모더니즘

Modernism
파블로 피카소, 레 데모이젤레스 아비뇽 (1907)이 원시 입체파 작품은 이후 모더니즘 회화의 경향에 지대한 영향을 미친 것으로 여겨집니다.
프랭크 로이드 라이트, 솔로몬 구겐하임 미술관 1959년[1] 완공

모더니즘(Modernism)은 19세기 후반에서 20세기 초반에 서구 사회의 광범위한 변화로부터 생겨난 철학적, 종교적, 예술적 운동입니다.그 운동은 도시화, 건축, 신기술, 전쟁과 같은 특징들을 포함하여 새롭게 등장하는 산업 세계를 반영하는 새로운 형태의 예술, 철학, 그리고 사회 조직의 창조에 대한 열망을 반영했습니다.예술가들은 그들이 구식이거나 구식이라고 여겼던 전통적인 형태의 예술에서 벗어나려고 시도했습니다.1934년 시인 에즈라 파운드가 "새로운 것으로 만들라"고 한 주문은 이 운동의 접근 방식의 시금석이 되었습니다.

모더니즘 혁신에는 추상 미술, 의식흐름 소설, 몽타주 영화, 무조와 12음 음악, 분할주의 회화, 현대 건축 등이 포함되었습니다.모더니즘은 현실주의[a][2][3] 이데올로기를 노골적으로 거부하고 반복, 편입, 개작, 요약, 수정, 패러디 등을 사용하여 과거의 작품을 활용했습니다.[b][c][4]모더니즘 또한 계몽주의적 사고의 확실성을 거부했고, 많은 모더니즘도 종교적 믿음을 거부했습니다.[5][d]모더니즘의 주목할 만한 특징은 예술적, 사회적 전통에 대한 자의식인데, 이는 종종 형식에 대한 실험으로 이어졌고, 예술 작품을 만드는 데 사용되는 과정과 재료에 관심을 끄는 기술의 사용으로 이어졌습니다.[7]

일부 학자들은 모더니즘이 21세기까지 계속되는 것으로 보는 반면, 다른 학자들은 그것이 후기 모더니즘 또는 고도 모더니즘으로 발전하는 것으로 봅니다.[8]포스트모더니즘은 모더니즘에서 벗어나는 것이며, 그 기본적인 가정을 거부합니다.[9][10][11]

정의.

어떤 평론가들은 모더니즘을 예술과 학문의 모든 소설에 걸쳐 나타나는 하나 이상의 철학적으로 정의된 특징인 자의식 또는 자기참조와 같은 사고 방식으로 정의합니다.[12]특히 서구에서 더 일반적인 것은 실용적인 실험, 과학적 지식 또는 기술의 도움으로 인간이 자신의 환경을 창조하고 개선하고 재구성하는 힘을 확인하는 사회적 진보적인 사고 경향이라고 보는 사람들입니다.[e]이러한 관점에서, 모더니즘은 진보의 발목을 잡고 있는 것을 발견하고 같은 목적에 도달하는 새로운 방법으로 대체하는 것을 목표로 상업에서 철학에 이르기까지 존재의 모든 측면에 대한 재검토를 장려했습니다.

로저 그리핀(Roger Griffin)에 따르면, 모더니즘은 "새로운 시간성"의 정신에 의해 지속되는 광범위한 문화적, 사회적, 또는 정치적 이니셔티브로 정의될 수 있습니다.그리핀은 "모더니즘은 현대 세계에 대한 숭고한 질서와 목적을 회복하려고 했으며, 이를 통해 현대의 분열과 세속화의 영향 아래에서 압도적인 '노모스', 즉 '신성한 캐노피'의 (지각된) 침식에 대항했다"고 썼습니다.그러므로 "표현주의, 미래주의, 생명주의, 신학, 정신분석학, 나체주의, 우생학, 유토피아 도시계획과 건축, 현대무용, 볼셰비즘,"과 같이 겉보기에는 서로 관련이 없는 현상들이 있습니다.유기적인 민족주의와 심지어 제1차 세계대전의 핵폭탄을 지탱했던 자기희생 숭배까지도 퇴폐와의 싸움에서 공통적인 원인과 심리적 행렬을 드러냅니다."그들 모두는 개인이 자신의 죽음을 초월할 수 있다고 믿었던 "현실에 대한 초개인적인 경험"에 접근하기 위한 시도를 구현합니다. 그리고 결국 그들은 역사의 희생자가 되지 않고 대신 창조자가 되었습니다.[14]

모더니즘, 낭만주의, 철학과 상징

문학적 모더니즘은 종종 W. B. 예이츠의 한 구절로 요약됩니다: "사물은 무너지고 중심은 잡을 수 없습니다." ('두 번째 도래'에서)[15]모더니즘은 종종 형이상학적 '중심'을 찾지만, 그것의 붕괴를 경험합니다.[16] (포스트모더니즘은, 대조적으로, 예를 들어 자크 데리다의 형이상학적 주장의 해체에서, 형이상학의 실패를 드러내며, 그 붕괴를 기념합니다.)[17]

철학적으로, 형이상학의 붕괴는 스코틀랜드의 철학자 데이비드 흄 (1711–1776)이 거슬러 올라갈 수 있는데, 그는 우리가 실제로 한 사건이 다른 사건을 야기하는 것을 결코 인식하지 못한다고 주장했습니다.우리는 단지 사건들의 '상시적인 결합'을 경험할 뿐, 형이상학적인 '원인'을 인식하지 못합니다.마찬가지로, 흄은 (실제 용어를 사용하지 않고) 우리는 사물로서의 자아를 결코 알지 못하며, 오직 주체로서의 자아만을 알지 못하며, 따라서 우리는 우리의 진정한 본성에 눈이 멀다고 주장합니다.[18]보다 일반적으로 우리가 감각적 경험(보는 것, 만지는 것 등)을 통해서만 '알고' 있다면, 우리는 '알고' 있거나 형이상학적 주장을 할 수 없습니다.

그러므로 모더니즘은 종종 형이상학적 진리에 대한 욕망에 의해 감정적으로 이끌리지만, 그것들의 불가능성을 이해합니다.예를 들어, 모더니즘 소설은 하트 오브 다크니스의 말로우나 위대한 개츠비의 닉 캐러웨이와 같은 등장인물들이 등장하는데, 이들은 자연이나 성격에 대한 어떤 위대한 진실, 소설 자체가 아이러니하게 취급하는 진실들을 만났다고 믿으며, 보다 일상적인 설명을 제공합니다.[19]마찬가지로, 월리스 스티븐스의 많은 시들은 자연이 의미가 있다는 것을 말하는 사람이 부정하고, 오직 자연이 시의 끝까지 바라봐야 한다는 것을 주장하는 시들과, 오직 그 의미가 시의 끝까지 무너질 것을 말하는 사람이 자연이 의미가 있다고 주장하는 시들의 두 가지 제목으로 분류되어 자연의 의미에 대해 고심합니다.

만약 후자가 자연주의적 표현 안에서 의미의 구현에 집중하는 것으로 이해된다면, 모더니즘은 종종 19세기 현실주의를 거부합니다.동시에 일부 모더니스트들은 좀 더 '현실적인' 현실주의를 지향합니다.피카소의 원시 입체파 그림인 1907년의 아비뇽(Les Demoiselles d'Avignon)은 단 한 명의 관람객의 관점에서 피사체를 제시하는 것이 아니라 평면적인 2차원의 그림 평면을 제시합니다.1911년의 '시인'도 마찬가지로 점잖게 신체를 모든 관점에서 보여주고 있습니다.Peggy Guggenheim Collections 웹사이트의 표현대로, '피카소는 마치 그 주변을 이동한 것처럼 각 물체의 여러 보기를 제시하고, 그것들을 하나의 합성 이미지로 합성합니다.'[20]

낭만주의가 성격, 자연, 신과 의미에 대한 형이상학적 진리를 추구하는 것이라면, '사물이 무너진다'는 감각을 가진 모더니즘은 낭만주의의 아포테오시스로 볼 수 있습니다.[21]모더니즘은 종종 낭만적이거나 형이상학적인 중심을 갈망하지만, 그 붕괴만을 발견합니다.

모더니즘과 낭만주의의 이러한 구분은 '상징'에 대한 각각의 취급에까지 확장됩니다.낭만주의자들은 때때로 I.A.에서 기호('차량') 사이의 필수적인 관계('지반')를 봅니다. 리차드의 용어)[22]와 그것의 '테너'(tenor)(그것의 의미), 예를 들어 Coleridge가 자연을 '당신의 신/아터들이 말하는 영원한 언어'로 묘사한 것에서 말입니다.[23]하지만 자연과 그 상징들이 신의 언어일 수도 있지만, 일부 낭만주의 이론가들에게는 그것이 여전히 이해할 수 없습니다.괴테가 말한 것처럼 (아주 낭만적이지는 않다) '사상[또는 의미]은 영원히 그리고 무한히 활동적이며 이미지에서 접근할 수 없는 상태로 남아 있습니다.'[24]이는 상징주의의 선구자들을 이용하여 상징과 은유의 난잡함과 실패를 강조하는 모더니즘 이론에서 확장되었습니다. 예를 들어, 스티븐스는 자연에서 의미를 찾고 발견하지 못합니다. 비록 그가 때때로 그러한 의미를 감지하는 것처럼 말입니다.이와 같이 상징주의자들과 모더니스트들은 비이성적인 의미를 제안하기 위해 때로는 신비주의적인 접근법을 채택합니다.[25]

이러한 이유들로, 모더니즘 은유는 종종 부자연스러운데, 예를 들어 T.S.와 같이 말입니다.엘리엇의 '하늘을 배경으로 펼쳐진 / 테이블 위에 에테르화된 환자처럼' 저녁에 대한 묘사.[26]마찬가지로, 많은 후기 모더니즘 시인들에게서 자연은 부자연스럽고 때로는 기계화되어 있는데, 예를 들어 스티븐 올리버의 달에 대한 이미지는 분주하게 자신을 의식 속으로 끌어올리고 있습니다.[27]

초기사

오리진스

외젠 들라크루아민중이끄는 자유, 1830, 낭만주의 예술 작품

한 비평가에 따르면, 모더니즘은 산업혁명영향과 부르주아적 가치에 대한 낭만주의의 반란으로부터 발전했습니다: "모더니즘의 근본 동기는 낭만주의의 횃불을 들고 있는 19세기 부르주아 사회 질서와 모더니즘의 세계관에 대한 비판이었습니다."[a][2][3]19세기의 가장 위대한 풍경화가 중 한 인 J. M. W. 터너 (1775–1851)가 "빛, 색상, 분위기 연구의 선구자"로서 낭만주의 운동의 일원이었던 반면, 그는 "프랑스 인상주의자들"을 예상했고 따라서 "전통적인 표현 공식을 무너뜨리는 데 있어서" 현대주의를 기대했습니다.그의 작품은 항상 중요한 역사적, 신화적, 문학적 혹은 다른 서사적 주제를 표현해야 한다고 믿었습니다."[29]

오토비스마르크현실주의 초상화.모더니즘 예술가들은 대체로 현실주의를 거부했습니다.

산업적인 빅토리아 시대 영국의 지배적인 경향은 "영감 없는 기술적인 기술에 대한 반대" 때문에 라파엘 전파를 구성했던 영국 시인들과 화가들에 의해 약 1850년부터 반대되었습니다.[30]: 815 그들은 급속하게 팽창하는 영국의 산업도시에서 도시 노동자 계층의 삶을 향상시키는데 도움을 주는 예술의 역할에 대해 강한 감정을 가졌던 예술평론가 존 러스킨 (1819–1900)의 글에 영향을 받았습니다.[30]: 816 미술평론가 클레멘트 그린버그는 라파엘 전파 형제단을 원모더니스트로 묘사합니다. "모든 사람 중에서 원모더니스트는 라파엘 전파(그리고 그들 이전에도 원모더니스트인 독일의 나사레네)였습니다.라파엘 전파의 사람들은 사실 모더니즘 그림이 가장 확실하게 시작되는 마네 (1832–1883)를 암시했습니다.그들은 그것의 현실주의가 충분히 진실하지 않다고 주장하면서, 그들의 시대에 행해졌던 그림에 대한 불만족에 행동했습니다."[31] 합리주의는 또한 실존주의허무주의에 중대한 영향을 미친 철학자 쇠렌 키르케고르 (1813–1855)[32]와 후에 프리드리히 니체 (1844–1900)에도 반대자들이 있었습니다.[33]: 120

하지만 산업혁명은 계속되었습니다.영향력 있는 혁신에는 증기 동력 산업화, 특히 1830년대 영국에서 시작된 철도의 발전과 [34]이와 관련된 물리학, 공학 및 건축의 후속 발전이 포함되었습니다.19세기의 중요한 공학적 업적은 1851년 런던의 대전시회를 위해 지어진 거대한 주철과 판유리 전시관인 크리스탈 팰리스였습니다.유리와 철은 패딩턴역(1854년)[35] 킹스크로스역(1852년)과 같은 런던의 주요 철도 터미널 건설에도 유사한 기념비적인 양식으로 사용되었습니다.[36]이러한 기술적 발전은 브루클린 다리(1883)와 에펠탑(1889)과 같은 후기 구조물의 건설로 이어졌습니다.후자는 인간이 만든 물건이 얼마나 클 수 있는지에 대한 이전의 모든 제한을 깼습니다.이러한 공학적 경이로움은 19세기 도시 환경과 사람들의 일상을 근본적으로 변화시켰습니다.1837년부터 전신기가 개발되고 1845년부터 영국 철도 회사들이 표준 시간을 채택함으로써 시간에 대한 인간의 경험 자체가 바뀌었습니다.[37] 그리고 그 후 50년 동안 세계의 나머지 지역에서.[38]

지속적인 기술 발전에도 불구하고, 역사와 문명은 본질적으로 진보적이며, 진보는 항상 좋다는 생각은 19세기에 점점 더 공격을 받게 되었습니다.예술가의 가치와 사회의 가치가 다를 뿐 아니라 사회가 진보와 대립되는 것이며, 현재의 형태로 나아갈 수 없다는 주장이 제기되었습니다.세기 초, 철학자 쇼펜하우어 (1788–1860) (의지와 표현으로서의 세계, 1819)는 이전의 낙관론에 의문을 제기했고, 그의 생각은 니체를 포함한 후대의 사상가들에게 중요한 영향을 미쳤습니다.[32]19세기 중반의 가장 중요한 사상가들 중 두 명은 자연 선택수단에 의한 종의 기원에 관하여(1859)의 저자인 생물학자 찰스 다윈(1809–1882)과 다스 카피탈(1867)의 저자인 정치학자 칼 마르크스(1818–1883)였습니다.다윈의 자연선택에 의한 진화론은 종교적 확실성과 인간의 유일성에 대한 관념을 훼손했습니다.특히 인간이 '하류동물'과 같은 충동에 이끌렸다는 개념은 숭고한 영성의 개념과 조화를 이루기 어렵다는 것이 증명되었습니다.[39]칼 마르크스는 자본주의 체제 안에 근본적인 모순이 존재하며, 노동자들은 자유롭지 못하다고 주장했습니다.[40]

오딜론 레돈, 가디언 스피릿 오브 워터스, 1878, 종이 위의 숯, 시카고 아트 인스티튜트

19세기 후반의 시작.

