유럽의 예술

Art of Europe
아펠레스 그림 캄파스페, 예술에 둘러싸인 사람들을 보여주는 예술작품; 빌렘 반 해흐트; c. 1630; 판넬에 기름; 높이: 104.9cm, 폭: 148.7cm; 마우리츠후이스 (네덜란드 헤이그)
회화의 예술; 요하네스 베르메어; 1666–1668; 캔버스의 유화; 1.3×1.1m; 쿤스트히스토리시스 박물관(오스트리아 빈)
미술사
기간
지역
중동의 예술

아시아의 예술

유럽의 예술

아프리카의 예술

아메리카의 예술

호주의 예술

오세아니아 예술
종교
기술
종류들
유럽 미술사

유럽의 예술, 즉 서양 예술은 유럽의 시각 예술 역사를 포괄한다.유럽의 선사 미술은 이동성 구석기시대 암각화와 암각화로 시작돼 구석기와 철기시대 사이의 [1]특징이었다.유럽 미술의 기록된 역사는 종종 기원전 3천년기로 거슬러 올라가는 고대 이스라엘과 고대 에게 문명의 예술로 시작된다.이러한 중요한 문화와 병행하여, 조각품, 장식된 유물, 거대한 입석 등의 흔적을 남기고, 사람들이 있는 모든 유럽 전역에 이런 저런 형태의 예술이 존재했다.그러나 유럽 내에서 일관된 예술적 발전 패턴은 고대 그리스의 예술로만 분명해지고, 로마는 유럽, 북아프리카, 그리고 [2]서아시아의 많은 지역을 가로질러 로마 제국에 의해 채택되고 변형되어 옮겨집니다.

고전 시기의 미술의 영향력과 위축돼 다음 2천년 내내, 먼 기억 속에 중세의 기간의 곳 곳에 르네상스에서, 몇가지 초기의 미술 역사가들"붕괴"로 바로크 period,[3]동안 Neo-Classi에 고상한 형태에 다시 나타나기가 보는 기간 고통 받는 부활을 꿈꾸는 미끄러지는 것처럼 보일 것이다.cis포스트모더니즘으로 [5]다시 태어나는 것[4].

1800년대 이전에, 기독교 교회는 유럽 예술, 교회의 위탁, 건축, 화가, 조각에 큰 영향을 미쳤고, 예술가들에게 주요한 작업 원천을 제공했습니다.교회의 역사는 이 시기 미술사에 매우 많이 반영되었다.같은 시기에 영웅과 여주인공, 신화적인 신과 여신 이야기, 큰 전쟁, 그리고 [6]종교와 관련이 없는 기괴한 생물에 대한 새로운 관심이 있었다.지난 200년 동안 대부분의 예술은 종교와 관계 없이 종종 특별한 이데올로기가 전혀 없이 만들어졌지만, 예술은 후원자나 예술가의 관심을 반영하든 정치적 이슈에 의해 종종 영향을 받아왔다.

유럽 예술은 여러 가지 양식 시기로 배열되어 있는데, 역사적으로, 다른 지역에서 다른 스타일이 번성하면서 서로 겹친다.대체로 고전, 비잔틴, 중세, 고딕, 르네상스, 바로크, 로코코, 신고전주의, 근대, 포스트모던,[6] 그리고 신유럽화이다.

선사시대 미술

주요 기사:선사시대 미술 » 유럽

유럽의 선사 예술은 유럽 문화 [7]유산의 중요한 부분이다.선사시대 미술사는 보통 4개의 주요 시기로 나뉜다.석기시대, 신석기시대, 청동기시대, 철기시대.이 시기에 남아있는 유물들은 대부분 작은 조각품이나 동굴 벽화들이다.

빌렌도르프의 비너스; 기원전 26,000년경(그라베티아 시대), 오크레 색칠을 한 석회석; 자연히스토리시스 박물관(오스트리아 빈)

남아 있는 많은 선사시대 예술은 작은 휴대용 조각들로, 중앙 [8]유럽 전역에서 발견된 빌렌도르프의 비너스 (기원전 24,000-22,000년)와 같은 작은 무리의 여성 금성 조각상들; 약 기원전 30,000년의 뢰웬멘쉬 조각상은 그것과 관련될 만한 조각이 거의 없다.기원전 약 11,000년의 수영 순록은 후기 구석기 시대의 예술에서 동물의 뼈나 뿔에 새겨진 수많은 막달레니아 조각들 중 가장 훌륭한 조각들 중 하나이지만,[9] 조각으로 분류되는 조각들은 수적으로 우세하다.유럽의 중석기 시대의 시작과 함께, 상징 조각은 크게 [10]줄어들었고, 유럽 철기 시대의 군데스트럽 가마솥과 청동기 시대의 태양 [11]전차와 같은 일부 작품에도 불구하고, 로마 시대까지 실용적인 물건의 부조 장식보다 덜 흔한 예술 요소로 남아있었다.

가장 오래된 유럽의 동굴 예술은 40,800년 전으로 [12]거슬러 올라가며 스페인의 엘 카스티요 동굴에서 발견될 수 있다.다른 동굴 그림 사이트 라스코 동굴, 알타미라 동굴, 동굴 드 퀴사크, Pech Merle, 동굴 니오의 Chauvet동굴, 퐁 드 곰, 크레스웰 Crags, 노팅엄셔 주, 영국,(동굴 에칭 bas-reliefs 2003년에 발견되), 루마니아(중앙 유럽에서 가장 오래된 동굴 벽화)[13]에서 Coliboaia 긴 동굴이며 Magura,[1]Belogradchik, Bulg을 포함한다.aria.[14]암각화 또한 절벽 표면에서 행해졌지만, 침식 때문에 살아남은 것은 거의 없다.한 가지 잘 알려진 예는 핀란드 사이마 지역에 있는 아스투반살미의 암벽화이다.마르셀리노 산즈 드 사우투올라가 1879년 스페인 칸타브리아에 있는 알타미라 동굴의 막달레니아 그림을 처음 접했을 때, 그 시대의 학자들은 그것들을 가짜로 여겼다.최근의 재발견과 수많은 추가 발견은 그 진위를 증명하는 동시에 후기 구석기 민족의 예술성에 대한 관심을 자극하고 있다.가장 기초적인 도구만으로 그려진 동굴 벽화는 또한 그 시대의 문화와 믿음에 대한 귀중한 통찰력을 제공할 수 있다.

이베리아 지중해 유역의 바위 예술은 매우 다른 스타일을 나타내며, 전투, 춤, 사냥뿐만 아니라 옷과 같은 다른 활동과 디테일이 모두 표현되며, 종종 대규모 집단에서 볼 수 있는 인간의 모습을 주요 특징으로 한다.인물들은 일반적으로 개별 인물보다 인간과 동물의 관계를 더 신중하게 묘사하면서, 얇은 페인트로 다소 스케치적으로 묘사된다.그림이라기보다 조각된 암각화가 많은 다른 그룹들도 비슷한 특징을 보인다.이베리아의 사례는 아마도 구석기 시대, 중석기 시대, 신석기 시대 초기에 걸쳐 있는 것으로 추정된다.

