노래부르기

Singing
"노래", "노래자" 및 "보컬"은 여기서 리디렉션된다.기타 용도는 Sing(동음이의), Singer(동음이의) 및 Vocals(동음이의)를 참조하십시오.
노래하는 소녀들

노래는 음성으로 음악적 소리를 내는 행위다.[1][2][3]노래를 부르는 사람을 가수 또는 보컬리스트(재즈 및/또는 대중음악)라고 부른다.[4][5]가수는 악기로 반주와 함께 또는 반주로 불릴 수 있는 음악(아리아, 재창곡, 노래 등)을 연주한다.가창은 종종 가수들의 합창단이나 기악가들의 밴드와 같은 음악가들의 합주단에서 행해진다.가수는 독주자로 활동하거나 교향악단이나 빅 밴드에 이르는 단일 악기(예술가나 일부 재즈 스타일)에서 어떤 것이든 동반할 수 있다.가창 스타일에는 오페라, 중국 오페라, 인도 음악, 일본 음악, 종교 음악 스타일(복음, 전통 음악 스타일, 월드 음악, 재즈, 블루스, 가잘 등)과 대중 음악 스타일(팝, 록, 일렉트로닉 댄스 음악 등)이 다르다.

노래하는 것은 형식적이거나 비공식적이거나 편곡되거나 즉흥적일 수 있다.그것은 종교적인 헌신의 한 형태로, 취미로서, 음악 교육의 일부로서 또는 직업으로서의 즐거움, 편안함 또는 의식의 원천으로서 행해질 수 있다.노래의 우수성은 시간, 헌신, 가르침, 그리고 규칙적인 연습이 필요하다.만약 연습을 규칙적으로 한다면, 소리는 더 분명해지고 강해질 수 있다.[6]전문 가수들은 대개 클래식과 록과 같은 특정 음악 장르를 중심으로 경력을 쌓는데, 크로스오버 성공(둘 이상의 장르로 노래)한 가수들이 있다.전문 가수들은 보통 직장 생활 내내 음성 교사나 성악 코치들이 제공하는 음성 훈련을 받는다.

목소리들'이다.

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그 물리적 측면에서는 노래하는 것이 공기 공급이나 벨로우즈 역할을 하는 폐의 사용, 갈대나 진동기의 역할을 하는 후두, 풍기기의 튜브로서 앰프의 기능을 가진 가슴, 머리 공동, 골격 등에 따라 좌우되는 기법이 잘 정해져 있다.미각, 치아, 입술은 증폭된 소리에 자음과 모음을 발현하고 강요한다.이 네 가지 메커니즘은 독립적으로 기능하지만, 그럼에도 불구하고 성악 기법의 확립에서 조정되고 서로 상호작용하도록 만들어진다.[7]수동 호흡 중에는 횡격막으로 공기를 들이마시는데, 이때 아무런 힘도 들이지 않고 숨을 내쉬게 된다.호기심은 복부, 내부 늑간 및 하부 골반/골반 근육에 의해 도움을 받을 수 있다.흡입은 외부 중간 근육, 스칼렌, 그리고 선미도마스토이드 근육의 사용에 의해 도움을 받는다.성대에 따라 음조가 변형된다.입술을 닫은 상태에서 이것을 콧노래라고 한다.

개개인의 노래하는 목소리는 개인의 성대의 실제 모양과 크기뿐만 아니라 그 사람의 나머지 신체 크기나 모양 때문에 전적으로 독특하다.인간은 자신의 굵기를 느슨하게 하거나 조이거나 변화시킬 수 있는 성대주름을 가지고 있으며, 그 이상으로 다양한 압력에서 호흡이 전달될 수 있다.가슴과 목의 모양, 혀의 위치, 그렇지 않으면 관련이 없는 근육의 팽팽함이 변질될 수 있다.이러한 행동들 중 어느 하나라도 음치, 음량, 음색 또는 음색의 변화를 초래한다.소리는 또한 신체의 다른 부분들 안에서 울려 퍼지고 개인의 크기와 뼈 구조는 개인이 만들어내는 소리에 영향을 줄 수 있다.

가수들은 또한 특정한 방법으로 소리를 투사하는 것을 배울 수 있어서 그들의 음역 내에서 더 잘 울려 퍼지게 한다.이것은 성적인 공명이라고 알려져 있다.보컬 사운드와 프로듀싱에 큰 영향을 미치는 또 다른 요소는 사람들이 다른 소리를 내기 위해 다른 방법으로 조작할 수 있는 후두의 기능이다.이러한 서로 다른 종류의 후두기능은 다른 종류의 성대라고 설명된다.[8]가수들이 이것을 성취하는 주된 방법은 특히 귀의 주파수 범위에서 가장 민감한 부분과 잘 어울리는 것으로 보이는 싱어의 포맨트를 사용하는 것이다.[9][10]

또한 더 뚱뚱하고 유체 같은 성악 폴드 점막으로 더욱 강력한 목소리를 얻을 수 있다는 사실도 밝혀졌다.[11][12]점막이 유연할수록 기류에서 성악으로 에너지가 전달되는 효율이 높아진다.[13]

