즉흥 연주

Musical improvisation

즉흥연주(음악적 즉흥연주라고도 한다)는 즉각적인("순간") 음악적 작곡의 창작 활동으로, 다른 음악가들에 대한 자발적인 반응뿐만 아니라 감정과 기악기법의 소통이 공연과 결합되어 있다.[1]때때로 즉흥 연주에서의 음악적 아이디어는 자발적이기도 하지만, 고전음악과[1] 많은 다른 종류의 음악에서 화음의 변화에 기초할 수도 있다.한 가지 정의는 "계획이나 준비 없이 주어진 성능"이다.[2]또 다른 정의는 "선율에 변화를 일으키거나 새로운 멜로디, 리듬, 하모니를 만들어냄으로써 즉흥적으로 연주하거나 (음악) 부르는 것"이다.[2]브리태니커 백과사전에서는 이를 "대개 특정한 양식적 규범에 부합하지만 특정 음악적 텍스트의 규범적 특징에 의해 제한되지 않는 방식으로 음악적 구절의 즉흥적 구성이나 자유로운 연주"[3]로 정의한다.즉흥연주는 흔히 기존의 조화 체계나 화음 진행 내에서 행해진다.즉흥연주는 블루스, 록 음악, 재즈, 재즈 퓨전 등 20세기 음악의 일부 유형에서 중요한 부분으로, 기악 연주자들이 솔로, 멜로디 선, 반주 파트를 즉흥적으로 연주한다.

중세, 르네상스, 바로크, 클래식, 낭만주의 시대 등 서양 예술 음악 전통의 시대 전반에 걸쳐 즉흥 연주란 소중한 기술이었다.J. S. 바흐, 헨델, 모차르트, 베토벤, 쇼팽, 리스트, 그리고 다른 유명한 작곡가들과 음악가들은 특히 즉흥적인 연주 기술로 유명했다.즉흥연주는 단음주의 시대에 중요한 역할을 했을지도 모른다.다성음악에 관한 가장 초기의 논문들, 예를 들어, 뮤카 엔치리아디스 (9세기)는 추가된 부분이 첫 번째 공증된 예 이전 수 세기 동안 즉흥적으로 만들어졌다는 것을 보여준다.그러나 이론가들이 즉흥 연주와 작곡 음악을 엄격히 구분하기 시작한 것은 15세기부터이다.[4]

일부 클래식 음악 형식에는 즉흥 연주에 대한 섹션이 포함되어 있었다. 예를 들어 단독 협주곡의 카덴자 또는 바흐와 헨델의 키보드 모음곡들은 연주자들이 즉흥 연주에 대한 기초로 사용하게 되는 화음의 진행에 대한 정교함으로 구성되어 있다.헨델과 바흐는 하프시코드나 파이프 오르간에서 즉흥 연주를 자주 했다.바로크 시대에는 연주자들이 즉흥적인 장신구들과 바소 연속 키보드 연주자들이 베이스 기법에 근거하여 즉흥적인 화음 음성을 연주했다.그러나 20세기부터 21세기 초까지 서양 예술음악 공연이 교향악단, 오페라하우스, 발레 등에서 제도화되면서 즉흥연주는 더 작은 역할을 하게 되었다.동시에, 20, 21세기의 일부 현대 작곡가들은 그들의 창작 작품에 즉흥성을 점점 더 포함시키고 있다.

인도 클래식 음악에서 즉흥연주는 핵심 요소인 동시에 공연의 필수 기준이다.인도, 아프간, 파키스탄, 방글라데시 클래식 음악에서 라가는 "작곡과 즉흥 연주를 위한 톤의 틀"이다.[5]브리태니커 백과사전에서는 라가를 "즉흥성과 작곡을 위한 멜로디 틀"[6]로 정의하고 있다.

