음악 속의 여자

Women in music
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1947년 뉴욕에서 미국 재즈 가수 겸 작곡가 빌리 홀리데이
보니 랫(Bonnie Rait)은 미국의 가수, 기타 연주자, 피아노 연주자입니다. 그래미상을 10번이나 수상한 그녀는 슬라이드 기타 연주로도 유명합니다.
아샤 보슬레는 힌디어 영화에서 재생 가수로 가장 잘 알려진 인도 가수입니다. 2011년, 그녀는 공식적으로 기네스북으로부터 음악 역사상 가장 많이 녹음된 아티스트로 인정받았습니다.[1]
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음악계의 여성들은 작곡가, 작곡가, 악기 연주자, 가수, 지휘자, 음악 학자, 음악 교육가, 음악 평론가/음악 저널리스트, 그리고 다른 음악 직업의 여성들을 포함합니다. 또한, 음악 운동(예: 여성을 위해 여성이 작사하고 공연하는 음악인 여성 음악), 여성과 관련된 사건과 장르, 여성 문제, 페미니즘에 대해 설명합니다.

2010년대에 여성은 대중 음악과 클래식 음악 가수의 상당한 비율을 차지했고, 작곡가의 상당한 비율(그들 중 다수는 싱어송라이터)을 차지했지만, 여성 음반 제작자, 록 평론가 또는 록 악기 연주자는 거의 없었습니다. 비외르크, 레이디 가가, 마돈나와 같은 대중음악계의 여성 아티스트들이 음악계의 성차별에 대해 언급했습니다.[2][3][4] 또한 스미스 박사가 주도한 2021년 연구는 "지난 6년 동안 음악 산업에서 여성의 대표성은 훨씬 더 떨어졌습니다."[5][6]라고 발표했습니다. 고전 음악에서 여성 작곡가는 중세부터 오늘날까지 엄청나게 많았지만, 일반적으로 연주되는 고전 음악 레퍼토리나 음악사 교과서, 음악 백과사전 등에서는 여성 작곡가의 대표성이 현저히 떨어집니다. 예를 들어, 간결한 옥스포드 음악사에서 클라라 슈만은 언급된 유일한 여성 작곡가 중 한 명입니다.

클래식 음악에서 여성은 기악 독주자의 상당한 비율을 차지하고 오케스트라에서 여성의 비율이 증가하고 있습니다. 그러나 2015년 캐나다 주요 관현악단의 협주곡 독주자들에 대한 기사에 따르면 몬트리올 관현악단의 협주곡 독주자 중 84%가 남성이라고 합니다. 2012년에도 여성은 여전히 1위 비엔나 필하모닉 오케스트라의 6%에 불과했습니다. 다양한 여성 기악 연주자들과 여성 밴드들이 있었지만, 여성들은 록과 헤비 메탈과 같은 대중 음악 장르에서 기악 연주자로서 덜 흔합니다. 여성은 특히 극단적인 금속 장르에서 대표성이 낮습니다.[7]: 103 여성들은 또한 관현악 지휘, 음악 비평/음악 저널리즘, 음악 제작, 그리고 음향 공학에서 과소 대표됩니다. 19세기에 여성들이 작곡에 참여하는 것이 좌절되었고, 여성 음악학자들이 거의 없었지만, 여성들은 "19세기 후반과 20세기에 여성들이 [이 분야]를 지배할 정도로" 음악 교육에 참여하게 되었습니다.[8]

런던 인디펜던트지의 음악 작가인 제시카 듀헨에 따르면, 클래식 음악의 여성 음악가들은 "그들의 재능보다는 외모에 대해 너무 자주 평가를 받는다"고 하며, 그들은 "무대와 사진에서 섹시해 보여야 한다"는 압력에 직면합니다.[9] 듀헨은 "외모적으로 연주하기를 거부하는 여성 음악가들이 있지만...더 물질적으로 성공하는 경향이 있습니다."[9] 영국의 Radio 3 편집자인 Edwina Wolstencroft에 따르면, 음악계는 오랫동안 여성들이 공연이나 오락의 역할을 맡는 것에 개방적이었지만, 여성들은 오케스트라의 지휘자가 되는 것과 같은 권위 있는 자리를 가질 가능성이 훨씬 적다고 합니다.[10] "음악계의 마지막 유리 천장 중 하나"[11]라고 불려온 직업 대중음악에서는 노래를 녹음하는 여성 가수가 많은 반면, 녹음 과정을 지휘하고 관리하는 개인인 음악 제작자 역할을 하는 오디오 콘솔 뒤에는 여성이 매우 적습니다.[12] 가장 많이 녹음된 예술가 중 한 명은 힌디어 영화에서 재생 가수로 가장 잘 알려진 인도 가수 아샤 보슬레(Asha Bhosle)입니다.[1]

가요계의 유리천장

음악 산업, 레이블, 출판사 및 아티스트 매니지먼트에서 최고 경영진 역할을 하는 여성의 부족은 여러 조사 연구 및 뉴스 기사에서 드러났습니다. 업계 자체는 수십 년 전에 이 문제를 인식했지만 거의 변하지 않았습니다.

1982년, 코스모폴리탄은 6명의 여성 임원들을 인터뷰하고 프로파일링하는 기사를 발표했는데, 이 기사는 "여성들은 처음으로 경쟁적이고 매우 수익성이 높은 팝 음반 산업에서 개척하고 있습니다."[13]음악 산업의 비즈니스 측면에 있는 여성에 관한 장에는 소수의 여성 임원들만이[13][14] 포함되어 있었습니다. <쉬밥>이라는 백과사전적인 책에는 다음과 같이 나와 있습니다. 주로 여성 음악가와 성악가에 초점을 맞춘 록, 팝, 소울의 여성의 결정적인 역사.

뉴욕타임스는 2021년 3월 8일자 '음악 속의 여성들, 평등은 손이 닿지 않는 상태로 남아 있다'는 제목의 기사에서 "3년 전 한 학계가 히트곡 뒤에 있는 연주자, 프로듀서, 작곡가를 집계한 결과 여성의 대표성이 대략 가난과 최악 사이의 규모로 떨어진 것으로 나타났다"[15][16]고 보도했습니다.

1970년대와 1980년대의 증가에도 불구하고, 음악 사업의 여성 고위 임원의 부족은 오늘날에도 여전히 문제입니다.[17] 2021년 아넨버그의 연구에 따르면, "...70개의 주요 및 독립 음악 회사에 걸쳐...13.9%가 여성이었습니다."[18] U.S. News & World Report의 2021년 보고서에 따르면, "여성은 모든 산업에서 최고 경영자 자리의 31.7%를 차지했습니다…"[19]

작곡가

[l]...의 대부분의 측면과 마찬가지로. 음악 사업[1960년대]에 작곡은 남성이 지배하는 분야였습니다. 라디오에 여자 가수들이 많이 나오긴 했지만 여자들은... 주로 소비자로 여겨졌습니다. 노래를 부르는 것은 여자아이에게 가끔은 용인되는 취미였지만, 악기를 연주하거나, 노래를 쓰거나, 음반을 만드는 것은 단순히 이루어지지 않았습니다. [그리고 여성들]은 자신들을 [음악]을 창조하는 사람들로 간주하기 위해 사회화되지 않았습니다.

Erika Abrams in Rebeat, 28 January 2015

작곡가는 일반적으로 팝, 록 또는 컨트리 음악과 같은 대중 음악 장르를 위해 노래의 가사, 멜로디 및 코드 진행을 작성하는 개인입니다. 작곡가는 작곡가라고도 할 수 있지만 후자의 용어는 주로 클래식 음악 장르의 개인에게 사용되는 경향이 있습니다.

공동 작사가는 작사나 편곡과 같은 특정 영역을 전문으로 하여 작곡가 자신의 장점과 단점을 균형 있게 조정하는 데 도움을 줄 수 있습니다. 스포티파이(Spotify)나 판도라(Pandora)와 같은 스트리밍 사이트에서 지속적으로 들을 수 있는 상위 40개 곡 중 많은 곡은 숙련된 작곡가들이 작곡한 다음 최고의 실력자들에게 자신들의 곡을 제공하여 녹음합니다. 모든 작곡가가 가수인 것은 아닙니다.

캐롤 킹은 역대 가장 위대한 작곡가 중 한 명으로 여겨집니다. 그녀는 녹음 아티스트가 되기 전에 다른 음악 아티스트들을 위해 곡을 쓰곤 했습니다.

오랫동안 잊혀졌던 동요의 작가들이 시간을 잃었다고 해도, 어린 시절부터 기억되는 모든 가락과 가락에는 독창적인 작곡가가 있습니다. 오페라, 전례 음악, 뮤지컬이 모두 이 설명에 적합합니다. 작곡가들은 멜로디에 가사를 넣을 때마다 중요한 역할을 합니다.

노래 가사를 쓰거나 전문적으로 음악 작곡을 하는 음악가를 작곡가라고 합니다. 이 용어는 일반적으로 클래식 음악과 영화 채점의 맥락에서만 사용되지만 노래를 작곡하는 사람을 작곡가라고 할 수 있습니다. 작사가는 주로 노래의 가사를 만드는 작곡가입니다. 작곡은 성공적인 곡조를 만들고자 하는 가요계의 요구로 인해 여러 사람이 나누어 하는 작업인 경우가 많습니다.

테일러 스위프트(Taylor Swift)는 미국의 싱어송라이터, 멀티 악기 연주자 및 프로듀서로, 종종 가장 위대한 작곡가 순위를 매기는 목록에서 가장 어립니다.

다음 작곡가들은 롤링 스톤이 선정한 역대 가장 위대한 작곡가 100인에 이름을 올렸습니다. 이 사람들 중 많은 사람들은 노래나 기악 연주 실력으로도 유명한 싱어송라이터들이지만, 그들은 작곡에 있어서의 업적으로 여기에 나열되어 있습니다:[20]

19세기-20세기 초

"19세기 말과 20세기 초에 미국의 많은 여성 작곡가들 중 몇 명만이 그들의 음악을 출판하고 들었습니다."[8] Richard A에 따르면. 루블린과 리처드 G. 베일, "여성 [작곡가]에 대한 언급이 없는 것은 우리의 음악 유산에 있어 눈에 거슬리고 당혹스러운 누락입니다."[8] 여성들은 "20세기 양판골목 남성의 세계에서 음악을 쓰고 출판하기 위해 고군분투했습니다."[8] 1900년 이전과 이후에도 "여성들은 음악을 만드는 것이 아니라 음악을 연주할 것"이라고 기대했습니다.[8] 1880년 시카고 음악평론가 조지 P. 업턴은 여성의 "생물학적 소인" 때문에 "여성은 좋은 음악을 작곡할 타고난 창의력이 부족하다"고 주장하는 "음악 속의 여성"이라는 책을 썼습니다.[8] 후에, 여성들이 음악 교육에서 역할을 할 것이라는 것이 받아들여졌고, 그들은 "19세기 후반과 20세기에 여성들이 음악 교육을 지배할 정도로" 이 분야에 참여하게 되었습니다.[8] 음악 교육에서 여성의 역할의 일환으로, 여성들은 찬송가와 어린이 음악을 작곡했습니다. "1825년 이전 미국에서 인쇄된 세속적인 음악"은 여성의 작품 70여 점만을 보여줍니다.[8] 19세기 중반, 파우스티나 하세 호지스, 수잔 파크허스트, 오거스타 브라운, 마리온 딕스 설리번 등 여성 작곡가들이 등장했습니다. 1900년까지, 더 많은 여성 작곡가들이 있었지만, 그들이 여성이라는 사실을 숨기기 위해 "많은 사람들이 여전히 가명이나 이니셜을 사용하도록 강요 받았습니다."[8]

캐리 제이콥스 본드는 "1800년대 후반과 20세기 중반의 뛰어난 여성 작곡가"였습니다. 최초의 밀리언셀러 여성 작곡가.[8] 모드 누겐트(Maude Nugent, 1877–1958)는 1896년에 "스위트 로지 오그레이디(Sweet Rosie O'Grady)"를 썼습니다. 그녀는 또한 "Down at Rosie Reilly's Flat", "My Irish Daisy", "Mary From Tipperary"를 썼다.[8] 샬롯 블레이크(Charlotte Blake, 1885–1979)는 미시간주 디트로이트에 있는 휘트니 워너 출판사의 직원 작가였습니다. 처음에 회사는 그녀를 "C"라고 청구했습니다. 블레이크"는 그녀의 성별을 감추기 위해 그녀의 이름을 사용했지만, 1906년에 광고는 그녀의 전체 이름을 사용했습니다.[8] 카로 로마(Carro Roma, 1866~1937)는 캐리 노스리의 성별이 불분명한 가명이었습니다. 그녀는 "양철판 골목 시대의 미국에서 더 잘 알려져 있고 인기 있는 작곡가 중 한 명"이었습니다.[8] 그녀의 노래는 〈Can't Yo' Heah Me Calling〉, 〈Faded Rose〉, 〈The Angelus〉, 〈Thinking of You〉, 〈Resignation〉 등이 있습니다.[8] 1900년대 초 영국 음악당의 작곡가 중 95%는 남성이었고, 가수 중 30%는 여성이었습니다.[21]

20세기의 재즈

릴 하딘 암스트롱 (1898–1971)은 재즈 작곡가였습니다.

재즈 작곡은 오랫동안 남성 중심의 분야였지만, 여성 재즈 작곡가들도 있었습니다. 1930년대에 앤 로넬(1905-1993)은 "Willow Weep for Me"와 "Who's Faids for the Big Bad Wolf?"[22]라는 노래를 작곡했습니다. 아이린 히긴보덤(Irene Higginbotham, 1918-1988)은 거의 50곡을 작곡했는데, 그녀의 가장 잘 알려진 곡은 "Good Morning Heartache"입니다.[22] 도로시 필즈(Dorothy Fields, 1905-1974)는 400곡이 넘는 노래를 작사했으며, 그 중 일부는 듀크 엘링턴이 연주했습니다. 그녀는 1936년 오스카 최우수 노래상을 수상한 제롬 컨과 함께 "The Way You Look Tonight"을 공동 작곡했습니다. 그녀는 Jimmy McHugh와 함께 "Exactly Like You", "On the Sunny Side of the Street", "I Can't Give You but Love"와 같은 몇 가지 재즈 표준을 공동 작곡했습니다.[22] 릴 하딘 암스트롱 (1898–1971)은 킹 올리버의 크리올 재즈 밴드에서 피아노를 연주했습니다. 그녀의 노래 "Struttin' with Some Barcue"는 500번 녹음되었습니다. 암스트롱은 또한 "Doin' the Suzie Q", "Just for a Thrill" 그리고 "Bad Boy"[22]를 녹음했습니다. 빌리 홀리데이 (1915–1959)는 아서 허조그 주니어와 함께 "God Bless the Child"와 "Don't Despon"을 공동 작곡한 가수였고 블루스 노래 "Fine and Mellow"를 작곡했습니다.[22]

재즈 음악은 20세기 초 해방과 함께 여성들을 돕는 추진력이었습니다. 재즈 음악은 또한 여성들에게 더 많은 일자리를 제공하는 데 도움을 주었습니다. 1920년대까지 매우 남성 중심적인 경력의 이러한 증가는 더 많은 여성들이 공연 예술 경력에 종사할 수 있게 해주었습니다. 이러한 증가에 대한 보답으로 최초의 재즈 브로드웨이 뮤지컬인 쇼보트가 제작되었습니다. 쇼보트는 미시시피의 가족의 고난과 가족의 재결합에 대해 이야기합니다.[23] 재즈 음악은 20세기 초에 여성들이 직업을 얻는 것을 돕고, 전후 평등과 더 자유로운 섹슈얼리티를 위한 환경을 여는 데 영향을 미쳤습니다.[citation needed] 당시 재즈 음악의 많은 여성들이 장르에 영향을 미치는데 도움을 주었고 많은 재즈 여성 음악가들은 유색인종이었습니다. 이러한 요인들은 장르를 오늘날의 모습으로 성장시키는 데 도움이 되었습니다.[citation needed]

많은 여성들이 재즈 음악을 만들고, 작곡하고, 공연함으로써 재즈 음악에 영향을 미쳤습니다. 재즈 음악에서 영향력 있는 여성은 블루스의 여제로도 알려진 베시 스미스였습니다. 그녀는 1894년부터 1937년까지 살았습니다. 그녀는 로큰롤 명예의 전당 헌액자이며, 1989년 스미스는 그래미 평생 공로상을 수상했습니다.[24] 재즈 업계에서 역사를 만든 또 다른 여성은 최초로 녹음된 여성 재즈 트럼펫 연주자인 돌리 존스입니다.[25] 많은 여성들이 남성들처럼 이 장르에서 인정을 받지 못합니다. 오리지널 턱시도 오케스트라에서 공연했던 스위트 엠마 바렛과 같은 여성들이 국내외 투어를 했습니다. 바렛의 히트곡 중 하나는 "A Good Man is Hard to Find"입니다. 빌리 피어스, 로비 오스틴, 지넷 킴볼, 메리 루 윌리엄스, 앨리스 콜트레인, 헤이즐 스콧 등 더 많은 여성들이 재즈 장르에 영향을 미쳤습니다.[26] 이 여성들은 특히 남성 중심적인 장르의 여성임을 보여주었습니다.

재즈계에서 잘 알려진 이 여성들 중 많은 사람들은 남성 경쟁자들 때문에 그들이 받아야 할 만큼 많은 인정을 받지 못하는 것으로 보입니다.[citation needed] 여성들이 재즈 가수로서 영향력이 있었을 뿐만 아니라, 그들의 신용을 얻지 못하는 재즈 음악가들이 너무 많습니다. 한 여성은 잉그리드 몬슨으로, 여성들이 피아노를 처음 연주하기 시작했을 때, 그들 또한 음악 산업에서 더 많은 사회적인 수용을 얻었다는 것에 주목을 받았습니다. 일반적으로 여성들은 여성 재즈 그룹에서 연주하는 것을 볼 수 있지만, 그들이 "프로 재즈 세계"에 발을 들여놓았을 때 그들은 즉각적인 성공을 거두었습니다.[27] 발라이다 스노우라는 이름의 한 여성은 또한 "나팔의 여왕"으로 알려져 있었습니다.[28] 또 다른 여성 노나 헨드릭스는 재즈 보컬리스트였는데, 많은 악기들을 연주하기도 했고, 프린스와 같은 많은 재능 있는 힙합 아티스트들과 함께 일할 수 있는 기회를 얻었습니다.[28] 이름을 알 수 없는 그런 뛰어난 여성들이 많이 있습니다.

이 여성들은 많은 성공을 거두었지만, 몇몇 사람들에게는 그것이 단명했습니다. 이 여성들은 남성들이 제2차 세계 대전에 징집되었을 때 명성을 얻었습니다. 그러나 일단 남자들이 배치되고 집으로 돌아오자 여성이었던 재즈 음악가들은 힘든 고난에 직면했습니다. 다른 밴드 멤버들과 동료 재즈 뮤지션들의 성희롱과 혹평 등의 문제가 눈에 띄었습니다.[citation needed]

1960년대 팝

1960년대 대중음악계에서, "[l]의 대부분의 측면을...음악 사업[1960년대]에 작곡은 남성이 지배하는 분야였습니다. 라디오에 여자 가수들이 많이 나오긴 했지만 여자들은...주로 소비자로 여겨졌습니다. 노래를 부르는 것은 여자아이에게는 가끔 용인되는 취미였지만, 악기를 연주하거나, 노래를 쓰거나, 음반을 만드는 것은 단순히 이루어지지 않았습니다."[29] 젊은 여성들은 "자신들을 [음악]을 창조하는 사람들로 간주하는 것이 사회화되지 않았습니다."[29]캐롤[29] 킹은 남편 게리 고핀과 성공적인 작곡 파트너쉽을 맺었고, "The Loco-Motion," "Will You Love Me Tomorrow," "Up on the Roof," 그리고 "Natural Woman"과 같은 히트곡들을 썼습니다. "킹은 2013년 거슈윈상 대중가요 대상의 첫 여성 수상자였습니다."[29] 엘리 그리니치와 그녀의 남편 제프 배리는 "Then He Kiss Me,"를 작곡했습니다. "Be My Baby"와 "River Deep, Mountain High" 로라 니로는 "웨딩 벨 블루스", "Eli's Coming" 그리고 "And When I Die"를 열었습니다. 그녀는 "저는 제 작곡에 있어서 전통적인 제한에 관심이 없습니다.저는 제 작곡에 페미니스트인 관점을 가져올지도 모릅니다." 1960년대 동안 킹과 고핀은 미국 음악의 변화하는 특성과 새로운 낭만적이고 성적인 패턴의 출현을 보여주었습니다. "음악가들은 미국 사회에서 성적이고 낭만적인 변화의 주요한 부분 중 하나를 대표했고,"[30] 청소년들의 사회적 기준에 영향을 미치고 변화시켰습니다. 1940년대 후반에서 1950년대 사이에, 젊은이들은 아주 어린 나이에 결혼과 성인의 책임으로 정착하기 시작했습니다.[30] 그러나 킹은 결혼 후 성관계와 전통적인 데이트 관행이 매혹적이지 않다는 것을 증명함으로써 데이트, 결혼, 성열에 도전했습니다. 그녀는 그녀의 노래 "You've got a friend"로 사람들 사이의 관계의 캐주얼함을 홍보하고 이성의 사람들이 "친구가 되는"[30] 경향을 강조했습니다.

