사분오열화합

Quartal and quintal harmony

음악에서 4중 하모니완벽한 4중, 증강 4중, 축소된 4중간격을 두고 만들어진 조화로운 구조의 건축물이다. 예를 들어, C에 대한 3노트의 사분위 화음은 완벽한 4분의 1인 C-F-B를 쌓아서 만들 수 있다.


{
\override Score.TimeSignature #'stencil = ##f
\relative c' { 
  \clef treble \time 4/4 <c f bes>1
} }
Menu
0:00

5중 하모니완벽한 5중, 증강 5중, 축소 5중보다 더 나은 조화 구조다. 예를 들어, C에 대한 3노트 5중주 화음은 완벽한 5분의 1인 C–G–D를 쌓아서 만들 수 있다.


{
\override Score.TimeSignature #'stencil = ##f
\relative c' { 
  \clef treble \time 4/4 <c g' d'>1
} }
Menu
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특성.


{
\override Score.TimeSignature #'stencil = ##f
\relative c' { 
  \clef treble \time 4/4 <a d g c f bes es>1 <bes d f a c es g>
} }
Menu
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A의 사분위 화음의 음은 B의 열세 번째 화음을 형성하도록 배열할 수 있다.[1]

4중주5중주 용어의 사용은 전통적인 테르티아 조화 구조와 함께 대조, 구성 또는 지각에서 발생한다. 유럽 공동 연습 시대의 음악에 익숙한 청취자들은 톤 음악을 큰 화음작은 화음음계를 사용하는 것으로 인식하고, 여기서 큰 화음작은 화음 둘 다 조화의 기본 구조 요소를 구성한다.

작곡가인 빈센트 페르시체티는 완벽한 4분의 1로 만들어진 화음에 대해 다음과 같이 쓰고 있다.

완벽한 4번째에 의한 화음은 등거리(소진된 7번째 화음 또는 증강된 3중창)에 의해 만들어진 모든 화음과 마찬가지로 어떤 구성원이든 뿌리로 기능할 수 있다는 점에서 모호하다. 톤에 대한 이 뿌리 없는 조화의 무관심은 가장 활동적인 멜로디 라인의 목소리에 키 검증의 부담을 안긴다.[2]

5중조(정확히 5중조)는 덜 사용되는 용어로서, 5중조(정확히 5중조)는 4중의 반전 또는 보완이므로, 보통 4중조에서 불분명한 것으로 간주된다. 이러한 관계 때문에 어떤 사분음도 투구 순서를 바꿔서 5중음으로 다시 쓸 수 있다.

테르티아 화음과 마찬가지로 주어진 사분음 또는 5중음 화음은 다른 음성으로 쓰여질 수 있으며, 그 중 일부는 사분음 구조를 모호하게 한다. 예를 들어, 사분음인 C-F-B는 다음과 같이 쓸 수 있다.


{
\override Score.TimeSignature #'stencil = ##f
\relative c' { 
  \clef treble \time 4/4 <c f bes>1 <f bes c> <bes c f> <f bes c f>
} }

역사

중세에는 4분의 1 간격으로 동시 음이 조화로서 들렸다. 일반적인 연습 기간(약 1600~1900년) 동안, 이 간격은 불협화음(음성 유도에서 분해능을 요구하는 서스펜션이 될 때) 또는 조화음(화음의 뿌리가 화음의 5번째 부분보다 높은 부분에 나타날 때)으로 들리게 되었다. 19세기 후반, 클래식 음악에서 톤성이 붕괴되는 동안, 모든 인터뷰적 관계는 다시 한번 재평가되었다. 4중화합은 20세기 에 이러한 파괴와 톤성의 재평가 결과 개발되었다.

전구체

트리스탄 화음은 F♮, B♮, D♯, G 음으로 구성되어 있으며 바그너오페라 트리스탄 und 이졸데에서 듣는 최초의 화음이다.