성악구분

주요 기사:비클래식 음악에서 음성 유형 및 음성 분류
음성 유형
여성
남성

유럽 고전음악과 오페라에서 목소리는 악기처럼 취급된다.성악을 쓰는 작곡가는 가수의 기량, 재능, 성악적 특성에 대한 이해가 있어야 한다.음성 분류는 인간의 노래하는 목소리를 평가하여 음성 유형으로 지정하는 과정이다.이러한 특질에는 음역, 음역, 음역, 음역, 음역, 음역, 음역 등의 음역, 음역 등의 음역 등이 포함되지만 이에 국한되지는 않는다.다른 고려사항으로는 신체적 특징, 언어 수준, 과학적 시험, 성악 등록 등이 있다.[14]유럽 고전 음악 내에서 발달한 음성 분류의 이면에 있는 과학은 더 현대적인 형태의 노래에 적응하는 데 느렸다.음성 분류는 가능한 역할을 잠재적인 목소리와 연결시키기 위해 오페라 내에서 종종 사용된다.현재 클래식 음악 내에는 독일 파흐 시스템과 합창 음악 시스템을 포함하여 여러 가지 다른 시스템들이 사용되고 있다.어떤 시스템도 보편적으로 적용되거나 받아들여지지 않는다.[15]

그러나 대부분의 클래식 음악 시스템은 7가지 주요 음성 범주를 인정한다.여성은 전형적으로 소프라노, 메조소프라노, 콘트랄토의 세 그룹으로 나뉜다.남성은 보통 카운터테너, 테너, 바리톤, 베이스의 네 그룹으로 나뉜다.예비입학 아동의 목소리를 고려할 때 8학기인 트리블을 적용할 수 있다.이러한 각각의 주요 범주 내에는 음성을 구별하기 위해 칼라투라 시설과 보컬 웨이트와 같은 특정한 음성을 식별하는 몇 가지 하위 범주가 있다.[16]

합창 음악 내에서는 가수의 목소리가 오로지 음역만을 기준으로 나뉜다.합창음악은 가장 흔히 성악을 각 성(SATB, 또는 소프라노, 알토, 테너, 베이스/) 내에서 높은 음성과 낮은 음성으로 나눈다.그 결과 전형적인 합창 상황은 오분류가 일어날 수 있는 많은 기회를 준다.[16]대부분의 사람들은 중간 정도의 목소리를 가지고 있기 때문에 그들에게 너무 높거나 낮은 부분에 배정되어야 한다; 메조소프라노는 소프라노나 알토를 부르고 바리톤은 테너나 베이스를 불러야 한다.어느 쪽이든 가수에게는 문제가 될 수 있지만, 대부분의 가수들에게는 너무 낮은 노래를 부르는 것이 너무 높은 노래를 부르는 것보다 덜 위험하다.[17]

현대의 음악 형태(때로는 현대 상업 음악이라고도 한다) 내에서 가수는 재즈, 팝, 블루스, 소울, 컨트리, 포크, 록 스타일과 같이 그들이 부르는 음악의 스타일에 따라 분류된다.현재 비클래식 음악 내에는 권위 있는 음성 분류 시스템이 없다.다른 형태의 노래에 고전적인 성대모사 용어를 채택하려는 시도가 있었으나 논란이 되고 있다.[18]음성 분류의 발전은 가수가 비암시(마이크 없음) 음성 생산을 사용하여 지정된 범위 내에서 클래식 성악 기법을 사용할 것이라는 이해로 이루어졌다.현대 음악가들은 서로 다른 성악 기법, 마이크를 사용하며, 특정 성악 역할에 맞추도록 강요받지 않기 때문에 소프라노, 테너, 바리톤 등의 용어를 적용하는 것은 오해를 불러일으키거나 심지어 부정확할 수도 있다.[19]

성악등록

주요 기사:성악등록
보컬 레지스터
가장 높은
가장 낮은

성악 등록은 음성 내의 성악 등록 시스템을 말한다.음성의 레지스터는 특정 음조의 시리즈로, 성대의 동일한 진동 패턴으로 생성되며 동일한 음질을 가지고 있다.레지스터는 후두함수로 시작한다.그것들은 성대가 여러 가지 다른 진동 패턴을 만들어 낼 수 있기 때문에 발생한다.[20]이러한 각각의 진동 패턴은 특정 범위의 투구 내에서 나타나며 특정한 특징적인 소리를 낸다.[21]레지스터의 발생은 또한 성악 폴드 진동과 성악관 사이의 음향 상호작용의 영향에도 기인한다.[22]"등록"이라는 용어는 목소리의 여러 측면을 포괄하기 때문에 다소 혼란스러울 수 있다.용어 레지스터는 다음 각 호의 어느 하나에 해당하는 경우에 사용할 수 있다.[16]

  • 상단, 중간 또는 하단 레지스터와 같은 음역대의 특정 부분.
  • 가슴성이나 머리성 같은 공명 영역.
  • 음운법(음운법이란 성경의 공명에 의해 차례대로 변형된 성주름의 진동에 의해 성음을 내는 과정이다)
  • 특정 음색 또는 성악 "색"
  • 음성으로 정의되거나 구분되는 음성의 영역.

언어학에서 등기언어는 음색과 모음 음운을 하나의 음운 체계로 결합한 언어다.음성 병리학 내에서 성대라는 용어는 성대의 특정 진동 패턴, 특정 일련의 음, 특정 유형의 음의 세 가지 구성 요소를 가지고 있다.음성 병리학자는 후두 기능의 생리학을 바탕으로 성악기 레지스터, 모달 레지스터, 가성기 레지스터, 휘파람 레지스터 등 4개의 성악기 레지스터를 식별한다.이 견해는 또한 많은 성악 교육학자들이 채택하고 있다.[16]

