음악 기술(전자 및 디지털)

Music technology (electronic and digital)
이 기사는 디지털 음악 기술에 초점을 맞추고 아날로그 기술만을 참조하여 역사적 맥락을 제공합니다. 아날로그 음악 기술에 대한 자세한 내용은 음악 기술(전기)을 참조하십시오.
다중 모니터 설정이 가능한 디지털 오디오 워크스테이션(DAW)을 사용한 음악 제작

디지털 음악 기술은 음악을 제작[1], 공연 또는 녹음하기 위해 연주자, 작곡가, 음향 엔지니어, DJ 또는 음반 제작자에 의해 디지털 악기, 컴퓨터, 전자 효과 장치, 소프트웨어 또는 디지털 오디오 장비를 포괄합니다. 음악의 연주, 재생, 녹음, 작곡, 믹싱, 분석, 편집 등에 사용되는 전자기기, 악기, 컴퓨터 하드웨어, 소프트웨어 등을 말합니다.

역사

디지털 및 전자 음악의 역사는 기술 혁신, 예술 실험 및 문화 진화를 통한 매혹적인 여정입니다. 이 모든 것은 20세기 초 타드데우스 케이힐과 같은 발명가들이 최초의 전자 기계 악기 중 하나인 텔하모늄을 소개하면서 시작되었습니다. 비슷한 시기에 레온 테레민은 신체적 접촉 없이 연주된 초기 전자 악기인 테레민을 만들어 새로운 형태의 소리 발생을 개척했습니다.

20세기 중반, 피에르 셰퍼와 카를하인츠 슈토크하우젠과 같은 선구자들이 녹음된 사운드를 테이프에 조작하여 완전히 새로운 작곡을 만들면서 음악적인 콩트가 등장했습니다. 이를 통해 미래의 전자 음악 제작 기법에 대한 토대가 마련되었습니다.

1960년대는 아날로그 합성을 대중화한 무그 합성기의 도입으로 중추적인 10년이었습니다. Wendy Carlos와 같은 아티스트들은 획기적인 앨범 "Switched-On Bach"로 그것의 잠재력을 증명했습니다. 한편, BBC 라디오포닉 워크샵과 같은 테이프 기반 스튜디오는 전자 사운드 디자인의 선두에 있었습니다.

1980년대에는 MIDI(악기 디지털 인터페이스) 표준의 발전과 함께 디지털 기술을 향한 큰 변화가 있었습니다. 이를 통해 전자 악기가 컴퓨터와 서로 통신할 수 있게 되어 음악 제작에 혁명을 일으켰습니다. 야마하 DX7과 같은 디지털 신시사이저는 널리 인기를 끌었습니다.

1990년대와 2000년대에는 디지털 음악 제작 도구의 접근성과 컴퓨터 기반 소프트웨어 신시사이저의 부상에 힘입어 일렉트로닉 댄스 뮤직(EDM)과 그 다양한 하위 장르의 폭발적인 성장을 목격했습니다.

교육

전문교육

참고 항목: 오디오 엔지니어 및 카테고리:음향공학과

음악 기술 과정은 학부 및 대학원 수준의 연주, 작곡, 음악 연구에 초점을 맞춘 학위 프로그램의 일환으로 다양한 대학에서 제공됩니다. 음악 기술에 대한 연구는 보통 새로운 소리를 만들고, 공연하고, 녹음하고, 시퀀서나 다른 음악 관련 전자 장치를 프로그래밍하고, 음악을 조작하고, 혼합하고, 재생하기 위한 기술의 창의적인 사용에 관한 것입니다. 음악 기술 프로그램은 학생들에게 "음향 공학, 컴퓨터 음악, 시청각 제작 및 사후 제작, 마스터링, 영화 및 멀티미디어의 채점, 게임용 오디오, 소프트웨어 개발 및 멀티미디어 제작"을 교육합니다.[2] 새로운 음악 기술을 개발하기를 원하는 사람들은 종종 R&D에서 일하는 오디오 엔지니어가 되기 위해 훈련을 받습니다.[3] 음악 기술에서 학제간 작업의 증가하는 역할로 인해, 새로운 음악 기술을 개발하는 개인들은 컴퓨터 프로그래밍, 컴퓨터 하드웨어 디자인, 음향학, 음반 제작 또는 다른 분야에서 경력이나 훈련을 가질 수도 있습니다.

