대중음악

Pop music
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대중음악
스타일적 기원
문화적 기원1950년대 중반,[4] 미국과 영국
도함수형태
하위 장르
퓨전 장르
지역적인 장면들
기타주제

팝 음악은 1950년대 중반 미국과 영국에서 현대적인 형태로 시작된 대중 음악의 한 장르입니다.[4] 1950년대와 1960년대 동안, 대중 음악은 로큰롤과 그것이 영향을 미친 청소년 중심의 스타일을 포함했습니다. 록과 팝 음악은 1960년대 후반까지 거의 동의어로 남아 있었고, 그 후 팝은 더 상업적이고 일시적이며 접근하기 쉬운 음악과 연관되었습니다.

팝 음악의 특징은 일반적으로 반복되는 코러스와 훅, 기본 형식(흔히 구절-코러스 구조)으로 작곡된 짧은 길이에서 중간 길이의 노래, 쉽게 춤출 수 있는 리듬이나 템포를 포함합니다. 많은 팝 음악들은 또한 록, 어반, 댄스, 라틴 그리고 컨트리와 같은 다른 스타일의 요소들을 차용합니다.

대중 음악과 대중 음악이라는 용어는 종종 혼용되지만, 전자는 대중 음악을 더 정확하게 설명하고 많은 이질적인 스타일을 포함합니다. 음반 차트에 등장하는 음악의 상당 부분이 대중음악으로 여겨지지만, 그 장르는 차트 음악과 구별됩니다.

정의 및 어원

데이비드 해치와 스티븐 밀워드는 팝 음악을 "대중, 재즈, 포크 음악과 구별되는 음악의 집합체"라고 설명합니다.[9] 피트 시거(Pete Seeger)에 따르면, 팝 음악은 "민속 음악과 순수 예술 음악 모두에 기반을 둔 전문 음악"이라고 합니다.[3] 음악 연구가인 데이비드 보일은 대중 매체에 의해 사람이 노출된 모든 종류의 음악을 팝 음악이라고 말합니다.[10] 대부분의 사람들은 팝 음악이 모든 차트 음악의 총합이 아니라 싱글 차트일 뿐이라고 생각합니다. 음악 차트에는 클래식, 재즈, 록 및 참신함 노래를 포함한 다양한 출처의 노래가 포함되어 있습니다. 장르로서 팝 음악은 따로 존재하고 발전하는 것으로 보여집니다.[11] 따라서 "대중음악"이라는 용어는 "10대를 겨냥한 즉각적인 싱글 기반의 음악"으로 특징지어지는 모든 사람들의 관심을 끌기 위해 고안된 독특한 장르를 설명하는 데 사용될 수 있습니다. 이와 대조적으로 록 음악은 "어른들을 위한 앨범 기반의 음악"으로 특징지어집니다.[4][13]

팝 음악은 용어의 정의와 함께 지속적으로 진화합니다. 음악 작가 빌 램(Bill Lamb)에 따르면, 대중 음악은 "1800년대 산업화 이후 도시 중산층의 취향과 관심에 가장 부합하는 음악"으로 정의됩니다.[14] 팝송이라는 용어는 대중적인 매력을 가진 음악이라는 의미에서 1926년에 처음 사용되었습니다.[15] Hatch and Millward는 1920년대 음반 역사의 많은 사건들이 컨트리, 블루스, 힐빌리 음악을 포함한 현대 대중 음악 산업의 탄생으로 볼 수 있음을 나타냅니다.[16]

옥스포드 음악 사전은 "팝"이라는 용어는 롤링 스톤스(Rolling Stones)와 같은 예술가들에 의해 공연되는 음악을 가리킨다고 말합니다(2006년 공연에서 여기 사진).