성악 공명

주요 기사:성악 공명
머리와 목의 단면

성운은 공기 충진된 충치에 의해 음운화의 기본 산물이 외기로 전달되는 음색 및/또는 강도로 향상되는 과정이다.공명 과정과 관련된 다양한 용어는 엄밀히 말하면 음향 당국이 이의 대부분을 질문하겠지만 증폭, 농축, 확대, 개선, 강화, 연장 등을 포함한다.가수나 연사가 이 용어들에서 끌어내야 할 요점은 공명의 결과가 더 나은 소리를 내기 위한 것이거나 그래야 한다는 것이다.[16]가능한 성악 공진자로 등재될 수 있는 영역은 7가지다.몸 안에서 가장 낮은 곳부터 가장 높은 곳까지 순차적으로 이들 부위는 흉부, 기관수, 후두 자체, 인두, 구강, 비강, 부비강, 부비강 등이다.[23]

흉부 음성 및 머리 음성

주요 기사:흉부 음성 및 헤드 음성

가슴성명과 머리성명은 성악 내에서 사용되는 용어다.이러한 용어의 사용은 성악 교육학계 내에서 매우 다양하며, 현재 성악 전문가들 사이에서는 이러한 용어에 관해 일관된 의견을 가진 사람이 없다.가슴 목소리는 성대나 성대 유형의 특정 부분, 성대 공명 영역 또는 특정 성대 음색과 관련하여 사용될 수 있다.[16]헤드 보이스는 보컬 레인지의 특정 부분이나 타입의 보컬 레지스터나 보컬 공명 영역과 관련하여 사용할 수 있다.[16]남성에서, 머리 목소리는 일반적으로 가성이라고 불린다.가슴 목소리와 머리 목소리의 전환과 결합은 가수의 공연에서 보컬 믹스 또는 보컬 믹스라고 한다.[24]보컬 믹싱은 가슴 목소리와 머리 목소리의 매끄러운 전환에 집중할 수 있는 예술가들과 예술적인 이유로 가슴 목소리에서 두성으로의 갑작스러운 전환과 보컬 퍼포먼스의 향상을 묘사하기 위해 "플립"[25]을 사용할 수 있는 예술가들의 특정한 양식에서 주입될 수 있다.

역사와 발전

가슴성명과 두성이라는 용어에 대해 최초로 기록된 것은 13세기 무렵으로, 작가 요하네스 드 갈란디아와 모라비아의 제롬에 의해 "흉부성명과 두성(두성)이 "흉부성(두부성)"을 가리켰을 가능성이 있다.[26]이 용어는 나중에 이탈리아의 오페라 노래 방식인 벨칸토(bel canto)에서 채택되었는데, 가슴 음성은 가슴, 파사지오, 머리 음성이 세 개의 성악대장 중 가장 낮은 음성과 가장 높은 음성으로 확인되었다.[15]이 접근법은 오늘날에도 일부 성악 교육학자들이 가르치고 있다.벨칸토 모델에 기초한 또 다른 현재 인기 있는 접근법은 남성과 여성의 목소리를 세 개의 등록부로 나누는 것이다.남성은 '체스트 레지스터', '헤드 레지스터', 여성은 '체스트 레지스터', '중간 레지스터', '헤드 레지스터'로 나뉜다.그런 교육학자들은 헤드레스터가 가수의 머릿속에서 느껴지는 공명을 묘사하기 위해 노래할 때 사용하는 성악기법이라고 가르친다.[27]

그러나 지난 이백 년 동안 생리학 지식이 증가함에 따라 노래와 성악 제작의 물리적 과정에 대한 이해도 높아졌다.그 결과 인디애나 대학교의 랄프 아펠만, 남캘리포니아 대학교의 윌리엄 베너드 등 많은 성악 교육학자들이 가슴성명과 두성이라는 용어를 다시 정의하거나 아예 사용을 포기하기도 했다.[15]특히 오늘날 성대등록이 흉부, 폐, 두부의 생리학과는 무관한 후두기능의 산물로 더 많이 보여 흉부등록기와 두부등록이라는 용어의 사용이 논란이 되고 있다.이 때문에 많은 성악 교육학자들이 가슴이나 머리에서 생산되는 등록기를 말하는 것은 무의미하다고 주장한다.이들은 이들 영역에서 느껴지는 진동감각은 공명현상이며 등록이 아닌 성공명과 관련된 용어로 설명해야 한다고 주장한다.이런 성악 교육학자들은 호적보다 가슴성, 두성이라는 용어를 더 선호한다.이 견해는 사람들이 등록 문제로 식별하는 문제들은 정말로 공명 조정의 문제라고 믿는다.이 견해는 또한 음성 병리학, 음성학, 언어학 등 성악 등록을 연구하는 다른 학문 분야의 견해와도 일치한다.비록 두 방법 모두 아직 사용되고 있지만, 현재의 성악 교육학 관행은 더 새로운 과학적 관점을 채택하는 경향이 있다.또한, 일부 성악 교육학자들은 두 가지 관점에서 아이디어를 받아들인다.[16]

가슴성대라는 용어의 현대적 용어는 종종 특정한 종류의 발성 색채나 음색을 가리킨다.고전적인 노래에서, 그것의 사용은 전적으로 모달 레지스터의 낮은 부분이나 정상적인 목소리로 제한된다.다른 형태의 노래에서는, 가슴 목소리가 모달 레지스터 전체에 적용되는 경우가 많다.가슴 음색은 가수의 성악 해석 팔레트에 멋진 음색을 더할 수 있다.[28]그러나 가슴의 높은 음을 때리기 위해 높은 음부에 지나치게 강한 가슴 음성을 사용하는 것은 강제력을 유발할 수 있다.강요는 결과적으로 발성 악화를 초래할 수 있다.[29]

성교육학

주요 기사:성교육학
에콜 드 로베르티:콘서트, C. 1490

성악 교육학은 노래의 가르침에 관한 학문이다.성악 교육학의 예술과 과학은 고대 그리스에서[30] 시작된 오랜 역사를 가지고 있으며 오늘날에도 계속 발전하고 변화하고 있다.성악 교육학의 예술과 과학을 실천하는 직업에는 성악 코치, 합창 감독, 성악 교육자, 오페라 감독, 기타 노래 교사 등이 있다.