Lotti Golden, Lower East Side c.1968 text
로티 골든, 로어 이스트 사이드 c. 1968

1960년대 여성 싱어송라이터의 새로운 물결

1960년대 후반, 여성 싱어송라이터들의 새로운 물결이 팝의 틀에서 벗어나 앤 젝스턴과 실비아 플래스와 같은 시인들의 고백적인 스타일로 더 많은 개인적인 노래를 작곡했습니다. 이 운동을 주도하는 예술가들은 1969년 7월 뉴스위크에 "조니 미첼과 로티 골든, 로라 니로, 멜라니, 제니스 이안, 엘리제 와인버그에게 공통점은 자기 발견의 항해와 같은 그들이 작곡한 개인화된 노래입니다."[31]라고 소개되었습니다. 혁신을 하는 동안, 이 여성들은 또한 차별과 같은 많은 투쟁에 직면했습니다. 남성이 지배적인 출판계에서 조니 미첼과 같은 여성 작곡가들은 인종과 성별의 범주를 벗어나 순수 예술성의 범주로 보이고 싶어합니다.[32] 1994년 앨리스 에콜과의 인터뷰에서 조니 미첼은 페미니즘을 거부했지만 차별, 성에 기반한 배제, 무료한 성적화에 대한 반감을 나타냈습니다. Echol은 Mitchell의 "페미니스트 레이블과 함께하는 discom의 힘"을 그녀의 예술성의 맥락에 배치합니다. 여성 작곡가들은 성별 때문에 재능이 소외되지 않고 좋은 음악가로 보이고 싶어합니다. 게다가, 모델이었던 그레이스 슬릭은 1960년대 중반 샌프란시스코의 급성장하는 사이키델릭 음악계에서 그녀의 역할로 로큰롤 역사에 널리 알려져 있습니다. 2017년 1월 26일 가디언지에서 저자 로라 바튼은 주제의 급진적인 변화에 대해 설명합니다. 정치, 마약, 실망, 떠돌이 공연자의 고립, 도시 생활.[33] 로티 골든은 1960년대 후반 뉴욕의 이스트 빌리지에서 성 정체성("The Space Queens [Silky Is Sad]")과 과도한 약물 복용("Gonna Fay's")과 같은 주제를 방문하며 반체제적인 삶을 기록했습니다. 1969년 뉴스위크 기사에 실린 여성들은 세대에 걸쳐 여성 싱어송라이터들에게 알리며 싱어송라이터의 새로운 시대를 열었습니다.[31][33]

뮤지컬 극장

뮤지컬 연극에서 여성 작곡가는 창작의 끝에서 남성이 지배하는 업계에서 드문 일입니다. 남성 작곡가들의 작품이 더 자주 제작되며, 여성 작곡팀이 토니상 최고 점수상을 수상하여 역사를 만든 것은 2015년의 일입니다."[34] 2015년, 처음으로 리사 크론(베스트 북)과 진 테소리와 크론([35]베스트 오리지널 스코어)으로 구성된 여성 전 작곡팀이 토니상에서 재미있는 홈 부문 최고 점수를 수상했지만, 남성 작곡가들의 작품이 더 자주 제작되고 있습니다.[34] 2013년, Cyndi Lauper는 Kinky Boots의 음악과 가사를 쓴 것으로 "남성 협력자 없이 [Tony for] 최고의 점수를 받은 최초의 여성 작곡가"였습니다.[35] 뮤지컬 극장의 여성 작곡가로는 송버드를 작곡한 싱어송라이터이자 여배우인 로렌 프리처드, '영원한 인상과 세월'을 작곡한 조 사낙, 그리고 "여성 캐릭터를 보고 싶은" 케이티 톰슨이 있습니다.그것은 복잡하고 강하고 취약합니다."[34] 톰슨은 뮤지컬 연극계에서 "여자로서 무엇인가, 특히 예술적인 것을 위해 싸울 때..다른 사람들이 당신을 해고할 수 있게 해주는 레이블인 [emotional]으로 인식되거나 [악마]로 인식됩니다. 뮤지컬 연극의 성비 불균형은 21세기에도 잘 존재하며, 여성은 관악기 작곡가의 3%, 합창 작곡가의 12%에 불과합니다.[36] 뮤지컬 극장의 오명과 여성 수 부족에도 불구하고, 50명이 넘는 여성들이 브로드웨이와 오프 브로드웨이 극장에서 장편 음악 악보를 작곡한 것으로 국제적인 예술적인 인정을 받았습니다.[36]

애비 링컨(Abbey Lincoln, 1930–2010)은 미국의 재즈 보컬리스트, 작곡가, 그리고 배우로 자신의 작곡을 쓰고 공연했습니다. 그녀는 1960년대에 민권 옹호자였습니다.[37][38]

흑인여성

대학 및 대학 교사이자 흑인 여성 작곡가에 관한 책의 저자인 라숀다 카트리스 바넷(LaShonda Katrice Barnett)에 따르면, "송라이터 명예의 전당 회원 380명 중 단 2명만이 흑인 여성(실비아 모이(Sylvia Moy)와 발레리 심슨(Valerie Simpson)입니다."[39]

아프리카 여성 음악가들은 수년에 걸쳐 재즈, 블루스, 록, 가스펠 및 기타 장르에 역사적인 기여를 했습니다. 빌리 홀리데이(Billie Holiday), 아레사 프랭클린(Aretha Franklin), 다이애나 로스(Diana Ross)와 같은 선구자부터 현대 아이돌 미시 엘리엇(Missy Elliott), 머라이어 캐리(Mariah Carey), 비욘세(Beyoncé), 리한나(Rihanna)에 이르기까지, 언젠가 가수나 래퍼가 되기를 희망하는 젊은 흑인 소녀들을 위해 여러 여성들이 앞장서 왔습니다. 그럼에도 불구하고 여성 음악가들, 특히 흑인 여성들은 다른 많은 산업의 여성들과 마찬가지로 남성 음악가들과 다르게 직업을 경험합니다.

지속적인 문제는 흑인 여성 예술가들의 인지도와 대표성 모두에서 과소 대표성입니다. 업계 최고의 뮤지션 중 한 명은 오랫동안 무시해온 문제로 인해 음악 사업을 조기에 그만두기로 결정하기까지 했습니다. 한때 G.O.O.D 뮤직/Def Jam과 계약했던 Teyana Taylor가 2020년 6월 The Album을 발표했을 때, 빌보드의 Top R&B Album 차트에서 1위를 차지했습니다. 인기에도 불구하고, 테일러의 앨범은 최고의 R&B 앨범 부문에서 그래미상 후보로 선정되는 것을 간과했습니다. 그러나 레코딩 아카데미는 다양성 이니셔티브를 강화하기 위해 노력하고 있습니다. 트위터에서 그녀는 "이 카테고리에서 최고의 MALE R&B ALBUM coz를 언급하는 것이 더 낫습니다."라고 말했습니다. 테일러는 2020년 12월 "너무 과분하다"고 말한 후 공식적으로 음악계에서 은퇴했습니다.[40]

서양 작곡가들

19세기 작곡가이자 피아니스트인 클라라 슈만
참고 항목: 여성 작곡가의 생년월일순 목록

미국의 음악학자인 Marcia Citron은 "여성들에 의해 작곡된 음악은 왜 표준적인 '클래식' 레퍼토리에 대해 한계가 있는가?"[41]라고 물었습니다. 시트론 "공연된 음악 작품의 수신된 '캐논'에서 여성 작곡가들을 배제하게 된 관행과 태도를 조사합니다." 그녀는 1800년대에 여성 작곡가들이 일반적으로 큰 홀에서 오케스트라와 함께 공연하기 위한 교향곡보다는 작은 연주회에서 공연하기 위한 예술 곡을 썼으며, 후자의 작품들은 작곡가들에게 가장 중요한 장르로 여겨진다고 주장합니다; 여성 작곡가들이 많은 교향곡을 쓰지 않았기 때문에, 그들은 작곡가로서 주목받지 못할 것으로 여겨졌습니다.[41]

애비 필립스에 따르면, "여성 음악가들은 그들이 받아야 할 신용을 얻고 돌파하는데 매우 어려움을 겪었습니다."[42] 중세 시대 동안, 대부분의 예술 음악은 전례적인 (종교적인) 목적으로 만들어졌고 종교 지도자들이 가졌던 여성의 역할에 대한 견해 때문에, 수녀 힐데가드 폰 빙겐이 예외들 중 하나로 이런 종류의 음악을 작곡한 여성은 거의 없었습니다. 음악사에 관한 대부분의 대학 교과서에서는 거의 전적으로 남성 작곡가의 역할에 대해 논의하고 있습니다. 또한, 여성 작곡가들의 극소수의 작품들은 클래식 음악의 표준 레퍼토리의 일부입니다. 간결한 옥스퍼드 음악사에서 클라라 슈만은 언급된 유일한 여성 작곡가 중 한 명입니다.[42] 필립스(Philips)는 "20세기 동안 작곡/연주를 하던 여성들은 남성들보다 훨씬 덜 주목을 받았습니다."[42]라고 말합니다.

중세

오프론덴스비르가
Ordo Virtutum에서
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힐데가르트 폰 빙겐(Hildegard von Bingen, 1098–1179)은 독일 베네딕트 수도원장, 작곡가, 작가, 철학자, 선지자였습니다.[43] 작곡가로서의 그녀의 작품 중 하나인 오르도 비르투툼은 전례극의 초기 예이자 도덕극의 초기 예입니다. 일부 작가들은 이 작품에서 오페라의 기원이 멀다고 추측했지만, 증거는 없습니다.[44][45] 각각의 독창적인 시적 텍스트를 가진 69개의 음악 작곡이 살아남습니다. 이것은 중세 작곡가들 중 가장 큰 레퍼토리 중 하나입니다. 힐데가드는 심포니아 아르모니아 첼레스티움 레벨레이션움(Symphonia armoniae celestium revelationum)이라고 불리는 사이클로 수집된 많은 전례곡을 작곡했습니다. 교향곡의 노래들은 힐데가드 자신의 텍스트로 설정되어 있으며, 안티폰, 찬송가, 시퀀스부터 응답곡에 이르기까지 다양합니다.[46] 그녀의 음악은 더 전통적인 그레고리오 성가의 경계를 밀어내는 치솟는 멜로디를 사용하는 [47]단성음악으로 묘사됩니다.

르네상스 시대

마달레나 카술라나(Maddalena Casulana, 1544–1590)는 이탈리아의 작곡가, 루테니스트, 가수였습니다.[48] 그녀의 첫 번째 작품은 1566년으로 거슬러 올라갑니다: 그녀가 피렌체에서 제작한 Il Desiderio라는 컬렉션에 있는 4명의 마드리갈. 2년 후에 그녀는 베니스에서 네 목소리를 위한 마드리갈의 첫 번째 책인 Il primollibro di madrigali를 출판했습니다. 이것은 서양 음악 역사상 최초로 여성에 의해 인쇄되고 출판된 작품입니다.[49] 그녀는 이사벨라 데 메디치와 가까웠고 그녀의 음악 중 일부를 그녀에게 바쳤습니다. 1570년, 1583년, 1586년에 그녀는 마드리갈의 다른 책들을 출판했습니다. 그녀의 첫 번째 마드리갈 책에 대한 헌신에서, 그녀는 이것이 드문 시기에 여성 작곡가가 된 자신의 감정을 보여줍니다: "[저는] 이 음악 직업에서 가능한 한 세상에, 그들이 지성과 예술성의 재능을 혼자 가지고 있다는 남성의 허무한 오류, 그리고 그러한 선물은 결코 여성에게 주어지지 않는다는 것을 보여주고 싶습니다." 그녀의 스타일은 대조적이고 반음계적이며 그녀의 멜로디 라인은 노래할 수 있고 텍스트에 주의를 기울입니다. Philippe de Monte와 같은 당시의 다른 작곡가들은 그녀를 높이 평가했습니다.

카테리나 아산드라 (1590–1618)는 이탈리아 작곡가이자 베네딕토회 수녀였습니다. 그녀는 오르가니스트로 유명해졌고 다양한 작품을 발표했습니다.[50][51] 아산드라는 많은 모테트와 오르간을 작곡했습니다. 그녀는 파비아 대성당의 지도적인 교사 중 한 명인 베네데토 레와 대위법을 공부했습니다. 그녀는 1609년 밀라노의 새로운 협주곡 스타일의 모테트 모음곡, 1611년 모방 8성부 살브 레지나, 1618년 4성부를 위한 모테트인 오디테 버붐 도미니움을 작곡했습니다. 그녀는 전통적인 작품들과 더 혁신적인 작품들을 작곡했습니다. 후자 중에는 듀오 세라핌이 있습니다. Motettiop. 2에 수록된 그녀의 Motet O Salutaris hodie는 현악기인 바이올린을 포함한 최초의 작품들 중 하나였습니다.

바로크 시대

프란체스카 카치니의 초상화로 추정되는 오라치오 젠틸레스키의 류트 플레이어

프란체스카 카치니 (1587–1641)는 이탈리아의 작곡가, 가수, 루테니스트, 시인, 음악 선생님이었습니다. 1600년 프랑스의 앙리 4세와 마리아 데 메디치의 결혼식에서 그녀의 노래는 앙리에 의해 찬사를 받았는데, 앙리는 그녀를 "프랑스 전역에서 최고의 가수"라고 불렀습니다.[52] 그녀는 1627년까지 메디치 궁정에서 실내악과 무대음악의 교사, 실내악 가수, 리허설 코치, 작곡가로 일했습니다. 1614년까지 그녀는 궁정에서 가장 높은 보수를 받은 음악가였습니다. 왜냐하면 그녀의 음악적 기교는 토스카나의 실질적인 섭정인 로렌의 그란두체스 크리스티나가 투사한 여성의 우수성에 대한 아이디어를 매우 잘 보여주었기 때문입니다. 그녀의 무대 음악의 대부분은 코미디 공연을 위해 작곡되었습니다. 1618년에 그녀는 36곡의 솔로곡과 소프라노/베이스 듀엣곡을 출판했습니다. 1625년에 그녀는 75분짜리 "코미디 발레"를 작곡했습니다. 그녀는 모두 16개의 무대 작품을 썼습니다. 그녀는 극적인 하모니 서프라이즈의 대가였습니다: 그녀의 음악에서 감정적인 감정을 가장 강력하게 전달하는 것은 대위법 이상의 화성 변화입니다.

바바라 스트로치 (1619–1677)는 이탈리아 바로크 작곡가이자 가수였습니다. 어린 시절, 그녀의 상당한 보컬 재능은 많은 청중들에게 보여졌습니다. 그녀는 작곡적으로도 재능이 있었고, 그녀의 아버지는 그녀가 작곡가 프란체스코 카발리와 함께 공부하도록 주선했습니다. 스트로치는 "세기 중반 베니스에서 인쇄된 세속 성악곡 중 남자든 여자든 가장 다작을 한 작곡가"라고 일컬어졌습니다.[53] 그녀의 출력은 또한 성스러운 노래 한 권을 제외하고 세속적인 성악만을 담고 있다는 점에서 독특합니다.[54] 그녀는 작곡적 재능뿐만 아니라 시적 능력으로도 유명했습니다. 그녀의 가사는 종종 시적이고 잘 짜여졌습니다.[53] 인쇄된 작품의 거의 4분의 3이 소프라노를 위해 쓰여졌지만, 그녀는 다른 목소리를 위한 작품들도 출판했습니다.[55] 그녀의 작곡은 제2의 전통에 확고하게 뿌리를 두고 있습니다. 스트로치의 음악은 몬테베르디의 후계자인 카발리의 정신을 불러일으킵니다. 그러나 그녀의 스타일은 더 서정적이고 순수한 보컬 사운드에 더 의존합니다.[56] 그녀의 초기 작품들에 대한 많은 글들은 그녀의 아버지 줄리오에 의해 쓰여졌습니다. 나중에 쓴 글들은 그녀의 아버지의 동료들에 의해 쓰여졌고, 많은 작곡들에서 그녀는 그녀 자신의 글을 썼을지도 모릅니다.

엘리자베스 자케 드 라 게레 (1665–1729)는 프랑스 작곡가, 음악가, 하프시코드 연주자였습니다. 그녀는 음악가와 명악기 제작자로 이루어진 가정에서 태어났습니다. 어린 신동이었던 그녀는 루이 14세 이전에 하프시코드를 연주했습니다. 그녀는 궁정에서 음악가가 되었고, 가정과 파리 전역에서 큰 찬사를 받으며 가르치고, 작곡하고, 콘서트를 열었습니다.[57] 그녀는 당대에 잘 알려진 몇 안 되는 여성 작곡가 중 한 명이었고, 그녀의 많은 동시대의 작곡가들과 달리, 그녀는 매우 다양한 형태로 작곡했습니다.[58] 그녀의 재능과 업적은 티톤 뒤 틸레에 의해 인정을 받았는데, 틸레는 그녀가 겨우 26살이었을 때 그의 파르나수스 산에 라랑드와 마레 옆에, 그리고 룰리 바로 아래에 자리를 양보했습니다. 그녀의 작품에는 발레, 오페라 (Céphale et Procris), 트리오 소나타, 하프시코드 작품, Sonates pour le violon et pour le clavecin 및 그녀의 칸타테스 프랑수아즈 수제츠 데 레크리튀르와 같은 성악 작품이 포함됩니다.

고전시대

1780년대 스웨덴의 오페라 가수이자 작곡가인 엘리자베스 올린

해리엇 에이브럼스 (1758–1821)는 영국 작곡가이자 소프라노였습니다. 가수로서, 그녀는 조지 프리드리히 헨델의 연기로 찬사를 받았습니다. 그녀는 작곡가 토마스 아른과 함께 노래, 음악 이론, 그리고 작곡을 공부한 후 1775년 런던의 드루리 레인 극장에서 오페라 데뷔를 했습니다. 에이브럼스는 유행하는 런던 콘서트와 지방 축제에서 주요 가수가 되었고, 1780년부터 1790년까지 정기적으로 출연했습니다. 에이브럼스는 여러 곡을 작곡했는데, 그 중 두 곡인 "The Orphan's Prayer"와 "Crazy Jane"이 인기를 끌었습니다. 그녀는 두 세트의 이탈리아어와 영어 칸조네츠를 출판했고, 스코틀랜드의 노래와 글리들이 두 목소리와 세 목소리로 조화를 이루었고, 12곡 이상의 노래들, 주로 감상적인 발라드를 출판했습니다. 1803년에 출판된 노래 모음집은 해리엇이 샬롯 여왕에게 바쳤습니다.[59]

마리아 테레사 아그네시 (1720–1795)는 이탈리아 작곡가입니다. 그녀는 작곡으로 가장 유명했지만, 뛰어난 하프시코드 연주자이자 가수이기도 했습니다. 현존하는 그녀의 작곡 대부분은 키보드, 목소리 또는 둘 다를 위해 쓰여졌습니다. 그녀의 경력은 진보적이었고 여성의 권리를 계몽한 오스트리아 롬바르디아에 의해 가능해졌습니다. 그녀의 후원자는 신성 로마 제국의 황후이자 롬바르디아의 군주인 마리아 테레지아와 재능 있는 작곡가이자 현대인인 마리아 안토니아 발푸르기스였습니다. 그녀의 초기 작품들은 단순하고 깨끗하며, 반면에 그녀의 후기 작품들은 더 가상적이고 복잡하며 멜로드라마적입니다. 그녀는 영웅적인 드라마와 진지한 드라마 스타일을 포함한 오페라를 작곡했습니다. 그녀는 또한 건반, 작은 앙상블, 목소리를 위한 아리아, 협주곡, 소나타를 작곡했습니다.

안나 아말리아 공주 (1723–1787)는 프로이센의 작곡가이자 악보 큐레이터였습니다. 그녀는 젊은 여성으로서 하프시코드, 플루트, 바이올린 연주를 배웠습니다. 그녀는 1755년에 케들린부르크의 수도원장이 되었습니다.[60] 그녀는 대부분의 시간을 베를린에서 보냈고 그곳에서 음악에 전념했으며 음악 후원자이자 작곡가가 되었습니다. 작곡가로서, 그녀는 약간의 명성을 얻었으며 트라이오, 행진, 칸타타, 노래, 푸가를 포함한 그녀의 작은 실내악 작품들로 가장 잘 알려져 있습니다. 1758년, 그녀는 요한 세바스티안 바흐의 제자인 요한 필리프 쿤베르거와 함께 음악 이론과 작곡을 공부했습니다. 그녀는 플루트 소나타와 같은 실내악을 작곡했습니다. 게다가, 그녀는 Ramler's Passion cantata Der Tod Jesu ('예수의 죽음')의 본문을 음악으로 정했습니다. 그녀는 또한 요한 세바스찬 바흐, 게오르크 프리드리히 헨델, 게오르크 필리프 텔레만, 카를 하인리히 그룬, 카를 필리프 에마누엘 바흐 등의 600여 권의 작품을 보존하고 있는 음악 수집가이기도 했습니다. 그녀의 큐레이션 작품은 서양 문화에 상당한 기여를 하고 있습니다.

안나 아말리아 공주 (1723–1787)는 트리오, 행진, 칸타타, 노래, 푸가를 포함한 실내 작업으로 유명한 프로이센 작곡가이자 악보 큐레이터였습니다.

엘리자베스 올린 (1740–1828)은 스웨덴의 오페라 가수이자 작곡가였습니다. 그녀는 1747년 볼후셋에서 스웨덴 최초의 토종 오페라 코미크로 불리는 시링스에서 알프힐드로 데뷔했습니다. 그녀는 스톡홀름의 Riddarhuset에서 열린 정기적인 대중 콘서트에서 유명한 성악가가 되었고, 그녀 자신의 작곡을 발표했습니다; 그녀는 구스타비에이드 컬렉션을 위해 각각 하나의 작곡을 한 스웨덴 작곡가들 중 한 명이었습니다. En hjältedikt i tolv sånger ('Gustaviade. 1768년 12곡의 영웅적인 시')를 작곡했고, 여기서 그녀는 8번의 작곡을 했습니다.[61] 1773년 1월 18일 스웨덴 왕립 오페라단의 창단 공연과 창단식에서 프란체스코 우티니의 오페라 테티소 펠레에서 바다의 여신 테티소 역을 맡았습니다.[62] 그녀는 10년 동안 스웨덴 오페라의 프리마돈나로 남아있었습니다. 1773년, 그녀는 여성 최초로 Hovsågare라는 칭호를 받았고, 1782년에는 스웨덴 왕립 음악 아카데미의 첫 여성 회원으로 가입했습니다.

프랑스 작곡가 겸 오페라 가수 헨리에테 아델라 ï데 빌라르 드 보엠스닐

헨리에테 아델라 ï드 빌라르 드 보엠스닐 (1748–1813)은 프랑스 작곡가이자 오페라 가수였습니다. 그녀는 7살 때부터 단역으로 활동하기 시작했고 1766년 파리 오페라에서 독주자로 데뷔했습니다.[63][64] 그녀는 파리 오페라에서 공연된 두 번째 여성이었습니다.[65] 이전에 파리 오페라는 1694년 엘리자베스 자케 드 라 게레의 트레제디 리크 세팔레 에 프로크리스를 공연했습니다. 그녀의 첫 오페라인 아나크레옹은 1781년 프로방스 백작의 저택에서 개인 공연을 받았습니다. 1784년, 그녀의 오페라 티불레 데일리가 파리 오페라에서 공연되었습니다. 1792년, 그녀의 2막 오페라 코미크인 플레어는 몽탄시에 극장에서 공연되었습니다.

안나 본(Anna Bon, 1739–1767?)은 이탈리아의 작곡가이자 공연자였습니다. 그녀는 베네치아의 Ospedale della Pieta에 다녔고, 그곳에서 그녀는 마에스트라 디 비올라인 Candida della Pièta와 함께 공부했습니다.[66] 그녀는 브란덴부르크 쿨름바흐의 마르그라베 프리드리히 궁정에서 '실내악 비르투오사'라는 새로운 직책을 맡았습니다. 그녀는 1756년 뉘른베르크에서 출판된 플루트 소나타 6곡을 프리드리히에게 헌정했습니다.[66] 1762년 아이젠슈타트에 있는 에스터하지 궁정으로 이주하여 1765년까지 머물렀다. 그녀는 출판된 6곡의 하프시코드 소나타 모음곡 2번(1757년)을 작센바이마르의 공주 에르네스티나 아우구스타 소피아에게 바쳤고, 6곡의 디베르티멘티 모음곡(3곡 소나타) 3번(1759년)을 바이에른 선제후 샤를 테오도르에게 바쳤습니다.[67] 그녀는 또한 두 개의 플루트와 바소 콘티뉴를 위한 여섯 개의 디베르티멘티를 작곡했습니다; 아리아, "아스트라 코엘리"는 소프라노, 두 개의 바이올린, 비올라, 그리고 바소 콘티뉴를 위한 제의, "아르데테 아모레"는 가수, 악기, 그리고 바소 콘티뉴를 위한 모테트, "예속 속도의 아이아"는 알토, 두 개의 바이올린, 비올라, 그리고 바소 콘티뉴와 오페라를 위한 것이었습니다.

제인 메리 게스트(Jane Mary Guest, 1762–1846)는 영국 작곡가이자 피아니스트였습니다. 요한 크리스티안 바흐의 제자로 처음에는 갈란테 양식으로 작곡한 [68]그녀는 건반 소나타, 기타 건반 작품, 건반 반주와 함께 성악 작품을 작곡했습니다.[69] 그녀는 아멜리아 공주와 샬롯 공주의 피아노 선생님이었습니다.[70] 그녀는 1779년부터 런던에서 공연을 했고, 1783/84년에 그곳에서 구독 콘서트를 열었습니다.[68] 그녀는 표현력 있는 연주 스타일로 유명했습니다.[68] 이 시기 즈음에 그녀는 왕족으로부터를 [71]포함하여 광범위한 구독을 얻었으며 1784년 파리와 1785년 베를린에서 출판된 그녀의 6개의 소나타 Op. 1을 출판했습니다.[70] 그녀의 건반 소나타 외에도, 그녀는 로시니의 "Ricciardo de Zoraide" (1820)의 "서론"과 "행진곡"과 같은 다른 건반 작품들과 건반 반주가 있는 많은 노래들을 작곡했습니다.

