포털:클래식 음악

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클래식 음악 포털

미국 노스캐롤라이나 샬럿에서 열린 더블린 필하모닉 오케스트라의 차이코프스키 교향곡 4번 공연
지름길

클래식 음악은 일반적으로 서양의 민속 음악이나 대중 음악 전통과 구별되는 것으로 여겨지는 서양 세계의 예술 음악을 말합니다.이는 때때로 서양 고전 음악으로 구별되는데, "클래식 음악"이라는 용어가 비 서양 예술 음악에도 적용되기 때문입니다.클래식 음악은 종종 음악적 형태와 조화로운 조직, 특히 다성음악의 사용에서 형식과 복잡성으로 특징지어집니다.적어도 9세기 이래로 그것은 분석적, 비판적, 역사학적, 음악학적, 철학적 실천에 수반하는 문학뿐만 아니라 정교한 표기 체계를 형성하면서 주로 쓰여진 전통이었습니다.서양 문화의 기본 구성 요소인 클래식 음악은 작곡가 개인이나 그룹의 관점에서 자주 볼 수 있으며, 작곡가의 구성, 성격 및 신념이 역사를 근본적으로 형성했습니다. (전문...)

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  • Image 1 Rita Sangalli as Sylvia in the 1876 production Sylvia, originally Sylvia, ou La nymphe de Diane, is a full-length ballet in two or three acts, first choreographed by Louis Mérante to music by Léo Delibes in 1876. Sylvia is a typical classical ballet in many respects, yet it has many interesting features that make it unique. The work is notable for its mythological Arcadian setting, creative choreographies, expansive sets and, above all, its remarkable score. When Sylvia, ou La nymphe de Diane premiered on 14 June 1876 at the Palais Garnier, it went largely unnoticed by the critics. The first seven productions of Sylvia were not commercially successful. The 1952 revival, choreographed by Sir Frederick Ashton, popularized the ballet. The 1997, 2004, 2005 and 2009 productions were all based on Ashton's original choreography. (Full article...)
    1876년 작품에서 실비아 역의 리타 상갈리

    실비아(Sylvia)는 2~3막으로 구성된 발레로, 1876년 레오 델리베스의 음악에 맞춰 루이 메랑테가 처음 안무를 맡았습니다.실비아는 많은 면에서 전형적인 고전 발레이지만, 그것을 독특하게 만드는 많은 흥미로운 특징들을 가지고 있습니다.이 작품은 신화적인 아카디아 설정, 창의적인 안무, 넓은 세트, 그리고 무엇보다도 주목할 만한 점수로 유명합니다.

    실비아, 우리의 랑페 드 다이안이 1876년 6월 14일 팔레 가르니에에서 초연되었을 때, 그것은 비평가들에 의해 거의 주목받지 못했습니다.실비아의 첫 일곱 작품은 상업적으로 성공하지 못했습니다.1952년 프레드릭 애쉬튼 경이 안무한 리바이벌은 발레를 대중화시켰습니다.1997년, 2004년, 2005년, 2009년 작품들은 모두 애쉬튼의 오리지널 안무를 바탕으로 제작되었습니다. (전문 기사...)
  • Image 2 The opening motif Play Finlandia, Op. 26, is a tone poem by the Finnish composer Jean Sibelius. It was written in 1899 and revised in 1900. The piece was composed for the Press Celebrations of 1899, a covert protest against increasing censorship from the Russian Empire, and was the last of seven pieces performed as an accompaniment to a tableau depicting episodes from Finnish history. The premiere was on 2 July 1900 in Helsinki with the Helsinki Philharmonic Society conducted by Robert Kajanus. A typical performance takes between 7½ and 9 minutes depending on how it is performed. In order to avoid Russian censorship, Finlandia had to be performed under alternative names at various musical concerts. Titles under which the piece masqueraded were numerous and often confusing—famous examples include Happy Feelings at the awakening of Finnish Spring, and A Scandinavian Choral March. According to Finland's tourism website, "While Finland was still a Grand Duchy under Russia performances within the empire had to take place under the covert title of 'Impromptu'." (Full article...)

    오프닝 모티브 플레이

    핀란드, Op. 26은 핀란드 작곡가 장 시벨리우스의 음색 시입니다.그것은 1899년에 쓰여졌고 1900년에 개정되었습니다.이 작품은 러시아 제국의 검열 증가에 대한 은밀한 항의인 1899년의 언론 축하를 위해 작곡되었으며, 핀란드 역사의 에피소드를 묘사하는 테이블라우에 반주로 연주된 7개의 작품 중 마지막 작품이었습니다.초연은 1900년 7월 2일 헬싱키에서 로버트 카야누스가 지휘하는 헬싱키 필하모닉 협회와 함께 했습니다.일반적인 공연은 공연 방식에 따라 7분에서 9분 정도 걸립니다.

    러시아의 검열을 피하기 위해, 핀란드는 다양한 음악 콘서트에서 대체 이름으로 공연되어야 했습니다.이 작품이 가장한 제목은 많고 종종 혼란스러웠습니다. 유명한 예로는 핀란드의 봄이 깨어났을 때의 행복한 감정과 스칸디나비아 합창 행진곡이 있습니다.핀란드의 관광 웹사이트에 따르면, "핀란드가 여전히 러시아의 지배하에 있는 대공국이었을 때 제국 내에서의 공연은 '즉흥적'이라는 은밀한 제목으로 이루어져야 했습니다." (전문 기사...)
  • Image 3 The Nutcracker (Russian: Щелкунчик, tr. Shchelkunchik, IPA: [ɕːɪlˈkunʲtɕɪk] (listen)), Op. 71, is an 1892 two-act classical ballet (Russian: балет-феерия, tr. balet-feyeriya) by Pyotr Ilyich Tchaikovsky, set on Christmas Eve at the foot of a Christmas tree in a child's imagination. The plot is an adaptation of E. T. A. Hoffmann's 1816 short story The Nutcracker and the Mouse King. The ballet's first choreographer was Marius Petipa, with whom Tchaikovsky had worked three years earlier on The Sleeping Beauty, assisted by Lev Ivanov. Although the complete and staged The Nutcracker ballet was not as successful as had been the 20-minute Nutcracker Suite that Tchaikovsky had premiered nine months earlier, The Nutcracker soon became popular. Since the late 1960s, it has been danced by countless ballet companies, especially in North America. Major American ballet companies generate around 40% of their annual ticket revenues from performances of The Nutcracker. The ballet's score has been used in several film adaptations of Hoffmann's story. (Full article...)
    호두까기 인형 (러시아어: щкуикчнле▁tr, tr.IPA: Shchelkunchik, Op. 71은 표트르 일리치 차이코프스키의 1892년작 2막 고전 발레로, 아이들의 상상 속 크리스마스 트리 기슭을 배경으로 합니다.이 줄거리는 E.T.A. 호프만의 1816년 단편 호두까기 인형과 쥐 왕을 각색한 것입니다.발레단의 첫 안무가는 마리우스 페티파였는데, 차이코프스키는 3년 전 레프 이바노프의 도움을 받아 '잠자는 숲속의 공주'에서 함께 작업했습니다.비록 완성되고 무대에 오른 호두까기 인형 발레는 차이코프스키가 9개월 전에 초연했던 20분짜리 호두까기 인형 모음곡만큼 성공적이지는 않았지만, 호두까기 인형은 곧 인기를 얻었습니다.

    1960년대 후반부터, 그것은 특히 북미에서 수많은 발레단에 의해 춤을 추었습니다.미국의 주요 발레단들은 호두까기 인형 공연으로 연간 입장료 수입의 약 40%를 벌어들입니다.발레단의 악보는 호프만의 이야기를 영화화한 여러 편에 사용되었습니다. (전문 기사...)
  • Image 4 Upright piano The piano is a keyboard instrument that produces sound when pressed on the keys. Most modern pianos have a row of 88 black and white keys: 52 white keys for the notes of the C major scale (C, D, E, F, G, A and B) and 36 shorter black keys raised above the white keys and set further back, for sharps and flats. This means that the piano can play 88 different pitches (or "notes"), spanning a range of a bit over seven octaves. The black keys are for the "accidentals" (F♯/G♭, G♯/A♭, A♯/B♭, C♯/D♭, and D♯/E♭), which are needed to play in all twelve keys. There are two main types of piano: the grand piano and the upright piano. The grand piano offers better sound and more precise key control, making it the preferred choice when space and budget allow. The grand piano is also considered a necessity in venues hosting skilled pianists. However, the upright piano, despite being worse in terms of tone and key action, is more commonly used due to its smaller size and lower cost. (Full article...)

