볼레로

Boléro
이 기사는 라벨의 오케스트라를 위한 곡에 관한 것입니다. 라틴 음악은 볼레로를 참조하세요. 기타 용도는 Bolero(동음이의명백)를 참조하십시오.
볼레로
모리스 라벨의 관현악
1922년 볼레로를 의뢰한 아이다 루빈스타인은
의뢰인이다 루빈스타인
작곡1928 (1928)
출판된1929 (1929)
채점관현악단
초연
날짜.1928년 11월 22일 (1928-11-22)
위치파리 오페라
컨덕터발터 스트라람
라벨의 볼레로, 라벨이 직접 지휘하는 라무뢰 오케스트라, 1부
라벨의 볼레로, 라무뢰 오케스트라, 라벨이 직접 지휘, 1930 12" shellac disc label[1]

볼레로(Boléro)는 프랑스 작곡가 모리스 라벨(Maurice Ravel)의 1928년 대형 오케스트라 작품입니다. 라벨의 가장 유명한 작곡 중 하나입니다.[2] 그것은 또한 질병이 그의 음악 작곡 능력을 떨어뜨리기 전에 그가 마지막으로 완성한 작품들 중 하나이기도 했습니다.

구성.

이 작품의 창작은 무용수 아이다 루빈스타인의 위원회에 의해 시작되었는데, 그는 라벨에게 아이작 알베니즈의 피아노 작품 세트인 이베리아에서 나온 6곡의 관현악 필사를 요청했습니다. 레벨은 필사 작업을 하는 동안 스페인 지휘자 엔리케 페르난데스 아르보스가 이미 악장을 조율했고, 저작권법으로 인해 다른 작업이 불가능하다는 소식을 들었습니다. 이 소식을 들은 아르보는 기꺼이 자신의 권리를 포기하고 라벨이 작품을 조율할 수 있도록 하겠다고 말했습니다. 그러나 라벨은 그 대신에 그의 작품들 중 하나를 조율하기로 결정했고, 그리고 나서 그의 마음을 바꾸었고, 스페인의 댄스 뮤지컬 형식인 볼레로를 기반으로 완전히 새로운 작품을 작곡하기로 결정했습니다.[3]

상트 장 드 루즈에서 휴가를 보내는 동안 라벨은 피아노로 가서 친구 구스타브 사마주유에게 한 손가락으로 멜로디를 연주했습니다. "이 주제는 본질적인 것이라고 생각하지 않나요? 발전 없이 여러 번 시도하고 반복하면서 오케스트라를 점차 늘려가려고 합니다."[3] Idries Shah는 주요 주제가 수피 훈련을 위해 작곡되고 사용되는 멜로디에서 각색되었다고 썼습니다.[4]

초연 및 초기 공연

작곡은 1928년 11월 22일 파리 오페라에서 브로니슬라바 니진스카의 안무와 알렉상드르 브누아의 디자인과 시나리오로 초연되었을 때 선풍적인 성공을 거두었습니다. 오페라 오케스트라는 발터 스트라람이 지휘했습니다. 원래, 어니스트 안서멧은 발레 시즌 전체를 지휘하기 위해 약혼했지만, 음악가들은 그의 지휘 아래 연주하기를 거부했습니다.[5] 루빈스타인과 니진스카의 시나리오가 시사회 프로그램에서 인쇄되었습니다.[5]

스페인의 한 선술집 안에서, 사람들은 천장에 매달린 놋쇠 램프 아래에서 춤을 춥니다. 동참하라는 환호에 여성 무용수는 긴 테이블 위로 뛰어오르며 발걸음이 점점 더 활기를 띠게 됩니다.

그러나 라벨은 그 작품에 대한 다른 개념을 가지고 있었습니다:[6] 그가 선호하는 무대 디자인은 공장을 배경으로 한 야외 환경이었고, 음악의 기계적 특성을 반영했습니다.

