오르가눔

Organum
이 기사는 음악 스타일에 관한 것이다. 악기는 오르간(계기)을 참조하십시오. 실험 그룹은 David Jackman을 참조하십시오.
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중세 음악
개요
운동과 학교
주요 수치
주요 양식

오르가눔[a](/ˈɔrrɡnəm/)은 일반적으로 중세에 발달한 하모니를 높이기 위해 적어도 하나의 음성을 더하는 담백한 선율이다. 찬트의 모드와 형식에 따라, 지지 베이스 라인(또는 부르던)을 같은 텍스트로 부르거나, 멜로디를 병렬 동작(병렬 오르간)으로 따르거나, 이 두 기법의 조합을 사용할 수 있다. 진정한 독립된 제2의 목소리가 존재하지 않기 때문에, 이것은 이단성의 한 형태다. 초기 단계에서 오르간에는 두 가지 음악적 음성이 포함되었다: 그레고리오 성가 선율과 같은 선율이 자음 간격에 의해 전치되었으며, 보통 완벽한 5번째 또는 4번째 선율이 되었다. 이 경우 작곡은 종종 일제히 시작되어 종료되는 경우가 많으며, 첫 번째 부분이 5번째 또는 4번째에 이를 때까지 추가된 음성은 두 음성이 평행하게 진행되어 마지막에 역순으로 진행되었다. 오르가눔은 원래 즉흥적으로 연주된 곡으로, 한 가수가 공증 멜로디(복스 주곡)를 연주하는 동안, 또 다른 가수는 "귀로"를 부르며 눈에 띄지 않는 두 번째 멜로디(복스 오르가날리스)를 제공했다. 시간이 흐르면서 작곡가들은 단순한 전이가 아닌 추가 파트를 쓰기 시작했고, 따라서 진정한 다성음악을 창조했다.

역사

초기 오르간

오르가눔을 구체적으로 설명하고 그 수행에 대한 규칙을 제시한 첫 번째 문서는 전통적으로 세인트의 후크발트(Hucbald)에서 유래한 논문인 Musica echiriadis (c. 895년)이다. 아만드. 오르가눔을 가르치는 가장 오래된 방법은 스콜리카와 밤베르크 대화창에서, 뮤카 엔치리아디스와 함께 찾을 수 있다. 다성음악을 발달시킨 사회들은 대개 그들의 문화에서 발견되는 여러 종류의 다성음악을 가지고 있다. 원래 개념에서 오르간음은 현대적 의미에서 다성음악으로 의도된 것이 결코 아니다; 추가된 음성은 고성절의 중요성이 높은 때에 평야를 강화하거나 조화롭게 강화하여 리투르기의 화려함을 더하기 위해 의도된 것이다. 성스러운 건축과 음악의 아날로그적 진화는 명백하다: 이전 세기 동안 단음질 미사는 12세기와 13세기 동안 복음주의 교회들에서 기념되었다. 새로이 성당화된 성당들은 더욱 복잡한 형태의 다성음으로 울려퍼졌다. 다성음악의 진화에서 정확히 어떤 발전이 언제 어디서 일어났는지는 정확히 알 수 없지만, 일부 랜드마크는 논문에서 볼 수 있다. 이러한 경우처럼, '실제적인' 실천요강을 기술하든, 편차를 기술하든, 논문의 상대적인 중요성을 평가하기는 어렵다. 11세기와 12세기에 나타난 창조적 폭발의 이면에 있는 핵심 개념은 차원의 수직적이고 조화로운 팽창이며, 유기체의 강하게 울려 퍼진 조화가 축제의 화려함을 확대시키고 엄숙함을 고조시켰기 때문이다.[citation needed]

오르간과 관련된 초기 유럽 정보원은 그것을 잘 알려진 관행으로 간주한다.[4] 오르가눔은 또한 여러 다른 의식에서 행해진 것으로 알려져 있지만, 그 역사에 관한 정보의 주요 우물은 그레고리우스 성가로부터 온다. 훈련된 가수들이 수세기 전의 구전 전통을 구현한 것을 고려하면, 성가 레퍼토리의 작은 부분을 병렬적인 조화나 다른 "귀로 노래하는" 방법의 직접적인 이성으로 노래하는 것은 자연스럽게 다가올 것이다.[citation needed] 남녀노소가 함께 노래할 때 이런 두 배가 불가피했기 때문에, 뮤지카 엔치리아디스에서는 옥타브 더블링(매거디케이션)이 허용되었다는 것이 명백하다. 9세기 논문 Scolica enchiriadis는 그 주제를 더 자세히 다룬다. 병렬 노래의 경우, 원래 음성은 윗목, 복스 주음이고 복스 오르가니스는 아래 평행 완벽한 간격, 보통 4분의 1이었다. 따라서 선율은 주성, 복스 오르가니스는 반주 또는 조화 강화로 들릴 것이다. 이러한 종류의 오르가눔은 초기 치료에서 신포니아나 발열체와 같은 용어가 사용되었지만 지금은 보통 평행 오르가눔이라고 불린다.[citation needed]