마리안 폰 마르티네스(Marianne von Martínez, 1744–1812)는 오스트리아의 작곡가, 가수, 피아니스트였습니다. Metastasio는 그녀의 조숙한 재능을 알아차리고 하이든에게 건반 수업, 포르포라에게 노래 수업, 그리고 요한 아돌프 하세와 제국 궁정 작곡가 주세페 보노에게 작곡 수업을 포함한 그녀의 음악 교육을 감독하게 되었습니다. 그녀는 이탈리아어와 독일어를 모두 모국어로 사용했으며 프랑스어와 영어를 알고 있었습니다.[72] 어린 시절, 그녀는 "아름다운 목소리와 키보드 연주로 관심을 끌었던" 황실의 궁정에서 뛰었습니다.[73] 어른이 되었을 때, 그녀는 종종 마리아 테레지아 황후 앞에서 공연하라는 요청을 받았습니다.[72] 마리안나가 작곡한 많은 작품들이 솔로 보이스를 배경으로 하고 있습니다. 그녀는 이탈리아어 텍스트에 세속적인 칸타타와 두 개의 오라토리오를 썼습니다. 현존하는 작곡에는 4개의 미사곡, 6개의 모테트, 3개의 합창곡이 있습니다. 그녀는 빈의 초기 고전주의 시대에 전형적인 것처럼 이탈리아 양식으로 글을 썼습니다. 그녀의 하프시코드 연주 연습은 C.P.E. 바흐의 스타일과 비교되었습니다. 그녀의 이탈리아 오라토리오 이사코 피구라 델 레덴토레는 1782년 거대한 군대에 의해 초연되었습니다.[74]

낭만시대

Fanny Mendelsson, Moritz Daniel Oppenheim, 1842

마리아 시마노프스카(1789–1831)는 유명한 폴란드 작곡가이자 피아니스트였습니다. 그녀는 동료 폴 프레데릭 쇼팽 (1810–1849)과 같은 많은 장르로 작곡했습니다. 시마노프스카는 조아키노 로시니, 요한 볼프강 폰 괴테, 그리고 폴란드의 가장 위대한 시인인 아담 미키에비치를 포함한 몇몇 19세기의 유명한 사람들과 인맥을 유지했습니다.

파니 멘델스존 (1805–1847)은 1800년대의 가장 잘 알려진 여성 작곡가 중 한 명입니다. 그녀는 어렸을 때 비범한 음악적 능력을 보여주었고 음악을 쓰기 시작했습니다. 그녀의 가족의 집을 방문한 유명한 방문객들이 Fanny와 그녀의 오빠 Felix Mendelsson에게 똑같이 감명을 받았음에도 불구하고, Fanny는 여성에 대한 당시의 지배적인 태도에 의해 제한되었습니다. 그녀의 아버지는 그녀의 작곡가로서의 활동에 대해 지지적이기 보다는 관용적이었습니다. 그녀의 아버지는 1820년에 그녀에게 편지를 써서 "음악은 아마도 그의 것이 될 것"이라고 말했습니다. 펠릭스의 직업이지만, 당신에게 그것은 [당신의 인생에서] 장식품일 수 있고 또 그래야 합니다."[75] 펠릭스는 그녀에게 자신의 이름으로 작품을 출판하고 음악계에서 직업을 찾는 것에 대해 경고했습니다. 그는 다음과 같이 썼습니다.

패니에 대한 제 지식으로 볼 때, 저는 그녀가 [음악] 저자에 대한 성향도, 소명도 없다고 말해야겠습니다. 그녀는 여자가 이것을 위해 해야 할 너무 과분한 존재입니다. 그녀는 자신의 집을 통제하고, 첫 번째 의무가 완수될 때까지 대중도, 음악계도, 심지어 음악계도 전혀 생각하지 않습니다. 출판은 그녀를 방해할 뿐이며, 저는 그것을 승인한다고 말할 수 없습니다.[76]

클라라 슈만 (1819–1896)은 61년의 콘서트 경력을 가진 독일 작곡가이자 콘서트 피아니스트로 피아노 연주회의 형식과 레퍼토리, 듣는 대중의 취향을 바꿨습니다. 그녀는 어릴 때부터 피아노, 바이올린, 노래, 이론, 조화, 작곡, 그리고 대위법을 1시간 동안 배웠습니다. 1830년, 11살의 나이로, 그녀는 거장 솔리스트가 되었고 유럽 도시들의 콘서트 투어를 떠났습니다. 1830년대 후반, 그녀는 매진된 군중과 찬사를 보내는 비평가들을 위해 공연했습니다. 프레데릭 쇼팽은 그녀의 콘서트 중 하나를 듣게 된 프란츠 리스트에게 그녀의 연주를 묘사했고, 파리 가제트 뮤지컬에 출판된 편지에서 "그녀를 과도하게 칭찬"했습니다.[77] 그녀는 오스트리아에서 가장 높은 음악적 영예인 카이저리히 캄메르비르투오신("Königche und Kaiserliche Kammervirtuosin")으로 임명되었습니다.[77]

그녀는 또한 콘서트 피아니스트들이 기대하는 프로그램의 종류를 바꾸는 데 중요한 역할을 했습니다. 로버트 슈만과 결혼하기 전, 그녀의 초기 경력에서, 그녀는 종종 탈베르크, 헤르츠 또는 헨셀트와 같은 거장들에 의해 쓰여진 오페라의 인기 있는 주제에 대한 편곡 또는 변주의 형태로, 주로 예술가의 기술을 보여주기 위해 고안된 브라부라 작품들인 당시 관습적인 것을 연주했습니다. 자신만의 곡을 연주하는 것 또한 관습적이었기 때문에, 그녀는 벨리니의 주제에 대한 변주곡 (Op. 8)과 인기 있는 셰르조 (Op. 10)와 같은 작품들인 모든 프로그램에 자신의 작품 중 적어도 하나를 포함시켰습니다. 그녀의 작품에는 노래, 피아노 작품, 피아노 협주곡, 피아노 트리오, 합창곡, 바이올린과 피아노를 위한 세 개의 로망스가 포함되어 있습니다.

20세기와 21세기

작곡가 릴리 불랑거 (1893–1918)

캐서린 후버 (1937–2018)는 로체스터 대학교와 이스트만 음악 학교에서 음악을 공부했고 1959년 플루트 연주 자격증과 음악 이론 학사 학위를 취득했습니다.[78] 그녀는 1965년에 그녀의 '두 대의 바이올린을 위한 듀엣'으로 전문적인 작품들을 출판하기 시작했습니다. 후버는 전미 플루트 협회의 신간 음악 콩쿠르에서 두 번 우승했는데, 첫 번째는 중세 모음곡, 두 번째는 1991년 솔로 플루트를 위한 코코펠리였습니다. 이 작품들은 피치 벤딩과 같은 플루트를 위한 많은 확장된 기술을 사용합니다. 그녀의 많은 작품들은 유명한 음악가들에 의해 녹음되었고 카네기 홀에서 공연되었습니다.[79]: 252–253

조안 타워(Joan Tower, 1938년생)는 많은 음색의 멜로디와 화음이 특징인 그녀의 1976년 작품 Black Topaz를 작곡했습니다.[80]: 134 그녀는 1978년 컬럼비아 대학교에서 작곡으로 음악 예술 박사 학위를 받았습니다. 그녀는 1979년 미국 작곡가 오케스트라의 의뢰를 받아 첫 관현악 작품인 세쿼이아를 탄생시켰습니다. 이는 전 세계 수많은 오케스트라에서 연주해 왔습니다. 1985년부터 1988년까지 타워는 세인트루이스의 작곡가였습니다. 루이 심포니. 1990년, 그녀는 15만 달러의 상금을 포함한 음악 작곡 부문에서 Grawemeyer Award를 수상한 최초의 여성이었습니다. 그 이후로, 타워는 노퍽 실내악 페스티벌과 탱글우드 현대 음악 페스티벌을 포함한 수많은 음악 축제에서 상주 작곡가였습니다. 타워는 1982년부터 뉴욕의 바드 칼리지에서 음악 교수로 일했고 20세기의 가장 영향력 있는 여성 작곡가 중 한 명으로 여겨집니다.[79]: 278–280

엘렌 타페 즈윌리치 (Ellen Taffe Zwilich, 1939년생)는 줄리아드에서 작곡 박사 학위를 받았고 이것을 얻은 최초의 여성이었습니다. 같은 해, 그녀는 이탈리아에서 열린 국제 작곡 대회에서 금메달을 땄습니다. 1983년 즈윌리크는 그녀의 교향곡 1번으로 퓰리처 음악상을 수상한 최초의 여성이 되면서 역사를 다시 썼습니다. 이 성공 이후, 그녀는 많은 의뢰를 받았습니다. 그녀의 작품 밀레니엄은 2000년 초연 이후 27개의 오케스트라에 의해 공연되었습니다. 그녀는 1999년부터 플로리다 주립 대학의 프란시스 에페스 음악 교수로 재직하고 있습니다.[79]: 288–290 즈윌리치는 자신의 작곡에서 명확한 디자인과 풍부한 음색을 활용하여 '채색적인 밀레니얼 보이스'를 가지고 있는 것으로 알려져 있습니다. 비록 그녀의 음악은 원래 매우 불협화음이었고 비엔나 제2학교의 영향을 받았지만, 그녀의 스타일은 그녀의 남편의 죽음 이후 더 감정적이 되었습니다.[80]: 179

Libby Larsen (1950년생)은 1975년 미네소타 대학교에서 음악 석사를, 1978년 같은 학교에서 박사학위를 취득했습니다. 1973년에 그녀는 현재 미국 작곡가 포럼으로 알려진 미네소타 작곡가 포럼을 공동 설립했습니다.[81] 라센은 1983년부터 1987년까지 미네소타 오케스트라에서 레지던트로 활동했습니다. 라르센은 오케스트라, 무용, 오페라, 합창, 연극, 실내악, 독주 레퍼토리 등 220개가 넘는 작품을 작곡했습니다. 그녀의 작품들은 미국과 유럽 전역에서 공연되었습니다. Larsen은 현대 음악과 여성 음악가들의 강력한 지지자이며, 그녀는 1994년 그녀의 CD The Arleen Auger로 그래미 상을 수상했습니다. Larsen은 2000년에 American Academy of Arts and Letters로부터 평생 공로상을 수상했고, 2007년에 그녀의 책 The Concert Hall That Fleep and Wake a Car Radio를 출판했습니다.[80]: 242–253 [79]: 256–258

제니퍼 히든(Jennifer Higdon, 1962년생)은 1994년 필라델피아 대학에서 석사와 박사 학위를 취득했습니다. 히든은 구겐하임 재단, 미국 예술 문학 아카데미, 국제 여성 작곡가 연맹 등으로부터 상을 받았습니다. 그녀의 1996년 작품 샤인은 USA 투데이에 의해 최고의 현대 작품으로 선정되었습니다.[79]: 252–253 히돈의 많은 작품들 중 파란색 대성당이 가장 자주 공연됩니다. 2010년, 히든은 타악기 협주곡으로 그래미상을 수상했습니다. 또한 2010년에는 힐러리 한이 초연한 바이올린 협주곡 작곡으로 퓰리처상 음악상을 수상했습니다.[82]

추가적인 여성 작곡가들은 아래와 같습니다. 일부는 연주자이기도 합니다(예: Agnes Tyrrell, Amy Beach, Verdina Shlonsky는 유명한 피아니스트였습니다). 전체 목록은 출생 연도별 여성 작곡가 목록을 참조하십시오.

악기연주자

대중음악

개인 및 밴드 리더

수지 콰트로(Suzi Quatro)는 가수, 베이시스트 및 밴드 리더입니다. 그녀가 1973년에 활동을 시작했을 때, 그녀는 몇 안 되는 유명한 여성 악기 연주자와 밴드 리더 중 한 명이었습니다.

여성들은 가수로서 많은 대중 음악 스타일에서 높은 인지도를 가지고 있습니다. 하지만, 전문 여성 악기 연주자들은 대중 음악, 특히 헤비 메탈과 같은 록 장르에서는 흔하지 않습니다. "[P]밴드에서 연주하는 것은 주로 남성의 동성애적 활동입니다. 즉, 밴드에서 연주하는 것을 배우는 것은 주로 동료를 기반으로 하는 것입니다. 기존의 성 segreg된 우정 네트워크에 의해 형성된 경험. 또한, 록 음악은 "여성 침실 문화에 대한 남성의 반란의 한 형태로 종종 정의됩니다."[7]: 102 대중 음악에서, 음악에 있어서 "공공(남성) 참여와 사적(여성) 참여의 구분"이 성행되어 왔습니다.[7]: 102 "[S]몇몇 학자들은 남성들이 밴드나 밴드의 리허설, 녹음, 공연, 그리고 다른 사교 활동에서 여성들을 배제한다고 주장했습니다."[7]: 104 "여성들은 주로 교묘하고 조립식이며 열등한 대중 음악의 수동적이고 사적인 소비자로 간주되며, 그들은 높은 지위의 록 음악가로서 참여하는 것을 배제합니다."[7]: 104 성별 밴드가 거의 섞이지 않는 이유 중 하나는 "밴드는 동성 간의 사회적 유대인 사회적 연대를 형성하는 긴밀한 단위로 작동하기 때문입니다. – 중요한 역할을 합니다."[7]: 104 1960년대 대중음악계에서, 노래는 때때로 여자아이에게 받아들여지는 취미였지만, 악기를 연주하는 것은...그냥 끝난 게 아닙니다."[29]

"록 음악의 반란은 주로 남성의 반란이었고, 1950년대와 60년대에, 10대 소녀들이 록에 출연한 여성들은 보통 남성 æ로서 노래를 불렀습니다." 필립 오슬랜더는 "1960년대 후반까지 록에는 많은 여성들이 있었지만, 대부분은 가수로만 공연했습니다. 대중음악에서 전통적으로 여성적인 입장을 취하고 있습니다." 비록 몇몇 여성들이 미국의 모든 여성 차고 록 밴드에서 악기를 연주했지만, 이 밴드들 중 어느 것도 지역적인 성공 이상을 거두지 못했습니다. 그래서 그들은 "여성들의 록 참여를 위한 실행 가능한 템플릿을 제공하지 않았습니다."[84]: 2–3 헤비 메탈 밴드의 성별 구성과 관련하여, "걸스쿨과 같은 예외"를 제외하고는 "적어도 1980년대 중반까지는"[86] 거의 독점적으로 메탈 연주자들이 남성입니다.[85][85] 하지만, "지금은 그 어느 때보다 강한 금속 여성들이 자신의 공작을 세우고 그것을 시작했을지도 모릅니다."[87] "스스로를 위해 상당한 자리를 차지하고 있습니다."[88] 1973년 수지 콰트로가 등장했을 때, "다른 유명한 여성 음악가는 가수, 기악 연주자, 작곡가, 밴드 리더로서 동시에 록에서 활동하지 않았습니다."[84]: 2 오스랜더에 따르면, 그녀는 "로큰롤로 남성의 문을 열고 여성 음악가라는 것을 증명했다. 그리고 이것은 내가 극도로 걱정하는 지점이다... 소년들보다 더 잘하지는 못할지라도 연주할 수 있다.""[84]: 3

많은 아티스트들이 노래를 부르고 작곡을 하기도 하지만, 그들의 기악 실력은 다음과 같습니다.

올 여성 밴드 및 걸그룹

여성으로만 구성된 밴드는 블루스, 재즈 등 대중 음악 장르의 음악 그룹으로 여성 음악가들로만 구성되어 있습니다. 이 용어가 보편적으로 통용되는 것은 아니지만, 여성 멤버들이 보컬로만 활동하는 걸그룹과는 다릅니다. 예를 들어, 보컬 그룹 Girls Aroud는 OK! 잡지와[89] 가디언지에서 "걸 밴드"로 언급되는 [90]반면, Girlschool은 IMDb와[91] 벨파스트 텔레그래프에서 "걸 그룹"으로 언급됩니다.[92] 남성 밴드는 많은 록 밴드와 팝 밴드에서 흔하지만 여성 밴드는 덜 흔합니다.

걸그룹은 일반적으로 함께 어우러지는 여러 여성 가수들이 출연하는 음악 활동입니다. 걸그룹이라는 용어는 또한 영어권 국가들 내에서 1950년대 말과 1960년대 초 초기 로큰롤의 쇠퇴와 영국 침공 사이에 번성했던 미국 여성 팝 음악 그룹의 물결을 나타내기 위해 좁은 의미로 사용되는데, 그들 중 많은 이들이 두왑 스타일에 영향을 받았습니다.[93][94] 여성으로만 이루어진 밴드들은 때때로 걸그룹이라고 불리기도 합니다.[95] 이 여성 밴드들은 유지하기 어려웠는데, 많은 이전 그룹들이 일단 떠나면 여성 음악가들을 교체하는 데 어려움을 겪었고, 일부는 그만두지 않기 위해 남성들에게 밴드를 개방해야 했기 때문입니다.[96]

1930~1960년대

재즈 시대와 1930년대 동안, 블루 벨즈, 파리 레드헤드 (후에 브릭탑), 릴-하딘의 올-걸 밴드, 인제뉴즈, 할렘 플레이걸즈, 필 스피탈니의 뮤지컬 스위트하트, 헬렌 루이스와 그녀의 올-걸 재즈 싱코퍼스와 같은 여성 밴드들이 인기가 있었습니다. Ina Ray Hutton은 1934년부터 1939년까지 올 걸 밴드인 Melodears를 이끌었습니다. 유니스 웨스트모어랜드(Eunice Westmoreland)는 리타 리오(Rita Rio)라는 이름으로 NBC 라디오(NBC Radio)와 비타폰(Vitaphone), RKO에 출연하는 여성 밴드를 이끌었습니다. 폴란드 그룹 필리핀키는 1959년에 설립되었습니다.[97]

여성들로만 구성된 그룹들이 로큰롤의 등장과 함께 생겨나기 시작했습니다. 음반사에 계약된 최초의 여성 록 밴드로는 1964년에 애틀랜틱 레코드에 골디 앤 진저브레드, 1964년에 수지 콰트로에서 아지트 레코드에, 1968년에 머큐리 레코드에, 1968년에 페미닌 콤플렉스에서 아테나 레코드에, 1969년, Mo Ostin이 Warner Broths와 계약을 맺으면서 Fanny(1970년대 초중반 여성 전용 밴드 사운드를 개척한 Fanny). 레코드. 리버버드 (1962–1967), 에이스 오브 컵 (1967), 심장박동 (1968), 에리얼 (1968–1970), 뉴쿤 크릭 걸스 (1930년대)와 같은 다른 것들도 있었습니다.[96]

1970~1980년대

1971년, 패니는 "Charity Ball"이 40위를 정점으로 핫 100의 톱 40에 진입한 최초의 여성 밴드가 되었습니다. 1975년, 캐나다의 2인조 자매 케이트와 안나 맥개리글은 일련의 앨범 중 첫 번째 앨범을 녹음했습니다. 러너웨이즈(Runaways)는 1976년 첫 번째 앨범을 발매한 초기 여성 하드 록 밴드로, 밴드 멤버 조안 제트(Joan Jett), 체리 커리(Cherry Currie), 리타 포드(Lita Ford)가 모두 솔로 활동을 시작했습니다. 1980년대는 처음으로 여성 밴드와 여성 전면 록 밴드가 오랫동안 추구해온 차트 성공을 거두었습니다. 1982년[98] 빌보드 핫 100 연말 차트에서 3위를 차지한 조안 제트(Joan Jett)의 "I Love Rock 'n' Roll"과 25위를 차지한 고고(Go-Go)의 "We Got the Beat"는 많은 업계 책임자들에게 연주할 수 있는 여성들이 돈을 벌 수 있다는 메시지를 보냈습니다. 1989년 가장 유명한 여성 밴드 중 하나인 딕시 칙스가 텍사스 달라스의 거리 모퉁이에서 연주하기 시작했습니다. 밴드는 리드 싱어인 나탈리 마인즈, 피들과 만돌린의 나탈리 맥과이어, 밴조, 도브로, 기타, 아코디언의 에밀리 로비슨으로 구성된 트리오입니다. 딕시 칙스는 다른 모든 컨트리 음악 그룹을 합친 것보다 더 많은 CD를 팔았습니다.[citation needed] 그들은 2000년에 다섯 개의 그래미상, 컨트리 음악 협회의 올해의 앨범상, 그리고 2002년에 올해의 보컬 그룹상을 수상했습니다. 또 다른 유명한 여성 밴드는 와일드우드 걸스를 포함합니다. 원래 1979년 시카고 지역에서 시작된 와일드우드 피커스(WildWood Pickers)였지만, 여성으로만 구성된 밴드는 밴드가 가정사가 된 후 시작되었고, 이후 1982년에 와일드우드 걸스(WildWood Girls)로 이름을 바꾸면서 예약이 두 배로 늘었습니다. 이들은 USO와 국방부를 위해 해외 투어에 나섰고, 약 5년간 할리우드에서 밴드 활동을 했으며, 10년간 인디애나주 빌 먼로의 빈 블라썸 페스티벌에서 여러 차례 연주했습니다. 그들은 그들이 올 걸 밴드라는 사실과 관련하여 부딪힌 문제에도 불구하고 6개의 녹음을 발표했습니다.[citation needed] 또 다른 유명한 밴드는 Happy Hollow String band (1974–1979)입니다. 그들은 샌디 크리스쿤 밴조와 함께한 여성 블루그래스 밴드였습니다. 크리스코는 여성 연주자가 부족하기 때문에 많은 남성 악기 연주자들이 여자 화장실이 어디에 있는지 알지 못했기 때문에 예약하는 동안 여자 화장실을 찾는 것이 어려웠다고 보고했습니다.[96]

펑크
주 기사: 펑크록을 입은 여자
펑크 기타리스트 비브 알베르틴.

영국에서는 1970년대 후반 펑크의 등장과 함께 "누구나 할 수 있다"는 기풍이 여성들에게 큰 기여를 하게 되었습니다.[99][100] 1970년대의 록 음악과 헤비 메탈 장면들이 남성들에 의해 지배되었던 것과 대조적으로, 1970년대 중후반 펑크 장면의 무정부적이고 반문화적인 사고방식은 여성들의 참여를 독려했습니다. "그것이 펑크의 아름다움이었습니다."라고 나중에 Chrisie Hynde는 말했습니다. "그 장면에는 [성적] 차별이 존재하지 않았습니다."[101] 이러한 참여는 당시 미국과 영국을 중심으로 펑크 음악의 역사적 발전에 한 몫을 했으며, 후대에도 지속적으로 영향을 미치고 가능하게 하고 있습니다.[102]

록 역사가 헬렌 레딩턴(Helen Reddington)은 젊은 펑크 여성 음악가들의 대중적인 이미지가 현장의 패션 측면(어망 스타킹, 뾰족한 금발 등)에 초점을 맞췄다고 말합니다. 그녀는 대부분의 여성 펑크족은 아니더라도 많은 이들이 패션보다는 이념과 사회 정치적 함의에 더 관심을 가졌다고 말합니다.[103][104] 음악 역사가 캐롤라인 쿤은 펑크 이전에 록 음악의 여성들은 사실상 보이지 않았다고 주장합니다. 반면 펑크에서는 남성 밴드에 대해 전혀 언급하지 않고 펑크 음악의 모든 역사를 쓰는 것이 가능할 것입니다. 많은 사람들이 매우 놀랍다고 생각합니다."[105][106] 조니 로튼(Johnny Rotten)은 "피스톨스 시대에는 여성들이 남성들과 놀고 있었고, 우리를 동등한 조건으로 받아들였습니다. 전투적이지는 않았지만 호환성이 있었습니다."[107] 여성들은 The Slits, The Raincoats, Mo-detts, 그리고 Dolly Mixter, The Innocents와 같은 밴드에 참여했습니다.