성악 교육학 개념은 적절한 성악 기법을 개발하는 부분이다.대표적인 연구 분야는 다음과 같다.[31][32]

  • 노래의 물리적 과정과 관련된 해부학 및 생리학
    • 노래와 관련된 성 건강 및 음성 장애
    • 노래를 위한 호흡 및 공기 지원
    • 포네이션
    • 음성 공명 또는 음성 투영
    • 성악 등록: 성악주름의 동일한 진동 패턴에서 생성되고 동일한 품질을 갖는 특정한 음조의 시리즈로서, 이러한 각각의 진동 패턴은 특정한 음역 범위 내에서 나타나고 특정한 특성 있는 소리를 내기 때문에 후두함수에서 유래한다.
    • 음성 분류
  • 보컬 스타일: 클래식 가수의 경우, 이것은 리거에서 오페라에 이르는 스타일을 포함한다. 팝 가수의 경우 스타일은 블루스 발라드를 "벨아웃"할 수 있다. 재즈 가수의 경우 스타일은 스윙 발라드와 스캣팅이 포함될 수 있다.

성악기법

노래하는 동안 성대의 실시간 MRI.

적절한 보컬 기법으로 완성했을 때 노래를 부르는 것은 노래의 물리적 과정을 효과적으로 조율하는 통합적이고 조정된 행위다.음성을 내는 데는 호흡, 음음, 공명, 관절의 네 가지 물리적 과정이 관여되어 있다.이러한 프로세스는 다음과 같은 순서로 진행된다.

  1. 숨쉬다
  2. 후두에서 소리가 시작됨
  3. 성악가가 소리를 받아 영향을 끼친다.
  4. 관절형체는 소리를 인식할 수 있는 단위로 만든다.

이 네 가지 과정은 연구할 때 따로 고려되는 경우가 많지만, 실제 실행에서는 하나의 조정된 기능으로 병합된다.효과적인 가수나 연사와 함께라면 심신이 조화를 이루어서 결과적인 통일된 기능만을 지각할 수 있기 때문에 수반되는 과정을 좀처럼 상기시켜서는 안 된다.많은 목소리 문제들은 이 과정에서의 조정 부족에서 비롯된다.[19]

노래는 조율된 행위이기 때문에 개별적인 기술적 영역과 과정을 다른 것과 연관시키지 않고서는 논의하기 어렵다.예를 들어, 음운은 호흡과 연결되었을 때만 원근법에 도달한다; 발성기는 공명에 영향을 미친다; 공명기는 성대에 영향을 미친다; 성대는 호흡 조절에 영향을 미친다.성악 문제는 종종 이러한 조정된 과정의 한 부분에서 붕괴된 결과로, 성악 교사들이 종종 그 문제가 해결될 때까지 학생들과 함께 과정의 한 영역에 집중하도록 한다.그러나 노래 예술의 일부 영역은 너무나 조정된 기능들의 결과물이라 음운, 공명, 관음, 호흡과 같은 전통적인 제목 아래에서는 그것들을 논하기 어렵다.

일단 성악가가 노래하는 행위를 구성하는 물리적 과정과 그 과정이 어떻게 기능하는지를 알게 되면, 학생들은 그것들을 조정하기 위한 작업을 시작한다.불가피하게, 학생들과 교사들은 다른 분야보다 이 기술의 한 분야에 더 관심을 갖게 될 것이다.다양한 과정은 불균형이나 조정의 결여로 다른 속도로 진행될 수 있다.학생의 다양한 기능 조정 능력에 가장 강하게 의존하는 것으로 보이는 성악 기법의 영역은 다음과 같다.[16]

  1. 보컬 범위를 최대 잠재력으로 확장
  2. 일관된 음질로 일관된 보컬 제작 개발
  3. 유연성 및 민첩성 개발
  4. 균형 잡힌 비브라토 달성
  5. 범위[33] 내 모든 노트에 가슴과 머리 목소리가 혼합되어 있음

가창력 개발

노래하는 것은 고도로 발달된 근육 반사를 필요로 하는 기술이다.노래하는 것은 많은 근육의 힘을 필요로 하지 않지만 높은 수준의 근육 조정이 필요하다.개인은 노래와 보컬 연습의 세심하고 체계적인 연습을 통해 자신의 목소리를 더욱 발전시킬 수 있다.보컬 훈련도, 목소리도 따뜻해지고 including[16], 발성 기관의 범위를 확대하고, 몇가지 목적이 있"줄을 서고"그 목소리 및 수평으로;그리고 획득 보컬 기법 같은 legato고 단음인, 통제의 역학, 급속한 figurations, 학습이 노래하는 것을 넓은 간격으로 편안하게, 노래 trills, 노래 melismas고 수정하는 보컬'caput'aults

성악 교육학자들은 학생들에게 지능적인 방식으로 그들의 목소리를 연습하도록 지시한다.가수들은 자신이 만들고 있는 소리와 노래하는 동안 느끼는 감정에 대해 끊임없이 생각해야 한다.[19]