The New Grove Dictionary of Music and Musicians 웹사이트에 따르면, "팝 음악"이라는 용어는 "1950년대 중반 영국에서 로큰롤과 그것에 영향을 준 새로운 청소년 음악 스타일에 대한 설명으로 시작되었습니다.[2] 옥스포드 음악 사전은 팝의 "초기 의미는 1950년대 후반부터 광범위한 청중들에게 매력적인 콘서트를 의미했지만, 팝은 비틀즈, 롤링 스톤스, ABBA 등과 같은 아티스트들에 의해 보통 노래의 형태로 공연되는 비클래식 음악의 특별한 의미를 가지고 있었습니다."[17]Grove[17] Music Online은 또한 "1960년대 초, '팝 뮤직'은 [영국]에서 비트 뮤직과 용어적으로 경쟁한 반면, 미국에서는 (지금도 그러하듯이) '로큰롤'과 커버력이 겹친다"고 말했습니다.[2]

1967년경부터 "팝 뮤직"이라는 용어는 두 용어 모두에 일반적인 의미를 부여하는 구분인 록 음악이라는 용어에 반대하여 점점 더 많이 사용되었습니다.[18] 록은 진정성과 대중 음악의 가능성의 확장을 열망했지만 [18]팝은 더 상업적이고 일시적이며 접근하기 쉽습니다.[19] 영국의 음악학자 사이먼 프리스(Simon Frith)에 따르면, 팝 음악은 "예술이 아닌 기업의 문제로서" 제작되며, "모든 사람에게 어필하기 위해 설계되었다"고 하지만 "특정한 장소에서 나오거나 특정한 취향을 표시하지 않는다"고 합니다. 프리스는 "이익과 상업적 보상[...]을 제외하고는 어떤 중요한 야망에도 이끌리지 않으며, 음악적 측면에서 본질적으로 보수적"이라고 덧붙였습니다. 그것은 "음반 회사, 라디오 프로그래머 및 콘서트 프로모터가 아래에서 만드는 것이 아니라 (음반 회사, 라디오 프로그래머 및 콘서트 프로모터에 의해) 높은 곳에서 제공됩니다. 팝은 직접 하는 음악이 아니라 전문적으로 제작되고 포장된 음악입니다."[4]

특성.

의로운 형제들 – "You've Lost the Lovin' Feeling" (1965)
2011년 현재, "You've Lost That Lovin' Feelin"은 미국 라디오 역사상 가장 자주 재생되는 노래로 기록되어 있습니다.[20] 음악 작가 닉 로건(Nick Logan)과 밥 워핀든(Bob Woffinden)은 "궁극의 팝 레코드"[21]라고 설명합니다.
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프리스에 따르면, 팝 음악의 특징은 특정한 하위 문화나 이념보다는 일반 청중에게 호소하는 것을 목표로 하고, 형식적인 "예술적인" 특성보다는 장인정신을 강조하는 것을 포함합니다.[4] 게다가, 프리스는 또한 팝 음악의 세 가지 식별 특성을 제공합니다: 가벼운 엔터테인먼트, 상업적 의무, 그리고 개인 식별. 팝 음악은 가벼운 오락과 쉬운 청취 전통에서 비롯되었습니다.[22] 팝 음악은 포크, 블루스, 컨트리, 전통과 같은 다른 음악 장르보다 더 보수적입니다. 많은 팝송들은 저항, 반대 또는 정치적 주제를 담고 있지 않으며 오히려 사랑과 관계에 더 초점을 맞추고 있습니다. 따라서 대중음악은 청중에게 사회적으로 도전하지 않으며, 정치적 행동주의를 일으키지 않습니다. 프리스는 또한 팝 음악의 주요 목적은 수익을 창출하는 것이라고 말했습니다. 그것은 국민의 자유로운 표현의 매개체가 아닙니다. 대신, 대중 음악은 듣는 사람들에게 호소하는 진부한 성격과 고정관념, 멜로드라마로 개인적인 욕망의 본질을 공급하고 순간적인 공감을 이루려고 합니다. 대중 음악이 음반 회사들에게 얼마나 많은 수익을 내는지가 대부분입니다.[23] 음악 학자 티모시 워너(Timothy Warner)는 팝 음악은 일반적으로 라이브 공연보다는 녹음, 제작, 기술에 중점을 두고 있으며, 진보적인 발전보다는 기존 트렌드를 반영하는 경향이 있으며, 춤을 장려하거나 춤 중심의 리듬을 사용하려고 한다고 말했습니다.[19]