볼레로는 라벨의 가장 유명한 작곡가가 되었는데, 이 작곡가는 놀랍게도 대부분의 오케스트라가 연주를 거부할 것이라고 예측했습니다.[2] 대개 순수한 관현악 작품으로 연주되며, 발레로 무대에 올리는 경우는 거의 없습니다. 초연 공연에서 나온 외설적인 이야기에 따르면, 한 여성이 라벨이 화가 났다고 소리치는 것이 들렸습니다. 이 이야기를 들었을 때 라벨은 그 작품을 이해했다고 말했다고 합니다.[7]

이 작품은 1929년 파리의 회사 뒤랑에 의해 처음 출판되었습니다. 피아노 독주와 피아노 듀엣(한 대의 피아노에서 두 사람이 연주)을 위한 편곡이 이루어졌고, 이후 라벨은 1930년에 출판된 두 대의 피아노를 위한 버전을 편곡했습니다.

첫 녹음은 1930년 1월 13일에 Piero Coppola가 그라모폰 회사를 위해 녹음했습니다.[8] 라벨은 녹음회에 참석했습니다.[9] 다음날, 그는 폴리도르를 위한 자신의 녹음에서 라무뢰 오케스트라를 지휘했습니다.[10] 같은 해, 세르게이 쿠세비츠키가 보스턴 심포니 오케스트라와, 빌렘 멘겔버그가 콘세르트헤바우 오케스트라와 함께 녹음했습니다.[11]

토스카니니

지휘자 아르투로 토스카니니는 1929년 11월 14일 뉴욕 필하모닉과 함께 볼레로의 미국 초연을 하였습니다.[12] 이 공연은 뉴욕 타임즈의 리뷰에 따르면 "관객들의 함성과 환호"를 이끌어내며 큰 성공을 거두었고, 한 평론가는 "볼레로의 경력을 시작한 것은 토스카니니"라고 선언했고, 또 다른 평론가는 토스카니니가 라벨을 "거의 미국의 국민 영웅"으로 만들었다고 주장했습니다.[12]

1930년 5월 4일, 토스카니니는 파리 오페라에서 뉴욕 필하모닉과 함께 유럽 투어의 일환으로 이 작품을 공연했습니다. 토스카니니의 템포는 라벨이 선호하는 것보다 훨씬 빨랐고, 라벨은 청중들의 박수갈채 속에서 토스카니니의 몸짓에 반응을 보이지 않아 불만의 신호를 보냈습니다.[13] 콘서트가 끝난 후 무대 뒤에서 두 사람 사이에 교류가 이루어졌습니다. 한 설명에 따르면, 라벨은 "너무 빠르다"고 말했고, 토스카니니는 "당신은 당신 자신의 음악에 대해 아무것도 모른다"고 대답했습니다. 그것만이 일을 구할 수 있는 유일한 방법입니다."[14] 또 다른 보도에 따르면 라벨은 "그것은 내 템포가 아닙니다."라고 말했습니다. 토스카니니는 "당신의 템포에 맞춰 연주하면 효과가 없다"고 답했고, 라벨은 "그럼 연주하지 마세요"라고 되받아쳤습니다.[15] 4개월 후 라벨은 토스카니니에게 "작곡가가 작품 연주에 참여하지 않으면 배란을 피해야 한다고 항상 느껴왔습니다"라고 설명하는 메모를 보내고 열흘 후 토스카니니를 초대하여 왼손용 피아노 협주곡 초연을 지휘하도록 함으로써 토스카니니와의 관계를 원만히 해결하려고 시도했습니다. 사양한 [16]초대장

초기인기

토스카니니 사건은 셀레브레의 원인이 되었고 볼레로의 명성을 더욱 높였습니다.[2] 이 작품이 명성을 얻게 된 다른 요인으로는 초기 공연, 라벨 자신의 것, 필사본, 라디오 방송을 포함한 많은 수의 축음기 음반, 조지 뗏트와 캐롤 롬바르드가 출연한 1934년 영화 볼레로가 있는데, 이 영화는 음악이 중요한 역할을 합니다.[2]

음악

볼레로는 다음과 같이 구성된 대규모 오케스트라를 위해 쓰여졌습니다.

이 악기는 존재하지 않았던 F의 소프라니노 색소폰을 요구합니다(현대의 소프라니노는 E♭에 있습니다). 첫 번째 공연에서 소프라니노와 소프라노 색소폰 파트 모두 B♭소프라노 색소폰으로 연주되었는데, 이는 현재까지도 이어지고 있는 전통입니다.