음악기술을 활용한 교육

디지털 음악 기술은 가정, 초등학교, 중학교, 고등학교, 대학 및 대학 음악 프로그램에서 학생을 양성하기 위한 음악 교육을 지원하는 데 널리 사용됩니다. 전자 키보드 랩은 고등학교, 대학 및 대학에서 비용 효율적인 초급 그룹 피아노 교육에 사용됩니다. 음악 표기 소프트웨어와 오디오 및 MIDI의 기본 조작 과정은 음악 학위를 위한 학생의 핵심 요구 사항의 일부가 될 수 있습니다. 음악 이론과 귀 훈련을 연구하는 데 도움이 되는 모바일 및 데스크톱 애플리케이션을 사용할 수 있습니다. Roland가 제공하는 것과 같은 디지털 피아노는 음악 기초를 가르치기 위해 악기의 내장된 기능을 사용하여 상호작용적인 수업과 게임을 제공합니다.[4]

아날로그 신시사이저

고전적인 아날로그 신시사이저로는 Moog Minimoog, ARP Odyssey, Yamaha CS-80, Korg MS-20, Sequential Circuits Prepect-5, Roland TB-303, Roland Alpha Juno가 있습니다.[5] 가장 상징적인 신시사이저 중 하나는 애시드 하우스 음악에 널리 사용된 롤랜드 TB-303입니다. 이 신시사이저는 기술이 고전적인 악기를 본떠 소프트웨어 합성을 사용하기 때문에 혁신적임이 입증되었습니다. 이러한 신시사이저의 새로운 물결은 사용자가 Midi처럼 화면에서 모듈을 연결할 수 있게 했습니다.

디지털 신시사이저 이력

클래식 디지털 신시사이저로는 Fairlight CMI, PPG Wave, Nord Modular 및 Korg M1이 있습니다.[5]

일본의 디지털 신시사이저

1970년대와 1980년대에 걸쳐 일본의 신시사이저 제조업체들은 야마하, 롤랜드, Korg, Kawai 및 기타 회사에서 만든 신시사이저로 가장 저렴한 신시사이저를 생산하기 시작했습니다.[6] Yamaha의 DX7은 비교적 저렴한 첫 번째 대량 시장용 신디사이저 키보드 중 하나였습니다. DX7은 1983년부터 1989년까지 제조된 FM 합성 기반 디지털 신시사이저입니다. 이 신시사이저는 일렉트로닉 댄스 음악의 소리를 형성하는 데 도움이 되었습니다.[7][8][9] 그 독특한 소리는 1980년대 팝 음악을 포함한 많은 녹음에서 들을 수 있습니다. 단심, 16음 다성 DX7은 DX 시리즈 키보드 신시사이저의 중간 버전이었습니다. 오리지널 DX7은 200,000개 이상이 만들어졌으며,[9][10][11] 지금까지 가장 많이 팔린 신시사이저 중 하나로 남아 있습니다.[8][12]

컴퓨터 음악사

맥스 매튜스

메인 기사: 맥스 매튜스

컴퓨터와 신시사이저 기술이 결합하면서 음악이 만들어지는 방식이 바뀌었고, 오늘날 음악 기술의 가장 빠르게 변화하는 측면 중 하나입니다. 벨 전화 연구소의 음향 및 행동 연구부의 통신 엔지니어인[citation needed] 맥스 매튜스는 50년대 최초의 디지털 음악 기술의 일부를 담당하고 있습니다. Max Mathews는 또한 아날로그에서 디지털로 변환되는 음악 기술의 초석을 개척했습니다.[citation needed]