역사학자들과 여러 분야의 작가들은 다양한 날짜들을 모더니즘의 출발점으로 제시해왔습니다.예를 들어, 역사학자 윌리엄 에버델(William Everdell)은 1870년대에 모더니즘이 수학자 리차드 데데킨트(Richard Dedekind)의 데데킨트 컷(Dedekind cut)과 루트비히 볼츠만(Ludwig Boltzmann)의 통계 열역학(1844-1906)으로 이산형에 굴복하기 시작했다고 주장했습니다.[12]에버델은 또한 그림의 모더니즘이 1885년에서 1886년 사이에 라 그랑 자트 섬의 일요일 오후를 그리는데 사용된 점들인 쇠라분할주의에서 시작되었다고 생각합니다.반면에, 시각 예술 비평가 Clement GreenbergImmanuel Kant (1724–1804)를 "최초의 진짜 모더니즘"이라고 불렀지만,[41] 그는 또한 "안전하게 모더니즘이라고 부를 수 있는 것이 지난 세기 중반에 출현했습니다 – 그리고 다소 지역적으로, 프랑스에서는 문학에서 보들레르, 그림에서 마네, 그리고 아마도 Flaubert와 함께.산문 소설에서(모더니즘이 음악건축에 나타난 것은 지역적으로가 아니라 시간이 좀 지난 후였습니다.)"[31]시인 보들레르의 "악의 꽃"과 플로베르의 소설 "마담 보바리"는 모두 1857년에 출판되었습니다.보들레르의 에세이 "현대 생활의 화가" (1863)는 젊은 예술가들이 전통에서 벗어나 예술에서 그들의 세계를 묘사하는 새로운 방식을 혁신하도록 영감을 주었습니다.

예술과 문학에서, 두 가지 중요한 접근법은 1860년대에 시작하여 프랑스에서 별개로 발전했습니다.첫 번째는 인상주의로, 처음에는 작업을 하는 것에 초점을 두었고, 작업실이 아니라 야외에서 (공기가 가득 찬) 작업을 했습니다.인상주의 그림들은 인간이 사물을 보는 것이 아니라 빛 그 자체를 본다는 것을 전달하려고 시도했습니다.그 학교는 주요 실천가들 사이의 내부 분열에도 불구하고 지지자들을 모았고 점점 더 영향력을 가지게 되었습니다.그 당시의 가장 중요한 상업적 쇼인 정부가 후원하는 파리 살롱에서 처음에 거절당했던 인상주의자들은 1870년대와 1880년대 동안 상업적 장소에서 매년 단체 전시회를 열었고, 그것들이 공식적인 살롱과 일치하도록 시기를 맞추었습니다.1863년의 중요한 행사는 파리 살롱전에 의해 거절된 모든 그림들을 전시하기 위해 나폴레옹 3세 황제에 의해 만들어진 살롱전이었습니다.대부분이 표준적인 스타일이었지만 열등한 예술가들에 의해, 마네의 작품은 엄청난 관심을 끌었고, 그 운동에 상업적인 문을 열었습니다.두 번째 프랑스 학파는 샤를 보들레르 (1821–1867)로 시작하는 문학사가들이 보는 상징주의였고, 후기 시인들을 포함하여 아르투르 랭보 (1854–1891), 우네 사이종 엔페르 (지옥에서의 계절, 1873), 폴 베를렌 (1844–1896), 스테판 말라르메 (1842–1898), 폴 발레리 (1871–1945)가 있습니다.상징주의자들은 "직접적인 묘사와 명백한 비유보다 제안과 환기의 우선을 강조"했고, 특히 "언어의 음악적 속성"에 관심이 많았습니다.[42]

영화의 직접적인 선구자들을 포함하여 너무나 많은 모더니즘의 예술을 탄생시킨 카바레는 1881년 몽마르트르검은 고양이가 문을 열고 아이러니한 독백의 시작과 일관성 없는 예술협회의 설립으로 프랑스에서 시작되었다고 할 수 있습니다.[43]

앙리 마티스, 레보뇌르 비브르, 1905-06, 반스 재단, 메리온, PA.야수파의 초기 걸작입니다.

모더니즘의 초기에 영향을 준 것은 지그문트 프로이트 (1856–1939)의 이론들이었습니다.프로이트의 첫 번째 주요 작품은 히스테리관한 연구(Josef Brouer, 1895)였습니다.프로이트의 사고의 중심은 "정신적 삶에서 무의식의 우선성"에 대한 생각입니다. 그래서 모든 주관적 현실은 기본적인 추진력과 본능의 유희에 기반을 두었고, 이를 통해 외부 세계가 인식되었습니다.프로이트의 주관적 상태에 대한 묘사는 원시적 충동으로 가득 찬 무의식적인 마음과 사회적 가치에서 파생된 스스로 부과된 제약의 균형을 맞추는 것을 포함했습니다.[30]: 538

앙리 마티스, , 1910, 러시아 상트페테르부르크 에르미타주 박물관.20세기 초 앙리 마티스와 입체파 이전의 조르주 브라크, 앙드레 데랭, 라울 뒤피, 모리스블라밍크 등 여러 젊은 예술가들은 비평가들이 야수파라고 부르는 "야성적이고, 다양한 색의, 표현적인 풍경화와 인물화"로 파리 예술계에 혁명을 일으켰습니다.앙리 마티스의 '춤' 두 번째 버전은 그의 경력과 현대 회화 발전의 핵심을 의미합니다.[44]

프리드리히 니체(1844–1900)는 심리적 추진력, 특히 "권력에의 의지"(Wille zur Macht)가 중심적으로 중요했던 철학과 함께 [45]모더니즘의 또 다른 주요 선구자였습니다: "니체는 종종 삶 그 자체를 '권력에의 의지', 즉 성장과 내구성에 대한 본능과 동일시 했습니다."[46][47]반면, 앙리 베르그송 (1859–1941)은 과학적, 시계적 시간과 직접적이고 주관적인 인간의 시간 경험 사이의 차이를 강조했습니다.[33]: 131 시간과 의식에 대한 그의 연구는 "20세기 소설가들에게 큰 영향을 미쳤고, 특히 도로시 리처드슨, 제임스 조이스, 버지니아 울프 (1882–1941)와 같은 의식의 흐름 기술을 사용한 모더니스트들에게" 큰 영향을 미쳤습니다.[48]또한 베르그송의 철학에서 중요한 것은 "모든 것의 창조적인 진화를 가져오는" 생명력인 elan vital의 생각이었습니다.[33]: 132 그의 철학은 또한 지성의 중요성을 거부하지 않고 직관에 높은 가치를 두었습니다.[33]: 132

모더니즘의 중요한 문학적 선구자들은 소설 범죄와 벌 (1866)과 카라마조프 형제 (1880)[49]를 쓴 표도르 도스토예프스키 (1821–1881); 시 모음집 풀잎 (1855–1891)을 출판한 월트 휘트먼 (1819–1892); 그리고 어거스트 스트린드베르크 (1849–1912), 특히 다마스쿠스로 3부작을 포함한 그의 후기 연극들이었습니다.1898-1901, 꿈의 연극 (1902)과 유령 소나타 (1907).헨리 제임스는 일찍이 '여인의 초상'(1881)이라는 작품에서 중요한 선구자로 제시되기도 했습니다.[50]

낭만주의로부터 파생된 이상들의 충돌로부터, 그리고 아직 알려지지 않은, 지식을 설명하기 위한 방법을 찾으려는 시도는, 그들의 작가들이 예술에 있어서 현존하는 경향의 확장이라고 생각했던 반면, 20세기의 첫 10년 동안 작품들의 첫 번째 물결이 왔습니다.예술가들이 부르주아 문화와 사상의 해석자이자 대표자였다는 일반 대중과의 암묵적인 계약을 깼습니다.이 "모더니즘" 랜드마크는 1908년 아놀드 쇤베르크2차 현악 사중주무조적 결말, 1903년 시작된 바실리 칸딘스키의 표현주의 그림, 1911년 뮌헨에서 그의 첫 추상화와 블루 라이더 그룹의 설립, 그리고 야수파의 발흥과 입체파의 발명을 포함합니다.1900년에서 1910년 사이의 Henri Matisse, Pablo Picasso, Georges Braque 등의 오디오.

본시기

프랭크 로이드 라이트, 폴링워터, 밀런, 펜실베이니아 (1937)폴링워터는 라이트의 가장 유명한 개인 거주지 중 하나였습니다 (1937년 완공).

20세기 초부터 1930년까지

모더니즘 건축가 요제프 호프만의 팔레 스토클레(Palais Stoclet, 1905-1911)
파블로 피카소, 다니엘 헨리 칸와일러 초상, 1910, 시카고 미술관

모더니즘의 중요한 측면은 그것이 새로운 형태로 반복, 통합, 개작, 요약, 수정과 패러디와 같은 기술의 채택을 통해 전통과 어떻게 관련되는가 하는 것입니다.[b][c]

Piet Mondrian, 해변과 피어스가 있는 모래언덕에서 바라본 풍경, Domburg, 1909, 판지에 기름과 연필, 현대미술관, 뉴욕시
아르테 레이나 소피아 미술관(MNCARS)은 스페인 마드리드에 위치한 20세기 미술관입니다.사진은 현대 아트 타워의 클로즈업과 함께 이안 리치 건축사에 의해 외부에 현대 유리 타워 중 하나가 추가된 오래된 건물을 보여줍니다.

T. S. 엘리엇은 예술가와 전통의 관계에 대해 다음과 같이 중요한 논평을 했습니다: "[W]우리는 종종 시인의 작품에서 최고의 부분뿐만 아니라 가장 개별적인 부분들이 죽은 시인들, 그의 조상들이 그들의 불멸을 가장 힘차게 주장하는 부분들일 수 있다는 것을 발견할 것입니다."[53]그러나 모더니즘과 전통의 관계는 문학 학자 피터 차일즈가 나타내듯이 복잡했습니다: "혁명적이고 반동적인 입장을 향한 경향, 새로운 것에 대한 두려움과 옛 것의 소멸에 대한 기쁨, 허무주의와 광적인 열정, 창조성과 절망에 대한 역설적인 것들이 있었습니다."[4]

모더니즘 예술이 어떻게 혁명적이면서도 과거의 전통과 연관될 수 있는지를 보여주는 한 예로 작곡가 아놀드 쇤베르크의 음악이 있습니다.한편으로 쇤베르크는 적어도 한 세기 반 동안 음악을 만드는 것을 지도해온 음악 작품들을 조직하는 계층적인 체계인 전통적인 음색 조화를 거부했습니다.그는 12음 행의 사용을 바탕으로 소리를 조직하는 완전히 새로운 방법을 발견했다고 믿었습니다.그러나 이것은 완전히 새로운 것이었지만, 그것의 기원은 프란츠 리스트,[54] 리하르트 바그너, 구스타프 말러, 리하르트 슈트라우스, 막스 레거와 같은 초기 작곡가들의 작품에서 거슬러 올라갈 수 있습니다.[55][56]쇤베르크는 또한 그의 경력 동안 성조 음악을 작곡했습니다.

미술계에서 20세기 첫 10년 동안 파블로 피카소앙리 마티스와 같은 젊은 화가들은 인상파 화가 모네가 이미 원근법을 사용하는 데 혁신적이었지만 [57][58]전통적인 원근법을 거부하여 충격을 주고 있었습니다.[59]1907년 피카소가 아비뇽의 여인들(Les Demoiselles d'Avignon)을 그리고 있을 때, 오스카르 코코슈카는 최초의 표현주의 연극(1909년 스캔들로 제작)인 뫼더, 호프농 데어 프라우엔(Hoffnung der Frauen, 살인, 여성의 희망)을 작곡하고 있었고, 아놀드 쇤베르크는 그의 첫 번째 작곡인 F sharp단조(1908)에서 현악 사중주 2번을 작곡하고 있었습니다.