서양음악에서

중세 시대

비록 초기부터 멜로디 즉흥연주가 유럽 음악의 중요한 요소였지만, 즉흥연주 기법에 대한 최초의 상세한 정보는 가수들에게 오가눔이라는 스타일로 존재하기 전의 리트리아식 노래에 다른 멜로디를 추가하는 방법을 가르친 9세기 논문에서 나타난다.[4]중세 시대와 르네상스 시대에 걸쳐, 칸투스 프러포터스(교회 음악과 대중 댄스 음악에서 모두 발견되는 관습)에 대한 즉흥적인 대위법은 모든 음악가들의 교육의 한 부분을 차지했으며, 바로크 시대 이전의 가장 중요한 불문곡으로 여겨진다.[7][8]

르네상스 시대

16세기 초 음악 인쇄술의 발명에 따라, 주로 이탈리아에서 출판된 지침 매뉴얼의 형태로 즉흥적인 연습에 대한 보다 상세한 문서화가 있다.[9]칸투스 프러포머스에 대한 즉흥적인 대위법 이외에도, 가수와 악기 연주자들은 오스티나토 화음 패턴에 대해 즉흥적으로 멜로디를 만들고, 선율적인 선들을 정교하게 장식하고, 미리 정해진 도식 없이 즉흥적으로 음악을 발명했다.[10]키보드 연주자들도 마찬가지로 자유롭게 형성된 곡들을 연주했다.[11]

바로크 시대

르네상스 시대에 실행된 즉흥연주(기본적으로 기존 부분을 장식하거나 완전히 새로운 부분이나 부품을 만드는 것)의 종류는 비록 중요한 수정이 도입되었지만 초기 바로크까지 계속되었다.장식은 작곡가의 통제 하에, 어떤 경우에는 장식을 글로 써서, 그리고 어떤 장식 패턴에 대한 기호나 약어를 도입함으로써, 보다 광범위하게 도입되기 시작했다.이런 종류의 발성 장식을 위한 초기 중요한 소스로는 조반니 바티스타 보비첼리의 레골레, 파사기 디 뮤직아(1594), 줄리오 카치니의 컬렉션 서문 르누오브 뮤직헤(1601/2)가 있다.[12][13]

멜로디악기

18세기 매뉴얼은 플루트, 오보에, 바이올린, 그리고 다른 멜로디 악기의 연주자들이 이전에 작곡된 곡들을 장식할 뿐만 아니라, 즉흥적으로 서곡을 연주할 것으로 기대되었음을 분명히 한다.[14]

바소 연속체

바소 연속곡(반주곡)은 주로 즉흥곡으로 작곡가는 보통 무늬가 있는 베이스라고 불리는 조화로운 스케치에 지나지 않는다.즉흥적인 과정을 실현이라고 했다.

주요기사 : 실현(구성된 베이스)

오르간 즉흥 연주와 교회 음악

범주:오르간 즉흥 연주자

브리태니커 백과사전(Britannica)에 따르면, "1600년경부터 시작된 단조로운 질감"은...실제로 즉흥적인 향상을 위해 즉흥적으로 만들어진 것으로, 3단 부분뿐만 아니라 거의 정의에 따라, 최소의 화음 윤곽만 시사하는 것으로 여겨졌다."[3]도형의 베이스 위에 즉흥적으로 반주를 하는 것은 바로크 시대에는 흔한 관습이었고, 어느 정도는 다음 시기였다.즉흥 연주는 일부 교회 예배에서 오르간 연주의 특징으로 남아 있으며 콘서트에서 정기적으로 공연되기도 한다.

바로크 시대에는 디테리히 벅스테후드(Dietrich Buxtehude)와 요한 세바스티안 바흐(Johann Sebastian Bach)가 매우 숙련된 오르간 즉흥 연주자로 간주되었다.20세기 동안, 마르셀 뒤프레, 피에르 코코에루, 피에르 핀스마일 같은 위대한 즉흥 연주자로 알려진 몇몇 음악가들은 프랑스 오르간 스쿨의 전통에서 이러한 형태의 음악을 계속하였다.스스로 위대한 즉흥연주자인 모리스 듀루플레는 루이 비에르네와 찰스 투르네이어의 즉흥연주를 필사했다.올리비에 라트리는 후에 그의 즉흥연주를 작곡으로 썼는데, 예를 들면 살베 레지나였다.