    업라이트 피아노

    피아노는 건반을 누르면 소리가 나는 건반 악기입니다.C 장조 음계(C, D, E, F, G, A, B)를 위한 52개의 흰색 키와 흰색 키 위에 올려진 36개의 짧은 검은색 키, 샤프와 플랫을 위해 더 뒤로 세팅된 88개의 흑백 키가 있습니다.이것은 피아노가 7 옥타브가 넘는 범위에 걸쳐 88개의 다른 음조(또는 "음표")를 연주할 수 있다는 것을 의미합니다.검은색 키는 12개 키 모두에서 재생하는 데 필요한 "기본"(F♯/G♭, G♯/A♭, A♯/B♭, C♯/D♭, D♯/E♭)을 위한 것입니다.

    피아노에는 크게 두 종류가 있습니다: 그랜드 피아노와 업라이트 피아노.그랜드 피아노는 더 나은 소리와 더 정확한 키 제어를 제공하므로 공간과 예산이 허락할 때 선호되는 선택입니다.그랜드 피아노는 또한 숙련된 피아니스트들을 수용하는 장소에서 필수품으로 여겨집니다.그러나 업라이트 피아노는 음색과 핵심 동작 면에서 더 나쁘지만 크기가 작고 비용이 저렴해 더 많이 사용됩니다. (전문 기사...)
  • Image 5 "The Blue Danube" (1867) "The Blue Danube" is the common English title of "An der schönen blauen Donau", Op. 314 (German for "By the Beautiful Blue Danube"), a waltz by the Austrian composer Johann Strauss II, composed in 1866. Originally performed on 15 February 1867 at a concert of the Wiener Männergesang-Verein (Vienna Men's Choral Association), it has been one of the most consistently popular pieces of music in the classical repertoire. Its initial performance was considered only a mild success, however, and Strauss is reputed to have said, "The devil take the waltz, my only regret is for the coda—I wish that had been a success!" After the original music was written, the words were added by the Choral Association's poet, Joseph Weyl. Strauss later added more music, and Weyl needed to change some of the words. Strauss adapted it into a purely orchestral version for the 1867 Paris World's Fair, and it became a great success in this form. The instrumental version is by far the most commonly performed today. An alternate text was written by Franz von Gernerth, "Donau so blau" (Danube so blue). "The Blue Danube" premiered in the United States in its instrumental version on 1 July 1867 in New York, and in the UK in its choral version on 21 September 1867 in London at the promenade concerts at Covent Garden. (Full article...)

    "푸른 다뉴브" (1867)

    "푸른 다뉴브"는 오스트리아 작곡가 요한 슈트라우스 2세가 1866년에 작곡한 왈츠인 "아름다운 푸른 다뉴브에 의한" Op. 314의 일반적인 영어 제목입니다.1867년 2월 15일 비엔나 남성 합창 협회의 콘서트에서 처음 연주되었으며, 클래식 레퍼토리에서 가장 인기 있는 음악 중 하나입니다.그러나, 그것의 초기 공연은 가벼운 성공으로 여겨졌고, 슈트라우스는 "악마가 왈츠를 가져가고, 나의 유일한 후회는 코다에 대한 것이다. 나는 그것이 성공적이었으면 좋았을 것이다!"라고 말한 것으로 유명합니다.

    원래의 음악이 쓰여진 후에, 그 단어들은 합창 협회의 시인 Joseph Weyl에 의해 추가되었습니다.슈트라우스는 나중에 더 많은 음악을 추가했고, 바일은 몇몇 단어들을 바꿀 필요가 있었습니다.스트라우스는 그것을 1867년 파리 세계 박람회를 위해 순수하게 오케스트라 버전으로 각색했고, 이러한 형태로 큰 성공을 거두었습니다.악기 버전은 오늘날 가장 일반적으로 연주됩니다.프란츠 폰 게르네르트가 쓴 또 다른 글은 "도나우 소블라우"(다뉴브의 푸른색)입니다.《블루 다뉴브》는 1867년 7월 1일 뉴욕에서 기악곡으로 미국에서 초연되었고, 1867년 9월 21일 런던에서 코벤트 가든에서 열린 산책로 콘서트에서 합창곡으로 초연되었습니다. (전문 기사...)
  • Image 6 A medieval depiction of Comtessa de Diá The trobairitz (Occitan pronunciation: [tɾuβajˈɾits]) were Occitan female troubadours of the 12th and 13th centuries, active from around 1170 to approximately 1260. Trobairitz is both singular and plural. The word trobairitz is first attested in the 13th-century romance Flamenca. It comes from the Provençal word trobar, the literal meaning of which is "to find", and the technical meaning of which is "to compose". The word trobairitz is used very rarely in medieval Occitan, as it does not occur in lyrical poetry, grammatical treatises or in the biographies (vidas) of the trobairitz or troubadours. It does occur in the treatise Doctrina d'acort by Terramagnino da Pisa, written between 1282 and 1296. He uses it as an example of a word the plural and singular of which are the same. (Full article...)
    디아 콤테사의 중세 묘사

    트로바리츠(Trobairits)는 1170년경부터 1260년경까지 활동한 12세기와 13세기의 옥시타 여성 사기꾼들입니다.Trobairitz는 단수이자 복수입니다.

    트로바리츠라는 단어는 13세기 로맨스 플라멩카에서 처음으로 증명됩니다.프로방스어 트로바()는 프로방스어로 "찾다"라는 뜻이며, 기술적인 의미는 "작곡하다"라는 뜻입니다.트로바리츠라는 단어는 서정시, 문법 논문 또는 트로바리츠나 트루바두르의 전기(비다)에서 등장하지 않기 때문에 중세 옥시탄에서 매우 드물게 사용됩니다.그것은 1282년과 1296년 사이에 쓰여진 테라마그니노 다 피사의 교리문답에서 실제로 발생합니다.그는 그것을 복수형과 단수형이 같은 단어의 예로 사용합니다. (전문...)
  • Image 7 Beginning of BWV 565 in Johannes Ringk's manuscript, which is, as far as known, the only extant 18th-century copy of the work The Toccata and Fugue in D minor, BWV 565, is a piece of organ music written, according to its oldest extant sources, by Johann Sebastian Bach (1685–1750). The piece opens with a toccata section, followed by a fugue that ends in a coda. Scholars differ as to when it was composed. It could have been as early as c. 1704. Alternatively, a date as late as the 1750s has been suggested. To a large extent, the piece conforms to the characteristics deemed typical of the north German organ school of the Baroque era with divergent stylistic influences, such as south German characteristics. Despite a profusion of educated guesswork, there is not much that can be said with certainty about the first century of the composition's existence other than that it survived that period in a manuscript written by Johannes Ringk. The first publication of the piece, in the Bach Revival era, was in 1833, through the efforts of Felix Mendelssohn, who also performed the piece in an acclaimed concert in 1840. Familiarity with the piece was enhanced in the second half of the 19th century by a fairly successful piano version by Carl Tausig, but it was not until the 20th century that its popularity rose above that of other organ compositions by Bach. That popularity further increased, for example, after its inclusion in Walt Disney's Fantasia (in Stokowski's orchestral transcription), until this composition became, by far, the best-known work of the 18th-century organ repertoire. (Full article...)
    요하네스 링크의 원고에서 BWV 565의 시작, 현재까지 알려진 바로는 현존하는 유일한 18세기 작품 사본입니다.
    토카타와 푸가 D단조, BWV 565는 현존하는 가장 오래된 자료에 따르면 요한 제바스티안 바흐 (1685–1750)가 작곡한 오르간 음악입니다.작품은 토카타 섹션으로 시작하고 코다로 끝나는 푸가가 이어집니다.그것이 언제 작곡되었는지에 대해 학자들은 다릅니다.그것은 1704년에 시작되었을 수도 있습니다.또는 1750년대보다 늦은 날짜가 제안되었습니다.이 작품은 남독일적 특성과 같은 다양한 스타일적 영향을 가진 바로크 시대의 북독일 오르간 학교의 전형적인 특징과 상당 부분 일치합니다.