구조.

볼레로는 "어떤 매체를 막론하고 라벨의 가장 단순한 작곡"입니다.[6] 음악은 C장조, 시간, 피아노 시모를 시작하고 연속적인 크레센도로 상승하여 가능한 한 큰 소리로 시모를 연주합니다. 이 곡은 작품 전체에 걸쳐 일정하게 유지되는 하나 이상의[18] 올가미 드럼에서 169번 연주되는 변하지 않는 오스티나토 리듬 위에 지어졌습니다.

\new DrumStaff \with{ \override StaffSymbol.line-count = #1 drumStyleTable = #percussion-style } \drummode { \time 3/4 { \set Score.tempoHideNote = ##t \tempo 8 = 120 \set subdivideBeams = ##t \set baseMoment = #(ly:make-moment 1/8) \set beatStructure = #'(2 2 2) snare8 \tuplet 3/2 {snare16 snare16 snare16} snare8 \tuplet 3/2 {snare16 snare16 snare16} snare8 snare8 | snare8 \tuplet 3/2 {snare16 snare16 snare16} snare8 \tuplet 3/2 {snare16 snare16 snare16} \tuplet 3/2 {snare16 snare16 snare16} \tuplet 3/2 {snare16 snare16 snare16} } }

이 리듬 위에 두 개의 멜로디가 나오는데, 각각의 멜로디는 18마디 길이이고, 각각은 두 번씩 번갈아 연주합니다. 첫 번째 멜로디는 디아토닉(diatonic)이고, 두 번째 멜로디는 싱커페이션(syncopation)과 평탄한 음정(plated not)으로 재즈에 영향을 받은 요소를 더 많이 도입합니다. 첫 번째 멜로디는 1옥타브, 두 번째 멜로디는 2옥타브를 통해 내려갑니다. 베이스 라인과 반주는 처음에는 피자카토 현에서 연주되며, 주로 기초 강약과 우성 음을 사용합니다. 꾸준한 타악기 리듬과 "자유를 얻으려고 노력하는 표현적인 보컬 멜로디"의 대비가 긴장감을 제공합니다.[19] 흥미는 테마의 지속적인 재구성, 다양한 음색으로 이어지고, 꾸준한 크레센도에 의해 유지됩니다. 두 주제 모두 8번 반복됩니다. 클라이맥스에서 첫 번째 주제가 아홉 번째로 반복되고, 두 번째 주제가 이어받아 E장조의 새로운 음조로 잠시 갈라진 후 마침내 C장조의 강약 키로 돌아옵니다.

멜로디는 다른 악기들 사이에서 전달됩니다: (1) 플루트, (2) 클라리넷, (3) 바순, (4) E♭ clar넷, (5) 오보에 다 amore, (6) 트럼펫과 플루트 (latter는 첫 번째 파트보다 더 높은 옥타브에서 선명하게 들리지 않고 높은 옥타브), (7) 테너 색소폰, (8) 소프라노 색소폰, (9) 호른, 피콜로와 첼레스타; (10) 오보에, 잉글리시 호른과 클라리넷, (11) 트롬본, (12) 관악기의 일부, (13) 첫 번째 바이올린과 일부 관악기, (14) 첫 번째와 두 번째 바이올린과 일부 관악기, (15) 바이올린과 일부 관악기, (16) 오케스트라의 일부 악기, 마지막으로 (17) 오케스트라의 대부분의 악기(베이스 드럼, 심벌즈, 탐 tam 포함).

선율이 계속해서 C로 연주되는 동안, 중간부터 다른 악기들은 다른 건반으로 그것을 두 배로 늘립니다. 첫 번째 이러한 더블링은 C로 멜로디를 연주하는 호른을 포함하는 반면, 셀레스테는 2옥타브와 3옥타브 위에서 그것을 더블링하고 두 명의 피콜로는 G와 E의 키로 멜로디를 연주합니다. 이것은 멜로디의 각 음의 첫 번째, 두 번째, 세 번째, 네 번째 배음의 강화로 기능합니다. ("G장조"는 2센트 플랫, "E장조"는 14센트 샤프). 또 다른 중요한 "키 더블링"은 멜로디를 G장조로 5분의 1 위 또는 4분의 1 아래로 울리는 것을 포함합니다. 이러한 "키 더블링" 이외에 라벨은 단순히 멜로디와 디아토닉 코드를 조화시킵니다.