입체파를 이끈 주요한 영향은 폴 세잔의 후기 작품들에서 입체적인 형태를 표현한 것인데, 이 작품들은 1907년 살롱오토네에서 회고전에 전시되었습니다.[60]입체파 작품에서, 사물들은 추상화된 형태로 분석되고, 분해되고, 재조립됩니다; 한 관점에서 사물들을 묘사하는 것 대신, 작가는 더 큰 맥락에서 주제를 나타내기 위해 다양한 관점에서 주제를 묘사합니다.[61]입체파는 1911년 파리의 살롱독립당(4월 21일 ~ 6월 13일)에서 처음으로 일반 대중의 관심을 끌었습니다.41호에는 장 메칭거, 알베르 글리제, 앙리파우코니에, 로버트 들라우네, 페르낭 레거, 로저 드 라 프레즈네가 함께 등장해 입체파가 파리와 그 너머로 퍼져나가는 '스캔들'을 자극했습니다.또한 1911년에 칸딘스키빌트미트 크라이스 (원이 있는 그림)를 그렸는데, 나중에 그는 이것을 최초의 추상화라고 불렀습니다.[62]: 167 1912년 메칭거와 글라이즈는 현재까지 가장 큰 입체파 전시회인 살롱 드 라 섹션 도르(Salon de la Section d'Or)에 맞추어 출판된 최초의 입체파 선언문인 "큐비스메(Du "Cubisme)"를 썼습니다.1912년 메칭거는 매혹적인 라 팜므 슈발(말을 탄 여자)당세오 카페(카페에서 춤을 추는 여자)를 그리고 전시했습니다.알베르 글리제는 그의 목욕가(Les Baineeus)와 그의 기념비적인 데피콰지 데 모이송(Le Dépiquage des Moissons)을 그렸습니다.이 작품은 Robert DelaunayLa Ville de Paris (City of Paris)와 함께, 전쟁 전 입체파 시기에 그려진 가장 크고 야심찬 입체파 그림이었습니다.[63]

1905년, 에른스트 루트비히 키르히너가 이끄는 4명의 독일 예술가 그룹이 드레스덴에서 다리(Die Brücke)를 만들었습니다.이것은 독일 표현주의 운동의 창립 단체였지만, 그들은 그 자체라는 단어를 사용하지 않았습니다.몇 년 후, 1911년에, 비슷한 생각을 가진 젊은 예술가 그룹이 뮌헨에서 Der Blue Reiter (The Blue Rider)를 결성했습니다.그 이름은 Wassily Kandinsky의 1903년 Der Blue Reiter 그림에서 유래되었습니다.그들의 멤버들 중에는 칸딘스키, 프란츠 마크, 폴 클레, 그리고 어거스트 메커가 있었습니다.그러나 "표현주의"라는 용어는 1913년까지 확고하게 자리 잡지 못했습니다.[62]: 274 1910년에서 1930년 사이에 주로 회화, 시, 연극 등에서 주로 독일 [f]예술 운동이 이루어졌지만, 이 운동의 대부분의 선구자들은 독일인이 아니었습니다.또한 산문소설의 표현주의 작가들과 비독일어권의 표현주의 작가들이 존재해 왔으며, 1930년대 아돌프 히틀러의 등장으로 독일에서 운동이 쇠퇴한 반면, 이후의 표현주의 작품들이 존재했습니다.

에곤 실레에두아르드 코스맥 초상 (1910)
코르뷔지에, 빌라 사보이포이시 (1928–1931)

표현주의는 부분적으로 "미래주의, 소용돌이주의, 입체주의, 초현실주의, 다다주의와 같은 모더니즘 시대의 다른 주요 '주의'와 겹치기 때문에 정의하기로 악명높게 어렵습니다."[66]리처드 머피는 또한 "모든 것을 포함하는 정의를 찾는 것은 소설가 프란츠 카프카, 시인 고트프리드 벤, 소설가 알프레드 도블린과 같은 가장 도전적인 표현주의자들이 동시에 가장 큰 소리로 반 표현주의자였을 정도로 문제가 있다"고 언급합니다.[67]: 43 그러나 말할 수 있는 것은 그것이 산업화의 비인간화 효과와 도시의 성장에 반응하여 20세기 초 독일을 중심으로 전개된 운동이었고, "표현주의가 스스로를 아방가르드 운동으로 파악하는 중심적인 수단의 하나,그리고 이를 통해 전통과 문화 기관 전체에 대한 거리를 표시하는 것은 사실주의와의 관계와 지배적인 표현 관습을 통해 가능합니다."[67]: 43 더 명백하게:[67]: 43–48 [68] 표현주의자들이 현실주의 이데올로기를 거부했다는 것.20세기 초 독일 연극에는 표현주의 운동이 집중되어 있었는데, 그 중 게오르크 카이저에른스트 톨러가 가장 유명한 극작가였습니다.다른 주목할 만한 표현주의 극작가로는 라인하르트 소르게, 월터 하센클레버, 한스 헤니 얀, 아르놀트 브로넨 등이 있습니다.그들은 스웨덴의 극작가 아우구스트 스트린드베르크와 독일의 배우이자 극작가인 프랑크 베데킨트를 그들의 극작 실험의 선구자로 돌아 보았습니다.오스카르 코코슈카의 '살인자, 여성의 희망'은 1909년 7월 4일 에서 개막한 극장의 최초의 완전한 표현주의 작품입니다.[69]등장인물들을 신화적인 유형으로 극단적으로 단순화시키는 것, 합창 효과, 비난적인 대화와 고조된 강도는 후대 표현주의 연극의 특징이 될 것입니다.최초의 장편 표현주의 연극은 1914년에 출판되어 1916년에 처음 공연된 월터 하센클레버의 아들입니다.[70]

미래주의는 또 다른 모더니즘 운동입니다.[71]1909년 파리의 신문피가로F를 발행했습니다. T. 마리네티의 첫번째 선언문.얼마 지나지 않아 화가들(자코모 발라, 움베르토 보치오니, 카를로 카라, 루이지 루솔로, 지노 세베리니)이 미래주의 선언에 공동 서명했습니다.마르크스엥겔스의 유명한 '공산주의 선언'(1848)을 모델로 삼아, 그러한 선언은 자극하고 추종자들을 모으기 위한 아이디어를 제시했습니다.그러나, 기하학적이거나 순수하게 추상적인 그림을 지지하는 주장들은, 이 시기에, 대부분 작은 발행부수만을 가진 "작은 잡지들"에 국한되었습니다.모더니즘 원시주의와 비관론은 논란의 여지가 있었고, 20세기 첫 10년 동안 주류는 여전히 진보에 대한 믿음과 자유주의적 낙관주의에 치우쳤습니다.

장 메칭거, 1913, 엔 카노 (임 부츠), 캔버스에 기름 146 x 114 cm (57.5인치 x 44.9인치), 1916년 게오르크 무체가 1936-1937년경 나치에 의해 압수된 슈투름 갤러리에 인수되어 뮌헨에서 열린 디제너레이트 아트 쇼에 전시되었으며 그 이후로 행방불명 되었습니다.[72]

폴 세잔 (1839–1906)과 에드바르 뭉크 (1863–1944)[73] 뿐만 아니라 인상주의 화가들을 예로 든 추상 예술가들은 자연 세계의 묘사가 아니라 색상과 형태가 예술의 본질적인 특징을 형성한다는 가정에서 시작되었습니다.서양 예술르네상스 시대부터 19세기 중반까지 원근법의 논리와 가시적인 현실에 대한 환상을 재현하려는 시도에 의해 뒷받침되었습니다.유럽 이외의 문화 예술은 접근이 가능해졌고 시각적 경험을 예술가에게 설명하는 대안적인 방법을 보여주었습니다.19세기 말까지 많은 예술가들은 기술, 과학, 철학에서 일어나는 근본적인 변화를 포괄하는 새로운 종류의 예술을 창조할 필요를 느꼈습니다.개별 예술가들이 자신의 이론적 주장을 이끌어낸 원천은 다양했고, 당시 서양 문화의 모든 영역에 대한 사회적, 지적 선입견을 반영했습니다.[74]바실리 칸딘스키, 피에트 몬드리안, 그리고 카지미르 말레비치는 모두 순수한 색의 배열로서 예술을 재정의하는 것을 믿었습니다.시각 예술의 재현적 기능의 많은 부분을 쓸모없게 만들었던 사진의 사용은 모더니즘의 이러한 측면에 강하게 영향을 미쳤습니다.[75]

Frank Lloyd Wright[76]Le Corbusier 와 같은 모더니스트 건축가들과 디자이너들은 새로운 기술이 오래된 건물 양식을 구식으로 만든다고 믿었습니다.[77]르 꼬르뷔지에는 건물이 "생활을 위한 기계"로 기능해야 한다고 생각했는데, 그는 이 기계를 여행을 위한 기계로 여겼습니다.[78]자동차가 말을 대신했듯, 모더니즘 디자인은 고대 그리스나 중세 시대로부터 물려받은 오래된 양식과 구조를 거부해야 합니다.이 기계의 미학을 따라 모더니즘 디자이너들은 일반적으로 디자인에서 장식적인 모티프를 거부했고, 사용된 재료와 순수한 기하학적 형태를 강조하는 것을 선호했습니다.[79]마천루는 전형적인 모더니즘 건물이고, 1890년에서 1991년 사이에 지어진 10층짜리 사무실 건물인 웨인라이트 빌딩입니다. 미국 미주리주 루이는 세계 최초의 마천루 중 하나입니다.[80]루드비히 미스 데어 로(1956-1958)의 뉴욕 씨그램 빌딩은 종종 이 모더니즘 고층 건축의 정점으로 여겨집니다.[81]비록 이전의 교조주의가 장식, 역사적 인용, 그리고 공간 드라마의 더 재미있는 사용에 자리를 내줬지만, 모더니즘 디자인의 많은 측면들은 여전히 현대 건축의 주류 안에 남아있습니다.

앙드레 메이슨, 1922년 스튜디오의 받침대 테이블, 초현실주의의 초기 예.

1913년은 철학자 에드먼드 후설아이디어, 물리학자 닐스 보어의 양자화된 원자, 에즈라 파운드상상력의 창시, 뉴욕의 아모리 쇼, 그리고 상트페테르부르크의 "최초의 미래주의 오페라"인 미하일 마투신태양대한 승리 – 또 다른 러시아 작곡가 이고르 스트라빈스키의식을 깊이 있게 만든 발레를 작곡했습니다.인간의 희생을 표현하고, 불협화음과 원시적인 리듬으로 가득한 음악적인 점수를 가지고 있습니다.이것은 파리에서의 첫 공연에서 논란을 일으켰습니다.이 시기에 모더니즘은 여전히 "진보적"이었지만, 점점 더 전통적인 형태와 전통적인 사회적 배치가 진보를 방해한다고 보았고, 예술가를 사회를 계몽하기보다는 전복시키는 데 관여하는 혁명가로 재캐스팅하고 있었습니다.또한 1913년에 마르셀 프루스트의 중요한 소설 연작 à larcherche du temps perdu (1913–1927)의 첫 번째 권이 출판되면서 프랑스에서 덜 폭력적인 사건이 일어났습니다.이것은 종종 의식의 흐름 기법을 사용하는 작가의 초기 예로 제시되지만, 로버트 험프리는 프루스트가 "의식의 회상적인 측면에만 관심이 있다"고 말하고 "의사소통을 목적으로 의도적으로 과거를 재탈환한 것이므로 의식의 흐름 소설을 쓰지 않았습니다."[82]

의식의 흐름은 중요한 모더니즘 문학의 혁신이었고, 아서 슈니츨러 (1862–1931)가 그의 단편 소설 "용감한 사람이 아니고" (1900)에서 그것을 완전히 활용한 최초의 사람이었다고 제안되었습니다.[83]도로시 리처드슨(Dorothy Richardson)은 그녀의 소설 시퀀스(1915-1967)의 초기 권에서 그것을 사용한 최초의 영국 작가였습니다.[g]이 서사 기법의 사용과 관련된 또 다른 모더니즘 소설가로는 율리시스제임스 조이스(1922)와 라코시엔자 디 제노이탈로 스베보(1923)가 있습니다.[85]

하지만, 1914년부터 1918년까지의 대전1917년의 러시아 혁명이 다가오면서, 세상은 급격하게 바뀌었고, 과거의 믿음과 제도에 의심을 품게 되었습니다.이전 현상의 실패는 수백만 명의 사람들이 흙 조각 때문에 싸우는 것을 목격한 세대에게 자명해 보였습니다. 1914년 이전에는 비용이 너무 높았기 때문에 아무도 그러한 전쟁에 싸우지 않을 것이라고 주장되어 왔습니다.19세기 일상생활의 조건에 큰 변화를 주었던 기계 시대의 탄생은 이제 전쟁의 본질을 근본적으로 바꾸어 놓았습니다.최근 경험의 충격적인 특성은 기본적인 가정을 바꾸었고, 참호전이라는 환상적인 초현실적인 특성에 직면했을 때 예술에서의 삶을 사실적으로 묘사하는 것은 불충분해 보였습니다.에리히 마리아 레마르크의 소설 서부전선모든 정숙한 사람들(1929)과 같은 작품에서 묘사된, 인류가 이제는 도덕적으로 꾸준히 진보하고 있다는 관점은 무의미한 학살 앞에서 우스꽝스럽게 보였습니다.따라서 전쟁 이전까지 소수의 취향이었던 모더니즘의 현실관은 1920년대에 이르러 더 일반적으로 받아들여지게 되었습니다.

문학과 시각 예술에서 일부 모더니스트들은 그들의 예술을 더 생생하게 만들기 위해, 또는 청중들이 그들 자신의 선입견에 의문을 제기하도록 하기 위해 주로 기대를 저버리기 위해 노력했습니다.모더니즘의 이러한 측면은 종종 19세기 후반에 유럽과 북미에서 발전한 소비자 문화에 대한 반응으로 보입니다.대부분의 제조업자들이 선호와 편견에 호소함으로써 시장성이 있는 제품을 만들기 위해 노력하는 반면, 높은 현대주의자들은 전통적인 사고를 약화시키기 위해 그러한 소비주의적 태도를 거부했습니다.미술평론가 클레멘트 그린버그는 그의 에세이 아방가르드와 키치에서 이 모더니즘 이론을 설명했습니다.[86]그린버그는 소비자 문화의 제품을 "키치(kitch)"라고 이름 붙였는데, 이는 그들의 디자인이 단순히 최대의 매력을 갖는 것을 목표로 하고, 어려운 특징을 제거했기 때문입니다.그린버그에게 모더니즘은 상업적인 대중음악, 할리우드 그리고 광고와 같은 현대 소비문화의 예들의 발전에 대한 반작용을 형성했습니다.그린버그는 이것을 자본주의에 대한 혁명적 거부와 연관 지었습니다.

일부 모더니스트들은 자신들을 정치 혁명을 포함한 혁명적인 문화의 일부로 여겼습니다.1917년 혁명 이후 러시아에서는 실제로 처음에 러시아 미래주의를 포함한 아방가르드 문화 활동이 시작되었습니다.그러나 다른 사람들은 정치적 구조의 변화보다 정치적 의식의 혁명이 더 중요하다고 믿으면서 예술적 관습뿐만 아니라 전통적인 정치를 거부했습니다.그러나 많은 모더니스트들은 자신들을 정치인으로 여겼습니다.T. S. 엘리엇과 같은 다른 사람들은 보수적인 입장에서 대중문화를 거부했습니다.어떤 사람들은 심지어 문학과 예술의 모더니즘이 인구의 대다수를 배제한 엘리트 문화를 유지하는 기능을 했다고 주장합니다.[86]

1920년대 초에 시작된 초현실주의는 대중들에 의해 모더니즘의 가장 극단적인 형태, 즉 "모더니즘의 전위"로 여겨지게 되었습니다.[87]"초현실주의자"라는 단어는 기욤 아폴리네르에 의해 만들어졌고 1903년에 쓰여지고 1917년에 처음 공연된 그의 연극 "티레시아스레스 마멜레스"의 서문에 처음 등장했습니다.주요 초현실주의자들로는 폴 엘루아르, 로베르트 데스노스,[88] 막스 에른스트, 한스 아르프, 안토닌 아르토, 레이몽 퀴노, 호안 미로, 마르셀 뒤샹 등이 있습니다.[89]

1930년에 이르러 모더니즘은 정치적, 예술적 기반을 포함한 기득권층에서 한 자리를 차지하게 되었지만, 이때 모더니즘 자체는 변했습니다.