오르가눔의 역사는 가장 위대한 두 혁신자 레오닌과 페로틴이 없이는 완성되지 못할 것이다. 이 두 남자는 "다양성 음악의 첫 국제 작곡가"[5]이다. 레오닌과 페로틴의 혁신은 리듬 모드의 발전을 나타낸다. 이러한 혁신은 그레고리오 성가의 형식에 기초하고 있으며, 이론적인 리듬 체계를 고수하고 있다. 아우구스티누스. 음악을 펜으로 쓰는 방법이 바뀌어도 테너 라인의 표기법이 그대로 유지되도록 한 것은 작곡가의 캔투스 프리다누스에 대한 사랑이다. 그러나 이 두 사람을 위대하게 만드는 것은 모달 리듬의 사용이었다. 모달 리듬은 일정한 패턴으로 배열된 (보통) 불평등한 음의 연속이라고 명확하게 정의된다. 노트르담 작곡가의 음악적 리듬의 발달은 음악이 텍스트와의 관계에서 자유로울 수 있도록 했다. 레오닌이 오르가눔을 많이 작곡한 것은 잘 알려진 일이지만, 여러 세대의 오르가눔과 모테 작곡가들로 하여금 리듬 모드의 원리를 이용하게 만든 것은 레오닌의 오르가눔 퓨럼을 수정하는데 많은 시간을 할애한 페로틴의 혁신이었다.

노트르담 학교

주요 기사: 노트르담 학교

소르본대학이 모두 프랑스인이 아닌 많은 학생들을 끌어들인 유명한 기관이 되면서 12세기 동안 파리에서 문화와 지적 생활이 번창했다.[citation needed] 1163년에서 1238년 사이에 노틀담 대성당의 건립이 이루어졌으며, 이 시기는 파리 오르가눔 스타일의 다양한 발전 단계와 일치한다. 노트르담 대성당과 파리대학은 12세기와 13세기에 음악적 구성의 중심이자 음악적 이론의 전달자 역할을 했다. 노트르담 학교에 레오닌과 페로틴이 존재하면서 파리는 12세기 음악계의 중심지가 되었다. 노트르담의 마기스터 칸투스, 레오닌은 '마그누스 자유 오르가니 데 그라달리 엣 안티호나리오'를 편찬했다. 레오닌은 매년 주기의 주요 소송 의식을 위해 알레루아, 미사의 점진, 베스퍼스의 베네디카무스 도미노와 같은 기존 구호를 바탕으로 오르가나 듀플라를 썼다. 나중에 생각해보면, 이것은 단일 작곡가의 귀속된 첫 번째 대규모 프로젝트였기 때문에 주요한 사건으로 판명되었다. 최초의 교회성년인 미사와 집무실에서의 실용화를 위한 편찬일 뿐만 아니라, 창작 원리로서 리듬모드의 활용을 소개한다. 따라서 파리학파의 오르간(Organum)에 대한 논의에서 '모달(modal)'이나 '모드(mode)'라는 단어를 사용할 때, 리듬 모드를 지칭하며 특히 멜로디를 지배하는 음악적 모드를 지칭하지 않는다.