다음 표는 작품의 각 섹션에서 연주되는 악기를 순서대로 보여줍니다.[20]

부분
(A = 1st melody)
B = 2nd melody) 		다음에 나오는 악기들은...
... 북장단 ... 음률 ... 4분의 3박자/eighth 음표 리듬
1A 1차 올가미 드럼(pp) 1번 플루트 (pp) 비올라, 첼로(둘 다 피자, pp)
2A 두번째 플루트 (pp) 1번 클라리넷 (p) 비올라, 첼로
3B 1차 플루트 (p, 스네어 드럼) 1차 바순(mp) 하프, 비올라, 첼로(모두 p)
포비 피리 2번 E♭ 클라리넷(p) 하프, 비올라, 첼로
5A 바순 오보에 amore(mp) 두 번째 바이올린(pizz.), 비올라, 첼로, 더블 베이스(pizz.)
6A 1번 뿔 첫 번째 플루트(pp)와 첫 번째 트럼펫(mp, 콘소트). 1st 바이올린(pizz), 비올라, 첼로, 더블베이스
7B 2번 트럼펫(mp, 콘코드) 테너 색소폰 (mp, 에스프레시보, 비브라토) 플루트, 제2바이올린, 첼로, 더블베이스(모두 mp)
1번 클라리넷 (2번 플루트에서 변경, 마지막 4마디)
8B 1번 트럼펫 소프라니노 색소폰(원음) / 소프라노 색소폰(악기, mp, 에스프레시보, 비브라토) 오보즈, 코랑글라이스, 1st 바이올린, 비올라, 첼로, 더블베이스
소프라노 색소폰 (원음, 소프라니노 색소폰과 mp, 마지막 4마디)
9A 1번 플루트(mp, 스네어 드럼과 동일), 2번 호른(mf) 피콜로 2개(pp), 호른 1개(mf), 첼레스타(p) 베이스 클라리넷, 바순, 하프, 제2바이올린, 비올라, 첼로, 더블베이스
10A 4번 호른, 3번 트럼펫(협주), 2번 바이올린, 비올라(모두 mf) 1st boboe, oboe d' amore, coranglais, clarinet (모두 mf) 베이스 클라리넷, 바순, 1/2번 트럼펫(협주곡), 하프, 1번 바이올린, 첼로, 더블베이스
11B 1번 플루트, 2번 호른, 비올라

(arco)

