미국의 음악

Music of the United States

미국의 음악은 다양한 스타일을 통해 미국의 다민족 인구를 반영하고 있다.영국, 서아프리카, 아일랜드, 중남미, 유럽 본토의 음악에 영향을 받은 음악이다.이 나라의 가장 국제적으로 유명한 장르는 재즈, 블루스, 컨트리, 블루그래스, , 로큰롤, R&B, , 힙합, 소울, 펑크, 가스펠, 디스코, 하우스, 테크노, 래그타임, 두왑, 포크 음악, 아메리카나, 부갈루, 테자노, 레게톤, 서핑, 살사이다.미국 음악은 전 세계에서 들린다.20세기 초부터, 미국의 대중음악의 일부 형태는 거의 전 세계적인 [1]청중을 얻었다.

아메리카 원주민들은 오늘날 미국으로 알려진 이 땅의 초기 거주자들이었고 최초의 음악을 연주했다.17세기부터, 영국, 아일랜드, 스페인, 독일, 그리고 프랑스에서 온 이민자들이 대거 도착하기 시작했고, 그들에게 새로운 스타일과 악기들을 가져왔다.서아프리카에서 온 노예들은 그들의 음악적 전통을 가져왔고, 이후의 이민자들의 물결은 용해로에 기여했습니다.

영국, 서독, 일본 연주자들을 기반으로 한 일렉트로팝인기 음악이고, 일부는 크래프트베르크의 영향을 받은 아프리카 밤바타로부터 영향을 받은스쿨 힙합이다.재즈, 블루스, 록, 컨트리, 블루그래스와 같은 유럽계 미국인 정착민들의 음악 전통에도 흑인 영향이 있다.미국은 또한 우크라이나, 아일랜드, 스코틀랜드, 폴란드, 히스패닉, 그리고 유대인 공동체의 민족적 스타일로 만들어진 민속음악과 대중음악을 보았다.

많은 미국 도시와 마을에는 활기찬 음악 장면이 있으며, 이는 다시 많은 지역 음악 스타일을 지원합니다.보스턴, 필라델피아, 시애틀, 포틀랜드, 뉴욕, 샌프란시스코, 뉴올리언스, 디트로이트, 멤피스, 휴스턴, 라스베이거스, 미니애폴리스, 시카고, 세인트루이스, 마이애미, 애틀랜타, 샌후안, 내쉬빌, 오스틴, 워싱턴 D.C., 로스앤젤레스 등의 소규모 도시와 같은 음악 센터가 있습니다.리나, 루이빌, 오클랜드, 호놀룰루, 리서치 트라이앵글, 콜로라도, 매디슨, 위스콘신, 미시시피, 투펠로, 버몬트 벌링턴 등은 모두 그 나라에서 온 많은 독특한 스타일의 음악을 생산하고 기여해왔다.루이지애나 음악케이준크리올 전통, 하와이 음악의 민속과 인기 스타일, 그리고 남동부블루그래스와 올드 타임 음악은 미국 음악의 다양성의 몇 가지 예입니다.

특성.

Raymond Carlos Nakai는 Navajo/Ute의 아메리카 인디언입니다.그의 어스 스피릿과 캐니언 트릴로지 앨범은 미국 원주민협회로부터 각각 골드, 플래티넘 인증을 받은 유일한 앨범이다.

미국의 음악은 싱크로피케이션과 비대칭 리듬, 길고 불규칙한 멜로디의 사용으로 특징지어질 수 있는데, 이는 "(미국 풍경의) 넓고 개방적인 지리를 반영하고 있다" 그리고 "미국인의 [2]삶 특유의 개인적 자유감"을 나타낸다.호출과 응답 형식과 같은 미국 음악의 몇 가지 뚜렷한 측면은 아프리카 기술과 악기로부터 파생되었다.