기타리스트 비브 알베르틴(Viv Albertine)과 같은 다른 사람들은 동등한 인식의 개념에 대해 문제를 제기합니다. 그는 "A&R 남성, 바운스, 사운드 믹서, 아무도 우리를 진지하게 받아들이지 않았습니다. 그래서, 아니, 우리는 어디를 가더라도 존경을 받지 못했습니다. 사람들은 단지 우리가 곁에 있기를 원하지 않았습니다."[108][109] 펑크의 반체제 기조는 남성 중심의 산업에서 아웃사이더 취급을 받던 여성들에게 공간을 열어줬습니다. 소닉 유스의 킴 고든(Kim Gordon)은 "당신은 항상 남성의 틀에서 활동하기 때문에 여성은 타고난 무정부주의자라고 생각합니다."라고 말합니다.[110]

중금속
걸스스쿨(Girlschool)은 1978년 영국 헤비메탈계의 새로운 물결 속에서 결성된 영국의 올 우먼 헤비메탈 밴드로, 현대의 Motörhead와 자주 연관됩니다. 그들은 35년 이상이 지난 지금도 여전히 활동 중인 최장수 여성 록 밴드입니다.[111][112]

1978년에 결성된 사우스 런던 출신의 여성 헤비 메탈 밴드 걸스쿨. 영국에서 어느 정도 성공을 거두었지만, 1980년대 초에 그들은 더 잘 알려지게 되었습니다. 밴드의 원래 멤버 중 한 명인 Kathy Valentine은 기타에서 베이스로 전환하여 여성으로만 이루어진 밴드 The Go-Go's에 합류하기 위해 떠났습니다. 걸스쿨의 초기 녹음 중에는 "The St."라는 제목의 EP가 있었습니다. 브론즈 레이블 동료인 Motörhead와 함께 Headgirl이라는 이름으로 녹음한 발렌틴스의 날 학살. 1974년, 록/컨트리 밴드인 The Deal Nightshade가 팬텀과 계약을 맺었습니다. 헤비 메탈 장르의 여성들은 장르가 매우 남성 지향적이기 때문에 자신을 제한해야 하는 경향이 있습니다.[113]

그룬지

1980년대와 1990년대 얼터너티브 록 장르의 그룹은 "압도적으로 남성"이라는 인식이 있는 반면, L7, Lunachicks, Dickless, STP, 7 Year Bit, Courtney Love의 그룹 Hole and Babes in Toyland, 후자는 "모두 여성 미니애폴리스 밴드", 그리고 그루지는 언더그라운드 페미니스트 펑크 운동인 Riot Grrl과 불가분의 관계에 있었습니다. 여성 악기 연주자들로는 스매싱 펌킨스의 베이스 연주자 다르시 레츠키와 멜리사 오퍼 마우, 그리고 토이랜드의 아기들의 드럼 연주자 패티 셰멜과 로리 바베로가 있습니다.[115]

1980년대 말과 1990년대 초에 정점을 찍은 록 음악의 Grunge 장르와 그와 연관된 패션. 1980년대 후반 시애틀에서 인기 있는 헤비 메탈 하드 록과 펑크 후의 얼터너티브 록 사이의 연결고리로 발전한 탁한 기타 밴드는 Grunge로 알려져 있습니다. 가장 눈에 띄는 것은, 이 밴드들에는 너바나와 펄 잼이 있습니다.

Grunge는 시애틀의 독립 Sub Pop 음반사에서 Mudhoney, Nirvana, Screaming Trees, Soundgarden이 선구적인 노스웨스턴 밴드인 Melvins의 발자취를 따르고 Hüsker Dü와 같은 DIY 윤리의 하드 펑크 계승자인 펑크 록의 요소를 통합하여 태어났습니다. 그리고 블랙 사바스, 레드 제플린, AC/DC와 같은 1970년대 헤비 메탈 밴드의 사운드.

중서부 출신 밴드 멜빈스. 너바나와 펄 잼은 빠르게 확장되는 팔로워를 얻었고, 주요 레이블과 계약을 맺었고, 기타 왜곡, 고뇌에 찬 보컬, 그리고 진정성 있고 불안한 가사를 결합하여 수백만 장의 판매고를 올린 앨범을 만들었습니다. 마이크로소프트사의 급속한 성장으로 이미 경제적 호황을 누리고 있던 시애틀은 그들의 승리 이후 다음 큰 것을 추구하는 음반 산업 전문가들을 끌어들였습니다. 언론의 도움으로 해외에서도 빠르게 인기를 얻었습니다. 이에 따라 미국 백화점들은 시애틀 밴드와 그들의 추종자들이 선호하는 플란넬 셔츠, 보온 속옷, 전투화, 스타킹 모자의 모조품을 취급하기 시작했습니다.

1994년 너바나의 커트 코베인이 세상을 떠났을 때, Grunge 운동은 결국 시들해졌습니다. 이는 세대 대변인으로서의 코베인의 역할과 결코 돌파할 수 없었던 시애틀 기반의 많은 밴드들의 저조한 앨범 판매 덕분이기도 했습니다. 그러나, 대체 암석의 주류화에는 Grunge가 크게 기여했습니다.[116]

1990년대~2000년대

1990년대, 음악가 잡지들은 여성 음악가들을 더 심각하게 보기 시작했고, 보니 랫과[117][118] 티나 웨이머스를[119] 표지에 실었습니다. LA 클럽 씬의 The Go-Go's와 The Bangles가 모두 지속적인 성공을 거둔 최초의 여성 록 밴드인 반면, 개별 음악가들은 업계가 여성 음악가들을 보유한 밴드를 찾을 수 있는 길을 마련했습니다.

1990년대에는 홀(Hole), 슈퍼히어로인즈(Super Heroines), 더 러브돌스(The Lovedolls), L7(L7) 등의 밴드들이 무대에서 시연을 하는 동안 인기를 끌었고, 인터뷰에서는 때로는 자신감 넘치고 '나쁜' 태도를 보이며 여성 밴드가 어떻게 행동해야 하는지에 대한 가정에 항상 도전했습니다. Courtney Love는 Hole의 다른 여성들이 음악가로서의 역할에 있어서 좀 더 "달의 관점"을 사용한다고 묘사했습니다.[120] 1990년대에는 펑크 여성 주도의 라이엇 그렐 장르가 브랫모바일, 비키니 킬 같은 밴드들과 연관되어 있었습니다. 데스티니 차일드(Destiny's Child)는 비욘세 놀스(Beyoncé Knowles), 켈리 롤랜드(Kelly Rowland), 미셸 윌리엄스(Michelle Williams)로 구성된 미국 여성 그룹이었습니다. 데스티니 차일드(Destiny's Child)는 1990년 걸스 타이메(Girl's Tyme)로 시작했고 몇 년 후 1997년 컬럼비아 레코드(Columbia Records)와 뮤직 월드 엔터테인먼트(Music World Entertainment)와 데스티니 차일드(Destiny's Child)로 계약했습니다. 데스티니 차일드의 두 번째 베스트셀러 앨범은 "빌, 빌, 빌"과 "세이 마이 네임"이 포함된 Writing's on the Wall (1999)이었습니다.[121] 게다가, 스파이스 걸스는 1994년에 결성된 영국의 올 걸 팝 그룹이었습니다. 이 밴드는 멜 B, 멜라니 C, 엠마 번튼, 게리 할리웰, 빅토리아 베컴으로 구성되어 있습니다. 그들은 버진 레코드와 계약을 맺었고, 그들의 싱글 "Wannabe"는 1996년에 발매되었고, 37개국에서 1위를 차지했습니다.[122]

2000년대~2010년대

2000년대에 모든 여성과 여성 프론트 밴드들은 음악 산업에서 페미니즘과 여성을 홍보하기 위해 그들의 영향력을 사용하기 시작했습니다. Brody Dalle이 이끄는 The Distryers와 같은 밴드들은 스트리트 펑크의 성장에 영향을 미쳤습니다. 세인트 빈센트는 더 많은 관심을 끌기 시작했고 결국 기타 월드 잡지의 표지를 장식했습니다. 세인트 빈센트는 잡지 표지에 비키니 데칼이 달린 티셔츠를 입었는데, 이는 여성들이 기타를 들고 등장할 때, 악기를 판매하기 위한 마케팅 도구로서 그들은 보통 아주 최소한의 복장을 하고 있다는 것을 언급한 것입니다. 세 자매로 구성된 밴드 하임은 음악계 여성들의 홍보와 관련하여, 같은 수준의 남성 아티스트들에 비해 지폐에 여성들이 많이 등장하지 않고, 여성 아티스트들에 대한 지불이 부족하다는 이유로 주요 음악 축제들을 요구하며 극도로 거침없는 발언을 하고 있습니다.[123][124] 최근 몇 년 동안 음악에서 여성 대표성이 부족하다는 것은 업계에서 주요 논란거리였습니다. 여성 음악가들과 밴드들은 계속해서 남성 아티스트들을 위해 간과되고 있지만, 음악계의 많은 사람들은 이것을 바꾸기 위한 노력을 해오고 있습니다.

2010년대~2018년

2010년부터 2018년까지 많은 걸 그룹들이 생겨났고 더 인기가 많아졌습니다. 가장 유명한 걸 밴드 중 하나는 2011년 엑스 팩터에서 시작된 영국 밴드인 리틀 믹스입니다. Jessy Nelson, Leigh-Anne Pinnock, Jade Thirlwall, 그리고 페리 에드워즈로 구성되어 있습니다. 리틀 믹스는 푸시캣 돌스 이후 그들의 앨범 DNA (2012)로 미국 톱 5에 오른 최초의 여성 그룹입니다. 그들은 또한 영국 걸 그룹의 첫 번째 발매로 가장 높은 데뷔 미국 차트 자리를 얻음으로써 스파이스 걸스가 보유한 기록을 깼습니다.[125] 게다가, Fifth Harmony는 마이애미에 기반을 두고 2016년에 그녀가 떠날 때까지 앨리 브룩, 노마니 코데이, 디나 제인, 로렌 자우레기, 그리고 카밀라 카베요로 구성된 미국 여성 그룹입니다. 이 그룹은 2012년에도 X Factor에 있었습니다. 그들의 세 개의 스튜디오 앨범은 미국 빌보드 200에서 10위 안에 들었습니다.[126]

재즈

메리 루 윌리엄스(Mary Lou Williams, 1910–1981)는 재즈, 클래식, 가스펠 음악을 연주한 피아니스트, 작곡가, 편곡가였습니다. 그녀는 수백 곡의 작곡과 편곡을 썼고 100곡 이상의 음반을 녹음했습니다.

역사적으로, 재즈에서 유명한 여성 공연자들의 대다수는 엘라 피츠제럴드, 빌리 홀리데이, 다이앤 슈어, 디나 워싱턴과 같은 가수들이었습니다. 컬쳐트립은 재즈를 하는 여성들이 "너무 자주 챈트유즈의 역할에 국한되어 왔다"고 지적합니다.[127] 하지만 악기 연주자들이 많습니다. 어떤 경우, 이 음악가들은 작곡가이자 밴드 리더이기도 합니다.

또한 The International Sweethearts of Rhythm과 같은 여성 재즈 밴드들과 The Hour of Charm Orchestra와 같은 여성 오케스트라들도 있습니다. 종종, 제2차 세계 대전 동안, 이 모든 여성 그룹들은 남성 음악가들이 복무하는 동안 부대를 즐겁게 했습니다. 그러나, 전쟁 이후, 남성 음악가들이 돌아오고 대중들이 그것이 가져온 "정상"을 선호하면서, 음악에서 여성들의 과잉 성화가 돌아옴에 따라, 이 걸그룹들은 버려졌습니다.[128]

이 음악가들 중 몇몇은 재즈 음악과 미국 문화를 형성하는 것을 도왔습니다. 준 노튼이 어렸을 때, 그녀는 언젠가 그녀가 오페라에 참여할 수 있기를 희망하며 클래식 음악을 추구하기를 원했습니다. 하지만, 이것은 불가능해 보였기 때문에 그녀는 대중 음악을 추구하기 시작했습니다. 노튼은 워싱턴 D.C. 지역에서 남부 주를 향해 광고된 TV 광고에 노래를 부르는 첫 흑인 여성이 되었습니다. 이것은 그녀가 전미 유색인종 여성 협회로부터 받은 1962년 공로상, 올해의 TV 인물상, 전미 시장 개발 협회로부터 받은 1962년 강조상, 그리고 YMCA로부터 받은 1962년 올해의 가수상을 포함한 많은 상들의 성취로 이어졌습니다. 그녀는 나중에 주목을 받지 않고 상담가로서의 경력을 시작했고 토마스 C와 결혼했습니다. 커프. 그녀는 남은 노동 시간을 소외된 청소년들과 여성 죄수들을 돕는데 보냈습니다.[128]

또 다른 여성 피아니스트, 작곡가, 성악가는 재즈와 미국 문화에 지대한 공헌을 했습니다. 셜리 혼 (1934–2005)은 25개 이상의 앨범을 녹음했고 스터프 스미스, 투츠 틸리먼스, 찰리 헤이든, 오스카 피터슨의 사이드 뮤지션으로 일했습니다. 그녀는 하워드 대학의 음악 전문학교에서 연습을 했고, 줄리아드 대학과 자비에 대학으로부터 나중에 제안을 받았지만, 워싱턴 D.C.에 남아 결혼하고 아이를 갖기로 선택했습니다. 그녀는 계속해서 투어를 하고 공연을 했습니다. 그녀의 첫 녹음은 1959년에 발매된 스터프 스미스의 "Cat on a Hot Fiddle"의 일부였습니다. 그녀의 데뷔 녹음인 Embers and Ash는 많은 관심을 끌었고, 그녀가 결국 콘서트 피아니스트가 되고 싶다는 것을 깨닫는데 도움을 주었습니다. 이 일이 있은 지 몇 달 후, 마일스 데이비스는 혼에게 연락하여 뉴욕시의 빌리지 뱅가드에게 혼이 자신을 위해 개업하기를 원하며, 이것이 가능하지 않다면 출전을 거부한다고 말했습니다. 이때부터 혼의 명성과 명성이 높아지기 시작했습니다. 그녀는 Mercury Records와 Verve Records에서 계속 일했습니다. 그녀는 1999년 최고의 재즈 보컬 앨범 I Remember Miles로 그래미 상, 다섯 개의 워싱턴 지역 음악상, 버클리 음악 대학의 명예 음악 학위, 그리고 2004년 NEA 재즈 마스터 펠로우십과 국립 예술 기금의 상을 포함하여 많은 상을 받았습니다.[128]

클래식

클래식 음악의 기악 연주자들은 독주회, 독주회, 실내악, 오케스트라의 일원으로서 연주하는 것과 같은 한 가지 특정한 연주 유형에 집중할 수도 있고, 그들은 다른 유형을 할 수도 있습니다. 관현악 악기를 연주하는 일부 음악가들은 이러한 모든 종류의 공연을 할 수 있습니다. 클래식 음악의 악기 연주자들은 청중을 위한 라이브 공연과 녹음을 모두 할 수 있습니다. 어떤 경우에는 클래식 연주자들이 주로 라이브 공연을 할 수도 있습니다. 전통적으로 클래식 음악에서 악기를 연주하는 것에는 성별 측면이 있었습니다.

여성 클래식 음악가들을 위한 많은 앨범 커버에는 연주자의 신체적인 매력을 강조하는 사진들이 있습니다. "종종 리스케 이미지를 사용합니다."[129] 런던 인디펜던트의 음악 작가인 제시카 듀헨에 따르면, 클래식 여성 음악가들은 "그들의 재능보다 그들의 외모에 대해 너무 자주 평가를 받는다" 그리고 그들은 "무대와 사진에서 섹시해 보여야 한다"는 압력에 직면합니다.[9] 듀헨은 "외모적으로 연주하기를 거부하는 여성 음악가들이 있지만...더 물질적으로 성공하는 경향이 있습니다."[9]

오케스트라

1942년 몬트리올 여성 심포니 오케스트라

역사적으로 오케스트라는 하프 연주자를 제외하고는 거의 남성으로만 구성된 경향이 있었는데, 이는 하프가 "여성용 악기"로 여겨졌기 때문입니다. 1917년 영국의 한 음악 신문 사설은 여성 연주자들이 제1차 세계대전이 끝나면 남성에게 자리를 양보할 것이라는 이해와 함께 여성들이 "가벼운 악기"를 연주하도록 오케스트라를 장려했습니다.[21] 1990년대에, 성별 편견의 가능성을 줄이기 위해, 일부 오케스트라는 스크린 뒤에서 잠재적인 새로운 멤버들의 오디션을 진행하기 시작했고, 그래서 오디션 패널은 그것이 남성 연주자인지 여성 연주자인지 알 수 없었습니다. 역사적으로 놋쇠 부분이 남성인 경향이 있었고, 일부 여성 놋쇠 선수들은 여성 놋쇠 선수들에 대한 성별 편견이 있다고 주장했습니다. 1980년대 연구에 따르면 미국 오케스트라의 36%, 영국에서 30%, 동서독에서 16%가 여성으로 구성되어 있습니다.[130] 여성들은 보수가 낮은 관현악단에 고용되는 경향이 있었고 주요 관현악단에 덜 소속되어 있었습니다.[130] 1922년 하프 연주자 스테파니 골드너는 뉴욕 필하모닉의 첫 번째 여성 단원이 되었습니다.[131] 그로부터 100년이 지난 2022년, 필하모닉에서는 여성 회원 수가 남성을 앞질렀습니다.[132]

과거에, 비엔나 필하모닉 오케스트라 (VPO)는 "인종과 성별의 통일성"이 그들의 오케스트라에 더 나은 소리를 주었다고 주장했습니다.[130] 여러 남성 VPO 음악가들은 1996년 인터뷰에서 클래식 음악이 오케스트라에서 "남성의 획일성으로 가장 명확하게 표현될 수 있는 성별로 정의된 특성"을 가지고 있다고 말했습니다.[130] 한 남성 VPO 멤버는 남성이 "여성이 아니라 남성이 특정 악기를 연주하는 호주 원주민이나 인도 문화처럼 음악과 음색에 관련된 비밀을 가지고 다닌다"고 말했습니다.[130] 한 남성 VPO 공연자는 "임신은 문제를 가져옵니다. 그것은 무질서를 불러옵니다. 여성을 반대하는 또 다른 중요한 주장은 그들이 문제의 남성들의 연대를 가져올 수 있다는 것입니다. 모든 남성 그룹에서 찾을 수 있습니다."[130]

빈 필하모닉은 1997년까지 여성들의 정회원 가입을 허락하지 않았습니다. (2008년 그라모폰이 선정한 세계 5대 오케스트라 [133]중 마지막으로 여성을 정회원으로 임명한 곳은 베를린 필하모닉입니다.)[134] 1996년 2월, 최초의 플루티스트 디터 플루리(Dieter Flury)는 Westdeutscher Rundfunk에게 여성을 받아들이는 것은 "이 유기체가 현재 가지고 있는 감정적 통일성(emotionelle Geschlossenheit)과의 도박"이 될 것이라고 말했습니다.[135] 1996년 4월, 오케스트라의 공보 비서는 출산 휴가의 "예상되는 휴가를 보상"하는 것이 문제라고 썼습니다.[136]

클래식 바이올리니스트 사라 장, 2005년 단독 콘서트 개최

1997년, 이 오케스트라는 전미여성단체와 국제여성음악협회에 의해 [미국] 투어 중에 시위에 직면했습니다. 마지막으로, "사회적으로 보수적인 오스트리아에서도 조롱의 강도가 높아지자, 오케스트라의 구성원들은 1997년 2월 28일 출국 전날 임시 회의에서 모였고, 여성인 안나 렐케스를 하프 연주자로 인정하기로 동의했습니다."[137] 2013년 현재, 이 오케스트라에는 6명의 여성 멤버가 있습니다. 그 중 한 명인 바이올리니스트 알베나 다나일로바는 2008년 이 오케스트라의 콘서트 마스터 중 한 명이 되었고, 이 자리를 맡은 최초의 여성입니다.[138] 2012년에도 베를린 필하모닉 14%, 런던 심포니 오케스트라 30%, 뉴욕 필하모닉 36%에 비해 여성은 오케스트라 구성원의 6%에 불과했습니다. 클레멘스 헬스버그 VPO 회장은 VPO가 현재 완전히 상영된 블라인드 오디션을 사용하고 있다고 말했습니다. 그녀는 그것이 "우리가 얻을 수 있는 최고의 것"을 선택한다고 말했고, 이것은 나이든 멤버들이 은퇴하고 새로운 멤버들이 양성 중립적인 조건에서 오디션을 보는 데 시간이 걸릴 것임을 암시했습니다.[139] 체코 필하모닉은 여성을 배제하고 베를린 필하모닉은 "성차별의 역사를 가지고 있다."[130]

2013년 마더 존스(Mother Jones)에 실린 기사는 "뉴욕 필하모닉의 바이올린 부문에서 여성이 남성보다 더 많은 등 많은 명망 있는 오케스트라들이 상당한 여성 회원을 보유하고 있으며, 내셔널 심포니 오케스트라(National Symphony Orchestra), 디트로이트 심포니(Detroot Symphony), 미네소타 심포니(Minnesota Symphony) 등 여러 유명한 앙상블이 여성 바이올린 연주자들이 이끌고 있습니다. 금관악기, 타악기, 현악기 오케스트라 부분은 여전히 남성이 주류를 이루고 있습니다."[11]

솔리스트

클래식 음악에서 독주자들은 독주 피아노를 위해 작품을 연주하는 피아니스트나 한 악기를 위해 바로크 모음곡(예: 바흐 모음곡)을 연주하는 피아니스트에게서 발생하는 것처럼 악기에서 무반주 독주를 연주할 수 있습니다. 그러나 많은 경우에 독주자들은 피아니스트, 작은 실내악 합주단, 또는 협주곡의 경우, 완전한 교향악단에 의해 동반됩니다. 2014-2015 시즌 캐나다 주요 오케스트라와 협주곡을 함께 연주한 협주곡 솔리스트들은 대부분 남성이었습니다. 밴쿠버 심포니 오케스트라에서는 협주곡 독주자의 67%가 남성이었습니다. 토론토 심포니 오케스트라에서는 협주곡 솔리스트의 74%가 남성이었습니다. 국립 예술 센터 오케스트라에서는 협주곡 솔리스트의 79%가 남성이었습니다. 심포니크 드 몽레알 관현악단에서는 협주곡 독주자의 84%가 남성이었습니다.[9] 협주곡 독주자들의 성별 균형에 관한 CBC 뉴스 기사가 공개되었을 때, 밴쿠버 심포니 오케스트라의 지휘자인 브람웰 토비는 기사가 단 한 시즌만을 고려한 것이라고 주장하며 뉴스 기사의 정확성에 이의를 제기했습니다.[citation needed] 세계적으로 유명한 독주자는 기록된 시대의 가장 위대한 피아니스트 중 한 명으로 여겨지는 아르헨티나의 마사 아르게리치입니다.

가수들

대중음악

마돈나는 1980년대와 1990년대 대중음악에서 여성의 역할을 바꾼 아티스트로 자주 언급됩니다.
스위프트는 21세기에 음악을 재구성한 것으로 인정받습니다.
휘트니 휴스턴(Whitney Houston)과 아레사 프랭클린(Aretha Franklin)은 롤링 스톤스(Rolling Stones)의 역대 가장 위대한 가수 100인에 이름을 올렸습니다.