1st 트롬본 (mf,소스테누토) 클라리넷, 베이스 클라리넷, 콘트라바순, 하프, 세컨드 바이올린, 첼로, 더블베이스
12B 4번 호른, 1번 트럼펫(),senza sord. 2번 바이올린(아르코, 모두 f, 스네어 드럼) 피콜로, 플루트, 오보에, 코랭글라이, 클라리넷, 테너 색소폰 (모두 f) 베이스 클라리넷, 바순, 콘트라바순, 하프, 1st 바이올린, 비올라(pizz.), 첼로, 더블베이스(모두 f)
13A 1st/2nd horns 플루트, 피콜로, 오보에, 클라리넷, 제1바이올린(아르코) 첫 번째 토보에, 클라리넷(처음 두 마디에서 모두), 그리고 아래
바순, 콘트라바순, 3/4번 뿔, 팀파니, 2번 바이올린(pizz), 비올라, 첼로, 더블베이스
14A 3rd/4th horns 플루트, 피콜로, 오보에, 코랑글라이, 클라리넷, 테너 색소폰, 1/2번 바이올린(2번 바이올린 아르코), 첫 번째 토보에, 클라리넷(처음 두 마디에서 모두), 그리고 아래
베이스 클라리넷, 바순, 콘트라바순, 1/2번 호른, 소프라니노 색소폰, 팀파니, 하프, 비올라, 첼로, 더블베이스
15B 1st/2nd horns 플루트, 오보에, 코랑글라이, 1번 트럼펫, 1/2번 바이올린 플루트, 오보에(처음 두 개의 바) 및 아래
클라리넷, 바순, 콘트라바순, 3/4번 호른, 소프라니노 색소폰, 테너 색소폰, 1/2번 트롬본, 튜바, 팀파니, 하프, 비올라, 첼로, 더블베이스
베이스 클라리넷, 4번 호른(1번 트럼펫에서 변경), 비올라(아르코, 2번 바이올린에서 변경, 마지막 4마디) 위, 그리고 두 번째 바이올린(pizz., violas에서 변경됨, 마지막 4마디)
16B 1st–4th horns 플루트, 피콜로, 오보에, 코랑글라이스, 클라리넷, 소프라니노 색소폰, 1번 트롬본(소스테누토), 1/2번 바이올린, 비올라, 첼로(2번 바이올린, 아르코의 첼로) 두 번째 바이올린과 첼로(둘 다 피자, 첫 번째 두 바), 그리고 아래
베이스 클라리넷, 바순, 콘트라바순, 트럼펫(2/3rd 트럼펫 센자코드), 2/3rd 트롬본, 튜바, 팀파니, 하프, 더블베이스(아르코)
베이스 클라리넷, 테너 색소폰 (마지막 4마디, 테너는 소프라니노와 상호 변경)
17A 플루트, 피콜로(처음 두 마디), 그리고 아래 플루트, 피콜로, 디피콜로 트럼펫, C 트럼펫, 소프라노 색소폰, 테너 색소폰, 1st 바이올린 (모두 오프) C 트럼펫(처음 두 개의 막대) 및 아래(ff)
오보즈, 클라리넷, 호른, 두 번째 바이올린, 비올라, 첼로(피자의 모든 현), 그리고 내내 연주하는 두 번째 올가미 드럼(모두 꺼짐) 베이스 클라리넷, 바순, 콘트라바순, 트롬본, 튜바, 팀파니, 하프, 더블베이스 (모두 오프)
18B(변조 포함) 플루트, 피콜로(처음 두 마디), 그리고 아래. 플루트, 피콜로, 디피콜로 트럼펫, C 트럼펫, 1st 트롬본(ff 가능), 소프라노 색소폰, 테너 색소폰, 1st 바이올린 C 트럼펫, 첫 번째 트롬본(첫 번째 두 개의 바) 및 아래
오보에, 클라리넷, 호른, 제2바이올린, 비올라, 첼로(아르코의 모든 현) 베이스 클라리넷, 바순, 콘트라바순, 2/3rd 트롬본, 튜바, 팀파니, 하프, 더블베이스
결론 (C장조로 복귀, 마지막 6마디) 플루트, 피콜로, 호른, 디피콜로 트럼펫, C 트럼펫, 1/2차 바이올린, 비올라, 첼로 글리산도: 트롬본, 소프라니노 색소폰, 테너 색소폰(색소폰에 글리산도 음표 없음) 오보에, 코랭글라이, 클라리넷, 베이스 클라리넷, 바순, 콘트라바순, 튜바, 팀파니, 하프, 더블베이스, 베이스 드럼, 심벌즈, 탐-

오케스트라 전체가 마지막에 연주할 때까지 반주는 점점 굵어지고 커집니다. 종료 직전(점수상 18번 리허설), 갑자기 E장조로 키가 바뀌지만 C장조는 단 8마디 만에 다시 성립됩니다. 마지막부터 6마디의 베이스 드럼, 심벌즈, 탐탐이 첫 진입을 하고, 오케스트라 전체가 첫 마디부터 올가미 드럼에서 연주해온 리듬을 제치는 동안 트롬본은 요란한 글리산디를 연주합니다. 마지막으로 작품은 불협화음 B♭단조에서 F단조 화음 C장조 화음으로 내려갑니다.