    {
      \new PianoStaff <<
        \new Staff <<
            \new Voice \relative c'' {
                \clef treble \key a \minor \time 6/8
                \voiceOne \partial8 r8 R2. \once \override NoteHead.color = #red gis4.->(~ gis4 a8 ais8-> b4~ b8) r r
                }
            \new Voice \relative c' {
                \override DynamicLineSpanner.staff-padding = #4.5
                \once \override DynamicText.X-offset = #-5
                \voiceTwo \partial8 a\pp( f'4.~\< f4 e8 \once \override NoteHead.color = #red dis2.)(\> d!4.)~\p d8 r r
                }
            >>
        \new Staff <<
            \relative c {
                \clef bass \key a \minor \time 6/8
                \partial8 r8 R2. \once \override NoteHead.color = #red <f b>2.( <e gis>4.)~ <e gis>8 r r
                }
            >>
    >> }

아래 두 음은 증강된 네 번째 음을 이루고, 위쪽 두 음은 완벽한 네 번째 음을 이룬다. 이러한 맥락에서 4분의 1의 계층화는 매우 중요한 것으로 여겨져 왔다. 때문에 이 코드를 바그너 실제로 음악적 조화의 소리 또는 구조체를 그 화음 이전 works,[3]에 특히 베토벤의 피아노 소나타 18세, 그리고기 때문에 전통적인 그러데이션 조화에서 그리고 심지어 무조 주의와 타협하는 것이고, 둘째 볼 수 있어 바그너의 사용, 첫번째 중요한 것 더 정확한가 되는 것이 밝혀졌다h기능, 곧 드뷔시 등이 탐구할 개념이다.[4]

4분의 1의 레이어링에도 불구하고 바그너의 음악 언어는 여전히 본질적으로 3분의 1 위에 구축되어 있고, 보통의 지배적인 7번째 화음도 증강된 4분의 1+완벽한 4분의 1(F–B–D–G)으로 배열할 수 있기 때문에 음악학자들이 이 화음을 "사분위화" 또는 심지어 "프로토 사분위화합"로 식별하는 경우는 드물다. 바그너의 특이한 화음은 정말로 작곡가가 우리에게 제시하고 있는 음악적-드라마적 논쟁에 청중을 끌어들이기 위한 장치다.

20세기 초에 사분오열은 마침내 조화의 중요한 요소가 되었다. 스크리아빈피아노 소나타 6번에서 자신의 미스틱 화음(아래에 표시)과 같이 4초음(아래에 표시)을 이용해 자체 개발한 전이 시스템을 사용했다.

 {
\override Score.TimeSignature #'stencil = ##f
\relative c' { 
  \clef treble \time 4/4 <c fis bes e a d>1
} }

Scriabin은 다른 사분위절 구절과 더 전통적인 테르티안 구절과 함께 스케치에 이 화음을 적었는데, 예를 들어 6주위 소수(C–FfBbE–A–D)를 7주위 화음(C–F♯–B♭–E–A–D–G)으로 확장하는 등 시스템 사이를 통과하는 경우가 많다. 스크리아빈의 미완성 작품인 미스테리움 스케치는 그가 미스틱 화음을 색도 음계의 12 음계를 모두 포함하는 거대한 화음으로 발전시킬 의도였음을 보여준다.[5]

프랑스에서 에릭 사티는 르 필스 에토일스의 1891점 중 4위(완벽한 것은 아님)를 쌓는 실험을 했다.[6] 폴 두카스마법사의 견습생(1897)은 걷잡을 수 없는 지칠 줄 모르는 일이 빗자루로 집 안의 수위가 '상승하고 상승한다'는 식으로 4대째 반복되고 있다.

20~21세기 클래식 음악

사중 하모니의 기법을 사용하는 작곡가로는 클로드 드뷔시, 프랜시스 폴렌크, 알렉산더 스크리아빈, 알바르 베르그, 레너드 번스타인, 아놀드 쇤베르크, 이고르 스트라빈스키, 조 히사이시, 안톤 베번 등이 있다.[7]

쇤베르크

아놀드 쇤베르크챔버 심포니 Op. 9 (1906)는 사분음조화를 보여준다: 첫 번째 척도와 1/2은 (그림에서 빨간색으로 강조 표시됨) AD string–F–B––E––A♭) 5개의 현악기에 분산된 음과 함께 5/4번째 화음을 구성한다(비올라는 3분의 1로 가장 낮은 현악기를 조율해야 하며, 익숙하지 않은 현악기에서 읽어야 한다.no clef).