Bell Laboratories에서 Matthews는 장거리 전화에 대한 통신 품질을 향상시키기 위한 연구를 수행했습니다. 장거리 및 낮은 대역폭으로 인해 미국 전역의 전화 통화에서 오디오 품질이 좋지 않았습니다. 그래서 매튜스는 소리가 전송되지 않고 먼 쪽의 컴퓨터를 통해 합성되는 방법을 고안했습니다. Matthews는 아마추어 바이올리니스트였고, Bell Labs에서 그의 상관인 John Pierce와의 대화에서 Pierce는 Matthews가 이미 음성을 합성했기 때문에 컴퓨터를 통해 음악을 합성하는 아이디어를 제안했습니다. 매튜스는 동의했고 1950년대부터 MUSIC이라고 알려진 일련의 프로그램을 썼습니다. MUSIC은 컴퓨터에 소리를 합성하는 방법을 알려주는 데이터를 포함하는 두 개의 파일과 오케스트라 파일에 정의된 악기를 사용하여 프로그램에 어떤 음을 재생해야 하는지를 알려주는 악보 파일로 구성되었습니다. Matthews는 MUSIC I-V라고 부르는 MUSIC의 다섯 번의 반복을 썼습니다. 그 후, 프로그램이 다양한 플랫폼에서 실행되도록 쓰여지고 확장되면서 새로운 변화를 반영하여 이름이 바뀌었습니다. 이 일련의 프로그램은 MUSICn 패러다임으로 알려지게 되었습니다. MUSIC의 개념은 이제 C사운드의 형태로 존재합니다.[13]

이후 막스 매튜스는 IRCAM(Institute de recherchet coordination audocique/musique)의 고문으로 일했습니다. 1980년대 후반 음향/음악 연구 및 조정 연구소(Institute for Research and Coordination in Acoustic/Music). 거기서 그는 연구원인 밀러 퍼켓을 가르쳤습니다. 푸켓은 음악을 그래픽으로 프로그래밍할 수 있는 프로그램을 개발했습니다. 프로그램은 MIDI 메시지를 송수신하여 실시간으로 대화형 음악을 생성할 수 있습니다. 매튜스에게 영감을 받아 퍼켓은 그 프로그램의 이름을 맥스라고 지었습니다. 나중에 데이비드 지카렐리라는 연구원이 IRCAM을 방문했고, 맥스의 능력을 보았고 그것이 더 발전될 수 있다고 느꼈습니다. 그는 떠날 때 맥스의 복사본을 가지고 갔고 결국 오디오 신호를 처리하는 기능을 추가했습니다. 지카렐리는 이 프로그램의 새로운 부분을 밀러 퍼켓의 이름을 따서 MSP라고 지었습니다. Zicarelli는 MaxMSP의 상업용 버전을 개발하여 1997년부터 회사인 Cycling '74에서 판매했습니다. 그 후 회사는 에이블턴에 인수되었습니다.[13]

후대의 역사

상업적으로 이용 가능한 전문적인 컴퓨터 음악 악기의 1세대, 또는 나중에 몇몇 회사들이 그것들을 부르듯이 워크스테이션은 그것들이 처음 등장했을 때 엄청난 비용이 드는 매우 정교한 정교한 시스템이었습니다. 그들은 25,000달러에서 20만달러 사이였습니다.[14] 가장 인기 있는 두 가지는 페어라이트와 싱클라비어였습니다.

MIDI가 등장한 이후에야 범용 컴퓨터가 음악 제작에 역할을 하기 시작했습니다. MIDI의 광범위한 채택에 따라 컴퓨터 기반의 MIDI 편집기와 시퀀서가 개발되었습니다. 그런 다음 MIDI-to-CV/Gate 변환기를 사용하여 아날로그 신시사이저를 MIDI 시퀀서로 제어할 수 있습니다.[15]

개인용 컴퓨터의 가격 인하로 인해 대중은 더 비싼 워크스테이션을 외면하게 되었습니다. 기술의 발전으로 하드웨어 처리 속도와 메모리 유닛의 용량이 증가했습니다. 시퀀싱, 녹음, 노트 작성, 음악 마스터를 위한 강력한 프로그램입니다.