레오닌의 오르가나 데 그라달리 엣 안티호나리오에서는 오르가눔 푸룸과 "산타쿠스"라는 두 가지 형태의 오르가눔 기법이 뚜렷이 나타난다. "베네디카무스 도미노"는 사용된 원칙의 완벽한 예다. "베네디카무스"는 대개 혼합 음절이다. 대부분 한 음절당 두 음절의 텍스트를 가지고 있다는 점에서, 이것은 지속적인 테너 위에 플로랄 오르간으로 설정된다. "Domino"는 멜리사틱 스타일로 설정된 그레고리안 형식이며 음절에 3개 이상의 음절이 있고 여기서 테너와 듀플럼은 모두 6개의 리듬 모드로 설정된 원반투스로 진행되며, 지속적인 테너에 대한 화려한 숙성으로 마무리된다. 그러므로, 더 큰 텍스트에서, 단어가 음악에 어떻게 설정되었는지에 따라, 음절 부분(연대가 없고 따라서 비모달)은 오르간 푸룸으로 끝나게 된다: 테너는 오르간 음성이 주로 결합과 복합 네임으로 쓰여진 새로운 플로리드 선을 가리는 새로운 음조의 각각의 음을 유지한다. 대부분 옥타브인 자음에서 시작하여, 때때로 7-8과 1로 리드하는 이중 [clarification needed]선은 다른 음절에서 다른 음절이 만들어지는 멜리스마 끝에서 조화의 변화를 이루면서 테너와의 조화로운 상호작용을 탐구한다. 그레고리우스 성가가 더 이상 음절의 음절은 아니지만 끈과 멜리사스를 사용하는 경우, 두 음성은 모두 리듬 모드로 진행된다. 단어나 구절의 마지막 음절에 테너가 음절 또는 마지막 음조를 유지한 후 이중음이 다시 꽃다운 숙성으로 전환되어 일치된 것으로 결론지어진다. 따라서 레오닌의 오르가눔 듀플럼에서는 이러한 구성 관용구들이 마지막 구절의 단음절 성어로 결론지어지는 완전한 다음절 설정 전반에 걸쳐 교대로 나타난다. 따라서 다시 요약하면, 오르간격자[clarification needed] 부분의 세 가지 다른 스타일이 교대로, 본문에 따라 연계되어, 본문의 마지막 부분은 단음절 성창으로 합창하게[clarification needed] 된다. 그 구절은 같은 원리에 따라 짜여진다.

노틀담 학교인 Anonymous IV, Yohanes de Garlandia, the St. 몇 가지만 말하자면, 쾰른의 엠메람 어나니머스나 프랑코는 항상 원하는 만큼 명확하지는 않다. 그럼에도 불구하고, 그들의 글의 비교 연구로부터 많은 정보가 증류될 수 있다. 오르가눔 푸름은 오르가눔의 세 가지 스타일 중 하나로, 음절이 음절이기 때문에 테너가 모달일 수 없는 부분에 사용된다. 이 구호가 끈을 사용하는 순간 테너는 모달(modal)이 되고 그것이 불분명한 상태가 되어 버리게 되는데, 이것이 두 번째 형태인 것이다.[clarification needed] 세 번째 형태는 요하네스 드 갈란디아(Johanes de Garlandia)의 말에 따르면 "오르간음과 소멸 사이에 있다"[6]고 하며, Waite에 따르면 모달과 비모달 섹션 사이의 브리지 섹션이다. 대부분의 경우 우리는 갈란디아를 그가 말하는 오르간과 분열 사이에서 문자 그대로 받아들일 수 있을 것 같다. 오르가나 듀플라의 경우, 코풀라는 짧은 지적 오르가눔 부분과 매우 유사하지만 오르가나 삼엽이나 전도에서는 불규칙한 표기법이 사용되는 것으로 보인다. 끈의 마지막 음에는 음을 작은 값으로 나누는 플리카가 부착되어 있거나, 일련의 절연 휴지가 두 부분 연속적으로 사용되어 호켓이라고도 불리는 것을 만든다. 이러한 특징들은 또한 특수 캐디나 캐디 준비의 2부 원반에서도 자주 발견될 수 있는데, 여기서 이들을 "코풀래"라고도 한다. Garlandia는 간단히 다음과 같이 말한다: "코풀라는 많은 줄이 있는 곳에 있다."[6] 플리케 또는 휴게소를 참조한다. 따라서 점진적, 대응적 또는 알레루아의 시로서 텍스트로 된 구절의 오르간 듀플럼은 다음과 같이 도식화할 수 있다.

  • 기관(Organum)으로 설정된 텍스트의 시작:
  • 오르가눔 푸룸 >> 코풀라 >>
  • 디스칸투스 >> 코풀라 >>
  • 오르가눔 푸룸 >> 코풀라 >>
  • 디스칸투스 >> 코풀라 >>
  • 텍스트 합창단 마감선

노트르담 레퍼토리에서 알레루아 자체는 오프닝 부분, 이우빌루스 이전의 장기적 발성인 마지막 음절의 장기적 발성인 합창곡자만이 작곡되어 있으며, 이와 같이 현존하는 모든 원고는 존재하지 않는다. 위에서 설명한 일반 원칙은 알레루아 5에서와 같이 자유롭게 사용되어 왔다. 디즈 생티파투스는 디(-es)에 있는 테너의 모든 음에 대해 현명하게 대형 비모달 플로리드 섹션으로 설정된 작은 멜리스마에서 출발하며, 처음부터 디스커스의 짧은 섹션이 있는 대신 'nò(-bis)'를 위한 디칸투스를 예약한다.