    많은 교육을 받은 추측에도 불구하고, 요하네스 링크에 의해 쓰여진 원고에서 그 작곡의 1세기의 존재에 대해 확실하게 말할 수 있는 것은 그 시기에 살아남았다는 것 외에는 많지 않습니다.이 작품의 첫 번째 출판은 바흐 부흥 시대에 1833년에 펠릭스 멘델스존의 노력을 통해 이루어졌는데, 멘델스존은 1840년에 호평을 받은 콘서트에서 이 작품을 공연하기도 했습니다.이 곡에 대한 친숙함은 19세기 후반에 칼 타우시그의 꽤 성공적인 피아노 버전에 의해 강화되었지만, 20세기가 되어서야 그것의 인기가 바흐의 다른 오르간 작곡보다 높아졌습니다.예를 들어, 월트 디즈니의 판타지아(스토코프스키의 관현악 필사본에 포함된 후, 이 작곡이 18세기 오르간 레퍼토리 중 가장 잘 알려진 작품이 될 때까지 그 인기는 더욱 높아졌습니다. (전문 기사...)
  • Image 8 Fauré in 1907 Gabriel Urbain Fauré (French: [ɡabʁi.ɛl yʁbɛ̃ foʁe]; 12 May 1845 – 4 November 1924) was a French composer, organist, pianist and teacher. He was one of the foremost French composers of his generation, and his musical style influenced many 20th-century composers. Among his best-known works are his Pavane, Requiem, Sicilienne, nocturnes for piano and the songs "Après un rêve" and "Clair de lune". Although his best-known and most accessible compositions are generally his earlier ones, Fauré composed many of his most highly regarded works in his later years, in a more harmonically and melodically complex style. Fauré was born into a cultured but not especially musical family. His talent became clear when he was a young boy. At the age of nine, he was sent to the École Niedermeyer music college in Paris, where he was trained to be a church organist and choirmaster. Among his teachers was Camille Saint-Saëns, who became a lifelong friend. After graduating from the college in 1865, Fauré earned a modest living as an organist and teacher, leaving him little time for composition. When he became successful in his middle age, holding the important posts of organist of the Église de la Madeleine and director of the Paris Conservatoire, he still lacked time for composing; he retreated to the countryside in the summer holidays to concentrate on composition. By his last years, he was recognised in France as the leading French composer of his day. An unprecedented national musical tribute was held for him in Paris in 1922, headed by the president of the French Republic. Outside France, Fauré's music took decades to become widely accepted, except in Britain, where he had many admirers during his lifetime. (Full article...)
    A head and shoulders portrait of a late-middle-aged man of the early twentieth century with white hair and a large white moustache
    1907년 포레


    가브리엘 우르뱅 포레(프랑스어: ɡabʁi.파리 생제르맹(, 1845년 5월 12일 ~ 1924년 11월 4일)은 프랑스의 작곡가, 오르간 연주자, 피아니스트, 교사입니다.그는 그의 세대에서 가장 뛰어난 프랑스 작곡가들 중 한 명이었고, 그의 음악 스타일은 많은 20세기 작곡가들에게 영향을 미쳤습니다.그의 가장 잘 알려진 작품들 중에는 그의 파바네, 레퀴엠, 시칠리엔, 피아노를 위한 야상곡, 그리고 "Aprés unreve"와 "Clair de lune"가 있습니다.비록 그의 가장 잘 알려져 있고 가장 쉽게 접근할 수 있는 작품들이 일반적으로 그의 초기 작품들이지만, 포레는 그의 말년에 가장 높이 평가되는 많은 작품들을 더 조화롭고 선율적으로 복잡한 스타일로 작곡했습니다.

    포레는 교양이 있지만 특별히 음악적인 가정에서 태어나지는 않았습니다.그의 재능은 그가 어렸을 때 분명해졌습니다.9살 때, 그는 파리에 있는 에콜 니더마이어 음악 대학에 보내졌고, 그곳에서 그는 교회 오르간 연주자와 합창단 지휘자가 되도록 훈련 받았습니다.그의 선생님들 중에는 평생의 친구가 된 카밀 생-생스가 있었습니다.1865년에 대학을 졸업한 후, 포레는 오르간 연주자와 선생님으로 평범한 삶을 얻었고, 작곡할 시간을 거의 남기지 않았습니다.그가 중년에 에글리스 드 라 마들렌의 오르간 연주자와 파리 음악원의 지휘자라는 중요한 직책을 맡으면서 성공했을 때, 그는 여전히 작곡할 시간이 부족했습니다; 그는 작곡에 집중하기 위해 여름 휴가에 시골로 후퇴했습니다.말년까지, 그는 프랑스에서 당대 최고의 프랑스 작곡가로 인정받았습니다.1922년 프랑스 공화국 대통령이 이끄는 그를 위한 전례 없는 국가적인 음악 헌사가 파리에서 열렸습니다.프랑스 밖에서, 포레의 음악이 널리 받아들여지기까지는 수십 년이 걸렸습니다. 다만, 그가 생전에 많은 팬을 가졌던 영국에서는 예외였습니다. (전문 기사...)
  • Image 9 Antonio Stradivari (/ˌstrædɪˈvɑːri/, also US: /-ˈvɛəri/, Italian: [anˈtɔːnjo stradiˈvaːri]; c. 1644 – 18 December 1737) was an Italian luthier and a craftsman of string instruments such as violins, cellos, guitars, violas and harps. The Latinized form of his surname, Stradivarius, as well as the colloquial Strad are terms often used to refer to his instruments. It is estimated that Stradivari produced 1,116 instruments, of which 960 were violins. Around 650 instruments survive, including 450 to 512 violins. His instruments are considered some of the finest ever made, and are extremely valuable collector's items. (Full article...)

    안토니오 스트라디바리(, 1644년 ~ 1737년 12월 18일)는 바이올린, 첼로, 기타, 비올라, 하프와 같은 현악기 장인이자 이탈리아의 뤼티에(Luthier)입니다.그의 성, 스트라디바리우스의 라틴어 형태와 구어체 스트라디바리우스는 종종 그의 악기들을 지칭하기 위해 사용되는 용어입니다.스트라디바리는 1,116개의 악기를 생산했고, 그 중 960개가 바이올린이었습니다.450개에서 512개의 바이올린을 포함하여 약 650개의 악기가 남아있습니다.그의 악기들은 지금까지 만들어진 것들 중 가장 훌륭한 것들 중 일부로 여겨지며, 매우 귀중한 수집가들의 물건들입니다. (전문 기사...)
  • Image 10 Edvard Grieg, in a photograph taken in 1888, by Elliott & Fry Peer Gynt, Op. 23, is the incidental music to Henrik Ibsen's 1867 play of the same name, written by the Norwegian composer Edvard Grieg in 1875. It premiered along with the play on 24 February 1876 in Christiania (now Oslo). Grieg later created two suites from his Peer Gynt music. Some of the music from these suites has received coverage in popular culture; see Grieg's music in popular culture. (Full article...)
    Edvard Grieg, 1888년 엘리엇 & 프라이가 찍은 사진에서.

    피어 긴트(Peer Gynt, Op. 23)는 1875년 노르웨이 작곡가 에드바르 그리그가 작곡한 헨리크 입센의 1867년 동명 희곡의 부수적인 음악입니다.1876년 2월 24일 크리스타니아(현재의 오슬로)에서 연극과 함께 초연되었습니다.

    그리그는 후에 그의 Peer Gynt 음악에서 두 개의 스위트룸을 만들었습니다.이 스위트룸의 일부 음악은 대중 문화에서 보도되었습니다. 대중 문화에서 그리그의 음악을 참조하십시오. (전문 기사...)
  • Image 11 This harpsichord is the work of two celebrated makers: originally constructed by Andreas Ruckers in Antwerp (1646), it was later remodeled and expanded by Pascal Taskin in Paris (1780). A harpsichord (Italian: clavicembalo; French: clavecin; German: Cembalo; Spanish: clavecín; Portuguese: cravo; Dutch: klavecimbel; Polish: klawesyn) is a musical instrument played by means of a keyboard. This activates a row of levers that turn a trigger mechanism that plucks one or more strings with a small plectrum made from quill or plastic. The strings are under tension on a soundboard, which is mounted in a wooden case; the soundboard amplifies the vibrations from the strings so that the listeners can hear it. Like a pipe organ, a harpsichord may have more than one keyboard manual, and even a pedal board. Harpsichords may also have stop buttons which add or remove additional octaves. Some harpsichords may have a buff stop, which brings a strip of buff leather or other material in contact with the strings, muting their sound to simulate the sound of a plucked lute. The term denotes the whole family of similar plucked-keyboard instruments, including the smaller virginals, muselar, and spinet. The harpsichord was widely used in Renaissance and Baroque music, both as an accompaniment instrument and as a soloing instrument. During the Baroque era, the harpsichord was a standard part of the continuo group. The basso continuo part acted as the foundation for many musical pieces in this era. During the late 18th century, with the development of the fortepiano (and then the increasing use of the piano in the 19th century) the harpsichord gradually disappeared from the musical scene (except in opera, where it continued to be used to accompany recitative). In the 20th century, it made a resurgence, being used in historically informed performances of older music, in new compositions, and, in rare cases, in certain styles of popular music (e.g., Baroque pop). (Full article...)
    이 하프시코드는 두 명의 유명한 제작자의 작품입니다: 원래 안트베르펜에서 안드레아스 루커스에 의해 건설되었고, 나중에 파리에서 파스칼 태스킨에 의해 개조되고 확장되었습니다.