고전 시대

키보드 즉흥 연주

클래식 음악은 양손을 수반하는 화음으로 여러 목소리가 함께 움직일 수 있다는 점에서 바로크 양식에서 출발하여, 지나가는 음색 없이 짧은 구절을 형성한다.그러한 모티프는 모차르트에 의해 간결하게 사용되었지만, 베토벤과 슈베르트에 의해 훨씬 더 자유분방하게 받아들여졌다.바로크 키보드 음악에서도 바흐의 이탈리아 콘체르토 3악장 테마와 같은 그런 화음이 어느 정도 나타났다.그러나 그 당시 그러한 화음은 한 번에 한 칸씩, 또는 키보드의 한 손으로만 나타나는 경우가 많았으며, 후기 음악에서 더 많이 발견되는 독립적인 구절을 형성하지 못했다.아도르노는 이 이탈리아 협주곡의 움직임을 모차르트에 비해 보다 유연하고 즉흥적인 형태로 언급하면서, 그 쇠퇴가 명백해지기 훨씬 전에 즉흥 연주에 대한 점진적인 감소를 시사하고 있다.[15]

토닉, 아도미넌트, 우성, 토닉의 입문 동작은, 그러나 그 바로크 형태와 마찬가지로 하이든의 피아노 소나타 홉. 16/52와 베토벤의 소나타 24번 Op. 78에서와 같이, 고전적이고 낭만적인 피아노곡(및 다른 많은 음악)의 초창기에도 계속 등장한다.

베토벤과 모차르트는 콘 아모레, 아파시오나토, 칸타빌레, 익스프레스비보와 같은 기분 표시를 재배했다.사실 즉흥성이 즉흥적이기 때문에 사랑의 소통과 유사하기 때문일 것이다.[16]

모차르트와 베토벤

베토벤과 모차르트는 그들이 발표한 변주곡과 소나타, 그리고 그들이 쓴 카덴자(그들의 즉흥곡들이 어떤 식으로 들렸을지 잘 보여준다)에서 그들의 즉흥곡들이 어떤 것인지에 대한 훌륭한 예를 남겼다.키보드 연주자로서 모차르트는 적어도 한 번은 즉흥 연주로 무지오 클레멘티와 겨뤘다.[17]베토벤은 요한 네포무크 험멜, 다니엘 스티벨트, 그리고 조셉 울펠과 같은 라이벌들을 상대로 힘겨운 즉흥적인 전투에서 승리했다.[18]

낭만주의 시대

기악기

작품 소개와 작품 간 연결의 형태로 진행되는 엑스트라포레이션은 20세기 초까지 키보드 협주곡의 특징으로 계속되었다.그러한 즉흥연주를 실천한 사람들 중에는 프란츠 리스트, 펠릭스 멘델스존, 안톤 루빈스타인, 파데루스키, 퍼시 그레인저, 파흐만 등이 있었다.음반이 성장하면서 예술음악 분야의 즉흥성이 떨어진 것으로 보인다.[19]

오페라

1,200개가 넘는 초기 베르디 음반을 연구한 후, 윌 크러치필드는 "19세기 오페라에서 독주 카바티나는 독주적 재량의 가장 분명하고 지속적인 중심지였다"[20]고 결론짓는다.그는 계속해서 오페라 가수들이 이 레퍼토리에서 사용하는 7가지 주요 성악 즉흥연주 형식을 파악한다.[21]

  1. 베르디안 "풀 스톱" 카덴자
  2. 풀스톱이 없는 아리아스: 발라테, 칸조니, 로마제
  3. 내부 자격증 장식
  4. 멜로디 변형(간극 하이노트, 악세사, 상승 2노트 "슬라이드")
  5. 근위변화와 카발레타 문제
  6. 촉진제(펀타처, 피오라투라 단순화 등)
  7. 재귀적

현대적 의견

테오도르 아도르노

'예술의 아름다움'(영어판)이라는 제목의 미학 이론 섹션의 끝부분에서 테오도르 W. 아도르노는 즉흥연주의 미적 가치에 대한 간략한 주장을 포함시켰다.아도르노는 예술작품이 영적 내용이 깨지는 '무엇인가 캐릭터'를 가져야 한다고 주장하며, 즉흥적이지만 현재 존재하는 것에 문제가 있다고 지적했다.[22]그것은 아도르노가 재즈가 아닌 고전적인 즉흥 연주를 의미한다고 추측할 수 있는데, 그것은 그가 대부분 흥분한 것이었다.예를 들어, 그는 베토벤과 반대되는 재즈를 들었다.[23]