아놀드 쇤베르크의 챔버 심포니 Op. 9의 오프닝 조치 중 현악 부분의 수직 사분위조화
아놀드 쇤베르크의 실내 교향곡 Op. 9에서 6음 수평 4음

그런 다음 작곡가는 뿔에서 4분의 1의 수평 순서로 이 수직 4분의 1의 조화를 고르고, 결국 삼음 사분의 1의 화음(즉, 3음계의 화음, 각 층이 4분의 1씩 떨어져 있는 것)의 구절로 이어진다.[citation needed]

쇤베르크도 이 조화적 혁신의 이론적 결과에 대해 처음으로 쓴 사람 중 한 명이었다. 1911년 그의 조화론(Harmonielehre)에서 그는 다음과 같이 썼다.

4분의 1을 겹쳐서 화음을 만드는 것은 색도 척도의 12 음을 모두 포함하는 화음으로 이어질 수 있다. 따라서, 그러한 구성은 우리 중 몇몇의 작품에서 이미 존재하는 화음 현상을 체계적으로 다룰 수 있는 가능성을 보여준다: 7, 8, 9, 10, 11, 12 부분 화음. 그러나 t내가 말했듯이, 4중주 구조는 조화의 모든 현상의 수용을 가능하게 한다.[8]

안톤 베번에게 있어서 사중 하모니에 대한 중요성은 새로운 소리를 만들 수 있는 가능성에 있었다. 쇤베르크의 실내 교향곡을 들은 웨번은 "너도 그런 곡을 써야 해!"[9]라고 썼다.

다른이들

그의 조화 이론에서:[10] "제자신 제자들뿐 아니라 닥터. 안톤 베번과 올반 버그가 이런 하모니를 썼지만, 헝가리인 벨라 바르토크나 비엔나인 프란츠 슈레커도 드뷔시, 두카스, 어쩌면 푸치니와 비슷한 길을 가는 것이 멀지 않은 것 같다고 말했다.

Bela Bartok의 Mikrokosmos V에서 4위, 131위, 4위(쿼트)

프랑스 작곡가 모리스 라벨소나틴(1906)과 마므레 로예(1910)에서 사중 화음을 사용했고, 미국인 찰스 이브스는 그의 노래 '케이지'(1906)에서 사중 화음을 사용했다.

라벨의 마므레 로예의 "라이더로네트"에 나오는 쿼탈 하모니가 있다. 상단 라인은 펜타톤 스케일[11] 사용한다.
114곡[12] 찰스 아이브스의 '더 케이지' 소개

힌데미스는 4번과 5번 구간을 이용하여 그의 교향곡 작품인 마티스 데어 말러의 큰 부분을 구성했다. 이러한 단계는 네 번째 코드(C–D–G가 네 번째 코드 D–G–C가 됨) 또는 네 번째와 다섯 번째의 다른 혼합물(예의 측정치 3에서 DRGAHD–DHGHDCH)의 구조 조정이다.

그러나 힌데미스는 노골적인 사분오열 조화의 주창자가 아니었다. 1937년 운터웨이성 톤타츠(The Craft of Musical Construction, Hindemith 1937)를 저술하면서 그는 "음향은 관계의 가족을 가지고 있는데, 그것은 음역의 순위가 모호하지 않은 톤성의 결합이다"라고 썼기 때문에, 실로 삼음요곡의 예술에서 음악가는 이에 얽매여, 화가로써야 한다. 원색, 삼차원의 건축가." 그는 옥타브가 1위, 5위, 3위, 4위 순으로 음악의 조화롭고 멜로디적인 측면을 일렬로 늘어놓았다. "옥타브 다음에 가장 강하고 독특한 조화 간격이 다섯 번째인데 그럼에도 불구하고 가장 예쁜 것은 콤비네이션 톤의 화음 효과의 세 번째 오른쪽이다."

힌데미스의 플루트 소나타에서 사분음조, II. B에 톤 중심을 두고 도리안 왼손으로 강하하여 B와 F[13] 반복했다.