MIDI 이력

1983년 로스앤젤레스에서 열린 NAMM 쇼에서 MIDI가 발매되었습니다. 컨벤션에서의 시연은 이전에 호환되지 않았던 두 아날로그 신시사이저인 예언자 600과 롤랜드 주피터-6이 서로 통신하는 것을 보여주었고, 플레이어는 두 개의 키보드에서 출력을 얻는 동안 하나의 키보드를 재생할 수 있게 해주었습니다. 이것은 1980년대에 큰 성공을 거두었는데, 라이브 쇼와 스튜디오 녹음에서 신스를 정확하게 계층화할 수 있었기 때문입니다. MIDI를 사용하면 다양한 전자 악기와 전자 음악 장치가 서로, 컴퓨터와 통신할 수 있습니다. MIDI의 출현은 전자 악기와 음악 소프트웨어의 판매와 생산의 급속한 확장에 박차를 가했습니다.

1985년, 몇몇 최고의 키보드 제조업체들이 MMA (Medi Manufacturers Association)를 만들었습니다. 이 새로 설립된 협회는 MIDI 프로토콜에 관한 모든 문서를 생성하고 배포함으로써 MIDI 프로토콜을 표준화했습니다. Opcode에 의한 MIDI 파일 포맷 사양의 개발로 모든 음악 소프트웨어 회사의 MIDI 시퀀서 소프트웨어는 서로의 파일을 읽고 쓸 수 있게 되었습니다.

1980년대부터 개인용 컴퓨터가 발전하여 MIDI의 방대한 잠재력을 활용하는 이상적인 시스템이 되었습니다. 이로 인해 MIDI가 장착된 전자 키보드, MIDI 시퀀서 및 디지털 오디오 워크스테이션과 같은 소프트웨어에 대한 대규모 소비 시장이 형성되었습니다. 범용 MIDI 프로토콜을 사용하면 전자 키보드, 시퀀서 및 드럼 머신을 모두 함께 연결할 수 있습니다.

1980년대까지의 보컬 합성 역사

벨 연구소의 VODER.

주 기사: VODER

컴퓨터 음악의 역사와 일치하는 것이 보컬 합성의 역사입니다. Max Matthews가 컴퓨터로 음성을 합성하기 전에는 아날로그 장치를 사용하여 음성을 재현했습니다. 1930년대에 Holmer Dudley라는 이름의 엔지니어가 톱니파와 백색 소음을 발생시키는 전기 기계 장치인 VODER를 발명했습니다. 파형의 주파수 스펙트럼 중 다양한 부분을 필터링하여 음성을 생성할 수 있습니다. 조작자가 착용한 손목 스트랩의 막대를 통해 피치를 변조했습니다.[16] 1940년대에 더들리는 VOCODER (음성 작동 코드)를 발명했습니다. 이 기계는 처음부터 음성을 합성하는 것이 아니라 수신되는 음성을 받아들여 스펙트럼 구성 요소로 분해하는 방식으로 작동했습니다. 1960년대 후반과 1970년대 초, 밴드와 솔로 아티스트들은 음성과 신디사이저로 연주되는 음표를 혼합하기 위해 VOCODER를 사용하기 시작했습니다.[17]

벨 연구소에서 켈리-로치바움 보컬 트랙을 부르고 있습니다.

참고 항목: 조음합성

한편, 벨 연구소에서 맥스 매튜스는 연구원 켈리, 록바움과 함께 성대의 번영이 어떻게 음성 생성에 기여했는지 연구하기 위해 성대의 모델을 개발했습니다. Matthews는 보컬트랙트의 모델을 사용하여 1962년에 컴퓨터가 보컬트랙트를 나타내는 다양한 적용 필터를 포함하여 보컬 모델에 대한 정보를 기반으로 각 단어의 형성 요소와 스펙트럼 내용을 추정하는 방법인 선형 예측 코딩(LPC)[citation needed]을 사용하여 컴퓨터(IBM 704)를 처음으로 노래했습니다. 컴퓨터는 "데이지 벨"을 공연했습니다.[18]

IRCAM의 CHANT

1970년대에[citation needed] 프랑스의 IRCAM에서 연구원들은 CHANT(노래하는 프랑스어)라고 불리는 소프트웨어를 개발했습니다. CHANT는 FOF(Fomantond Formatique[citation needed]) 합성을 기반으로 했는데, 이 합성법은 음성을 만들기 위해 주파수를 필터링하는 것이 아니라, 세분화된 합성법을 사용하여 소리의 피크 주파수를 생성하고 형상화하는 것입니다.[19]