    하프시코드(이탈리아어: clavicembalo, 프랑스어: clavecin, 독일어: clabecin)켐발로(Cembalo)는 건반으로 연주하는 악기로, 포르투갈어: cravo; 네덜란드어: klavecimbel; 폴란드어: klawesyn)이렇게 하면 퀼 또는 플라스틱으로 만든 작은 프렉트럼으로 하나 이상의 문자열을 뽑는 트리거 메커니즘을 돌리는 레버 열이 활성화됩니다.현은 나무 케이스에 장착된 사운드보드에 장력을 가합니다. 사운드보드는 현의 진동을 증폭시켜 청취자들이 들을 수 있도록 합니다.파이프 오르간과 마찬가지로 하프시코드에는 두 개 이상의 키보드 설명서와 페달 보드가 있을 수 있습니다.하프시코드에는 옥타브를 추가하거나 제거하는 중지 버튼이 있을 수도 있습니다.일부 하프시코드에는 버프 스톱이 있어 버프 가죽이나 기타 재료가 현에 닿게 하여 소리를 음소거하여 당긴 루이트 소리를 흉내 냅니다.

    이 용어는 더 작은 처녀자리, 쥐눈이, 척추동물을 포함한 비슷한 건반 악기의 전체 제품군을 나타냅니다.하프시코드는 반주 악기와 독주 악기로 르네상스와 바로크 음악에서 널리 사용되었습니다.바로크 시대 동안, 하프시코드는 콘티뉴 그룹의 표준 부분이었습니다.바소 콘티누 파트는 이 시대에 많은 음악 작품의 기초 역할을 했습니다.18세기 후반, 포르테 피아노의 발전과 함께 (그리고 19세기에 피아노의 사용이 증가하면서) 하프시코드는 음악계에서 점차 사라졌습니다.20세기에, 그것은 역사적으로 알려진 오래된 음악의 공연, 새로운 작곡, 그리고 드문 경우에, 특정 스타일의 대중 음악(예: 바로크 팝)에 사용되면서 부활했습니다.(전문 기사...)
  • Image 12 Paganini in 1836 by John Whittle Niccolò (or Nicolò) Paganini (Italian: [ni(k)koˈlɔ ppaɡaˈniːni] (listen); 27 October 1782 – 27 May 1840) was an Italian violinist and composer. He was the most celebrated violin virtuoso of his time, and left his mark as one of the pillars of modern violin technique. His 24 Caprices for Solo Violin Op. 1 are among the best known of his compositions and have served as an inspiration for many prominent composers. (Full article...)
    1836년 존 휘틀의 파가니니

    니콜로 파가니니(, 1782년 10월 27일 ~ 1840년 5월 27일)는 이탈리아의 바이올리니스트이자 작곡가입니다.그는 그 시대의 가장 유명한 바이올린 거장이었고, 현대 바이올린 기술의 기둥 중 하나로 그의 발자취를 남겼습니다.그의 솔로 바이올린 Op.1을 위한 24개의 카프리스는 그의 작곡 중 가장 잘 알려진 것들 중 하나이며 많은 저명한 작곡가들에게 영감을 주었습니다. (전문 기사...)
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  • Image 1 Gustav Holst, c. 1921 photograph by Herbert Lambert Gustav Theodore Holst (born Gustavus Theodore von Holst; 21 September 1874 – 25 May 1934) was an English composer, arranger and teacher. Best known for his orchestral suite The Planets, he composed many other works across a range of genres, although none achieved comparable success. His distinctive compositional style was the product of many influences, Richard Wagner and Richard Strauss being most crucial early in his development. The subsequent inspiration of the English folksong revival of the early 20th century, and the example of such rising modern composers as Maurice Ravel, led Holst to develop and refine an individual style. There were professional musicians in the previous three generations of Holst's family and it was clear from his early years that he would follow the same calling. He hoped to become a pianist, but was prevented by neuritis in his right arm. Despite his father's reservations, he pursued a career as a composer, studying at the Royal College of Music under Charles Villiers Stanford. Unable to support himself by his compositions, he played the trombone professionally and later became a teacher—a great one, according to his colleague Ralph Vaughan Williams. Among other teaching activities he built up a strong tradition of performance at Morley College, where he served as musical director from 1907 until 1924, and pioneered music education for women at St Paul's Girls' School, where he taught from 1905 until his death in 1934. He was the founder of a series of Whitsun music festivals, which ran from 1916 for the remainder of his life. (Full article...)
    middle-aged man in head and shoulder shot looking at camera
    구스타프 홀스트, 1921년 허버트 램버트의 사진.

    구스타프 테오도어 홀스트(, 1874년 9월 21일 ~ 1934년 5월 25일)는 영국의 작곡가, 편곡가, 교사입니다.그의 관현악 모음곡 "행성"으로 가장 잘 알려진 그는 비록 어느 것도 비슷한 성공을 거두지는 못했지만, 다양한 장르에 걸쳐 많은 다른 작품들을 작곡했습니다.그의 독특한 작곡 스타일은 많은 영향을 받았으며, 리하르트 바그너와 리하르트 슈트라우스는 그의 발전 초기에 가장 중요했습니다.20세기 초 영국 민요 부흥의 후속 영감과 모리스 라벨과 같은 떠오르는 현대 작곡가들의 예는 홀스트가 개인적인 스타일을 개발하고 다듬도록 이끌었습니다.

    홀스트의 가족의 이전 3대에는 전문 음악가들이 있었고 그가 같은 소명을 따를 것이 그의 어린 시절부터 분명했습니다.그는 피아니스트가 되기를 원했지만, 오른팔의 신경염으로 인해 예방되었습니다.그의 아버지의 의심에도 불구하고, 그는 찰스 빌리어스 스탠포드 아래 왕립 음악 대학에서 공부하면서 작곡가로서의 경력을 추구했습니다.그의 작곡으로 스스로를 지탱할 수 없었던 그는 전문적으로 트롬본을 연주했고 나중에 훌륭한 선생님이 되었다고 그의 동료인 랄프 본 윌리엄스가 말했습니다.다른 교사 활동 중에서 그는 1907년부터 1924년까지 음악 감독으로 재직했던 몰리 대학에서 공연의 강한 전통을 쌓았고 1905년부터 1934년 죽을 때까지 세인트 폴 여자 학교에서 여성을 위한 음악 교육을 개척했습니다.그는 1916년부터 그의 여생 동안 계속된 일련의 휘트슨 음악 축제의 창시자였습니다. (전문 기사...)
  • Image 2 Rossini as a young man, c. 1810–1815 Gioachino Antonio Rossini (29 February 1792 – 13 November 1868) was an Italian composer who gained fame for his 39 operas, although he also wrote many songs, some chamber music and piano pieces, and some sacred music. He set new standards for both comic and serious opera before retiring from large-scale composition while still in his thirties, at the height of his popularity. Born in Pesaro to parents who were both musicians (his father a trumpeter, his mother a singer), Rossini began to compose by the age of 12 and was educated at music school in Bologna. His first opera was performed in Venice in 1810 when he was 18 years old. In 1815 he was engaged to write operas and manage theatres in Naples. In the period 1810–1823 he wrote 34 operas for the Italian stage that were performed in Venice, Milan, Ferrara, Naples and elsewhere; this productivity necessitated an almost formulaic approach for some components (such as overtures) and a certain amount of self-borrowing. During this period he produced his most popular works, including the comic operas L'italiana in Algeri, Il barbiere di Siviglia (known in English as The Barber of Seville) and La Cenerentola, which brought to a peak the opera buffa tradition he inherited from masters such as Domenico Cimarosa and Giovanni Paisiello. He also composed opera seria works such as Tancredi, Otello and Semiramide. All of these attracted admiration for their innovation in melody, harmonic and instrumental colour, and dramatic form. In 1824 he was contracted by the Opéra in Paris, for which he produced an opera to celebrate the coronation of Charles X, Il viaggio a Reims (later cannibalised for his first opera in French, Le comte Ory), revisions of two of his Italian operas, Le siège de Corinthe and Moïse, and in 1829 his last opera, Guillaume Tell. (Full article...)
    oil painting of head and torso of young white man with medium length dark hair
    젊은 시절의 로시니, c. 1810–1815


    조아키노 안토니오 로시니(, 1792년 2월 29일 ~ 1868년 11월 13일)는 이탈리아의 작곡가로 39개의 오페라로 명성을 얻었습니다.그는 인기가 절정에 달했던 30대의 나이에 대규모 작곡에서 은퇴하기 전에 코믹과 진지한 오페라 모두에 대한 새로운 기준을 세웠습니다.