프리즘과[24] 진실의 전문용어에는 기본적으로 전통적인 재즈에 대한 더 광범위한 대우가 있다.[25]

컨템포러리

재즈

주요기사 : 재즈 즉흥연주

즉흥연주는 다른 종류의 음악과는 재즈를 차별화하는 기본 요소 중 하나이다.라이브 공연에서 일어나는 즉흥 연주에서의 통일된 순간은 공연자와 청취자, 공연이 이루어지는 물리적 공간을 아우르는 것으로 이해된다.[26]즉흥 연주도 재즈 이외의 다른 음악도 그렇게 많은 '순간 콤핑'의 예술에 의존하지 않는 것은 아닐지 모르며, 모든 음악가들이 연주자를 의식상태뿐만 아니라 무의식적인 상태와 접촉하게 할 수 있는 일정한 수준의 창조성으로 올라가라고 요구하기도 한다.[27]즉흥 재즈 녹음의 교육적 이용은 널리 인정받고 있다.그들은 인식된 한계에도 불구하고 성과 기록으로서 명확한 가치를 제공한다.이러한 것들을 이용할 수 있게 되면, 세대에 걸친 재즈 뮤지션들은 그들의 새로운 즉흥 연주에 스타일과 영향력을 개입시킬 수 있게 된다.[28]많은 다양한 스케일과 그 모드들은 즉흥적으로 사용될 수 있다.그들은 종종 그 과정에서 기록되지 않지만, 음악가들이 재즈 관용어를 연습하도록 돕는다.

재즈 솔리스트가 하는 일에 대한 일반적인 견해는 다음과 같이 표현될 수 있다: 하모니가 지나갈 때 그는 각 화음에서 음을 선택하고, 그 중에서 그는 멜로디를 모방한다.그는 통과와 이웃 음색으로 자유롭게 꾸미고, 화음에는 연장을 더할 수도 있지만, 언제나 훌륭한 즉흥 연주자는 그 변화를 따라야 한다……그러나 재즈 뮤지션은 실제로 여러 가지 옵션을 가지고 있다: 그는 코드 진행을 정확하게 반영할 수도 있고, 진행 과정을 "스킴 오버"할 수도 있고, 배경 조화를 간단히 정교하게 할 수도 있고, 리듬 섹션이 연주하는 코드와 어느 시점에서 충돌할 수도 있는 자신의 목소리를 이끌 수도 있다.[29]

현대 클래식 음악

장기에 대한 소송적인 즉흥연주를 빼면, 20세기 전반에는 현대 클래식 음악에서 실제 즉흥연주가 거의 전무하다는 점이 두드러진다.[30]1950년대 이후 일부 현대 작곡가들은 모호한 표기법과 같은 기법을 사용하면서 즉흥 연주자에 대한 제약을 줄였다(예를 들어, 정해진 기간 내에 특정 음수의 음이 울려야 한다는 것만을 나타냄).New Music ensembles formed around improvisation were founded, such as the Scratch Orchestra in England; Musica Elettronica Viva in Italy; Lukas Foss Improvisation Chamber Ensemble at the University of California, Los Angeles; Larry Austin's New Music Ensemble at the University of California, Davis; the ONCE Group at Ann Arbor; the Sonic Arts Group소닉스와 소닉스는 콘서트, 투어, 그리고 보조금을 통해 스스로 자금을 조달한다.주요 작품으로는 Foss Time Cycles(1960)와 Echoi(1963년)[31]가 있다.