선사 시대의 켈트 예술은 철기 시대의 유럽에서 유래했고, 주로 복잡하고 우아하며 대부분 추상적인 디자인으로 교묘하게 장식된 고급 금속 세공의 형태로 남아 있으며, 종종 곡선과 나선형을 사용한다.인간의 머리와 일부 완전히 표현된 동물들이 있지만, 모든 크기의 전신 인형은 매우 드물기 때문에 그들의 부재는 종교적 금기를 의미할 수도 있다.로마인들이 켈트족의 영토를 정복하면서, 그것은 거의 사라졌지만, 그 양식은 영국 제도에서 제한적으로 계속 사용되었고 기독교의 도래와 함께 중세 초기의 섬나라 스타일로 되살아났다.

고대

미노아

주요 기사:미노아 미술

크레타의 미노스 문명은 유럽에서 [15]가장 오래된 문명으로 여겨진다.미노아 미술은 상상력이 풍부한 이미지와 뛰어난 솜씨로 특징지어진다.싱클레어 후드는 "최고의 미노아 미술의 본질, 고도의 관습을 따르지만 움직임과 삶의 분위기를 만들어내는 능력"[16]이라고 묘사했다.그것은 에게 미술의 광범위한 그룹의 일부를 형성하고 있으며, 후기에 키클라디아 미술에 지배적인 영향을 끼치게 되었다.나무와 직물이 부패했기 때문에 미노아 미술의 가장 남아 있는 예는 도자기, 복잡하게 조각된 미노아 도장, 풍경을 포함한 .palace 프레스코, 다양한 재료의 작은 조각품, 보석, 금속 세공품 등이다.

미노아 미술과 다른 현대 문화 및 이후 고대 그리스 미술의 관계는 많이 논의되어 왔다.크레타가 미케네인들에게 점령된 이후에도, 그것은 분명히 같은 [17]시기의 미케네 미술과 키클라디아 미술을 지배했지만, 미케네 [18]그리스가 멸망한 후 그리스 암흑 시대에는 전통의 일부 측면만 살아남았다.

미노아 미술은 다양한 주제를 가지고 있으며, 그 대부분은 다른 매체에 등장하지만, 단지 일부 스타일의 도자기만이 비유적인 장면을 포함하고 있다.황소 도약은 그림이나 여러 종류의 조각에 나타나며 종교적인 의미를 지닌 것으로 생각된다; 황소 머리는 테라코타와 다른 조각 재료에서도 인기 있는 주제이다.개인의 초상화로 보이거나 명백히 왕실의 초상화는 없으며, 종교 인물의 신원은 종종 [19]잠정적이며 학자들은 그들이 신인지 성직자인지 [20]신자인지 불확실하다.마찬가지로, 페인트칠된 방이 "신사"인지 세속적인지는 명확하지 않다; 아크로티리의 한 방은 침실, 침대, 또는 [21]신사가 있는 방이라고 주장되어 왔다.

특이한 종류의 해양동물을 포함한 동물들이 종종 묘사된다; "Marine Style"은 MM III와 LM IA가 그린 궁궐 도자기의 한 종류로, 선박 전체에 퍼진 문어를 포함한 바다 생물들을 그리고 아마도 비슷한 프레스코화 [22]장면에서 유래했을 것이다; 때때로 이것들은 다른 미디어에 나타난다.사냥과 전쟁, 말과 기수들의 장면은 크레타섬의 크레타섬의 크레타섬의 미케네 시장을 위해 크레타섬 사람들이 만든 작품에서 주로 발견된다.

미노아 인물은 사람이든 동물이든 생명과 움직임의 감각이 뛰어나지만, 종종 매우 정확하지 않고, 때로는 그 종을 식별하는 것이 불가능하다; 고대 이집트 예술과 비교하면 그것들은 종종 더 생생하지만 덜 자연스럽다.[23]다른 고대 문화의 예술과 비교하면, 미노아에는 여신만 있고 신이 없다는 생각은 현재 경시되고 있지만, 여성상들의 비율이 높다.대부분의 인간 형상은 옆모습이거나 이집트 관습의 한 형태이며 머리와 다리, 그리고 몸통이 정면으로 보인다. 그러나 미노아 형상은 날씬한 남성 허리와 큰 여성 [24]가슴과 같은 특징을 과장한다.

  • Kamares ware beaked jug; 1850-1675 BC; ceramic; height: 27 cm; from Phaistos (Crete, Greece); Heraklion Archaeological Museum (Greece)

    가마레스의 부리 항아리; 기원전 1850-1675; 도자기; 높이: 27cm; 파이스토스(그리스, 콘크리트)산;헤라클리오 고고학 박물관 (그리스)

  • The Malia Pendant; 1800-1700 BC; gold; height: 4.6 cm, width: 4.9 cm; Heraklion Archaeological Museum

    말리아 펜던트; 기원전 1800년-1700년; 금; 높이: 4.6cm, 폭: 4.9cm; 헤라클리오 고고학 박물관

  • The fresco named the Bull-Leaping Fresco; 1675-1460 BC; lime plaster; height: 0.8 m, width: 1 m; from the palace at Knossos (Crete); Heraklion Archaeological Museum

    프레스코는 황소 도약 프레스코라고 이름 붙였습니다; 기원전 1675년-1460년; 석회 회반죽; 높이: 0.8m, 폭: 1m; 크노소스 궁전에서 (크리트;헤라클리오 고고학 박물관

  • "Snake Goddess" figurine; 1460-1410 BC (from the Minoan Neo-palatial Period); faience; height: 29.5 cm; from the Temple Repository at Knossos; Heraklion Archaeological Museum

    '뱀의 여신' 조각상; 기원전 1460년-1410년(미노아 신궁시대); 경험; 높이: 29.5cm; 크노소스의 사원 저장고;헤라클리오 고고학 박물관

고대 그리스어와 헬레니즘

주요 기사:고대 그리스 미술

고대 그리스에는 위대한 화가, 위대한 조각가, 위대한 건축가가 있었다.파르테논 신전은 현대까지 지속된 그들 건축의 한 예이다.그리스 대리석 조각은 종종 고전 미술의 가장 높은 형태로 묘사된다.고대 그리스의 도자기와 도자기에 그려진 그림은 고대 그리스의 사회가 기능하는 방식에 대한 특별한 정보를 준다.검은 형상의 꽃병 그림과 붉은 형상의 꽃병 그림은 그리스 그림이 무엇이었는지를 보여주는 현존하는 많은 사례들을 보여준다.목판에 그려진 유명한 그리스 화가로는 아펠레스, 제우시스, 파라시우스 등이 있지만 고대 그리스 판화의 예는 남아 있지 않고 동시대 혹은 후기 로마인들이 묘사하고 있을 뿐이다.Zeuxis는 기원전 5-6년에 살았고 sfumato를 사용한 최초의 사람으로 알려져 있다.대 플리니에 따르면, 그의 그림의 사실성은 새들이 채색된 포도를 먹으려고 할 정도로 사실적이었다고 한다.아펠레스는 그림, 선명한 색채, 모델링의 완벽한 기술로 고대 최고의 화가로 묘사된다.