노래를 배우는 것은 강사의 참여로 이득을 보는 활동이다.가수는 자신의 머리 속에서 다른 사람들이 밖에서 듣는 것과 같은 소리를 듣지 않는다.따라서 학생에게 어떤 소리를 내고 있는지 알려줄 수 있는 가이드가 있으면 가수는 어떤 내부음향과 학생이 노래하는 스타일이 요구하는 소리에 해당하는지를 이해하게 된다.[citation needed]

보컬 레인지 확장

발성 발달의 중요한 목표는 음질이나 테크닉의 명확하거나 산만한 변화 없이 자신의 발성 범위의 자연스러운 한계에[34] 맞추어 노래하는 법을 배우는 것이다.성악 교육학자들은 가창에 관련된 모든 물리적 과정(후두 작용, 호흡 지원, 공명 조정, 발성 운동 등)이 효과적으로 함께 작용해야 이 목표를 달성할 수 있다고 가르친다.대부분의 성악 교육학자는 (1) 성악의 가장 편안한 테시투라에서 좋은 성악 습관을 확립하고, 그 다음에 (2) 천천히 범위를 확장함으로써 이러한 과정을 조율할 것을 믿는다.[8]

더 높이 또는 더 낮게 노래하는 능력에 크게 영향을 미치는 세 가지 요인이 있다.

  1. 에너지 인자 - "에너지"는 여러 가지 함축이 있다.그것은 소리를 만드는 것에 대한 신체의 총체적인 반응, 숨쉬는 근육과 숨쉬는 지지 메커니즘으로 알려진 숨쉬는 근육 사이의 역동적인 관계, 목소리의 주름에 전달되는 호흡 압력의 양과 그 압력에 대한 저항, 그리고 소리의 역동적인 수준에 대한 신체의 반응을 말한다.
  2. 공간 인자 - "공간"은 입 안쪽의 크기와 미각과 후두의 위치를 가리킨다.일반적으로 가수의 입은 높이 부를수록 넓게 벌려야 한다.부드러운 입천장과 후두의 내부 공간이나 위치는 목을 이완시켜 넓힐 수 있다.성악 교육학자들은 이것을 "하품의 시작" 같은 느낌이라고 묘사한다.
  3. 깊이 계수 - "깊이"는 두 가지 함축이 있다.몸 속 깊이와 발성 메커니즘의 실제 신체적 감각, 음질과 관련된 깊이의 정신적 개념을 가리킨다.

맥키니는 "이 세 가지 기본 규칙으로 표현될 수 있다: (1) 더 높이 부를수록 더 많은 에너지를 사용해야 하고, 더 낮게 부를수록 더 적은 에너지를 사용해야 한다. (2) 더 높게 부를수록 더 많은 공간을 사용해야 하고, 더 낮게 부를수록 더 많은 깊이를 사용해야 한다. (3) 더 높이 부를수록 더 많은 깊이를 사용해야 하고, 더 낮게 부를수록 더 적은 양을 사용해야 한다"[16]고 말한다.

자세

노래과정은 신체의 특정한 신체조건이 갖춰졌을 때 가장 잘 기능한다.몸을 자유롭게 드나들며 필요한 양의 공기를 얻는 능력은 호흡 메커니즘의 여러 부분의 자세에 의해 심각한 영향을 받을 수 있다.움푹 들어간 가슴 위치는 폐의 용량을 제한하고, 긴장된 복벽은 횡격막의 하향 이동을 억제한다.좋은 자세는 호흡 메커니즘이 과도한 에너지 소비 없이 그 기본 기능을 효율적으로 수행할 수 있게 해준다.자세가 좋으면 몸의 불필요한 긴장감을 예방하기 때문에 음운 조절과 공명기의 조절도 쉬워진다.성악 교육학자들은 또한 가수들이 좋은 자세를 취할 때 종종 공연하는 동안 더 큰 자신감과 침착함을 제공한다고 언급했다.관객들도 자세가 좋은 가수들에게 더 잘 반응하는 경향이 있다.습관적인 좋은 자세 또한 궁극적으로 혈액 순환을 더 좋게 하고 신체에 대한 피로와 스트레스를 예방함으로써 신체의 전반적인 건강을 향상시킨다.[8]

이상적인 노래자세에는 다음과 같은 8가지 요소가 있다.

  1. 발은 약간 떨어져 있다.
  2. 다리는 곧고 무릎은 약간 구부러짐
  3. 엉덩이가 앞으로 곧게 향함
  4. 척추 정렬
  5. 복부 평탄
  6. 가슴을 편안하게 앞으로 향하게
  7. 어깨 아래 등
  8. 머리가 정면을 향함

호흡 및 호흡 지지대

자연 호흡은 호흡기, 호흡기, 휴식기 또는 회복기의 세 단계로, 이러한 단계는 일반적으로 의식적으로 조절되지 않는다.노래 내에는 호흡의 4단계가 있다. 즉 호흡기(흡입기), 제어기 설정기(정지기), 조절된 호흡기(발음기), 회복기.

이 단계들은 조건반사가 될 때까지 가수의 의식적인 통제 하에 있어야 한다.많은 가수들은 그들의 반사신경이 완전히 조건화되기 전에 의식적인 통제력을 포기하는데, 이는 결국 만성적인 성악 문제로 이어진다.[35]

비브라토

Vibrato는 지속 음이 매우 빠르고 지속적으로 높은 음과 낮은 음 사이를 왔다 갔다 하는 기법으로 음이 약간 기울어지게 한다.Vibrato는 지속적인 톤의 맥박 또는 파동이다.비브라토는 자연적으로 발생하며 적절한 호흡 지지와 이완된 보컬 기구의 결과물이다.[36]일부 연구는 비브라토가 성대의 신경근육 떨림의 결과라는 것을 보여주었다.1922년 맥스 쇤은 진폭의 변화, 자동제어 부족, 그리고 정상 근력방전율의 절반으로 인해 비브라토를 떨림에 비유한 최초의 사람이었다.[37]어떤 가수들은 표현 수단으로 비브라토를 사용한다.많은 성공한 예술가들이 깊고 풍부한 비브라토를 부를 수 있다.

