게 파리는 점점 더 퉁퉁해지는 그의 몸매를 [78][n 21]반영하기 시작하면서 계속해서 미식가들의 즐거움을 제공했다.

로시니가 프랑스 librettos에게 쓴 네 개의 오페라 중 첫 번째는 Le sige de Corinthe[n 22] Mosese et[n 23] Paraon이었다.둘 다 나폴리를 위해 쓰여진 작품들의 실질적인 재작업이었다.모메토 2세와 모제.Rossini는 첫 번째 작업을 시작하기 전에 프랑스어를 말하는 것을 배우고 프랑스어를 찬양하는 전통적인 오페라 방식을 익히면서 많은 주의를 기울였습니다.로시니는 파리에서 유행하지 않았던 화려한 스타일의 오리지널 음악 몇 개를 폐기했을 뿐만 아니라 춤, 찬송가 같은 숫자, 그리고 [80]합창을 위한 더 큰 역할을 추가함으로써 지역 취향을 수용했다.

로시니의 어머니 안나는 1827년에 죽었습니다; 그는 그녀에게 헌신적이었고, 그는 그녀의 상실을 깊이 느꼈습니다.그녀와 콜브란은 사이가 좋지 않았고, 서바디오는 안나가 죽은 후 로시니가 그의 [81]삶에서 살아남은 여자를 원망하게 되었다고 제안한다.

1828년 로시니는 그의 유일한 프랑스어 코믹 오페라인 르 콩트 오리를 썼다.비아지오 아 랭스의 음악을 재사용하겠다는 그의 결심은 기존의 이탈리아 숫자에 맞게 원래의 줄거리를 바꾸고 프랑스어를 써야 했던 그의 리브레티스트들에게 문제를 일으켰지만 오페라는 성공적이었고 파리 초연 후 6개월 만에 런던에서, 그리고 [77]1831년 뉴욕에서 초연되었다.이듬해 로시니는 윌리엄 텔[82]전설을 그린 프리드리히 쉴러의 1804년 희곡을 바탕으로 오랫동안 기다려온 프랑스 대 오페라 기욤 텔을 썼다.

조기퇴직: 1830-1855

Guillaume Tell은 좋은 반응을 얻었다.오케스트라와 가수들은 초연 후 로시니의 집 밖에 모여 그를 위해 2막까지 열광적인 피날레를 공연했다. 글로브 신문은 음악의 새로운 시대가 [83]시작됐다고 논평했다.가에타노 도니제티는 오페라의 첫막과 마지막막은 로시니에 의해 쓰여졌지만 중간막은 신에 [84]의해 쓰여졌다고 말했다.이 작품은 대성공을 거두지 못한 채 의심의 여지 없이 성공적이었다. 대중은 이 작품을 이해하는 데 시간이 걸렸고 일부 가수들은 그것이 [85]너무 힘들다고 생각했다.그럼에도 불구하고 초연 [n 24]몇 달 만에 해외에서 제작되었고, 작곡가의 마지막 [87]오페라라는 것은 의심의 여지가 없었다.

photograph of middle-aged man, looking ill
로시니, 1850년경

기욤 텔은 세미라마이드와 공동으로 3시간 [88]45분으로 로시니의 가장 긴 오페라로 작곡에 지쳤다.1년 안에 파우스트 이야기에 [83]대한 수술적 치료를 계획하고 있었지만 사건들과 건강이 그를 엄습했다.기욤 텔 개장 후 로시니 부부는 파리를 떠나 카스테나소에 머물고 있었다.1년 안에 파리에서 일어난 사건들은 로시니를 서둘러 돌아오게 했다.샤를 10세는 1830년 7월 혁명으로 전복되었고 루이 필리프 1세가 이끄는 새 정부는 정부 지출의 급격한 삭감을 발표했다.이 삭감안 중에는 이전 [89]정권과 힘든 협상 끝에 획득한 로시니 전 대통령의 종신 연금도 포함돼 있다.연금을 회복하려는 시도는 로시니에게 돌아온 이유 중 하나였다.다른 하나는 그의 새 정부인 올림페 펠리시에와 함께 하는 것이었다.그는 카스테나소에 있는 콜브란을 떠났다; 그녀는 파리로 돌아오지 않았고 그들은 [90]다시는 함께 살지 않았다.

로시니가 오페라에서 손을 뗀 이유는 그의 [91][92]생전부터 끊임없이 논의되어 왔다.어떤 사람들은 프랑스 정부로부터 상당한 연금을 협상하고 39개의 오페라를 썼으며 37세의 다양한 건강 상태에 있다고 추측했다. 그는 단순히 은퇴할 계획을 세우고 그 계획을 지켰다.1934년 작곡가 프란시스 토예는 이 작곡가에 대한 연구에서 "위대한 포기"라는 문구를 만들고 로시니의 은퇴를 "음악사상 유일하고 예술사상 유례없는 현상"이라고 칭했다.

문명세계에서 [93]그를 유명하게 만든 예술적 연출의 형식을 의도적으로 포기한 예술가는 없을까?

시인 하이네는 로시니의 은퇴와 셰익스피어의 글쓰기 철회를 비교했다. 두 명의 천재는 그들이 극복할 수 없는 것을 언제 성취했는지를 깨닫고 [n 25]그것을 따르려 하지 않는다.다른 사람들은 로시니가 그랜드 오페라의 [n 26]장르에서 지아코모 마이어비어프로멘탈 할레비의 성공에 대한 피케 때문에 은퇴했다고 주장했다.현대의 로시니 학회는 로시니가 오페라 구성을 포기할 의도가 없었다고 주장하면서 그러한 이론을 일반적으로 무시해왔고, 개인적인 선택보다는 상황이 기욤 텔을 그의 마지막 [99][100]오페라로 만들었다.고셋과 리처드 오스본은 질병이 로시니의 은퇴의 주요 요인이었을 수도 있다고 주장한다.이때부터 로시니는 간헐적으로 육체적으로나 정신적으로 건강이 나빠졌다.요도염에서 [101]관절염까지 고통스런 부작용으로 이어진 초기 임신을 앓았다. 그는 쇠약해지는 우울증을 앓았고, 해설자들은 이를 몇 가지 가능한 원인과 연관시켰다: 사이클로티혈증,[102] 조울증,[103] 또는 그의 [n 27]어머니의 죽음에 대한 반응.