로마인

주요 기사: 로마 미술

로마 미술은 그리스의 영향을 받아 고대 그리스 회화와 조각의 후예로 받아들여질 수 있지만, 이탈리아의 에트루리아 미술의 영향을 강하게 받았다.로마 조각은 주로 상류 사회의 신들에 대한 묘사뿐만 아니라 초상화에서 파생된 초상화이다.하지만, 로마 그림은 중요한 독특한 특징을 가지고 있다.남아 있는 로마 그림들 중에는 특히 폼페이와 헤르쿨라네움 등 이탈리아 남부 캄파니아의 별장에서 온 벽화가 많다.이러한 그림은 4개의 주요 "스타일" 또는[26] 시기로 분류될 수 있으며, 트롬페일, 의사 원근법, 순수한 [27]풍경화의 첫 번째 예를 포함할 수 있다.

현재 남아있는 고대 회화 초상화들은 대부분 알-파염 후기 고미술 묘지에서 발견된 흉상 형태의 관 초상화들이다.그것들은 가장 훌륭한 고대 작품이 가지고 있었을 품질에 대한 아이디어를 준다.후기 앤티크 그림책의 아주 적은 수의 미니어처도 남아 있고, 중세 초기부터의 많은 복사본도 남아 있다.초기 기독교 미술은 로마의 대중적인 미술에서 발전했고, 나중에는 제국주의 미술에서 발전했으며 이러한 원천에서 도상학을 채택했다.

중세

주요 기사:중세 미술

중세 시대부터 살아남은 대부분의 예술품들은 주로 종교적이고, 종종 교회, 주교와 같은 강력한 교회 개인, 수도원장과 같은 공동체 집단, 또는 부유한 세속적인 후원자들에 의해 자금 지원을 받았다.많은 사람들은 특정한 예배 기능을 가지고 있었다. 예를 들어, 십자가와 제단 조각들.

중세 미술에 대한 중요한 질문 중 하나는 사실주의 결여에 관한 것이다.로마의 몰락과 함께 예술에 대한 원근법과 인간 형상에 대한 이해에 대한 많은 지식이 없어졌다.그러나 사실주의는 중세 예술가들의 주된 관심사는 아니었다.그들은 단지 종교적 메시지를 전달하려고 했을 뿐인데, 그것은 정확하게 표현된 이미지 대신 명확한 상징적 이미지를 요구하는 작업이었다.

기간: 6세기~15세기

중세 초기 미술

이주기 예술은 과거 로마 영토로 이주한 "바리안" 민족들의 예술을 총칭한다.7세기와 8세기의 켈트 예술은 앵글로색슨족과의 접촉을 통해 게르만 전통과 융합하여 하이버노 색슨 양식 또는 섬나라 예술이라고 불리는 것을 만들어 냈는데, 이것은 중세 나머지 세기에 큰 영향을 끼쳤다.메로빙거 미술은 약 800년 전 카롤링거 미술이 자의식적인 고전적 부흥과 결합되어 오톤 예술로 발전한 프랑크인들의 예술을 묘사한다.앵글로색슨 미술은 섬나라 시대 이후의 영국 미술이다.조명이 켜진 필사본은 그 시대의 거의 모든 그림을 담고 있지만, 건축, 금속 세공, 나무나 상아로 조각된 작은 작품 또한 중요한 매체였다.

비잔틴어

주요 기사: 비잔틴 아트

비잔틴 미술은 우리가 초기 기독교 미술이라고 부르는 것과 겹치거나 합쳐져 730-843년의 아이콘클라스미즘 기간까지 존재하며, 그 시기에는 인물과 함께 한 예술작품의 대부분이 파괴되었다; 오늘날에는 어떤 발견도 새로운 이해를 불러일으킬 정도로 거의 남아 있지 않다.843년 이후부터 1453년까지 비잔틴 미술의 분명한 전통이 있다.그것은 종종 재료의 질과 제작의 면에서 중세의 가장 훌륭한 예술이며, 생산은 콘스탄티노플에 집중되어 있다.비잔틴 미술의 가장 큰 업적은 돔형 교회 안에 있는 기념비적인 벽화와 모자이크로, 대부분은 자연재해와 교회들의 모스크 전용으로 인해 살아남지 못했다.

로마네스크

주요 기사: 로마네스크 아트

로마네스크 미술은 약 1000년부터 12세기 고딕 미술의 발흥까지의 기간을 말한다.이 시기는 번영의 시기였고, 스칸디나비아에서 시칠리아에 이르는 유럽 전역에서 일관성 있는 스타일이 사용된 최초의 시기였다.로마네스크 미술은 활기차고 직설적이며, 원래 밝은 색이었고, 종종 매우 정교합니다.금속공예의 스테인드 글라스와 에나멜은 중요한 매개체가 되었고, 비록 높은 부조가 주요 기술이었지만 라운드 내의 더 큰 조각들이 발전했다.그 건축물은 두꺼운 벽과 둥근 머리 창문과 아치들로 가득 차 있고 많은 장식이 새겨져 있다.

고딕 양식

주요 기사:고딕 미술

고딕 미술은 공예, 장소, 시간에 따라 변하는 용어이다.이 용어는 1140년에 고딕 건축에서 유래했지만, 고딕 그림은 로마네스크 양식에서 벗어난 1200년 경에 등장하지 않았다.고딕 조각은 1144년 S 수도원 교회의 보수와 함께 프랑스에서 탄생했다.데니스와 유럽 전역으로 퍼져나갔고, 13세기에 이르러서는 로마네스크를 대체하면서 국제적인 스타일이 되었다.국제 고딕은 약 1360년부터 1430년까지의 고딕 예술을 묘사하고 있으며, 그 이후 고딕 예술은 다른 장소에서 다른 시기에 르네상스 예술과 융합된다.이 시기에는 회화, 프레스코, 판넬 등의 형식이 새롭게 중요해지고, 그 말기에는 판화 등의 새로운 매체가 포함된다.

  • Part of the Royal Portal; 1145–1155; limestone; Chartres Cathedral (Chartres, France)

    로열 포탈의 일부; 1145–1155; 석회암; 샤르트르 대성당(프랑스, 샤르트르)

  • North transept windows; circa 1230–1235; stained glass; diameter (rose window): 10.2 m; Chartres Cathedral

    창문;:; 대성당; 1230~1235; 1230; 10.2m;

  • Scenes from the Legend of Saint Vincent of Saragossa; 1245–1247; pot-metal glass, vitreous paint, and lead; overall: 373.4 x 110.5 cm; Metropolitan Museum of Art (New York City)

    사라고사의 성 빈센트의 전설 장면; 1245–1247; 포트 메탈 유리, 유리 페인트, 납; 전체: 373.4 x 110.5cm; 메트로폴리탄 미술관 (뉴욕시)

  • French diptych with the coronation of the Virgin and the Last Judgment; 1260–1270; elephant ivory with metal mounts; overall: 12.7 x 13 x 1.9 cm; Metropolitan Museum of Art

    대관식이 있는 ; 으로 된; ; 1260년–1270년;

  • Enthroned Virgin and child; 1260–1280; elephant ivory with traces of paint and gilding; overall: 18.4 x 7.6 x 7.3 cm; Metropolitan Museum of Art

    에 오른 와 아이; ; 1260–1280; 18:18.