영국 학생인 Anonymous IV에 따르면, 파리 오르가눔과 그 작곡가들에 대한 사실의 정보를 최소한 몇 조각 제공한 ca.1275를 쓴 "페로틴은 디스칸투스의 최고의 작곡가"라고 한다. 페로틴은 3부 오르간툼(Organum Triplum)에서 원반투스를 더욱 발전시켰으며, 두 기관 목소리가 원반투스에 있다. 오르가눔은 3부 오르가나에서는 불가능하며, 3부 모두 모달이며 리듬 모드에 따라 정리할 필요가 있다. 페로틴은 새해 첫날인 1198년과 성탄절인 1199년 노트르담에서 공연된 4부 오르가나(quadrupla), '비데룬트 옴(Viderunt omnes)', '세데룬트 프린세스(Sederunt principles)'까지 작곡했다. 스테판(Odon de Sully, 파리 주교 Odon de Sully의 포고령은 'organa tripla vel squidpla'의 수행을 명기하고 있다) 오르가나와 별도로, 페로틴은 아키타니아 대(Aquitan Bands)의 형태를 확장시켰는데, 그 후로는 전도체라고 불렸다. 임의의 전도체는 새로운 텍스트에 대한 새로운 구성으로, 항상 리듬 모드로 구성된다. 페로틴은 필립 르 챈슬러에 의해 여러 개의 텍스트를 설정했고, 어떤 텍스트는 현대적인 사건을 가리킨다. 1~2부 전도체는 큰 부분을 형성하지만, 1 내지 4명의 목소리에는 전도체가 존재한다. 3, 4부 컨덕터는 필연적으로 원반투스 스타일로 구성된다. 오르가나 삼극에서처럼 세 개의 목소리(4개)를 다루는 것은 듀플라에서 발견되는 리듬의 자유를 배제한다. 전도에서는 'cum litera'와 'sine litera', 텍스트 섹션과 멜리스마틱 섹션이 구별된다. 텍스트로 된 부품은 때때로 모달 측정치를 초과한 다음 멜리스마틱 부분에서 다시 정규 모드로 떨어질 수 있다. 다시 Anonymous IV에 따르면, 페로틴은 레오닌에 의해 오르가나 듀플라의 수많은 대체 클로스울레를 썼다. 원소절의 오르가나 듀플라의 테너가 항상 5모드(리듬 그룹 오딘의 모든 길이)로 진행됨에 따라 레오닌에서 제거된 세대였던 페로틴은 테너에 대한 다른 모드와 듀플라의 새로운 멜로디 라인을 도입하여 이를 개선하는데 적합하게 되어 섹션의 리듬 조직과 다양성을 높였다. 그러나 노트르담 레퍼토리(F)의 최대 편찬에는 462개 이상의 클로스쿨레퍼토리(Domino, 변종 설정의 가우드비트)가 존재한다고 한다.[7][page needed] '다양한 스타일과 다양한 역량으로 쓰여져 있다' 추가 혁신은 W2에서 발견될 모텔러스였는데, 여기서 원판단면의 윗부분에는 새로운 텍스트가 제공되어 테너가 단음절의 음절을 발음할 때 윗부분은 몇 개의 음절이나 단어를 발음하게 된다. 그런 만큼 긴 멜리샤를 새롭고 부가적인 단어로 바꿔가며 작곡한 프로술라를 떠올리게 한다. 이것은 서로 다른 두 개의 텍스트가 조화롭게 노래된 첫 번째 예일 것이다. 그 결과, 모텔로스는 불분명한 다문체 작품인 모테를 탄생시켰고, 이는 곧 다작의 작곡 형태가 되면서 분명히 많은 창의력을 불러일으켰다.

파리에서 만들어진 오르가나는 유럽 전역에 전파되었다. The three main sources are W1, St. Andrews, Wolfenbüttel 677, olim Helmstedt 628; the large and illuminated copy made in Florence, owned by Piero de Medici, the Pluteo 29.1 of the Bibliotheca Mediceo-Laurenziana (F), which is by far the most extensive copy of the repertory. 마지막으로 W2, 울펜뷔텔 1206, 올림 헬름스테트 1099, 최신형(가장 많은 수의 모테트를 포함한다).