Amr_Diab_at_World_Music_Awards_2007
지난 30년간[24][25] 중동과 아프리카에서 높은 음반 판매량을 달성한 이집트 팝스타 '엘 하다바' 암르 디아브

팝 음악의 주요 매체는 노래로, 보통 2분에서 30분 사이의 길이를 가지며, 일반적으로 일관되고 눈에 띄는 리듬 요소, 주류 스타일 및 단순한 전통 구조로 특징지어집니다.[26] 많은 대중가요의 구조는 한 소절과 코러스인데, 코러스는 음악적으로나 가사적으로 단순한 반복을 통해 귀에 꽂힐 수 있도록 고안된 곡의 일부분입니다. 코러스는 종종 음악이 만들어지는 곳이고 베이스와 드럼 부분이 "드롭 아웃"되는 "드롭"이 뒤따릅니다.[27] 일반적인 변형에는 멜로디와 귀에 쏙쏙 들어오는 훅에 초점을 맞춘 구절-합창 형식과 32마디 형식, 그리고 선율적으로, 리드미컬하게, 그리고 구절과 조화롭게 대조되는 합창이 있습니다.[28] 박자와 멜로디는 단순한 경향이 있으며, 화성 반주는 제한적입니다.[29] 현대 팝송의 가사는 일반적으로 사랑과 연애라는 단순한 주제에 초점을 맞추고 있습니다 – 하지만 눈에 띄는 예외도 있습니다.[4]

팝 음악에서 화음과 화음의 진행은 종종 "고전적인 유럽 성조의 그것, 단지 단순한 마음의 것"입니다.[30] 클리셰에는 이발소 4중주 스타일의 화음(즉, ii – V – I)과 블루스 스케일에 영향을 받는 화음이 포함됩니다.[31] 1950년대 중반과 1970년대 후반 사이에 전통적인 5분의 1권의 영향력이 줄어들었는데, 여기에는 지배적인 기능에 대한 지배력이 감소하는 것도 포함됩니다.[32]

2023년 10월 빌보드는 "최고의 팝송 500곡" 목록을 작성했습니다. 그렇게 함으로써 "팝 송"을 정의하는 데 어려움을 지적했습니다.

팝을 요약하기 어려운 이유 중 하나는 실제 소닉이나 음악적 정의가 없기 때문입니다. 많은 가장 큰 팝송들에는 공통적인 요소들이 있지만, 결국 '팝'은 무엇보다도 '인기'를 의미하며, 충분히 인기를 얻게 되는 어떤 노래든 팝송으로 간주될 수 있습니다.[33]

발전과 영향력

기술 및 미디어

빙 크로스비는 "팝의 왕" 또는 "대중음악의 왕"이라는 별명을 얻은 최초의 아티스트 중 한 명이었습니다.[34][verification needed]

1940년대에는 마이크 디자인이 개선되어 보다 친밀한 창법이 가능해졌으며, 10년 또는 20년 후에는 저렴하고 내구성이 뛰어난 싱글 45rpm 레코드가 "팝이 보급된 방식에 혁명을 일으켰다."고 하여 팝 음악을 "음반/라디오/영화 스타 시스템"으로 옮기는 데 도움이 되었습니다.[35] 또 다른 기술적 변화는 1950년대에 텔레비전 공연이 널리 보급되었다는 것인데, 이는 "팝 스타들은 시각적 존재감을 가져야 한다"는 것을 의미했습니다.[35] 1960년대에, 값싸고 휴대할 수 있는 트랜지스터 라디오의 도입은 선진국의 십대들이 집 밖에서 음악을 들을 수 있다는 것을 의미했습니다.[35] 1980년대 초, 팝 음악의 진흥은 "마이클 잭슨과 마돈나와 같은 시각적 매력이 강한 예술가들을 선호하는" MTV와 같은 음악 텔레비전 채널의 부상에 의해 크게 영향을 받았습니다.[35]

