이고르 스트라빈스키

이고르 스트라빈스키
1920년대 초의 스트라빈스키
태어난	(1882-06-17)1882년 6월 17일 러시아 상트페테르부르크 오라니엔바움
죽은	1971년 4월 6일 (1971-04-06) (88세) 미국 뉴욕시
직업	작곡가 지휘자 피아니스트
작동하다	작곡 목록
서명

이고르 표도로비치 스트라빈스키^[a](, 1882년 6월 17일 - 1971년 4월 6일)는 러시아의 작곡가이자 지휘자로, 프랑스 국적(1934년 ~ 1945년)을 가지고 있었습니다. 그는 20세기의 가장 중요하고 영향력 있는 작곡가 중 한 명으로 널리 여겨지고 모더니즘 음악의 중추적인 인물로 여겨집니다.

스트라빈스키의 아버지는 기성 베이스 오페라 가수였고, 스트라빈스키는 피아노와 음악 이론 수업을 받으며 자랐습니다. 상트페테르부르크 대학교에서 법학을 공부하던 중 니콜라이 림스키코르사코프를 만나 1908년 림스키코르사코프가 사망할 때까지 그 아래에서 공부했습니다. 스트라빈스키는 얼마 지나지 않아 세르게이 디아길레프를 만났고, 그는 스트라빈스키에게 세 개의 발레 작품을 의뢰했습니다. 불새 (1910), 페트루슈카 (1911), 봄의례 (1913)는 초연에서 거의 폭동이 일어난 후 그에게 국제적인 명성을 가져다 주었고 작곡가들이 리듬 구조를 이해하는 방식을 바꾸었습니다.

스트라빈스키의 작곡 경력은 그의 러시아 시대(1913-1920), 신고전주의 시대(1920-1951), 그리고 그의 연재 시기(1954-1968)의 세 시기로 나뉩니다. 스트라빈스키의 러시아 시대는 러시아 양식과 민속의 영향으로 특징지어졌습니다. Renard (1916)와 Lesnoces (1923)는 러시아의 민시를 바탕으로 하였고, L'Histoire du soldat와 같은 작품들은 이러한 민담들을 탱고, 왈츠, 라그, 코랄과 같은 대중적인 음악 구조와 혼합시켰습니다. 그의 신고전주의 시대는 그의 옥텟(1923)에서의 소나타 형식의 사용과 아폴론 무사게트(1927), 오이디푸스 렉스(1927), 페르세포네(1935)와 같은 작품들에서의 그리스 신화적 주제들의 사용과 같은 고전 시대의 주제들과 기술들을 보여주었습니다. 스트라빈스키는 그의 연속된 시기에 아놀드 쇤베르크의 12음 기법과 같은 제2 빈 학파의 작곡 기법으로 방향을 틀었습니다. 메모리얼에서 딜런 토마스(Dylan Thomas, 1954)는 그의 작곡 중 최초로 이 기법에 기반을 두었고, Canticum Sacrum (1956)은 음행에 기반을 둔 그의 최초의 작곡가였습니다. 스트라빈스키의 마지막 주요 작품은 그의 장례식에서 공연된 레퀴엠 칸티클(1966)입니다.

당대의 몇몇 작곡가들과 학자들은 스트라빈스키 음악의 전위적인 성격, 특히 봄의 의식을 싫어했지만, 후대의 작가들은 모더니즘 음악의 발전에 있어서 그의 중요성을 인식했습니다. 스트라빈스키의 리듬과 모더니즘의 혁명은 애런 코플랜드, 필립 글래스, 벨라 바르토크, 피에르 불레즈와 같은 작곡가들에게 영향을 미쳤는데, 그들 모두는 조지 벤자민이 가디언지에서 썼듯이 "봄의 의식에 의해 설정된 도전들에 직면하는 것에 대해 충동을 느꼈습니다".^[1] 1998년 타임지는 스트라빈스키를 세기의 가장 영향력 있는 100인 중 한 명으로 선정했습니다. 스트라빈스키는 1971년 4월 6일 뉴욕에서 폐부종으로 사망했습니다.

전기

1882~1901년생

스트라빈스키는 1882년 6월 17일 핀란드 만의 남쪽 해안에 위치한 오라니엔바움(현재의 로모노소프)에서 태어났다.^[2][3] 그의 아버지 표도르 이그나티에비치 스트라빈스키는 키예프 오페라와 상트페테르부르크의 마린스키 극장에서 유명한 베이스 오페라 가수였고, 그의 어머니 안나 키릴로브나 스트라빈스카야(1854-1939)는 키예프 사유부 고위 관리의 네 딸 중 한 명이었습니다. 이고르는 그들의 네 아들 중 셋째였고, 그의 형제들은 로마인, 유리인, 구리인이었습니다.^[4] 스트라빈스키 가문은 폴란드와 러시아의 혈통을 이어받은 가문으로,^[5] "폴란드의 대지주, 상원의원, 토지 소유자의 후손"이었습니다.^[6] 술리마와 스트로이 ń스키의 문장을 가진 사람들에게서 17세기와 18세기로 거슬러 올라갑니다. 원래 성은 술리마 스트라위 ń스키(Sulima-Strawi Ski)로, 이름은 리투아니아의 스트라바 강의 변형 중 하나인 스트라바(Strava)에서 유래했습니다.

1882년 8월 10일 스트라빈스키는 상트페테르부르크 니콜스키 대성당에서 세례를 받았습니다.^[4] 스트라빈스키의 첫 번째 학교는 그가 10대 중반까지 머물렀던 제2 상트페테르부르크 체육관이었습니다. 그 후, 그는 역사, 수학, 언어 (라틴어, 그리스어, 프랑스어, 독일어, 슬라보어, 모국어)를 공부한 사립 학교인 구레비치 체육관으로 이동했습니다.^[9] 스트라빈스키는 학교에 대한 전반적인 혐오감을 표현하며 외로운 학생이었다고 회상했습니다: "저는 저에게 진정한 매력을 가진 사람을 만난 적이 없습니다."^[10]

8살 무렵, 그는 표트르 일리치 차이콥스키의 발레 "잠자는 숲속의 미녀"의 마린스키 극장 공연에 참석했고, 이 공연은 발레와 차이콥스키에 평생 관심을 갖기 시작했습니다.^[11] 스트라빈스키는 어린 나이에 음악에 입문하여 9살에 정규 피아노 수업을 시작했고, 음악 이론과 작곡 수업을 받았습니다.^[12] 14세가 되었을 때, 스트라빈스키는 멘델스존의 피아노 협주곡 제1번을 마스터했고, 15세에 알렉산더 글라주노프에 의해 현악 4중주의 피아노 연주를 마쳤고, 그는 스트라빈스키를 음악적이지 않다고 생각했고 그의 기술을 거의 생각하지 않았다고 합니다.^[11]

1901~1909년 교육과 초작곡

스트라빈스키의 음악에 대한 열정과 능력에도 불구하고, 그의 부모님은 그가 법학을 공부하기를 기대했습니다. 1901년, 그는 상트페테르부르크 대학교에 등록하여 형법과 법철학을 공부했지만, 강의 참석은 선택 사항이었고, 그는 4년간의 공부에서 50개 미만의 수업을 받은 것으로 추정했습니다.^[13]

1902년, 스트라빈스키는 상트페테르부르크 대학교의 동료 학생이자 니콜라이 림스키코르사코프의 막내 아들인 블라디미르 림스키코르사코프를 만났습니다. 그 당시 니콜라이는 거의 틀림없이 선두적인 러시아 작곡가였고, 그는 상트페테르부르크 음악원의 교수였습니다. 스트라빈스키는 그의 음악적 열망을 논의하기 위해 그를 만나고 싶었습니다. 1902년 여름, 그는 독일 하이델베르크에서 림스키코르사코프와 그의 가족과 함께 보냈습니다. 림스키코르사코프는 스트라빈스키에게 상트페테르부르크 음악원에 입학하지 말고 이론적으로 개인 교습을 계속해야 한다고 제안했습니다.^[14]

1902년 그의 아버지가 돌아가셨을 때, 스트라빈스키는 법보다 음악을 공부하는데 더 많은 시간을 보냈습니다.^[13] 음악을 전임으로 하기로 한 그의 결정은 1905년 피의 일요일의 여파로 대학이 두 달 동안 휴교했을 때 도움이 되었고, 이로 인해 그는 마지막 법 시험을 볼 수 없었습니다.^[15] 1906년 4월, 스트라빈스키는 하프 코스 졸업장을 받았고 그 후 음악에 집중했습니다.^[16] 1905년, 그는 일주일에 두 번 림스키코르사코프와 함께 공부하기 시작했고 그를 제2의 아버지로 여겼습니다.^[13] 이러한 교훈은 1908년 림스키코르사코프가 사망할 때까지 계속되었습니다.^[17] 스트라빈스키는 이 시기에 그의 첫 번째 작곡인 '교향곡 E-flat'을 완성했고, 이 곡은 '오퍼스 1'로 분류되었습니다. 1908년 림스키코르사코프가 사망한 직후 스트라빈스키는 장례식 노래 Op. 5를 작곡했는데, 이 노래는 한 번 공연되었다가 2015년 재발견될 때까지 분실된 것으로 여겨졌습니다.^[18]

1905년 8월, 스트라빈스키는 그의 사촌인 예카테리나 가브릴로브나 노센코와 약혼했습니다. 정교회의 반대에도 불구하고, 부부는 1906년 1월 23일에 결혼했습니다.^[19][20] 그들은 상트페테르부르크의 크루코프 운하 66번지에 있는 가족의 집에서 살았는데, 그 집은 스트라빈스키가 설계하고 지은 우스티루그의 새 집으로 이사하기 전에 스트라빈스키가 그의 장인과 함께 어린 시절 많은 여름을 그곳에서 보냈기 때문에 선택되었습니다.^[21][19][22] 스트라빈스키는 '장례곡', '예술의 수정', '나이팅게일', 그리고 '봄의례'의 일부를 포함하여, 그곳에서 그의 많은 초기 작곡들을 작업했습니다.^[23][24] 현재는 문서, 편지, 사진들이 전시되어 있는 박물관이며, 매년 스트라빈스키 축제가 인근의 루츠크 마을에서 열립니다.^[25][26] 이 부부는 1907년과 1908년에 각각 태어난 표도르와 루드밀라라는 두 자녀를 두었습니다.^[22]