대중 음악에서 가수들은 밴드와 다른 음악 그룹의 보컬을 맡는데, 이것의 크기는 듀오나 파워 트리오에서 큰 재즈 빅 밴드에 이르기까지 다양할 수 있습니다. 가수는 일반적으로 라이브 공연과 스튜디오 녹음을 모두 수행합니다. 라이브 공연을 하는 가수들은 커피숍이나 나이트클럽과 같은 작은 장소에서 노래를 부를 수도 있고, 예술의 중심에서 경기장에 이르는 더 큰 장소에서 공연을 할 수도 있습니다. 일부 가수들은 노래를 홍보하는 데 사용되는 뮤직비디오에도 출연합니다. 어떤 스타일의 음악에서는 가수들이 노래하는 동안 리듬 기타, 전기 베이스 또는 타악기와 같은 리듬 섹션 악기를 연주할 수 있습니다. 어떤 스타일의 팝에서는 가수들이 쇼 중에 안무된 춤 동작을 수행합니다. 라이브 쇼에서 정교한 춤을 선보이는 팝 가수들의 잘 알려진 세 가지 예는 마돈나, 비욘세 그리고 브리트니 스피어스입니다. 마돈나는 대중음악계의 핵심 인물입니다; 비평가들은 그녀의 존재, 성공 그리고 기여가 그녀의 데뷔 후 모든 여성 아티스트들에게 길을 터준 것과, 오늘날의 팝 스타들뿐만 아니라 음악 역사의 여성들을 위한 음악계를 영원히 변화시킨 것에 대해 회고적으로 공을 세웠습니다.[140]

싱어송라이터이자 음악 프로듀서인 비외르크(Björk)는 "음악 산업 안팎에서 여성의 노동력과 전문 지식이 어떻게 눈에 띄지 않는지"에 대해 언급했습니다. 그녀는 "저는 보이지 않아요, 여성들이 하는 일" 그리고 "저는 그만큼 보상을 받지 못합니다"[2]라고 말했습니다. 비외르크는 "그녀의 남성 협력자들은 보통 그녀의 음반 소리에 공을 돌린다. 왜냐하면 그녀는 주로 노래를 부르기 때문에, 그녀는 [음악 프로듀서로서] 프로듀싱을 하지도 않고 악기를 연주하지도 않는다는 광범위한 추측이 있습니다."[2]라고 말합니다. 레이디 가가는 2015년 "올해 빌보드 우먼 인 뮤직 행사에서 올해의 우먼 상을 수상하면서 여성 레코딩 아티스트로서의 어려움"에 대해 언급했습니다. 그녀는 "음악을 하는 여성들에게는 때때로 정말 어려운 일입니다."라고 말했습니다. 우리가 갈 수 없는 가짜 소년 클럽과 같습니다." 그녀는 "너무 오랫동안 노력했어요"라고 말했습니다. 내 몸보다 내 지성을 위한 음악가로서 진지하게 받아들여지는 것" 이지만, 그녀는 업계의 다른 사람들이 여성들이 musical인 배경을 가질 수 있다고 믿지 않는다고 느꼈습니다. 당신이 여성이기 때문에 당신이 무엇을 하고 있는지 이해합니다."[3] University Press of Kentucky의 책에 따르면 고객들은 기타 가게에서 일하는 여성이 특별한 기타 용어를 사용하기 전까지는 기타에 대해 아는 것처럼 대하지 않았습니다.[32]: 19 인디 포크 싱어송라이터 겸 기타리스트 아니디 프랑코(Ani di Franco)는 과거 여성들에게 기타 가게에 들어가는 것조차 '소년 클럽'처럼 느껴졌기 때문에 '용기의 행동'이었다고 말합니다.[32]: 19 여성 예술가들은 남성의 상대를 기쁘게 해야 한다는 부담감을 느낄 뿐만 아니라 남성이 지배적인 분야에서 여성 DJ들이 어울리기도 어렵습니다.[141]

차카 칸(Chaka Khan, 1953년생)은 "펑크의 여왕"이라고 불립니다.

현대 음악에서 펑크의 인기에도 불구하고, 펑크 여성의 작품을 조사한 사람은 거의 없습니다. 문화평론가 셰릴 키스가 자신의 에세이 "She Was Too Black for Rock and Too hard for Soul: (Re) Betty Mabry Davis의 음악적 경력을 발견하면서"에서 설명하듯이, 펑크를 둘러싼 장학금의 대부분은 남성의 문화적 작업에 초점을 맞추고 있습니다. 그녀는 "베티 데이비스(Betty Davis)는 펑크 앤 록의 역사에서 선구자로서 이름이 알려지지 않은 아티스트입니다. 이러한 음악 장르에 대한 대부분의 글은 전통적으로 지미 헨드릭스, 조지 클린턴(의회-펀카델릭), 베이시스트 래리 그레이엄(Larry Graham)과 같은 남성 아티스트를 록 음악 감성의 형성에 트렌드 세터로 배치했습니다."[142] 펑크 여성으로는 차카 칸, 라벨, 펀켄슈타인의 신부, 클라이맥스, 마더 피스트, 베티 데이비스 등이 있습니다.

2000년대 최고 수입을 올린 여성 가수들 중 몇몇은 아델, 앵햄, 비욘세, 레이디 가가, 마돈나, 카일리 미노그, 케이티 페리, 리한나, 브리트니 스피어스, 테일러 스위프트, 아리아나 그란데, 셀린 디온, 머라이어 캐리, 제니퍼 로페즈, 샤키라, 셰린이었습니다. 이 가수들은 거의 다 작곡가들이고, 일부는 음악 프로듀서들이기도 합니다.

셀린 디온은 1990년대에 가장 성공한 가수 중 한 명입니다. 그녀는 전 세계적으로 2억 장 이상의 음반을 판매했습니다.[143]
샤키라는 흔히 "라틴 음악의 여왕"이라고 불리는데, 라틴 여성 아티스트 중 가장 많이 팔리는 가수이기도 합니다.[144]
대한민국의 아이돌 걸그룹 트와이스. 왼쪽에서 오른쪽으로 모모, 정연, 지효, 나연, 채영, 다현, 미나, 쯔위, 사나.

동아시아 대중음악에서 2010년대 동안 일본 아이돌 걸그룹은 2017년에만 17개의 싱글 1위를 차지하며 세계에서 가장 크고 전체로는 두 번째로 큰 피지컬 음악 시장에서 큰 성공을 거두었습니다. 모든 J-pop 아이돌 걸그룹 중에서 가장 많이 팔린 AKB48은 싱글 판매량 기준으로 일본에서 가장 많이 팔린 그룹이며, 총 음반 판매량 기준으로는 3위입니다. 그리고 지금까지 10년 동안 매년 일본에서 가장 많이 팔린 싱글도 가지고 있습니다. 또한, 1999년에 발매된 미국에서 가장 많이 팔린 앨범인 First Love는 일본계 미국인 가수이자 작곡가인 Hikaru Utada의 앨범입니다. 한국의 아이돌 걸그룹 또한 2010년대에 매우 성공적이었는데, 트와이스는 2016년 국내에서 가장 좋은 성적을 거둔 싱글을 보유하고 있을 뿐만 아니라 2015년 10월 데뷔 이래 총 43개의 상을 수상했습니다. 이번 10년 동안 매우 성공한 또 다른 한국 아이돌 걸그룹은 블랙핑크로, 빌보드 핫 100에서 K팝 걸그룹 사상 최고의 자리에 올랐을 뿐만 아니라 빌보드 이머징 아티스트 차트에서 K팝 걸그룹 최초로 1위에 올랐습니다.[145][146] 그들은 또한 2016년 8월에 데뷔한 이후 총 16개의 상을 수상했습니다. K-pop은 많은 아이돌 걸그룹들이 리더보드를 오르며 미국에서 점점 인기를 얻고 있습니다. 그러나, 대부분의 인기는 남성 그룹에게 돌아 가고 있으며, 여성들은 여전히 소년 전용 클럽이라는 개념에 가려져 있습니다.[citation needed] 중국 아이돌 걸그룹 또한 SNH48과 Rocket Girls 101과 같은 C-pop 그룹들이 2018년 데뷔 EP의 160만 장 이상을 판매하며 최근 상당한 성공을 거두었습니다.[147]

블루스

마 레이니([148]Ma Rainey, 1886–1939)는 가장 초기에 알려진 미국의 프로 블루스 가수들 중 한 명이며, 그러한 가수들의 첫 세대 중 한 명입니다.[149]

클래식 여성 블루스는 1920년대에 유행했던 블루스 음악의 초기 형태였습니다. 전통적인 포크 블루스와 도시 연극 음악이 합쳐진 이 스타일은 보드빌 블루스라고도 알려져 있습니다. 여성 성악가들이 연주한 고전적인 블루스 곡들은 피아니스트나 작은 재즈 앙상블들이 동반했고, 블루스가 녹음된 최초의 곡들이었습니다. 클래식 여성 블루스 가수들은 음반 산업의 선구자들이었고, 그들은 최초로 기록된 흑인 가수들과 블루스 아티스트들 중 한 명이었습니다. 그들은 또한 미국 전역에 12마디 블루스를 대중화하는 데 중요한 역할을 했습니다.[citation needed]

"블루스의 어머니"로 알려진 거트루드 "마" 레이니 (1886–1939)는 1902년경 블루스를 자신의 쇼송과 코미디 연기에 포함시키기 시작했을 때 대중적인 오락으로 무대에서 블루스를 처음으로 공연한 것으로 알려져 있습니다.[150]: 38 [151]: 34 뉴욕에서 활동하는 카바레 가수 마미 스미스는 1920년에 "Crazy Blues"를 녹음했는데, 이 음반은 75,000장 이상이 팔렸습니다.[150] 스미스는 "미국의 블루스 영부인"으로 알려지게 되었습니다. 1920년 보드빌 가수 루실 헤가민은 "The Jazz Me Blues"를 녹음했을 때 블루스를 녹음한 두 번째 흑인 여성이 되었습니다.[150]: 16 에델 워터스(Ethel Waters), 앨버타 헌터(Alberta Hunter), 메리 스태포드(Mary Stafford), 케이티 크리펜(Katie Cripen), 에디스 윌슨(Edith Wilson), 에스더 비거우(Esther Bigeou) 등이 1921년이 끝나기 전에 첫 녹음을 했습니다.[152] 이 블루스 음반들은 일반적으로 백인 관객들에게 판매되는 음반들과 구별하기 위해 "인종 음반"으로 분류되었습니다. 그럼에도 불구하고, 몇몇 클래식 여성 블루스 가수들의 음반도 백인 구매자들에 의해 구입되었습니다.[153] 마리온 해리스는 블루스를 녹음한 최초의 백인 여성 가수 중 한 명이 되었습니다.

고전적인 블루스 가수들 중 가장 인기 있는 사람은 1923년에 처음 녹음하여 "블루스의 여제"로 알려지게 된 테네시 태생의 베시 스미스(마미 스미스와는 무관)였습니다. 그녀는 컬럼비아와 계약을 맺고 160곡 이상의 노래를 녹음하며 1920년대 최고 수입을 올린 흑인 아티스트가 되었습니다. 1920년대 말까지 광범위하게 녹음했던 다른 클래식 블루스 가수들은 아이다 콕스, 클라라 스미스, 사라 마틴이었습니다. 이러한 초기 블루스 가수들은 마할리아 잭슨과 제니스 조플린과 같은 후기 가수들에게 영향을 미쳤습니다. 장르에 대한 이러한 블루스 여성의 기여는 "멜로디 라인에 대한 즉흥성 증가, 가사의 강조와 영향을 변경하는 독특한 표현, 그리고 고함, 신음, 신음, 그리고 통곡을 사용하는 보컬 드라마틱"을 포함했습니다. 블루스 여성들은 재즈, 브로드웨이 뮤지컬, 1930년대와 1940년대의 횃불 노래, 가스펠, 리듬 앤 블루스, 그리고 결국 로큰롤에서 파생된 다른 종류의 인기 있는 노래에 영향을 미쳤습니다."[151]: 8

컨트리 음악

컨트리 음악에서 성차별과 성차별이 자주 일어납니다. 2010년대를 기점으로 인기 있는 하위 장르인 브로 컨트리(bro-country)가 발전했는데, 브로 컨트리는 여성을 성적 대상화하고 남성이 사용할 자산으로 모함하여 비판을 받아 왔습니다.[154] 유명한 브로 컨트리 아티스트로는 루크 브라이언(Luke Bryan), 플로리다 조지아 라인(Florida Georgia Line), 블레이크 셸턴(Blake Shelton) 등이 있습니다. 성차별과 성차별은 시간이 지나면서 랩이나 팝과 같은 일부 카테고리에 비해 뒤로 가면서 이 장르에서 더 두드러졌습니다. 미디어 커뮤니케이션 대학과 텍사스 공과 대학의 교수인 에릭 라스무센 박사는 1990년대와 2000년대(10년)에 비해 2010년대의 컨트리 음악은 여성을 더 많이 차별한다고 주장합니다. 그들이 차별하는 방법 중 일부는 "여성의 외모에 대해 더 많이 이야기하고, 꽉 끼거나 노출된 옷을 입은 여성을 보여주고, 여성을 물건에 비교하고, 은어와 실명을 비교하고, 여성을 불신하고 바람을 피우는 사람으로 묘사하는 것"을 포함합니다.[155]

브로 컨트리는 인종차별과 성차별과 관련된 남부 문화의 역사적 측면에 영향을 받을 수 있습니다. 컨트리 음악의 여성들은 계속해서 이러한 문제에 직면하고 있으며 종종 직접적으로 대처할 방법을 찾지 못합니다. 레코딩 아티스트인 Kacey Musgraves는 만약 한 레이블이 여성의 노래를 처음부터 시작하지 못한다면, 그것은 그들의 성격이나 그들이 여성이라는 사실, 또는 라디오 방송국 프로그램 감독이 중요하게 생각하도록 만들지 않았다고 말하면서 컨트리 음악에서 성차별에 대한 그녀의 경험을 묘사합니다.[citation needed] Kacey Musgraves와 같은 여성들은 그들이 무엇을 하거나 변화하든 간에 거의 항상 남성 경쟁자들로부터 어떤 형태로든 철저한 조사를 받을 것입니다.[citation needed]

돌리 파튼은 55년 이상 컨트리 음악에서 성공을 거두었습니다.

컨트리 음악 장르의 수많은 여성 가수들이 그들의 성공을 통해 업계에 영향을 미쳤습니다. 남성 컨트리 아티스트들의 인기와 그들의 음악 전반에 나타나는 차별에도 불구하고, 많은 여성 아티스트들이 그들의 길을 지나갔고, 그들이 여러 업적을 이루도록 이끌었습니다.

55년 넘게 활동해 온 여성 컨트리 가수 돌리 파튼(Dolly Parton)은 자신을 위해 성공적인 커리어를 쌓았습니다. 파튼은 팬들에게 공개할 새로운 프로젝트를 지속적으로 만들었고 롤링 스톤 잡지에 의해 "막을 수 없는" 것으로 묘사되었습니다.[156] 이러한 프로젝트에는 45개 이상의 뮤지컬 앨범, 다양한 영화 기능, 할리우드 테마 파크 및 제작사 설립이 포함됩니다.[157]

아메리칸 아이돌의 상징적인 우승자인 캐리 언더우드는 컨트리 음악 장르에서도 지속적인 영향을 주었습니다. 언더우드의 앨범 크라이 프리티는 251,000장 이상이 팔리면서 빌보드 200 목록에서 1위에 오른 그녀의 네 번째 앨범이었습니다.[158] Blown Away, Play On, 그리고 Carnival Ride가 차트의 정상에 오른 다른 세 개의 앨범들이었습니다. 이러한 성과들로 인해 그녀는 빌보드 200 종합 1위로 4개의 컨트리 앨범을 보유한 최초의 여성 가수가 되었습니다.[158] 언더우드는 여성 컨트리 음악 산업에 강한 영향을 남겼기 때문에 다른 많은 인기 아티스트들을 능가하는, 그녀의 경력 동안 여러 다른 1위를 차지했습니다.

여성 인권 운동가이자 동물 애호가인 미란다 램버트는 음악계에서 지배적인 경력을 가진 것으로 알려진 또 다른 여성입니다. "Over You"와 "Heart Like Mine"이라는 제목의 그녀의 노래는 2010년과 2011년에 빌보드 차트와 컨트리 음악 라디오 방송국을 점령했습니다.[159] 솔로 여성 아티스트로서, 그녀는 솔직함과 현실을 통해 자신의 음악을 씁니다.[160] 그녀의 음악을 통해 전달되는 메시지는 다른 여성들이 어려운 삶의 상황을 겪으면서 외롭지 않게 느끼도록 돕기 위한 것입니다. Lambert는 자신이 음악 산업에서 얻은 명성을 이용하고, 환원의 방법으로 Human Society와 같은 자선 단체들과 함께 일합니다.[161]

재즈

엘라 피츠제럴드는 1947년 9월 뉴욕에서 디지 길레스피, 레이 브라운, 밀트 잭슨, 그리고 팀메 로젠크랜츠와 함께 공연했습니다.

여성들은 재즈에서 악기 연주자, 작곡가, 작곡가, 밴드 리더로서 과소 대표되어 왔지만, 많은 여성 가수들이 있었습니다. Bessie Smith는 블루스와 재즈를 모두 불렀습니다. 레나 혼은 10대 때 코튼 클럽에 처음 등장했습니다. 엘라 피츠제럴드와 빌리 홀리데이는 스윙 시대에 발라드로 유명했습니다. 셜리 혼은 재즈와 블루스를 모두 불렀습니다. 니나 시몬은 재즈, 포크, 리듬 앤 블루스를 불렀습니다. 에타 존스는 리듬 앤 블루스와 재즈를 불렀습니다. 아니타 오데이(Anita O'Day)는 비밥(Bebop)에 기여한 것으로 알려져 있습니다. 베티 카터는 포스트밥 시대에 노래를 불렀습니다. 메리 루 윌리엄스는 스윙과 하드 보프 시대에 가수이자 피아니스트였습니다. 사라 본은 쿨 재즈 시대의 노래로 유명합니다. 다른 가수들로는 로즈마리 클루니, 다이앤 슈어, 플로라 푸림 등이 있습니다. 현대 재즈 가수로는 노라 존스(Norah Jones), 다이애나 크롤(Diana Krall), 멜로디 가돗(Melody Gardot), 가수 겸 베이시스트 에스페란자 스팔딩(Speranza Spalding) 등이 있습니다. 스팔딩은 재즈의 현재 차별에 대한 논의를 촉구하고 지지했습니다. 2017년, 스팔딩은 77시간 연속으로 자신의 변화를 돕기 위해 Exposure라는 제목의 전체 앨범을 만들었습니다. 그것은 순식간에 "거침없는 위용과 원대한 포부를 보여주는 것"이 되었고, 수천 명의 사람들에게 한 여성이 녹음실의 남성이 지배하는 공간에서 자신감 있게 일하는 것을 보여주었습니다.[162]

클래식

세실리아 바르톨리가 2008년 무대에 섰습니다.
캐슬린 전투

클래식 가수들은 일반적으로 라이브 공연과 녹음을 모두 합니다. 라이브 공연은 교회와 같은 작은 장소 또는 오페라 홀이나 예술 센터와 같은 큰 장소에서 할 수 있습니다. 클래식 가수들은 피아노 반주와 함께 연주되는 노래인 예술 노래나 무대에서 의상을 입은 연극 제작에서 교향악단과 함께 노래하는 오페라와 같은 특정 유형의 노래를 전문으로 할 수 있습니다. 클래식 가수들은 일반적으로 그들의 목소리 유형에 따라 분류되는데, 이것은 그들의 음역과 어떤 경우에는 그들의 목소리의 "색"을 나타냅니다. 가수의 목소리의 범위를 나타내는 음성 유형의 예로는 콘트랄토, 메조소프라노, 소프라노(이들은 가장 낮은 범위에서 가장 높은 범위까지)가 있습니다. 성악가의 음역과 성악의 '색'을 모두 나타내는 성악의 예로는 칼라투라 소프라노와 서정 소프라노가 있습니다. 대중음악 가수들이 그들의 보컬을 위해 보통 마이크와 사운드 강화 시스템을 사용하는 반면, 클래식 음악에서는 목소리가 홀에 자연스럽게 투사되어야 하며, 이를 위해 그들은 보컬 트레이닝을 받습니다.

흑인여성

1940년 마리안 앤더슨

마리안 앤더슨([163]Marian Anderson, 1897–1993)은 흑인 음악 평론가 앨런 블라이스(Alan Blyth)가 "그녀의 목소리는 풍부하고 활기찬 내재적 아름다움의 대조였다"[164]고 말한 것과 대조적입니다. 그녀의 가수 경력의 대부분은 1925년에서 1965년 사이에 미국과 유럽 전역의 유명한 오케스트라와 함께 주요 음악 공연장에서 콘서트와 리사이틀을 하며 보냈습니다. 앤더슨은 20세기 중반 미국에서 흑인 예술가들이 인종적 편견을 극복하기 위한 투쟁에서 중요한 인물이 되었습니다. 1939년 미국혁명의 딸들(DAR)은 헌법 홀에서 앤더슨이 통합 청중에게 노래를 부르는 것을 허락하지 않았습니다. 영부인 엘리너 루스벨트와 그녀의 남편 프랭클린 D의 도움으로. 루스벨트, 앤더슨은 1939년 4월 9일 부활절 일요일 워싱턴 D.C.의 링컨 기념관 무대에서 비평가들의 극찬을 받은 야외 콘서트를 열었습니다. 그녀는 75,000명 이상의 군중과 수백만의 라디오 청중 앞에서 노래를 불렀습니다. 앤더슨은 미국에서 흑인 예술가들의 장벽을 계속 허물어 1955년 1월 7일 뉴욕 메트로폴리탄 오페라에서 흑인 최초로 주연을 [citation needed]맡았습니다.[165]

클래식 가수

클래식 가수 목록은 다음과 같습니다.

여성 음악가의 성차별과 차별

힙합이든, 컨트리든, 대중음악이든 모든 장르의 여성 음악가와 연주자들은 차별과 성차별적 대우를 경험합니다.[166] 여성 가수들이 경험하는 세 가지 두드러진 미묘한 차별 형태는 비음악가로 오인되고, 남성에 비해 예술적 통제력이 부족하며, 그들의 섹슈얼리티, 나이, 여성성을 지속적으로 면밀히 조사하는 것입니다.[167] 많은 경우 여성 음악가들은 "기믹", "소녀에게 좋다", "보이지 않는 액세서리"와 같이 열등한 역할로 치부됩니다.[167] 남성들이 대부분의 음악 프로젝트를 주도하고 여성 음악가들의 예술적 자유는 남성 밴드 리더나 매니저에 의해 제약을 받습니다.[167] 음악계에서 여성 성악가와 음악가에 대한 차별의 또 다른 만연한 형태는 성적인 비행입니다.[168] 많은 여성 음악가들은 그들의 이야기가 음악계에서 정상적으로 여겨지는 것에 지나치게 민감한 것으로 치부되기 때문에 그들의 성폭행 경험에 대해 밖으로 나오기를 두려워합니다. 그러나 20세기가 되면서 케샤, 테일러 스위프트, 레이디 가가와 두아 리파와 같은 많은 여성 보컬리스트들이 그들의 이야기를 들고 나와 학대 반대 운동을 형성하는 것을 도왔습니다. 뿐만 아니라 미투 운동 하에서 가요계의 부정행위와 차별에 대한 이야기가 더 많이 재조명되고 있습니다.[169] 두아 리파는 음악계의 성차별에 대해 "여성들은 인정을 받기 위해 고군분투한다"며 종종 "여성 뒤에 있는 남성"에 의해 큰 여성 아티스트들의 성공이 신뢰를 받지 못한다고 말했습니다.[170]

음악계의 또 다른 성차별은 가사에 등장합니다.[166] 사라 네프(Sarah Neff)가 언급한 모든 장르의 가사에서 여성 차별을 촉진하는 5가지 주요 주제는 "전통적인 성 역할을 하는 여성에 대한 묘사, 여성을 남성보다 열등하게 묘사, 여성을 대상으로 묘사, 여성을 고정관념으로 묘사, 여성에 대한 폭력에 대한 묘사"입니다.[166] 일련의 성차별적인 표시들을 활용하여, 연구들은 "전통적인 성 역할로 여성을 묘사하고, 비현실적인 방식으로 여성과의 관계를 묘사하고, 신체적인 외모에 기초하여 여성의 가치를 엄격하게 귀속시키는" 것을 포함한 수많은 가사가 성차별적인 주제를 수반한다는 것을 발견했습니다.[171] 음악의 성차별은 랩과 힙합과 같은 장르에 대해 잘 문서화되어 있지만, 새로운 연구를 통해 이것은 컨트리 음악, 락 그리고 다른 장르에도 적용됩니다.[171]

월드뮤직

비 키두드(Bi Kidude, 1910년대 ~ 2013년)는 탄자니아 출신의 가수입니다. 그녀는 "타랍과 우냐고 음악의 여왕"이라고 불려왔습니다.[172]
앙함, 이집트 팝스타.[173]

여성은 아프리카, 카리브해, 남아메리카, 아시아 및 기타 지역의 민족 음악과 전통 음악, 토착 음악, 신 전통 음악 및 하나 이상의 문화적 전통(예:)이 어우러지는 음악을 포함하여 전 세계의 다양한 스타일의 음악을 포괄하는 음악 범주인 월드 뮤직에서 중요한 역할을 합니다., 서양 팝과 에스닉 음악의 혼합). 이 용어는 1980년대에 비서구 전통 음악의 마케팅 카테고리로 대중화되었습니다.[174][175]

브라질의 여배우, 가수, 댄서인 카르멘 미란다는 1930년대 할리우드 영화에서 이국적인 보충제로 알려지게 되었는데, 이는 이전에 무용수였던 조세핀 베이커와 비슷하며, 그녀의 이름을 따 엑소티카인 Yma Sumac의 목소리를 닮았습니다. 1960년대에 엘리사 레지나는 가장 유명한 여성 보사노바 가수로 [citation needed]전세계 대중 음악에 영향을 미쳤습니다. 1960년대와 1970년대에 아르헨티나의 포크 가수 메르세데스 소사, 남아프리카 공화국의 미리암 마케바, 그리스의 마리아 파란토리도 그들의 모국의 억압적인 정치 상황에 맞서 싸운 것으로 인정받았습니다. "Gracias a lavida"를 부르는 소사, Makeba의 "Pata Pata", Farantouri가 작곡가 Mikis Theodorakis와 협연한 것은 인권 투쟁의 음악적 아이콘이었습니다. "살사의 여왕" 실리아 크루즈는 1966년 쿠바에서 미국으로 이민을 갔습니다.