  • Bifolium with the decretals of gratian; circa 1290; tempera and gold on parchment, brown ink, and modern leather binding; overall: 48.3 x 29.2 x 1.3 cm, opened: 47.2 cm; Metropolitan Museum of Art

    그라티안의 10진수를 가진 비폴륨; 1290년경; 양피지, 갈색 잉크, 현대 가죽 장정의 템퍼라와 골드; 전체: 48.3 x 29.2 x 1.3 cm, 개방: 47.2 cm; 메트로폴리탄 미술관

  • German diptych with religious scenes; 1300–1325; silver gilt with translucent and opaque enamels; overall (opened): 6.1 x 8.6 x 0.8 cm; Metropolitan Museum of Art

    장면이 독일 하고 불투명한 은, 6.1x 80.8, 1300-1325, 1300-1325

  • Page of Très Riches Heures du Duc de Berry depictic the funeral of Raymond Diocrès; 1411-1416 and 1485–1486; tempera on vellum; height: 29 cm, width: 21 cm; Condé Museum (Chantilly, France)

    Trés Realths Heures du Duc de Berry 페이지 (1411년-1416년 및 1485년-1486년), 벨룸의 템페라; 높이: 29cm, 폭: 21cm, 콩데 박물관 (프랑스 샹틸리)

  • The Lady and the Unicorn, the title given to a series of six tapestries woven in Flanders, this one being called À Mon Seul Désir; late 15th century; wool and silk; 377 x 473 cm; Musée de Cluny (Paris)

    부인과 유니콘, 플랑드르에서 짜여진 6개의 태피스트리에 주어진 제목으로, 15세기 후반, 양털과 실크; 377 x 473cm; 파리 박물관(파리)

  • Austrian statue of Enthroned Virgin; 1490–1500; limestone with gesso, painted and gilded; 80.3 x 59.1 x 23.5 cm; Metropolitan Museum of Art

    오스트리아의 성모상; 1490년-1500년; 게쏘 석회암, 페인트칠 및 도금; 80.3x59.1x23.5cm; 메트로폴리탄 미술관

  • Entrance in Jerusalem; circa 1500; painting; Museum of Fine Arts of Lyon (Lyon, France)

    예루살렘 입구; 1500년경; 그림; 리옹 미술관(프랑스 리옹)

  • Flamboyant Gothic cross-windows of the Hôtel de Sens (Paris)

    화려한 고딕 양식의 교차창(파리)

르네상스 시대의 중요한 작품인 레오나르도 다빈치의 비트루비아노 (우모 비트루비아노) (1490년경).이 그림은 영감을 받아 기원전 1세기 로마의 건축가이자 작가인 비트루비우스와 그의 "이상적인" 인체 비율에 대한 그의 생각을 따왔다.[28][29]그 그림은 그라에코 로마 문명에 대한 이 운동의 매력과 고전 예술에 대한 활용, 그리고 신체 구조와 [29]자연 사이의 상관관계에 대한 그의 추구를 강조한다.
주요 기사:르네상스 미술

르네상스는 고대 그리스와 로마의 예술에 초점을 맞춘 것이 특징이며, 이것은 회화와 조각의 기술적 측면뿐만 아니라 그들의 주제에도 많은 변화를 가져왔다.그것은 로마의 유산뿐만 아니라 예술가들에게 자금을 대는 물질적인 번영을 많이 가진 이탈리아로부터 시작되었다.르네상스 시대에 화가들은 새로운 원근법을 사용하여 작품의 사실성을 높이기 시작했고, 따라서 입체감을 보다 정확하게 표현했다.예술가들은 또한 티티안의 많은 초상화에서 뚜렷한 색조 대비와 레오나르도 다빈치의 스푸마토와 키아로스쿠로의 발달과 같은 빛과 어둠의 조작에 새로운 기술을 사용하기 시작했다.조각가들 또한 콘트라포스토와 같은 많은 고대 기술을 재발견하기 시작했다.그 시대의 인문주의 정신에 따라, 예술은 기독교 주제와 더불어 고대 신화를 묘사하면서 소재가 더욱 세속화 되었다.이 예술 장르는 종종 르네상스 고전주의로 언급된다.북부에서 가장 중요한 르네상스 시대의 혁신은 유화 물감의 광범위한 사용으로, 색채와 강도를 높였습니다.

13세기 후반과 14세기 초 동안, 이탈리아의 많은 그림들은 성격상, 특히 시에나의 두치오와 플로렌스의 치마부에의 그림인 반면, 로마의 피에트로 카발리니는 더 고딕 양식이었다.13세기 동안, 이탈리아 조각가들은 중세 원형들뿐만 아니라 고대 [30]작품들로부터도 영감을 얻기 시작했다.

1290년, 지오토는 덜 전통적이고 자연을 관찰하는 것에 바탕을 둔 방식으로 그림을 그리기 시작했다.스크로베니 예배당 파두아에서의 그의 유명한 사이클은 르네상스 스타일의 시작으로 여겨진다.

14세기의 다른 화가들은 고딕 양식을 매우 정교하고 세밀하게 표현했다.이 화가들 중 주목할 만한 것은 시몬 마르티니와 젠틸레 다 파브리아노이다.

네덜란드에서, 템페라보다는 유화로 그리는 기술은 금박과 엠보싱에 의존하지 않고 자연계에 대한 세밀한 묘사에 의존하는 정교한 형태로 이어졌다.텍스처를 사실적으로 그리는 예술은 이때 발전했다.얀 반 에이크와 휴고 반 데 고스와 같은 네덜란드 화가들은 후기 고딕과 초기 르네상스 회화에 큰 영향을 끼쳤다.

르네상스 초기

르네상스의 사상 처음으로 이탈리아 피렌체 이 도시 국가에서 드러났다.그 조각가 Donatello이다 contrapposto 그리고 다비드의 지원되지 않는nude—his 두번째 조각 상은 첫번째 독립적으로 서 청동 나신상 유럽에 있는 로마 제국 이후 만들어지는 것들과 같은 고전 과목 같은 고전 기법으로 돌아왔다.그 조각가이자 건축가 브루넬레스키. Filippo. 고대 로마의 건물의 영감의 건축적인 아이디어들을 공부했다.마사초 작문, 개인의 표현이며, 인간의 형태로 페인트 놀라운 우아함, 드라마 그리고 감정의 프레스코 벽화는 특히 Brancacci 예배당에, 등과 같은 완벽한.

이와 같은 주요한 예술가들의 상당한 숫자는 피렌체 대성당의 다른 부분에서 일했다.성당에 브루넬레스키의 돔 하나 주는 고딕풍의 버팀목 이후 처음으로 진정으로 혁명적인 건축 혁신의.Donatello이다 그것의 조각 상들의 많은을 만들었다.지오토와 로렌초 기베르티 또한 이 성당에 기여했다.