1909~1920년 디아길레프와 국제적 명성을 위한 발레

1909년까지 스트라빈스키는 Scherzo fantastique Op. 3과 Feud'artifice Op. 4 두 곡을 더 작곡했습니다. 그해 2월 상트페테르부르크에서 스트라빈스키의 경력에 전환점을 준 콘서트에서 두 사람 모두 공연되었습니다. 관중석에는 러시아의 프레사리오이자 발레 러시아의 소유자인 세르게이 디아길레프(Sergei Diagilev)가 있었는데, 그는 스트라빈스키의 작곡에 감명을 받았습니다. 그는 스트라빈스키에게 1909년 발레 시즌을 위한 몇몇 오케스트라의 작곡을 의뢰했고, 그 해 4월까지 완성되었습니다. 1910년 발레 시즌을 계획하는 동안, 디아길레프는 러시아의 불새 동화에 바탕을 둔 새로운 재능으로 새로운 발레를 무대에 올리고 싶었습니다. 아나톨리 랴도프에게 악보를 작곡하는 임무가 주어진 후, 그는 디아길레프에게 악보를 완성하는 데 약 1년이 필요하다고 알렸습니다. 그리고 나서 디아길레프는 위원회를 기대하며 이미 점수 작업을 시작한 28세의 스트라빈스키에게 물었습니다.^[27] 약 50분 길이의 불새는 1919년과 1945년 스트라빈스키에 의해 콘서트 모음곡으로 수정되었습니다.^[28]

불새는 1910년 6월 25일 파리 오페라에서 초연되어 비평가들의 극찬을 받았고 스트라빈스키는 하룻밤 사이에 큰 인기를 얻었습니다.^[29][30] 그의 아내가 임신했을 때, 스트라빈스키 부부는 프랑스 서부의 라 바울에서 여름을 보냈습니다. 9월에, 그들은 둘째 아들인 솔리마가 태어난 스위스의 클라렌스로 이사했습니다.^[31] 그 가족은 1914년까지 러시아에서 여름을 보내고 스위스에서 겨울을 보냅니다.^[32] 디아길레프는 1911년 파리 시즌을 위해 스트라빈스키에게 두 번째 발레를 의뢰했습니다. 그 결과는 또 다른 발레리나와 사랑에 빠지는 꼭두각시라는 제목의 등장인물을 주인공으로 한 러시아 민담을 바탕으로 한 페트루시카였습니다.^[33] 불새가 1911년 6월 극장에서 초연된 후 즉각적인 반응을 얻지는 못했지만, 제작은 스트라빈스키의 성공을 계속 이어갔습니다.^[34]

그것은 비평가들, 동료 작곡가들, 그리고 콘서트 팬들 사이에서 센세이션을 일으켰던 스트라빈스키의 디아길레프를 위한 세 번째 발레 봄의 의식이었습니다. 스트라빈스키가 파이어버드를 작곡하면서 생각해낸 아이디어를 바탕으로 봄의 도래를 축하하는 일련의 원시적인 이교도 의식을 연출합니다.^[35] 스트라빈스키의 악보에는 성조, 미터, 리듬, 스트레스 및 부조화에 대한 실험을 포함하여 당시의 많은 새로운 특징들이 포함되어 있었습니다. 1913년 5월 29일 샹젤리제 극장에서 열린 초연에서 음악과 안무의 급진적인 특성은 거의 폭동을 일으켰습니다.^[36][37]

시사회 직후 스트라빈스키는 나쁜 굴을 먹고 장티푸스에 걸렸고 그는 파리 요양원에 갇혔습니다. 그는 1913년 7월에 떠나 우스틸루그로 돌아갔습니다.^[38] 남은 여름 동안 그는 스트라빈스키가 1908년에 시작한 한스 크리스티안 안데르센의 이야기를 바탕으로 한 그의 첫 오페라 나이팅게일에 집중했습니다.^[39] 1914년 1월 15일, 스트라빈스키와 노센코는 네 번째 아이 마리 밀렌(Marie Milène)을 낳았다. 분만 후, 노센코는 결핵에 걸린 것으로 밝혀졌고 알프스 산맥의 레이신에 있는 요양원에 입원했습니다. 스트라빈스키는 인근에 거주지를 마련했고, 그곳에서 나이팅게일을 완성했습니다.^[40][41] 이 작품은 1914년 5월 파리에서 초연되었는데, 모스크바 자유 극장이 이 작품을 10,000루블에 의뢰한 후였지만 곧 파산했습니다. 디아길레프는 발레 러시아인들이 무대에 올리는 것에 동의했습니다.^[42][43] 그 오페라는 대중과 비평가들에게 미지근한 성공만을 거두었는데, 이는 그 섬세함이 격동의 봄 의식 이후 그들의 기대에 부응하지 못했기 때문인 것으로 보입니다.^[41] 그러나, 모리스 라벨, 벨라 바르토크, 그리고 레이날도 한을 포함한 작곡가들은 심지어 아놀드 쇤베르크의 영향을 감지했다고 주장하면서, 그 악보의 솜씨에 감탄할 많은 것을 발견했습니다.^[44]

1914년 4월, 스트라빈스키와 그의 가족은 클라렌스로 돌아갔습니다.^[45] 스트라빈스키는 장티푸스 병력 때문에 세계 대전에서 군 복무를 할 자격이 없었습니다.^[32] 스트라빈스키는 국경이 폐쇄되기 직전에 개인 물품을 회수하기 위해 Ustilug을 잠깐 방문했습니다.^[46] 1915년 6월, 그와 그의 가족은 클라렌스에서 제네바 호수의 해안에 있는 로잔에서 6마일 떨어진 마을인 모스로 이사했습니다. 그 가족은 1920년까지 그곳(세 곳의 주소)에 살았습니다.^[47] 1915년 12월, 스트라빈스키는 불새와 함께 적십자를 지원하는 두 번의 콘서트에서 지휘 데뷔를 했습니다.^[48] 1917년 전쟁과 뒤이은 러시아 혁명은 스트라빈스키가 고국으로 돌아가는 것을 불가능하게 만들었습니다.^[49]

스트라빈스키는 1910년대 후반에 재정적으로 어려움을 겪기 시작했습니다. 러시아(그리고 그 후계자인 소련)가 베른협약을 지키지 않고 제1차 세계대전의 여파로 각국이 폐허가 되었을 때, 스트라빈스키 작품의 공연에 대한 로열티는 더 이상 오지 않았습니다.^[50][51] 스트라빈스키는 재정적인 도움을 받기 위해 스위스의 자선가 베르너 라인하트에게 접근했고, 그는 그를 후원하기로 동의하고 1918년 9월에 판매된 L'Histoire du soldat의 첫 번째 공연을 주로 인수했습니다.^[52] 감사의 뜻으로 스트라빈스키는 작품을 라인하트에게 바쳤고 그에게 원본을 주었습니다.^[51] 라인하트는 1919년 스트라빈스키가 실내악 연주회에 자금을 지원했을 때 더 많은 지원을 했습니다.^[53][54] 그의 은인에게 감사하는 마음으로, 스트라빈스키는 그의 솔로 클라리넷을 위한 세 작품을 아마추어 클라리넷 연주자였던 라인하트에게 바쳤습니다.^[55] 스트라빈스키는 1920년 5월 15일 발레 러시아의 풀시넬라 초연에 참석하기 위해 파리로 이동했고, 그 후 스위스로 돌아갔습니다.^[56]

프랑스에서의 생활, 1920-1939

1920년 6월, 스트라빈스키와 그의 가족은 스위스를 떠나 프랑스로 향했고, 여름 동안 파리에 영구적인 집을 구하러 카랑텍에 정착했습니다.^[57][58]

그들은 곧 쿠투리에르 코코 샤넬로부터 소식을 들었는데, 그는 가족들이 그들의 거주지를 찾을 때까지 그녀의 파리 저택에서 살도록 초대했습니다. 스트라빈스키 부부는 이를 받아들여 9월에 도착했습니다.^[59] 스트라빈스키와 샤넬은 금세 연인이 되었지만, 그 바람은 짧았고 1921년 5월에 끝났습니다.^[60] 그녀는 1920년 12월부터 300,000 프랑의 가치가 있다고 주장되는 디아길레프에게 익명의 선물로 발레 러시아인들에 의한 봄의 의례의 부활을 보증하는 것을 도왔습니다.^[61]

1920년, 스트라빈스키는 프랑스 피아노 제조 회사인 플레엘과 계약을 맺었습니다. 그 거래의 일환으로, 스트라빈스키는 그들의 연주자 피아노인 플레엘라를 위해 그의 작곡 대부분을 녹음했습니다. 이 회사는 스트라빈스키의 작품에 대한 기계 사용료를 모으는 것을 도왔고 그에게 매달 수입을 제공했습니다. 1921년, 그는 그들의 파리 본사에 스튜디오 공간을 주어 그곳에서 일하고 친구들과 지인들을 즐겁게 했습니다.^[62][63][64] 피아노 롤은 녹음되지 않았지만, 대신 원고 조각과 플레엘 롤 부서의 음악 감독인 자크 라만자트의 손으로 쓴 노트의 조합으로 표시되었습니다. 1920년대에 스트라빈스키는 런던과 뉴욕에 있는 Aeolian Company를 위해 Duo-Art 피아노 롤을 녹음했습니다.^[65]