미국 역사의 후반부와 현대에 이르기까지, 미국과 유럽 음악의 관계는 미국 음악 학자들 사이에서 논의된 주제였다.어떤 이들은 때로는 더 세련되거나 우아하게 인식되는 보다 순수한 유럽식 기법과 스타일을 채택할 것을 촉구하고 있는 반면, 다른 이들은 독특한 미국 스타일을 찬양하는 음악적인 민족주의를 추구했다.현대 클래식 음악학자 존 워첸 스트루블은 미국과 유럽의 대조를 보였는데, 이는 미국이 국가로서 수세기 동안 음악적 진화를 겪지 않았기 때문에 미국의 음악은 본질적으로 구별된다고 결론지었다.대신, 미국의 음악은 수십, 수백 개의 원주민과 이민자 집단의 음악으로, 이 모든 은 남북전쟁이 일어나기 전까지 주로 지역적 고립 속에서 발전했습니다. 남북전쟁이 일어나기 전까지, 미국 전역에서 온 사람들이 군대로 모여 음악 스타일과 관행을 교환했습니다.스트루블은 남북전쟁의 발라드를 "미국만의 독특한 특징을 가진 최초의 미국 포크 음악, 즉 다른 [3]나라에서 파생된 어떤 지역 스타일과도 구별되는 최초의 '미국적인' 사운딩 음악"으로 간주했다.

남북전쟁과 그 다음 시기에는 미국 미술, 문학, 음악이 전반적으로 꽃을 피웠다.이 시대의 아마추어 음악 앙상블은 미국 대중음악의 탄생으로 볼 수 있다.음악 작가 데이비드 유웬은 이 초기 아마추어 밴드들에 대해 "고전의 깊이와 드라마틱한 기법과 함께 직접적인 표현을 위해 복잡성을 피한다"고 묘사했다.만약 그것이 성악이었다면, 영어를 불문율 언어라고 선언한 속물들에도 불구하고, 그 말은 영어로 쓰여졌을 것이다.어떻게 보면 남북전쟁 이후 미국 화가, 작가, 작곡가 등이 미국적 주제를 [4]다루던 시기였다.이 기간 동안 블루스, 가스펠, 재즈, 그리고 컨트리 음악의 뿌리가 형성되었다; 20세기에 이것들은 리듬 앤 블루스, 로큰롤, 그리고 힙합 음악과 같은 스타일로 더욱 진화한 미국 대중 음악의 핵심이 되었다.

사회적 정체성

L.A. 그래미 박물관 입구. 라이브
Alison Krauss는 그래미 [5]역사상 가장 많은 상을 받은 가수이자 가장 많은 상을 받은 여성 아티스트이다.

음악은 사회 계층, 인종과 민족, 지리, 종교, 언어, 성별, 그리고 을 포함한 미국의 사회 문화적 정체성의 측면과 얽혀 있습니다.음악과 인종 간의 관계는 아마도 미국에서 음악적 의미의 가장 강력한 결정체일 것이다.아프리카와 유럽에서 온 이질적인 원천으로부터 아프리카계 미국인의 음악적 정체성의 발전은 미국 음악사에서 지속적인 주제였다.서아프리카 전역의 스타일, 노래 및 악기가 유럽의 스타일과 악기와 혼합되어 노예가 된 사람들로부터 새로운 장르와 자기표현을 이끌어냈을 때 식민지 시대의 흑인 음악에 대한 문서는 거의 존재하지 않습니다.19세기 중반에는 흑인 특유의 민속 전통이 널리 알려졌고, 흑인 음악 기법, 악기, 그리고 이미지는 영혼, 음유시인 쇼,[6] 노예 노래를 통해 미국 주류 음악의 일부가 되었다.아프리카계 미국인 음악 스타일은 블루스, 재즈, 리듬 앤 블루스, 그리고 로큰롤, 소울, 힙합통해 미국 대중음악의 필수적인 부분이 되었다; 이 모든 스타일은 모든 인종의 미국인에 의해 소비되었지만, 결국 연주와 소비에서 보편화되기 전에 아프리카계 미국인 스타일과 관용어로 만들어졌다.ss 인종의 경계.대조적으로, 컨트리 음악은 아프리카와 유럽뿐만 아니라 아메리카 원주민과 하와이의 전통에서 유래했고 오랫동안 백인 [7]음악의 한 형태로 인식되어 왔다.