기욤 텔 로시니 이후 25년 동안, 비록 고셋은 1830년대와 1840년대 그의 비교적 적은 수의 작곡들이 음악적 [91]영감의 저하를 보이지 않는다고 언급했지만, 거의 작곡하지 않았다.그것들은 Soirées 뮤지컬 (1830–1835: 솔로 또는 듀엣 성악과 피아노를 위한 12곡 세트)과 그의 Stabat Mater (1831년 비건, [n 28]1841년 완성)를 포함합니다.1835년 연금 문제로 정부와 싸운 후 로시니는 파리를 떠나 볼로냐에 정착했다.1843년 장 시비알의 치료를 받기 위해 파리로 돌아온 그는 새로운 그랜드 오페라를 제작할 것이라는 희망을 불러일으켰다. - 외젠 스크리브가 잔 다르크에 대한 대본을 준비하고 있다는 소문이 돌았다.오페라는 1844년 프랑스판 오텔로를 선보이기 위해 옮겨졌으며, 오텔로는 작곡가 초기 오페라에서 나온 자료도 포함되어 있다.Rossini가 어느 정도까지 이 제작에 관여했는지는 불분명하지만,[106] 그 결과는 좋지 않았다.더 논란이 된 것은 로버트 브루스 (1846)의 파스티치오 오페라였는데, 로시니는 그때까지 볼로냐로 돌아왔고, 파리에서 아직 공연되지 않은 그의 과거 오페라, 특히 라돈나 라고에서 음악을 선택함으로써 긴밀히 협력했다.오페라는 로버트를 새로운 로시니 오페라로 선보이려 했다.그러나 오셀로가 최소한 진짜 카노닉이라고 주장할 수 있지만, 역사학자 마크 에버리스트는 로버트는 단지 "가짜 상품, 그리고 그 옛날 시대의 것"이라고 비판자들이 주장했다고 지적합니다; 그는 테오필 고티에가 "단결성의 결여는 뛰어난 성과에 의해 가려질 수 있었습니다; 불행하게도 전통적인 로시니입니다.의 음악은 오래 [107]전에 오페라에서 사라졌다.

1835년 이후 로시니는 카스테나소에 남아있던 아내와 정식으로 별거했고 그의 아버지는 80세의 나이로 사망했습니다.[108]1845년에 콜브란은 심각한 병에 걸렸고, 9월에 로시니는 그녀를 방문하러 갔다; 한 달 후에 그녀는 죽었다.[109]이듬해 로시니와 펠리시에는 [108]볼로냐에서 결혼했다.1848년 혁명의 해 사건들은 로시니가 반란의 위협을 느꼈던 볼로냐 지역을 떠나 1855년까지 [110]남아있던 플로렌스를 그의 근거지로 만들었다.

1850년대 초까지 로시니의 정신적, 육체적 건강은 그의 아내와 친구들이 그의 제정신이나 그의 생명을 염려할 정도로 악화되었다.10년 중반쯤에는 그가 당시 이용 가능한 가장 진보된 치료를 위해 파리로 돌아가야 한다는 것이 분명했다.1855년 4월 로시니 부부는 이탈리아에서 [111]프랑스로의 마지막 여행을 떠났다.로시니는 63세에 파리로 돌아와 여생을 [112]그의 집으로 보냈다.

노년의 죄: 1855년–1868년

나는 나의 사랑하는 아내 올림페에게 내가 오랫동안 끔찍한 병에 걸렸을 때 그녀가 나에게 베풀어준 애정과 지적인 보살핌에 대한 간단한 감사의 표시로 이 겸손한 노래들을 선물한다.

Dedication of Musique anodine, 1857[113]

고셋은 1830년에서 1855년 사이의 로시니 생애에 대한 서술이 우울한 읽을거리가 되긴 하지만, "파리에서 로시니는 다시 살아났다고 해도 과언이 아니다"라고 말한다.그는 건강을 회복하고 활기를 되찾았다.파리에 정착한 후 그는 두 개의 집을 유지했습니다.그것은 스마트한 중심가인 쇼제당탕 루에 있는 아파트와 현재 도시에 흡수된 코뮤니티파시에 그를 위해 지어진 신고전주의 빌라입니다.[114]그와 그의 아내는 국제적으로 [91][115]유명해진 미용실을 차렸다.그들의 토요일 저녁 모임 중 첫 번째 모임인 사메디 소이어는 1858년 12월에 열렸고, 그가 죽기 두 달 전인 [116]1868년에 열렸다.

Photo of fat old man looking genial and happy
로시니, 1865년, 에티엔 카자트 지음

로시니는 다시 작곡을 시작했다.그의 마지막 10년 동안의 음악은 일반적으로 대중 공연을 위한 것이 아니었고, 그는 보통 원고에 작곡 날짜를 기재하지 않았다.그 결과, 음악학자들은 그의 후기 작품들에 대한 확실한 날짜를 정하는 것이 어렵다는 것을 발견했지만, 첫 번째 혹은 첫 번째 작품들 중 하나는 1857년 [117]4월에 그의 아내에게 바쳐졌고 그녀에게 선물한 음악 사이클 뮤지크 아노딘이었다.주간 살롱을 위해 그는 노래, 솔로 피아노곡, 다양한 악기 조합을 위한 실내악곡 등 150곡 이상의 작품을 제작했다.그는 그들을 의 페체스 드 비에유세라고 불렀다 - "노년의 [91]신들"살롱은 파시 빌라인 보 세쥬르에서 열렸고 겨울에는 파리 아파트에서도 열렸다.그러한 모임은 파리 생활의 규칙적인 특징이었다 – 작가 제임스 펜로즈는 잘 연결된 사람들이 일주일 중 거의 매일 밤 다른 미용실에 쉽게 갈 수 있다는 것을 관찰했다 – 그러나 로시니 부부의 사메디 술집은 빠르게 가장 인기 있는 곳이 되었다: "초대는 파리시의 가장 큰 사회적 [118]상이었다."Rossini에 의해 신중하게 선택된 이 음악은 그 자신의 것이었을 뿐만 아니라 Pergolesi, Haydn, Mozart의 작품들과 그의 손님들의 현대 작품들도 포함되었습니다.살롱에 참석하고 때로는 공연을 한 작곡가 중에는 오베르, 구노, 리스트, 루빈스타인, 마이어비어, 베르디 등이 있었다.로시니는 자신을 4급 피아니스트라고 부르는 것을 좋아했지만, 사메디 소이어에 참석한 많은 유명한 피아니스트들은 그의 [119]연주에 현혹되었다.파블로 사라사테와 요세프 요아힘과 같은 바이올린 연주자들과 그 시대의 주요 가수들은 [120]단골손님들이었다.1860년, 바그너는 로시니의 친구 에드몬드 미초트의 소개로 로시니를 방문했는데, 그는 45년 후에 두 [121][n 29]작곡가 사이의 상냥한 대화에 대한 자신의 이야기를 썼다.

로시니의 최근 작품 중 공개될 예정이었던 은 1864년에 [123]처음 공연된 그의 Petite Messe Solennelle이었다.같은 해에 로시니는 나폴레옹 [124]3세에 의해 레지옹 도뇌르 훈장관으로 추대되었다.