스트라빈스키는 화가이자 무대 디자이너인 세르게이 수데킨과 ^[66]결혼한 1921년 2월 파리에서 베라 수데킨을 만났고, 그들은 1922년 봄에 베라 수데킨이 남편을 떠나도록 하는 바람을 피우기 시작했습니다.^[67]

1921년 5월, 스트라빈스키와 그의 가족은 스페인 국경에 가까운 마을인 앵글로 이주했습니다.^[68] 가을이 되자 그들은 인근의 비아리츠에 정착했고 스트라빈스키는 아르투르 루빈스타인을 위해 페트루슈카에서 발췌한 피아노 필사본인 트로이스 무브 드 페트루슈카를 완성했습니다. 디아길레프는 그 후 차이코프스키의 잠자는 숲속의 미녀의 부활을 위한 오케스트라를 요청했습니다.^[69] 그 이후 1939년 아내가 사망할 때까지 스트라빈스키는 영국 앵글로에 있는 가족과 파리에 있는 베라 수데킨과 투어를 하며 이중생활을 했습니다.^[70] 전하는 바에 따르면 노센코는 남편의 상황을 "너그러움, 쓰라림, 동정심이 혼재된" 상태로 견뎠습니다.^[71]

1923년 6월, 스트라빈스키의 발레 레스노체는 파리에서 초연되었고 발레단에 의해 공연되었습니다.^[72] 그 다음 달, 그는 익명을 고집하고 자신을 "마담"이라고만 밝힌 미국의 익명 후원자로부터 돈을 받기 시작했습니다. 그들은 그에게 3년 동안 6,000달러를 보내겠다고 약속했고, 스트라빈스키에게 1,000달러의 초기 수표를 보냈습니다. 스트라빈스키의 후학인 로버트 크래프트는 그 후원자가 스트라빈스키가 최근에 만났던 유명한 지휘자 레오폴드 스토코프스키라고 믿었고, 그 지휘자가 스트라빈스키를 미국으로 데려오고 싶어한다고 이론을 세웠습니다.^[72][73]

1924년 9월, 스트라빈스키는 니스에 새로운 집을 샀습니다.^[74] 여기서 작곡가는 자신의 종교적 신념을 재평가하고 러시아 신부 니콜라스 신부의 도움으로 기독교 신앙과 다시 연결되었습니다.^[75] 그는 또한 자신의 미래를 생각했고, 지휘자로서의 경력을 쌓기 위해 그 전 해에 Serge Koussevitzky의 콘서트 중 하나에서 그의 옥텟의 초연을 지휘했던 경험을 사용했습니다. 쿠세비츠키는 스트라빈스키에게 그의 다가오는 콘서트 중 하나를 위해 새로운 작품을 작곡해달라고 요청했고 스트라빈스키는 피아노 협주곡에 동의했습니다. 피아노와 관악을 위한 협주곡은 1924년 5월 스트라빈스키를 독주자로 하여 처음 연주되었습니다.^[76] 그 작품은 성공적이었고, 스트라빈스키는 그 이후 5년 동안 그 작품을 공연할 독점적인 권리를 스스로 확보했습니다.^[77] 스트라빈스키는 카탈루냐를 6번 방문했고 1924년 처음으로 그란테레 델 리세우에서 파우 카살스 오케스트라와 세 번의 콘서트를 가진 후 "바르셀로나는 저에게 잊지 못할 것입니다. 제가 가장 좋아했던 것은 성당과 사르다나였습니다."^[78] 1924년 후반까지 유럽 투어를 한 후, 스트라빈스키는 1925년 초 두 달에 걸친 첫 미국 투어를 마쳤습니다.^[79] 그것은 스트라빈스키가 카네기 홀에서 전 스트라빈스키 프로그램을 진행하면서 시작되었습니다.^[80]

1926년, 스트라빈스키는 봄 콘서트 투어 중 파도바 성 안토니 대성당에서 열린 의식에 감동하여 정교회에 다시 합류했습니다.^[81][82] 1927년 5월, 스트라빈스키의 오페라 오라토리오 오이디푸스 렉스가 파리에서 초연되었습니다. 제작 자금은 주로 위나레타 싱어, 프린세스 에드몽 드 폴리냐크가 제공했으며, 그녀의 집에서 이 작품을 개인적으로 미리 보는 데 12,000 프랑을 지불했습니다. 스트라빈스키는 대중 공연에 필요한 자금을 마련하기 위해 디아길레프에게 돈을 주었습니다. 사라-베른하르트 극장에서의 초연은 화가 보리스 그리고리예프가 자신의 초기 발레에 집착하는 대중에 짜증을 내기 시작한 '불새'와 비교하여 길들여졌기 때문이라고 믿는 부정적인 반응을 받았습니다.^[83] 1927년 여름, 스트라빈스키는 엘리자베스 스프래그 쿨리지(Elizabeth Sprague Coolidge)로부터 커미션을 받았는데, 이 커미션은 미국에서 처음이었습니다. 부유한 음악 애호가인 쿨리지는 1,000달러를 받고 의회 도서관에서 열릴 축제를 위해 30분간의 발레 악보를 요청했습니다.^[84] 스트라빈스키는 1928년에 초연된 아폴로를 수락하고 썼습니다.^[85]

1929년 디아길레프가 사망한 후, 스트라빈스키는 유럽 전역을 순회하며 12월 6일 살레 플레엘에서 그의 피아노와 오케스트라를 위한 카프리치오 초연을 연주했고 그 후 많은 유럽 도시에서 공연했습니다.^[86] 스트라빈스키는 1930년부터 1933년까지 대부분의 기간을 순회했으며, 보스턴 심포니 오케스트라의 의뢰로 관악기 교향곡을 작곡했으며, 사무엘 두쉬킨을 위한 바이올린 협주곡 D를 작곡했습니다.^[87] 뒤쉬킨과 함께 후자를 순회한 후, 스트라빈스키는 바이올린과 피아노를 위한 그의 작품들 중 일부를 필사하는 데 영감을 받았고, 후에 뒤쉬킨과 함께 "리사이틀"에서 이 필사본들을 순회했습니다.^[88] 1934년 5월 30일, 스트라빈스키 가문은 귀화하여 프랑스 국적을 취득했습니다.^[89] 그해 말, 그들은 파리의 생 오노레(Rue du Faubourg Saint-Honoré)에 있는 집으로 이사를 가서 5년 동안 머물렀습니다.^[86][90][91] 그 작곡가는 1935년에 Chroniques de ma Vie라는 제목의 회고록을 프랑스어로 출판하기 위해 그의 시민권을 사용했습니다. 그 해에 그의 유일한 작곡은 플레이엘이 작곡한 특별한 이중 피아노를 사용하여 자신과 그의 아들 스비아토슬라프를 위해 작곡된 두 대의 독주 피아노를 위한 협주곡이었습니다. 이 두 사람은 1936년에 유럽과 남미 투어를 마쳤습니다.^[90] 1937년 4월, 그는 조지 발란친의 안무와 함께 뉴욕시에 있는 링컨 키얼스틴의 발레단의 커미션인 3부 발레 주 드 카르테스를 지휘했습니다.^[92]

유럽으로 돌아온 스트라빈스키는 아내와 딸 루드밀라와 밀레나가 결핵에 걸려 요양원에 입원한 후 가족과 가까운 스위스 국경 근처의 아네마세로 파리를 떠났습니다.^[93] 루드밀라는 1938년 말에 세상을 떠났고, 그의 33년간의 아내에 이어 1939년 3월에 사망했습니다.^[94] 스트라빈스키 자신은 산첼모즈에서 5개월을 병원에서 보냈고,^[95] 그 기간 동안 그의 어머니도 사망했습니다.^[94] 파리에서 말년 동안 스트라빈스키는 미국의 주요 인사들과 전문적인 관계를 맺었습니다: 그는 이미 시카고 심포니 오케스트라를 위해 그의 심포니 인 C를 작업하고 있었고 하버드 대학교에서 1939-1940년 찰스 엘리엇 노튼 시학 의장을 수락하기로 동의했습니다. 명망 있는 Charles Eliot Norton 강의의 일환으로 음악에 대한 여섯 개의 강의를 제공합니다.^[96][97][98]

미국에서의 생활, 1939-1971

미국 초기, 1939년 ~ 1945년

스트라빈스키는 1939년 9월 30일 뉴욕에 도착하여 하버드에서 약혼을 이행하기 위해 매사추세츠주 케임브리지로 향했습니다. 미국에서의 첫 두 달 동안 스트라빈스키는 미술 역사가 에드워드 W의 집인 게리 랜딩에 머물렀습니다. 포브스.^[99] 베라 수데킨은 1940년 1월에 도착했고 부부는 3월 9일에 메사추세츠 베드포드에서 결혼했습니다. 일정 기간의 여행 후, 두 사람은 1941년부터 할리우드에 정착하기 전까지 캘리포니아 베벌리 힐스의 한 집으로 이사했습니다. 스트라빈스키는 따뜻한 캘리포니아의 기후가 그의 건강에 도움이 될 것이라고 느꼈습니다.^[100] 스트라빈스키는 프랑스 생활에 적응했지만 58세에 미국으로 이주한 것은 매우 다른 전망이었습니다. 한동안 그는 러시아에서 온 친구들과 연락을 유지했지만 결국 이것이 그의 지적이고 직업적인 삶을 유지하지 못한다는 것을 알게 되었습니다. 그는 특히 작가, 음악가, 작곡가, 지휘자들이 그 지역에 정착했던 세계 2차 대전 동안, 로스앤젤레스의 성장하는 문화 생활에 끌렸습니다. 음악 평론가 버나드 홀랜드는 스트라빈스키가 특히 영국 작가들을 좋아했다고 주장했는데, 그들은 W. H. 오든, 크리스토퍼 이셔우드, 그리고 후에 딜런 토마스와 같은 베벌리 힐스에서 그를 방문했습니다: "그들은 작곡가의 딱딱한 영혼에 대한 취향을 공유했습니다 – 특히 스트라빈스키가 프랑스어로 이야기했던 알두스 헉슬리."^[101] 스트라빈스키와 헉슬리는 서해안 아방가르드와 명사들을 위한 토요일 점심식사의 전통을 가지고 있었습니다.^[102]