  • Pulpit; by Nicola Pisano; 1265–1268; marble; height: 4.6 m; Pisa Baptistery (Italy)[31]

    설교단, 니콜라 피사노에 의해;1265–1268, 대리석, 높이:46m피사의 세례당(이탈리아)[31일].

  • Crucifix; by Cimabue; circa 1285; tempera on panel; 4.29 x 3.83 m; San Domenico (Arezzo, Italy)[32]

    십자 고상, 치마부에 의해;경의 1285년, 패널에 수채, 4.29 x383m 도메니코(아레초, 이탈리아)[32].

  • Crucifix; Giotto; circa 1300; tempera on panel; 5.78 x 4.06 m; Santa Maria Novella (Florence, Italy)[33]

    십자 고상, 지오토;경의 1300, 패널에 수채, 5.78 x4.06 m;산타 마리아 노벨라 역(이탈리아 플로렌스)[33].

  • The Maestà Altarpiece; by Duccio; 1308–1311; tempera on panel; 2.46 x 4.67 m; Museo dell'Opera del Duomo (Siena, Italy)

    그 Maestà 제단화;Duccio에 의해;1308–1311, 패널에 수채, 2.46x6700m박물관 dell'Opera 델 두오모(시에나, 이탈리아).

르네상스 시대

르네상스 시대의 예술가들은 레오나르도 다빈치, 미켈란젤로 부오나로티, 라파엘로 산지오와 같은 인물들을 포함한다.

이탈리아의 15세기 예술적 발전(예를 들어, 원근법 체계, 해부학 묘사, 고전 문화에 대한 관심)은 15세기에는 "초기 르네상스"라고 불렸고 16세기에는 "최고 르네상스"라고 불릴 만큼 16세기에는 "최고 르네상스"라고 불리게 되었다.전성기를 특징짓는 단 하나의 스타일은 없지만, 이 시기와 가장 밀접한 관련이 있는 사람들의 예술-레오나르도 다빈치, 라파엘로, 미켈란젤로, 티티안은 기술적, 미적 양면에서 놀라운 숙달성을 보여준다.르네상스 시대의 예술가들은 후대의 예술가들이 교육을 위해 이 예술품들에 의존할 정도로 권위 있는 작품을 만들었다.이러한 모범적인 예술 작품들은 예술가의 위상을 더욱 높였습니다.예술가들은 신성한 영감을 주장할 수 있었고, 이로 인해 시각 예술은 이전에 시에만 주어졌던 지위로 격상되었다.그래서 화가, 조각가, 건축가가 그들만의 작품을 만들어내면서 미술계에서 높은 위치를 차지하게 되었다.어떤 의미에서는 16세기 거장들이 표현의 권리와 고귀한 인격으로 새로운 직업을 만들었다.

초기 네덜란드 회화는 사실주의로 세세한 부분까지 더 잘 제어할 수 있도록 유화 기법을 개발했습니다. 얀 반 에이크(1366–1441)는 조명 원고에서 판넬 그림으로 옮겨간 인물입니다.

네덜란드 화가인 히에로니무스 보쉬 (1450?–1516)는 북부 르네상스의 또 다른 중요한 인물이다.그의 그림에서, 그는 종교적인 주제를 사용했지만, 그것들을 기괴한 환상, 화려한 이미지, 그리고 농부들의 전설과 결합했다.그의 그림은 종종 중세 말기와 관련된 혼란과 고뇌를 반영한다.

알브레히트 뒤러는 15세기 말 이탈리아 르네상스 양식을 독일에 소개하며 독일 르네상스 미술을 지배했다.

기간:

  • 초반

, 바매, 바매

주요 기사 : 매너리즘, 바로크, 로코코
바로크 미술은 강한 종교적, 정치적 주제로 특징지어졌다; 공통적인 특징은 강한 명암 대조를 가진 풍부한 색채를 포함했다.그림들은 본질적으로 정교하고 감정적이며 극적이었다.카라바조의 기둥에 서 있는 그리스도 이미지 (크리스토 알라 콜론나)
로코코 미술은 가볍고 종종 재미있는 주제로 특징지어졌다; 공통적인 특징으로는 창백하고 크림 같은 색채, 화려한 장식, 목가적인 풍경에 대한 취향이 있었다.그림들은 바로크 시대의 그림들보다 더 화려했고, 대개 우아하고, 장난기 많고, 자연이 경쾌했다.

유럽 예술에서 르네상스 고전주의는 매너리즘과 바로크라는 두 가지 다른 움직임을 낳았다.고전주의의 이상주의적 완성에 대한 반작용인 매너리즘은 그림의 감정적 내용과 화가의 감정을 강조하기 위해 빛과 공간의 틀을 왜곡시켰다.엘 그레코의 작품은 특히 16세기 후반에서 17세기 초반의 매너리즘을 보여주는 분명한 예이다.북부 매너리즘은 발전하는 데 오랜 시간이 걸렸고, 대체로 16세기 후반의 운동이었다.바로크 미술은 아름다움을 추구하는 과정에서 디테일, 움직임, 조명, 드라마를 강조하며 르네상스의 대표성을 새로운 정점으로 끌어올렸다.아마도 가장 잘 알려진 바로크 화가들은 카라바지오, 렘브란트, 피터 폴 루벤스, 그리고 디에고 벨라스케스일 것이다.

종교미술이 거의 없고 역사화가 거의 없던 17세기 네덜란드 황금시대 회화의 북방 현실주의 전통에서 다소 다른 예술이 발전해 정물화, 풍속화, 풍경화 등 세속적인 장르를 발전시키는 데 결정적인 역할을 했다.렘브란트 미술의 바로크적 성질은 분명하지만, 베르메르와 다른 많은 네덜란드 예술가들에게는 덜 사용됩니다.플랑드르 바로크 회화는 전통적인 카테고리를 계속 만들면서 이러한 경향에 한 부분을 공유했다.

바로크 미술은 종종 로마 카톨릭 교회의 영적 삶 부활의 예술적 요소인 반종교의 일부로 보여진다.게다가 바로크 미술이 웅장함에 두었다는 것을 강조하는 것은 본질적으로 절대주의로 여겨진다.종교적, 정치적 주제는 바로크 예술적 맥락 안에서 광범위하게 탐구되었고, 그림과 조각 모두 드라마, 감정 그리고 연극성의 강한 요소로 특징지어졌습니다.유명한 바로크 예술가로는 카라바지오나 루벤스가 [34]있다.아르테미시아 젠틸레스키는 카라바지오의 스타일에 영감을 받은 또 다른 주목할 만한 예술가였다.바로크 미술은 자연에서 특히 화려하고 정교했으며, 종종 어두운 언더톤과 함께 풍부하고 따뜻한 색을 사용했다.루이 14세가 "나는 웅장함의 화신"이라고 말했을 때 알 수 있듯이 웅장함과 웅장함은 일반적으로 바로크 예술 운동의 중요한 요소였다; 많은 바로크 예술가들은 이 목표를 실현하려고 노력한 왕들을 섬겼다.바로크 미술은 많은 면에서 르네상스 미술과 비슷했다; 사실, 이 용어는 처음에는 르네상스 이후의 예술과 지나치게 [34]누그러진 건축을 묘사하기 위해 경멸적인 방식으로 사용되었다.바로크 미술은 후기 르네상스 미술의 보다 정교하고 극적인 재적응으로 볼 수 있다.