MIDI를 이용한 연접 합성

1980년대와 1990년대에 걸쳐 MIDI 장치가 상용화됨에 따라 MIDI 데이터를 샘플 라이브러리에 저장된 음성 구성 요소의 샘플에 매핑하여 음성이 생성되었습니다.[20]

2010년대 이후의 노래 합성

2010년대에 싱잉 합성 기술은 인간의 목소리의 뉘앙스를 더 잘 나타내기 위해 딥 리스닝과 기계 학습이라는 인공 지능의 최근 발전을 활용했습니다. 디지털 오디오 워크스테이션과 결합된 새로운 고충실도 샘플 라이브러리는 포맷 이동, 비브라토 조정, 모음과 자음 조정 등 세밀한 편집을 용이하게 합니다. 다양한 언어와 다양한 억양을 위한 샘플 라이브러리를 이용할 수 있습니다. 오늘날의 Singing 합성법의 발전에 따라, 아티스트들은 가수를 지원하는 대신 샘플 라이브러리를 사용하기도 합니다.[21]

신시사이저 및 드럼 머신

신시사이저

주 기사: 신시사이저
1970년 R. A. Moog Inc.의 초기 미니무그 합성기

신시사이저는 악기 증폭기와 확성기 또는 헤드폰을 통해 소리로 변환되는 전기 신호를 생성하는 전자 악기입니다. 신시사이저는 기존의 소리(악기, 보컬, 자연음 등)를 모방하거나 새로운 전자 음색이나 기존에 없던 소리를 생성할 수 있습니다. 종종 전자 음악 키보드로 연주되지만 음악 시퀀서, 악기 컨트롤러, 핑거보드, 기타 신시사이저, 윈드 컨트롤러 및 전자 드럼을 포함한 다양한 기타 입력 장치를 통해 제어할 수 있습니다. 컨트롤러가 내장되지 않은 신디사이저를 흔히 사운드 모듈이라고 하며, 컨트롤러 장치를 사용하여 제어합니다.

합성기는 신호를 생성하기 위해 다양한 방법을 사용합니다. 가장 일반적인 파형 합성 기술 중에는 감산 합성, 가산 합성, 파표 합성, 주파수 변조 합성, 위상 왜곡 합성, 물리적 모델링 합성 및 샘플 기반 합성이 있습니다. 다른 일반적이지 않은 합성 유형에는 서브하모닉을 통한 부가 합성의 한 형태인 서브하모닉 합성과 일반적으로 소리의 알갱이에 기초한 샘플 기반 합성, 일반적으로 사운드스케이프 또는 구름이 생성됩니다. 2010년대에는 팝, 록, 댄스 음악의 많은 장르에 신디사이저가 사용됩니다. 20세기와 21세기의 현대 클래식 음악 작곡가들은 신시사이저를 위한 작곡을 씁니다.

드럼머신

메인기사 : 드럼머신
야마하 RY30 드럼기

드럼 머신은 드럼, 심벌즈, 기타 타악기 및 종종 베이스 라인의 소리를 모방하도록 설계된 전자 악기입니다. 드럼 머신은 미리 녹음된 드럼과 심벌즈 샘플을 재생하거나 음악가가 프로그래밍한 리듬과 템포로 드럼/심벌즈 사운드를 합성하여 재생합니다. 드럼 머신은 하우스 음악과 같은 일렉트로닉 댄스 음악 장르와 가장 일반적으로 연관되지만 다른 많은 장르에서도 사용됩니다. 세션 드러머를 사용할 수 없거나 제작이 전문 드러머의 비용을 감당할 수 없는 경우에도 사용됩니다. 2010년대 대부분의 현대 드럼 머신은 드럼 음색의 재생을 전문으로 하는 샘플 재생(롬플러) 또는 신시사이저 구성 요소를 갖춘 시퀀서입니다. 모델마다 특징이 다르지만 많은 현대 드럼 머신은 독특한 사운드를 생성할 수 있으며 사용자가 독특한 드럼 비트와 패턴을 작곡할 수 있습니다.