템포와 지속시간

악보의 템포 표시는 템포 디 볼레로, moderato assai ("볼레로의 템포, 매우 중간")입니다. 라벨의 악보 사본에서 분기당 76개의 인쇄된 메트로놈 마크를 교차시키고 66개를 대체합니다.[21] 악보의 이후 판들은 72의 템포를 제안합니다.[21] 1930년 1월부터 시작된 라벨의 자체 녹음은 분기당 약 66개에서 시작되며, 이후 60-63개로 약간 느려집니다.[9] 총 소요 시간은 15분 50초입니다.[21] 라벨이 참석한 코폴라의 첫 번째 녹음은 15분 40초로 그 시간이 비슷합니다.[21] 라벨은 데일리 텔레그래프와의 인터뷰에서 이 작품이 17분간 지속된다고 말했습니다.[22]

평균 공연은 약 15분 동안 지속되며, 라벨의 동료인 페드로 드 프레이타스 브랑코의 녹음과 같은 가장 느린 녹음은[21] 18분을 훨씬 초과하고 레오폴드 스토코프스키의 1940년 전미 청소년 오케스트라 녹음과 같은 가장 빠른 녹음은 12분에 육박합니다.[23] 1994년 5월, 뮌헨 필하모닉이 쾰른에서 순회공연을 하는 가운데, 82세의 나이로 지휘자 세르지우 첼리비다케가 17분 53초 동안 공연을 했는데, 이것은 아마도 현대 시대의 기록일 것입니다.[24]

코폴라의 첫 녹음에서 라벨은 안정적인 템포를 선호한다는 것을 강하게 나타냈으며, 작품의 마지막에 더 빨라지는 지휘자를 비난했습니다. 코폴라 자신의 보고서에 따르면:[25]

모리스 라벨... 볼레로에 대한 자신감이 없었습니다. 그는 내 지중해 기질이 나를 앞지를 것을 두려워했고, 내가 템포를 서두를 것을 두려워했습니다. 저는 살레 플레엘에서 오케스트라를 모았고 라벨은 제 옆자리에 앉았습니다. 마지막 부분까지 모든 것이 잘 진행되었는데, 여기서 저는 저 자신에도 불구하고 템포를 조금 높였습니다. 라벨은 벌떡 일어나 다가와 내 재킷을 잡아당겼습니다. "그렇게 빠르지는 않아요."라고 그는 소리쳤고, 우리는 다시 시작해야만 했습니다.

라벨이 느린 템포를 선호하는 것은 위에서 보도한 바와 같이 토스카니니의 연주에 대한 불만에서 확인됩니다. 1939년 토스카니니가 NBC 심포니 오케스트라와 녹음한 분량은 13분 25초.[12]

접수처

라벨은 그 자신의 작품에 대해 엄격한 비평가였습니다. 볼레로를 작곡하는 동안, 그는 호아킨 닌에게 작품이 "형식도 없고, 제대로 말해서 발전도 없고, 변조도 거의 없다"고 말했습니다.[26] 1931년 데일리 텔레그래프와의 인터뷰에서 그는 이 일에 대해 다음과 같이 말했습니다.[22]

그것은 매우 특별하고 제한적인 방향의 실험을 구성하며, 그것이 실제로 달성하는 것과 다른 것, 또는 그 이상을 달성하는 것을 목표로 한다는 의심을 받아서는 안 됩니다. 첫 공연을 하기 전에, 저는 제가 쓴 것이 17분 동안 지속되는 매우 길고 점진적인 크레센도의 "음악이 없는 관현악 조직"으로 구성된 작품이라는 취지의 경고를 했습니다. 대조도 없고, 계획과 실행 방식 외에는 사실상 발명품이 없습니다.

1934년, 콘스탄트 램버트는 그의 책 Music Ho!에서 다음과 같이 썼습니다: "작곡가가 하나의 춤 리듬으로 작곡을 계속할 수 있는 시간에는 분명한 한계가 있습니다. (이 한계는 분명히 라벨에 의해 라발스의 끝과 볼레로의 시작에 도달합니다.)"[27]

문학평론가 앨런 블룸(Allan Bloom)은 1987년 베스트셀러 '아메리칸 마인드의 클로징'(The Closing of the American Mind)에서 "젊은 사람들은 록에 성관계의 박자가 있다는 것을 알고 있습니다. 그렇기 때문에 라벨의 볼레로는 그들이 흔히 알고 좋아하는 클래식 음악 중 하나입니다."[28]