그러나 18세기에 이르러서는 바로크 미술이 너무 멜로드라마적이고 우울하다고 여겨지면서 유행에서 멀어지고 프랑스에서 로코코로 발전했다.로코코 미술은 바로크 미술보다 더 정교했지만, 덜 진지하고 [35]더 장난스러웠다.바로크는 풍부하고 강한 색을 사용한 반면, 로코코는 창백하고 크림 같은 색조를 사용했다.예술 운동은 더 이상 정치와 종교에 중점을 두지 않고 로맨스, 축하, 자연에 대한 감상 같은 가벼운 주제에 초점을 맞췄다.로코코 미술은 또한 비대칭적인 디자인을 선호하기 위해 대칭을 거부했기 때문에 바로크 양식과 대조되었다.또한 극동아시아의 예술적 형태와 장식에서 영감을 얻었고,[36] 이로 인해 전반적으로 도자기 조각상과 중국 화가의 인기가 높아졌습니다.18세기 양식은 잠시 동안 번성했지만, 로코코 양식은 의미보다 미학을 강조하는 야하고 피상적인 운동으로 많은 사람들에게 보여지면서 곧 인기를 잃었다.신고전주의는 로코코에 대항하는 운동으로 발전했고, 그 자극은 로코코의 화려한 성질을 향한 혐오감이었다.

매너리즘 (16세기)

주요 기사 : 매너리즘

바로크(17세기 초반에서 18세기 중반)

주요 기사: 바로크

로코코(18세기 초중반)

주요 기사:로코코

신고전주의, 낭만주의, 아카데미즘, 현실주의

주요 기사:신고전주의, 낭만주의, 학술예술, 사실주의(예술)
신고전주의 예술은 다른 고전적 주제에서 영감을 받아 단순성, 질서, 이상주의에 중점을 둔 것이 특징이다.이미지에서 안토니오 카노바의 큐피드의 키스로 부활한 정신 (1787-1793)

18세기 내내, 로코코에 반대하는 반대 운동이 유럽의 여러 지역에서 일어났고, 일반적으로 신고전주의로 알려져 있다.그것은 로코코 미술의 표면성과 경박함을 경멸했고, 고전 고대, 특히 고대 그리스와 로마의 단순함, 질서, '순수주의'로 되돌아가기를 원했다.이 운동은 부분적으로 고전 예술에 강한 영향을 받은 르네상스의 영향도 받았다.신고전주의는 계몽주의로 알려진 지적 운동의 예술적 요소였다; 계몽주의는 이상주의였고, 객관성, 이성 그리고 경험적 진리에 중점을 두었다.신고전주의는 18세기 내내 유럽에 널리 퍼졌고, 특히 영국에서 이 기간 동안 고전주의 건축의 위대한 작품들이 생겨났다; 신고전주의의 매력은 부유한 귀족들이 여행했던 이 10년 동안의 그랜드 투어의 인기에서 볼 수 있다.이탈리아와 그리스의 고대 유적그럼에도 불구하고, 신고전주의의 결정적인 순간은 18세기 후반 프랑스 혁명 중에 왔다; 프랑스에서 로코코 예술은 이전의 운동보다 더 심각한 것으로 보여졌던 선호된 신고전주의 예술로 대체되었다.많은 면에서 신고전주의는 예술적이고 문화적인 [37]운동일 뿐 아니라 정치적 운동으로 보일 수 있다.신고전주의 예술은 질서, 대칭, 고전적인 단순성에 중점을 두고 있다; 신고전주의 예술에서 공통적인 주제는 고대 그리스와 로마 예술에서 흔히 탐구되었던 용기와 전쟁을 포함한다.잉그레스, 카노바, 자크 루이 다비드는 가장 잘 알려진 신고전주의자들 [38]중 하나이다.

외젠 들라크루아, 1830년 인민을 이끄는 자유의 여신, 낭만주의 미술.

매너리즘이 고전주의를 거부했듯이 낭만주의도 계몽주의 사상과 신고전주의자들의 미학을 거부했습니다.낭만주의는 신고전주의의 매우 객관적이고 질서 있는 본질을 거부했고,[39] 예술에 대한 보다 개인적이고 감정적인 접근을 선택했다.낭만주의는 특히 자연계의 힘과 아름다움, 그리고 감정을 묘사하는 것을 목표로 할 때 자연을 강조했고 예술에 대한 매우 개인적인 접근을 추구했다.낭만주의 미술은 신고전주의처럼 일반적인 주제가 아닌 개인의 감정에 관한 것이었다. 그런 식으로 낭만주의 미술은 감정과 [39]감정을 표현하기 위해 종종 색을 사용했다.신고전주의와 유사하게, 낭만주의 예술은 고대 그리스 로마 예술과 신화에서 많은 영감을 얻었지만, 신고전주의와는 달리, 이 영감은 주로 상징과 이미지를 창조하는 방법으로 사용되었다.낭만주의 미술은 또한 신화와 민속뿐만 아니라 중세주의와 고딕주의로부터 많은 미적 자질을 가져간다.가장 위대한 낭만주의 예술가들 중에는 외젠 들라크루아, 프란시스코 고야, J.M.W. 터너, 존 컨스터블, 카스파르 데이비드 프리드리히, 토마스 콜, 그리고 윌리엄 [38]블레이크가 있었다.

대부분의 예술가들은 네오라기주의와 낭만주의 양식의 다른 특징들을 종합하기 위해 채택한 중도적 접근을 시도했다.프랑스 아카데미 내에서 일어난 다양한 시도들은 집합적으로 아카데믹 아트라고 불린다.아돌프 윌리엄 부그로는 이 예술 흐름의 대표적인 예로 여겨진다.

그러나 19세기 초에 유럽의 모습은 산업화에 의해 근본적으로 바뀌었다.가난, 불결함, 절망은 "혁명"에 의해 만들어진 새로운 노동자 계층의 운명이 될 것이었다.사회에서 일어나고 있는 이러한 변화에 대응하여, 현실주의 운동이 나타났다.리얼리즘은 사회를 변화시키려는 희망으로 가난한 사람들의 상황과 고난을 정확하게 묘사하고자 했다.본질적으로 인류에 대해 낙관적인 낭만주의와는 대조적으로, 사실주의는 가난과 절망에 대한 엄연한 비전을 제시했습니다.비슷하게, 낭만주의가 자연을 미화시킨 반면, 사실주의는 도시 황무지의 깊은 곳에서 삶을 묘사했다.낭만주의처럼 사실주의는 예술적 운동일 뿐 아니라 문학적인 운동이었다.위대한 현실주의 화가로는 장 밥티스트 시메옹 샤르댕, 구스타브 쿠르베, 장 프랑수아 밀레, 카밀 코로, 호노레 도미에, 에두아르 마네, 에드가 드가, 토마스 에킨 등이 있다.