짧은 질병과 대장암 치료를 위한 성공적인 수술 후, 로시니는 1868년 11월 13일 [125]76세의 나이로 패시에서 사망했다.그는 올리엠페에게 평생의 이자를 남겼는데, 그녀가 죽은 후 10년 후, 리체오 뮤지컬을 설립하기 위해 페사로 공동체에 넘겨졌고,[126] 은퇴한 오페라 가수들을 위한 파리의 집에 자금을 대주었다.파리 생트리니테 교회에서 4,000명 이상의 사람들이 참석한 장례식이 끝난 후, 로시니의 시신은 페르 라셰즈 [127]묘지에 안장되었다.1887년 그의 유해는 [128]피렌체의 산타 크로체 교회로 옮겨졌다.

음악

로시니 강령

"투레 장르 손봉, 오르스 장르 앙누이"[n 30]

Rossini, in a letter of 1868 (citing Voltaire)[129]

작가 줄리안 버든은 로시니에 의해 그의 경력에서 초기에 채택된 공식과 그 후에 계속된 서곡, 아리아, 구조물, 앙상블에 대해 언급하면서 프랑스 [130]황제에 의해 확립된 법 체계인 '나폴레옹 강령'을 언급하며 그것들을 '로시니 강령'이라고 불렀다.로시니의 전체적인 스타일은 정말로 프랑스에 의해 직접적으로 영향을 받았을지도 모른다: 역사학자 존 로셀리는 19세기 초에 프랑스의 이탈리아 통치가 "음악이 공격, 소음, 속도의 새로운 군사적 특성을 띠게 되었다 – 로시니에서 [131]들리게 되었다"는 것을 의미한다고 제안한다.로시니의 오페라에 대한 접근은 취향과 관객의 요구의 변화에 의해 불가피하게 강화되었다.18세기 후반의 오페라 세리아를 지탱해 온 트랜시타시오의 형식적인 "고전주의자" 리브레티는 보다 낭만주의 시대의 소재들로 대체되었고, 더 강한 성격 묘사와 더 빠른 액션을 요구하는 이야기들로; 직업을 구하는 작곡가는 이러한 요구를 충족시키거나 [132]실패해야 했다.로시니의 전략은 이 현실을 충족시켰다.공식적 접근은 로시니의 경력에 최소한 처음에는 필수적이었다: 1812년부터 1819년까지 7년 동안 그는 종종 매우 짧은 시간에 27개의 [133]오페라를 썼다.예를 들어, La Cenerentola (1817년)의 경우, 그는 프리미에르 [134]전에 작곡할 시간이 3주가 조금 넘었습니다.

이러한 압력은 Rossini의 구성 절차에서 더욱 중요한 요소로 이어졌으며, Budden의 "강령"에 포함되지 않았다. 즉, 재활용이다.작곡가는 종종 성공적인 서곡을 후속 오페라로 옮겼다.따라서 라 피에트라파라곤 서곡나중에 오페라 세리아 텐크레디(1813년)에 사용되었고 (다른 방향으로) 팔미라아우렐리아노 서곡(1813년)은 코메디 바벨리아 바빌리아 디비그 서곡으로 끝났다(그리고 오늘날 알려져 있다).e)[132][135] 그는 또한 아리아와 다른 시퀀스를 이후의 작품에서 자유롭게 재이용했다.스파이크 휴즈는 1817년 베니스에서 제작된 에두아르도 에 크리스티나의 26개 작품 중 19개가 이전 작품에서 제거되었다고 지적한다."관객들은 매우 기분이 좋았고…" "왜 마지막 공연 이후 대본이 바뀌었느냐"고 은근히 물었다.[136]로시니는 1850년대에 출판사 조반니 리코르디가 그의 작품 전집을 발표했을 때 혐오감을 표현했다: "같은 작품들이 여러 번 발견될 것이다. 왜냐하면 나는 난파선에서 그들을 구하기 위해 가장 좋아 보이는 작품들을 피아스코에서 제거할 권리가 있다고 생각했기 때문이다.대실패는 이미 죽은 것처럼 보였는데, 이제 그들이 모두 소생시켰구나!"[44]

제안

필립 고셋은 로시니가 "처음부터 완벽한 서곡 작곡가였다"고 말한다.그의 기본 공식은 그의 경력 내내 변하지 않았습니다.고셋은 이 곡들을 "선명한 멜로디, 활기찬 리듬, 단순한 조화 구조"와 크레센도 [132]클라이맥스를 가진 느린 도입이 선행되는 발전 섹션이 없는 소나타 악장"으로 특징짓는다.리처드 타루스킨은 또한 두 번째 주제는 항상 목관악 독주곡에서 발표되는데, 그의 "캐치성"은 "청각 기억에서 뚜렷한 프로필을 만들어낸다"며, 이러한 초기 작품들에서도 오케스트라를 다루는 풍부함과 창의성은 "[137]19세기 위대한 오케스트레이션의 시작"을 의미한다고 지적한다.

아리아스

page of musical score
Di tanti palpiti 추출물(Tancredi)

로시니가 카바티나 스타일로 아리아(및 듀엣)를 취급한 은 18세기의 흔한 레시피틱과 아리아에서 발전한 것이다.로시니의 손에서 아리아는 감정을 [138]발산하는 엔진이 되었다.로시니의 전형적인 아리아 구조는 서정적인 서론("칸타빌레")과 보다 강렬하고 빛나는 결론("카발레타")을 포함하고 있었다.이 모델은 플롯을 전진시키기 위해 다양한 방식으로 수정될 수 있다(다 카포 아리아가 필수 반복될 때 동작이 중단되는 전형적인 18세기 처리와는 대조적으로).예를 들어, 그들은 다른 캐릭터들의 코멘트에 의해 중단되거나("pertichini"로 알려진 관습) 후렴구가 칸타빌레카발레타 사이에 개입하여 솔로 연주자를 흥분시킬 수 있다.그러한 개발이 반드시 로시니 자신의 발명품이 아니었다면,[139] 그럼에도 불구하고 그는 그것들을 전문적으로 다루어 자신의 발명품을 만들었다.이런 맥락에서 랜드마크는 타루스킨과 고셋 모두 "이탈리아 [44][n 31]오페라의 선율적인 아름다움과 순수함을 담아낸 듯한 멜로디"로 변혁적인 작품인 "로시니 [140]작가 중 가장 유명한 아리아"로 꼽은 탠크레디의 "디 탄티 팔피티"이다.두 작가 모두 F의 홈키에서 A의 플랫키로의 갑작스런 전환에 의해 아리아에서 "예상된" 리듬을 회피하는 전형적인 로시니아적 손길을 지적하고 있다(예 참조).Taruskin은 단어들이 되돌아온다는 것을 말해주듯이 암묵적인 말장난에 주목하지만 음악은 새로운 [141]방향으로 움직인다.그 영향은 지속되었다; 고셋은 어떻게 로시니아식 카발레타 스타일이 주세페 베르디아이다(1871년)[44]까지 이탈리아 오페라를 계속해서 알렸는지 지적한다.