확장 성악기법

확장된 보컬 기법으로는 랩, 비명, 으르렁, 오버톤, 가성, 요들링, 벨팅, 보컬 프라이 레지스터 사용, 음향 강화 시스템 등이 있다.음향 강화 시스템은 마이크, 신호 처리기, 증폭기, 확성기가 결합된 것이다.이러한 장치의 조합은 다른 장치들 사이에서 리버스, 에코 챔버 및 자동 튜닝도 사용할 수 있다.

성악

주요 기사:성악

성악은 한 명 이상의 가수에 의해 연주되는 음악으로, 일반적으로 노래라고 불리며, 기악반주 또는 기악반주 없이 연주될 수 있으며, 가창은 곡의 주안점을 제공한다.성악은 목소리 외에 어떤 악기나 장비도 필요하지 않기 때문에 아마도 가장 오래된 형태의 음악일 것이다.모든 음악 문화는 성악의 어떤 형태를 가지고 있고 세계 문화 전반에 걸쳐 많은 오랜 노래 전통이 있다.노래를 사용하지만 두드러지게 특징지지는 않는 음악은 일반적으로 기악음악으로 여겨진다.예를 들어, 어떤 블루스 록 곡들은 짧고 간단한 콜 앤 리액션 후렴구를 가지고 있을 수 있지만, 곡에서 강조되는 것은 기악 멜로디와 즉흥 연주에 있다.성악은 비언어적 음절이나 잡음을 이용하여 연주되는 성악의 예들이 있지만, 때로는 음악적 우노마토페이아로서 연주되는 경우가 있다.가사가 있는 짧은 성악곡은 일반적으로 노래라고 불리지만, 고전 음악에서는 아리아와 같은 용어가 사용된다.

성악의 장르

주요 기사:음악 장르
2016년 버왈드 홀에서 공연한 3인조 여가수.

성악은 종종 특정 장르의 음악 안에 라벨이 붙어 있는 많은 다른 형태와 스타일로 쓰여진다.이 장르들은 대중음악, 예술음악, 종교음악, 세속음악, 그리고 그러한 장르의 퓨전들을 포함한다.이 더 큰 장르 안에는 많은 하위 장르들이 있다.예를 들어, 대중음악은 블루스, 재즈, 컨트리 음악, 쉬운 듣기, 힙합, 락 음악, 그리고 몇 가지 다른 장르를 포함한다.재즈에서 보컬과 스캣싱과 같은 하위 장르 내에도 하위 장르가 있을 수 있다.

대중음악과 전통음악

많은 현대 팝 음악 그룹에서는 백업 보컬이나 곡의 조화를 노래하는 백업 가수와는 반대로 리드 싱어가 노래의 기본 보컬이나 멜로디를 연주한다.백 보컬리스트들은 일부 노래를 부르지만, 대개 전부는 아니지만, 노래의 일부분은 종종 노래의 후렴구나 배경에서 콧노래를 부르기도 한다.예외는 5부 복음서 아카펠라 음악인데, 여기서 주연은 다섯 목소리 중 가장 높으며, 멜로디가 아닌 디센트를 부른다.일부 아티스트들은 녹음된 보컬 트랙을 겹쳐서 오디오 녹음에서 리드 보컬과 백 보컬을 동시에 부를 수도 있다.

대중음악은 다양한 보컬 스타일을 포함한다.힙합은 랩핑, 즉 리듬의 전달인 리듬을 박자에 걸쳐 혹은 반주가 없는 리듬 스피치에서 사용한다.어떤 종류의 랩은 자메이카의 "토스트링"처럼 대부분 또는 전적으로 말과 구호로 이루어진다.어떤 종류의 랩에서는, 연주자들이 짧은 노래나 반 성적인 구절을 보간할 수 있다.블루스 가창은 표현 목적으로 주요 음계의 음보다 약간 낮은 음조로 노래되는 블루 음을 사용하는 것에 기반을 두고 있다.헤비메탈과 하드코어 펑크 하위 장르에서 보컬 스타일은 비명, 함성, '죽음의 으르렁'과 같은 특이한 소리 등의 기법을 포함할 수 있다.

대중적인 장르의 라이브 공연과 클래식 장르의 한 가지 차이점은 클래식 연주자들이 중소형 홀에서 증폭 없이 노래하는 경우가 많은 반면 대중음악에서는 작은 커피하우스라도 거의 모든 공연장에서 마이크와 PA 시스템(앰플레이터와 스피커)이 사용된다는 점이다.마이크를 사용하는 것은 대중음악에 몇 가지 영향을 끼쳤다.우선, 마이크 없이 하면 충분한 투영과 볼륨이 없는 '크로오닝'과 같은 친밀하고 표현력 있는 노래 스타일의 개발을 촉진시켰다.또한 마이크를 사용하는 팝 가수들은 속삭이는 소리, 콧노래, 반성, 성조기를 섞는 것과 같은 증폭 없이는 투영되지 않는 다양한 보컬 스타일을 할 수 있다.또한, 일부 연주자들은 마이크로폰의 반응 패턴을 사용하여 효과를 만들어내는데, 이를테면 향상된 베이스 반응을 얻기 위해 마이크로폰을 입에 아주 가까이 갖다 대거나, 힙합 비트박서들의 경우, 마이크에 "p"와 "b"를 도드라지게 울려 퍼커티브 효과를 만들어 낸다.2000년대에는 녹음 및 라이브 대중음악 보컬이 적용된 전자 오토튠 피치 보정기기가 널리 사용돼 논란이 일기도 했다.팝가수들이 미리 녹음한 성악 공연 녹음에 립싱크를 하거나, 논란이 된 밀리 바닐리의 경우 다른 미인증 가수들이 녹음한 트랙에 립싱크를 하는 사례도 있어 논란이 일고 있다.