Other composers working with improvisation include Richard Barrett, Benjamin Boretz, Pierre Boulez, Joseph Brent, Sylvano Bussotti, Cornelius Cardew, Jani Christou, Douglas J. Cuomo, Alvin Curran, Stuart Dempster, Hugh Davies, Karlheinz Essl, Mohammed Fairouz, Rolf Gehlhaar, Vinko Globokar, Richard Grayson, Hans-Joachim Hespos, Barton McLean, Prisc일라 맥린, 스티븐 나흐마노비치, 폴린 올리버스, 앙리 푸수르, 토드 레이놀즈, 테리 라일리, 프레데릭 레제스키, 삼안 사마디, 윌리엄 O. 스미스, 맨프레드 스탄케, 카를하인츠 스톡하우젠, 도루 타케미쓰, 리차드 테이텔바움, 반겔리스, 마이클 베터, 크리스티안 울프, 이안니스 제나키스, 이츠하크 예디드, 라 몬테 영, 프랭크 자파, 한스 젠더, 존 조른.

현대 대중음악

사이키델릭과 프로그레시브 록 음악

1960년대와 1970년대의 영국과 미국의 사이키델릭 록은 즉흥연주를 이용하여 음악적 언어로 표현하였다.[32]진보적인 록 장르도 음악적 표현으로 즉흥성을 탐구하기 시작했다.헨리 카우.[33]

무성 영화 음악

무성 영화음악 공연의 영역에는 이 영화에 수반되는 즉흥 연주로 비평가, 학자, 관객 모두에게 예외적인 것으로 인정받은 뮤지션(테레 오르간 연주자, 피아노 연주자)이 있었다.[34][35]닐 브랜드는 또한 즉흥적으로 연주한 작곡가였다.[36]Guenter A와 함께 브랜드.부흐발트, 필립 칼리, 스티븐 혼, 도날드 소신, 존 스위니, 가브리엘 티바우도 등이 이탈리아 포르데노네에서 열리는 연례 무성영화 콘퍼런스에서 모두 공연을 했다.무성영화를 위해 즉흥연주를 할 때, 출연자들은 그들이 동행하는 영화의 분위기, 스타일, 페이싱에 맞는 음악을 연주해야 한다.뮤지션들이 준비 없이 첫눈에 반주를 해야 하는 경우도 있었다.즉흥 연주자들은 폭넓은 음악 스타일을 알고 때로는 3시간 넘게 이어지는 일련의 영화들을 위해 연주할 수 있는 체력을 가질 필요가 있었다.공연 외에도, 일부 피아니스트들은 영화를 위해 즉흥연주를 하는 기술을 발전시키고자 하는 사람들을 위해 마스터 클래스를 가르쳤다.토키-모션 사진을 사운드 위어로 소개할 때, 이 재능 있는 즉흥연주 음악가들은 다른 직업을 찾아야 했다.2010년대에는 빈티지 무성영화를 선보이는 영화사회가 소수 있는데, 라이브 즉흥 연주 음악가를 동원하여 영화에 동행한다.

장소

전세계적으로 라이브 즉흥연주를 지원하는 많은 장소들이 있다.1998년부터 멜버른에서는 Make It Up Club(멜버른 브런즈윅 가의 바 오픈에서 매주 화요일 저녁 개최)이 최고 개념 및 공연 기준(성어, 장르, 악기 등)의 아방가르드 즉흥 음악 및 음향 공연 홍보에 전념하는 주간 콘서트 시리즈를 선보이고 있다.Make It Up Club은 호주의 즉흥음악의 기관이 되어 전 세계의 아티스트들이 꾸준히 출연하고 있다.

음악교육

재즈 교육학, 대중음악 교육학, 달크로즈 방식, 오르프 슐베르크, 사티스 콜먼의 창작 음악 등에서 즉흥연주를 가르치는 여러 가지 접근법이 등장했다.현재 음악교육에 관한 연구는 즉흥연주를 얼마나 자주 [37]가르치고 있는지, 음악 전공자와 교사가 즉흥연주를 얼마나 자신 있게 가르치고 있는지,[38] 즉흥연주에 대한 신경과학과 심리학적 측면,[39] 교육학적 접근법으로서의 자유향상 등을 조사한다.[40]