    페사로에서 음악가(아버지는 트럼펫 연주자, 어머니는 가수)였던 부모님 사이에서 태어난 로시니는 12살에 작곡을 시작했고 볼로냐의 음악 학교에서 교육을 받았습니다.그의 첫 오페라는 1810년 그가 18살이었을 때 베니스에서 공연되었습니다.1815년에 그는 나폴리에서 오페라를 쓰고 극장을 운영하는 일에 종사했습니다.1810-1823년 기간 동안 그는 베니스, 밀라노, 페라라, 나폴리 및 다른 곳에서 공연된 이탈리아 무대를 위한 34개의 오페라를 작곡했습니다.이 기간 동안 그는 가장 인기 있는 작품들을 제작했는데, 여기에는 알제리의 코믹 오페라 L'Italiana, Il barbere di Siviglia (영어로 "세비야의 이발사"로 알려진), 그리고 도메니코 치마로사와 지오반니 파이시엘로와 같은 거장들로부터 물려받은 오페라 부파 전통이 절정에 달했습니다.그는 또한 Tancredi, Otello, Semiramide와 같은 오페라 세리아 작품을 작곡했습니다.이 모든 것들은 멜로디, 조화와 기악의 색, 극적인 형태의 혁신으로 감탄을 자아냈습니다.1824년 그는 파리 오페라단과 계약을 맺고 샤를 10세, 일비아조 아 랭스의 대관식을 축하하는 오페라를 제작했습니다. (나중에 프랑스어로 된 그의 첫 오페라를 위해 식인됨), 그의 이탈리아 오페라 두 편인 코랭과 모체를 수정함, 그리고 1829년 그의 마지막 오페라인 기욤 텔(전체 기사).
  • Image 3 Busoni in 1913 Ferruccio Busoni (1 April 1866 – 27 July 1924) was an Italian composer, pianist, conductor, editor, writer, and teacher. His international career and reputation led him to work closely with many of the leading musicians, artists and literary figures of his time, and he was a sought-after keyboard instructor and a teacher of composition. From an early age, Busoni was an outstanding, if sometimes controversial, pianist. He studied at the Vienna Conservatory and then with Wilhelm Mayer and Carl Reinecke. After brief periods teaching in Helsinki, Boston, and Moscow, he devoted himself to composing, teaching, and touring as a virtuoso pianist in Europe and the United States. His writings on music were influential, and covered not only aesthetics but considerations of microtones and other innovative topics. He was based in Berlin from 1894 but spent much of World War I in Switzerland. (Full article...)
    1913년 부소니

    페루치오 부소니(, 1866년 4월 1일 ~ 1924년 7월 27일)는 이탈리아의 작곡가, 피아니스트, 지휘자, 편집자, 작가, 교사입니다.그의 국제적인 경력과 명성은 그가 그 시대의 많은 선두적인 음악가, 예술가, 그리고 문학적인 인물들과 가깝게 일하도록 이끌었고, 그는 인기 있는 키보드 강사이자 작곡 선생님이었습니다.

    어린 시절부터, 부소니는 때때로 논란이 되기는 하지만 뛰어난 피아니스트였습니다.그는 비엔나 음악원에서 공부했고 그 후 빌헬름 메이어와 칼 레이네케와 함께 공부했습니다.헬싱키, 보스턴, 모스크바에서 짧은 기간 동안 가르친 후, 그는 유럽과 미국에서 거장 피아니스트로서 작곡, 강의, 투어에 전념했습니다.음악에 대한 그의 글은 영향력이 있었고, 미학뿐만 아니라 마이크로톤과 다른 혁신적인 주제에 대한 고려사항을 다루었습니다.그는 1894년부터 베를린에 근거지를 두었지만, 제1차 세계 대전의 대부분을 스위스에서 보냈습니다. (전문 기사...)
  • Image 4 Saint-Saëns c. 1880 Charles-Camille Saint-Saëns (UK: /ˈsæ̃sɒ̃(s)/, US: /sæ̃ˈsɒ̃(s)/, French: [ʃaʁl kamij sɛ̃ sɑ̃(s)]; 9 October 1835 – 16 December 1921) was a French composer, organist, conductor and pianist of the Romantic era. His best-known works include Introduction and Rondo Capriccioso (1863), the Second Piano Concerto (1868), the First Cello Concerto (1872), Danse macabre (1874), the opera Samson and Delilah (1877), the Third Violin Concerto (1880), the Third ("Organ") Symphony (1886) and The Carnival of the Animals (1886). Saint-Saëns was a musical prodigy; he made his concert debut at the age of ten. After studying at the Paris Conservatoire he followed a conventional career as a church organist, first at Saint-Merri, Paris and, from 1858, La Madeleine, the official church of the French Empire. After leaving the post twenty years later, he was a successful freelance pianist and composer, in demand in Europe and the Americas. (Full article...)
    middle aged man with neat beard
    생제르맹 1880년


    샤를 카밀 생생(, 1835년 10월 9일 ~ 1921년 12월 16일)은 프랑스의 작곡가, 오르가니스트, 지휘자, 피아니스트입니다.그의 가장 잘 알려진 작품들로는 서론과 론도 카프리치오 (1863), 두 번째 피아노 협주곡 (1868), 첫 번째 첼로 협주곡 (1872), 단세 마카브르 (1874), 오페라 삼손과 들릴라 (1877), 세 번째 바이올린 협주곡 (1880), 세 번째 ("오르간") 교향곡 (1886), 그리고 동물들의 카니발 (1886)이 있습니다.

    Saint-Saens는 음악적 신동이었고, 그는 10살에 콘서트에 데뷔했습니다.파리 음악원에서 공부한 후, 그는 처음에 파리 생메리에서 그리고 1858년부터 프랑스 제국의 공식 교회인 라 마들렌에서 교회 오르간 연주자로서 전통적인 경력을 따랐습니다.20년 후 그 자리를 떠난 후, 그는 성공적인 프리랜서 피아니스트이자 작곡가였으며, 유럽과 미국에서 수요가 있었습니다. (전문 기사...)
  • Image 5 Clarke with a viola in 1919 Rebecca Helferich Clarke (27 August 1886 – 13 October 1979) was a British-American classical composer and violist. Internationally renowned as a viola virtuoso, she also became one of the first female professional orchestral players. Rebecca Clarke claimed both British and American nationalities and spent substantial periods of her life in the United States, where she permanently settled after World War II. She was born in Harrow and studied at the Royal Academy of Music and Royal College of Music in London. Stranded in the United States at the outbreak of World War II, she married composer and pianist James Friskin in 1944. Clarke died at her home in New York at the age of 93. Although Clarke's output was not large, her work was recognised for its compositional skill and artistic power. Some of her works have yet to be published (and many were only recently published); those that were published in her lifetime were largely forgotten after she stopped composing. Scholarship and interest in her compositions revived in 1976. The Rebecca Clarke Society was established in 2000 to promote the study and performance of her music. (Full article...)
    1919년에 비올라를 연주한 클라크


    레베카 클라크(, 1886년 8월 27일 ~ 1979년 10월 13일)는 영국계 미국인 작곡가이자 비올리스트입니다.비올라 거장으로 국제적으로 유명한 그녀는 또한 최초의 여성 전문 오케스트라 연주자 중 한 명이 되었습니다.레베카 클라크는 영국과 미국 국적을 모두 주장했고, 그녀의 삶의 상당한 기간을 2차 세계대전 후에 영구적으로 정착한 미국에서 보냈습니다.그녀는 해로우에서 태어났고 런던의 왕립 음악원과 왕립 음악 대학에서 공부했습니다.제2차 세계 대전이 발발하면서 미국에 발이 묶인 그녀는 1944년 작곡가이자 피아니스트인 제임스 프리스킨과 결혼했습니다.클라크는 93세의 나이로 뉴욕에 있는 그녀의 집에서 사망했습니다.

    비록 클라크의 작품이 크지는 않았지만, 그녀의 작품은 작곡 기술과 예술적인 힘으로 인정받았습니다.그녀의 작품들 중 일부는 아직 출판되지 않았습니다; 그리고 많은 것들은 그녀가 작곡을 그만둔 후에 그녀의 일생에 출판된 것들은 대부분 잊혀졌습니다.그녀의 작품에 대한 장학금과 관심은 1976년에 되살아났습니다.레베카 클라크 협회는 그녀의 음악의 연구와 공연을 홍보하기 위해 2000년에 설립되었습니다. (전문 기사...)
  • Image 6 Alan Dudley Bush (22 December 1900 – 31 October 1995) was a British composer, pianist, conductor, teacher and political activist. A committed communist, his uncompromising political beliefs were often reflected in his music. He composed prolifically across a range of genres, but struggled through his lifetime for recognition from the British musical establishment, which largely ignored his works. Bush, from a prosperous middle-class background, enjoyed considerable success as a student at the Royal Academy of Music (RAM) in the early 1920s, and spent much of that decade furthering his compositional and piano-playing skills under distinguished tutors. A two-year period in Berlin in 1929 to 1931, early in the Nazi Party's rise to power, cemented Bush's political convictions and moved him from the mainstream Labour Party to the Communist Party of Great Britain which he joined in 1935. He wrote several large-scale works in the 1930s, and was heavily involved with workers' choirs for whom he composed pageants, choruses and songs. His pro-Soviet stance led to a temporary ban on his music by the BBC in the early years of the Second World War, and his refusal to modify his position in the postwar Cold War era led to a more prolonged semi-ostracism of his music. As a result, the four major operas he wrote between 1950 and 1970 were all premiered in East Germany. (Full article...)
    앨런 더들리 부시(, 1900년 12월 22일 ~ 1995년 10월 31일)는 영국의 작곡가, 피아니스트, 지휘자, 교사, 정치 운동가입니다.헌신적인 공산주의자인 그의 비타협적인 정치적 신념은 종종 그의 음악에 반영되었습니다.그는 다양한 장르에 걸쳐 많은 작곡을 했지만, 그의 작품을 대부분 무시한 영국 음악계로부터 인정받기 위해 평생을 고군분투했습니다.