일부 밴드는 무대에 설 때만 부르는 백업 가수를 사용하는 반면 대중음악의 백업 가수는 다른 역할을 하는 것이 일반적이다.많은 락과 메탈 밴드에서, 백업 보컬을 하는 음악가들은 리듬 기타, 일렉트릭 베이스 또는 드럼과 같은 악기를 연주하기도 한다.라틴어 또는 아프로 쿠반 그룹에서는 백업 가수들이 노래하는 동안 타악기나 셰이커를 연주할 수 있다.일부 팝 및 힙합 그룹과 뮤지컬 극장에서, 백업 가수들은 헤드셋 마이크를 통해 노래를 부르는 동안 정교한 안무 연습을 해야 할 수도 있다.

경력들

예술가인 마르그리트 마르틴이 세인트 델마 극장에서 합창에 도전하는 여성들의 스케치.1906년 5월 루이스, 사진 속의 몇몇 사람들의 인용구

성악가들의 급여와 근무 조건은 매우 다양하다.음악교육합창단 지휘자 등 다른 음악 분야의 직업은 상근직, 봉급직, 가창직은 개별 공연이나 공연의 계약이나 순서에 따라 하는 경향이 있다.

가수 지망생과 성악가는 음악적 기량과 뛰어난 목소리, 사람들과 함께 일할 수 있는 능력, 쇼맨십과 드라마에 대한 감각이 있어야 한다.게다가, 가수들은 계속해서 공부하고 향상시키기 위한 야망과 추진력을 가져야 하는데,[38] 프로 가수들은 계속해서 그들의 기술을 연마하고, 그들의 범위를 넓히고, 새로운 스타일을 배우기 위한 보컬 코칭을 찾고 있다.또한, 가수 지망생들은 노래를 해석하는 데 사용되는 성악 기법에 특화된 기술을 습득하고, 그들이 선택한 음악 스타일에서 성악 문학을 배우고, 합창 기법, 시력 노래와 암기 노래, 성악 연습에 대한 기술을 습득할 필요가 있다.

어떤 가수들은 작곡, 프로듀싱, 작곡과 같은 다른 음악 직업을 배운다.일부 가수들은 유튜브와 스트리밍 앱에 동영상을 올린다.가수들은 음악 감독 앞에서 오디션을 함으로써, 보컬 재능의 구매자들에게 자신을 홍보한다.사람이 단련해 온 성악 스타일에 따라 이들이 찾는 '재능 구매자'는 음반사, A&R 대표, 음악감독, 합창단 감독, 나이트클럽 매니저, 콘서트 프로모터일 수 있다.발췌한 성악 퍼포먼스가 담긴 CD나 DVD는 가수의 실력을 보여주는 데 사용된다.어떤 가수들은 에이전트나 매니저를 고용하여 그들이 유료 계약과 다른 공연 기회를 찾을 수 있도록 돕는다; 에이전트나 매니저는 종종 무대 위에서 가수들이 받는 수수료의 퍼센트를 받음으로써 지불된다.

노래자랑 대회

참고 항목:음악 경연 대회
1966년 텍사스의 노래자랑 대회

노래를 선보이는 텔레비전 쇼가 많다.아메리칸 아이돌은 2002년에 출시되었다.첫 번째 노래 리얼리티 쇼는 지 TV가 1995년에 출시한 사 르 가 마 파였다.[39]할리우드에서 다음 라운드로 넘어갈 수 있는지 알아보기 위해 심사위원단 앞에서 열리는 아메리칸 아이돌 콘테스트 오디션에서 그때부터 대회가 시작된다.우승자가 선정될 때까지 참가자 분야는 매주 좁혀진다.다음 라운드로 넘어가기 위해, 참가자들의 운명은 시청자들의 투표에 의해 결정된다.The Voice는 또 다른 노래 경연 프로그램이다.아메리칸 아이돌과 마찬가지로 심사위원단 앞에서 오디션을 보지만 공연 도중 심사위원들의 의자가 관객들을 향한다.감독들이 아티스트에 관심이 있다면 감독하고 싶다는 의미로 버튼을 누를 것이다.일단 오디션이 끝나면 코치들은 그들의 아티스트 팀을 가지고 경쟁이 시작된다.그리고 나서 코치는 그들의 아티스트들을 멘토링하고 그들은 최고의 가수를 찾기 위해 경쟁한다.다른 잘 알려진 노래 경연 대회로는 The X Factor, America's Got Talent, 라이징 스타, 싱 오프 등이 있다.

노래 경연대회의 다른 예는 쇼의 경연자들이 다양한 장르의 노래 가사를 정확하게 떠올려 상금을 타기 위해 경쟁하는 '가사를 잊지 말라!'이다.이 쇼는 예술적 재능(예: 미적으로 즐거운 방식으로 노래하거나 춤을 출 수 있는 능력)은 참가자들의 우승 가능성과 무관하다는 점에서 다른 음악 기반의 게임 쇼와 대조된다; 첫 방송 전 그들의 광고 중 한 편에서 "잘 부를 필요는 없고, 제대로 노래만 하면 된다"고 말했다.비슷한 맥락에서 '노래하는 벌'은 노래방 노래와 철자 맞추기 대회, 인기곡의 가사를 기억하려는 참가자들이 등장하는 쇼와 결합한다.