모더니즘은 1930년에서 1945년까지 계속됩니다.

모더니즘은 1930년대 동안 계속해서 진화했습니다.1930년에서 1932년 사이에 작곡가 Arnold Schoenberg12음 기법을 사용한 최초의 오페라 중 하나인 Moses and Aron을 작업했습니다.[90] Pablo Picasso는 1937년에 파시즘에 대한 입체파 비난인 Guernica를 그렸고, 1939년 James JoyceFinnegans Wake로 현대 소설의 경계를 더 넓혔습니다.또한 1930년까지 모더니즘은 주류 문화에 영향을 미치기 시작했고, 예를 들어 뉴요커 잡지도로시 파커,[91] 로버트 벤치리, E. B.와 같은 젊은 작가들과 유머러스한 사람들에 의해 모더니즘의 영향을 받은 작품을 출판하기 시작했습니다. 화이트, S.J. Perelman, James Thurber 등이 있습니다.[92]Perelman은 1930년대와 1940년대에 잡지에 발표했던 유머러스한 단편 소설로 높이 평가받고 있는데, 주로 The New Yorker에서 주로 출판되었는데, 이것은 미국에서 초현실주의 유머의 첫 번째 예로 여겨집니다.[93]예술에 있어서의 현대적인 생각들은 또한 광고와 로고들에 더 자주 나타나기 시작했고, 1916년부터 에드워드 존스턴에 의해 디자인된 유명한 런던 언더그라운드 로고의 초기 예입니다.[94]

이 시기의 가장 눈에 띄는 변화 중 하나는 서유럽과 북미의 일반인들의 일상생활에 새로운 기술이 도입된 것입니다.전기, 전화, 라디오, 자동차, 그리고 그들과 함께 일하고, 수리하고, 그들과 함께 생활해야 하는 필요성은 사회적 변화를 만들었습니다.1880년대에 소수만 알고 있던 파괴적인 순간이 흔한 일이 되었습니다.예를 들어, 1890년의 주식 중개인들을 위해 예약된 의사소통의 속도는, 적어도 북미의 중산층에서, 가족 생활의 일부가 되었습니다.도시화와 변화하는 사회적 경향과 관련하여 소규모 가정이 생겨났고 부모와 자녀 간의 관계도 변화했습니다.

에드워드 존스턴이 디자인한 런던 지하철 로고.이것은 1916년에 처음 사용된 것의 현대적인 버전입니다.

이 시기의 또 다른 강력한 영향력은 마르크스주의였습니다.제1차 세계대전 이전의 모더니즘의 일반적으로 원시주의적/비이성주의적 측면과 1920년대의 신고전주의 (현대 문제에 대한 대중적인 해결책을 거부한 T. S. 엘리엇이고르 스트라빈스키에 의해 가장 유명하게 표현된 바와 같이), 파시즘의 부상, Gr.대공황을 먹고, 전쟁으로의 행진은 한 세대의 급진화를 도왔습니다.Bertolt Brecht, W. H. Auden, André Breton, Louis Aragon, 그리고 철학자 Antonio GramsciWalter Benjamin은 아마도 이 모더니즘 형태의 마르크스주의의 가장 유명한 본보기일 것입니다.그러나 살바도르 달리, 윈덤 루이스, T.S. 엘리엇, 에즈라 파운드, 네덜란드 작가 메노터 브라크 등 '우파'를 명시적으로 말하는 모더니스트들도 있었습니다.[95]

Marcel Proust, Virginia Woolf, Robert MusilDorothy Richardson의 추가 소설을 포함하여 1920년대와 1930년대에 중요한 모더니즘 문학 작품이 계속 창작되었습니다.미국 모더니즘 극작가 유진 오닐의 경력은 1914년에 시작되었지만, 그의 주요 작품들은 1920년대, 1930년대 그리고 1940년대 초에 나타났습니다.1920년대와 1930년대에 저술한 또 다른 중요한 모더니즘 극작가로는 베르톨트 브레히트페데리코 가르시아 로르카가 있습니다.D. H. 로렌스채털리 부인의 애인은 1928년에 개인적으로 출판되었고, 1929년 윌리엄 포크너의 "소리와 분노"의 출판과 함께 현대 소설 역사의 또 다른 중요한 획기적인 사건이 일어났습니다.1930년대에, 포크너의 더 많은 주요 작품들 외에도, 사무엘 베케트는 그의 첫 주요 작품인 소설 머피 (1938)를 출판했습니다.그리고 1939년 제임스 조이스의 피네건스 웨이크가 등장했습니다.이것은 일반적인 영어 어휘 항목과 잠과 꿈의 경험을 재현하려고 시도하는 신조어적다국어 말장난용어들의 혼합으로 구성된 대다수 독특한 언어로 쓰여졌습니다.[96]시에서 T. S. 엘리엇, E. E. 커밍스, 월리스 스티븐스는 1920년대부터 1950년대까지 글을 쓰고 있었습니다.영어의 모더니즘 시는 종종 에즈라 파운드, T. S. 엘리엇, 마리안 무어, 윌리엄 카를로스 윌리엄스, HD.D., 루이 주코프스키 등의 주요 인물들과 함께 미국의 현상으로 간주되지만 데이비드 존스, 휴 맥디아미드, 바질 번팅, W. H. 오든 등 중요한 영국 모더니즘 시인들이 있었습니다.유럽 모더니즘 시인으로는 페데리코 가르시아 로카, 안나 아크마토바, 콘스탄틴 카바피, 폴 발레리 등이 있습니다.

마조리 피츠 깁본의 더블린 노스스트리트에 있는 제임스 조이스 동상

모더니즘 운동은 이 기간 동안 소련 러시아에서 계속되었습니다.1930년 작곡가 Dimitri Shostakovich의 오페라 The Nose가 초연되었는데, 이 오페라에서 그포크 음악, 대중가요, 무조 등 다양한 스타일의 몽타주를 사용합니다.그의 영향 중에는 "쇼스타코비치가 레닌그라드에서 공연되었을 때 엄청난 인상을 남긴" 알반 베르크(1985–1935)의 오페라 워젝(1925)이 있습니다.[97]그러나 1932년부터 사회주의 리얼리즘은 소련의 모더니즘을 축출하기 시작했고,[98] 1936년 쇼스타코비치는 공격을 받았고 그의 4번째 교향곡을 철회해야만 했습니다.[99]Alban Berg는 1937년 초연된 또 다른 중요한 모더니즘 오페라, Lulu를 완성하지는 못했지만 썼습니다.베르크의 바이올린 협주곡은 1935년에 처음 연주되었습니다.쇼스타코비치처럼, 다른 작곡가들도 이 시기에 어려움을 겪었습니다.

독일에서 아놀드 쇤베르크(1874–1951)는 1933년 히틀러가 집권했을 때 모더니즘 양식과 유대인 혈통 때문에 미국으로 도피해야 했습니다.[100]이 시기의 그의 주요 작품들은 바이올린 협주곡 Op. 36 (1934/36)과 피아노 협주곡 Op. 42 (1942)입니다.쇤베르크는 또한 이 시기에 G장조 현악 모음곡(1935)과 챔버 교향곡 2번 E단조 Op. 38(1906년 begun, 1939년 완성)로 성조 음악을 작곡했습니다.이 시기 동안 헝가리의 모더니스트 벨라 바르토크 (1881–1945)는 현악, 타악기, 첼레스타위한 음악 (1936)과 현악 오케스트라를 위한 디베르티멘토 (1939), 현악 사중주 5번 (1934), 그리고 6번 (그의 마지막, 1939)을 포함한 많은 주요 작품들을 제작했습니다.그러나 그 역시 1940년 헝가리에서 파시즘의 부상으로 미국으로 떠났습니다.[100]이고르 스트라빈스키 (1882–1971)는 시편교향곡 (1930), C의 교향곡 (1940) 그리고 3악장교향곡 (1945)과 같은 작품들을 쓰면서 1930년대와 1940년대 동안 그의 신고전주의 스타일로 계속 작품을 썼습니다.그는 또한 제2차 세계대전 때문에 미국으로 이민을 갔습니다.그러나 올리비에 메시앙 (1908–1992)은 전쟁 중에 프랑스 군대에 복무했고 독일군에 의해 Stalag VIII-A에 투옥되었고, 그곳에서 그는 그의 유명한 Quatuor pour la fin du temp (시간의 끝을 위한 사중주)를 작곡했습니다.이 4중주단은 1941년 1월 죄수들과 교도관들의 청중들에게 처음으로 공연되었습니다.[101]

그림에서, 1920년대와 1930년대 그리고 대공황 동안, 모더니즘은 초현실주의, 후기 입체주의, 바우하우스, De Stijl, Dada, German Expressionism,그리고 Henri MatissePierre Bonnard와 같은 모더니즘적이고 거장적인 색채 화가들과 유럽 미술계를 특징짓는 Piet Mondrian과 Wassily Kandinsky와 같은 화가들의 추상화들.독일에서는 막스 베크만, 오토 딕스, 조지 그로스 등이 자신들의 그림을 정치화하며 2차 세계대전의 도래를 예감케 했고, 미국에서는 모더니즘이 아메리칸페인팅의 형태로 보이며 정치적·사회적 해설을 모두 담은 사회적 리얼리즘지역주의 운동이 미술계를 지배했습니다.Ben Shahn, Thomas Hart Benton, Grant Wood, George Takeer, John Steuart Curry, Reginald Marsh 등과 같은 예술가들이 유명해졌습니다.라틴 아메리카에서 모더니즘은 우루과이 출신의 화가 호아킨 토레스 가르시아와 멕시코 출신의 루피노 타마요에 의해 정의되는 반면, 디에고 리베라, 다비드 시케이로스, 호세 클레멘테 오로스코, 페드로고메스, 산티아고 마르티네스 델가도함께벽화와 프리다 칼로의 상징주의 그림은 이 지역의 예술 르네상스를 시작했습니다.색채의 자유로운 사용과 정치적 메시지의 강조가 특징입니다.

디에고 리베라는 록펠러 센터의 RCA 빌딩 로비에 있는 1933년 벽화 '교차로사나이'로 대중에게 가장 잘 알려져 있을 것입니다.그의 후원자인 넬슨 록펠러가 그 벽화에 블라디미르 레닌의 초상화와 다른 공산주의 이미지가 포함되어 있다는 것을 발견했을 때, 그는 리베라를 해고했고, 완성되지 않은 작품은 결국 록펠러의 직원들에 의해 파괴되었습니다.프리다 칼로의 작품은 종종 고통을 적나라하게 묘사하는 것이 특징입니다.칼로는 멕시코 토착 문화에 깊은 영향을 받았으며, 이는 그녀의 그림의 밝은 색깔과 극적인 상징성에서 잘 드러납니다.기독교와 유대인 주제는 그녀의 작품에서도 종종 묘사됩니다; 그녀는 종종 피비린내 나는 멕시코 전통의 고전적인 종교적 요소들을 결합했습니다.프리다 칼로의 상징주의 작품들은 초현실주의와 문학의 마술적 사실주의 운동과 깊은 관련이 있습니다.

정치적 행동주의는 데이비드 시케이로스의 삶의 중요한 부분이었고, 종종 그가 그의 예술 경력을 제쳐 놓도록 영감을 주었습니다.그의 예술은 멕시코 혁명에 깊이 뿌리를 두고 있습니다.1920년대부터 1950년대까지의 기간은 멕시코 르네상스로 알려져 있으며, 시케이로스는 동시에 멕시코적이고 보편적인 예술을 창조하기 위한 시도에 적극적이었습니다.어린 잭슨 폴락(Jackson Pollock)은 워크숍에 참석하여 퍼레이드를 위한 부유물 제작을 도왔습니다.

1930년대 동안 급진좌파 정치는 파블로 피카소를 포함한 초현실주의와 연관된 많은 예술가들을 특징짓습니다.[102]1937년 4월 26일, 스페인 내전 중 바스크게르니카 마을이 나치 독일의 루프트바페에 의해 폭격을 당했습니다.독일군은 프란시스코 프랑코가 바스크 정부와 스페인 공화정을 전복시키려는 노력을 지지하기 위해 공격을 감행했습니다.파블로 피카소는 폭격의 공포를 기념하기 위해 벽화 크기의 게르니카를 그렸습니다.

1930년대의 대공황과 제2차 세계대전의 여러 해 동안, 미국 미술은 그랜트 우드, 에드워드 호퍼, 벤, 토마스 하트 벤튼 그리고 다른 여러 사람들의 작품에서 사회적 사실주의아메리칸페인팅으로 특징지어졌습니다.Nighthawks (1942)는 에드워드 호퍼의 그림으로 늦은 밤 시내 식당에 앉아있는 사람들을 묘사합니다.그것은 호퍼의 가장 유명한 그림일 뿐만 아니라, 미국 미술계에서 가장 눈에 띄는 작품 중 하나입니다.이 장면은 그리니치 빌리지의 한 식당에서 영감을 얻었습니다.호퍼는 진주만 공격 직후 그림을 그리기 시작했습니다.이 일이 있은 후 전국적으로 커다란 음울함이 느껴졌는데, 이 감정은 그림에 묘사되어 있습니다.도시의 거리는 식당 밖이 텅 비어 있고, 손님 세 명 중 누구도 다른 손님들을 보거나 대화를 나누지 않고 그들만의 생각에 잠겨 있습니다.현대의 도시 생활을 공허하거나 고독하게 묘사하는 이러한 묘사는 호퍼의 작품 전반에 걸쳐 공통된 주제입니다.