경제 및 사회 계층은 교향곡 애호가들의 상류층 후원, 그리고 시골 및 민족 민속 음악의 전반적으로 형편없는 연주자들과 같은 음악의 창조와 소비를 통해 미국 음악을 구분합니다.그러나 계급에 기초한 음악적 구분은 절대적이지 않고,[8] 때때로 실제처럼 인식되기도 한다; 예를 들어, 미국의 인기 있는 컨트리 음악은 "청취자들이 실제로 노동자 [9]계층이든 아니든 간에 노동자 계층 정체성에 호소하기 위해 고안된 상업적 장르이다."컨트리 음악은 또한 지리적 정체성과 얽혀 있고, 특히 기원과 기능 면에서 시골에 있다; R&B와 힙합과 같은 다른 장르는 본질적으로 [10]도시적인 것으로 인식된다.미국 역사상 음악 제작은 "여성화된 활동"[11]이었다.19세기에는 아마추어의 피아노와 노래는 중상류층의 여성들에게 적합한 것으로 여겨졌다.비록 기록된 전통이 빠르게 남성들에 의해 지배되기는 하지만, 여성들은 또한 초기 대중 음악 공연의 주요 부분이었다.대부분의 남성 중심의 대중음악 장르에는 여성 연주자들도 포함되는데, 이는 주로 여성들에게 어필하는 틈새에 속합니다; 이것들은 갱스터 [12]헤비메탈포함합니다.

역사

다양성

The United States is home to a wide array of regional styles and scenes.

미국은 종종 전 세계의 영향을 받아 독특하게 새로운 문화 표현 방법을 만들어 내는 문화적 용광로라고 한다.미국 음악의 양상은 특정한 기원으로 거슬러 올라갈 수 있지만, 음악적인 요소를 위한 어떤 특정한 독창적인 문화도 본질적으로 문제가 있다. 왜냐하면 기술, 악기 그리고 장르를 이식하고 혼합함으로써 미국 음악의 끊임없는 진화 때문이다.외국 음악의 요소들은 개인과 단체의 교육 및 봉사 행사의 공식 후원, 그리고 노예제를 통한 서아프리카 음악, 이민을 통한 아일랜드 음악의 부수적인 이식에서와 같이 비공식적인 과정을 통해 미국에 들어왔다.가장 뚜렷한 미국 음악은 긴밀한 접촉을 통한 이종 문화 교배의 결과물이다.예를 들어, 노예제도는 빽빽한 거주지에 있는 수많은 부족의 사람들을 혼합하여, 토착, 라틴, 그리고 [13]유럽 음악의 요소들과 더욱 융합함으로써 풍부해진 공통의 음악적 전통을 낳았다.미국 민족, 종교, 인종 다양성 또한 루이지애나 크레올의 프랑스-아프리카 음악, 원주민, 멕시코 및 유럽의 퓨전 테자노 음악, 완전히 혼합된 슬랙키 기타와 현대 하와이 음악의 다른 스타일과 같은 혼합된 장르를 만들어냈다.

문화 간에 음악을 이식하는 과정에도 비판이 없는 것은 아니다.예를 들어, 20세기 중반의 민중 부흥은 특정한 정치적 명분을 촉진하기 위해 다양한 시골 사람들의 음악을 전용했고, 이것은 일부 사람들로 하여금 이 과정이 적절한 음악에서 "다른 사람들의 노래의 상업적 상품화와 불가피한 희석"을 야기했는지에 대해 의문을 갖게 했다.흑인 음악 기법, 이미지, 그리고 자만심을 주로 백인 미국인들에 의해 대중음악에 사용하는 것은 적어도 19세기 중반 스티븐 포스터의 노래와 음유시인 쇼의 등장 이후 널리 퍼져 왔다.미국 음악 산업은 흑인 백인 연주자들이 주류와 중산층의 입맛에 더 [citation needed]맞기 때문에 적극적으로 대중화를 시도했다.이 과정은 베니 굿맨, 에미넴, 엘비스 프레슬리처럼 다양한 스타들의 부상과 푸른 의 소울과 로커빌리[13]같은 인기 있는 스타일과 관련이 있다.

포크 음악

가수 엘비스 프레슬리는 20세기 가장 성공한 음악가 중 한 명으로 종종 "로큰롤의 제왕" 또는 간단히 "더 킹"으로 불립니다.

미국의 포크 음악은 미국의 수많은 민족에 따라 다양하다.아메리카 원주민 부족들은 각각 그들만의 다양한 포크 음악을 연주하는데, 대부분은 본질적으로 영적인 음악이다.흑인 음악에는 블루스와 가스펠, 노예에 의해 아메리카 대륙으로 가져와 서유럽 음악과 혼합된 서아프리카 음악의 후예들이 포함된다.식민지 시대 동안, 영국, 프랑스, 스페인 스타일과 악기가 아메리카 대륙으로 유입되었다.20세기 초, 미국은 폴카, 우크라이나폴란드 만지작거림, 아슈케나지, 클레즈머, 그리고 여러 종류의 라틴 음악을 포함한 전 세계 포크 음악의 중심지가 되었다.