필리핀 작곡가 Eliseo M. Pajaro[it; nl; tl](1915–1984)의 작품은 불협화음 카운터포인트와 폴리어드뿐만 아니라 사분위와 5중 하모니로 특징지어진다.[14]

재즈의 역사로의 전환으로서, 조지 거슈윈이 언급될 수도 있다. 그의 Concerto in F의 첫 번째 동작에서 네 번째 화음은 오른손에 색상으로 내려오고 왼손에는 색도 눈금이 위쪽으로 이어진다.

재즈

다양한 곡조의 조화 궤도를 가진 재즈의 스타일은 19세기 유럽 음악의 어휘에 의해 초창기 (아마 1930년대 스윙까지) 추월되었다.[clarification needed] 중요한 영향들은 오페라, 오페레타, 군악대뿐만 아니라 고전과 낭만주의 작곡가들의 피아노 음악, 그리고 심지어 인상주의자들의 피아노 음악으로부터 온다. 재즈 뮤지션들은 젤리 모튼, 듀크 엘링턴, 아트 테이텀, 빌 에반스,[15] 밀트 버크너,[15]코레아,[7][16] 허비 핸콕,[7][16] 특히 맥코이 타이너와 같은 피아니스트편곡자들이 사용했던 것처럼 쿼터럴 조화가 가능성을 제공하는 색채의 조화로운 풍부함에 분명한 관심을 가지고 있었다.[7][17]

호레이스 실버의 "세뇨르 블루스"에 나오는 전형적인 하드 밥 브라스 부분

1950년대의 하드밥은 재즈에 새로운 4중 하모니를 적용하게 했다.[citation needed] 4단에 두 개의 놋쇠 악기(일반적으로 트럼펫과 색소폰)가 진행될 수 있는 5중주 쓰기, 피아노(독특한 조화악기로서)는 화음을 내려놓고 있지만 희박하게는 의도된 화음을 암시할 뿐이다. 이러한 문체는 이전 10년의 것과 대조적으로 적당한 템포를 선호했다. 엷게 들리는 합성 비밥 혼 섹션은 자주 발생하지만, 이것들은 시원한 재즈에서 발견되는 것과 같이 매우 세련된 다성음악의 부츠에 의해 균형을 이룬다.

"So What" 화음은 4분의 3의 간격을 사용한다.

피아니스트 빌 에반스와 함께한 마일즈 데이비스는 그의 유역 음반 "Kind of Blue"에서 "So What"의 작곡에 세 개의 완벽한 네 번째 구간과 주요한 세 번째 구간으로 구성된 화음을 사용했다. 이 특정한 음성을 소 화음이라고 부르기도 하며, 밑바닥에 뿌리가 있는 마이너 7번째, 또는 아래쪽에 세 번째 음이 있는 메이저 7번째 음성으로 (추가된 6번째,[18] (추가된 6번째 음, 9번째 음 등은 고려하지 않고)

1960년대 초반부터 4중 가능성들의 고용은 너무나 익숙해져서 이제 음악가는 네 번째 화음이 독립된 실체로서 존재하며, 자기 입장과 해소할 필요가 없다고 느꼈다. 피아니스트 맥코이 타이너가 색소폰 연주자콜트레인의 "클래식 4중주곡"과 함께 한 작품처럼 후기 재즈와 록에서 사중주곡의 선구자는 이 시대 전반에 걸쳐 영향력이 있었다. 올리버 넬슨은 또한 네 번째 코드 음성을 사용한 것으로도 알려져 있다.[19] 플로이드 측은 찰리 파커의 영향을 받은 존 콜트레인이 고전적으로 훈련받은 피아니스트 빌 에반스와 맥코이 타이너를 앙상블에 합류시킨 시대에 '현대적인 사중주 화합의 창시'가 시작됐다고 주장한다.[20]

4중 하모니를 이용한 화음소리의 사용으로 인용된 재즈 기타리스트들은 조니 스미스, 탈 파로우, 척 웨인, 바니 케셀, 조 패스, 지미 래니, 웨스 몽고메리 등이 있으나, 모두 전통적인 방식으로 9번, 13번, 11번 부음[20](옥타브와 4번은 11번)으로 언급되었다. Jazz guitarists cited as using modern quartal harmony include Jim Hall (especially Sonny Rollins's The Bridge), George Benson ("Sky Dive"), Pat Martino, Jack Wilkins ("Windows"), Joe Diorio, Howard Roberts, Kenny Burrell, Wes Montgomery, Henry Johnson, Russell Malone, Jimmy Bruno, Howard Alden, Paul Bollenback, Mark Whitfield, and Rodney Jones.[20]