구조.

text-only poster for operatic performance, listing cast
페라라에서의 탄크레디 공연 포스터, 1813년

성악의 형태와 오페라의 극적인 발전의 그러한 구조적 통합은 아리아에 대한 전이양적 우선주의로부터의 변화를 의미했다; 로시니 작품에서 솔로 아리아들은 듀엣과 앙상블[44]선호하며 점차적으로 오페라의 작은 비율을 차지한다.

18세기 후반, 오페라 부페의 창작자들은 각 공연의 결말을 점점 더 극적으로 통합시켰다.파이널은 그 어느 때보다 많은 부분을 차지하면서, 일련의 섹션의 음악적으로 연속적인 체인의 구조를 취하기 시작했고, 각각 속도와 스타일의 특징을 가지고 시끄럽고 활기찬 마지막 [142]장면으로 올라갔습니다.그의 희극 오페라에서 로시니는 이 기법을 최고조에 달했고, 그의 이전 작품들보다 훨씬 더 범위를 넓혔다.타루스킨은 알제리에서 열린 L'Italiana의 1막의 피날레 중 "100페이지에 가까운 보컬 스코어를 기록하면서,[143] 그것은 로시니 중에서 가장 집중된 단일 용량이다"라고 쓰고 있다.

오페라 역사에 있어서 더 중요한 것은 오페라 세리아 장르에서 이 기술을 발전시키는 로시니의 능력이었다.탠크레디의 1막 피날레에 대한 매우 상세한 분석에서 고셋은 로시니의 실천에서 몇 가지 요소를 밝혀냈다.이것들은 종종 오케스트라 모티브로 특징지어지는 "운동적인" 액션 시퀀스의 대조, "정적인" 감정의 표현, 카발레타 형태의 마지막 "정적인" 부분, 모든 캐릭터들이 마지막 운율에 합류하는 것을 포함한다.고셋은 "카발레타가 로시니 및 그의 [144]동시대 오페라에서 각 음악 단위의 의무적인 폐쇄 섹션이 된 것은 탠크레디 시대부터"라고 주장한다.

초기 작업

극히 일부의 예외를 제외하고, 로시니가 은퇴하기 전 작곡한 모든 작품들은 인간의 목소리를 포함하고 있다.그러나 그의 첫 번째 생존 작품은 첼로와 더블베이스 두 개의 바이올린을 위한 현악 소나타 세트이며, 그가 작곡 교육을 겨우 시작한 12살에 작곡되었다.선율적이고 매력적으로, 그들은 재능 있는 아이가 모차르트, 하이든, 베토벤에 의해 진화된 음악 형식의 진보의 영향으로부터 얼마나 멀리 떨어져 있었는지를 보여준다. 악센트는 변형적[145]발전보다는 캔타빌레 선율, 색채, 변주, 그리고 기교에 있다.이러한 특징들은 또한 로시니의 초기 오페라, 특히 그의 더 형식적인 오페라보다는 극 에서 두드러진다.고셋은 이러한 초기 작품들이 "치마로사페이시에로의 망토를 가득 채우지 않은" 시기에 쓰여졌다고 언급하고 있다.이것들은 로시니가 그것들을 입어본 첫 단계이자 점점 더 높이 평가받고 있다.그의 연극이 처음 공연된 베니스에 있는모이세 극장, 그리고 그의 2막 오페라피에트라파라곤(1812년)을 초연한 밀라노의 라 스칼라 극장은 그 전통에서 작품을 찾고 있었다; 고셋은 오페라에서 "로시니의 음악적 성격이 형성되기 시작했다…"고 말한다."er"는 "순수한 소리, 날카롭고 효과적인 리듬에 대한 사랑"을 포함한다.브루스치노(Bruschino, 1813년)의 서곡에서 사용된 특이한 효과는 그러한 재치 있는 독창성의 [132][n 32]한 예이다.

이탈리아, 1813년-1823년

painting of prosperous-looking man in fur-collared black coat
1820년대 나폴리의 도메니코 바르바하

몇 주 만에 알제리에서 탠크레디와 희극 오페라 랑이탈리아가 초연된 베니스에서의 대성공은 그의 세대의 떠오르는 오페라 작곡가로서의 로시니의 명성을 굳혔다.1813년 말부터 1814년 중반까지 그는 밀라노에서 팔미라아우렐리아노이탈리아의 일 투르코라는 두 개의 새로운 오페라를 만들고 있었다.아우렐리아노의 아르사체는 카스트라토 잠바티스타 벨루티가 불렀습니다; 이것은 로시니가 카스트라토 가수를 위해 쓴 마지막 오페라 역할이었고, 이는 오페라 취향의 또 다른 변화인 콘트라토 목소리를 사용하게 되었습니다.소문에 따르면 로시니는 벨루티의 음악 장식에 불쾌해 했지만, 사실 그의 이탈리아 기간 동안 세미라미드(1823년)까지 로시니의 쓰여진 성대모사는 점점 화려해졌고, 이것은 작곡가 [44][n 33]자신의 스타일을 변화시킨 것이 더 적절하다고 여겨진다.

나폴리에서의 로시니의 작업은 이러한 양식적 발전에 기여했다.시마로사와 페이시엘로의 오페라의 산실이었던 도시는 페사로 출신의 작곡가를 알아보는 것이 늦었지만 도메니코 바르바이아는 1815년 7년 계약으로 그의 극장을 관리하고 오페라를 작곡하도록 그를 초대했다.처음으로 로시니는 이사벨라 콜브란, 안드레아 노자리, 조반니 데이비드 등 음악가와 가수들과 오랜 기간 함께 작업할 수 있었는데, 고셋은 "모든 것이 화려한 노래에 특화된" 것과 "그들의 보컬 재능은 로시니의 스타일에 지울 수 없고 완전히 긍정적이지 않은 흔적을 남겼다"고 언급했다.로시니의 나폴리, 엘리사베타, 레지나 디질테라, 라 가제타를 위한 첫 오페라는 대부분 초기 작품에서 재활용되었다. 그러나 오텔로(1816)는 멜로디, 오케스트레이션, 색조로 강조된 드라마와 함께 명창 대사뿐만 아니라 훌륭하게 통합된 마지막 장면으로 특징지어진다. 고세티니의 의견은 "여기서 나왔다.드라마틱한 아티스트가 [38]될 수 있는 나이죠."코멘트는 다음과 같습니다.