    부유한 중산층 출신인 부시는 1920년대 초 왕립음악원(RAM)의 학생으로서 상당한 성공을 누렸고, 그 10년의 많은 시간을 저명한 교사 밑에서 작곡과 피아노 연주 기술을 발전시키며 보냈습니다.1929년부터 1931년까지 2년 동안 베를린에서 나치당이 권력을 장악한 초기에, 부시의 정치적 신념을 굳히고 그를 주류 노동당에서 1935년에 가입한 영국 공산당으로 옮겼습니다.그는 1930년대에 여러 개의 대규모 작품을 썼고, 그가 페간트, 합창곡 및 노래를 작곡한 노동자 합창단에 크게 관여했습니다.그의 친소적인 입장은 2차 세계대전 초기에 BBC에 의해 그의 음악에 대한 일시적인 금지로 이어졌고, 전후 냉전 시대에 그의 위치를 수정하는 것을 거부하는 것은 그의 음악에 대한 더 장기적인 반타락주의로 이어졌습니다.그 결과 1950년에서 1970년 사이에 그가 쓴 4대 오페라는 모두 동독에서 초연되었습니다. (전문기사...)
  • Image 7 Britten in 1968, by Hans Wild Edward Benjamin Britten, Baron Britten OM CH (22 November 1913 – 4 December 1976, aged 63) was an English composer, conductor, and pianist. He was a central figure of 20th-century British music, with a range of works including opera, other vocal music, orchestral and chamber pieces. His best-known works include the opera Peter Grimes (1945), the War Requiem (1962) and the orchestral showpiece The Young Person's Guide to the Orchestra (1945). Born in Lowestoft, Suffolk, the son of a dentist, Britten showed talent from an early age. He studied at the Royal College of Music in London and privately with the composer Frank Bridge. Britten first came to public attention with the a cappella choral work A Boy was Born in 1934. With the premiere of Peter Grimes in 1945, he leapt to international fame. Over the next 28 years, he wrote 14 more operas, establishing himself as one of the leading 20th-century composers in the genre. In addition to large-scale operas for Sadler's Wells and Covent Garden, he wrote chamber operas for small forces, suitable for performance in venues of modest size. Among the best known of these is The Turn of the Screw (1954). Recurring themes in his operas include the struggle of an outsider against a hostile society and the corruption of innocence. (Full article...)
    한스 와일드의 1968년 브리튼

    에드워드 벤저민 브리튼OMCH(, 1913년 11월 22일 ~ 1976년 12월 4일)는 영국의 작곡가, 지휘자, 피아니스트입니다.그는 오페라, 다른 성악곡, 관현악곡, 실내악곡을 포함한 다양한 작품을 가진 20세기 영국 음악의 중심 인물이었습니다.그의 가장 잘 알려진 작품들은 오페라 피터 그라임스, 전쟁 레퀴엠, 그리고 오케스트라 쇼피스 "젊은이의 오케스트라 안내서"를 포함합니다.

    서퍽주 로스토프트에서 치과의사의 아들로 태어난 브리튼은 어릴 때부터 재능을 보였습니다.그는 런던에 있는 왕립 음악 대학에서 공부했고 작곡가 프랭크 브리지와 개인적으로 공부했습니다.브리튼은 1934년 아카펠라 합창곡 "소년이 태어났습니다"로 처음 대중의 관심을 받았습니다.1945년 피터 그라임스의 초연으로, 그는 국제적인 명성을 얻었습니다.그 후 28년 동안, 그는 14개의 오페라를 더 썼고, 그 장르에서 선두적인 20세기 작곡가 중 한 명으로 자리매김했습니다.새들러스 웰스와 코벤트 가든을 위한 대규모 오페라 외에도, 그는 적당한 크기의 공연장에서 공연하기에 적합한 작은 힘을 위한 실내 오페라를 썼습니다.그 중 가장 잘 알려진 것은 The Turn of the Screw (1954)입니다.그의 오페라에서 반복되는 주제는 적대적인 사회에 대한 외부인의 투쟁과 순수함의 부패를 포함합니다. (전문 기사...)
  • Image 8 Fanny Hensel, 1842, by Moritz Daniel Oppenheim Fanny Mendelssohn (14 November 1805 – 14 May 1847) was a German composer and pianist of the early Romantic era who was also known as Fanny (Cäcilie) Mendelssohn Bartholdy and, after her marriage, Fanny Hensel (as well as Fanny Mendelssohn Hensel). Her compositions include a piano trio, a piano quartet, an orchestral overture, four cantatas, more than 125 pieces for the piano, and over 250 lieder, most of which went unpublished in her lifetime. Although praised for her piano technique, she rarely gave public performances outside her family circle. She grew up in Berlin and received a thorough musical education from teachers including her mother, as well as the composers Ludwig Berger and Carl Friedrich Zelter. Her younger brother Felix Mendelssohn, also a composer and pianist, shared the same education and the two developed a close relationship. Due to her family's reservations, and to social conventions of the time about the roles of women, six of her songs were published under her brother's name in his Opus 8 and 9 collections. In 1829, she married artist Wilhelm Hensel and, in 1830, they had their only child, Sebastian Hensel. In 1846, despite the continuing ambivalence of her family towards her musical ambitions, Fanny Hensel published a collection of songs as her Opus 1. She died of a stroke in 1847, aged 41. (Full article...)
    모리츠 다니엘 오펜하임의 패니 헨젤, 1842년

    패니 멘델스존(, 1805년 11월 14일 ~ 1847년 5월 14일)은 독일의 작곡가이자 피아니스트로, 패니 멘델스존 바톨디()로도 알려져 있습니다.그녀의 작곡은 피아노 트리오, 피아노 사중주, 관현악 서곡, 4개의 칸타타, 125개 이상의 피아노를 위한 곡들, 그리고 250개 이상의 거짓말을 포함하며, 대부분 그녀의 일생 동안 출판되지 않았습니다.비록 그녀의 피아노 기술로 칭찬받았지만, 그녀는 그녀의 가족 밖에서 공개적인 공연을 거의 하지 않았습니다.

    그녀는 베를린에서 자랐고 작곡가 루트비히 버거와 칼 프리드리히 젤터뿐만 아니라 그녀의 어머니를 포함한 선생님들로부터 철저한 음악 교육을 받았습니다.작곡가이자 피아니스트인 그녀의 남동생 펠릭스 멘델스존은 같은 교육을 받았고 두 사람은 가까운 관계를 발전시켰습니다.그녀의 가족들의 의구심과 여성의 역할에 대한 당시의 사회적 관습 때문에, 그녀의 노래 중 6곡이 그의 Opus 8과 9 모음집에 그녀의 오빠 이름으로 출판되었습니다.1829년, 그녀는 예술가 빌헬름 헨젤과 결혼했고, 1830년, 그들은 그들의 유일한 아이인 세바스찬 헨젤을 낳았습니다.1846년, 그녀의 음악적 야망에 대한 그녀의 가족의 지속적인 양면성에도 불구하고, 패니 헨젤은 그녀의 Opus 1로 노래 모음집을 출판했습니다.그녀는 1847년 41세의 나이로 뇌졸중으로 사망했습니다. (전문 기사...)
  • Image 9 Vaughan Williams c. 1920 Ralph Vaughan Williams OM (/ˌreɪf vɔːn ˈwɪljəmz/ (listen) RAYF vawn WIL-yəmz; 12 October 1872 – 26 August 1958) was an English composer. His works include operas, ballets, chamber music, secular and religious vocal pieces and orchestral compositions including nine symphonies, written over sixty years. Strongly influenced by Tudor music and English folk-song, his output marked a decisive break in British music from its German-dominated style of the 19th century. Vaughan Williams was born to a well-to-do family with strong moral views and a progressive social life. Throughout his life he sought to be of service to his fellow citizens, and believed in making music as available as possible to everybody. He wrote many works for amateur and student performance. He was musically a late developer, not finding his true voice until his late thirties; his studies in 1907–1908 with the French composer Maurice Ravel helped him clarify the textures of his music and free it from Teutonic influences. (Full article...)
    Semi-profile of European man in early middle age, clean-shaven, with full head of dark hair
    본 윌리엄스 1920

    랠프 본 윌리엄스OM (/ˌreɪf vːɪnˈwəljɔmz/ (듣기)RAYvawn WIL-yəmz(, 1872년 10월 12일 ~ 1958년 8월 26일)는 영국의 작곡가입니다.그의 작품에는 오페라, 발레, 실내악, 세속적이고 종교적인 성악곡, 그리고 60년 동안 쓰여진 9개의 교향곡을 포함한 관현악곡이 포함됩니다.튜더 음악과 영국 민요에 강한 영향을 받은 그의 작품은 19세기 독일이 지배했던 스타일에서 영국 음악의 결정적인 단절을 기록했습니다.