쿼탈 하모니는 재즈에 의해 "발견"되어 새로운 실험 스케일 모델 아래에서도 가능성으로 탐구되었다.[citation needed] 음악가들은 소위 옛 유럽 음악의 교회 방식과 함께 광범위하게 활동하기 시작했고, 그들은 작곡 과정에서 확고하게 자리잡게 되었다. 재즈는 그 즉흥 연주에 선을 두껍게 하기 위해 4단을 중세적으로 사용하는 것을 통합하기에 적합했다. 피아니스트 허비 핸콕과 칙 코레아는 모달 실험으로 잘 알려진 두 음악가다. 이 무렵 프리 재즈라고 알려진 스타일도 생겨났는데, 그 조화의 방황적 성격으로 인해 사분오열 조화가 널리 쓰였다.

허비 핸콕의 "Maiden Voyage"[citation needed] 4위

재즈에서는 음계로 화음을 만드는 방식을 음성으로 부르기 시작했으며, 구체적으로는 사분음 하모니를 네 번째 음성으로 지칭했다.

ii–V–I 4차 음성 전환: 모든 화음은 4차 음성이다.
예를 들어 Dm11과 G9sus 화음은 여기에 동일한 음성이 있으므로 종종 모호하며, 따라서 베이시스트의 뿌리 운동에 의해 청취자에게 구별될 것이다.[21]

따라서 4분위 음성의 m11과 지배적인 7 sus (위 9sus) 화음을 함께 사용할 때 그들은 때때로 모달 음성으로 언급되는 "전반적인 하나의 소리로 블렌딩"하는 경향이 있으며, 두 가지 모두 전체 후렴구와 같은 장기간 동안 m11 화음을 부르는 경우에 적용할 수 있다.[22]

록 음악

3분의 1의 소리를 싫어한 로버트 프립은 새로운 표준 튜닝에서 완벽한 간격으로 화음을 만든다.

4중창과 5중창은 킹 크림슨리듬 기타리스트로버트 프리프가 사용해 왔다. 프리프는 사소한 3분의 1을 싫어하고 특히 비실험적인 기타들이 사용하는 동등한 기질 튜닝에 3분의 1을 싫어한다. 물론 억양의 완벽한 옥타브, 완벽한 5번째, 그리고 완벽한 4번째는 동등한 기질 튜닝에서 잘 근사하며, 완벽한 5번째와 옥타브는 높은 자음 간격이다. 프립, 그리고 그의 새로운 표준 튜닝(핵 안전반)의 평범한 튜닝은 연속으로 개방현 사이의 완벽한 다섯번째를 가지고 있는 옥타브 화음 완벽한 5,4분의 사용을 지었다.([23]!--그 특정 페이지 인용 여기서 그 인터뷰의 포괄적 페이지 번호 참조, 88–103의 목록에서 발견된다 필요하다는 그래서가 간행된 evunpaginated지 않다.en 만약 웹링크에 있는 버전이..>인 경우)

에머슨의한 타르쿠스, 레이크파머는 4중 하모니를 사용한다.[24]

사분위절 조각의 예

고전적인

드뷔시의 라 카세드랄 엥글라우티 오프닝에서 오르가즘을 불러일으키는 평행 4단

재즈

포크

1968년 데뷔 앨범 '갈매기에게 노래'에서 조니 미첼은 '던트레더'에서 4중과 5중 하모니를, 타이틀곡 '갈매기에게 노래'에서 5중 하모니를 사용했다.[63]

참고 항목

참조

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  3. ^ 보겔 1962년 12월
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  9. ^ 1963년, 48세
  10. ^ 쇤베르크 1978년, 407년.
  11. ^ 벤워드 사커 2009년 37세
  12. ^ 리스버그 1975년, 345년.
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원천

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