엘리사베타, 레지나 디질테라에서 젤미라, 그리고 궁극적으로 세미라미드로의 로시니 스타일의 성장은 나폴리에서 그가 경험한 연속성의 직접적인 결과이다.로시니는 나폴리를 위해 그의 가장 훌륭한 오페라를 작곡했을 뿐만 아니라, 이 오페라들은 이탈리아의 오페라 구성에 깊은 영향을 미쳤고 베르디에 [38]이르는 발전을 가능하게 했다.

caricature of man in Turkish dress, carrying and banging a large drum
"탐부로시니 서명자, 누벨 멜로디" (1821)탬부어(프랑스"드럼"에)그 작곡가의 이름을 결합하여, 프랑스 화가 폴 들라로슈에 의해 이 석판 인쇄 소음의 트럼펫과 드럼 까치를 동반한 그의 초기 오페라에 몇마디 언급,[n34]고 글자 그대로 shee를 짓밟고 그와 마이더스 왕은 보여 주는 등 창조자, 맑기 이른 로시니의 유럽에서 명성을 만든다.t-music과 바이올린, 그리고 아폴로(음악의 신)는 [147]배경에서 탈출한다.

지금까지 로시니의 경력은 유럽 전역에 관심을 불러일으켰다.다른 사람들은 이탈리아 오페라의 부활을 공부하기 위해 이탈리아로 왔고, 그들 자신을 발전시키기 위해 그 교훈을 사용했다; 그들 중 한 명은 로시니 가의 나폴리 설립 1년 후인 1816년에 이탈리아에 도착하여 로시니 가의 리브레트주의자 중 한 명인 로시노 에를 따라 1825년에 파리로 갈 때까지 그곳에서 살고 일한 베를린 태생의 자코모 마이어였다.토리노, 베니스,[148] 밀라노에서 제작된 그의 7개의 이탈리아 오페라 중 5편을 위해.1818년 9월 그의 형에게 보낸 편지에서, 그는 이탈리아에 정통하지 않은 관찰자의 관점에서 오텔로에 대한 상세한 비판을 포함하고 있다.그는 처음 2막의 자기 차용에 대해 비난하고 있지만, 3막이 "베니스에서 로시니의 명성을 확고히 다져 놓았기 때문에 수천 번의 우행도 그에게서 빼앗을 수 없었다"고 인정한다.하지만 이 행동은 신성할 정도로 아름답다.이상한 것은 그 아름다움은 노골적으로 로시니아인이 아니라는 것이다.뛰어나고 열정적인 낭송, 신비로운 반주,[149] 많은 지역색깔이다.로시니의 계약은 그가 다른 임무를 맡는 것을 막지 않았고, 오텔로 이전에 오페라 부파 전통의 위대한 정점인 일 바비레시비글리아는 로마에서 초연되었다.Richard Osborne은 그 우수성을 다음과 같이 분류합니다.

...의 물리적 영향을 넘어서는피가로의 "Largo al Factotum"은 Rossini의 독특한 신랄함과 명석함, 재빠른 단어 설정, 그리고 종종 기발하고 폭발적인 내부 변주곡으로 큰 음악 형식에 대한 숙달의 귀로 알려져 있다.여기에 베르디가 말한 오페라의 진정한 음악적 아이디어의 풍부함, 그리고 이 작품이 로시니에서 가장 인기 있는 오페라 부페로 장기 등장한 이유는 [135]어렵지 않다.

세렌톨라(로미, 1817)와 "펜과 잉크의 스케치" 파르사 아디나(1818년, [150]1826년까지 공연되지 않음)를 제외하고, 로시니는 나폴리와의 계약 기간 동안 다른 작품들은 모두 오페라 세리아 전통에 있었다.그 중 가장 주목할 만한 것은 모두 노래의 거장 역할을 포함하고 있는 에기토의 모제(1818), 라돈나 델 라고(1819), 모메토 2세(1820) 그리고 1823년 베니스의 라 펜체에서 공연된 이탈리아를 위해 쓴 그의 마지막 오페라 세미라미드이다.오페라 세미세리아 마틸드 디 샤브란의 세 가지 버전은 1821/1822년에 쓰여졌다.모세모메토 2세 모두 나중에 파리에서 상당한 재건축을 거쳤다. ([38]아래 참조).

프랑스, 1824년-1829년

page of musical score
Ludovic Vitet의 [n 35]기사로 Le Globe, 1827년 3월 31일에 발행된 Rossini's Mosese에서 발췌.

이미 1818년 마이어비어는 로시니가 파리 오페라에서 돈벌이가 되는 자리를 찾고 있다는 소문을 들었다. "그의 제안이 받아들여진다면, 그는 프랑스의 수도로 갈 것이고, 우리는 아마도 신기한 [152]일을 겪게 될 것이다."이 예언이 실현되기까지 약 6년이 흘렀다.

1824년 로시니는 프랑스 정부와의 계약 하에 파리의 테트르 이탈리아앙의 감독이 되었고, 그곳에서 그는 에기토에서 마이어베어의 오페라크로시아토를 소개했고, 샤를 10세의 대관식을 축하하기 위해 일 비아지오랭스를 썼다.이것은 이탈리아어 대본에 대한 그의 마지막 오페라였고, 후에 그의 첫 번째 프랑스 오페라인 Le comte Ori(1828)를 만들기 위해 식인되었다.1826년 새로운 계약은 그가 오페라에서 제작에 전념할 수 있다는 것을 의미했고, 이를 위해 그는 모에주코랑테(1826년)로 모제 2세를, 모제 에트 파랑(1827년)으로 실질적으로 개정했다.프랑스인의 취향에 따라 작품들이 (각각 1막씩) 확장되고, 개정판의 보컬 라인이 덜 화려하며, 아리아가 차지하는 비율이 줄어들면서 [153]극적 구조가 강화된다.가장 눈에 띄는 추가 중 하나는 모세의 3막 말미에 있는 코러스로, 처음에는 디아토닉 상승 베이스 라인의 크레센도 반복, 그리고 각 출연마다 마이너 3번째 상승, 그리고 다음에는 메이저 3번째 상승, 그리고 관객들의 [154]흥분을 불러일으킨 하강 반음 톱 라인으로 구성되어 있다.

로시니는 정부와의 계약으로 적어도 하나의 새로운 "그랜드 오프라"를 만들어야 했고, 로시니는 윌리엄 텔의 이야기를 하기로 결정했고, 리브레티스트인 에티엔주이와 긴밀히 협력했다.특히 이 이야기는 그가 "민속음악, 목회자, 그리고 그림 같은 관련된 장르에 대한 근본적인 관심"에 빠져들게 했다.이는 날씨, 풍경, 행동을 묘사하는 데 있어 명시적으로 프로그램적이고 스위스 목동들의 요구인 랑츠 데스캉스의 버전을 제시하는 서곡에서 명백해진다. 스위스 목동들은 "오페라 동안 많은 변형을 거쳐" 리차드 오스본의 의견에서 "리모티프의 성격의 무엇인가"를 제시한다.[155][n 36]음악사학자 벤자민 월튼의 의견에 따르면, 로시니는 "다른 것을 위한 여지가 거의 없을 정도로 지역적인 색채로 작품을 포화시킨다"고 한다.따라서, 독주자의 역할은 다른 로시니 오페라에 비해 현저하게 줄어들었는데, 주인공은 자신의 아리아조차 가지고 있지 않은 반면 스위스 사람들의 합창은 음악적이고 극적인 전경에 [157][158]일관되게 있다.