전기 기계 드럼 기계는 1949년 체임벌린 리듬메이트의 발명으로 처음 개발되었습니다. 트랜지스터화된 전자 드럼 머신 Seburg Select-A-Rhythm은 1964년에 등장했습니다.[22][23][24][25]

클래식 드럼 머신에는 Korg Mini Pops 120, PAIA Programmable Drum Set, Roland CR-78, LinnDrum, Roland TR-909, Oberheim DMX, E-MU SP-12, Alesis HR-16, Elektron SPS1 Machinedrum이 포함됩니다.[26]

일본의 드럼 머신

1970년대 후반과 1980년대에 롤랜드와 코그와 같은 일본 제조업체들은 음악 혁명에 중추적인 역할을 했습니다. Roland의 TR-808과 TR-909는 힙합과 일렉트로닉 댄스 음악과 같은 장르를 형성하며 리듬 제작에 혁명을 일으켰습니다. Korg의 KPR-77과 DDD-1도 영향을 미쳤습니다. 이 드럼 머신은 독특한 사운드와 저렴한 가격으로 유명했습니다. 시간이 지남에 따라 일본 기업들은 Roland TR-8과 Korg Volca Beats와 같은 더 발전되고 사용자 친화적인 드럼 머신을 생산하면서 혁신을 계속했습니다. 이러한 악기들은 현대 음악 제작에 지속적으로 영향을 미치고 있으며 전 세계적으로 전자 음악 환경에 필수적인 요소로 남아 있습니다.Sly and the Family Stone의 1971년 앨범 There's a Riot Goin' On은 초기 롤랜드 리듬 머신을 사용한 Timmy Thomas의 1972년 R&B 히트곡 "Why Can't We Live Together"와 조지 맥크래의 1974년 디스코 히트곡 "Rock Your Baby"와 함께 초기 드럼 머신의 사운드를 대중화하는 데 도움을 주었습니다.[27]

초기 드럼 머신들은 1980년대에 최고의 인기를 얻어서 10년 전체의 팝 음악을 정의했던 드럼 머신들과는 완전히 다르게 들렸습니다. 가장 상징적인 드럼 머신은 힙합과 댄스 음악에 널리 사용되는 Roland TR-808이었습니다.

1980년대 이후의 샘플링 기술

참고 항목: 샘플러(악기)

1970년대에 도입된 [28][29][30][31][32]디지털 샘플링 기술은 2000년대 음악 제작의 필수 요소가 되었습니다.[citation needed] 샘플링을 사용하는 장치는 디지털 방식으로 소리를 녹음하고(일반적으로 피아노나 플루트와 같은 악기) 컨트롤러 장치의 키나 패드(예: 전자 키보드, 전자 드럼 패드 등)를 누르거나 트리거할 때 재생합니다. 샘플러는 다양한 오디오 효과와 오디오 처리를 사용하여 사운드를 변경할 수 있습니다. 샘플링은 음악적 콘크리트 실무자들이 수행하는 음향 실험과 함께 프랑스에 뿌리를 두고 있습니다.

기술이 아직 초기 단계였던 1980년대에는 디지털 샘플러의 가격이 수만 달러에 달했고 최고의 녹음 스튜디오와 음악가들만 사용했습니다. 이것들은 대부분의 음악가들의 가격 범위를 벗어났습니다. 초기 샘플러로는 1970년경 8비트 일렉트로닉 뮤직 스튜디오 MUSYS-3, 1976년 컴퓨터 뮤직 멜로디언, 1979년 페어라이트 CMI, 1981년 에뮬레이터 I, 1980년경 Synclavier II Sample-to-Memory(STM) 옵션, 1984년 엔소닉 미라지, 1985년 Akai S612가 있습니다. 후자의 후속 모델인 에뮬레이터 II(1984년 출시)는 8,000달러에 이름을 올렸습니다.[14] 샘플러는 이 기간 동안 K2000과 K2500과 같은 높은 가격표를 달고 출시되었습니다.