산업화에 대한 건축의 반응은 다른 예술과 극명한 대조를 이루며 역사주의로 방향을 틀었다.비록 이 기간 동안 지어진 기차역은 종종 그 정신의 가장 진실한 반영으로 여겨지지만 - 그것들은 때때로 "시대의 성당"이라고 불리기도 한다 - 산업 시대 건축의 주요 움직임은 고딕 부흥과 같은 먼 과거의 양식의 부활이었다.라파엘 이전의 순수함으로 미술을 되돌리려 했던 라파엘 전파와 양산품의 비인격성에 반발하며 중세 장인정신으로 회귀를 주창했던 공예예술운동이 관련 운동이었다.

기간:

현대 미술

주요 기사:인상파, 후기 인상파, 야수파, 입체파, 현대미술, 모더니즘, 후기 모더니즘
인상주의는 1902년 클로드 모네의 국회의사당, 일몰에서와 같이 빛과 움직임을 그림에서 사용하는 것으로 알려져 있다.
Art & Language는 컨셉 아트에 대한 주요 인풋으로 알려져 있습니다.

사실주의의 자연주의 윤리에서 주요한 예술 운동인 인상주의가 생겨났다.인상파 화가들은 인간의 눈에서 본 빛을 포착하려고 시도하면서 회화에 빛을 사용하는 선구자가 되었다.에드거 드가, 에두아르 마네, 클로드 모네, 카밀 피사로, 그리고 피에르 오귀스트 르느와르는 모두 인상파 운동에 참여했다.인상주의의 직접적인 산물로서 후기 인상주의의 발전이 왔다.폴 세잔, 빈센트 반 고흐, 폴 고갱, 조르주 쇠라는 가장 잘 알려진 후기 인상파 화가들이다.

인상파와 후기 인상파에 이어 종종 최초의 "현대" 예술 장르로 여겨지는 야수파가 등장했습니다.인상파 화가들이 빛에 혁명을 일으켰듯이, 야수파 화가들도 그들의 캔버스를 밝고 거친 색조로 그리면서 색을 재고했다.야수파 이후 현대 미술은 객관적인 예술작품을 통해 감정을 불러일으키는 표현주의부터 4차원 현실을 평평한 캔버스에 옮겨 담는 큐비즘에 이르기까지 모든 형태로 발전하기 시작했다.이러한 새로운 예술 형태는 "예술"의 전통적인 개념의 한계를 밀어냈고 인간 사회, 기술, 그리고 사고에서 일어나고 있는 유사한 급격한 변화에 대응했다.

초현실주의는 종종 현대 미술의 한 형태로 분류된다.그러나, 초현실주의자들 스스로는 예술사의 한 시대로서의 초현실주의 연구에 반대하며, 그것이 운동의 복잡성을 지나치게 단순화하고, 초현실주의와 미학의 관계를 잘못 표현하며, 계속되는 초현실주의를 완성된, 역사적으로 엔카라고 거짓으로 특징짓는다.시뮬레이션 시대현대 미술의 다른 형태(현대 미술과 경계를 이루는 일부)는 다음과 같습니다.

기간:

  • 인상주의: 19세기 후반
  • 기타: 20세기 전반

현대 미술과 포스트모던 미술

찰스 톰슨입니다니콜라스 세로타 경은 2000년 Stuckism 인수 결정을 내렸습니다.
주요 기사:현대 미술과 포스트모던 미술

현대 미술은 후에 포스트모던 예술로 정의될 몇 가지 특징들을 예시했다; 사실, 몇몇 현대 미술 운동들은 종종 팝 아트와 같이 현대와 포스트모던 둘 다로 분류될 수 있다.예를 들어, 포스트모던 미술은 아이러니, 패러디, 유머를 전반적으로 강하게 강조한다; 현대 미술은 후에 포스트모던 맥락에서 발전하게 될 예술에 대해 더 아이러니한 접근을 개발하기 시작했다.포스트모던 미술은 하이와 파인 아트 사이의 모호함을 로우엔드와 상업 예술로 본다; 현대 미술은 이 [39]모호함을 실험하기 시작했다.최근의 예술 발전은 재료, 매체, 활동 및 개념 면에서 예술로 간주될 수 있는 것의 현저한 확장에 의해 특징지어지고 있습니다.특히 개념 예술은 광범위한 영향을 끼쳤다.이것은 말 그대로 미술의 상품화를 반박하기 위한 의도 중 하나인 만들어진 물건에 대한 개념의 대체로 시작되었다.그러나, 그것은 보통 물체가 있는 예술작품을 가리키지만, 작품의 주된 주장은 그것을 알려준 사고 과정에 있다.상업주의의 양상이 그 일에 되살아났다.

이전의 움직임이나 아티스트를 참조하는 예술도 증가해, 그 참조로부터 유효성을 얻고 있다.

1960년대 이후 성장한 포스트모더니즘은 모더니즘과 다른데, 포스트모더니즘은 그 이전의 모든 움직임을 기준으로 삼는다.이것은 각각이 다른 것으로 대체되는 것을 볼 수 있기 때문에 아이러니와 가치에 대한 어떤 불신을 동반하는 상대론적 관점을 만들어냈다.이것의 또 다른 결과는 상업주의와 유명인의 성장이다.포스트모던 미술은 '파인 아트'라고 여겨지는 것에 대한 일반적인 규칙과 가이드라인에 의문을 제기하며, 낮은 예술과 미술을 완전히 구별할 [40][41]수 없을 때까지 결합시켰다.포스트모더니즘의 출현 이전에 미술은 상류층이나 교육받은 계층에게 어필하기 위해 의도된 미적 품질, 우아함, 장인정신, 기교, 지적 자극의 형태로 특징지어졌다; 이 높은 예술은 결국 촌스럽고, 촌스럽고, 쉽게 만들어지고, 많은 혹은 어떤 것이 결여된 것으로 보였다.대중의 관심을 끌기 위한 예술인 지적 자극포스트모더니즘은 현대 미술에 [39]키치, 상업주의, 그리고 진영의 강한 요소를 가져오면서 이러한 구별을 흐리게 했다; 포스트모더니즘이 진정으로 하이 또는 파인 아트의 [39]개념을 혁명하기 전에 오늘날 파인 아트로 보여지는 것은 낮은 예술로 여겨졌을지도 모른다.게다가, 현대 미술의 포스트모던적 성격은 예술계에 개인주의를 위한 많은 공간을 남긴다; 예를 들어 포스트모던 예술은 종종 고딕이나 바로크 예술과 같은 과거의 예술 운동으로부터 영감을 얻고, 둘 다 다른 [39]맥락에서 이러한 과거의 시대의 스타일을 나란히 하고 재활용한다.