기욤 텔 의상 디자인, 마틸드 역의 Laure Cinti-Damoreau, Arnold Melchtal Adolphe Nourrit, Walter Furst 역의 니콜라스 Levassure

기욤 텔은 1829년 8월에 초연되었다.로시니는 또한 오페라를 위해 짧은 3막 버전을 제공했는데, 이것은 피날레에 서곡의 마지막 부분을 포함시켰다; 그것은 1831년에 처음 공연되었고 오페라의 미래 [155]작품의 기초가 되었다.Tell은 시작부터 매우 성공적이었고 자주 부활했습니다.1868년 이 작곡가는 500번째 오페라 공연에 참석했습니다.글로브는 개막 당시 프랑스 오페라뿐 아니라 다른 곳에서 [159]드라마틱한 음악에 새로운 시대가 열렸다고 열정적으로 보도했다.이것은 로시니가 참여하지 않는 시대였다.

철수, 1830년-1868년

A painting of a stage setting based on the ramparts of Sterling Castle in the Late Middle Ages.
로버트 브루스(1846년)의 원작을 위한 세트 디자인

로시니의 계약은 그가 10년 동안 오페라를 위해 5개의 새로운 작품을 제공하도록 요구했습니다.의 초연 후 그는 이미 괴테의 파우스트포함한 몇몇 오페라 주제를 고려 중이었지만, 1836년 파리를 떠나기 전에 그가 완성한 중요한 작품은 1831년 민간 위탁을 위해 쓰여진 스타바트 마테와 살롱 성악 모음 Soirées가 출판되었다.1835년에.볼로냐에 살면서 그는 리체오 뮤지컬에서 노래를 가르치느라 바빴고, 또한 가수 니콜라 이바노프를 위해 테르의 파스티치오인 로돌포 디 스털링을 만들었는데, 주세페 베르디는 이를 위해 새로운 [91]아리아를 제공했다.파리에서의 지속적인 요구는 1844년에 "새로운" 버전의 오텔로 (로시니와는 관련이 없는)"와 "새로운" 오페라 로베르 브루스 (Robert Bruce)의 제작으로 이어졌고, 로시니는 파리에서 거의 알려지지 않은 라돈나 라고와 그의 다른 작품들을 위해 음악을 재연하기 위해 루이 니더마이어와 다른 작품들과 협력하여 새로운 리브레트에 맞게 만들었다.적어도 이 두 가지 [160]성공이 타당하다고 할 수 있다.

1855년 로시니가 파리로 돌아올 때까지 그의 음악적 정신이 되살아나는 조짐이 없었다.성악, 합창, 피아노, 실내악 앙상블을 위한 일련의 곡들이 1857년부터 1868년까지 13권으로 발행되었다.이들 중 4~8권은 "내가 소속된 4급 피아니스트에게 바치는 56개의 반만화 피아노곡..."[161]으로 구성되어 있다.이것들은 모의 장례 행진, Marche et rememinances pour mon dernier 항해를 포함합니다(3월과 나의 마지막 여행을 [162]위한 추억).고셋은 페체스에 대해 "그들의 역사적 위치는 평가되어야 하지만, 카밀 생상스나 에릭 사티와 같은 작곡가들에 대한 직접적이든 간접적이든 간에 그 영향은 매우 [163][n 37]컸던 것으로 보인다"고 쓰고 있다.

Rossini의 마지막 10년 중 가장 실질적인 작품인 Petite Messe Solennelle (1863년)은 작은 힘(원래 목소리, 두 대의 피아노와 하모니움)을 위해 쓰여졌고, 따라서 콘서트 홀 연주에는 적합하지 않았다. 그리고 그것은 여성의 목소리를 포함하고 있었기 때문에 그 당시 교회 공연에는 받아들여지지 않았다.이러한 이유로, 리처드 오스본은 이 작품이 로시니 [123]작품 중에서 다소 간과되어 왔다고 제안한다.그것은 특별히 작지도 않고 완전히 솔렌넬도 아니지만 우아함, 대위법,[165] 멜로디로 유명하다.원고의 마지막에 작곡가는 이렇게 썼다.

신이시여, 이제 끝났습니다, 이 불쌍한 미사여.내가 작곡한 성스러운 음악일까, 빌어먹을 음악일까?잘 알다시피 난 오페라 부페를 위해 태어났어.작은 기술, 작은 마음, 그게 다야.그럼 축복받고,[166] 나에게 파라다이스를 주세요.

영향과 유산

highly ornate white marble funerary monument
플로렌스 산타 크로체 대성당의 로시니 최후의 안식처; 주세페 카시올리의 조각(1900년)

로시니 선율의 인기는 많은 현대 거장들로 하여금 그것들을 바탕으로 피아노 문자나 환상을 창조하게 했다.예를 [167]들어 모세의 주제에 대한 지기스몬드 살베르크의 환상, 앙리 헤르츠, 프레데릭 쇼팽, 프란츠 ,텐, 안톤 디아벨리프리드리히 부르그뮐러[168]체네렌톨라에서 나온 "Non pi ( mesta"의 변주곡 세트, 그리고 리스트가 윌리엄의 서곡을 말한다.

그의 희극 오페라의 지속적인 인기(그리고 그의 오페라의 쇠퇴), 그의 시대의 노래와 무대 스타일의 전복, 그리고 장인이 아닌 "창의적인 예술가"로서의 작곡가라는 새로운 개념은 이탈리아 오페라의 형태가 계속 증가했음에도 불구하고 로시니의 음악 역사에서 위치를 축소시키고 왜곡시켰다.[171]혁신에 감사해야 할 시기입니다.그의 동시대 이탈리아 작곡가들 사이에서 로시니의 지위는 로시니가 죽은 지 며칠 만에 베르디가 시작한 프로젝트인 '메사 페르 로시니'에 의해 나타나는데, 이 프로젝트는 그와 십여 명의 다른 작곡가들이 [n 39]공동으로 만들었다.

만약 로시니가 이탈리아 오페라에 남긴 주요 유산이 성악 형태와 진지한 오페라를 위한 극적 구조였다면, 프랑스 오페라에 남긴 유산은 오페라 부파에서 오페레타 장르이르는 가교를 제공한 것이었다.로시니의 스타일에 빚을 진 작품으로는 프랑수아 아드리앙 볼디외의 라담 블랑쉬(1825년)와 다니엘 오베르의 프라 디아볼로(1830년)를 비롯해 페르디난드 에롤드, 아돌프 아담, 앙탕탈 할레비 [173][174]등이 있다.로시니의 스타일에 비판적인 사람은 헥토르 베를리오즈로, 그는 "멜로디식 냉소주의, 극적 감각과 양심에 대한 경멸, 단일 형태의 끝없는 반복, 영원한 유치한 크레센도와 잔혹한 베이스 드럼"[175]을 썼다.