1940년, 스트라빈스키는 그의 심포니 인 C를 완성했고 그 해 말에 초연에서 시카고 심포니 오케스트라를 지휘했습니다.^[103] 이 시기에 스트라빈스키는 자신을 영화 음악과 연관시키기 시작했습니다. 그의 음악을 사용한 첫 번째 주요 영화는 월트 디즈니의 애니메이션 판타지아(1940)로 레오폴드 스토코프스키에 의해 지구의 역사와 공룡의 시대를 묘사한 부분으로 재배열된 봄의 의식의 일부를 포함합니다.^[104] 오손 웰즈(Orson Welles)는 스트라빈스키에게 제인 에어(Jane Eyre, 1943)를 위한 악보를 쓰라고 권유했지만 협상은 결렬되었고, 영화의 사냥 장면 중 하나에 사용된 곡은 스트라빈스키의 관현악 작품인 Ode(1943)에 사용되었습니다. "베르나데트의 노래" (1943)를 녹음하겠다는 제안도 실패했습니다. 스트라빈스키는 그 조건들이 제작자에게 너무 유리하다고 생각했습니다. 그가 이 영화를 위해 작곡한 음악은 나중에 그의 심포니 삼악장에서 사용되었습니다.^[104]

스트라빈스키의 파격적인 지배적인 7번 화음은 1944년 1월 15일 보스턴 경찰과의 사건으로 이어졌고, 그는 당국이 "국가의 전부 또는 일부를 다시 편곡"하는 것에 대해 100달러의 벌금을 부과할 수 있다는 경고를 받았습니다.^[c] 경찰은, 알고 보니, 잘못된 것이었습니다. 문제의 법은 국가를 "댄스 음악으로, 출구 행진으로, 또는 어떤 종류의 메들리의 일부로" 사용하는 것을 금지했지만,^[105] 이 사건은 곧 신화로 자리 잡았고, 스트라빈스키는 체포되어 며칠 밤 동안 구금되었고, 경찰 기록을 위해 사진을 찍었습니다.^[106]

1945년 12월 28일, 스트라빈스키 부부는 미국 시민으로 귀화했습니다.^[107] 그들의 후원자이자 목격자는 배우 에드워드 G. 로빈슨이었습니다.^[108]

마지막 주요 작품, 1945-1966

스트라빈스키는 미국 시민이 된 같은 날, 부시 & 호크스가 자신의 작곡 중 몇 가지를 재배열하여 출판하도록 주선하고 새로 획득한 미국 시민권을 이용하여 자료에 대한 저작권을 확보하여 그로부터 돈을 벌 수 있도록 했습니다.^[109] 이 5년 계약은 1947년 1월에 체결되었으며, 첫 2년 동안은 1인당 10,000달러, 나머지 3년 동안은 12,000달러의 보증이 포함되어 있습니다.^[110]

1945년 말, 스트라빈스키는 유럽으로부터 폴 사허의 바슬 체임버 오케스트라를 위한 20주년 기념 현악곡 형식의 위촉을 받았습니다. 콘체르토 인 D는 1947년에 초연되었습니다.^[108][111] 1946년 1월, 스트라빈스키는 뉴욕의 카네기 홀에서 그의 교향곡 3악장 초연을 지휘했습니다. 그것은 그의 첫 미국 초연을 기념했습니다.^[112] 1947년 스트라빈스키는 18세기 영국 예술가 윌리엄 호가스(William Hogarth)의 같은 제목의 그림 시리즈를 시카고 전시회에 방문하여 그의 영어 오페라 '갈퀴의 진보'를 집필하는 데 영감을 받았습니다. 이는 유행을 따르는 망나니가 파멸로 치닫는 이야기를 담고 있습니다. W.H. 오든과 작가 체스터 칼만은 이 책을 작업했습니다. 이 오페라는 1951년 초연되었으며 스트라빈스키의 신고전주의 시대의 마지막 작품입니다.^[113] The Rake's Progress를 작곡하는 동안 스트라빈스키는 로버트 크래프트를 만났고, 그는 그를 할리우드에 있는 그의 집에 개인 비서로 초대했습니다.^[114] Jay Harrison이 뉴욕 헤럴드 트리뷴에 기고한 바와 같이, 크래프트는 곧 스트라빈스키의 "가장 가까운 친구이자, 그의 당당한, 메뉴엔시스, 대변인, 동료 지휘자"가 되었습니다.^[115] 크래프트는 스트라빈스키가 죽을 때까지 지속된 세 번째이자 마지막 뚜렷한 음악 시기를 시작하면서 작곡가가 연속 음악과 제2 빈 학교의 작곡가들을 탐구하도록 장려했습니다.^{[116][117][118]}

1953년, 스트라빈스키는 핵 재앙 이후 한 남자와 한 여자가 지구에 남아있던 후의 세계의 재창조를 자세히 묘사한 딜런 토마스의 리브레토로 새로운 오페라를 작곡하기로 합의했습니다. 그 해 11월 토마스가 사망한 후 프로젝트의 개발이 갑자기 중단되었습니다. 스트라빈스키는 1954년에 테너, 현악 4중주, 그리고 4개의 트롬본을 위한 곡인 "메모리얼 딜런 토마스"를 완성했습니다.^[119] 스트라빈스키는 베니스에서 열린 국제 현대 음악 축제를 위해 칸타타 칸티쿰 사크룸을 작곡했으며 1956년 9월 13일 초연되었습니다.^[120] 이 작품은 1957년 노르드도이체 룬펑크(Norddeutscher Rundfunk)가 음악적 배경인 트레니(Threni)를 의뢰하도록 영감을 주었으며, 1958년 9월 23일 오케스트라와 합창단에 의해 초연되었습니다.^[121][122] 1959년, 크래프트는 35개의 질문에 대한 답변이라는 제목의 기사를 위해 스트라빈스키를 인터뷰했고, 스트라빈스키는 자신을 둘러싼 많은 신화를 수정하고 그의 많은 협력자들과의 관계에 대해 논의했습니다. 이 기사는 나중에 책으로 확장되었고, 이후 4년 동안 크래프트의 주도로 인해 이러한 패션의 책이 세 권 더 출판되었습니다.^[123]

1961년, 스트라빈스키와 크래프트는 런던, 취리히, 카이로를 여행하고 호주로 가는 도중에, 스트라빈스키와 크래프트는 시드니와 멜버른에서 올 스트라빈스키 콘서트를 열었습니다. 그들은 뉴질랜드, 타히티, 멕시코를 거쳐 캘리포니아로 돌아왔습니다.^[124][125] 1962년 1월, 워싱턴 D.C.에 기착한 동안, 스트라빈스키는 백악관에서 존 F. 대통령과 함께 만찬에 참석했습니다. 케네디는 80세 생일을 기념하여 "그의 음악이 전 세계에서 성취한 인정"으로 특별 훈장을 받았습니다.^[126][127] 1962년 9월, 스트라빈스키는 모스크바와 레닌그라드에서 여섯 차례 공연을 해달라는 소련 작곡가 연합의 초청을 받아들여 1914년 이후 처음으로 러시아로 돌아갔습니다. 3주간의 방문 동안 그는 소비에트 총리 니키타 흐루쇼프와 드미트리 쇼스타코비치와 아람 카차투리안을 포함한 몇몇의 주요한 소비에트 작곡가들을 만났습니다.^[128][129] 스트라빈스키는 1962년 12월까지 거의 8개월 동안 계속된 여행으로 할리우드 집으로 돌아오지 않았습니다.^[130] 1963년 케네디의 암살 이후 스트라빈스키는 이듬해 J.F.K.를 위한 엘레지를 완성했습니다. 2분짜리 작업은 작곡가가 글을 쓰는 데 이틀이 걸렸습니다.^[131]

1964년 초, 긴 여행 기간이 스트라빈스키의 건강에 영향을 미치기 시작했습니다. 그의 다낭종 사례는 악화되었고 그의 친구들은 그의 움직임과 말이 느려졌다는 것을 알아차렸습니다.^[131] 1965년, 스트라빈스키는 데이비드 오펜하임에게 CBS 방송을 위해 자신에 대한 다큐멘터리 영화를 제작하도록 하기로 동의했습니다. 그것은 그 작곡가를 따라가는 영화 제작진과 그 해에 투어를 하는 것을 포함했고, 그는 제작비로 1만 달러를 받았습니다.^[132] 이 다큐멘터리에는 스트라빈스키가 '봄의례'의 대부분을 쓴 클라렌스의 집 '레 틸렐'을 방문한 내용이 포함되어 있습니다. 제작진은 소련 당국에 스트라빈스키가 고향인 우스틸루그로 돌아가는 것을 촬영할 수 있도록 허가를 요청했으나 거절당했습니다.^[133] 1966년, 스트라빈스키는 그의 마지막 주요 작품인 '레퀴엠 칸티클'을 완성했습니다.^[134] 작곡에 대한 그의 마지막 시도인 "소나타를 위한 두 개의 스케치"는 짧은 피아노 조각들의 원고에 존재했습니다. 스케치는 2021년에 부기앤호크스에 의해 출판되었습니다.^[135]