특히 조안 미로는 "그림의 살인"을 외쳤다. (1930년대 이후의 수많은 인터뷰에서, 미로는 전통적인 그림 방식에 대한 경멸과 좀 더 현대적인 [42]표현 수단을 위해 그들을 "죽이고", "살해하고" 또는 "강제하고" 싶은 욕망을 표현했다.)그림을 비난하거나 대체하려고 시도하거나 미술 운동들 사이에 다다나 개념 예술과 같은 다른 반페인화 경향도 있었다.20세기 후반의 그림에서 멀어지는 경향은 다양한 운동으로 반격되어 왔다. 예를 들어 미니멀 아트, 서정적 추상화, 팝 아트, 오퍼 아트, 뉴 리얼리즘, 포토리얼리즘, 네오 지오, 신표현주의, 신유럽화, 스틱리즘, 과격주의 및 기타 중요하고 영향력 있는 화가의 지속이다.

「 」를 참조해 주세요.

레퍼런스

  1. ^ a b Oosterbeek, Luíz. "European Prehistoric Art". Europeart. Retrieved 4 December 2012.
  2. ^ 이사회맨, 존 에드옥스퍼드 고전미술사, 349-369쪽, 옥스퍼드 대학 출판부, 1993년, ISBN 0198143869
  3. ^ 배니스터 플레처는 그의 매머드 저서 '비교 방법에 관한 건축사'에서 거의 모든 바로크 양식의 건물을 제외했다.출판사들은 결국 이것을 바로잡았다.
  4. ^ Murray, P. 및 Murray, L. (1963년)르네상스의 예술.런던:Thames & Hudson (World of Art), 페이지 9. ISBN 978-0-500-20008-7. "...우리는 1855년에 프랑스 역사학자 Michelet에 의해 역사의 모든 시기를 묘사하기 위한 형용사로서 사용된 '르네상스'라는 단어를 처음으로 발견했으며 라틴 문자의 부활이나 예술에서 고전적 영감을 받은 문체에 국한되지 않았다.
  5. ^ 하우스, S. & Maltby, W. (2001)유럽 사회의 역사 서양문명의 본질 (제2권, 245-246쪽)Belmont, CA: Thomson Learning, Inc.
  6. ^ a b "Art of Europe". Saint Louis Art Museum. Slam. Retrieved 4 December 2012.
  7. ^ Oosterbeek, Luíz. "European Prehistoric Art". Europeart. Retrieved 4 December 2012.
  8. ^ Sandars, 8-16, 29-31
  9. ^ 한, 요아힘, "선사 유럽, II: 구석기 3"Oxford Art Online의 "Portable Art", 2012년 8월 24일 접속; Sandars, 37-40
  10. ^ Sandars, 75-80
  11. ^ Sandars, 253-257, 183-185
  12. ^ Kwong, Matt. "Oldest cave-man art in Europe dates back 40,800 years". CBC News. Retrieved 4 December 2012.
  13. ^ "Romanian Cave May Boast Central Europe's Oldest Cave Art Science/AAAS News". News.sciencemag.org. 21 June 2010. Retrieved 25 August 2013.
  14. ^ Gunther, Michael. "Art of Prehistoric Europe". Retrieved 4 December 2012.
  15. ^ Chaniotis, Angelos. "Ancient Crete". Oxford Bibliographies. Oxford University Press. Retrieved 2 January 2013.
  16. ^ 후드, 56
  17. ^ 후드, 17-18, 23-23
  18. ^ 후드, 240-241
  19. ^ Gates (2004), 33-34, 41
  20. ^ 예: 후드, 53, 55, 58, 110
  21. ^ 차핀, 49-51
  22. ^ 후드, 37-38
  23. ^ 후드, 56, 233-235
  24. ^ 후드, 235-236
  25. ^ Mattinson, Lindsay (2019). Understanding Architecture A Guide To Architectural Styles. Amber Books. p. 21. ISBN 978-1-78274-748-2.
  26. ^ "Roman Painting". Art-and-archaeology.com. Retrieved 25 August 2013.
  27. ^ "Roman Painting". Heilbrunn Timeline of Art History. The Metropolitan Museum of Art. Retrieved 19 October 2013.
  28. ^ "The Vitruvian Man". leonardodavinci.stanford.edu. Retrieved 25 March 2018.
  29. ^ a b "BBC - Science & Nature - Leonardo - Vitruvian man". www.bbc.co.uk. Retrieved 25 March 2018.
  30. ^ Fortenberry, Diane (2017). THE ART MUSEUM. Phaidon. p. 156. ISBN 978 0 7148 7502 6.
  31. ^ Fortenberry, Diane (2017). THE ART MUSEUM. Phaidon. p. 156. ISBN 978 0 7148 7502 6.
  32. ^ Fortenberry, Diane (2017). THE ART MUSEUM. Phaidon. p. 157. ISBN 978 0 7148 7502 6.
  33. ^ Fortenberry, Diane (2017). THE ART MUSEUM. Phaidon. p. 157. ISBN 978 0 7148 7502 6.
  34. ^ a b "Baroque Art". Arthistory-famousartists-paintings.com. 24 July 2013. Retrieved 25 August 2013.
  35. ^ "Ancien Regime Rococo". Bc.edu. Archived from the original on 11 April 2018. Retrieved 25 August 2013.
  36. ^ "chinoiserie facts, information, pictures - Encyclopedia.com articles about chinoiserie". www.encyclopedia.com. Retrieved 25 March 2018.
  37. ^ "Art in Neoclassicism". Artsz.org. 26 February 2008. Retrieved 25 August 2013.
  38. ^ a b 제임스 J.Sheehan, "Art and Its Publics, c. 1800", United and Diversity in European Culture c. 1800, ed.Tim Blanning and Hagen Schulze (뉴욕: Oxford University Press, 2006), 5-18.
  39. ^ a b c d e f "General Introduction to Postmodernism". Cla.purdue.edu. Retrieved 25 August 2013.
  40. ^ 아트, 데스몬드, 캐슬린 K.에 관한 아이디어 [1] John Wiley & Sons, 2011년, 페이지 148
  41. ^ 국제 포스트모더니즘: 이론과 문학적 실천, 베르텐스, 한스 [2], 루트리지, 1997, 페이지 236
  42. ^ M. Rowell, Joan Mirό: 선별된 글과 인터뷰 (런던:Thames & Hudson, 1987) 페이지 114–116.

참고 문헌

  • 차핀, 앤 P. "미노아 미술의 힘, 특권, 풍경", Charis: Sara A를 기리는 에세이. Immerwahr, Hesperia (프린스턴, 뉴저지) 33, 2004, ASCSA, ISBN 0876615337, 978087661531, 구글 북스
  • Gates, Charis, Charis, Charis의 "미노안 벽화의 그림 이미지: Sara A를 기리는 에세이" Immerwahr, Hesperia (프린스턴, 뉴저지) 33, 2004, ASCSA, ISBN 0876615337, 978087661531, 구글 북스
  • 후드, 싱클레어, 선사 그리스의 예술, 1978년 펭귄(펭귄/예일 미술사), ISBN 0140561420
  • Sandars, Nancy K., 유럽의 선사미술, Penguin(Pelican, 현재 예일, 미술사), 1968년(nb 제1편).; 얼리 데이팅이 대체되었습니다.)

외부 링크

Wikimedia Commons에는 Art of Europe 관련 미디어가 있습니다.