오르가나 듀플라에는 상대적인 리듬의 자유를 지지하는 주장이 있지만, 음악의 해석은 항상 모달이나 프랑코니아 원리에 따라야 한다면서 이를 반박하는 의견도 있다.[weasel words] 빌리 아펠과 윌리엄 G. 와이트는 엄격한 모달 해석을 고집했다.[8][7] 그의 논문에서 와이트, 특히 4장에서: 오르가눔 듀플럼의 표기법은 오르가눔 듀플럼과 단음이의 행위에서 상대적 자유가 취했을 수도 있다는 것을 인정했지만, 그는 레오닌의 마그누스 리베 오르가니의 선택을 엄격한 모달 리듬으로 옮겨 놓았다. 아펠은 노트르담 오르가나의 모달 리듬에 의해 생성된 불협화음의 오랜 가치들(조화성의 기본 원리에 위배됨)은 "불협화음이 나타나면 테너가 멈춤"이라는 몇몇 중세 이론가들의 진술로 화해할 수 있다고 주장했다.[9] 오늘날까지, 과학자들의 의무대로, 해석에 대한 논쟁은 평상시처럼 진행된다.[citation needed][clarification needed] 하지만 웨이트."... 하지만[웨이트의]견해는 전체 원금[매그너스 리베르 Organi의]은 율동적인 모드에 따라 복사되어야 한다 더 이상 받아들여진다"(피터 제프리는 표기법 교육 과정에서 중세 음악 1100–1450(music205), Princ 54세이고 그의 관점 진행 중인 연구로 대체되었다 ago[표창 필요한]을 발표했다.eton).[전체 표창 필요한]

노트르담 리퍼토리(F와 W2)를 수록한 후기 두 원고에서 발견되는 형식의 작품 범위에서는 (강력한) 모달과 그렇지 않은 것 등 한 부류의 구별을 할 수 있다. 음절 설정의 오르간 퓨럼 부분에 있는 오르간 이중, 2부로 구성된 전도체의 누적된 부분, 일반적으로 코풀래, 단음 전도 등은 엄격하게 모달되지 않는 레퍼토리의 일부일 것이다. 단조로운 노래에서는 페로틴의 성가든 전도성 심플렉스든, 당시 뿌리내린 전통이었던 선언에 대한 고전적 기준에서 벗어나 성으로 돌아갈 필요가 있다. 아우구스티누스의 드 뮤지카. 성가 전통(Gregorian Semiology)에 대한 광범위한 연구에 의해 성가 공연도 지배해야 하는 선언적 연설의 리듬에 유창성과 다양성이[clarification needed] 있다는 것이 확고히 확립되었다. 이러한 원칙은 음악적 멘수라빌리스와 대조되는 품질로서 엄격하게 모달 섹션이나 구성으로 확장되지 않는다.

파리 오르가눔은 그레고리안 성가 전통에 뿌리를 두고 있기 때문에 아르스 고대에 따라 분류되는데, 이는 모든 의미에서 독창적이고 더 이상 그레고리안 성가에 근거하지 않는 새로운 형태에 착수한 아르스노바와는 대조적으로, 고대인들의 음악적 관습과 어긋난다고 불린다.[citation needed]

참고 항목

메모들

  1. ^ Latin: "an implement, instrument, engine of any kind", of musical instruments, "a pipe", of hydraulic engines, "an organ, water-organ"; "an implement, instrument"; "a musical instrument" from Greek: ὄργανον, [organon] "instrument, implement, tool, for making or doing a thing" "organ of sense or apprehension", "musical instrument", "surgical instrum"ent," "work or product," "철학 설명", "계산표 또는 계산표".[1][2][3]

참조

  1. ^ 루이스와 쇼트 1879.
  2. ^ 루이스 1890.
  3. ^ 리델과 스콧 1940년
  4. ^ 풀러 1990, 페이지 487.
  5. ^ 와이트 1954 페이지 2
  6. ^ a b 요하네스 드 갈란디아 1972, 1:[page needed]
  7. ^ a b 와이트 1954.
  8. ^ 아펠 1949.
  9. ^ 아펠 1949, 페이지 155.