최후의 해와 죽음, 1967-1971

1967년 3월, 스트라빈스키는 시애틀 오페라와 함께 L'Histoire du soldat를 지휘했습니다. 이때쯤이면 스트라빈스키의 대표적인 공연료는 1만 달러까지 불어났습니다. 그러나 스트라빈스키의 지휘가 한 평론가의 설명대로 "비정상적"이고 "멍청한" 상태가 된 후, 크래프트는 스트라빈스키의 비행을 요구하는 모든 콘서트를 취소했습니다.^[136] 1967년 5월 토론토의 매시 홀에서 열린 콘서트에서 그는 토론토 심포니 오케스트라와 함께 상대적으로 육체적으로 부담이 없는 풀시넬라 모음곡을 지휘했습니다. 그가 모르는 사이에 지휘자로서 마지막 공연이었습니다.^[137][138] 공연장에서 무대 뒤에 있던 스트라빈스키는 크래프트에게 자신이 뇌졸중을 앓은 것으로 생각한다고 알렸습니다.^[136] 1967년 8월, 스트라빈스키는 출혈성 위궤양과 수혈이 필요한 혈전증으로 할리우드에 입원했습니다.^[139]

1968년까지 스트라빈스키는 대부분의 콘서트에서 크래프트가 지휘자 자리를 차지하는 동안 객석에서 그와 함께 미국 전역에서 투어를 재개할 수 있을 정도로 회복되었습니다. 1968년 5월, 스트라빈스키는 작은 오케스트라를 위해 휴고 볼프의 두 곡의 피아노 편곡을 마쳤습니다.^[140] 10월에 스트라빈스키와 크래프트는 스트라빈스키의 가족과 사업적인 문제를 해결하기 위해 취리히로 갔습니다.^[141] 세 사람은 점점 할리우드에 대한 호감이 낮아져 스위스로 이주를 고려했지만, 반대를 결정하고 미국으로 돌아갔습니다.^[142]

1969년 10월, 캘리포니아와 스트라빈스키에서 거의 30년 동안 건강이 좋지 않아 의사들에 의해 해외 여행을 거부당한 후, 스트라빈스키 부부는 뉴욕시의 에섹스 하우스에 있는 고급 침실 3개짜리 아파트를 2년 임대했습니다. 크래프트는 그들과 함께 움직였고, 사실상 병든 작곡가를 돌보기 위해 그의 경력을 중단시켰습니다.^[143] 스트라빈스키의 마지막 프로젝트 중에는 바흐의 '성격 좋은 클라비어'의 두 전주곡을 조율하는 것이 있었지만, 그것은 결코 완성되지 않았습니다.^[144] 1970년 6월 제네바 호를 따라 에비앙레뱅으로 여행을 떠나 장남 표도르, 조카 제니아와 재회했습니다.^[145]

1971년 3월 18일, 스트라빈스키는 폐부종으로 레녹스 힐 병원으로 이송되어 열흘 동안 머물렀습니다. 3월 29일, 그는 920 5번가에 새로 가구를 갖춘 아파트로 이사했는데, 이 아파트는 1939년 파리에 거주한 이후 그의 첫 번째 도시 아파트입니다. 건강을 회복한 후 4월 4일 부종이 돌아왔고 베라 스트라빈스키는 아파트에 의료 장비를 설치해야 한다고 주장했습니다.^[146] 스트라빈스키는 곧 식음을 중단하고 4월 6일 오전 5시 20분 88세의 나이로 세상을 떠났습니다. 그의 사망진단서의 원인은 심부전입니다. 3일 후 프랭크 E. 캠벨 장례식 예배당에서 장례식이 열렸습니다.^{[144] [147]} 그의 바람에 따라, 그는 그리스 정교회의 아치만드라이트인 체루빈 말리시아노스가 이끄는 산티 지오반니 에 파올로에서 예배를 본 후 곤돌라로 끌려온 세르게이 디아길레프의 무덤에서 몇 야드 떨어진 베네치아의 산 미켈레 공동묘지 섬의 러시아 구석에 묻혔습니다.^{[148][149][148][150]} 예배 동안, 그의 레퀴엠 칸티클즈와 안드레아 가브리엘리의 오르간 음악이 연주되었습니다.^[151]

음악

스트라빈스키의 학생 작품 대부분은 그의 스승 림스키코르사코프의 과제를 위해 작곡되었으며, 림스키코르사코프와 다른 러시아 작곡가들의 영향을 주로 받았습니다.^[152] 스트라빈스키의 첫 세 발레인 불새, 페트루슈카, 봄의례는 그의 국제적인 명성과 보수적인 상트페테르부르크 생활로부터의 이탈의 시작이었습니다.^[152][153] 스트라빈스키의 음악은 종종 세 개의 작곡 시기로 나뉩니다: 러시아의 민속과 양식에 의해 크게 영향을 받았던 그의 러시아 시대 (1913–1920);^[154] 스트라빈스키가 고전 시대의 기술과 주제로 전환했던 그의 신고전주의 시대 (1920–1951);^[155][156] 그리고 그의 연속적인 시기 (1954–1968), 스트라빈스키가 빈 제2학교 작곡가들에 의해 개척된 일련의 작곡 기법을 사용한 곳.^[157][118]

학생작품, 1898~1907

스트라빈스키는 디아길레프를 만나기 전 림스키-코르사코프와 그의 협력자들에게 배우면서 시간을 보냈습니다.^[152] 1902년 8월 스트라빈스키가 림스키코르사코프를 만나기 전까지 남아있는 작품은 "타란텔라" (1898년), "슈르조" (1902년), "폭풍의 구름" 등 세 작품뿐인데, 처음 두 작품은 피아노를 위한 작품이고 마지막 작품은 목소리와 피아노를 위한 작품입니다.^[158][159] 스트라빈스키가 림스키코르사코프로부터 받은 첫 번째 과제는 F ♯단조의 4악장 피아노 소나타였는데, 이것은 그가 대중 앞에서 공연한 첫 번째 작품이기도 했습니다. 림스키코르사코프는 종종 스트라빈스키에게 작품의 형태와 구조를 분석할 수 있도록 다양한 작품을 조율하는 임무를 맡겼습니다.^[162] 많은 스트라빈스키의 학생 작곡들이 림스키코르사코프의 집에서 열린 모임에서 연주되었습니다; 이것들은 후에 스트라빈스키의 신고전주의 시대를 정의할 고전 음악 기법의 사용을 보여주는 일련의 바가텔, 샹송 코미크, 칸타타를 포함합니다.^[162] 스티븐 월시(^[163]Stephen Walsh)는 스트라빈스키의 음악 경력에서 이 시기를 림스키-코르사코프와 그의 음악의 "비정상적인 보수주의"로 인해 "미학적으로 비좁다"고 묘사했습니다. 림스키코르사코프는 E플랫의 교향곡(1907)이 글라주노프의 스타일에 너무 휘둘렸고, 파우와 셰퍼드스(1907)에 대한 모더니즘의 영향을 싫어했다고 생각했습니다.^[164]

1910-1913년 최초의 세 발렛

스케르조 판타스티크와 푸아티피체의 초연이 디아길레프의 관심을 끌자, 그는 스트라빈스키에게 새로운 발레 레 실피데스를 위해 쇼팽의 녹턴을 A플랫 장조로, 그란데 발스 브릴란테를 E플랫 장조로 편곡하도록 의뢰했고, 몇 달 후 스트라빈스키의 첫 발레인 불새를 의뢰했습니다.^[165]

불새는 스트라빈스키가 그의 오페라 골든 코커렐에서 사용한 라이트모티프와 하모니의 혼성어인 "라이트하모니"라고 부르는 화성 구조를 사용했습니다.^[166] 주인공인 불새와 적대자인 죽음의 코셰이, 불새는 전음절 악구와 연관되어 있고 코셰이는 팔색조 음악과 연관되어 있는 "렛 하모니"를 사용하여 병치하였습니다.^[167] 스트라빈스키는 나중에 "림스키에 대한 반란" 상태에서 불새를 어떻게 작곡했는지를 썼고, "폰티첼로, 콜레뇨, 플루탄도, 글리산도, 플러터 텅 효과로 그를 능가하려고 노력했다"고 썼습니다.^[168]

스트라빈스키의 발레 러시아 발레단을 위한 두 번째 발레 페트루슈카는 스트라빈스키가 자신의 음악적 성격을 규정한 곳입니다.^[169] 원래 피아노와 오케스트라를 위한 콘체르트 스투크가 될 예정이었던 디아길레프는 1911년 시즌을 위해 대신 발레로 작곡해야 한다고 스트라빈스키에게 설득했습니다.^[33] 러시아의 영향은 비엔나 작곡가 조셉 라너(Joseph Lanner)의 두 곡의 왈츠와 프랑스 음악당 곡조(La Jambeen bois 또는 The Wooden Leg) 외에도 많은 러시아 민요를 사용한 것에서 볼 수 있습니다.^[d] 스트라빈스키는 또한 림스키코르사코프의 오페라 '눈의 처녀'의 포크 곡조를 사용하여 스트라빈스키의 음악에 대한 그의 지속적인 영향력을 보여주었습니다.^[170]

스트라빈스키의 세 번째 발레 봄의례는 작품의 전위적인 특성으로 인해 초연에서 돌풍을 일으켰습니다.^[35] 스트라빈스키는 불새와 페트루슈카에서 다성질을 실험하기 시작했지만, 봄의 의식을 위해 에릭 월터 화이트가 묘사한 것처럼 "논리적인 결론에 도달했다"고 말했습니다.^[171] 게다가, 음악 속의 복잡한 미터는 "희생적인 춤"의 "재갈채"와 같은 상반된 시간 표시와 이상한 억양을 결합한 문구들로 구성되어 있습니다.^[172][171] 울퉁불퉁한 리듬으로 쓰여진 F♭장조 3화에 E♭도미넌트 7이 겹쳐져 있는 것으로 구성된 두 번째 에피소드인 "Augurs of Spring"을 여는 화음에서 다성과 특이한 리듬을 모두 들을 수 있는데, 스트라빈스키는 억양을 무작위로 전환하여 비대칭을 만들어냅니다. 봄의 의례는 20세기의 가장 유명하고 영향력 있는 작품들 중 하나입니다; 음악학자 도날드 제이 그라우트는 그것을 "음악 언어의 요소들이 너무 흩어져 있어서 다시는 예전처럼 모아지지 않을 정도의 폭발의 효과"를 가지고 있다고 설명했습니다.^[175]