아메리칸 고딕그랜트 우드가 1930년에 그린 그림입니다.목수 고딕 양식의 집 앞에서 포크를 든 농부와 젊은 여성을 묘사한 이 작품은 20세기 미국 미술에서 가장 친숙한 이미지 중 하나입니다.예술 비평가들은 그 그림에 대해 호의적인 의견을 가지고 있었습니다; 거트루드 스타인크리스토퍼 몰리처럼, 그들은 그 그림이 시골의 작은 마을 생활에 대한 풍자라고 생각했습니다.따라서 그것은 셔우드 앤더슨의 1919년 오하이오 와인즈버그, 싱클레어 루이스의 1920년 메인 스트리트, 칼 반 베흐텐문신한 백작부인의 문학을 따라 점점 더 비판적으로 묘사되는 미국 시골 지역을 향한 경향의 일부로 여겨졌습니다.[103]하지만, 대공황의 시작과 함께, 그 그림은 확고한 미국의 개척자 정신을 묘사하는 것으로 보이게 되었습니다.

1930년대 유럽의 예술가들의 상황은 독일과 동유럽 전역에서 나치의 힘이 커지면서 급격히 악화되었습니다.퇴보 미술은 독일 나치 정권이 거의 모든 현대 미술을 위해 채택한 용어였습니다.이러한 예술은 본질적으로 비독일적이거나 유대적인 볼셰비스트라는 이유로 금지되었고, 타락한 예술가로 밝혀진 이들은 제재를 받았습니다.이것들은 교직에서 해고되거나, 그들의 예술품을 전시하거나 판매하는 것이 금지되거나, 어떤 경우에는 예술품을 완전히 생산하는 것이 금지되는 것을 포함합니다.퇴보 예술은 1937년 뮌헨에서 나치에 의해 설치된 전시회의 제목이기도 했습니다.그 기후는 모더니즘과 추상화와 연관된 예술가들과 예술가들에게 너무 적대적이 되어 많은 이들이 아메리카로 떠났습니다.독일의 예술가 막스 베크만과 다른 수십 명의 사람들은 유럽을 떠나 뉴욕으로 향했습니다.뉴욕시에서는 Arshile Gorky, Willem de Kooning, 그리고 다른 사람들이 이끄는 젊고 신나는 모더니즘 화가들의 새로운 세대가 막 성년이 되기 시작했습니다.

아르실 고리키의 윌렘 드 쿠닝으로 보이는 사람의 초상화는 인물화, 입체파, 초현실주의의 맥락에서 추상적 표현주의의 진화를 보여주는 한 예입니다.그의 친구들 드 쿠닝과 존 D와 함께. Graham, Gorky는 생물형태학적으로 형상화되고 추상화된 구상화를 만들었고 1940년대에는 완전히 추상화로 발전했습니다.고리키의 작업은 감정과 자연을 표현하기 위해 선과 색을 사용하여 기억, 감정, 형태를 신중하게 분석하는 것처럼 보입니다.

제2차 세계대전후

옥스퍼드 영국 문학 백과사전은 1939년 경에 영국과[104] 미국 문학과 관련하여 모더니즘이 끝났다고 언급하는 반면, "모더니즘이 서서히 소멸되고 포스트모더니즘이 시작되었을 때 빅토리아 시대에서 모더니즘으로의 전환이 일어났을 때만큼 치열하게 논쟁이 되었습니다."[105]Clement Greenberg는 모더니즘이 1930년대에, 시각 예술과 공연 예술을 제외하고,[31] 그러나 음악과 관련하여, Paul Griffiths는 모더니즘이 1920년대 후반, 제2차 세계 대전 이후에, "새로운 세대의 작곡가들 - 불레즈, Barraqué, Babbit, Nono, Stockhausen,"크세나키스 "모더니즘 부활"[106]사실, 많은 문학 모더니스트들은 1950년대와 1960년대까지 살았지만, 일반적으로 그들은 더 이상 주요한 작품들을 생산하지 않았습니다.1930년 이후 출간된 모더니즘 작품에도 '후기 모더니즘'이라는 용어가 적용되기도 합니다.[107][108]1945년 이후 여전히 출판되고 있는 모더니스트들 중에는 월리스 스티븐스, 고트프리드 벤, T. S. 엘리엇, 안나 아크마토바, 윌리엄 포크너, 도로시 리처드슨, 존 카우퍼 파우스, 에즈라 파운드 등이 있습니다.1901년에 태어난 바질 번팅은 1965년에 그의 가장 중요한 모더니즘 시 브리그플랫츠를 출판했습니다.게다가, Hermann Broch의 The Death of Virgil은 1945년에, Thomas MannDoctor Faustus는 1947년에 출판되었습니다.1989년에 사망한 사무엘 베케트는 "후대 모더니스트"로 묘사되어 왔습니다.[109]베케트는 모더니즘의 표현주의 전통에 뿌리를 둔 작가로 몰로이(1951), 고도기다리며(1953), 행복한 날들(1961), 로커비(1981) 등 1930년대부터 1980년대까지 작품을 제작했습니다."미니멀리스트"와 "포스트 모더니스트"라는 용어는 그의 후기 작품에도 적용되었습니다.[110]시인 찰스 올슨 (1910–1970)과 J. H. 프린 (1936년생)은 후기 모더니스트로 묘사된 20세기 후반의 작가들 중 한 명입니다.[111]

최근에는 적어도 한 평론가에 의해 후기 모더니즘이라는 용어가 재정의되었고 1930년 이후가 아니라 1945년 이후에 쓰여진 작품을 지칭하는 데 사용되었습니다.이러한 용법으로 모더니즘의 이념은 제2차 세계대전의 사건들, 특히 홀로코스트와 원자폭탄 투하에 의해 상당히 재구성되었다는 생각이 듭니다.[112]

전후에는 경제적, 물리적으로 재건하고 정치적으로 재결성해야 하는 절박함으로 유럽의 수도들을 격변에 빠뜨렸습니다.파리(유럽 문화의 옛 중심지이자 예술계의 옛 수도)에서 예술을 위한 풍토는 재앙이었습니다.중요한 수집가, 딜러, 모더니즘 예술가, 작가, 시인들은 유럽을 떠나 뉴욕과 미국으로 향했습니다.유럽의 모든 문화 중심지에서 온 초현실주의자들과 현대 예술가들은 미국의 안전한 피난처로 나치의 공격을 피해 달아났습니다.도망치지 않은 많은 사람들이 죽었습니다.파블로 피카소, 앙리 마티스, 피에르 보나르와 같은 몇몇 예술가들은 프랑스에 남아 살아남았습니다.

1940년대 뉴욕시는 Henri Matisse, Pablo Picasso, 초현실주의, Joan Miró, 입체파, 야수파, 그리고 Hans HofmannJohn D와 같은 미국의 위대한 선생님들을 통해 배운 교훈을 결합한 모더니즘 운동인 미국 추상표현주의의 승리를 예고했습니다. 그레이엄.미국의 예술가들은 피에트 몬드리안, 페르낭 레거, 막스 에른스트앙드레 브르타뉴 그룹, 피에르 마티스의 갤러리, 페기 구겐하임의 갤러리 '금세기예술'의 존재와 다른 요소들로 혜택을 받았습니다.

게다가 파리는 1950년대와 60년대에 기계 예술 꽃의 중심으로서 그 빛의 대부분을 되찾았고, 선도적인 기계 예술 조각가 장 팅겔리니콜라스 쇼퍼는 그들의 경력을 시작하기 위해 그곳으로 이사했습니다 - 그리고 현대 생활의 기술 중심적인 특징에 비추어 볼 때, 어떤 꽃의 꽃.특히 오래 지속되는 영향을 미칠 수 있습니다.[113]

부조리극

Samuel Beckett의 Encendant Goodt, (고도를 기다리며) 페스티벌 d'Avignon, 1978

"황당한 연극"이라는 용어는 주로 유럽인들에 의해 쓰여진 연극들에 적용되는데, 인간의 존재는 아무런 의미나 목적이 없기 때문에 모든 의사소통이 무너진다는 믿음을 표현합니다.논리적 구성과 논증은 비이성적이고 비논리적인 말과 그 궁극적인 결론인 침묵에 자리를 내줍니다.[114]알프레드 제리 (1873–1907)를 포함한 중요한 선구자들이 있지만, 황당한 극장은 일반적으로 1950년대 사무엘 베케트의 연극으로 시작된 것으로 여겨집니다.

평론가 마틴 에슬린은 1960년 수필 "황당한 연극"에서 이 용어를 만들었습니다.그는 Albert Camus가 1942년 그의 에세이, The Myth of Sisyphus에서 그 용어를 사용하는 방식과 유사한, 부조리라는 넓은 주제에 기초하여 이 연극들을 연관시켰습니다.[115]이 연극들의 부조리는 겉보기에는 의미가 없는 세상에 대한 인간의 반응의 형태를 띠고 있으며, 또는 보이지 않는 외부 세력에 의해 통제되거나 위협을 받는 꼭두각시로서의 인간의 반응의 형태를 띠고 있습니다.비록 그 용어가 다양한 연극에 적용되지만, 몇몇 특징들은 많은 연극에서 일치합니다: 끔찍한 혹은 비극적인 이미지들이 섞인, 종종 보드빌과 비슷한, 광범위한 코미디; 반복적이거나 무의미한 행동들을 강요 받는 절망적인 상황에 처한 등장인물들; 진부한 말들로 가득 찬 대화, 언어유희,그리고 넌센스, 순환적이거나 터무니없이 확장적인 줄거리, 현실주의와 "웰메이드 연극"의 개념을 패러디하거나 무시하는 것.

부조리극단과 일반적으로 연관되는 극작가로는 사무엘 베케트 (1906–1989), 외젠 아이오네스코 (1909–1994), 장 제넷 (1910–1986), 해럴드 핀터 (1930–2008), 스토파드 (1937), 알렉산더 브베덴스키 (1904–1941), 다닐 하름스 (1905–1942), 프리드리히 뒤렌마트 (1921–1990), 알레한드로 조도로프스키 (1929), 페르난도 아라발 (1942) 등이 있습니다.1932년생), 바츨라프 하벨 (1936년 ~ 2011년), 에드워드 앨비 (1928년 ~ 2016년).

폴락과 추상적 영향

Jackson Pollock, Blue Poles, 1952, 호주 국립 미술관

1940년대 후반 동안 Jackson Pollock의 그림에 대한 급진적인 접근법은 그를 뒤따른 모든 현대 미술의 가능성에 혁명을 일으켰습니다.어느 정도 Pollock은 예술작품을 만들기 위한 여정이 예술작품 그 자체만큼이나 중요하다는 것을 깨달았습니다.20세기파블로 피카소가 입체파와 건축 조각을 통해 회화와 조각을 혁신적으로 발명한 것처럼 폴락은 예술이 만들어지는 방식을 재정립했습니다.이젤화와 관습에서 벗어난 그의 행보는 그의 시대의 예술가들과 이후의 모든 사람들에게 해방의 신호였습니다.예술가들은 Jackson Pollock의 과정이 예술적이고 산업적인 재료를 사용하여 사방에서 공격을 받을 수 있는 바닥에 펴지지 않은 생 캔버스를 놓고, 페인트의 선형적인 실타래를 떨어뜨리고 던지며, 그림을 그리고, 염색하고, 빗질을 하고, 이미지와 비이미지를 사용하여, 본질적으로 이전의 경계를 넘어서는 예술적인 창조를 맹폭한다는 것을 깨달았습니다.추상적 표현주의는 일반적으로 예술가들이 새로운 예술 작품의 창조를 위해 사용할 수 있는 정의와 가능성을 확장하고 발전시켰습니다.다른 추상적 표현주의자들은 폴락의 돌파구를 그들만의 새로운 돌파구로 따라갔습니다.어떤 의미에서 잭슨 폴락, 윌렘쿠닝, 프란츠 클라인, 마크 로스코, 필립 구스턴, 한스 호프만, 클라이포드 스틸, 바넷 뉴먼, 애드 라인하르트, 로버트 마더웰, 피터 볼코스 등의 혁신은 그들을 뒤따른 모든 예술의 다양성과 범위에 대한 수문을 열었습니다.그러나 린다 노클린,[116] 그리젤다 폴락[117] 그리고 캐서린제거[118] 같은 미술 역사가들에 의한 추상 미술에 대한 재독서는 현대 미술에서 주요한 혁신을 만들었던 선구적인 여성 예술가들이 그것의 역사에 대한 공식적인 설명에 의해 무시되었다는 것을 비판적으로 보여줍니다.

영국 미술계의 국제적 인물.

헨리 무어 (1898–1986)는 제2차 세계 대전 후 영국의 선두적인 조각가로 나타났습니다.그는 공공 예술 작품으로서 전 세계에 위치한 반 추상적인 기념비적인 청동 조각으로 가장 잘 알려져 있습니다.그의 형태는 보통 그가 가족 그룹을 조각했던 1950년대의 국면과는 별개로, 전형적으로 어머니와 자녀 또는 몸을 뒤로 젖힌 인물을 묘사하는 추상적인 형태입니다.그의 형태는 일반적으로 구멍이 뚫려 있거나 빈 공간을 포함하고 있습니다.

헨리 무어, 리클라이닝 피규어 (1957).스위스 취리히 쿤스트하우스 앞.

1950년대에 무어는 점점 더 중요한 의뢰를 받기 시작했는데, 그 중에는 1958년 파리에 있는 유네스코 건물에 기댄 인물도 포함되어 있습니다.[119]더 많은 공공 예술 작품들과 함께, 무어의 조각상들의 규모는 크게 성장했습니다.무어의 삶의 지난 30년은 비슷한 맥락으로 계속되었으며, 몇 차례의 주요 회고전이 전 세계에서 열렸는데, 특히 1972년 여름 피렌체가 내려다보이는 벨버디어 포르테 광장에서 열린 유명한 전시회였습니다.1970년대 말까지 그의 작품을 전시하는 전시회는 1년에 40여 차례 있었습니다.1967년 12월 시카고 대학 캠퍼스에서 엔리코 페르미가 이끄는 물리학자 팀이 최초로 통제되고 자생적인 핵 연쇄 반응을 달성한 지 25년 만에 무어의 핵 에너지가 공개되었습니다.[120][121]또한 시카고에서 무어는 우주 탐사 프로그램을 인정해 달라는 의뢰를 받은 현지에서 맨 인트 더 코스모스([122]Man Entries the Cosmos)라는 이름의 커다란 청동 해시계로 과학을 기념했습니다.