    Vaughan Williams는 강한 도덕관과 진보적인 사회 생활을 가진 부유한 가정에서 태어났습니다.일생 동안 그는 동료 시민들에게 도움이 되기를 원했고, 가능한 한 모든 사람들이 음악을 이용할 수 있도록 하는 것을 믿었습니다.그는 아마추어와 학생들의 공연을 위해 많은 작품을 썼습니다.그는 음악적으로 늦은 개발자였고, 30대 후반까지 그의 진정한 목소리를 찾지 못했습니다; 1907-1908년 프랑스 작곡가 모리스 라벨과 함께 한 그의 연구는 그가 그의 음악의 질감을 명확하게 하고 튜토닉의 영향으로부터 자유롭게 하는 데 도움을 주었습니다. (전문 기사...)
  • Image 10 Offenbach in the 1860s Jacques Offenbach (/ˈɒfənbɑːx/, also US: /ˈɔːf-/, French: [ʒak ɔfɛnbak], German: [ˈʔɔfn̩bax] (listen); 20 June 1819 – 5 October 1880) was a German-born French composer, cellist and impresario of the Romantic period. He is remembered for his nearly 100 operettas of the 1850s to the 1870s, and his uncompleted opera The Tales of Hoffmann. He was a powerful influence on later composers of the operetta genre, particularly Johann Strauss Jr. and Arthur Sullivan. His best-known works were continually revived during the 20th century, and many of his operettas continue to be staged in the 21st. The Tales of Hoffmann remains part of the standard opera repertory. Born in Cologne, the son of a synagogue cantor, Offenbach showed early musical talent. At the age of 14, he was accepted as a student at the Paris Conservatoire but found academic study unfulfilling and left after a year. From 1835 to 1855 he earned his living as a cellist, achieving international fame, and as a conductor. His ambition, however, was to compose comic pieces for the musical theatre. Finding the management of Paris' Opéra-Comique company uninterested in staging his works, in 1855 he leased a small theatre in the Champs-Élysées. There he presented a series of his own small-scale pieces, many of which became popular. (Full article...)
    1860년대의 오펜바흐

    자크 오펜바흐(, 1819년 6월 20일 ~ 1880년 10월 5일)는 독일 태생의 프랑스 작곡가, 첼리스트, 감독입니다.그는 1850년대부터 1870년대까지 거의 100개의 오페라 레타와 완성되지 않은 오페라 호프만 이야기로 기억됩니다.그는 오페라 장르의 후기 작곡가들, 특히 요한 슈트라우스 주니어와 아서 설리번에게 강력한 영향을 미쳤습니다.그의 가장 잘 알려진 작품들은 20세기 동안 계속해서 되살아났고, 그의 많은 오페라들은 21세기에 계속해서 무대에 올려집니다.호프만 이야기는 표준 오페라 레퍼토리의 일부로 남아 있습니다.

    오펜바흐는 쾰른에서 시나고그 칸토르의 아들로 태어나 초기 음악적 재능을 보여주었습니다.14살에, 그는 파리 음악원의 학생으로 받아들여졌지만 학업이 성취되지 못한 것을 발견하고 1년 후에 떠났습니다.1835년부터 1855년까지 그는 첼리스트로서, 국제적인 명성을 얻고, 지휘자로서 그의 삶을 얻었습니다.하지만 그의 야망은 뮤지컬 극장을 위한 만화 작품을 작곡하는 것이었습니다.파리의 오페라 코미크 회사의 경영진이 그의 작품을 상연하는 데 관심이 없다는 것을 알게 된 그는 1855년 샹젤리제에 작은 극장을 임대했습니다.거기서 그는 자신의 소규모 작품 시리즈를 선보였는데, 그 중 많은 작품들이 인기를 끌었습니다. (전문 기사...)
  • Image 11 Widmann in 2006 Jörg Widmann (born 19 June 1973) is a German composer, conductor and clarinetist. In 2018, Widmann was the third most performed contemporary composer in the world. Formerly a clarinet and composition professor at the University of Music Freiburg, he is composition professor at the Barenboim–Said Akademie. His most important compositions are the two operas Babylon and Das Gesicht im Spiegel, an oratorio Arche, Kantate and the concert overture Con brio. Widmann has written musical tributes to Classical and Romantic composers. He was awarded the Bavarian Maximilian Order for Science and Art in 2018 and the Bach Prize of the Free and Hanseatic City of Hamburg in 2023. His sister is the German classical violinist Carolin Widmann. (Full article...)

    2006년 위드만

    외르크 비르트만(, 1973년 6월 19일 ~ )은 독일의 작곡가, 지휘자, 클라리넷 연주자입니다.2018년, 위드만은 세계에서 세 번째로 가장 많이 공연된 현대 작곡가였습니다.프라이부르크 음악 대학의 클라리넷 및 작곡 교수였던 그는 바렌보임-사이드 아카데미의 작곡 교수입니다.그의 가장 중요한 작곡은 두 개의 오페라 바빌론과 Das Gesichtim Spiegel, 오라토리오 아르케, 칸타테 그리고 콘브리오 콘서트 서곡입니다.Widmann은 고전과 낭만주의 작곡가들에게 음악적인 찬사를 썼습니다.그는 2018년 바이에른 막시밀리안 과학 예술 훈장과 2023년 함부르크 자유 한자 도시의 바흐 상을 수상했습니다.그의 여동생은 독일의 클래식 바이올리니스트 카롤린 비트만입니다. (전문...)
  • Image 12 Charles-Valentin Alkan, c. 1835. Portrait by Édouard Dubufe Charles-Valentin Alkan (French: [ʃaʁl valɑ̃tɛ̃ alkɑ̃]; 30 November 1813 – 29 March 1888) was a French composer and virtuoso pianist. At the height of his fame in the 1830s and 1840s he was, alongside his friends and colleagues Frédéric Chopin and Franz Liszt, among the leading pianists in Paris, a city in which he spent virtually his entire life. Alkan earned many awards at the Conservatoire de Paris, which he entered before he was six. His career in the salons and concert halls of Paris was marked by his occasional long withdrawals from public performance, for personal reasons. Although he had a wide circle of friends and acquaintances in the Parisian artistic world, including Eugène Delacroix and George Sand, from 1848 he began to adopt a reclusive life style, while continuing with his compositions – virtually all of which are for the keyboard. During this period he published, among other works, his collections of large-scale studies in all the major keys (Op. 35) and all the minor keys (Op. 39). The latter includes his Symphony for Solo Piano (Op. 39, nos. 4–7) and Concerto for Solo Piano (Op. 39, nos. 8–10), which are often considered among his masterpieces and are of great musical and technical complexity. Alkan emerged from self-imposed retirement in the 1870s to give a series of recitals that were attended by a new generation of French musicians. (Full article...)
    찰스발렌타인 알칸, 1835년경에두아르 뒤뷔페의 초상화


    샤를발랑 알캉(, 1813년 11월 30일 ~ 1888년 3월 29일)은 프랑스의 피아니스트이자 작곡가입니다.1830년대와 1840년대에 그의 명성이 절정에 달했을 때, 그는 그의 친구들과 동료인 프레데릭 쇼팽, 프란츠 리스트와 함께 그가 거의 평생을 보낸 도시인 파리의 선두적인 피아니스트들 중 한 명이었습니다.