1913년 ~ 1920년 러시아

음악학자 제레미 노블(Jeremy Noble)은 스트라빈스키의 "러시아 민속 자료에 대한 집중적인 연구"가 1914년부터 1920년까지 스위스에 있는 동안 이루어졌다고 말합니다.^[154] 작곡가 벨라 바르토크는 스트라빈스키의 러시아 시기를 작품들의 러시아 민요 사용, 주제 및 기술로 인해 1913년 봄의례에서 시작되었다고 여겼습니다.^[176] 이중 또는 삼중 미터의 사용은 특히 스트라빈스키의 러시아 시대 음악에서 널리 퍼졌습니다; 맥박이 일정하게 유지되었을 수도 있지만, 박자는 종종 억양을 지속적으로 바꾸기 위해 변했습니다.^[177]

스트라빈스키는 처음 세 번의 발레에서 만큼 포크 멜로디를 많이 사용하지는 않았지만 그의 작품은 러시아 스타일이었습니다.^[178] 스트라빈스키는 민시를 자주 사용했습니다; 그의 다음 오페라인 레노체는 표트르 키레예프스키의 러시아 민시 모음집의 텍스트를 기반으로 했고,^[32][179] 그의 오페라 발레 레나르는 알렉산더 아파나시예프가 수집한 민담을 기반으로 했습니다.^[180][181] 스트라빈스키의 많은 러시아 시대 작품들은 동물 캐릭터와 주제를 특징으로 했는데, 이는 그가 네 명의 아이들과 함께 읽은 동요에 노출되었기 때문일 수 있습니다.^[182] 스트라빈스키는 또한 독특한 연극 스타일을 사용했습니다. 레노즈는 발레와 칸타타를 혼합했는데, 이는 악보에 "러시아 안무 장면"으로 묘사된 독특한 연출입니다.^[183] 레너드에서, 그 목소리들은 무대에서 액션에 동반하기로 되어 있었기 때문에, 오케스트라에 배치되었습니다.^[182] L'Histoire du soldat는 1918년 스위스 소설가 Charles F와 함께 작곡되었습니다. 라무즈는 무용수, 내레이터, 7중창을 위한 "요염한 뮤지컬-극장 작품"입니다.^[51] 이 작품은 러시아의 설화를 탱고, 왈츠, 라그, 코랄 등 당시의 일반적인 음악 구조와 혼합시켰습니다.^[184] 월시에 따르면, 스트라빈스키의 음악은 항상 그의 러시아 뿌리에 의해 영향을 받았고, 그의 후기 출력에서 그들의 사용이 감소했음에도 불구하고, 그는 지속적인 음악적 혁신을 유지했습니다.^[185]

신고전주의 시대, 1920-1951

이탈리아 나폴리에서 스트라빈스키는 훗날 그의 발레 풀시넬라의 주제가 되는 캐릭터 풀시넬라의 "대단한 취중의 입"을 특징으로 하는 코메디 델 아르테를 보았습니다.^[186] 1919년에 공식적으로 시작된 ^[187]풀시넬라는 지오반니 바티스타 페르골레시, 도메니코 갈로 등의 음악을 바탕으로 한 발레 아이디어를 제안한 후 디아길레프에 의해 의뢰되었습니다.^[188][189] 바로크 후기 작곡가에 의해 화성적이고 리드미컬한 시스템을 기반으로 한 작품을 작곡한 것은 스트라빈스키가 "약 30년의 생산적인 시간 동안 그에게 봉사할" 18세기 음악으로 전향한 시작이었습니다.^[188]

화이트와 제레미 노블은 스트라빈스키의 신고전주의 시대를 1920년 그의 관악 교향곡으로 시작했다고 생각하지만,^[152][155] 바르토크는 이 시기가 "정말로 관악기를 위한 옥텟으로 시작하고, 피아노를 위한 협주곡으로 이어진다"고 주장합니다.^[190] 이 시기 동안, 스트라빈스키는 고전 음악 시대의 기술과 주제를 사용했습니다.^[190]

그리스 신화는 스트라빈스키의 신고전주의 작품에서 공통적인 주제였습니다. 그의 첫 그리스 신화를 바탕으로 한 작품은 발레 아폴론 무자게트(1927)로, 미술의 신 아폴로와 뮤즈의 지도자를 소재로 선택했습니다.^[85] 스트라빈스키는 오이디푸스 렉스 (1927), 페르세포네 (1935), 오르페우스 (1947)^[191]와 같은 미래의 작품에 그리스 신화의 주제를 사용했습니다. 타러스킨은 오이디푸스 렉스가 "가장 극단적인 스트라빈스키의 신고전주의적 방식의 산물"이었고, 음악적 기법들이 "고의적으로 논쟁하는 오튜르"에 병치되었다고 말합니다.^[192] 게다가, 스트라빈스키는 이 시기 동안 더 오래된 음악 구조와 기술을 발전시켰고 그것들을 현대화시켰습니다.^[193][194] 그의 옥텟(1923)은 소나타 형식을 사용하여 주제의 표준 순서와 다른 섹션에 대한 전통적인 음조 관계를 무시함으로써 소나타 형식을 현대화했습니다.^[193] 바로크 시대에 흔히 사용되었던 음악적 대위법의 개념은 시편의 합창 교향곡 전반에 걸쳐 사용되었습니다.^[195]

스트라빈스키의 신고전주의 시대는 1951년 오페라 '갈퀴의 진보'로 막을 내렸습니다.^[196][197] 타러스킨은 오페라를 "'신고전주의'의 중심이자 본질"이라고 묘사했습니다. 그는 오페라가 그리스 신화와 돈 조반니와 카르멘과 같은 다른 오페라에 대한 수많은 언급을 포함하고 있지만 여전히 "동화의 독특한 구조를 구현"하고 있다고 지적합니다. 스트라빈스키는 음악을 작곡할 때 모차르트의 오페라에 영감을 받았지만 다른 학자들도 헨델, 글럭, 베토벤, 슈베르트, 베버, 로시니, 도니제티, 베르디의 영향을 지적합니다.^[198][199] '갈퀴의 진보'는 푸치니 사후에 쓰여진 다른 어떤 오페라보다 더 많은 공연이 이루어지면서 오페라 레퍼토리에서 중요한 작품이 되었습니다.^[200]

연재기간, 1954~1968년

1950년대에 스트라빈스키는 아놀드 쇤베르크가 원래 고안한 12음 기법과 같은 일련의 작곡 기법을 사용하기 시작했습니다.^[201] 노블은 이 시기가 "스트라빈스키의 음악 어휘에 있어서 가장 심오한 변화"였다고 쓰고 있는데, 이는 부분적으로 로버트 크래프트를 만난 후 제2 빈 학교의 음악에 대한 스트라빈스키의 새로운 관심 때문이기도 합니다.^[157]

스트라빈스키는 칸타타 (1952), 칠순 (1953), 셰익스피어의 세 노래 (1953)와 같은 성악 및 실내악 작품에서 12음이 아닌 연속적인 기법을 처음으로 실험했습니다. 그러한 기술들에 완전히 기초한 그의 작곡들 중 첫 번째는 In Memoriam Dylan Thomas (1954)였습니다. 아곤(1954-57)은 그의 작품 중 12음계를 포함하는 첫 번째 작품이었고, 칸티쿰 사크룸(1956)의 두 번째 악장은 완전히 음행에 기초한 악장을 포함하는 첫 번째 작품이었습니다.^[118] 아곤의 독특한 음색 구조는 스트라빈스키의 연속 음악에 중요한 역할을 했습니다. 작품은 디아토닉을 시작하고, 중간에 완전한 12음 연속주의로 나아갔다가 결국 디아토닉주의로 돌아옵니다.^[202] 스트라빈스키는 칸티쿰 사크룸, 트레니 (1958), 설교, 서사와 기도 (1961), 홍수 (1962)와 같은 작품에서 신성한 주제로 돌아갔습니다. 스트라빈스키(Stravinsky)는 그의 일련의 작품들에서 많은 개념들을 사용했습니다. 예를 들어, The Flood에서 볼 수 있는 동음이의 두 개의 저음 목소리인 신의 목소리는 이전에 레노키아(Lesnoces)에서 사용되었습니다.^[202] 스트라빈스키의 마지막 작품인 레퀴엠 칸티클(Recem Canticles, 1966)은 전체적으로 복잡한 4부 음열 배열을 사용하여 스트라빈스키의 연쇄주의 음악의 진화를 보여주었습니다.^[203][202] 노블은 레퀴엠 칸티클스를 "60년 이상의 경력을 통해 진화하고 다듬어진 전례 텍스트와 그것을 설정하는 자신의 음악적 수단의 증류"라고 설명합니다.^[204]

다른 작곡가들의 영향을 이 시기 내내 볼 수 있습니다. 스트라빈스키는 12음 기법을 사용하는 데 있어 쇤베르크의 영향을 많이 받았으며, 쇤베르크의 7중주 악기와 스트라빈스키의 변주곡에서 발견되는 "쇤베르크의 클랑파르벤멜로디에 대한 스트라빈스키 해석"에서도 영향을 받았습니다.^[157][202] 스트라빈스키는 또한 벤자민 브리튼의 작품에서 발견된 많은 주제들을 ^[202]사용하여 "내가 브리튼 씨와 이미 공유한 많은 제목과 주제들"에 대해 주제와 결론에서 언급했습니다.^[205] 게다가, 스트라빈스키는 안톤 베번의 작품들에 매우 익숙했고, 스트라빈스키가 직렬주의를 가능한 작곡 형태로 생각하도록 영감을 준 인물들 중 한 명이었습니다.^[206]