프랜시스 베이컨 (1909–1992), 루시안 프로이트 (1922–2011), 프랭크 아우어바흐 (1931), 레온 코스소프 (1926), 마이클 앤드류스 (1928–1995)를 포함한 구상 화가들의 "런던 스쿨"은 널리 국제적인 인정을 받았습니다.[123]

프랜시스 베이컨(Francis Bacon)은 대담하고 그래픽적이며 감정적으로 원초적인 이미지로 유명한 아일랜드 태생의 영국 비유 화가입니다.[124]그의 회화적이지만 추상화된 모습은 전형적으로 유리나 강철로 된 기하학적 새장에서 평평하고 묘사되지 않은 배경에 고립되어 보입니다.베이컨은 20대 초반에 그림을 그리기 시작했지만 30대 중반까지 산발적으로 작업을 했습니다.그의 돌파구는 1944년 세 에 걸친 십자가밑부분에 대한 세 번의 인물 연구로 인간의 상태에 대한 독특한 암울한 연대기 작가로서의 그의 명성을 굳혔습니다.[125]그의 결과물은 대략 하나의 모티브에 대한 순서나 변형으로 구성되어 있다고 묘사될 수 있습니다; 방에 고립된 1940년대 남성의 머리, 비명을 지르는 1950년대 초 교황, 그리고 기하학적 구조로 매달린 1950년대 중후반 동물과 고독한 인물들.이것들은 그의 1960년대 초 세쌍둥이 형태의 십자가형의 현대적인 변형에 이어졌습니다.1960년대 중반부터 1970년대 초반까지, 베이컨은 주로 눈에 띄게 동정적인 친구들의 초상화를 만들었습니다.1971년 그의 연인 조지 다이어의 자살 이후, 그의 예술은 더욱 개인적이고, 내면을 들여다보고, 죽음의 주제와 주제에 몰두하게 되었습니다.그의 일생 동안, 베이컨은 똑같이 비난을 받았고 칭찬을 받았습니다.[126]

루시안 프로이트는 독일 태생의 영국 화가로, 주로 두껍게 속을 채운 초상화와 인물화로 잘 알려져 있는데, 그는 그 시대의 뛰어난 영국 화가로 널리 여겨졌습니다.[127][128][129][130]그의 작품들은 심리적 침투와 예술가와 모델 사이의 관계에 대한 종종 불편한 검토로 유명합니다.[131]뉴욕 타임즈의 윌리엄 그라임스에 따르면, "루시엔 프로이트와 그의 동시대 사람들은 20세기에 인물화를 변화시켰습니다.흰 개를 소녀 (1951–1952)와 같은 그림에서,[132] 프로이트는 전통적인 유럽 회화의 회화 언어를 반 낭만적이고 대립적인 스타일의 초상화에 사용하여 보는 사람의 사회적인 면을 드러냈습니다.보통 사람들, 그의 친구들 중 많은 사람들이 화가의 무자비한 사찰에 취약한 눈으로 캔버스를 응시했습니다."[127]

추상적 표현주의 이후 1960년대에

1950년대와 1960년대 추상화에서 추상적 표현주의의 주관주의에 대한 반작용으로 예술가 스튜디오와 급진적 아방가르드 서클에서 하드 엣지 페인팅과 다른 형태의 기하학적 추상화와 같은 새로운 방향들이 나타나기 시작했습니다.Clement Greenberg는 1964년 미국 전역의 중요한 미술관들을 순회한 영향력 있는 새로운 그림 전시회를 큐레이팅했을 때 그림 이후 추상화의 목소리가 되었습니다. 컬러 필드 페인팅, 하드 엣지 페인팅 그리고 서정적 추상화가[133] 급진적인 새로운 방향으로 나타났습니다.

그러나 1960년대 후반까지 포스트미니멀리즘, 프로세스 아트, 아르테 포베라[134] 또한 서정적 추상화와 포스트미니멀리즘 운동, 그리고 초기 개념 미술을 통해 회화와 조각을 모두 아우르는 혁명적인 개념과 운동으로 나타났습니다.[134]Pollock에서 영감을 받은 프로세스 아트는 예술가들이 스타일, 내용, 재료, 배치, 시간 감각, 플라스틱과 실제 공간의 다양한 백과사전을 실험하고 활용할 수 있도록 해주었습니다.낸시 그레이브스, 로널드 데이비스, 하워드 호지킨, 래리 푼스, 제니스 쿠넬리스, 브리스 마든, 콜린 맥카혼, 브루스 나우만, 리처드 터틀, 앨런 사렛, 월터 다비 배너드, 린다 벵글리스, 댄 크리스텐슨, 래리 작스, 로니 랜드필드, 에바 헤세, 키스 소니에, 리처드 세라, 팻 립스키, 샘 길리엄,마리오 메르츠피터 레지나토는 1960년대 후반 예술의 전성기를 낳은 후기 모더니즘 시대에 등장한 젊은 예술가들 중 일부였습니다.[135]

팝아트

에두아르도 파올로지.I was a Rich Man's Plaything(1947)은 "팝 아트"의 최초 표준 보유자로 간주되며 "팝"이라는 단어를 처음으로 보여줍니다.

1962년 시드니 재니스 갤러리는 뉴욕시의 상류층 미술관에서 최초로 주요 팝아트 그룹 전시회인 뉴 리얼리스트(The New Realistsidney Janis Gallery는 뉴욕시의 상류층 미술관에서 열리는 첫 번째 팝아트 그룹 전시회입니다.재니스는 그의 갤러리 근처에 있는 57번가 상점에서 전시회를 열었습니다.그 쇼는 뉴욕 학교에 충격파를 보냈고 전세계적으로 반향을 일으켰습니다.1958년 초 영국에서 "팝 아트"라는 용어는 제2차 세계대전 이후의 소비주의를 기념하는 그림들을 묘사하기 위해 로렌스 알레이에 의해 사용되었습니다.이 운동은 추상적 표현주의와 그것의 해석학적이고 심리적인 내부에 대한 그것의 초점을 거부했고, 물질 소비 문화, 광고, 그리고 대량 생산 시대의 우상화를 묘사하고 종종 기념했던 예술을 선호했습니다.데이비드 호크니의 초기 작품들과 리처드 해밀턴과 에두아르도 파올로지의 작품들(1947년, I was a Richman's Plaything)은 이 운동의 중요한 예로 여겨집니다.한편, 뉴욕의 이스트 빌리지 10번가 갤러리의 시내 장면에서는 예술가들이 미국 버전의 팝아트를 공식화하고 있었습니다.Claes Oldenburg는 그의 가게 앞을 가졌고, 57번가의 Green GalleryTom WesselmannJames Rosenquist의 작품들을 전시하기 시작했습니다.후에 레오 카스텔리는 앤디 워홀과 로이 리히텐슈타인의 작품들을 포함한 다른 미국 예술가들의 작품들을 그들의 경력의 대부분을 전시했습니다.Marcel DucchampMan Ray의 급진적인 작품들, 유머 감각을 가진 반항적인 Dadaists, Claes Oldenburg, Andy Warhol, 그리고 Roy Lichtenstein과 같은 팝 아티스트들 사이에는 연관성이 있습니다. 그 그림들은 상업적인 재생산에 사용되는 기술인 Ben-Day 점들의 모습을 재현합니다.

미니멀리즘

미니멀리즘은 예술과 디자인, 특히 시각 예술과 음악의 다양한 형태의 움직임을 묘사하는데, 여기서 예술가들은 모든 필수적이지 않은 형태, 특징 또는 개념을 제거함으로써 주제의 본질이나 정체성을 드러내려고 의도합니다.미니멀리즘은 가장 단순한 요소와 가장 적은 요소를 사용하여 최대 효과를 만드는 모든 디자인이나 스타일입니다.

예술의 특정한 움직임으로서, 1960년대와 1970년대 초의 미국 시각 예술과 가장 강력한 제2차 세계 대전 이후의 서양 예술의 발전과 동일시됩니다.이 운동과 관련된 저명한 예술가들은 Donald Judd, John McCracken, Agnes Martin, Dan Flavin, Robert Morris, Ronald Bladen, Anne Truitt, 그리고 Frank Stella를 포함합니다.[136]그것은 모더니즘의 환원적인 측면에서 비롯되고 종종 추상적 표현주의에 대한 반응과 포스트미니멀 예술 관행에 대한 다리로 해석됩니다.1960년대 초까지 미니멀리즘은 (카지미르 말레비치,[137] 바우하우스피에트 몬드리안기하학적 추상에 뿌리를 두고) 관계적이고 주관적인 그림의 개념, 추상적인 표현주의 표면의 복잡성을 거부한 예술의 추상적인 운동으로 나타났습니다.그리고 액션 페인팅의 장에 존재하는 감정적 시대정신과 논쟁.미니멀리즘은 극단적인 단순함이 예술에 필요한 모든 숭고한 표현을 포착할 수 있다고 주장했습니다.미니멀리즘은 포스트모더니즘의 전조 또는 포스트모더니즘 운동 자체로 다양하게 해석됩니다.후자의 관점에서, 초기 미니멀리즘은 진보된 모더니즘 작품들을 산출했지만, 로버트 모리스와 같은 일부 예술가들이 반 형식 운동을 선호하는 방향으로 방향을 바꾸면서 이 운동은 부분적으로 이 방향을 포기했습니다.

할 포스터([138]Hal Foster)는 그의 수필 '미니멀리즘의 크럭스(The Crux of Minimalism)'에서 도널드 저드(Donald Judd)와 로버트 모리스(Robert Morris)가 미니멀리즘에 대한 그들의 발표된 정의에서 그린버그 모더니즘을 인정하고 능가하는 정도를 조사합니다.[138]그는 미니멀리즘이 모더니즘의 '막다른 골목'이 아니라 '오늘날에도 계속해서 정교화되는 포스트모더니즘 관행으로의 패러다임 전환'이라고 주장합니다.[138]

미니멀 뮤직

이 용어는 라 몬테 영, 테리 라일리, 스티브 라이히, 필립 글래스, 존 애덤스의 작곡과 같은 반복과 반복을 특징으로 하는 음악 운동을 포함하도록 확장되었습니다.미니멀리스트 작곡은 시스템 음악이라고도 합니다.'미니멀 뮤직'이라는 용어는 일반적으로 1960년대 후반과 1970년대에 미국에서 발전한 음악 양식을 설명하기 위해 사용됩니다; 그리고 그것은 처음에 작곡가들과 연결되었습니다.[139]미니멀리즘 운동은 원래 몇몇 작곡가들을 포함했고, 다른 덜 알려진 선구자들은 Pauline Oliveros, Phil Niblock, 그리고 Richard Maxfield를 포함했습니다.유럽에서는 루이 안드리센, 카렐 괴이바츠, 마이클 나이먼, 하워드 스켐튼, 일라이안 라디그, 개빈 브라이어, 스티브 마틀랜드, 헨리크 고레키, 아르보 패르트, 존 타베너의 음악이 있습니다.

탈미니멀리즘

2005년 4월 중순 미국 유타주 로젤 포인트 꼭대기에서 스미소의 스파이럴 제티.1970년에 만들어졌지만, 호수의 수위가 자주 변하면서도 여전히 존재합니다.그것은 약 6500톤현무암, 흙 그리고 소금으로 이루어져 있습니다.

1960년대 후반에 로버트 핀커스-위튼[134] 미니멀리즘이 거부한 내용적이고 맥락적인 함축성을 가진 미니멀리즘에서 파생된 예술을 묘사하기 위해 "포스트 미니멀리즘"이라는 용어를 만들었습니다.이 용어는 에바 헤세, 키스 소니에, 리처드 세라 등의 작품과 이전 미니멀리스트 로버트 스미스소, 로버트 모리스, 솔 르윗, 배리 등의 신작에 핀커스 휘튼이 적용했습니다.Donald Judd, Dan Flavin, Carl Andre, Agnes Martin, John McCracken 등을 포함한 다른 미니멀리스트들은 남은 경력을 위해 후기 모더니즘 그림과 조각을 계속해서 제작했습니다.

그 이후로, 많은 예술가들이 미니멀 혹은 포스트 미니멀 스타일을 받아들였고, 그들에게 "포스트모던"이라는 꼬리표가 붙었습니다.

콜라주, 조립, 설치

추상적 표현주의와 관련된 것은 이전의 회화와 조각의 관습에서 벗어나 제작된 물건과 예술가의 재료를 결합하는 것이 등장했습니다.Robert Rauschenberg의 작품은 이러한 경향을 잘 보여줍니다.1950년대의 그의 "조합"은 팝아트와 설치미술의 선구자들이었고, 박제된 동물, 새, 상업적인 사진을 포함한 큰 물리적인 물체들의 집합체들을 사용했습니다.라우센버그, 재스퍼 존스, 래리 리버스, 존 체임벌린, 클라에스 올덴버그, 조지 시걸, 짐 다인, 에드워드 키엔홀츠 등이 추상과 팝아트의 중요한 선구자들이었습니다.예술 제작의 새로운 관습들을 창조하면서, 그들은 진지한 현대 미술계에서 그들의 예상 밖의 재료들의 작품들에 급진적인 포함을 허용했습니다.콜라주의 또 다른 선구자는 Joseph Cornell로, 그의 개인 우상화와 발견된 물건들의 사용 때문에 더 친밀하게 확장된 작품들은 급진적으로 보였습니다.