멀티트랙 녹음(1960년대)과 디지털 샘플링(1980년대) 또한 대중음악의 창작과 정교화를 위한 방법으로 사용되었습니다.[4] 1960년대 중반 동안 대중 음악은 청취자들 사이에서 대중의 담론에 영감을 주는 새로운 소리, 스타일 및 기술에 대한 반복적인 시도를 하였습니다. 프로그레시브라는 말이 자주 쓰였고, 모든 노래와 싱글은 마지막부터 '프로그레시브'가 된다고 생각했습니다.[36] 음악 평론가 사이먼 레이놀즈(Simon Reynolds)는 1967년부터 "프로그레시브" 팝과 "매스/차트" 팝 사이에 차이가 존재할 것이며, 이는 "일반적으로 소년과 소녀, 중산층과 노동자 계층 사이의 차이"라고 썼습니다.[37]

20세기 후반에는 예술과 팝 음악의 경계가 점점 모호해지는 미국 문화의 대규모 추세가 포함되었습니다.[38] 1950년과 1970년 사이에 팝 대 예술에 대한 논쟁이 있었습니다.[39] 그 이후로, 특정 음악 출판물들은 "팝 타임리즘"이라고 불리는 추세인 음악의 정통성을 받아들였습니다.[39]

스타일 진화

1960년대 영국의 침략은 비틀즈(1964년 사진)와 같은 영국의 악단이 미국 차트에 넘쳐나는 시기를 기념했습니다.

발전 과정에서 팝 음악은 다른 장르의 대중 음악의 영향을 흡수했습니다. 초기의 팝 음악은 독일 슐라거와 프랑스 샹송에 대응하는 미국의 전통 팝을 기반으로 했지만, 유럽 국가들의 팝과 비교했을 때, 전통 팝은 원래 틴 팬 앨리 작곡, 브로드웨이 극장 그리고 쇼 튠에 이르는 영향을 강조했습니다. 장르가 진화하면서 클래식, 포크, 록, 컨트리, 일렉트로닉 음악, 그리고 다른 대중적인 장르에 이르기까지 더 많은 영향을 받았습니다. 2016년, 1955년에서 2010년 사이에 녹음된 대중 음악의 464,000개 이상의 녹음을 조사한 사이언티픽 리포트 연구에 따르면, 1960년대 대중 음악에 비해 현대 대중 음악은 더 작은 음정 진행, 더 많은 평균 음량,[40] 덜 다양한 악기 및 녹음 기술, 그리고 음색의 다양성을 사용합니다.[41] 사이언티픽 아메리칸의 존 매슨(John Mattson)은 이것이 "요어의 팝 음악이 오늘날의 상위 40개 곡보다 더 낫거나, 적어도 더 다양하다는 대중적인 일화적 관찰을 뒷받침하는 것 같다"고 보고했습니다. 하지만, 그는 또한 이 연구가 각 세대의 팝을 완전히 대표하지는 않았을 수도 있다고 언급했습니다.[41]

1960년대에 주류 대중 음악의 대부분은 전통적인 오케스트라의 지원을 받는 기타, 드럼 및 베이스 그룹 또는 가수의 두 가지 범주로 떨어졌습니다.[42] 10년 초반부터 팝 프로듀서, 작곡가, 엔지니어들이 자유롭게 음악 형식, 오케스트레이션, 부자연스러운 반향, 기타 사운드 효과를 실험하는 것이 일반적이었습니다. 가장 잘 알려진 예로는 Phil Spector의 Wall of Sound와 Joe Meek이 Tornados와 같은 행위를 위해 집에서 만든 전자 음향 효과를 사용한 것이 있습니다.[43] 동시에, 라디오와 미국과 영국 영화의 대중 음악은 세련된 틴 팬 앨리에서 좀 더 별난 작곡으로 옮겨갔고 적절하게 편곡되고 리허설된 스튜디오 음악가 그룹에 의해 연주되는 잔향이 스며든 일렉 기타, 교향곡 현악기, 호른을 통합했습니다.[44] 643명의 참가자들이 팝송이 그들에게 얼마나 친숙한지 순위를 매겨야 했던 뉴욕 대학교의 2019년 연구에 따르면, 1960년대의 노래가 가장 기억에 남는 것으로 밝혀졌는데, 이는 최근 2000년에서 2015년의 노래보다 훨씬 더 많습니다.[45]