원천

  • Apel, Willi. 1949. "From St. Martial to Notre Dame". Journal of the American Musicological Society 2, no. 3 (Autumn): 145–58.
  • Fuller, Sarah. 1990. "Early Polyphony". In The New Oxford History of Music 2: The Early Middle Ages to 1300, revised edition, edited by Richard Crocker and David Hiley, 485–556. Oxford and New York: Oxford University Press, 1990. ISBN 9780193163294
  • Johannes de Garlandia. 1972. De mensurabili musica, edited by Erich Reimer, 2 vols. Supplement to the Archiv für Musikwissenschaft 10–11. Wiesbaden: Franz Steiner Verlag.
  • Lewis, Charlton, T. 1890. "Organum". An Elementary Latin Dictionary. New York, Cincinnati, and Chicago. American Book Company. Online access at Perseus Digital Library, Tufts University, Gregory R. Crane, editor-in-chief (Accessed 26 December 2013).
  • Lewis, Charlton T., and Charles Short. 1879. "Organum" Freund's Latin Dictionary, revised, enlarged, and in great part rewritten by. Charlton T. Lewis, Ph.D. and., LL.D. Oxford. Clarendon Press. 1879. Online access at Perseus Digital Library, Tufts University, Gregory R. Crane, editor-in-chief (Accessed 26 December 2013).
  • Liddell, Henry George, and Robert Scott. 1940. "ὄργανον, τό, (ἔργον, ἔρδω)". A Greek-English Lexicon, revised and augmented throughout by Sir Henry Stuart Jones, with the assistance of Roderick McKenzie. Oxford: Clarendon Press. Online access at Perseus Digital Library, Tufts University, Gregory R. Crane, editor-in-chief (Accessed 26 December 2013).
  • William G. Waite. The Rhythm of Twelfth Century Polyphony. New Haven: Yale University Press, 1954. Second edition 1976. Apart from a selective transcription of the organa dupla by Leonin, this dissertation contains many quotations from the contemporary theorists preceding the transcription. Of particular interest is 'The Notation of Organum Duplum, p. 106–27, from which quotes are taken.

추가 읽기

  • '오르간' '뮤지컬' '뮤지컬' '허크발트' '스티 마샬' 등 다양한 기사가 뉴 그로브 음악사전에 실렸다. 스탠리 새디 책로20번길 1980년 런던 맥밀런 출판사 ISBN 1-56159-174-2
  • "Ad organum faciendum" (ca. 1100) Jay A. Huff, ed. and transs, Ad organum fisiendum et Item de organo, Musical Ironists in Translation, vol. 8 in Mediaeval Music Institute of Mediaeval Music, 뉴욕 [1963]
  • 올드 세인트 Andrews Music Book (W1, 노트르담 다성음악의 초기 ms. Ms. Ms. H. Baxter, 1931년)
  • Magnus Liber Organi, (F) Plueto 29.1, Biblioteca Mediceo-Laurenziana, Firenze, Facsimile by 중세 음악원. 브루클린: 중세의 복제 원고. 제10권, 제11권, 에드. 루터 디트머
  • 리처드 H. 호핀, 중세 음악. 뉴욕: W. W. Norton & Co., 1978. ISBN 0-393-090-6
  • 12세기와 13세기의 마그너스 리버 오르가니, 파리 리투리아식 다성음악, 7권, 총편집자 에드워드 H. 로이스너. 모나코: Les Editions de Loiseau-Lyre, 1988–1993.
  • Robert Howe. "The Organa of the Winchester Troper". Music 3H dissertation (double module). Tutor: Dr Fitch. N.p.: University College, n.d.. Consonance, rhythm and the origins of organum (good bibliography here too) (Archive from 27 September 2007; accessed 25 December 2013).
  • Robert Howe. Appendix to "The Organa of the Winchester Troper": Musical transcriptions. (Archive from 27 September 2007; accessed 25 December 2013).
  • Gustave Reese. Music in the Middle Ages. New York: W. W. Norton & Co., ISBN 0-393-09750-1
  • Donald J Grout & Claude V. Palisca. A History of Western Music. New York: W. W. Norton & Co., ISBN 0-393-97527-4
  • Oliver Strunk. Source Readings In Music History. New York: W. W. Norton & Co., 1950. ISBN 0-393-09742-0
  • Claude V. Palisca, ed. Musica enchiridas and Scolica enchiridas. New Haven: Yale University Press, 1995.
  • Dom Anselm Hughes, ed. The New Oxford History of Music 2: Early Medieval Music to 1300. London, New York, and Toronto: Oxford University Press, 1954.
  • Richard Crocker and David Hiley, eds. The New Oxford History of Music 2: The Early Middle Ages to 1300. Oxford and New York: Oxford University Press, 1990. ISBN 9780193163294