영향

문학적

스트라빈스키는 폭넓은 문학적 취향을 보여주었고 새로운 발견에 대한 끊임없는 열망을 반영했습니다.^[207] 그의 작품에 대한 텍스트와 문학적 출처는 러시아 민속에 대한 관심에서 시작되었습니다.^[208][154] 1914년 스위스로 이주한 후, 스트라빈스키는 수많은 수집품에서 민속 이야기를 수집하기 시작했고, 이 이야기들은 나중에 레노체, 레나르, 프리바오우키 그리고 다양한 노래들에 사용되었습니다.^[32] 불새, 레너드, 그리고 리스토아르 뒤 솔다트를 포함한 스트라빈스키의 많은 작품들은 알렉산더 아파나시예프의 유명한 수집품인 러시아 민담에서 영감을 받았습니다.^{[209][180][210]} 민속 음악의 모음곡들은 스트라빈스키의 음악에 영향을 미쳤습니다; 봄의 의식의 수많은 멜로디들이 리투아니아 민요들의 문집에서 발견되었습니다.^[211]

1926년 스트라빈스키가 교회에 재입성한 직후 라틴어 전례에 대한 관심이 시작되었는데, 이는 1926년 구 교회 슬라보어로 쓰여진 파테르 노스터의 첫 번째 종교 작품의 작곡으로 시작되었습니다.^[81][82] 그는 후에 그의 시편 교향곡에서 라틴 벌게이트에서 오케스트라와 혼성 합창단을 위해 세 개의 시편을 사용했습니다.^[212][213] 작곡가의 신고전주의와 연속주의 시대의 많은 작품들이 전례 텍스트를 사용(또는 기반)했습니다.^[82][214]

스트라빈스키는 그의 경력 동안 많은 작가들과 함께 일했습니다. 그는 스위스 소설가 Charles F와 함께 처음 작업했습니다. 1918년 라무즈온 L'Histoire du soldat. 그는 글을 쓰고 아이디어를 만드는 것을 도왔습니다.^[51] 1933년, 아이다 루빈스타인은 스트라빈스키에게 안드레 지드의 시에 음악을 맞추도록 의뢰했고, 나중에 멜로드라마 페르세포네가 되었습니다.^[215] 두 사람은 처음에는 잘 협력했지만, 텍스트에 대한 의견 차이로 지드는 프로젝트를 떠나게 되었습니다.^[216] 레이크의 진보에 대한 이야기는 스트라빈스키와 W. H. 오든에 의해 처음 구상되었으며, 그들 중 후자는 체스터 칼만과 함께 리브레토를 썼습니다.^[217][218] 스트라빈스키는 T.S.를 포함한 많은 다른 작가들과도 친구가 되었습니다. 엘리어트,^[207] 알두스 헉슬리, 크리스토퍼 이셔우드, 딜런 토마스가 ^[101]마지막으로 1953년에 오페라 작업을 시작했지만 토마스의 죽음으로 인해 중단되었습니다.^[119]

아티스틱

스트라빈스키는 그 시대의 가장 유명한 예술가들 중 몇 명과 함께 일했는데, 그들 중 많은 이들이 불새의 초연 이후에 만났습니다.^[153][219] 디아길레프는 작곡가의 가장 중요한 예술적 영향 중 하나로, 그에게 무대를 위한 작곡을 소개했고 그의 첫 세 개의 발레로 국제적인 명성을 가져다 주었습니다.^[219][220] 발레 러시아와 디아길레프를 통해 스트라빈스키는 바슬라프 니진스키, 레오니다드 마시네,^[153] 알렉상드르 브누아,^[153] 미셸 포킨, 그리고 레옹 박스트와 같은 인물들과 함께 작업했습니다.^[221] 그 작곡가의 예술에 대한 관심은 1917년에 만난 피카소와 돈독한 관계를 맺게 했습니다.^[222] 1917년부터 1920년까지 두 사람은 피카소의 유명한 스트라빈스키 초상화와 ^[223]스트라빈스키의 클라리넷 음악의 짧은 스케치를 포함한 친밀감의 표시로 서로에게 소규모 예술 작품을 교환하는 예술적 대화에 참여했습니다.^[224] 이 교류는 아티스트들이 래그타임과 풀시넬라의 협업 공간에 어떻게 접근할 것인지를 확립하는 데 필수적이었습니다.^[225][226]

레거시

스트라빈스키는 20세기 최고의 작곡가 중 한 명으로 널리 알려져 있습니다.^{[156][219][227][228][229]} 1998년 타임지는 그를 세기의 가장 영향력 있는 100인 중 한 명으로 선정했습니다.^[230] 스트라빈스키는 작곡뿐만 아니라 피아니스트와 지휘자로서도 명성을 얻었습니다. 필립 글래스는 1998년에 "그는 자신의 모든 음악적 의도를 완전히 전달하는 에너지와 생생함으로 지휘했습니다. 여기에 자신의 진화가 멈추지 않았던 음악 혁명가 스트라빈스키가 있었습니다. 작품에 감동받지 않고 때로는 변신한, 당대를 살아있거나 오늘날 살아있는 작곡가는 없습니다."^[227][230]

스트라빈스키는 그의 경력 동안 특히 그의 후기 작품과 관련하여 많은 반대자들이 있었습니다.^[231][232] 1935년, 미국 작곡가 마크 블리츠스타인은 스트라빈스키를 자코포 페리와 C. P. E. 바흐에 비유하며, "스트라빈스키의 위대함은 부인할 수 없습니다. 단지 그가 충분히 훌륭하지 않다는 것뿐입니다."^[233] 1934년 작곡가 콘스탄트 람베르는 L'Histoire du soldat와 같은 작품들을 "본질적으로 냉혈한 추상화... Histoire du soldat에 있는 멜로디 조각들은 그 자체로 전혀 의미가 없다"고 묘사했습니다. 그것들은 단지 3개, 5개, 7개의 그룹으로 편리하게 나누어 다른 수학 그룹에 대항할 수 있는 일련의 음들일 뿐입니다."^[234][235] 반대로, 에릭 사티는 예술가의 "위대한"을 다른 예술가들과 비교함으로써 측정하는 것은 환상적이며, 모든 음악은 다른 작곡가들의 기준과 비교하는 것이 아니라 자신의 장점으로 판단되어야 한다고 주장했습니다.^[236]

러시아와 소련에서 스트라빈스키의 명성은 다양했습니다. 1933년경부터 흐루쇼프가 소련을 공식 방문하기 위해 그를 초청한 해인 1962년까지 그의 음악 공연은 금지되었습니다. 1972년 소련 문화부 장관 예카테리나 푸르트세바의 공식 선언은 소련 음악가들에게 스트라빈스키의 음악을 "연구하고 존경하라"고 명령했고, 그녀는 그것에 대한 적대감을 잠재적인 범죄로 만들었습니다.^[237][238]

화이트는 작곡가의 첫 세 곡의 발레에 대한 관심이 그의 후기 작품의 중요성을 훼손했고, 레스노체, 시편의 교향곡, 페르세포네와 같은 작품들은 "그의 발명의 중요성을 나타내며 20세기 음악 재정에 대한 가장 소중한 기여 중 하나를 형성한다"고 썼습니다.^[239] 지휘자 마이클 틸슨 토마스(Michael Tilson Thomas)는 2013년 NPR 인터뷰에서 "(스트라빈스키는) 말, 지리, 일상에서 마주치는 것들에 대해 끝없는 호기심을 가지고 있었습니다. 그는 결코 가만히 있지 않을 것이었고, 항상 앞으로 나아갈 것이었습니다."^[240] 인터루드를 위한 스트라빈스키의 프로필은 스트라빈스키의 방대한 스타일에 대해 "그의 작품들이 세기가 제공했던 거의 모든 중요한 경향과 경향을 다루고 있기 때문에 그는 아마도 전체 세기의 얼굴을 대표했을 것입니다."^[228]라고 말합니다.

스트라빈스키는 특히 "봄의례"에서 리듬을 독특하게 사용한 것으로 유명합니다.^[241] 글래스에 따르면, "리듬을 막대 선 사이로 밀어 넣는 아이디어... 앞장서... 음악의 리듬적 구조는 훨씬 더 유동적이고 어떤 방식으로든 즉흥적으로 변하게 됩니다."^[242] Glass는 Stravinsky의 "원시적이고 비박자 리듬 드라이브"에 주목했습니다.^[227] 앤드류 J. 브라운(Andrew J. Browne)은 "스트라빈스키(Stravinsky )는 아마도 리듬 그 자체를 예술의 품격으로 끌어올린 유일한 작곡가일 것입니다."^[243]라고 썼습니다. 그의 경력 동안, 스트라빈스키는 솔로 클라리넷 (1918) 또는 솔로 비올라 (1944)를 위한 엘레지 (1944)와 같은 작품들의 단일 악기들부터 봄의 의례 (1913)의 거대한 오케스트라에 이르기까지, 다양한 오케스트라, 기악, 그리고 성악의 힘을 요구했습니다. 코플란드는 "20세기 최고의 관현악적 업적"이라고 평가했습니다.^[244]

스트라빈스키는 많은 작곡가들과 음악가들에게 영향을 미쳤습니다.^[245] 조지 벤자민(George Benjamin)은 가디언지(The Guardian )에서 "바레즈(Varèse)에서 불레즈(Boulez), 바르토크(Bartók)에서 리게티(Ligeti)에 이르기까지 1913년 이래로 작곡가들은 [봄의례]가 설정한 도전에 직면하는 것에 대해 충동을 느껴왔습니다."^[1]라고 썼고, 월시(Walsh)는 "거의 모든 설득의 젊은 작곡가들을 위해, 그의 작품은 계속해서 영감과 방법의 원천을 제공해 왔습니다."^[246] 스트라빈스키의 리듬과 생명력은 스트라빈스키가 트레니와 함께 작업했던 아론 코플란드와 피에르 불레즈에게 큰 영향을 미쳤습니다.^{[247][248][245]} 스트라빈스키의 민속학과 모더니즘의 결합은 벨라 바르토크의 작품과 스타일에도 영향을 미쳤습니다.^[249] 스트라빈스키는 또한 엘리엇 카터, 해리슨 버트위슬, 존 테이버너와 같은 작곡가들에게 영향을 미쳤습니다.^[245] 그의 학생들 중에는 로버트 크래프트, 로버트 스트라스버그, 워렌 제본이 포함되어 있습니다.^[250][251]