1960년대 후반의 진보적인 팝 이전에, 연주자들은 일반적으로 그들의 음악의 예술적인 내용을 결정할 수 없었습니다.[46] 1960년대 중반 경제 호황에 힘입어 음반사들은 아티스트에게 투자를 시작하여 실험할 자유를 부여하고 콘텐츠와 마케팅에 대한 제한된 통제권을 제공했습니다.[47] 이러한 상황은 1970년대 후반 이후 감소했고 인터넷 스타들이 부상하기 전까지는 다시 나타나지 않았습니다.[47] 1970년대 후반에 발전한 인디 팝은 메이저 레이블에서 음반 계약을 따내지 않고도 자신의 음악을 녹음하고 발매할 수 있다는 당시의 소설을 전제로 기타 밴드가 결성되면서 현대 팝 음악의 매력에서 또 한 번 벗어났습니다.[48]

1980년대는 일반적으로 신스팝 음악과 비전통적인 악기들을 특징으로 하는 다른 전자 장르들이 인기를 끌면서 신시사이저의 사용과 관련된 디지털 레코딩의 사용 증가로 기억됩니다.[49] 2014년까지 전 세계 대중 음악은 일렉트로닉 댄스 음악에 스며들었습니다.[50] 2018년, 어바인 캘리포니아 대학의 연구원들은 1980년대 이후 팝 음악이 '더 슬픈' 음악이 되었다고 결론지었습니다. 행복과 밝음의 요소는 결국 전자 비트로 대체되어 팝 음악을 더욱 '슬프면서도 춤출 수 있게' 만들었습니다.[51]

국제적 확산과 교차오염

마이클 잭슨(왼쪽)과 마돈나(오른쪽)는 1980년대부터[52] 각각 "팝의 왕과 여왕"으로 불렸습니다.

팝 음악은 미국과 (1960년대 중반부터) 영국 음악 산업에 의해 지배되어 왔는데, 그 영향으로 팝 음악은 국제적인 단일 문화로 만들어졌지만, 대부분의 지역과 국가들은 그들만의 팝 음악 형태를 가지고 있으며, 때로는 더 넓은 트렌드의 지역 버전을 생산하고 지역적인 특성을 빌려줍니다.[53] 이러한 경향 중 일부(예: Europop)는 장르의 발전에 상당한 영향을 미쳤습니다.[54]

팝 음악의 이야기는 크게 전후 시대 미국과 영국의 팝 문화가 뒤엉킨 이야기입니다.

— Bob Stanley[50]

휘트니 휴스턴(Whitney Houston)은 1980년대부터 세계에서 가장 영향력 있는 팝 보컬리스트 중 한 명이며, 그녀의 보컬 재능으로 인해 "더 보이스(The Voice)"라고 불립니다.[55][56]

그로브 뮤직 온라인(Grove Music Online)에 따르면, "서양에서 파생된 팝 스타일은, 독특하게 지역적인 장르와 공존하든, 주변화하든, 전 세계적으로 퍼져 나갔고, 세계 상업 음악 문화에서 스타일리시한 공통 분모를 구성하게 되었습니다."[57] 일본과 같은 일부 비서구 국가들은 번창하는 팝 음악 산업을 발전시켰는데, 그 대부분은 서양 스타일의 팝에 전념하고 있습니다. 일본은 몇 년 동안 미국을 제외한 모든 곳보다 더 많은 양의 음악을 만들어 왔습니다.[clarification needed][57] 서양 스타일의 팝 음악의 확산은 미국화, 동질화, 현대화, 창조적 전유, 문화 제국주의, 또는 더 일반적인 세계화의 과정을 나타내는 것으로 다양하게 해석되어 왔습니다.[57]