1980년대 이른바 월드 뮤직에 대한 관심이 높아짐에 따라 오랜 기간 인정받은 아티스트들의 오래된 녹음이 전 세계 관객들을 위해 재발견되고 전 세계적으로 배포되었습니다. 때로는 아랍 가수 움 쿨툼, 아스마한, 그리고 파루즈와 같은 전설적인 지위를 가진 스타들도 있습니다. 알제리 출신의 ï 가수인 Cheikha Rimitti, 발리우드 영화 사운드트랙의 가장 많은 재생 가수인 Asha Bhosle, Romani Esma Red žepova, 멕시코의 란체라 가수 Chavela Vargas, 그리고 남아프리카 공화국 출신의 Mahotella Queens; 혹은 케이프 베르데 출신의 Cesaria Evora와 같은 백인 남성에 의해 최초로 녹음되었습니다. 짐바브웨 출신의 스텔라 치웨쉬와 아프로 페루 출신의 수잔나 바카.

다음과 같은 많은 여성 세계 음악 연주자들이 있습니다. Ann Savoy, Bi Kidude, Brenda Fassie, Chabuca Granda, Chava Alberstein, Cleoma Breaux Falcon, Dolly Collins, Elizabeth Cotten, Frehel, Gal Costa, Genoa Keawe, Googoosh, Hazel Dickens, Jean Ritchie, Lata Mangeshkar, Leah Song, Lola Beltrán, Lucha Reyes, Lucilla Galeazzi (The Mammas), Lydia Mendoza, Maria Tanase, Mariam Doumbia, Nada Mamula, 오프라 하자, 오우무 상가레, 리타 말리, 로사 파소스, 로자 에스케나지, 사피예 아일라, 살라마트 사디코바, 셀다 바칸, 셜리 콜린스, 발야 발칸카, 비올레타 파라, 와르다, 마르타 고메즈, 삽 마마.

동양음악

아랍 음악

1920년대 바그다드 음악극단의 여성 연주자들을 포함한 음악가 그룹
Umm Kulthum 2
아랍 음악 역사상[176] 최고의 연주자 중 한 명인 Um Kulthum

아랍 음악은 아라비아 반도에 있는 아랍 사람들의 음악과 아랍 세계를 구성하는 모든 다양한 사람들의 음악이 합쳐진 것입니다. 중세 이집트에서는 이 시기의 남성 전문 음악가를 '악기 위의 연주자'라는 뜻의 라테아이(lateeyeh), 또는 라테(latete)라고 불렀습니다. 그러나 이 이름은 악기 연주자뿐만 아니라 성악가에게도 적용됩니다. 남성 전문 음악가들은 평판이 나쁘고 천하게 여겨졌고, 그들은 파티에서 연주하며 생계를 유지했습니다. 이집트의 여성 전문 음악가들은 '배운 여성'이라는 뜻의 아왈림(pl) 또는 알메(al'meh)로 불렸습니다. 이 가수들은 종종 부유한 사람의 혼례를 축하하기 위해 고용되었습니다. 그들은 하렘과 함께 있는 것이 아니라, 하렘이나 집 주인의 눈에 띄지 않도록 가림막으로 가려져 있는 높은 방에 있었습니다. 여성 아왈림은 남성 출연자들보다 더 높은 보수를 받았고 더 높은 평가를 받았습니다.

9세기에 남성 악기 연주자들을 사용하는 것은 논문에서[which?] 그들이 체스를 두거나 사랑의 시를 쓰는 것과 같은 인식된 악습과 관련이 있기 때문에 혹독하게 비판을 받았습니다. 이집트 침공 이후 나폴레옹은 오스만 문화에 대한 보고를 의뢰했습니다. 이 보고서는 남성 청중들에게 연주하는 남성 기악 연주자들과 여성 청중들을 위해 노래하고 연주하는 "학습된 여성" 가수/음악가들의 길드가 있었다고 밝혔습니다.

중국음악

송나라의 반절(960년~1279년), 구홍중이 지은 한자이의 야행(夜行), 그림 가운데 여악은 횡죽과 관을 연주하고 있고, 남악은 패반( paiban)이라는 목패를 연주하고 있습니다.
일곱 개의 별 중 다섯 개. 왼쪽에서 오른쪽으로 바이훙, 야오리, 저우쉬안, 리샹란, 바이광. 마지막 한 명의 제정인은 일곱 개의 별 중 하나가 아닙니다. (사진 속에는 우잉인과 공취샤가 없습니다)
SNH48 멤버들이 공연을 하고 있습니다. 왼쪽에서 오른쪽으로: 허샤오위, 쩡옌펀, 이자아이(易嘉爱), 리이퉁.

중국 음악에서 음악은 고대 여성들, 특히 학습자 여성들에게 주요한 활동이었습니다. 여성 연기자들은 고대부터 구친과 연관되어 있었습니다. 구친은 지더족의 7현 악기입니다. 전통적으로 학자들과 문학가들이 매우 정교하고 섬세한 도구로 선호해 왔습니다. 여성 구친 연주자는 후자 시바파이 《胡笳十八拍》와 연관된 차이원지였습니다.

여성 음악가들은 중국 민속 음악에서도 핵심적인 역할을 합니다. 푸젠 남부와 대만에서 난인 또는 난안 음악은 중국 전통 민요의 한 장르입니다. 다른 전통 악기들뿐만 아니라, 샤오 플루트와 피파를 동반한 여성이 불렀습니다. 그 음악은 민난에서 노래를 불러 수집합니다. 이 음악은 일반적으로 애절하며, 일반적으로 사랑에 시달리는 여성에 대한 주제를 다루고 있습니다.

1930~1940년대 중국 팝(C-pop) 음악 산업은 1940년대 중국에서 가장 유명한 가수였던 7대 가왕들에 의해 지배되었습니다. 1930년대에 저우쉬안, 공취샤, 야오리, 바이훙이 출현했고, 그 후 바이광, 리샹란, 우잉인이 1940년대에 인기를 얻었습니다. 1949년 이후, C-pop의 초기 세대들은 대중 음악이 성적으로 외설적이라고 보고 중국 공산당에 의해 Yellow Music이라고 비난을 받았습니다. 문화대혁명이 끝나고 1980년대 초반이 되어서야 비로소 옐로 뮤직이 다시 공연될 수 있었습니다.

지난 50년 동안 중국의 광범위한 정치적, 문화적 변화 이후, 중국 대중 음악은 한국(K-pop)과 일본(J-pop)의 대중 음악 스타일을 점점 더 모방하고 영감을 얻고 있습니다. 이처럼, 2010년대 동안, SNH48 (2012년에 만들어진)과 그 자매 그룹과 같은 일본 모델과 2018년에 한국 리얼리티 텔레비전 탤런트 대회 쇼의 중국판에서 만들어진 로켓 걸스와 같은 한국 모델을 기반으로 한 여러 걸그룹이 설립되었습니다. 이 그룹들은 Rocket Girls의 데뷔 EP가 160만 장 이상 팔리면서 상당한 성공을 거두었습니다.[147] 그럼에도 불구하고, 솔로 중국 여성 아티스트들은 전통적으로 그랬듯이, 중국에서 전반적으로 훨씬 더 인기가 있습니다.[178] 최근 가장 인기 있는 솔로 중국 여성 가수로는 페이 웡, G.E.M. 글로리아 탕, 라라 쉬, 胡66[zh], 아다 좡, 켈리 유, 천리 (陳粒), 펑 티모, 비비 저우, 솽셩 (zh), 티아 레이, 바네사 진 (金玟岐) 그리고 제인 장이 있습니다.

인도 음악

인도 카르나틱 클래식 가수 M.S. Subbulakshmi (1916-2004)

인도의 클래식 음악은 인도 아대륙의 예술 음악입니다. 인도 클래식 음악의 기원은 힌두 찬송가에서 찾을 수 있습니다. 이 구호 양식은 자티로 발전했고 결국 라가스로 발전했습니다. 인도의 클래식 음악은 또한 인도의 민속 음악에 의해 상당한 영향을 받았거나 혹은 혼합되었습니다. 역사적인 인도 클래식 음악 전통의 주요 작곡가들은 남성들이었습니다. 현대 여성 보컬리스트로는 D. K. Patamal, M. S. Subbalakshmi, Gangubai Hangal, Hirabai Barodekar, Kesarbai Kerkar, Kishori Amonkar, Malini Rajurkar, Mogubai Kurdikar, Prabha Atre, Rosan Ara Begum, Shruti Sadolikar Katkar 등이 있습니다. 한 여성 기악 연주자는 안나푸르나 데비입니다.

인도 민속 음악에서 라바니는 전통적으로 여성들에 의해 공연되는 마하라슈트라에서 인기 있는 음악 장르입니다. Bhangra (Punjabi: ਭੰਗੜਾ)는 펀자브 지방의 민속 음악의 한 형태입니다. 현재의 음악 양식은 같은 이름으로 불리는 펀자브의 리프에 대한 비전통적인 음악 반주에서 유래되었습니다. 펀자브 지역의 여성 춤은 기드하(Giddha, ਗਿੱਧਾ)로 알려져 있습니다.

발리우드(인도 영화 산업의 중심) 음악과 인도의 다른 지역 영화 산업에서 여성 재생 가수는 중요한 역할을 해왔으며, 힌두 영화에서 주로 활동한 라타 망게슈카르와 아샤 보슬레 자매는 종종 인도에서 가장 잘 알려지고 가장 많이 활동하는 재생 가수 중 두 명으로 언급됩니다. 2011년, 보슬레는 공식적으로 기네스북으로부터 음악 역사상 가장 많이 녹음된 아티스트로 인정받았습니다.[1]

이란 음악

파르 ī사(, 1950년 ~ )는 페르시아의 성악가이자 음악가로, پریسا فاطمه واعظی(Par Persian)라는 예명으로 잘 알려져 있습니다.

이란 혁명 이후, 이란 여성 솔로 가수들은 여성 관객들을 위해 공연하는 것이 허용되었습니다. 여성 보컬리스트는 남성 청중을 위해 합창의 일부로만 공연할 수 있습니다. 전통적으로, 여성 가수들이 대중 앞에 모습을 드러내기는 어려웠습니다. 여성들은 타지에라고 불리는 종교적인 의식을 위해서만 공연을 할 수 있었고, 남성들은 일반적으로 여성들의 말을 듣는 것이 금지되었습니다. 혁명 이전에 이란 여성들은 사적인 장소에서, 일하는 동안, 다른 여성들을 위해, 또는 여성들이 축하하는 동안에만 노래를 부를 수 있었습니다. Qamarol-Molouk Vaziri (1905–1959)는 페르시아 음악의 첫 번째 여성 거장 중 한 명입니다. 여성 음악가로는 Delkash(1923-2004)가 있습니다. 시밍 가넴(1944년생), 바르바드 앙상블의 창시자 마람 아콘디(1957년생), 페르시아 클래식 기타리스트 릴리 아프샤르, 페르시아 아카데미상 수상자 가수 샤킬라, 지휘자 수다베 살렘, 아프사네 라사이, 나바 앙상블과 리안 앙상블의 창시자 피라예 푸라파르, 그리고 마흐사 바흐닷.

클래식 가수 파테메 바에지(일반적으로 그녀의 예명 파리지)는 여성 오케스트라와 동행하는 콘서트를 열었습니다. 1986년 이후 Maryam Akhondy는 망명 중인 다른 이란 음악가들과 함께 일하기 시작했습니다. 2000년에 Maryam Akhondy는 여성들의 활동과 축하 행사의 일부였던 오래된 민요를 부른 여성 아카펠라 그룹 Banu를 만들었습니다. 가수 시마 비나는 많은 여학생들을 가르쳤습니다. Ghashang Kamkar는 남녀 학생 모두를 가르칩니다. 가샹과 바에지 모두 이란의 가부장적 권력 구조가 여성 음악가들을 대하는 것에 대해 비판해 왔습니다.[180] 이란의 포크 음악 공연자들은 사마 비나, 다리아 다드바르, 모니카 잘릴리, 지바 시라지, 조흐레 주야, 그리고 슈샤 구피를 포함합니다. 이란의 팝 공연자로는 구구오쉬, 하예데, 마하스티, 레일라 포루하르, 푸란, 랄레 푸어카림 등이 있습니다. 세계 음악 연주자로는 아잠 알리와 시민 사마와티가 있습니다.

일본음악

일본의 아이돌 걸그룹 AKB48은 싱글 판매량 기준으로 일본에서 가장 많이 팔린 그룹입니다.

일본은 2014년 20억 달러로 세계에서 가장 큰 규모의 실물 음악 시장을 보유하고 있으며, 전체 음악 시장에서 두 번째로 큰 규모이며, 2014년 총 소매 가치는 26억 달러입니다.[181] 피지컬 싱글 시장은 일본 아이돌 여성 아티스트들이 장악하고 있는데, 2015년 국내 베스트셀러 싱글 톱10 중 9개가 아이돌 걸그룹 AKB48이나 그 '언니', '라이벌' 그룹에 속합니다.[182] AKB48은 지난 6년[as of?] 동안 일본에서 올해 가장 많이 팔린 싱글 앨범을 보유하고 있으며, 이 그룹은 또한 일본에서 가장 많이 팔린 싱글 앨범이기도 합니다.[183] 일본의 미국 가수이자 작곡가인 우타다 히카루는 미국에서 가장 많이 팔린 앨범인 퍼스트 러브를 가지고 있습니다.[citation needed]

유대 음악

심판의 서와 같은 성경책에는 여성(미리암, 데보라, 한나 포함)이 노래하는 탄식과 악기 연주를 포함한 음악 전통에 참여했다는 문헌적 증거가 있습니다. 그러나 여성은 전례에 대한 언급에서 언급되지 않습니다. 여성들은 결국 전례 예배가 금지되었습니다. 그들은 가정에서 가정 영역의 음악 의식, 매장 및 결혼식에서 계속 역할을 할 것이지만 이러한 관습은 전례 음악(그리고 그 창작자 및 공연자)과 같이 문서화되지 않았습니다.[184]

음악학자 및 교육자

음악학자와 음악사학자

로제타 레이츠(Rosetta Reitz, 1924 ~ 2008)는 미국의 재즈 역사가이자 페미니스트로 재즈와 블루스 초기 여성들의 음악을 담은 18개의 음반을 제작했습니다.

주요 음악학자들과 음악사학자들의 대다수는 남성이었습니다. 그럼에도 불구하고, 몇몇 여성 음악학자들은 직업의 최고 순위에 올랐습니다. 캐롤린 아바테(Carolyn Abbate, 1956년생)는 프린스턴 대학에서 박사학위를 받은 미국의 음악학자입니다. 그녀는 하버드 가제트지에 의해 "세계에서 가장 성공적이고 존경 받는 음악 역사가 중 한 명"으로 묘사되었습니다.[186]

수잔 맥클러리(Susan McClary, 1946년생)는 새로운 음악학과 관련된 음악학자로, 페미니스트 음악 비평을 자신의 작품에 포함시켰습니다. 맥클러리는 하버드 대학교에서 박사 학위를 받았습니다. 그녀의 가장 잘 알려진 작품 중 하나는 성과 섹슈얼리티의 음악적 구성, 전통 음악 이론의 성별 측면, 음악 서사의 성별, 성별 담론으로서의 음악, 여성 음악가들에게 영향을 미치는 문제를 다루는 페미닌 엔딩(1991)입니다. 책에서 맥클러리는 (교향곡과 현악 사중주에서 사용되는) 소나타 형식이 성별과 성적 정체성을 구성하는 성차별적이거나 여성 혐오적인 절차일 수 있다고 제안합니다. 맥클러리의 통념(2000)은 문화와 의미, 사회와 신체로부터 분리된 "순수한 음악적" 요소들의 존재에 대한 전통적인 음악학적 가정이, 는 객관적인 음악학자들이 가장 소중하게 여기는 고전적인 캐논을 만들어내는 세계관의 사회적, 정치적 명령을 베일에 가리기 위해 사용되는 자만심입니다.

다른 여성 학자들은 다음과 같습니다.

민족 음악학자

프랜시스 덴스모어(Frances Densmore, 1867년 ~ 1957년)는 미국의 인류학자이자 민족지학자로, 미국 원주민의 음악과 문화에 대한 연구로 유명합니다.

민족 음악학자들은 전 세계의 많은 음악들을 연구하는데, 그들의 문화적, 사회적, 물질적, 인지적, 생물학적, 그리고 다른 차원들이나 맥락들을 그것의 고립된 사운드 구성요소나 특정 레퍼토리 대신에 또는 그것에 더하여 연구합니다. 자프 쿤스트가 그리스 단어인 ἔθνος (민족, 민족)와 μ ουσική (음악, 음악)에서 만든 용어인 민족 음악학은 종종 음악의 인류학 또는 민족지학으로 묘사됩니다. 초기에 민족 음악학은 거의 독점적으로 비서구 음악을 지향했지만, 이제는 인류학적, 사회학적, 문화간 관점에서 서양 음악을 연구하는 것을 포함합니다.

여성들은 또한 민족 음악학, 특히 성별 연구와 민족 음악학의 교차점에서 상당한 기여를 했습니다.[187] Eastman School of Music의 Emerita 교수인 Ellen Koskoff는 민족 음악학의 성별에 대한 광범위한 연구를 수행했습니다.[188] 코스코프는 또한 민족 음악학 협회의 회장을 역임했으며 "세상에 음악이란 무엇인가?"[188]라는 라디오 쇼를 진행했습니다.

"여성, 음악, 문화에 대한 소개"(1987)에서, 코스코프는 여성들이 연주하는 음악은 "가치가 있다"고 주장하고, 어떤 경우에는 "음악적 형식"을 가지고 있음에도 불구하고 "비음악적"으로 간주되기도 합니다.[187]: 15 Koskoff는 남성이 공적 영역을 차지하고 여성이 사적이고 국내적인 영역을 차지한다는 차이점이 "꼭 두 개의 분리되고 자체적으로 포함된 음악 문화가 아니라, 두 개의 차별화되면서도 상호 보완적인 문화를 창조했다"고 설명합니다.[187]: 1 그녀는 "대부분의 사회에서 여성의 정체성은 자신의 섹슈얼리티에 내재되어 있다고 믿어지기 때문에" "여성과 음악 사이의 가장 흔한 연관성 중 하나"라고 생각합니다. 여성의 주요한 성적 정체성과 역할을 음악 공연과 연결시킵니다."[187]: 6 이러한 연관성을 바탕으로 Koskoff는 "(1) 확립된 사회적/성적 배열을 확인하고 유지하는 공연; (2) 확립된 규범을 유지하여 다른 사람을 보호하는 것처럼 보이는 공연의 네 가지 범주의 음악 공연이 성간 관계와 관련하여 등장합니다. 보다 관련성이 높은 가치; (3) 질서에 항의하면서도 유지하는 성과(종종 상징적 행동을 통해); (4) 확립된 질서에 도전하고 위협하는 성과."[187]: 10

캘리포니아 대학교 리버사이드의 교수인 데보라 [189]웡은 동남아시아와 아시아계 미국인 음악 만들기에 집중하는 것으로 유명하며,[189] 타이코 혹은 일본계 미국인 드럼을 공부하기도 했습니다.[190]

다른 여성 민족 음악학자들은 다음과 같습니다.

음악교육자

1943년 초등학교 음악 합주단을 이끄는 음악 선생님.
주 기사: 음악교육을 받는 여성들

1880년대 음악 비평가들이 "여성들은 생물학적 성향"으로 인해 좋은 음악을 작곡할 수 있는 타고난 창의력이 부족하다"고 주장한 반면,[8] 후에 여성들이 음악 교육에서 역할을 할 것이라는 것이 받아들여졌습니다. 그리고 그들은 "19세기 후반과 20세기에 여성들이 음악 교육을 지배할 정도로" 이 분야에 참여하게 되었습니다.[8] "미국의 음악 교육 역사에 대한 전통적인 설명은 종종 여성의 기여를 무시해 왔습니다. 왜냐하면 이 텍스트들은 밴드와 위계적인 음악 조직의 최고 지도자들을 강조해 왔기 때문입니다."[191] 이러한 밴드 리더들과 최고 지도자들을 넘어서 볼 때, 여성들은 "가정, 지역사회, 교회, 공립학교, 교사 양성 기관"과 "작가로서, 후원자로서, 그리고 조직에서의 봉사활동을 통해" 많은 음악 교육 역할을 했습니다.[191]

19세기 음악 교육에서 여성의 역할에 부과된 한계에도 불구하고, 여성은 유치원 교사로 받아들여졌습니다. 이것이 "사적 영역"이라고 여겨졌기 때문입니다. 여성들은 또한 여자 학교, 일요일 학교에서 개인적으로 음악을 가르쳤고, 학교 음악 프로그램에서 음악가들을 훈련시켰습니다. 20세기로 접어들면서, 여성들은 초등학교에서 음악 감독관으로, 일반 학교에서 교사로, 그리고 대학에서 음악 교수로 고용되기 시작했습니다. 여성들도 음악 교육에 있어서 전문적인 조직에서 더 적극적으로 활동하게 되었고, 여성들은 학회에서 논문을 발표했습니다.