아너즈

스트라빈스키는 1954년 왕립 필하모닉 협회의 금상,^[252] 1959년 레오니 소닝 음악상,^[253] 1963년 위후리 시벨리우스 상을 받았습니다.^[254] 1966년 7월 25일, 그는 포르투갈의 성 야고보 훈장을 받았습니다.^[255] 1977년 봄의례에 나오는 "희생의 춤"이 보이저 골든 레코드에 전 세계의 많은 트랙 중에 포함되었습니다.^[256] 1982년, 이 작곡가는 위대한 미국 우표 시리즈의 일환으로 미국 우정국에 의해 2개의 ¢ 우표에 실렸습니다. 그는 1960년^[258] 할리우드 명예의 거리에 별을 받았고 2004년 국립 무용 박물관과 명예의 전당에 사후에 헌액되었습니다.^[259]

클로드 드뷔시의 '앙블랑 느와르', 모리스 라벨의 '트루아 포엠 드 말라르메',^[260] 플로렌 슈미트의 '살로메' 개정판 등 스트라빈스키에게 헌정된 주요 작품들이 다수 있습니다.^[261] 이 작곡가는 다섯 번의 그래미상과 11번의 총 후보 지명을 받았습니다.^[262] 1993년, 1999년, 2000년 그래미 명예의 전당에 3개의 기록이 헌액되었고, 1987년 그래미 평생공로상을 사후 수상했습니다.^{[263][264][265]}

녹음

스트라빈스키는 녹음이 그의 음악 해석에 대한 그의 생각을 보존하는데 실용적이고 유용한 도구임을 발견했습니다. 자신의 음악을 지휘하는 지휘자로서, 그는 1928년 불새의 오리지널 모음곡 연주로 시작하여 1967년 같은 발레의 1945 모음곡으로 마무리되는 컬럼비아 레코드를 위해 주로 녹음했습니다.^[265] 1940년대 후반에 그는 로스앤젤레스에 있는 리퍼블릭 스튜디오에서 RCA 빅터를 위해 여러 녹음을 했습니다.^[266] 비록 그의 녹음 대부분이 스튜디오 음악가들과 함께 만들어졌지만, 그는 또한 시카고 심포니 오케스트라, 클리블랜드 오케스트라, CBC 심포니 오케스트라, 뉴욕 필하모닉 오케스트라, 로열 필하모닉 오케스트라, 바이에른 라디오 심포니 오케스트라와 함께 일했습니다.^[266]

스트라빈스키는 생전에 1962년 CBS 텔레비전에서 The Flood의 세계 초연을 포함하여 여러 방송에 출연했습니다. 비록 그가 출연했지만, 실제 공연은 Craft가 진행했습니다.^[267] 1966년 캐나다 국립 영화 위원회에서 수상한 로만 크로토르와 볼프 코에니그 감독의 다큐멘터리 스트라빈스키를 포함하여 수많은 작곡가의 영화와 비디오가 보존되어 왔습니다. 그는 시편의 교향곡 녹음에서 CBC 교향악단을 지휘합니다.^[268]

글

스트라빈스키는 그의 경력 동안 거의 항상 (때로는 신뢰할 수 없는) 협력자의 도움으로 많은 책을 출판했습니다. 1936년 발터 누벨의 도움으로 쓰여진 그의 자서전인 《내 생애 연대기》에서 스트라빈스키는 "음악은 본질적으로 어떤 것도 표현하기에 본질적으로 힘이 없다"는 그의 잘 알려진 진술을 포함했습니다.^[269] 알렉시스 롤랑-마누엘, 피에르 수브친스키와 함께 그는 1939-40년 하버드 대학교 찰스 엘리엇 노튼 강의를 썼고, 이 강의는 프랑스어로 전달되어 1942년에 푸에티크 뮤지컬이라는 제목으로 처음 수집되었고, 1947년에 음악 시학으로 번역되었습니다.^[e] 1959년, 작곡가와 공예가의 여러 인터뷰가 이고르 스트라빈스키와의 대화로 출판되었고,^[270] 이후 10년 동안 5권이 더 출판되었습니다. 스트라빈스키의 글과 인터뷰 모음집이 Confidence surla musique라는 제목으로 나타납니다.^[271]

책과 기사는 에릭 월터 화이트의 스트라빈스키의 부록 E에서 선택됩니다. 작곡가와 그의 작품들 그리고 옥스포드 뮤직 온라인에서 Stravinsky의 프로필.^[272][273]

책들

• Stravinsky, Igor (1936). Chronicle of My Life. London: Gollancz. OCLC 1354065. 프랑스어로 '크로니크 드 마비'(Chroniques de maie)로 출간된 2권. (파리: 드노 ë렛 스틸(Deno Nicollet Steel, 1935)은 이후에 (익명으로) 내 생애 연대기로 번역되었습니다. 이 판본은 에릭 월터 화이트(London: Calder and Boyars, 1975)의 서문과 함께 Igor Stravinsky – An Autobiography (Igor Stravinsky – An Autobiography)로 재인쇄되었습니다. ISBN978-0-7145-1063-7, 0-7145-1082-3. 자서전으로 재인쇄 (1903–1934) (런던: Boyars, 1990) ISBN978-0-7145-1063-7, 0-7145-1082-3. Igor Stravinsky – An Autobiography (뉴욕: M. & J. Steuer, 1958), 그리고 An Autobiography. (New York: W. W. Norton, 1962). ISBN 978-0-393-00161-7. OCLC 311867794.
• — (1947). Poetics of Music in the Form of Six Lessons: The Charles Eliot Norton Lectures for 1939–1940. Cambridge, Massachusetts: Harvard University Press. ISBN 9780674678569. OCLC 155726113.
• —; Craft, Robert (1959). Conversations with Igor Stravinsky. Garden City, New York: Doubleday. OCLC 896750. 버클리 재인쇄: 캘리포니아 대학교 출판부, 1980. ISBN 978-0-520-04040-3.
• —; — (1960). Memories and Commentaries. Garden City, New York: Doubleday. ISBN 9780520044029. 1981년, 버클리와 로스앤젤레스 재인쇄: 캘리포니아 대학 출판부. ISBN 978-0-520-04402-9 2002년 재인쇄된 "One-Volume Edition"은 1960년 원본, 런던과 다릅니다. 파버와 파버. ISBN 978-0-571-21242-2.
• —; — (1962). Expositions and Developments. London: Faber and Faber. ISBN 9780520044036. 재인쇄, 버클리 및 로스앤젤레스: 캘리포니아 대학교 출판부, 1981.
• —; — (1963). Dialogues and a Diary. Garden City, New York: Doubleday. OCLC 896750. 1968년 재인쇄된 대화편은 1963년 런던 원작과 다릅니다. 파버와 파버. ISBN 0-571-10043-0.
• —; — (1966). Themes and Episodes. New York: A. A. Knopf.
• —; — (1969). Retrospectives and Conclusions. New York: A. A. Knopf.
• —; — (1972). Themes and Conclusions. London: Faber and Faber. 1971년 이고르 스트라빈스키가 개정한 주제와 에피소드(1966)와 회고와 결론(1969)의 한 권짜리 판. ISBN 978-0-571-08308-4.

기사들

• Stravinsky, Igor (29 May 1913). Canudo, Ricciotto (ed.). "Ce que j'ai voulu exprimer dans "Le sacre du printemps"" [What I Wanted to Express in The Rite of Spring]. Montjoie! (in French). No. 2. DICTECO에서
• —— (15 May 1921). "Les Espagnols aux Ballets Russes" [The Spaniards at the Ballets Russes]. Comœdia (in French). DICTECO에서
• —— (18 October 1921). "The Genius of Tchaikovsky". The Times (Open Letter to Letter to Diaghilev). London.
• —— (18 May 1922). "Une lettre de Stravinsky sur Tchaikovsky" [A Letter from Stravinsky on Tchaikovsky]. Le Figaro (in French). DICTECO에서
• —— (1924). "Some Ideas about my Octuor". The Arts. Brooklyn. SRIBD에서.
• —— (1927). "Avertissement... a Warning". The Dominant. London.
• —— (29 April 1934). "Igor Strawinsky nous parle de 'Perséphone'" [Igor Stravinsky tells us about Persephone]. Excelsior [fr] (in French). DICTECO에서
• —— (15 December 1935). "Quelques confidences sur la musique" [Some secrets about music]. Conferencia (in French). Paris. DICTECO에서
• ——; Nouvel, Walter (1935–1936). Chroniques de ma vie (in French). Paris: Denoël & Steele. OCLC 250259515. 1936년 영어로 번역된 자서전.
• —— (28 January 1936). "Ma candidature à l'Institut" [My application to the Institute]. Jour (in French). Paris.
• —— (1940). Pushkin: Poetry and Music. New York. OCLC 1175989080.{{cite book}}: CS1 maint: 위치 누락 게시자(링크)
• ——; Nouvel, Walter (1953). "The Diaghilev I Knew". The Atlantic Monthly. pp. 33–36.

참고문헌

메모들

인용

원천

더보기

외부 링크

보관 위치:
위치 미국 의회도서관 음악과 식별자 166J, Ms 10344 원천 이고르 스트라빈스키 / 로버트 크래프트 컬렉션, 1912-1966
보관자료 사용방법

• IMSLP(International Music Score Library Project)에서 Igor Stravinsky의 무료 악보
• 스트라빈스키 재단 웹사이트
• "Discovering Stravinsky". BBC Radio 3.
• Internet Archive의 Igor Stravinsky 또는 그에 관한 작업
• 디스코그스의 이고르 스트라빈스키 디스코그라피