네오 다다

20세기 초 마르셀 뒤샹은 조각품으로서 전시 소변기를 제출했습니다.[140]그는 소변기가 예술작품이라고 해서 사람들이 소변기를 예술작품처럼 본다고 의도를 밝혔습니다.그는 자신의 작품을 "readymade"라고 불렀습니다.분수는 "R"이라는 가명으로 된 소변기였습니다.1917년 미술계를 경악하게 한 '머트' 전시회.이 작품과 Ducchamp의 다른 작품들은 일반적으로 Dada라고 불립니다.Ducchamp는 개념 미술의 선구자라고 볼 수 있는데, 다른 유명한 로는 John Cage의 4'33 ″, 그리고 Rauschenberg의 Erased de Kooning 드로잉이 있습니다.많은 개념적인 작품들은 예술은 관람자가 어떤 대상이나 예술로서 행동하는 것의 결과이지, 작품 자체의 본질적인 특성의 결과가 아니라는 입장을 취합니다."평범한 삶의 물건"을 선택하고 "그 물건에 대한 새로운 생각"을 창조하는 데 있어, 듀챔프는 관람객들에게 분수를 하나의 조각으로 보도록 초대했습니다.[141]

Marcel Duchamp는 체스를 위해 "예술"을 포기한 것으로 유명합니다.아방가르드 작곡가 데이비드 튜더(David Tudor)는 로웰 크로스(Lowell Cross)와 공동으로 쓴 리유니온(Runion, 1968)이라는 작품을 만들었습니다. 이 작품은 체스 게임에서 각 동작이 조명 효과 또는 투영을 유발하는 것을 특징으로 합니다.Ducchamp와 Cage는 그 작품의 프리미어에서 그 게임을 했습니다.[142]

스티븐 베스트더글러스 켈너는 라우센버그와 재스퍼 존스를 듀챔프의 영향을 받은 모더니즘과 포스트모더니즘 사이의 과도기 단계의 일부로 파악합니다.두 사람 모두 고도 모더니즘의 추상적이고 회화적인 몸짓을 간직한 채 평범한 사물, 즉 사물 그 자체의 이미지를 작품에 사용했습니다.[143]

성과 및 해프렌딩

Carolee Schneemann, performing her piece Interior Scroll, 1975.
프랑스이브 클라인, 뉴욕캐롤리 슈네만(사진), 쿠사마 야요이, 샬롯 무어먼, 오노 요코 등이 나체를 자주 수반하는 퍼포먼스 기반 예술 작품의 선구자였습니다.[144]

1950년대 후반과 1960년대 동안 다양한 관심사를 가진 예술가들은 현대 미술의 경계를 허물기 시작했습니다.프랑스의 이브 클라인, 미국의 캐롤리 슈네만, 쿠사마 야요이, 뉴욕의 샬롯 무어먼과 오노 요코, 독일의 조셉 뷰이스, 볼프 보스텔, 백남준 등이 공연예술의 선구자였습니다.줄리안 벡(Julian Beck)과 주디스 말리나(Judith Malina)와 함께하는 리빙 씨어터(The Living Theatre)와 같은 그룹은 조각가 및 화가들과 협력하여 환경을 조성하여, 특히 그들의 작품 파라다이스 나우(Paradise Now)에서 관객과 공연자의 관계를 근본적으로 변화시켰습니다.뉴욕 저드슨 메모리얼 교회에 위치한 저드슨 댄스 극장; 그리고 저드슨 댄서들, 특히 이본 레이너, 트리샤 브라운, 일레인 서머스, 샐리 그로스, 사이먼 포티, 데보라 헤이, 루신다 차일드, 스티브 팩스턴 그리고 다른 사람들; 로버트 모리스, 로버트 휘트먼, 존 케이지, 로버트 라우셴버그,빌리 클뤼버 같은 기술자도 있고요파크 플레이스 갤러리(Park Place Gallery)는 전자 작곡가 스티브 라이히(Steve Reich), 필립 글래스(Philip Glass), 그리고 조앤 조나스(Joan Jonas)를 포함한 다른 유명한 공연 예술가들의 음악 공연의 중심지였습니다.

이 공연들은 조각, 춤, 그리고 음악이나 소리를 결합한 새로운 예술 형태의 작품들로 의도되었고, 종종 관객들의 참여도 있었습니다.그들은 미니멀리즘의 환원적 철학과 추상적 표현주의의 즉흥성과 표현성으로 특징지어졌습니다.슈나이먼이 충격을 주기 위한 작품들을 공연한 이미지들은 때때로 이러한 종류의 예술을 묘사하기 위해 사용되며, 그녀는 종종 그녀의 작품 인테리어 스크롤을 공연하는 동안 사진에 찍히기도 합니다.그러나, 공연 예술을 둘러싼 모더니즘 철학에 따르면, 공연 예술가들이 출판을 전적으로 거부하기 때문에, 그녀가 이 작품을 공연하는 이미지를 출판하는 것은 교차된 목적입니다: 공연 그 자체가 매체입니다.따라서 다른 미디어는 공연 예술을 설명할 수 없습니다. 공연은 포착을 위한 것이 아니라 순간적이고 터무니없고 개인적인 것입니다. 이미지, 비디오, 서사 또는 다른 방식으로 공연 예술을 다른 미디어에 표현하는 것은 공간 또는 시간의 특정 관점을 선택하거나 각 미디어의 고유한 한계를 수반합니다.예술가들은 녹음이 공연의 매개체를 예술로 보여준다고 부인합니다.

같은 기간 동안, 다양한 아방가르드 예술가들은 다양한 특정 장소에서 예술가들과 그들의 친구들과 친척들의 신비롭고 종종 자발적이고 대본이 없는 모임인 해프닝을 만들었고, 종종 부조리, 신체성, 코스튬, 자발적인 나체, 그리고 다양하고 무작위하거나 겉보기에 연결되지 않은 행동들을 통합했습니다.1958년에 이 용어를 처음 사용한 앨런 카프로우([145]Allan Kaprow), 올덴버그(Claes Oldenburg), 짐 다인(Jim Dine), 레드 그룸스(Red Grooms), 로버트 휘트먼(Robert Whitman)[146] 등이 유명한 사건 창작자입니다.

인터미디어, 멀티미디어

포스트모던이라는 용어와 연관된 예술의 또 다른 경향은 많은 다른 미디어를 함께 사용하는 것입니다.인터미디어(Intermedia)는 딕 히긴스(Dick Higgins)에 의해 만들어진 용어로 플럭서스(Fluxus), 구체적인 시(詩), 발견된 사물, 퍼포먼스 아트, 컴퓨터 아트의 선을 따라 새로운 예술 형태를 전달하기 위한 것입니다.Higgins는 예술가 Alison Knowles와 결혼한 구체적인 시인이자 Marcel Duchamp의 숭배자인 Something Else Press의 출판사였습니다.Ihab Hassan포스트모던 예술의 특징에 "인터미디어, 형태의 융합, 영역의 혼란"을 포함합니다.[147]"멀티 미디어 아트"의 가장 일반적인 형태 중 하나는 비디오 아트라고 불리는 비디오 테이프 및 CRT 모니터의 사용입니다.여러 예술을 하나의 예술로 결합하는 이론은 상당히 오래되어 주기적으로 부활한 반면, 포스트모던적 발현은 종종 퍼포먼스 예술과 결합되어 극적인 하위 텍스트가 제거되고 남은 것은 해당 예술가의 구체적 진술이나 그들의 행위의 개념적 진술입니다.

플럭서스

플럭서스(Fluxus)는 1962년 리투아니아 태생의 미국 예술가 조지 마키우나스(George Maciunas, 1931–1978)에 의해 이름 지어지고 느슨하게 조직되었습니다.플럭서스는 1957년부터 1959년까지 뉴욕의 뉴 스쿨 사회 연구에서 존 케이지의 실험적 작곡 수업에서 시작되었습니다.그의 많은 학생들은 음악에 대한 배경이 거의 없거나 전혀 없는 다른 미디어에서 일하는 예술가들이었습니다.케이지의 학생들 중에는 플럭서스 창립 멤버인 잭슨 로우, 알 한센, 조지 브레히트, 딕 히긴스가 있었습니다.

Fluxus는 스스로 할 수 있는 미학을 장려하고 복잡성보다 단순함을 중시했습니다.플럭서스는 그 이전의 다다와 마찬가지로 반상업주의와 반예술적 감성의 강한 흐름을 내포하고 있으며, 예술가 중심의 창작 관행을 선호하여 전통적인 시장 주도의 예술 세계를 폄훼하고 있습니다.Fluxus 예술가들은 당면한 재료가 무엇이든 작업하는 것을 선호했고, 자신의 작품을 직접 만들거나 동료들과 함께 제작 과정에서 협력했습니다.

안드레아스 호이센은 플럭서스를 포스트모더니즘을 주장하려는 시도를 "포스트모더니즘의 마스터 코드 또는 궁극적으로 표현할 수 없는 예술 운동, 즉 포스트모더니즘의 숭고함"이라고 비판합니다.[148]대신 그는 플럭서스를 아방가르드 전통 안의 주요한 신다다다주의 현상으로 봅니다.비록 온건하고 길들여진 모더니즘이 냉전의 이념적 지주 역할을 했던 1950년대 행정 문화에 대한 반란을 표현했지만, 예술적 전략의 발전에 큰 진전을 나타내지 못했습니다.[148]

아방가르드 대중음악

모더니즘은 대중문화를 거부한 채 대중음악 형식(형식적으로나 미적으로나)과 불안한 관계를 가지고 있었습니다.[149]그럼에도 불구하고, 스트라빈스키는 그의 1918년 연극 작품인 Histoire du Soldat1945년의 Ebony Concerto의 "Ragtime"과 같은 그의 작품들에 재즈 숙어를 사용했습니다.[150]

1960년대 대중음악이 문화적 중요성을 얻고 상업적 오락으로서의 지위에 의문을 갖기 시작하면서, 음악가들은 영감을 얻기 위해 전후 아방가르드를 바라보기 시작했습니다.[151]1959년, 음악 프로듀서 조 미크(Joe Meek)는 I Hear a New World(1960)를 녹음했는데, 타이니 믹스 테이프 조나단 패트릭은 이것을 "일렉트로닉 음악과 아방 팝 역사 모두의 반년 만의 순간"이라고 불렀고, 당시에는 대부분 무시되었지만, 더비 에코와 테이프로 휘어진 소닉 텐드릴로 장식된 몽환적인 팝 비네트 모음집 [...]이라고 불렀습니다.[152]다른 초기 아방 팝 프로듀싱에는 1966년 비틀즈의 곡 "Tomorrow Never Knows"가 포함되었는데, 이 곡은 음악적 콘체르트, 아방가르드 작곡, 인디언 음악, 일렉트로 어쿠스틱 사운드 조작의 기술을 3분짜리 팝 형식으로 통합한 것과 벨벳 언더그라운드미니멀리즘드론 음악 아이디어를 통합한 것이 포함되어 있습니다.와 1960년대 팝아트에서.[151]

후기

브라이스 마든, 바인, 1992-93, 린넨에 오일,240x260cm (8x8+12ft), 뉴욕 현대미술관

추상표현주의의 지속, 색장화, 서정적 추상화, 기하학적 추상화, 미니멀리즘, 추상착시주의, 과정미술, 팝아트, 포스트미니멀리즘,그리고 회화와 조각 모두에서 다른 20세기 후반 모더니즘 운동은 21세기의 첫 10년 동안 계속되었고 그러한 매체에서 급진적인 새로운 방향을 구성합니다.[153][154][155]

21세기의 전환기에, Anthony Caro 경, Lucian Freud, Cy Twombly, Robert Rauschenberg, Jasper Johns, Agnes Martin, Al Hold, Elsworth Kelly, Helen Frankenthaler, Frank Stella, Kenneth Noland, Jules Olitski, Claes Oldenburg, Jim Dine, James Rosenquist, Alex Katz, Philip Pearlstein, 그리고 젊은 예술가들과 같은 잘 알려진 예술가들이 포함됩니다.우딩 브라이스 마든, 척 클로즈, 샘 길리엄, 아이작 윗킨, 션 스컬리, 마히르완 맘타니, 조셉 네크바탈, 엘리자베스 머레이, 래리 푼스, 리처드 세라, 월터 다비 배너드, 래리 작스, 로니 랜드필드, 로널드 데이비스, 댄 크리스텐슨, 팻 립스키, 조엘 샤피로, 톰 오트렌시, 조안 스나이더, 로스 블렉너, 아치 랜드, 수잔 크릴,다른 사람들은 계속해서 중요하고 영향력 있는 그림과 조각을 만들었습니다.

근대건축

홍콩프랑크푸르트의 많은 마천루들은 르 코르뷔지에모더니즘 건축에서 영감을 받았고, 그의 스타일은 여전히 세계적인 건물들에 영향을 주고 있습니다.[156]

아프리카와 아시아의 모더니즘

Peter Kalliney는 "모더니즘의 개념들, 특히 미적 자율성은 아프리카의 언어 사용자들의 탈식민화의 문학에 기본적인 것이었습니다."[157]라고 제안합니다.그의 의견에 따르면 라자트 네오지, 크리스토퍼 오키그보, 월레 소잉카는 "식민지 속박으로부터, 인종 차별 제도로부터, 그리고 심지어 새로운 탈식민 국가로부터 그들의 자유를 선언하기 위해 현대적인 미학적 자치를 개조한" 작가들 중 한 명이었습니다.[158]

윌리엄 J에 의하면 "모더니즘"과 "모더니즘"이라는 용어는타일러는 "최근에 와서야 일본 현대 문학에 대한 영어 표준 담론의 일부가 되었고 서유럽 모더니즘에 대한 그들의 진정성에 대한 의구심은 여전히 남아 있습니다."타일러는 "가와바타 야스나리, 나가이 카푸, 다니자키 준이치로 같은 유명한 일본 작가들"의 "확실히 현대적인 산문"을 볼 때 이것을 이상하다고 생각합니다.그러나 "시각예술, 건축, 시학의 학자들은 1920~30년대 일본 문화를 기술하고 분석하기 위한 핵심 개념으로 '모다니즈무'를 흔쾌히 받아들였습니다."[159]1924년, 가와바타와 요코미츠 리이치를 포함한 다양한 젊은 일본 작가들이 문학 저널 '분게이지다이'를 창간했습니다.이 저널은 "유럽 입체파, 표현주의, 다다, 그리고 다른 모더니즘 스타일의 영향을 받은 '예술을 위한 예술' 운동의 일부였습니다."[160]

일본 모더니즘 건축가 단게 겐조 (1913–2005)는 전통적인 일본 양식과 모더니즘을 결합하고 5개 대륙의 주요 건물을 설계한 20세기의 가장 중요한 건축가 중 한 명이었습니다.탕게는 또한 대사 운동의 영향력 있는 후원자였습니다.그는 "내가 나중에 구조주의라고 부르는 것에 대해 생각하기 시작한 것은 1959년경 혹은 60년대 초라고 생각합니다"[161]라고 말했습니다. 그는 어린 나이부터 스위스 모더니스트코르뷔지에(Le Corbusier)의 영향을 받았고, 탕게는 1949년 히로시마 평화기념공원 설계 공모전에서 우승하면서 국제적인 인정을 받았습니다.