한 여성, Frances Clarke (1860–1958)는 1907년에 음악 감독관 전국 회의를 설립했습니다. 20세기 초에 소수의 여성들이 음악 감독자 전국 회의(그리고 다음 세기에 걸쳐 조직의 이름으로 변경된 버전)의 회장을 역임한 반면, 1952년과 1992년 사이에는 두 명의 여성 회장만이 존재했으며, 이는 "차별을 반영하는 것일 수 있다"고 말했습니다. 그러나 1990년 이후 조직 내 여성의 리더 역할이 개방되었습니다. 1990년부터 2010년까지 이 단체의 여성 회장은 5명이었습니다.[192]: 171 여성 음악 교육자들은 일반 음악, 합창단, 개인 레슨, 키보드 지도 등을 가르치는 데 있어 "남성들보다 2대 1이 더 많습니다."[192]: 177 더 많은 남성들이 밴드 교육, 행정 그리고 재즈 직업을 위해 고용되는 경향이 있고 더 많은 남성들이 대학과 대학에서 일을 합니다.: 177 Sandra Wieland Howe 박사에 따르면, 지도자 자리에 있는 여성들과 연관된 "스티그마"가 있고 "관리자로서 남성들이 여성들보다 더 많기 때문에, 음악 교육 직업에 있어서 여성들을 위한 "유리 천장"은 여전히 존재합니다.[193]

개인들

  • 줄리아 크레인 (Julia Crane, 1855–1923)은 뉴욕 포츠담에 특별히 공립학교 음악 선생님들의 훈련을 위한 최초의 학교인 크레인 음악 학교를 설립한 미국 음악 교육자였습니다.[194] 그녀는 미국 음악 교육 역사상 가장 중요한 인물 중 한 명입니다.[195] 크레인은 마누엘 가르시아의 제자였습니다.[196] 크레인은 1986년 음악 교육자 명예의 전당에 헌액되었습니다.[197] 2015년 현재, 크레인 음악 학교는 포츠담에 있는 뉴욕 주립 대학교(SUNY)를 구성하는 세 개의 학교 중 하나입니다. 630명의 학부생과 30명의 대학원생이 있으며 70명의 교사와 전문 직원으로 구성된 교수진이 있습니다.
  • 음악가, 음악학자, 피아니스트, 오르간 연주자였던 코넬리아 슈뢰더-아우어바흐(1900-1997)는 브레슬라우, 뮌헨, 예나, 프라이부르크에서 음악학을 [198]공부했고 1928년 음악학 박사학위를 취득했으며, 그녀의 지도교수는 빌발 구를리트(Wilibald Gurlitt)였습니다.[199] 텍사스 주립 대학의 니코 슐러 교수에 의하면, 그녀는 음악학에서 박사 학위를 받고 졸업한 최초의 여성이었다고 합니다.[200]: 207 1930년에 그녀는 피터 할란과 그의 남편인 작곡가 해닝 슈뢰더와 함께 클라비코드 음악과 작곡에 대한 그녀의 연구를 바탕으로 역사적으로 정통한 공연을 위해 할란 트리오를 설립했습니다.[200]: 209 나치가 독일 정부를 장악하고 반유대주의적 차별을 가하면서 1934년 그녀의 4명의 조부모가 유대인이었기 때문에 관찰되지 않는 개신교도인 슈뢰더-아우어바흐는 공개 공연을 금지당했습니다.[200]: 212 1944년 초부터 소위 아리아인이라는 베일에 싸인 정체성 아래 1945년 이후 교회 오르간 연주자, 합창 마스터, 음악 교사로서 다르군에서 공공 음악 공연을 다시 시작했습니다.[200]: 212 그리고 GDR 문화 협회의 메클렌부르크 주 협회의 음악 챕터에서도 네트워크를 형성했습니다. 1952년 그녀는 동베를린에 있는 동독 예술 아카데미에 가입하여 음악 기록 보관소를 다시 세웠으며 1945년 프로이센 예술 아카데미의 전신인 프러시아 예술 아카데미의 파괴로 인해 손실을 입었습니다. 그녀가 베를린의 미국 부문에 살았기 때문에, 동베를린 아카데미는 1959년에 그녀를 해고했습니다. 그녀는 또한 작가, 사전 편찬가, 베를린 뵈르센-쿠리에 음악 평론가, 라디오 방송국, 도이체 그라모폰에서 활동했습니다.
  • 캐롤린 린드먼(Carolyn Lindeman, 1940년생)은 오벌린 대학 음악원, 모차르테움 아카데미, 샌프란시스코 주립 대학, 스탠포드 대학을 졸업하고 음악 예술 박사 학위를 받았습니다. 그녀는 1973년부터 2005년까지 샌프란시스코 주립 대학의 교수였습니다. 그녀는 1996년부터 1998년까지 전국 음악 교육자 회의의 회장이었습니다. 그녀는 교육 전략 시리즈를 편집했습니다. 그녀는 학계에서의 차별을 인정했습니다.[192]: 172
  • 준 힝클리(June Hinckley, 1943~2007)는 플로리다 주립대학에서 박사학위를 받고 졸업했습니다. 그녀는 플로리다 브레바드 카운티의 음악과 미술 감독관이었습니다. 그녀는 음악 교육에 관한 글을 썼습니다. 그녀는 1998년부터 2000년까지 전국 음악 교육자 회의의 회장이었습니다.[192]: 172
  • 린 브링크마이어는 캔자스 대학에서 박사 학위를 받았습니다. 그녀는 텍사스 주립 대학의 합창 음악 교육의 부교수이자 감독이었습니다. 그녀는 2006년부터 2008년까지 전국 음악 교육자 회의의 회장이었습니다.[192]: 172
  • 바바라 기어는 노스 캐롤라이나 대학을 졸업했습니다. 그녀는 노스 캐롤라이나의 한 학교의 음악 컨설턴트였으며 2008년부터 2010년까지 음악 교육자 전국 회의의 회장을 역임했습니다.[192]: 172
  • 그레이스 해리엇 스포포드(Grace Harriet Spofford, 1887–1974)는 미국의 음악 교육자이자 행정가였습니다. 그녀는 1909년 스미스 칼리지를 졸업했고,[201] 이후 피바디 음악원에서 피아노(1913)와 오르간(1916) 학위를 받았습니다.[202] 그녀의 첫 교육적 위치는 스미스에서 하이델베르크 대학(현재의 하이델베르크 대학)에서 피아노를 가르친 직후였습니다.[203] 피바디를 졸업한 후, 스포포드는 피아노 선생님이 되었고 후에 그곳의 관리자가 되었습니다. 1924년부터 1931년까지 그녀는 필라델피아에 있는 커티스 음악 연구소의 초대 학장이었습니다. 1935년부터 1954년까지 그녀는 헨리 스트리트 정착의 음악 학교의 이사였습니다. 그녀는 주로 아론 코플랜드와 에드윈 덴비의 연극인 The Second Hurricane을 의뢰했습니다.[204] 은퇴 후, 스포포드는 국제적인 음악 관계에 참여했습니다. 1954년부터 1963년까지 세 차례 국제여성평의회 음악위원장을 지냈으며, 그 동안 국제여성평의회는 메이블 휠러 다니엘스, 미리암 기디언, 메리 하우, 줄리아 페리, 루이즈 탈마 등 다섯 명의 여성 작곡가들의 관현악 작품 녹음을 후원했습니다. 1964년과 1966년, 스포포드는 국제 음악 위원회의 대표였습니다. 그녀는 "인권 분야에서 음악에 대한 탁월한 봉사"로 전미 음악 클럽 연맹으로부터 1968년 상을 받았습니다.[203]
  • 줄리어드 학교의 기타 학과의 설립자이자 그래미상을 수상한 여러 명의 클래식 기타리스트인 샤론 이스빈. 1989년 줄리아드 학교에서 클래식 기타를 위한 음악 석사 학위, 졸업장 및 예술가 졸업장을 받았으며, 2007년 음악 학사 학위 및 학부 졸업장을 프로그램에 추가했습니다. 그리고 2018년 뮤지컬 예술 박사.[205] 이스빈은 200개가 넘는 오케스트라와 함께 솔리스트로 출연했으며, 다른 어떤 기타리스트보다 더 많은 협주곡을 의뢰했습니다. 그녀는 클래식 기타 답서의 저자이자 아스펜 뮤직 페스티벌의 기타 부서의 책임자입니다.[205]

전도

봄의례를 주관하는 조앤 팔레타
2008년 군악 합주단을 이끌고 있는 샤론 툴루즈 미 육군 대위

대부분의 전문 오케스트라 지휘자는 남성입니다. 가디언지는 지휘를 "음악계의 마지막 유리 천장 중 하나"라고 불렀습니다.[11] 2013년 기사에 따르면 프랑스에서는 574개의 콘서트 중 17개만 여성이 지휘하고 파리 국립 오페라에서 여성이 지휘하지 않았다고 합니다.[206] 바흐트랙은 그 해에 세계 최고의 지휘자 150명의 목록에서 단 5명만이 여성이었다고 보고했습니다.[207] 소수의 여성 지휘자들이 최고의 국제 지휘자가 되었습니다. 2005년 1월, 호주 출신의 지휘자 시몬 영은 빈 필하모닉을 지휘한 최초의 여성이 되었습니다. 2008년 레너드 번스타인의 제자인 마린 알솝은 볼티모어 심포니에서 최고의 자리를 차지하면서 미국 주요 오케스트라의 음악 감독과 수석 지휘자가 된 최초의 여성이 되었습니다.[208] 그녀가 처음 음악 감독으로 임명되었을 때 볼티모어 심포니의 많은 사람들의 항의가 있었지만, 그 이후로 "찬성이 들어왔다".[208] 2014년, 알솝은 영국에서 118년 역사상 가장 중요한 클래식 음악 행사 중 하나인 프롬스의 마지막 밤 콘서트를 이끄는 최초의 여성 지휘자였습니다.[208]

전문 오케스트라에 여성이 부족한 반면, 보다 최근의 연구들은 지휘 직업 자체가 성별과 인종적 다양성이 부족하다는 것을 보여줍니다. 백인 남성에 비해 현장에서 백인 여성의 수가 적은 것은 분명한 차이가 있지만, 다른 인종 및 민족 정체성의 수는 훨씬 더 적습니다. 오케스트라 노동력, 특히 아프리카계 미국인과 히스패닉/라틴계 음악가의 비율은 여전히 매우 낮습니다.[209] 오케스트라 분야는 계속해서 백인이 주류를 이루고 있습니다. 지휘자, 임원, 직원 등의 자리는 백인, 특히 백인 남성이 장악하고 있습니다. 고위 간부직에서는 여성이나 유색인종을 보는 일이 거의 없습니다. 그러나 1990년대 초반에는 성별 격차가 줄어들었고, 그 이후 20년 동안 여성 음악가가 전체 음악가 풀의 46%에서 49% 사이를 차지했습니다.[209] 1980년부터 2014년까지 아시아/태평양 섬 출신의 음악가들의 증가에 힘입어 다양한 음악가들의 무대에서의 비율이 4배 증가했습니다.[209] 수년에 걸쳐, 그 분야의 성별과 인종적인 차이에 더 많은 관심이 집중되었습니다. 이러한 인식은 조정 분야에서 긍정적인 영향을 미쳤습니다. 2006년부터 2016년까지 도체에 대한 데이터에 따르면 아프리카계 미국인, 라틴계/히스패닉계, 아시아계/태평양 섬 주민, 아메리칸 인디언/알래스카 원주민 및 기타 비백인 도체의 비율이 2006년 15.7%에서 2016년 21%로 증가하는 등 인종 및 민족적 다양성이 점차 증가하고 있습니다.[209] 비록 현장에서 남성의 백인성과 성 지배에 대한 재구성이 있었지만, 아직도 해야 할 일이 있습니다.

조정하는 직업의 많은 여성들은 성별, 인종, 또는 둘 다 차별의 형태를 경험합니다. 처음에 여성들은 사회에 의해 부적절하다고 여겨졌기 때문에 전문적으로 놀도록 권장되지 않았습니다. 게다가 여성들은 피아노 이외의 악기를 연주하거나 혹독한 리허설 일정에서 살아남을 만큼 충분히 강하지도 숙련되지도 않은 것으로 여겨졌습니다.[210] 제리 린 존슨(Jeri Lynne Johnson)은 2005년 타키 콩코르디아 컨덕팅 펠로우십(Taki Concordia conducting fellowship)을 수상했을 때 처음으로 국제 지휘상을 수상한 아프리카계 미국인 여성이었습니다. 그녀는 필라델피아 최초의 다민족 전문 오케스트라인 블랙 펄 챔버 오케스트라의 설립자이자 음악 감독입니다. 웰즐리 칼리지와 시카고 대학교를 졸업한 그녀는 지휘자, 작곡가, 피아니스트입니다. 2001년부터 2004년까지 그녀는 필라델피아 챔버 오케스트라의 보조 지휘자였습니다.[211] 그녀는 콜로라도 심포니, 본머스 심포니 (영국), 바이마르 슈타츠카펠레 (독일)를 포함한 전 세계의 오케스트라를 이끌었습니다. 유명한 여성 지휘자인 마린 알솝, 조앤 팔레타와 함께 존슨 씨는 NBC 투데이 쇼에서 미국을 대표하는 여성 지휘자 중 한 명으로 예고되었습니다.

영국의 Radio 3 편집자인 Edwina Wolstencroft에 따르면, "음악계는 오랫동안 여성 연주자들이 있어서 행복했습니다.[;]하지만 공공의 권위와 권력을 소유하는 것은 또 다른 문제입니다. 거기서 여성 지휘자들이 고생을 많이 했어요. 우리 사회는 여성이 공공장소에서 권력을 행사하는 것보다 여성이 권력을 행사하는 것에 더 저항합니다."[10] 여성 지휘자의 비율이 낮은 것은 여성들이 음악 학교에서 공부하지 않기 때문이 아닙니다. 실제로 2009년과 2012년에는 지휘자의 거의 절반이 여성이었습니다.[11]

음악에서 여성의 권리에 대한 전환은 1848년 미국에서 페미니스트 운동을 시작했습니다. 이 운동은 모든 여성들이 투표, 교육, 취업, 결혼과 같은 다양한 분야에서 평등한 권리를 위해 싸우도록 부추겼습니다. 여성 인권 운동은 여성을 조정 분야에 포함시키는 시작을 의미했지만, 그들이 극복해야 할 장벽은 여전히 있을 것입니다. 특히 유색인종 여성들은 작품의 가치에 도전하는 많은 고정관념에 직면했습니다. 사실, 그 분야에서 흑인 여성들의 작업은 백인 여성들의 작업보다 더 철저한 조사에 직면했습니다. 전형적인 예는 1995년 엘리엇 찰스(Elliot Charles)의 음악 교육 연구 위원회 회보(Bulletin for Research in Music Education)를 위해 수행된 연구에서 볼 수 있습니다. "엘리엇은 인종과 성별이 음악 공연에 대한 판단에 영향을 미치는지 조사했습니다. 네 명의 트럼펫 연주자와 네 명의 플루티스트가 같은 음악 발췌곡을 연주하는 것이 비디오에 녹화되었습니다. 각 악기마다 백인 남성 한 명, 백인 여성 한 명, 흑인 남성 한 명, 흑인 여성 한 명이 모델로 활동했습니다. 연구의 오디오 부분을 제어하기 위해 연구원은 트럼펫과 플루트를 위해 두 개의 사전 녹음된 공연을 사용했습니다. 이것은 모든 트럼펫과 플루트 연주에 동일한 오디오를 만들었습니다. 대학 음악 전공자들은 각각의 공연을 리커트형 척도로 평가했습니다. 결과는 각 성별과 악기의 흑인 연주자들이 백인 연주자들보다 현저히 낮은 평가를 받았다는 것을 밝혔습니다. 흑인 남성과 여성 트럼펫 연주자들에게 가장 낮은 점수가 주어졌습니다."[212]

이 사례는 이 시기에 성차별이 만연했음을 보여주지만, 인종차별도 고려해야 합니다.

성차별, 인종차별, 성차별

여성 지휘자들은 19세기와 20세기 내내 성차별, 인종차별, 성차별에 직면했습니다. "이 명백한 고용 장벽을 허물기 위해 여성들은 여성 전용 오케스트라를 설립하고 조직함으로써 자신들만의 기회를 만들었습니다." 한 예로 지휘자 캐롤라인 B가 1888년에 설립한 보스턴의 파데트 여성 오케스트라가 있습니다. 니콜스.[210] 20세기 초에 여성 지휘자들이 이 단체들을 이끌었습니다. 작가 로니 우튼(Ronnie Wooten)은 "'보편적'이라고 여겨지는 것이 역사적으로 (고정 관념적으로 정의된 특정한 역할을 제외하고) 여성과 더 구체적으로 유색인종 여성을 배제했다는 것은 흥미롭고 아이러니한 일이기도 합니다."[213]라고 언급합니다. 이것은 여성이 행동하는 데 있어 과소대표가 성차별적인 문제로 비춰지고 있지만, 인종차별적인 문제이기도 하다는 사실에 대한 언급입니다.

여성 지휘자들은 21세기 초에도 성차별에 계속 직면하고 있습니다. 2010년대에 몇몇 남성 지휘자들과 음악가들이 여성 지휘자들에 대해 성차별적인 발언을 했습니다. 2013년, "오슬로 필하모닉과 로열 리버풀 필하모닉의 수석 지휘자인 바실리 페트렌코는 노르웨이 신문에 '오케스트라들은 앞에 남자가 있을 때 더 잘 반응한다'고 말해 격분을 불러일으켰습니다."[214] 그는 또 "여성들이 가정을 꾸리면 사업에서 요구하는 것처럼 헌신하기가 어려워진다"고 말했습니다.[214] 파리 음악원 원장 브루노 만토바니는 여성 지휘자에 대해 성차별적인 발언을 한 인터뷰를 했습니다. 만토바니는 "산모의 문제"를 제기하고 여성이 직업의 신체적 도전과 스트레스를 견딜 수 있는 능력에 의문을 제기했는데, 그는 "지휘, 비행기 타기, 다른 비행기 타기, 다시 지휘하기"를 포함한다고 주장했습니다.[9] 성악대 음악감독 유리 테미르카노프. 페테르부르크 필하모닉은 2013년 9월 인터뷰에서 여성 지휘자에 대해 성차별적인 발언을 했으며, "지휘자 직업의 본질은 힘입니다. 여자의 본질은 나약함입니다."[9] 2014년 핀란드의 지휘자 요르마 파눌라는 여성 지휘자에 대해 성차별적인 발언을 했고, 그는 "여성은 지휘자가 아니다. 그가 "purely 생물학적 질문"이라고 불렀던 병이 나아지고 있을 뿐입니다.

컨덕터

여성 지휘자는 다음과 같습니다.

음악평론가

대중음악

미국 대중음악 평론가 앤 파워스 (2007년 사진)

앤웬 크로포드(Anwen Crawford)에 따르면, "대중 음악에서 여성의 문제는 우리의 역할이 오래 전에 성문화되었다는 것"이며, 이는 "살아있는 여성 록 비평가(또는 재즈, 힙합, 댄스 음악 비평가)의 책이 부족하다는 것"을 의미합니다. 크로포드는 "가장 유명한 록 음악 비평가들인 로버트 크리스트가우, 그릴 마커스, 레스터 뱅스, 닉 켄트"가 모두 남성이라고 언급했습니다.[2]

사회 음악학자 사이먼 프리스(Simon Frith)는 팝과 록 음악이 "성별, 즉 남성과 여성의 행동에 대한 관습과 밀접한 관련이 있다"고 언급했습니다.[217] Holly Kruse에 따르면, 대중 음악 기사와 팝 음악에 대한 학술 기사는 보통 "남성적인 주제의 입장"에서 작성됩니다.[218] 또한, 음악 저널리즘에 글을 쓰는 여성들은 상대적으로 적습니다: "1999년까지 롤링 스톤의 여성 편집자나 선임 작가들의 수는...15%, 스핀 앤 레이건에서는 약 20%였습니다."[219] 성별과 관련된 비판은 2014년 내슈빌 씬의 편집자였던 음악 평론가 트레이시 무어가 쓴 음악 저널리즘에서 여성들의 투쟁에 대한 제벨 기사에서 논의되었습니다.[220]

미국의 음악 평론가 앤 파워스는 대중적이고 남성 중심적인 산업의 여성 평론가이자 저널리스트로서 음악 산업의 성, 인종 및 사회적 소수자에 대한 인식을 비판했습니다. 그녀는 또한 페미니즘에 대해 썼습니다. 2006년에는 로스앤젤레스 타임즈의 수석 팝 음악 평론가로 임명되어 로버트 힐번의 뒤를 이었습니다.[223] 2005년에 파워스는 음악가 토리 아모스와 함께 현대 음악 산업에서 여성의 역할에 대해 논의하는 책 Piece by Piece를 공동 집필했으며 작곡, 투어, 공연 및 음악 사업의 현실에 대한 정보를 제공합니다.

월간지의 작가인 앤웬 크로포드는 제시카 호퍼의 에세이와 프로필 책 '살아있는 여성 록 비평가의 첫 번째 비평 모음'에 기고했습니다.[224] 크로포드의 글은 "우리가 처음부터 그것을 개척하는 데 도움을 주었음에도 불구하고, 바위 비평 분야에서 여성들의 가시성과 인정을 위한 오랜 투쟁을 탐구합니다."[224] 크로포드는 "음반 가게, 기타 가게, 그리고 현재의 소셜 미디어: 대중 음악에 관한 한, 이 장소들은 남성의 기량을 보여주는 무대가 됩니다"라고 말하고, "여성의 전문 지식은, 그것이 나타날 때, 반복적으로 사기라고 치부됩니다"라고 말합니다. 대중음악에 대해 모험적으로 의견을 제시한 여성이라면 누구나 여러분에게 약간의 변화를 줄 수 있을 것입니다. 그리고 인정받는 expert(음악가, 평론가)가 되는 것이 위조 혐의로부터 [여성]을 구할 수는 없을 것입니다."

대중음악 평론가들은 다음과 같습니다.

클래식

마리온 리그나 로젠버그(Marion Lignana Rosenberg, 1961~2013)는 음악 평론가, 작가, 번역가, 방송인, 저널리스트였습니다. 그녀는 Salon.com , 뉴욕 타임즈, 플레이빌 등 많은 정기 간행물에 기고했습니다.

"컬럼비아 국립예술저널리즘 프로그램(NAJP)이... 미국에서 예술 저널리즘에 대한 대규모 연구를 마쳤습니다 [2005년]. 그들은 '평균적인 클래식 음악 평론가는 대학원 학위를 받은 52세의 백인 남성이지만, 글을 쓰는 모든 평론가의 26%는 여성입니다.'[225]라고 밝혔습니다. 하지만, 윌리엄 오스본은 이 26%의 수치가 발행부수가 낮은 지역 신문을 포함한 모든 신문을 포함하고 있다고 지적합니다. 오스본은 "여론에 영향을 미치는 미국의 대형 신문들은 사실상 여성 클래식 음악 평론가가 없다"고 말합니다.[225] 미국의 주요 신문에 실린 유일한 여성 비평가는 앤 미젯(뉴욕 타임즈)과 윈 델라코마(시카고 선 타임즈)입니다. 미젯은 "신문 역사상 최초로 클래식 음악을 다룬 여성"이었습니다.[225] 여성 클래식 음악 평론가가 있는 신문 가디언지의 평론가 수잔나 클랩은 2014년 5월에야 여성 클래식 음악 평론가가 저널리즘에서 "얼마나 희귀한지" 깨달았다고 말했습니다.[226]

여성 클래식 음악 평론가들은 다음과 같습니다.

기타 음악 직업

음반제작 및 음향공학

2013년 Sound on Sound 기사는 "음반 제작 및 음향 공학 분야에서 여성은 거의 없다"고 언급했습니다.[12] 앤큐브는 "음악 프로듀서의 95%가 남성이고, 음악에서 위대한 업적을 이룬 여성 프로듀서들이 있지만, 그들은 남성 프로듀서들보다 덜 알려져 있다"[12]고 말합니다. "영국 그래미 어워드에서 최고의 프로듀서로 지명된 적이 있는 여성은 단 세 명뿐이고, 아무도 상을 받지 못했습니다.[227] "[생산] 분야에 진출하려는 여성들은 소년 클럽, 즉 길드 정신에 직면합니다."[227]

그럼에도 불구하고, 여성들은 1940년대부터 도전을 해왔습니다. Mary Shipman Howard는 1940년대에 뉴욕시의 기술자였습니다. 릴리언 맥머리는 1950년대 트럼펫 레코드의 음반 제작자이자 설립자였습니다. 자신의 로큰롤 음악 레이블에서 음악을 제작, 기술, 편곡, 홍보한 최초의 여성 중 한 명은 코델 잭슨(1923–2004)입니다. 그녀는 1956년 멤피스에서 문 레코드 레이블을 설립하고 자신의 홈 스튜디오에서 녹음한 레이블 싱글을 발매하고 홍보하기 시작했으며 엔지니어, 프로듀서, 편곡자로 활동했습니다. 에델 가브리엘(Ethel Gabriel)은 RCA에서 40년의 경력을 쌓았으며, 최초의 메이저 레이블 음반 제작자였습니다.[citation needed]

트리나 제화공은 퀸즈 오브 더 스톤 에이지,[228] 셰릴 크로우,[228] 에밀루 해리스,[228] 썸씽 포 케이트,[228] 난시 그리피스[228] 등의 밴드의 음반을 제작/엔지니어링하거나 믹싱하는 일을 담당하는 믹서, 음반 제작자 및 음향 엔지니어입니다. 1998년, 슈메이커는 글로브 세션에서의 그녀의 작업으로 그래미 어워드 최우수 엔지니어드 앨범상을 수상한 최초의 여성이 되었습니다.[229] 크로우 외에도, 제화공은 블루스 트래블러, 에밀루 해리스, 인디고 걸스, 딕시 칙스와 같은 아티스트들과 작업을 계속했습니다.[230]

다른 여성들은 다음과 같습니다.