인도 고전 음악에서

라가는 인도 클래식 음악에서 사용되는 멜로디 모드 중 하나이다.로테르담 음악원의 조엡 보르는 라가를 "작곡과 즉흥연주를 위한 톤 프레임워크"[5]로 정의했다.UCLA의 자기공명학부 회장인 Nazir Jairazboy는 라가스를 규모, 등반선 및 하강선, 초자연성, 강조된 노트와 기록, 억양과 장식품으로 구분하는 특징을 보였다.[41]라가는 선율이 구성되는 5개 이상의 악보를 연속해서 사용한다.그러나 음이 접근해 음악적인 문구로 표현되는 방식과 그들이 전달하는 분위기는 음의 자체보다 라가를 정의하는 데 더 중요하다.인도의 음악 전통에서, 라가는 하루의 다른 시간, 또는 계절과 연관된다.인도 고전 음악은 항상 라가를 배경으로 한다.인도의 대중적인 영화 노래나 가잘과 같은 비클래식 음악은 때때로 그들의 작곡에 라가스를 사용한다.

브리태니커 백과사전(Britannica)에 따르면 라가(Raga)는 인도, 방글라데시, 파키스탄의 고전음악에서도 헝겊(북인도)이나 라가(인도 남부에서) 철자(산스크리트어로부터, '색' 또는 '열'을 뜻하는 '열정'을 뜻하는)도 즉흥과 작곡의 멜로디 틀이다.라가는 음표 세트와 멜로디에서 나타나는 전형적인 순서, 그리고 특징적인 음악적 모티브가 있는 음계를 바탕으로 한다.라가의 기본 구성요소는 축척의 형태로 적을 수 있다(어떤 경우에는 등산과 하강이 다르다).이러한 음표만을 사용하여 음계의 일정한 정도를 강조하고, 라가의 특징적인 방법으로 음표에서 음표대로 음표에서 음표대로 이동하여 연주자는 문제의 라가 특유의 분위기나 분위기(라사)를 조성하기 위해 출발한다.현재 사용되고 있는 라가에는 수백 개가 있으며, 이론상으로는 수천 개가 가능하다."[6]

알라파(산스크리트어: "전환")는 "라가의 음악적 특성을 드러내는 개선된 멜로디 구조"[6]이다."알라파는 보통 라가 공연의 제1부문을 구성한다.보컬이나 악기, 드론(지속적인 음색) 악기가 곁들여지며, 몇 초의 지체를 거쳐 솔리스트의 구절을 반복하는 멜로디 악기도 곁들여진다.알라파의 주요 부분은 미터법이 아니라 리드미컬하게 자유롭다. 힌두스타니 음악에서는 탈라(금속 사이클)는 없지만 리듬 있는 펄스를 사용하는 조르(jor)라고 알려진 부분으로 점차 이동한다.알라파의 연주자는 점차 공연할 라가의 필수 음과 멜로디 턴을 소개한다.솔리스트가 라가의 멜로드라마적 가능성을 충분히 제시하고 독특한 분위기와 개성을 확립했다고 만족해야 작품의 미터법적으로 정리된 부분까지 중단 없이 진행하게 된다.정식 연주회 때처럼 드러머가 있으면 그의 첫 박자는 듣는 사람에게 알라파가 끝났다는 신호로 작용한다."[42]

인공지능

주요 기사:기계 임프로비션
참고 항목:머신러닝, 머신 리스닝, 인공지능, 음악적 창의성의 컴퓨터 모델

머신 임프로비션은 컴퓨터 알고리즘을 사용하여 기존 음악 자료에 임프로비션을 만든다.이는 대개 라이브 또는 사전 녹음된 기존 음악에서 추출한 음악 구절을 정교하게 재조합하여 이루어진다.특정 스타일에 신빙성 있는 즉흥연주를 달성하기 위해 머신 임프로비션은 머신러닝과 패턴 매칭 알고리즘을 활용해 기존의 음악적 사례를 분석한다.그리고 나서 그 결과의 패턴은 스타일리시한 재주입 개념을 발전시키면서 원곡의 "스타일"의 새로운 변형을 만드는 데 사용된다.이는 기존 음악 사례의 분석을 실시하지 않고 알고리즘 컴포지션을 이용해 새로운 음악을 만들어내는 컴퓨터를 이용한 다른 즉흥적인 방법과는 다르다.[43]

참고 항목

메모들

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원천

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추가 읽기

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