로시니가 생전에 쌓아온 엄청난 평판이 그 후에 시들해지는 것은 어쩌면 피할 수 없는 일일지도 모른다.작곡가가 죽은 지 20년도 채 되지 않은 1886년, 버나드 쇼는 이렇게 썼다: "한때 보편적이었던 로시니, 그의 세미라미드가 우리 녹색 할아버지들에게 나인베스크의 경이로운 사람으로 보였던, 마침내 더 이상 진지한 [176]음악가로 여겨지지 않게 되었다."1877년 일 바비에 대한 리뷰에서, 그는 아델리나 패티가 레슨 장면 "Home,[n 40] Sweet Home"에서 앙코르로 노래했지만 "오페라가 너무 참을 수 없을 정도로 지루해서 그녀의 관객들 중 일부는 이미 발라드의 감정에 대한 그들의 감상을 가장 실용적인 [177]방법으로 표현했다"고 언급했다.

20세기 초반에 로시니 모두 오토 리노 레스 피기, Péchés 드 viellesse 둘 다 그의 발레에서 부티크 fantasque(1918년)과 그의 1925년 스위트 Rossiniana,[178]에서 벤자민 브리튼, Soirées musicales 1937년과 Matinées musi(Op.9)두개의 스위트 룸에 로시니에 의해 음악을 개조했다에서 발췌한 상태에서 조공을 받았다.cales1941년 ([179]Oper. 24)리처드 오스본은 긍정적인 평가를 향한 중요한 전환점으로 주세페 라디시오티(1927–1929)의 로시니 전기의 3권을 꼽았는데,[180] 이 또한 음악의 신고전주의 경향에 의해 도움을 받았을지도 모른다.로시니의 중요성에 대한 확실한 재평가는 20세기 후반에 그의 작품에 대한 연구와 비평 판의 창조에 비추어 시작되었다.이러한 발전의 주역은 1940년 [4][171]페사로시가 작곡가가 도시에 남긴 자금을 사용하여 만든 "폰다지오네 G. 로시니"였다.1980년부터 "폰다지오네"는 페사로에서 [4][181]매년 열리는 로시니 오페라 축제를 후원해왔다.

21세기 전 세계 오페라 하우스의 로시니 레퍼토리는 일 바비에 의해 지배되고 있으며, 라 세네렌톨라는 두 번째로 인기가 [182]높다. 콩테 오리, 라돈나 델 라고, 라 가자 라드라, 기욤 텔, 알제리의 이탈리아나, 이탈리아의 스칼라세타, 일 투르코, 그리고 비아조[182]랭스포함한 몇몇 오페라들이 정기적으로 제작된다.현재 국제 레퍼토리에 있는 다른 로시니 작품에는 아디나, 아르미다, 엘리사베타 레지나 디인힐테라, 에르미온느, 에기토의 모세, 탠크레디[182]있다.Wildbad 페스티벌의 Rossini는 희귀한 작품들을 [n 41]생산하는 것을 전문으로 한다.Operabase 공연 목록 웹사이트는 2017-2019년 [182]3년간 전 세계 255개 공연장에서 532편의 로시니 오페라 공연을 기록했습니다.로시니의 오페라는 모두 [n 42]녹음되었다.