Kurzweil K250, Akai MPC60, Ensoniq Mirage, Ensoniq ASR-10, Akai S1000, E-mu Emulator, Fairlight CMI 등이 중요한 하드웨어 샘플러입니다.[33]

샘플링 기술의 가장 큰 용도 중 하나는 1980년대 힙합 음악 DJ와 연주자들에 의한 것이었습니다. 저렴한 샘플링 기술이 쉽게 이용 가능하기 전에 DJ들은 Grandmaster Flash가 개발한 기술을 사용하여 두 개의 분리된 턴테이블 사이를 저글링하여 노래의 특정 부분을 수동으로 반복했습니다. 이것은 샘플링의 초기 전구체로 간주될 수 있습니다. 차례로, 이 턴테이블리즘 기법은 1960년대 자메이카 더빙 음악에서 비롯되었고, 1970년대에 미국 힙합에 도입되었습니다.

2000년대 들어 대부분의 전문 녹음 스튜디오는 디지털 기술을 사용합니다. 최근 몇 년 동안 많은 샘플러가 디지털 기술만 포함했습니다. 이 새로운 세대의 디지털 샘플러는 소리를 재생하고 조작할 수 있습니다. 디지털 샘플링은 힙합 및 트랩과 같은 일부 음악 장르에서 필수적인 역할을 합니다. 고급 샘플 라이브러리는 라이브 연주와 비슷한 소리를 내는 오케스트라 구성의 완전한 연주를 가능하게 했습니다.[6] 현대 사운드 라이브러리를 통해 음악가는 거의 모든 악기의 소리를 제작에 사용할 수 있습니다.

일본의 샘플링 기술

초기 샘플러로는 1981년 12비트 도시바 LMD-649[ja]가 있습니다.[34]

일본 최초의 저렴한 샘플러는 1984년 엔소닉 미라지(Ensoniq Mirage)였습니다. 또한 AKAI S612는 1985년에 출시되었으며, 미화 895달러에 판매되었습니다. 1987년 Oberheim DPX-1과 Korg, Casio, Yamaha, Roland 등을 포함한 다른 회사들도 곧 저렴한 샘플러를 출시했습니다. 일본에서 중요한 하드웨어 샘플러로는 Akai Z4/Z8, Roland V-Synth, Casio FZ-1이 있습니다.[33]

미디

Several rack-mounted synthesizers that share a single controller
MIDI를 사용하면 단일 컨트롤러에서 여러 악기를 재생할 수 있습니다(여기 그림처럼 키보드). 이를 통해 무대 설정을 훨씬 더 쉽게 할 수 있습니다. 이 시스템은 하나의 랙 케이스에 들어맞지만, MIDI가 등장하기 전에는 무거운 실물 크기의 키보드 4개와 선외기 혼합 및 효과 장치가 필요했을 것입니다.

MIDI는 1980년대부터 현재까지 악기 산업 표준 인터페이스였습니다.[35] 1981년 6월 Roland Corporation의 설립자인 Kakehashi 이쿠타로가 Oberheim Electronics의 설립자인 Tom Oberheim과 Sequential Circuits의 사장인 Dave Smith에게 컴퓨터뿐만 아니라 다른 제조업체의 기기 간의 표준화 개념을 제안했던 때로 거슬러 올라갑니다. 1981년 10월, 카케하시, 오버하임, 스미스는 야마하, 코그, 카와이의 대표들과 이 개념에 대해 논의했습니다.[36] 1983년 카케하시와 스미스에 의해 MIDI 표준이 공개되었습니다.[37][38]

일반적으로 받아들여지는 일부 다양한 MIDI 소프트웨어 응용 프로그램은 음악 명령 소프트웨어, MIDI 시퀀싱 소프트웨어, 음악 표기 소프트웨어, 하드 디스크 기록/편집 소프트웨어, 패치 편집기/사운드 라이브러리 소프트웨어, 컴퓨터 보조 작곡 소프트웨어 및 가상 악기를 포함합니다. 현재 컴퓨터 하드웨어와 전문 소프트웨어의 발전은 MIDI 응용 프로그램을 계속 확장하고 있습니다.