중국에서 신감각파(新감각파)는 1930년대와 1940년대에 서구와 일본의 모더니즘에 의해 다양한 정도로 영향을 받은 상하이에 기반을 둔 작가들의 집단입니다.그들은 정치나 사회적 문제보다는 무의식과 미학에 더 관심을 두는 소설을 썼습니다.이 작가들 중에는 무시영시제쿤이 있습니다.

인도에서 진보적 예술가 그룹은 1947년에 결성인도 뭄바이에 기반을 둔 현대 예술가들의 모임이었습니다.특별한 양식은 없었지만, 후기 인상주의, 입체파, 표현주의 등 20세기 전반 유럽과 북미의 영향을 받아 인도 미술을 합성했습니다.

모더니즘과 포스트모더니즘의 차이

1980년대 초까지 예술과 건축의 포스트모던 운동은 다양한 개념매체 간 형식을 통해 그 위치를 확립하기 시작했습니다.음악과 문학의 포스트모더니즘은 일찍이 자리 잡기 시작했습니다.음악에서 포스트모더니즘은 한 참고 문헌에서 "1970년대에 도입된 용어"로 묘사되는 반면,[162] 영국 문학에서 옥스포드 영국 문학 백과사전은 1939년 초에 모더니즘이 "포스트모더니즘에 우위를 넘겨준" 것으로 보고 있습니다.[104]그러나 안드레아스 호이센에 따르면, 특히 "한 비평가의 포스트모더니즘은 다른 비평가의 모더니즘입니다."[163]라는 말처럼 날짜는 논쟁의 여지가 매우 많습니다.둘 사이의 분열에 비판적이고 같은 운동의 두 측면으로 보고 후기 모더니즘이 계속되고 있다고 믿는 사람들이 여기에 해당합니다.[163]

모더니즘은 다양한 문화 운동의 포괄적인 꼬리표입니다.포스트모더니즘은 본질적으로 사회 정치 이론에 기초하여 스스로 이름을 지은 중앙집권적 운동이지만, 이 용어는 현재 현대에 대한 인식을 보여주고 재해석하는 20세기 이후의 활동을 지칭하는 더 넓은 의미로 사용됩니다.[164][165][166]

포스트모던 이론은 모더니즘을 "사후"로 시성하려는 시도는 명백한 모순이 될 수밖에 없다고 주장합니다.[167]

좁은 의미에서 모더니즘이었던 것이 반드시 포스트모더니즘이었던 것은 아닙니다.합리성과 사회 기술적 진보의 이점을 강조하는 모더니즘의 요소들은 모더니즘에 불과했습니다.[168]

초기 모더니즘에 대한 공격

프란츠 마크, 동물들운명, 1913, 캔버스에 기름.이 작품은 1937년 나치 독일 뮌헨에서 열린 "퇴폐 예술" 전시회에 전시되었습니다.

표현의 자유, 실험, 급진주의, 원시주의에 대한 모더니즘의 강조는 기존의 기대를 무시한 것입니다.많은 예술 형태에서 이것은 종종 초현실주의나 모더니즘 음악에서 극도의 불협화음무조를 사용하는 이상하고 충격적인 조합에서 기이하고 예측할 수 없는 효과로 청중들을 놀라게 하고 소외시키는 것을 의미했습니다.문학에서 이것은 종종 소설에서 이해할 수 있는 줄거리나 특징화를 거부하거나 명확한 해석을 거부하는 시의 창작을 수반했습니다.가톨릭교회 내에서 개신교와 마르틴 루터의 망령은 모더니즘과 교리가 시간이 지남에 따라 발전하고 변화한다는 관념에 대한 불안 속에서 작용했습니다.[169]

1932년부터 사회주의 리얼리즘은 소련의 모더니즘을 축출하기 시작했습니다;[98] 그것은 이전에 미래주의구성주의를 지지했습니다.독일 나치 정부는 모더니즘을 자기도취적이고 말도 안 되는 것으로 여겼으며, "유대인"(반유대주의 참조)과 "니그로"(Negro)도 마찬가지였습니다.[170]나치는 "퇴폐 예술"이라는 제목의 전시회에서 정신 질환자들의 작품과 함께 모더니즘 그림을 전시했습니다."형식주의"에 대한 비난은 경력의 종말을 초래하거나 더 나쁜 결과를 초래할 수 있습니다.이러한 이유로 전후 세대의 많은 모더니스트들은 자신들이 전체주의에 대항하는 가장 중요한 방어벽, 즉 "탄광 속의 카나리아"라고 느꼈고, 이들의 억압은 개인의 자유가 위협받고 있다는 경고를 나타냅니다.루이스 A.Sass는 광기, 특히 정신분열증과 모더니즘을 덜 파시스트적인 방식으로 그들의 공유된 논리적 서사, 초현실적 이미지, 모순에 주목하여 비교했습니다.[171]

근대성비판

사실, 모더니즘은 지지자들이 종종 소비주의 그 자체를 거부했음에도 불구하고 주로 소비자/자본주의 사회에서 번성했습니다.그러나 고도의 모더니즘은 제2차 세계 대전 이후, 특히 1960년대에 소비 문화와 결합하기 시작했습니다.모더니즘 기기들은 대중 영화에도 등장하기 시작했고, 그 후 뮤직비디오에도 등장했습니다.단순화되고 양식화된 형태가 대중화되면서 모더니즘 디자인 또한 대중문화의 주류로 진입하기 시작했고, 종종 우주 시대의 첨단 기술 미래에 대한 꿈과 연관됩니다.[172][173]

2008년, 자넷 베넷은 옥스포드 정치 이론 핸드북을 통해 현대성과 그 비평가들을 출판했습니다.[174]소비자와 높은 버전의 모더니즘 문화의 결합은 "모더니즘"의 의미의 급격한 변화를 가져왔습니다.첫째, 전통에 대한 거부를 바탕으로 한 운동이 고유의 전통이 되었음을 암시했습니다.둘째, 엘리트 모더니즘 문화와 대중 소비주의 문화의 구분이 그 정확성을 상실했음을 보여줍니다.모더니즘이 너무 제도화되어 이제는 '포스트 아방가르드'가 되어 혁명운동으로서의 힘을 잃었음을 알 수 있었습니다.많은 사람들이 이 변화를 포스트모더니즘으로 알려지게 된 국면의 시작으로 해석해 왔습니다.미술 평론가 로버트 휴즈와 같은 다른 사람들에게 포스트모더니즘은 모더니즘의 확장을 나타냅니다.

"반근대적" 혹은 "반근대적" 운동은 모더니즘에 대한 치료법이나 해독제로서 전체주의, 연결, 영성을 강조하고자 합니다.그러한 운동은 모더니즘을 환원주의로 보고, 따라서 체계적이고 창발적인 효과를 볼 수 없는 대상이 됩니다.

알렉산더 스토다트와 같은 전통주의 예술가들은 일반적으로 모더니즘을 "허위 문화와 결합된 허위 돈의 시대"의 산물로 거부합니다.[175]

어떤 분야에서는 모더니즘의 효과가 다른 분야보다 더 강하고 지속적으로 남아 있습니다.시각 예술은 과거와 가장 완벽한 단절을 이루었습니다.대부분의 주요 도시들은 르네상스 이후의 예술과 구별되는 현대 예술에 전념하는 박물관들을 가지고 있습니다.c.뉴욕의 현대미술관, 런던의 테이트 모던, 파리의 퐁피두 센터 등이 그 예입니다.이 갤러리들은 모더니즘 단계와 포스트모더니즘 단계를 구분하지 않고, 둘 다 현대 미술의 발전으로 봅니다.

참고 항목

각주

  1. ^ a b 그라프는 모더니즘의 근본 동기는 19세기 부르주아 사회 질서와 그 세계관에 대한 비판이었다고 주장합니다.그것의 예술적 전략은 부르주아적 현실주의의 관습을 자의식적으로 뒤집는 것이었습니다...근대주의의 반비이성적, 반현실주의적, 반부르주아적 계획...낭만주의의 횃불을 든 모더니스트들은 우리에게 직선성, 합리성, 의식, 원인과 결과, 순진한 환상주의, 투명한 언어, 순진한 일화, 중산층의 도덕적 관습이 전부가 아니라고 가르쳤습니다.[28]
  2. ^ a b 우리가 살펴본 각 유형의 반복은 대중매체에 국한된 것이 아니라 예술적 창의성의 역사 전체에 권리적으로 속하는 것이며, 표절, 인용, 패러디, 아이러니한 재탈환은 예술-문학적 전통 전체의 전형적인 것입니다.
    많은 예술이 반복적이고 또 반복적입니다.절대적인 독창성의 개념은 낭만주의와 함께 태어난 현대적인 것입니다; 고전 예술은 상당히 연속적이었고, "현대적인" 아방가르드(20세기 초)는 콜라주, 모나리자의 무스타치오, 예술에 대한 예술 등의 기술로 "무에서 창조"라는 낭만주의 사상에 도전했습니다.[51]
  3. ^ a b 세기의 전반 동안 예술, 음악, 편지를 지배했던 모더니즘 운동은, 중요한 시점에, 보존의 전략이었고, 관리의 전략이었습니다.스트라빈스키의 천재성은 요약의 단계를 거쳐 발전했습니다.그는 Machaut, Gesualdo, Monteverdi에서 가져갔습니다.그는 차이콥스키구노드, 베토벤 피아노 소나타, 하이든 교향곡, 페르골레시 오페라와 글린카를 모방했습니다.그는 드뷔시베베른을 자신의 관용구에 포함시켰습니다.각 사례에서 청취자는 원본을 인식하고 원본의 두드러진 측면을 그대로 둔 변형의 의도를 파악해야 했습니다.
    피카소의 역사는 회고로 점철되어 있습니다.고전적 목회 주제에 대한 명시적 변주, 렘브란트, 고야, 벨라스케스, 마네의 인용과 페이스트는 기술적, 문화적 변화에 비추어 '다시 보는' 끊임없는 수정의 외적 산물입니다.피카소의 조각, 그래픽, 그림만 있다면 미노안에서 세잔에 이르는 예술 발전의 상당 부분을 재구성할 수 있을 것입니다.
    20세기 문학에서 반복의 요소들은 강박적이었고, 그들은 처음에는 가장 혁명적으로 보였던 텍스트들을 정확하게 정리했습니다.웨이스트 랜드, 율리시스, 파운드의 칸토들은 해체 위기에 처한 것으로 여겨지는 문화적 과거를 의도적으로 모아놓은 모임입니다.로버트 로웰역사에서 모방, 번역, 가면 쓴 인용문, 노골적인 역사화의 긴 연속은 1970년대에도 같은 기술을 가져왔습니다. [...] 모더니즘에서 콜라주는 대표적인 장치였습니다.이 새로운 것은 심지어 가장 추악한 것일지라도, 유익한 배경과 전통의 틀을 배경으로 설정되었습니다.스트라빈스키, 피카소, 브라크, 엘리오트, 조이스, 파운드, 즉 '새로운 것의 제작자들'은 신고전주의자였으며, 종종 그들의 17세기 조상들처럼 관습적인 선례를 준수했습니다.[52]
  4. ^ [제임스] 조이스율리시스는 신적이지 않은 코미디입니다. 단테의 것처럼 우리의 평화를 의지하는 신의 환상 속에서 끝나는 것입니다. 하지만 인간은 너무나 인간적입니다.[6]
  5. ^ 20세기에 들어 이 혼란을 불러오고 영구적인 상태로 유지하는 사회적 과정은 '현대화'라고 불리게 되었습니다.이러한 세계사적 과정들은 남성과 여성을 현대화의 대상으로 만들고, 그들을 변화시키고 있는 세상을 변화시킬 힘을 주고, 혼란을 헤쳐나가고, 그들만의 길을 만드는 것을 목표로 하는 놀라운 다양한 비전과 아이디어를 배양해 왔습니다.지난 한 세기 동안 이러한 비전과 가치는 '모더니즘'이라는 이름으로 느슨하게 묶이게 되었습니다.[13]
  6. ^ 프랑스의 야수파와 영국의 볼티시즘의 병행에 주목하세요: "포비즘 운동은 화려한 색채와 자발적인 붓놀림을 모두 보여주는 독일의 표현주의와 비교되었고, 같은 19세기 후반의 자료들, 특히 반 고흐에게 빚을 [64][65]졌습니다.
  7. ^ 메이 싱클레어(May Sinclair)는 1918년 로이탄트 구슬(Leutnant Gustl)과 순례(Pilgrimage)에 대한 리뷰에서 리처드슨의 스타일 혁신에 대한 논의에서 "의식의 흐름"이라는 용어를 문학적 맥락에서 처음으로 적용했습니다.[84]

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  16. ^ 스탠포드 철학 백과사전에 따르면, 리오타르는 '현대 예술은 숭고한 감성, 즉 현격한 형태로 만들어지기를 요구하면서도 그렇게 하려는 모든 시도들을 압도하는, 표현할 수 없는 어떤 것이 있다는 감성을 상징한다'고 주장합니다.포스트모더니즘'에 관한 기사의 제2절('포스트모더니즘 조건')을 참조하시오(https://plato.stanford.edu/entries/postmodernism/ #5).
  17. ^ Stanford Encyclopedia of Philosophy, https://plato.stanford.edu/entries/postmodernism/ #5, '포스트모더니즘'의 섹션 5('해체') 참조.
  18. ^ 흄은 말합니다. '제가 스스로라고 부르는 것에 가장 가까이 들어갈 때, 저는 항상 더위나 추위, 빛이나 그늘, 사랑이나 증오, 고통이나 즐거움에 대한 어떤 특정한 인식이나 다른 것에 발을 헛디디게 됩니다.나는 지각 없이는 언제든지 나 자신을 잡을 수 없습니다.'인간 본성관한 논문 제1권 제6절 참조.
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  20. ^ 그 그림은 페기 구겐하임 컬렉션에 있습니다.참조: https://www.guggenheim-venice.it/en/art/works/the-poet/ .
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