마이클 랜포드(Michael Lanford)는 2011년 캠브리지 쿼털리(Cambridge Quarterly)에 기고한 글에서 "평생 동안 모리스 라벨은 에드거 앨런 포(Edgar Allan Poe)의 작곡 철학(Philosophy of Composition)에 요약된 창작 행위에 매료되었습니다."라고 밝혔습니다. 볼레로는 그의 말에서 "멜로디적이고 리드미컬하며 화성적인 반복성으로 인한 전통적인 음악적 분석 방법"을 거부하기 때문에 "레벨의 창작 과정에 대한 기록적인 성찰과 포의 작곡 철학에 명시된 미학적 계율에 해당한다"는 분석을 제시합니다."[29]랜포드는[29] 또한 볼레로가 라벨에게 매우 개인적인 작업이었을 가능성이 높다고 주장합니다. 그 증거로, 랜포드는 볼레로의 리듬이 아버지의 공장 기계에서 영감을 받았고, 선율적인 재료는 밤에 라벨의 어머니가 그에게 노래한 베르세우스에서 왔다는 라벨의 인정을 인용합니다.[30] 랜포드는 또한 올가미 드럼이 "볼레로의 가장 감각적으로 암시하는 측면 중 하나를 비인간화"하고 "[31]멜로디 표현 능력이 있는 악기들이 기계를 모방한다"[32]고 관찰하면서 볼레로가 비극에 물들어 있다고 제안합니다.[33]

대중문화에서는

이 작품은 1979년 로맨틱 코미디 10에서 더들리 무어와 보 데릭이 주연을 맡은 후 새로운 주목을 받았습니다. 이로 인해 엄청난 판매고를 올렸고, 약 100만 달러의 로열티를 올렸으며, 라벨은 사망한 지 40년이 지난 후에 잠시 베스트셀러 클래식 작곡가가 되었습니다.[34]

아이스 댄싱 팀인 토르빌과 딘은 1984년 동계 올림픽 아이스 댄싱 부문에서 6.0점 만점을 받으며 금메달을 획득한 6분 버전의 작품에 맞추어 춤을 추었습니다.[35]

파트리스 르콩테의 8분짜리 단편 영화 "Lebatteur du Boléro"(1992)는 자크 빌레트가 연기한 드러머와 그의 음악적 부분의 문제점에 초점을 맞추고 있습니다. 이 영화는 1992년 칸 영화제에서 경쟁부문에서 상영되었습니다.[36][37]

이 노래는 2020 도쿄 올림픽 성화 점화식 중에 재생되었습니다.[38]

카밀라 발리에바는 2021-22 시즌 프리스케이팅 프로그램에서 사용했습니다.[39]

프랭크 자파(Frank Zappa)가 올 브라스 빅 밴드 앙상블을 지휘하는 버전이 녹음되었습니다.[40]

닌텐도의 작곡가 곤도 코지는 볼레로를 첫 번째 젤다의 전설 비디오 게임의 메인 테마로 사용할 계획이었지만 저작권 문제로 출시 직전에 오리지널 작품으로 재작업했습니다.[41]

안젤리크 키드조, 2007년 앨범 'Djin Djin' 수록곡 'Lon Lon'에서 볼레로 역을 선보였습니다.

공용 도메인

이 작품의 저작권은 2016년 5월 1일에 전 세계가 아닌 많은 국가에서 만료되었습니다.[42]

이 작품은 캐나다, 중국, 일본, 뉴질랜드, 남아프리카 공화국 및 기타 여러 국가의 퍼블릭 도메인이며 저작권 용어는 "Life + 50년"입니다. 유럽 연합의 공공 영역이기도 합니다(여기서 용어는 생명 + 70년). 미국에서 볼레로는 규정된 저작권 고지와 함께 1929년에 처음 출판되었기 때문에 2025년 1월 1일까지 저작권 하에 있습니다.[43][better source needed] 마지막 남은 권리 소유자인 에블린 펜 드 카스텔은 이 작품이 사실 디자이너 알렉상드르 브누아와 공동 작곡했다는 주장을 여러 차례 제기했습니다.[44] 그 효과는 저작권을 2039년까지 연장하는 것입니다. 이 주장들은 프랑스 법원과 프랑스 작가 협회 SACEM에 의해 반복적으로 거부되었습니다.

참고문헌

메모들

  1. ^ "Boléro (1re Et 2e Parties)". Discogs. Retrieved 18 April 2022.
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서지학

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