    알칸은 그가 6살이 되기 전에 입학한 파리 음악원에서 많은 상을 받았습니다.파리의 살롱과 콘서트 홀에서의 그의 경력은 개인적인 이유로 공공 공연에서 가끔 장기간 탈퇴하는 것으로 특징지어졌습니다.그는 외젠 들라크루아와 조지 샌드를 포함한 파리 예술계에서 폭넓은 친구들과 지인들을 가지고 있었지만, 1848년부터 그는 은둔적인 생활 방식을 채택하기 시작했고, 거의 모든 것이 키보드를 위한 그의 작곡을 계속했습니다.이 기간 동안 그는 다른 작품들 중에서도 모든 주요 키와 모든 부조 키로 된 대규모 연구 모음집을 출판했습니다.후자는 종종 그의 걸작들 중에 고려되고 음악적으로 그리고 기술적으로 매우 복잡한 그의 솔로 피아노를 위한 교향곡 (Op. 39, No. 4–7)과 솔로 피아노를 위한 협주곡 (Op. 39, No. 8–10)을 포함합니다.알칸은 1870년대 프랑스 음악가들의 새로운 세대가 참석한 일련의 리사이틀을 열기 위해 스스로 은퇴를 선언했습니다. (전문 기사...
  • Image 13 Debussy in 1908 (Achille) Claude Debussy (French: [aʃil klod dəbysi]; 22 August 1862 – 25 March 1918) was a French composer. He is sometimes seen as the first Impressionist composer, although he vigorously rejected the term. He was among the most influential composers of the late 19th and early 20th centuries. Born to a family of modest means and little cultural involvement, Debussy showed enough musical talent to be admitted at the age of ten to France's leading music college, the Conservatoire de Paris. He originally studied the piano, but found his vocation in innovative composition, despite the disapproval of the Conservatoire's conservative professors. He took many years to develop his mature style, and was nearly 40 when he achieved international fame in 1902 with the only opera he completed, Pelléas et Mélisande. (Full article...)
    head and shoulders photograph of middle-aged, white, dark-haired, bearded man
    1908년 드뷔시


    클로드 드뷔시(, 1862년 8월 22일 ~ 1918년 3월 25일)는 프랑스의 작곡가입니다.비록 그가 이 용어를 강력하게 거부했지만, 그는 때때로 최초의 인상주의 작곡가로 여겨집니다.그는 19세기 말과 20세기 초에 가장 영향력 있는 작곡가 중 한 명이었습니다.

    검소한 재산과 문화적 관여가 거의 없는 가정에서 태어난 드뷔시는 10살 때 프랑스의 대표적인 음악 대학인 파리 음악원에 입학할 수 있을 만큼 충분한 음악적 재능을 보여주었습니다.그는 원래 피아노를 공부했지만, 음악원의 보수적인 교수들의 반대에도 불구하고 혁신적인 작곡에서 그의 천직을 찾았습니다.그는 그의 성숙한 스타일을 개발하는 데 많은 시간이 걸렸고, 1902년 그가 완성한 유일한 오페라인 펠레아스와 멜리산드로 국제적인 명성을 얻었을 때 거의 40세였습니다. (전문 기사...)
  • Image 14 A l’arme A l’arme by Grimace, verso 55 from the Chantilly Codex Grimace (fl. mid-to-late 14th century; French: [ɡʁi.mas]; also Grymace, Grimache or Magister Grimache) was a French composer-poet in the ars nova style of late medieval music. Virtually nothing is known about Grimace's life other than speculative information based on the circumstances and content of his five surviving compositions of formes fixes; three ballades, a virelai and rondeau. He is thought to have been a younger contemporary of Guillaume de Machaut and based in southern France. Three of his works were included in the Chantilly Codex, which is an important source of ars subtilior music. However, along with P. des Molins, Jehan Vaillant and F. Andrieu, Grimace was one of the post-Machaut generation whose music shows few distinctly ars subtilior features, leading scholars to recognize Grimace's work as closer to the ars nova style of Machaut. His best known and most often performed work in modern-times is the virelai and proto-battaglia: A l’arme A l’arme. (Full article...)
    그림체의 알렘 알렘, 샹틸리 코덱스의 55번 대소.


    그리마체 fl.(14세기 중후반; 프랑스어: ʁɡi.mas; 그리마체, 그리마체 또는 매기스터 그리마슈)는 중세 후기 음악의 아르스노바 스타일의 프랑스 작곡가이자 시인입니다.그림스의 삶에 대해서는 세 개의 발라드, 비렐라이, 론도와 같은 다섯 개의 현존하는 형태 수정 작곡의 환경과 내용에 근거한 추측 정보 외에는 거의 알려진 것이 없습니다.그는 프랑스 남부에 기반을 둔 기욤 드 마초와 동시대의 젊은 사람으로 생각됩니다.그의 세 작품은 아르스 하위 음악의 중요한 원천인 샹틸리 코덱스에 포함되었습니다.하지만, P. des Molins, Jehan Vaillant, 그리고 F.와 함께. Andrieu, Grimace는 음악이 뚜렷한 아르스노바 스타일의 마초트 이후 세대 중 한 명으로, 학자들이 Grimace의 작품을 아르스노바 스타일에 더 가깝다고 인식하도록 이끌었습니다.그의 가장 잘 알려져 있고 현대에 가장 자주 공연된 작품은 비렐라이와 바타글리아조어입니다.'알림알림' (전문...)
  • Image 15 Gustav Mahler, photographed in 1907 by Moritz Nähr at the end of his period as director of the Vienna Hofoper Gustav Mahler (German: [ˈɡʊstaf ˈmaːlɐ]; 7 July 1860 – 18 May 1911) was an Austro-Bohemian Romantic composer, and one of the leading conductors of his generation. As a composer he acted as a bridge between the 19th-century Austro-German tradition and the modernism of the early 20th century. While in his lifetime his status as a conductor was established beyond question, his own music gained wide popularity only after periods of relative neglect, which included a ban on its performance in much of Europe during the Nazi era. After 1945 his compositions were rediscovered by a new generation of listeners; Mahler then became one of the most frequently performed and recorded of all composers, a position he has sustained into the 21st century. Born in Bohemia (then part of the Austrian Empire) to Jewish parents of humble origins, the German-speaking Mahler displayed his musical gifts at an early age. After graduating from the Vienna Conservatory in 1878, he held a succession of conducting posts of rising importance in the opera houses of Europe, culminating in his appointment in 1897 as director of the Vienna Court Opera (Hofoper). During his ten years in Vienna, Mahler—who had converted to Catholicism to secure the post—experienced regular opposition and hostility from the anti-Semitic press. Nevertheless, his innovative productions and insistence on the highest performance standards ensured his reputation as one of the greatest of opera conductors, particularly as an interpreter of the stage works of Wagner, Mozart, and Tchaikovsky. Late in his life he was briefly director of New York's Metropolitan Opera and the New York Philharmonic. (Full article...)
    Middle-aged man, seated, facing towards the left but head turned towards the right. He has a high forehead, rimless glasses and is wearing a dark, crumpled suit
    구스타프 말러, 1907년 모리츠 네르가 비엔나 호퍼의 감독으로 임기 말에 찍은 사진


    구스타프 말러(Gustav Mahler, 1860년 7월 7일 ~ 1911년 5월 18일)는 오스트리아-보헤미아의 낭만주의 작곡가이자 그의 세대의 주요 지휘자 중 한 명입니다.작곡가로서 그는 19세기 오스트리아-독일 전통과 20세기 초 모더니즘 사이의 다리 역할을 했습니다.그의 일생 동안 지휘자로서의 그의 지위는 의심할 여지 없이 확립되었지만, 그의 음악은 나치 시대 동안 유럽의 많은 지역에서 공연 금지를 포함한 상대적으로 무시된 기간 이후에야 널리 인기를 얻었습니다.1945년 이후 그의 작곡은 새로운 세대의 청취자들에 의해 재발견되었습니다; 그리고 나서 말러는 21세기까지 그가 유지해온 지위인 모든 작곡가들 중 가장 자주 연주되고 녹음된 사람들 중 하나가 되었습니다.

    보헤미아(당시 오스트리아 제국의 일부)에서 비천한 출신의 유대인 부모 사이에서 태어난 독일어를 구사하는 말러는 어린 나이에 음악적 재능을 발휘했습니다.1878년 빈 음악원을 졸업한 후, 그는 유럽의 오페라 하우스에서 중요성이 증가하는 지휘자직을 연속적으로 맡았고, 1897년 빈 궁정 오페라 (호퍼)의 감독으로 임명되었습니다.말러는 비엔나에서 10년 동안 그 자리를 지키기 위해 가톨릭으로 개종했고, 반유대주의 언론으로부터 정기적인 반대와 적대감을 경험했습니다.그럼에도 불구하고, 그의 혁신적인 작품들과 최고의 공연 기준에 대한 고집은 특히 바그너, 모차르트, 그리고 차이코프스키의 무대 작품들의 통역사로서 그의 명성을 보장했습니다.말년에 그는 잠시 뉴욕 메트로폴리탄 오페라와 뉴욕 필하모닉의 감독을 맡았습니다. (전문 기사...)
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아르스 하위 항목 c.1360–1420
르네상스 c.1400–1600
바로크 시대로의 전환
공통실습기간
바로크 c.1580–1750
갈란트 음악 c.1720–1770
엠핀셋케잇 c.1740년대-1780년
고전적인 c.1750–1820
만하임 학파 c.1740년대-1780년
스투르문드 드랑 c.1770년대
낭만주의로 전환
로맨틱 c.1800–1910
19세기 후반, 20세기, 21세기
모더니즘 c.1890–1975
인상주의 c.1890–1930
표현주의 c.1900–1930
신고전주의 c.1920–1950
연속주의 c.1920–1975
컨템포러리1950년부터
미니멀리즘1960년부터
포스트모더니즘1960년대부터
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