메모, 참고 자료 및 출처

메모들

  1. ^ 그의 세례증명서에 따르면, 로시니의 이름은 원래 조바키노였고,[1] 그의 어린 시절부터 적어도 [2]한 개의 후기 문서에 그렇게 언급되어 있다.편집자 에마뉴엘 세니치는 캠브리지에서 로시니라는 이름을 1830년대에 마침내 전자에 정착하기 전에 그의 어린 시절에 지오아치노 또는 지오악치노로 다양하게 철자를 썼다고 쓰고 있다.후자의 철자는 현재 전명의 소유자들 사이에서 더 일반적이지만, 로시니 전문가들은 작곡가에 관한 [3]지오아치노가 적절한 형태라고 일반적으로 생각한다.스펠링을 선호하는 권위자 중에는 [4]피사의 폰다지오네 G. 로시니, 그로브 음악 [5]사전, 센트로 이탈리아-아메리카노 per'Opera(CIAO)[6] 등이 있다.
  2. ^ 발음:영국: /ddoʊno rʊsinini/,[7][8][9] 미국: /-[8][9][10][11]roʊno-rɔ-/, 이탈리아어: [d rosoaˈki]no antɔnjo rossi]ni] (들어보세요)
  3. ^ 여기에 인용된 스텐달의 로시니 회고록그의 로시니 생애와 동일하지 않으며 저자의 초고를 바탕으로 편찬된 것으로 추정된다.음악학자 헨리 프루니에르는 20세기에 다음과 같이 말했다. "역사적인 관점에서 보면, 이 [, 회고록]은 19세기 전반기에 로시니에 대해 쓰여진 최초의 그리고 의심할 여지 없이 최고의 책이다.하지만 스텐달리아인들에게는 로시니 인생과 같은 관심과는 거리가 멀어요.그것은 천재적이고 생동감이 [15]넘치고 아이디어가 넘쳐나는 즉흥적인 작품이에요.
  4. ^ 4중주단은 두 개의 바이올린, 한 개의 첼로와 한 개의 더블 베이스의 특이한 조합을 위해 작곡되었다.그들은 두 개의 바이올린, 한 개의 비올라 그리고 한 개의 첼로의 전통적인 현악 4중주 조합으로 여섯 개 중 다섯 개가 출판된 1825년과 1826년에 어느 정도 인기를 얻었다.나머지 소나타는 [19]1954년까지 출판되지 않았다.
  5. ^ 결혼계약서
  6. ^ 행운의 속임수
  7. ^ 비단 사다리
  8. ^ "사치로운 오해'
  9. ^ "시계석"
  10. ^ 알제리의 이탈리아 소녀
  11. ^ "이탈리아의 터키인"
  12. ^ 엘리자베스
  13. ^ 전체적으로 알마비바, 오시아 L'inutile precauzione – 알마비바 또는 쓸모없는 [39]예방책입니다.
  14. ^ 페이시엘로의 버전은 [41]니나와 같은 의 다른 유명한 오페라들과 함께 1820년대에 오페라 레퍼토리에서 사라졌다.
  15. ^ 도둑 까치
  16. ^ 1824년 로시니 전기에서 콜브란을 싫어하는 것이 명백했던 스텐달은 신부의 나이를 40세에서 50세로 보고 로시니에게 상당한 [53]돈을 받고 그녀와 결혼하라고 제안했다.
  17. ^ "Vor allem machen Siench vielle Barbiere"[60]
  18. ^ 2018년 가치로 약 350만 파운드에 상당하는 금액 – 2018년 7월 15일에 액세스한 영국 CPI 인플레이션 계산기 참조
  19. ^ "렘스로의 여정"
  20. ^ 악보는 1970년대에 재발견된 원고를 재구성한 것으로, 이후 무대에 올려져 [75]녹음되고 있다.
  21. ^ 몇몇 고급 요리들은 로시니의 이름을 따서 붙여졌다; 그 중 일부는 1850년대에 파리에서 살기 위해 돌아온 후 그의 집에서 메뉴에 등장했다.그들은 크레마 알라 로시니, 프리타타 알라 로시니, 투르네도스 로시니 등을 포함했고, 일반적으로 트러플푸아그라 [79]사용을 포함한 풍부한 요리였다.
  22. ^ 코린트 공방전
  23. ^ 모세와 파라오
  24. ^ 런던 작품은 헨리 비숍과 J. R. 플랜치의해 "맛과 능력을 갖춘" 영국 무대에 "선택되고 각색"되었고 1830년 5월 드루리 레인에서 티롤[86] 호퍼라는 제목으로 상연되었다.
  25. ^ 하이네는 로시니에게 가끔 적용되는 "페사로의 백조"라는 제목은 명백히 잘못된 것이라고 덧붙였다. "스위안은 인생의 끝에 노래를 부르지만 로시니도 그의 [94]한창 때 침묵하게 되었다."
  26. ^ 이 제안은 종종Jew-hatred –기를 예를 들면 주장은 로시니" 때까지 유대인들이 그들이 안식일을 마쳤다"(조차 야유를 퍼부때때로, 근거 없는, 로시니는 자신에게 귀속)[95]나 리하르트 바그너의 균열(그의 1851년과 오페라 드라마에), 로트실트 가문의 양쪽 Rossin과 친구들 사이의 우정을 언급하고 은퇴했다.한d Meyerbeer(은행가 출신):[로시니] 그가 항상 그들의 음악을 만들어주었던 은행가들에게 언젠가 그런 일이 일어나리라고는 꿈에도 생각지 못했다.[96][97]그러한 주장은 빗나갔다; 로시니는 정기적으로 마이어비어를 방문하면서 마이어비어와 우호적이었고, 1864년 마이어비어의 죽음에 대한 남성 성악 합창단 추모곡, 플뢰어, 뮤즈 숭고! (위프, 숭고한 뮤즈!)[98]
  27. ^ 다니엘 W. 슈워츠는 로시니가 1829년 이후 더 이상 오페라를 쓰지 못한 것은 2년 [104]전 모친의 사망에 따른 "약탈적 금단과 우울증" 때문이라고 추측한다.Richard Osborne은 이것을 다른 심리학 [105]이론보다 덜 연구된 "유연한 추측"이라고 거부한다.
  28. ^ Stabat Mater의 첫 번째 버전은 Rossini에 의한 6개의 섹션과 의 친구 Giovanni Tadolini에 의한 6개의 섹션으로 구성되었다.파리에서 출판사의 압력으로 로시니는 후에 타돌리니의 기고문을 대체하였고 1841년에 [91]로시니 판본이 출판되었다.
  29. ^ Michotte는 나중에 브뤼셀 [122]왕립 음악원 도서관에 방대한 악보, 문서기타 로시니안들을 유산으로 남겼습니다.
  30. ^ "심심한 장르 빼고 다 좋아요"
  31. ^ 악명높은 로시니는 1865년 자신의 출판사 리코르디에게 보낸 편지에서 "너무 유명한 카바티나 '디 탄티피티'의 저자"라고 자조적으로 자신을 썼다.68)[140]
  32. ^ 비록 그것이 현대 관객이나 음악가들에게 항상 그렇게 매력적으로 보이지는 않았지만, 브루시노의 초연에 대한 한 리뷰는 "어떻게 지휘자가 그들의 음악 스탠드를 두드리는 의미 없는 서곡을 쓸 수 있었는지 완전히 이해할 수 없다; 이것은 너무 낮아서 첫날 밤 음악가는 가라앉았다.협력을 [146]거부했습니다.
  33. ^ 하지만 한계가 있었다.아델리나 패티은퇴 후 로시니의 토요일 소이레 중 한 곳에서 공연했을 때, 바버의 "Una voce poco fa"의 과장된 버전을 연주했을 때, 작곡가는 상냥하게 물었다. "아주 좋구나, 얘야, 그리고 네가 방금 공연한 작품은 누가 썼니?"[135]
  34. ^ 까치는 또한 La gazza ladra에 대한 언급이고, 동양 드레스는 오텔로나 아마도 이탈리아[147] Il turco를 지칭한다.
  35. ^ 파리 일간지에 실린 최초의 음악 인용문인 이 발췌문은 오페라 [151]3막의 마지막에 관객들을 열광시켰던 합창 음악의 윤곽을 보여준다.
  36. ^ 랑즈바캉스는 이미 앙드레 그레트리1791년 [156]오페라에서 스위스를 묘사하기 위해 사용되었다.
  37. ^ 로시니에게 자주 귀속되는 이 유명한 고양이의 듀엣곡은 그가 작곡한 것이 아니라 덴마크 작곡가 C.E.F.의 "Katte-Cavatine"의 곡이다. 로시니 오텔로[164]음악과 함께 웨이스.
  38. ^ 리스트는 에르미온느(1824), 라돈나 델 라고(1825), 르 시주코린테(1830, 피아노와 오케스트라를 위해서도), 오텔로(1834, 1859), 마오메토 2세(1839), 모세(1841년)[170]포함한 많은 로시니 오페라를 바탕으로 환상과 변주곡들을 썼다.
  39. ^ 미사는 1869년 볼로냐에서 초연될 예정이었지만 신랄한 음모 속에 공연은 중단되었다.베르디는 1874년 자신의 Messa da Requiem에서 자신의 작품인 "Libera me"를 다시 썼다.1970년까지 방치된 원고는 1988년 [172]메사 초연됐다.
  40. ^ 헨리 비숍이 작곡한 발라드, 1823년.
  41. ^ 2018년에는 Eduardo e Christina, Giovanna d'Arco, L'equivoco stravagante, Maomto II, ZelmiraMosese et Paraon이 [182]제작되었습니다.
  42. ^ 2005년의 기록에 대해서는, Richard [183]Farr의 조사를 참조해 주세요.

레퍼런스

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원천

책들

저널 및 기사

신문

  • "Drury-Lane". The Times. 3 May 1830.
  • Penrose, James (November 2017). "Rossini's Sins". The New Criterion.

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외부 링크

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