DJ 및 턴탭 목록

라이브 이벤트에서 두 명의 레코드 플레이어를 믹싱하는 DJ

음악계 여성들은 대중음악에서 주로 노래 역할을 하는 경우가 많고, 힙합 음악, 하우스 음악, 누 메탈 등 DJ와 턴탭리스트가 참여하는 장르에서는 여성 DJ나 턴탭리스트가 상대적으로 적습니다. 실제로 이 모든 장르는 남성 중심입니다. 이 중 일부는 오디오 공학 및 생산과 같은 오디오 기술 관련 직업에 종사하는 여성의 비율이 일반적으로 낮기 때문일 수 있습니다. 2007년 마크 카츠의 기사 "Men, Women, and Turntable: 젠더와 DJ 배틀은 "여성들이 싸우는 일은 거의 없으며, 이 문제는 힙합 DJ들 사이에서 수년간 화제가 되어 왔습니다."[231]라고 말했습니다. 2010년 레베카 파루지아(Revecah Farrugia)는 "EDM 문화의 남성 중심성"이 "이러한 EDM 공간에서 여성의 소외"에 기여한다고 말했습니다.[232] 턴테이블리즘과 더 넓은 DJ 관행이 혼동되어서는 안 되지만, Katz는 장르와 분야를 초월하여 여성들이 턴테이블을 광범위하게 사용하거나 사용하지 않는 것은 그가 "남성 테크노필리아"라고 정의하는 것에 영향을 받는다고 제안합니다.[231] 역사학자 루스 올덴지엘(Ruth Oldenziel)은 공학에 대한 글에서 기술에 대한 참여 부족의 중심 요소로 사회화에 대한 생각을 강조합니다. 그녀는 다음과 같이 설명합니다: "여성들이 현장에 진입하지 못하는 것으로 추정되는 것에 대한 독점적인 초점... 그것은 우리의 고정관념이 어떻게 생겨났는지를 이해하기에 충분하지 않습니다; 그것은 전적으로 여성에게 증명의 부담을 주고, 그들의 부적절한 사회화, 그들의 열망 부족, 그리고 남성적 가치에 대한 그들의 결핍을 비난하는 경향이 있습니다. 마찬가지로 어려운 질문은 왜 그리고 어떻게 남자 아이들이 기술적인 것들을 사랑하게 되었는지, 어떻게 남자 아이들이 역사적으로 기술 애호가로서 사회화되었는지입니다."[233]

DJ Virgin은 영국 런던에서 활동하는 DJ입니다.

루시 그린은 음악 공연자와 창작자와의 관계에서 성별에 초점을 맞추고 있으며, 특히 둘 다와 관련된 교육적 프레임워크에 초점을 맞추고 있습니다.[234] 그녀는 여성들이 "DJ, 사운드 엔지니어링, 프로듀싱과 같은 기술적 경향이 강한 영역"으로부터 소외되는 것은 "그녀가 이러한 악기들을 싫어하는 것에 대한 것이 아니라, 그들의 지배적인 남성적 묘사의 방해 효과와 관련이 있다"[235]고 제안합니다. 그럼에도 불구하고, 여성과 소녀들은 점점 더 개인적[236], 집단적으로 턴테이블과 DJ 연습에 참여하고 있으며,[237] "EDM과 DJ 컬처에서 자신들을 위한 공간을 개척"하고 있습니다.[232] 여성 DJ 런던 등 이러한 관행을 홍보하고 지원하는 다양한 프로젝트가 있습니다.[238] 일부 예술가와 집단은 이러한 관행을 넘어 더 성별을 포함합니다.[239] 예를 들어, 뉴욕에 본사를 둔 콜렉티브 및 부킹 에이전시인 디스크우먼은 자신들을 "시스우먼, 트랜스우먼 및 젠더퀴어 재능을 대표하고 보여준다"고 설명합니다.[240]

운동, 조직, 이벤트 및 장르

여성음악

버니스 존슨 레곤(Bernice Johnson Reagon, 1942년생)은 1973년 아카펠라 앙상블 스위트 허니 인 더 락(Sweet Honey in the Rock)을 설립한 가수, 작곡가, 학자, 사회운동가입니다. 그녀는 여성 음악계에서 중요한 인물이었습니다.

여성 음악(Women's music)은 여성에 의한, 여성을 위한, 여성에 관한 음악입니다.[241][242] 이 장르는 노동, 민권, 평화 운동뿐만 아니라 제2의 물결 페미니스트 운동을 음악적으로 표현한 것으로 나타났습니다. (미국에서) 이 운동은 크리스 윌리엄슨, 멕 크리스찬, 마지 아담과 같은 레즈비언, 아프리카계 미국인 음악가(린다 틸러리, 메리 왓킨스, 그웬 에이버리 포함)와 버니스 존슨 레아곤과 그녀의 그룹 스위트 허니 인 더 락, 평화 운동가 홀리 니어와 같은 활동가들에 의해 시작되었습니다.[244] 여성 음악은 또한 공연 예술가를 넘어 여성이기도 한 스튜디오 음악가, 프로듀서, 음향 엔지니어, 기술자, 커버 아티스트, 배급사, 프로모터, 축제 주최자 등을 포함하는 더 넓은 여성 음악 산업을 말합니다.[241]

단체들

국제 여성 음악 연맹

국제 여성 음악 연맹(IAWM)은 특히 성차별이 역사적이고 지속적인 관심사인 작곡, 공연, 그리고 연구와 같은 음악 활동 분야에서 여성의 육성과 활동 장려에 전념하는 여성과 남성의 국제 단체입니다. IAWM은 여성 작곡가들의 음악 프로그래밍을 늘리고, 심포니 오케스트라 단원을 포함한 여성 음악가들에 대한 차별을 방지하고, 여성 음악가들의 기여에 대한 설명을 대학 음악 커리큘럼에 포함시키기 위한 노력에 참여합니다. 성차별을 막기 위해 IAWM은 1990년대 빈 필하모닉 오케스트라의 미국 콘서트 보이콧을 성공적으로 이끌었고, "VPO 시계"는 계속되고 있습니다.[245] 이 단체의 옹호는 여성 작곡가들이 대학 음악사 교과서에 포함되는 데 기여했습니다.[246]

Women in Music (WIM-NY)

Women in Music (WIM-NY)는 1985년에 설립된 뉴욕시에 기반을 둔 미국 단체입니다. 그것은 음악에 있어서 "여성의 재능을 지원하고, 함양하고, 인정하는 것"을 목표로 합니다.[247] WIM-NY는 "세미나, 패널 및 네트워킹 행사"를 포함한 활동 및 행사를 개최합니다.[247] 또한, 음악 분야의 여성들에게 매년 터치스톤 상을 수여합니다. WIM-NY 회원은 "음악의 모든 장르와 [음악] 산업의 모든 영역"에서 "음반 레이블 임원, 아티스트 매니저, 작곡가, 음악가, 변호사, 녹음 엔지니어, 에이전트, 홍보 담당자, 스튜디오 소유자, 음악 출판사, 온라인 및 전통적인 마케터"를 포함합니다.[247] 2015년 현재 회장은 니타 라구완시 변호사, 부회장은 제니퍼 뉴먼 샤프 변호사입니다. 2015년 현재, 이사회에는 닐슨 뮤직, 워너 뮤직 그룹, 에이블턴, 다운타운 뮤직 퍼블리싱 및 버클리 음악 대학의 여성들이 포함되어 있습니다.

우먼 인 뮤직 캐나다

위민 인 뮤직 캐나다 프로 협회(Women in Music Canada Professional Association, WIMC)는 온타리오주 토론토에 기반을 둔 단체로, 2012년에 설립되었습니다. 그것은 "여성들의 지지와 발전을 통해 음악 산업의 평등을 기르기"를 목표로 하는 연방정부에 등록된 비영리 단체입니다.[248] WIMC는 연방정부, FACTOR 프로그램, 온타리오 주 정부와 Slaight Music에 의해 재정적으로 지원을 받습니다.

음악 속의 여성 (WIM-UK)

Women in Music (WIM-UK)은 영국의 "음악의 모든 장르에 걸쳐 여성의 음악 만들기를 기념하는 회원 단체"입니다.[249] WIM-UK는 "음악의 성별 문제에 대한 인식을 높이고 여성 음악가들의 전문적인 발전을 지원하기 위해 일합니다.[249] WIM-UK의 웹사이트는 대회와 직업 기회에 대한 정보를 제공합니다.[249] WIM-UK는 "세계에서 가장 큰 클래식 음악 축제"인 BBC 프롬스에 출연하는 여성 작곡가, 지휘자, 솔리스트의 수를 조사합니다. 2015 프롬스의 경우 여성 작곡가가 10%, 여성 지휘자가 50명의 지휘자 중 4%, 여성 기악 솔리스트가 30%[250]를 차지했습니다.

이제 걸스 룰 (멕시코)

Now Girls Rule 창립자 Eliz Paprika, 2019년 몽골 플레이타임 페스티벌 공연

Now Girls Rule은 여성 예술가들의 권한 부여와 육성을 위해 만들어진 멕시코의 페미니스트 단체로, 여성들이 창작한 음악을 기념하고, 교육과 영감을 통한 새로운 세대의 예술가들의 창작에 집중함으로써 멕시코에서 공간을 창출하고 예술 현장을 확장하는 역할을 합니다. Now Girls Rule은 2014년 멕시코의 독립 록 음악가인 Elis Paprika에 의해 설립되었으며, 그 해에 발매된 그녀의 싱글 "Now Girls Rule"에서 이름을 따왔으며, 여기에 그녀는 데카르트사 칸트, 르네 무이, 그리고 바네사 자모라라는 밴드의 다른 중요한 라틴 아메리카 여성 아티스트인 Sandrushka Petrova와 Ana Cristina Mo를 피처링했습니다. 엘리사 파프리카(Elis Paprika)는 그녀의 경력 동안 수많은 재능 있는 여성 예술가들에도 불구하고 멕시코 음악계는 역사적으로 여성들을 위한 적절한 공간과 기회를 홍보하고 만드는 데 실패했다는 사실에 지속적으로 주목해 왔습니다.

이제 걸스 룰은 몇 가지 연례 행사를 특징으로 합니다. 걸 캠프는 7-17세의 어린 소녀들을 위한 음악과 팬진 디자인 수업을 특징으로 합니다; 모든 선생님들은 멕시코 음악계의 유명한 여성 예술가들입니다.[253] 젊은 예술가 지망생들이 꿈을 좇으며 예술로 생계를 이어온 여성들을 만나 배울 수 있도록 형식을 만들어 음악과 예술 분야에서 경력을 쌓는 데 영감을 받을 수 있도록 했습니다. Now Girls Rule Nights는 새로운 관중들에게 다가가기 위해 공연하기 위해 떠오르는 여성 중심의 활동들을 초대하는 한편, 기성 여성 아티스트들과 여성 중심의 밴드들이 출연하는 라이브 콘서트 시리즈입니다. 이제 걸스룰 네트워킹은 다양한 배경을 가진 전문 여성들과 여성 아티스트들이 모여 새로운 벤처와 프로젝트에 힘을 합치기를 바라는 마음으로 만나 작품에 대해 이야기를 나누는 공간입니다. 멕시코 최초의 여성 예술가 바자회인 '라 마켓아'는 예술가들이 직접 팬들에게 상품을 판매하고 매출의 100%를 유지할 수 있도록 만들어졌습니다.[254] La Marketa는 모든 연령대의 성별을 포함하고 일부 아티스트의 라이브 공연을 특징으로 하는 반려동물 친화적인 행사입니다. Elis Paprika는 또한 Vive Latino의 Señal VL 채널을 통한 주간 쇼인 Now Girls Rule Podcast를 진행하는데, 이 쇼는 여성 아티스트들의 음악과 그녀가 투어를 하면서 전 세계에서 만난 여성들을 향한 행동을 보여줍니다.

라이엇 그렐

펑크 인디 밴드 슬레이터-키니의 캐리 브라운스타인, 2005년 베구스에서 공연

라이엇 그렐(Riot grrrl)은 1990년대 초 워싱턴 D.C.와 태평양 북서부, 워싱턴 올림피아에서 시작된 언더그라운드 페미니스트 하드코어 펑크 운동입니다. 이는 종종 제3파동 페미니즘과 관련이 있으며, 이는 그 시작점으로 간주되기도 합니다. 또한 펑크 씬은 지난 몇 년 동안 남성들이 해왔던 것과 같은 방식으로 여성들이 자신을 표현할 수 있는 음악적 운동의 영감으로 작용하며 인디 록에서 나온 음악 장르로 묘사되어 왔습니다.[257]

폭동 진압 밴드들은 종종 강간, 가정 학대, 성, 인종 차별, 가부장제, 여성 권한 부여와 같은 문제들을 다룹니다. 이 운동과 관련된 밴드는 비키니 킬, 브랫모바일, 헤븐스 투 벳시, 익스페션 17, 허기 베어, 케이크 라이크, 스킨드 틴, 에밀리의 엽기 라임, 슬레이터-키니, 그리고 팀 드레스와 같은 퀴어 코어 그룹을 포함합니다.[258][259] 음악 장면과 장르 외에도, 라이엇 그릴은 DIY 윤리, 진, 예술, 정치적 행동 및 행동주의를 포함하는 하위 문화입니다.[260] 폭도들은 회의를 하고, 챕터를 시작하고, 음악에서 여성들을 지원하고 조직하는 것으로 알려져 있습니다.[261]

소녀라는 단어의 사용은 소녀들이 사회적 압력에 가장 덜 영향을 받고 따라서 가장 강한 자존감을 갖는 시기를 나타내는데 의미가 있었습니다 – 어린 시절. 그 움직임 뒤에 있는 분노는 으르렁거리는 소리처럼 들리는 단어의 철자를 번갈아 가며 그르릉이라고 하는 것으로 주목되었습니다.[261]

그들은 새로운 유형의 펑크 페미니즘에 참여하여 두 잇 yourself의 아이디어를 홍보하고 매니페스토를 교환하고 좋아하는 밴드의 혼합 테이프를 거래하여 단어를 꺼냈습니다. 그들은 여성이 역사에서 지워지거나 다른 사람들에 의해 잘못 해석되고 무시당하는 것에 지쳤습니다. 폭동 선동가들은 가부장적 폭력, 성인주의, 헤테로중심주의에 대응하여 여성 페미니즘 펑크 미학과 유사한 부정적인 감정 표현과 수사에 참여합니다. "개인은 정치적"이라는 페미니스트의 주장은, 자기 actual화는 외부의 힘에서 발견되는 것이 아니라 개인의 진정한 자아를 통해 발견된다는 펑크의 문화와 유사하게, 폭동이 그르릉이 제시하는 이미지에서 다시 수정되었습니다. 사회적 상황 내에서 개인의 경험에 영향을 미치는 제도적 구조를 인식하고 재평가함으로써, 개인은 자신을 더 잘 알 수 있는 지식을 얻을 수 있고, 따라서 다른 사람들이 그녀를 정확하게 알 수 있도록 자신을 나타내는 방법을 알 수 있습니다. 라이엇은 소녀 사랑을 자기실현하려는 움직임을 "소녀들은 그렇지 않으면 자신을 파괴하거나 파괴하는 것을 볼 수 있는 세력에 맞서 자신과 서로를 사랑하는 것을 배웁니다"[This quote needs a citation]라고 말했습니다.

"모든 소녀는 폭동의 으르렁"이라는 동반 슬로건은 여성들이 자신들 사이에서 찾을 수 있는 결속력을 강화합니다. 이것은 진(팬진의 단축형)의 제작에서 잘 표현되는 친밀한 미학적이고 감상적인 정치를 창조합니다.[261] 진은 가위, 접착제, 테이프와 같은 간단한 물품으로 독자와 직접 연결하려는 사람들이 손으로 만든 것입니다. 그들은 부당함을 외치고 전형적으로 성적인 표현과 가정 학대를 지시하는 규범에 도전하여 여성들이 다른 많은 사람들이 공감할 수 있는 개인적인 이야기를 교환할 수 있는 공간을 제공합니다. 그들은 소녀와 여성 모두가 자신들을 침묵시키려는 적극적인 정치적 분위기 속에서 스스로 일어서도록 도전합니다.[263] 공유된 개인적인 이야기들은 때때로 "그들의 침실에 있는 소녀들, 그들의 일기장에 글을 쓰는 것, 그리고 그들이 그것들을 서로 보내는 것"으로 의사소통을 감소시키는 태도를 만나왔지만,[This quote needs a citation] 그런 방식으로 공유하는 선택은 미적인 것이었습니다.

이러한 인식의 고조 속에서, 폭동자들은 그들에게 효과가 있는 일반화를 다루어야 했지만 유색인종 여성에게는 적용될 수 없었습니다. 모든 소녀들이 성적 대리인을 되찾기 위해 배를 가로질러 SLUT를 쓰는 것과 같은 행동에 참여하는 것이 금지되었기 때문에 결국 모든 소녀들이 폭동을 일으킬 수는 없었습니다.[262] 그 공연이 본격적인 것이지만, 인종차별주의자들은 이미 유색인종 여성들을 그 용어로 분류했습니다. Kearny가 관찰한 바와 같이, "폭도들이 보여주는 성별 편차는 중산층 백인 소녀들만이 접근할 수 있는 특권입니다."[263] 이러한 포용적 담론의 필요성의 또 다른 측면은 구체적 지식에 대한 운동의 선호와 이론적 탐구를 촉진할 추상성에 대한 무시에서 비롯되었습니다.

페스티발스

여성 음악 축제라고도 할 수 있는 여성 음악 축제는 1970년대부터 개최되었습니다. 일부 여성 음악 축제는 레즈비언을 위해 조직됩니다. 최초의 여성 음악 축제는 1973년 새크라멘토 주립 대학에서 열렸습니다. 1974년 5월, 일리노이 대학교의 학생 크리스틴 렘스에 의해 설립된 최초의 전국 여성 음악 축제가 일리노이주 샴페인-어바나에서 열렸습니다.[264] 2015년 7월 2일부터 5일까지 위스콘신 주 미들턴에서 40주년을 기념했습니다.[265] 2015년 현재 장애여성을 포함한 다양한 다문화 공동체에서 '여성의 창의적 재능과 기술력을 알리고 긍정하는' 콘서트, 워크숍, 코미디, 연극, 영화, 글쓰기 행사 등이 4일간 진행되는 행사입니다. 대부분의 참석자는 여성이지만 남성도 참석할 수 있습니다.[266] 미시간 여성 음악 축제는 1976년에 만들어졌고, 미국에서 가장 큰 축제가 되었습니다.[267]: 28

음악에 초점을 맞춘 축제의 예로는 로체스터 대학교의 이스트만 음악 학교에서 개최하는 Women in Music Festival이 있습니다. 이 축제는 작곡, 연주, 교육, 장학, 음악 행정에 대한 여성들의 기여를 축하하기 위해 2005년에 시작되었습니다.[268] 이스트만 학생들과 교수진들이 여성 작곡가들의 음악을 연주하는 소박한 시작부터, 이 페스티벌은 뉴욕 로체스터 전역에서 추가적인 콘서트와 행사들을 포함하고, 타니아 레온(2007), 낸시 반 데 바테(2008), 주디스 랑 자이몽(2009), 엠마 루 디머(2010)와 힐러리 탄(2011). 이 축제는 158명의 작곡가들의 291개 이상의 다른 작품을 선보였습니다.

다른 많은 축제들은 1970년대 중반부터 미국과 캐나다 전역에서 만들어졌으며 몇 백 명에서 수천 명의 참석자들까지 그 규모가 다양합니다. 로스앤젤레스 여성 음악 축제는 2007년 2,500명 이상의 참석자들로 시작되었습니다. 미국 밖에서 열리는 행사로는 캐나다의 브리티시컬럼비아 주 밴쿠버 근처의 사포 레즈비언 마녀 캠프와 호주의 시스타지브 여성 음악 축제가 있습니다. 1988년에 만들어진 오하이오주 콜럼버스 인근의 '오하이오 레즈비언 페스티벌', 8월 초 워싱턴 D.C.에서 모임을 갖는 '크리스천 레즈비언 아웃'(CLOUT) 등 레즈비언 커뮤니티를 중심으로 한 축제들이 있습니다. 미네소타 주 미니애폴리스의 축제인 올드 레즈비언 모임과 펜실베니아 주 필라델피아 근처에서 11월 중순에 열린 행사인 래드레스페스. 페미니스트 중심의 축제로는 플로리다 데이드 시티의 서던 우먼 페스티벌, 미주리 주 오벳의 걸프 코스트 우먼 페스티벌, 뉴 멕시코 앨버커키의 위민페스트, 우먼게더링, 우먼 영성의 축제, 미시간 주 하트 근처의 미시간 우먼 뮤직 페스티벌, 일리노이 주 디칼브의 중서부 우먼 페스티벌 등이 있습니다.

여성 음악 축제는 음악이 중심이지만, 레즈비언과 페미니스트 문화의 다른 많은 측면들을 지지합니다. 일부 축제는 여성의 음악과 문화를 위한 안전한 공간을 제공하기 위해 고안되었습니다. 많은 축제들이 대학 캠퍼스나 참가자들이 캠프장에 머무는 외딴 시골 지역에서 열립니다. 많은 축제들은 여성들이 주류 문화에서 찾을 수 없는 예술, 공예, 피트니스 및 운동 경기에 대한 워크샵을 제공합니다. 그녀의 책 에베스가 지은 에덴에서 보니 모리스는 여성 음악 축제가 여성들의 삶의 단계에 걸쳐 어떻게 봉사하는지 설명합니다. 축제는 여성이 주관하기 때문에 일반적으로 여성을 위한 어린이집과 보육 시설이 제공됩니다. 축제는 종종 젊은 여성들에게 안전한 성년의례, 성인의 낭만과 헌신의례, 모성에 대한 대안적인 관점의 표현, 슬픔과 상실의 표현을 제공합니다.[267]

릴리스 페어

Lilith Fair 공동 설립자 Sarah McLachlan

릴리스 페어는 여성 솔로 가수들과 여성 주도 밴드들로만 구성된 콘서트 투어이자 여행 음악 축제였습니다. 캐나다의 음악가 사라 맥라클란, 넷워크 뮤직 그룹의 댄 프레이저와 테리 맥브라이드, 그리고 뉴욕의 탤런트 에이전트 마티 다이아몬드에 의해 설립되었습니다. 그것은 1997년에서 1999년 여름 동안 발생했고, 2010년 여름에 부활했습니다.[269] 맥라클란은 두 명의 여성 음악가를 연속으로 출연시키기를 거부하는 콘서트 프로모터와 라디오 방송국에 좌절한 후 이 축제를 조직했습니다.[270] 업계의 통념을 뒤엎고, 그녀는 자신과 폴라 콜의 성공적인 투어를 예약했습니다. 1996년 9월 14일, 맥라클란의 고향에서 함께 출연한 것 중 하나는 "Lilith Fair"라는 이름이 붙었고, 맥라클란, 콜, 리사 뢰브, 그리고 전 크래쉬 베가스 소속이었던 미셸 맥아도리의 공연이 포함되었습니다.

다음 해, 맥라클란은 중세 유대인 전설에서 릴리스가 아담의 첫 번째 부인이라는 것을 따와 릴리스 페어 투어를 설립했습니다. 1997년, 릴리스 페어는 1,600만 달러의 수익을 올리며 투어 축제 중 최고 수익을 올렸습니다.[270] 그 해의 모든 콘서트 투어 중에서, 그것은 16번째로 높은 수익을 올렸습니다.[270] 이 축제는 "유령 축제"와 "걸라팔루자"를 포함한 몇몇 비판적인 별명을 받았습니다.[271][272]

참고 항목

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