1980년대 이후 음악 기술의 컴퓨터

MIDI의 광범위한 채택에 따라 컴퓨터 기반의 MIDI 편집기와 시퀀서가 개발되었습니다. 그런 다음 MIDI-to-CV/Gate 변환기를 사용하여 아날로그 신시사이저를 MIDI 시퀀서로 제어할 수 있습니다.[15]

개인용 컴퓨터의 가격 인하로 인해 대중은 더 비싼 워크스테이션을 외면하게 되었습니다. 기술의 발전으로 하드웨어 처리 속도와 메모리 유닛의 용량이 증가했습니다. 소프트웨어 개발자들은 음악의 순서를 정하고, 녹음하고, 주석을 달고, 마스터하기 위한 새롭고 더 강력한 프로그램을 작성합니다.

Pro Tools, Logic 등과 같은 디지털 오디오 워크스테이션 소프트웨어는 최근 몇 년 동안 방대한 현대 음악 기술 사이에서 인기를 얻었습니다. 이러한 프로그램을 통해 사용자는 마이크나 소프트웨어 기기로 음향 사운드를 녹음할 수 있으며, 이를 레이어화하여 타임라인을 따라 구성하고 컴퓨터의 평면 디스플레이에서 편집할 수 있습니다. 기록된 세그먼트는 충실도의 손실이나 추가된 노이즈(모든 복사본이 충실도의 손실과 추가된 노이즈로 이어지는 아날로그 녹음의 주요 대비) 없이 무한대로 복사 및 복제할 수 있습니다. 디지털 음악은 다양한 오디오 효과를 사용하여 편집 및 처리할 수 있습니다. 현대의 클래식 음악은 때때로 첼로나 바이올린과 같은 클래식 음향 악기에 컴퓨터가 만들어낸 소리를 결합하거나 병치하여 사용합니다. 음악은 상업적으로 이용 가능한 표기 소프트웨어로 채점됩니다.[39]

디지털 오디오 워크스테이션과 음악 표기 소프트웨어는 고정 매체(공연될 때마다 변하지 않는 재료)의 생성을 촉진하는 것 외에도 대화형 또는 생성적 음악을 촉진하는 소프트웨어가 계속해서 등장하고 있습니다. 조건 또는 규칙에 기반한 작곡(알고리즘 작곡)으로 인해 입력 조건 또는 규칙에 따라 자동으로 음악을 생성할 수 있는 소프트웨어가 탄생했습니다. 따라서 결과적인 음악은 조건이 바뀔 때마다 진화합니다. 이 기술의 예로는 플레이어가 레벨을 통해 발전하거나 특정 캐릭터가 등장할 때 음악이 진화하는 비디오 게임용 음악을 작곡하기 위해 설계된 소프트웨어 또는 뇌파나 ECG 판독과 같은 생체 인식을 음악으로 변환하도록 훈련된 인공지능에서 생성된 음악이 있습니다.[40] 이 음악은 사용자 상호 작용을 기반으로 하기 때문에 들을 때마다 다를 것입니다. 생성 음악 기술의 다른 예로는 컴퓨터 및 인공 지능에 연결된 센서를 사용하여 환경 요인, 댄서의 움직임 또는 마우스 또는 게임 컨트롤러와 같은 디지털 디바이스로부터의 물리적 입력과 같은 캡처된 데이터를 기반으로 음악을 생성하는 것이 있습니다. SuperCollider, MaxMSP/Jitter, Processing 등은 생성 및 대화형 음악을 위한 기능을 제공하는 소프트웨어 애플리케이션입니다. 대화형 음악은 물리적 세계의 데이터가 컴퓨터의 출력에 영향을 미치고 그 반대의 경우도 물리적 컴퓨팅을 통해 가능합니다.[13]

타임라인

주 기사: 음악 기술의 연대표

일본의 타임라인

참고 항목

참고문헌

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소프트웨어 합성기: 디지털 시대를 위한 고전적인 아날로그 사운드

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외부 링크

라브리오라, 돈 "소프트웨어 합성기: 디지털 시대를 위한 고전적인 아날로그 사운드" 컴퓨터 쇼퍼, vol. 18, No. 8, 1998년 8월 272쪽. 게일 학술원파일, link.gale.com/apps/doc/A20867876/AONE?u=temple_main&sid=bookmark-AONE&xid=145f6168 2023년 10월 27일 접속했습니다.