노래 경연대회의 또 다른 예로는 미국의 오페라 가수 베이스 바리톤 보리스 마르티노비치의 이름을 딴 국제 음성 콩쿠르 보리스 마르티노비치가 있다.이 대회는 참가자들이 벨칸토라고 알려진 고전과 오페라 가창 기술을 시연해야 한다.[40][41]

노래와 언어

모든 구어, 자연어 또는 비자연어에는 고유의 음악성이 있으며, 이는 음치, 표현, 억양에 의해 노래하는 데 영향을 미친다.

신경학적 측면

최근 음악과 언어, 특히 노래의 연관성에 대해 많은 연구가 이루어지고 있다.이 두 과정이 매우 비슷하면서도 서로 다르다는 것이 점점 분명해지고 있다.레비틴은 고막에서 시작하여 음파가 음치 또는 톤토픽 지도로 번역되는 방법을 설명하고, 그 직후 "말과 음악은 아마도 별도의 처리 회로로 갈릴 것"(130)을 설명한다.[42]음악과 언어에 사용되는 신경회로가 분화되지 않은 유아에서 시작될 수 있다는 증거가 있다.언어와 음악 모두에 사용되는 뇌의 몇 가지 영역이 있다.예를 들어 구어 및 수화 구문 처리와 더불어 언어의 음악적 구문 및 의미적 측면에 관여해 온 브로드만 영역 47이 있다.레비틴은 특정 연구에서 언어의 통사적 과정과 유사한 "음악을 듣고 그것의 통사적 특징에 참여하는 것"이 뇌의 이 부분을 어떻게 활성화시켰는지에 대해 설명한다.게다가, "뮤지컬 구문...Broca의 영역과 같은 음성 구문을 처리하는 영역과 인접하고 중복되는 영역으로 지역화되었다.베르니케의 지역 근처에 [현지화] 되어 있는 것 같소."브로카의 영역과 베르니케의 영역 모두 언어 처리와 생산에 있어 중요한 단계들이다.

노래하는 것은 뇌졸중 환자들이 말을 회복하는 데 도움을 주는 것으로 나타났다.신경학자 고트프리드 슐라우그에 따르면 좌뇌에 상주하는 언어의 부위와 일치하는 부위가 뇌의 오른쪽에 있다고 한다.[43]이곳은 캐주얼하게 "싱잉 센터"라고 알려져 있다.뇌졸중 환자들에게 그들의 말을 노래하도록 가르침으로써, 이것은 뇌의 이 부분을 말하는데 훈련시키는데 도움을 줄 수 있다.레비틴은 이 이론을 지지하면서 "중요한 정신 기능의 처리 센터가 외상이나 뇌손상 후 실제로 다른 지역으로 이동하기 때문에 언어와 같은 '지역 특수성'이 일시적일 수 있다"[42]고 주장한다.따라서 뇌의 우뇌에서 "노래하는 센터"는 언어 생산을 돕기 위해 재교육될 수 있다.[44]

억양과 노래

사람의 말하는 방언이나 억양은 사람이 노래할 때 사용하는 일반적인 노래 억양과는 크게 다를 수 있다.사람들이 노래를 부를 때, 그들은 일반적으로 지역적인 억양이나 방언보다는 그들이 노래하고 있는 음악 스타일에 사용되는 억양이나 중립적인 억양을 사용한다; 음악의 스타일과 그 스타일의 인기 있는 중심/지역이 그들이 출신지보다 한 사람의 노래 억양에 더 많은 영향을 미친다.예를 들어, 영어에서, 락이나 대중음악의 영국 가수들은 종종 영어 억양 대신 미국식 억양이나 중립적인 억양으로 노래를 부른다.[45][46]

노래하는 동물

학자들은 노래하는 것이 많은 다른 종에 강하게 존재한다는 것에 동의한다.[47][48]새, 기븐, 고래 등 매우 다른 동물 종들 사이에서 노래하는 행동의 광범위한 분산은 노래하는 것이 다른 종에서 독립적으로 나타났다는 것을 강하게 시사한다.현재 노래하는 것으로 알려진 동물은 약 5,400종이다.적어도 몇몇 노래하는 종들은 그들의 노래를 배우고, 즉흥적으로 연주하고, 심지어 새로운 멜로디를 작곡하는 능력을 보여준다.[49]어떤 동물 종에서는 노래하는 것이 집단 활동이다(예를 들어, 길본 가족에서 노래하는 것을 보라).[50]

동물에게 노래하기

스칸디나비아의 목동들은 가축을 부르기 위해 Kulning이라고 알려진 노래를 사용한다.몽골 목동들은 동물들과 그들의 갓 태어난 새끼들 사이의 유대감을 장려하기 위해 종별 노래를 사용한다.[51]

참고 항목

아트 뮤직

기타 음악

생리학

참조

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추가 읽기

  • 블랙우드, 앨런가수의 공연계.런던:해미쉬 해밀턴, 1981. 113 p, 충분히 아프다.(사진과 함께 표시).ISBN 0-241-10588-9
  • 리드, 코넬리우스성악 용어 사전: 분석.뉴욕: J. Patelson 뮤직 하우스, 1983.ISBN 0-915282-07-0

외부 링크