다른 음악 스타일과 함께 발전한 팝 음악 스타일 중 하나는 1950년대 초기 로큰롤 성공을 거둔 리치 발렌스와 함께 미국에서 인기를 얻은 라틴 팝입니다.[58] 이후 로스 로보스와 치카노 록은 1970년대와 1980년대에 인기를 얻었고, 음악가 셀레나는 1980년대와 1990년대에 테자노 음악가 리디아 멘도사와 리틀 조의 팬들과의 크로스오버 매력과 함께 대규모 인기를 얻었습니다.[citation needed] 후에 히스패닉계와 라틴계 미국인들이 대중음악 차트에서 성공을 거두면서, 1990년대의 대중음악 성공은 그들의 독창적인 장르와 더 넓은 대중음악 모두에서 인기를 유지했습니다.[59] Los del Rio의 "Macarena"와 Luis Fonsi의 "Despacito"와 같은 라틴 팝 히트 싱글들은 전세계 팝 음악 차트에서 기록적인 성공을 거두었습니다.[60]

세계적인 슈퍼스타가 된 20세기 후반의 주목할 만한 팝 아티스트로는 휘트니 휴스턴, 마이클 잭슨, 마돈나, 조지 마이클, 프린스 등이 있습니다.

21세기

브리트니 스피어스는 2000년대에 십대 팝을 활성화시킨 공로로 "팝의 공주"로 선정되었습니다.[61]

2000년대 초반, 1990년대 후반 동안 지배적이었던 트렌드는 여전히 계속되었지만, 사람들이 인터넷에서 음악을 다운로드하기 시작하면서 음악 산업이 변하기 시작했습니다. 사람들은 주류에서 벗어난 장르와 예술가들을 발견하고 그들을 명성을 날릴 수 있었지만, 동시에 더 작은 예술가들은 그들의 음악이 불법 복제되고 있었기 때문에 생계를 유지하는 데 어려움을 겪었습니다.[62] 인기 있는 아티스트는 에이브릴 라빈, 저스틴 팀버레이크, 크리스티나 아길레라, 데스티니스 차일드, 브리트니 스피어스 등이었습니다. 팝 음악은 종종 다양한 장르에서 나왔고, 각각의 장르는 차례로 다음 장르에 영향을 미쳐 그들 사이의 경계를 모호하게 하고 덜 구별되게 만듭니다. 이러한 변화는 프로듀서 Danja의 영향을 받아 EDM, 아방펑크, R&B, 댄스 뮤직, 힙합의 사운드를 혼합한 스피어스의 영향력이 큰 2007년 앨범 블랙아웃에서 잘 드러났습니다.[63]

2010년이 되자 댄스 음악의 영향을 받은 팝 음악이 차트에서 우세하게 되었습니다. 라디오가 트렌드를 설정하는 대신 이제는 클럽이 되었습니다. "새로운 거품은 전 세계의 모든 집단적인 클럽들입니다. 라디오는 그저 따라잡기 위해 최선을 다하고 있을 뿐입니다."라고 10년 초반에 Will.i.am 은 말했습니다. 파티를 통해 탈출을 이야기한 노래들은 2008년의 추락 이후 전 세계를 사로잡은 경제적인 문제들을 잊고 싶은 충동에 영향을 받아 가장 인기가 있었습니다.[65] 이 시대의 가장 인기 있는 아티스트는 저스틴 비버, 리한나, 테일러 스위프트, 레이디 가가, 블랙 아이드 피스, 케이티 페리 그리고 원 디렉션이었습니다.

참고 항목

참고문헌

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외부 링크