아메리카 원주민들은 다양한 스타일과 기술을 사용하여 현재의 미국에서 최초의 포크 음악을 연주했다.그러나 몇몇 공통점은 아메리카 원주민 전통 음악들 사이에 거의 보편적으로 존재하는데, 특히 화음다성음악의 부족, 그리고 가성이나 하강 멜로디 인물의 사용이다.전통적인 악기들은 플루트와 드럼, 방울, 그리고 [14]쉐이커와 같은 많은 종류의 타악기를 사용한다.유럽과 아프리카의 접촉이 생긴 이후, 아메리카 원주민의 포크 음악은 새로운 방향으로 성장해, 유럽의 포크 댄스와 테자노 음악처럼 다른 스타일의 퓨전 음악으로 발전했습니다.현대 아메리카 원주민 음악은 전통적인 스타일의 춤과 음악이 [15]공연되는 와우, 범 부족 모임으로 가장 잘 알려져 있다.

원래 미국의 13개 식민지는 모두 영국의 소유물이었고, 앵글로 문화는 미국 민속음악과 대중음악의 주요 토대가 되었다.많은 미국 포크송은 편곡에서 영국 노래와 동일하지만, 새로운 가사와 함께, 종종 원래의 소재를 패러디한 노래입니다.미국-앵글로 노래들은 또한 펜타토닉 가락이 적고, 반주가 덜 두드러지며([16]그러나 드론을 더 많이 사용하는) 멜로디가 많은 것이 특징이다.영미 전통음악은 또한 다양한 측면 발라드, 유머러스한 이야기와 장편소설, 그리고 광산, 난파선, 그리고 살인에 관한 재난 노래들을 포함합니다.Joe Magarac, John Henry, Jesse James와 같은 전설적인 영웅들은 많은 노래의 일부이다.영국 기원의 민속 춤은 [17]댄서들을 가르치는 방문객의 미국식 혁신과 결합된 쿼드릴후예인 스퀘어 댄스를 포함한다.셰이커 가족으로 알려진 종교 공동체 사회는 18세기 동안 영국에서 이주하여 그들만의 민속 무용 스타일을 발전시켰다.그들의 초기 노래는 영국 민요 [18]모델로부터 유래할 수 있다.다른 종교 단체들은 아미쉬, 하모니 소사이어티, 펜실베니아 [19]에프라타 클로이스터음악과 같이 미국 역사 초기에 그들만의 독특한 음악 문화를 확립했다.

오늘날 흑인 인구의 조상은 주로 남부의 농장에서 일하면서 노예로 미국으로 보내졌다.그들은 서아프리카의 수백 부족에서 왔고콜응답 보컬, 복잡한 리듬의 음악,[20] 싱코페이트 비트와 [21]악센트의 변화 등 서아프리카 음악의 특징을 가져왔다.리드미컬한 노래와 춤에 초점을 맞춘 아프리카 음악은 "음악을 통해 아프리카인들의 과거와의 연속성을 유지하는" 것을 돕는 독특한 민속 문화의 일부가 되었다.미국 최초의 노예들은 노동곡, 들소리[22] 기독교화에 따른 찬송가불렀다.19세기에 종교적 열정의 대각성이 전국, 특히 남쪽의 사람들을 사로잡았다.주로 뉴잉글랜드 전도사들이 쓴 개신교 찬송가는 남부 전역의 독실한 기독교인들 사이에서 열리는 캠프 모임의 특징이 되었다.흑인들이 이 찬송가를 개작한 버전을 부르기 시작했을 때, 그들은 흑인 영가라고 불렸다.블루스, 재즈, 가스펠이 발달한 것은 이 뿌리에서 비롯되었다.

블루스와 스피릿멀

영인들은 주로 남쪽 [23]농장에서 노예들에 의해 불려지는 종교적 믿음의 표현이었다.19세기 중후반, 미국 남부에서 영혼들이 퍼져나갔다.1871년 Fisk University는 Fisk Jubily Singers의 본거지가 되었다. Fisk Jubily Singers는 전국적으로 영혼들을 대중화한 선구적인 단체이다.이 그룹을 모방하여, 가스펠 4중주단이 생겨났고, 20세기 초 잭레그와 노래하는 설교자들의 부상과 함께 다양화가 증가했고, 그 결과 가스펠 음악의 대중적인 스타일이 생겨났다.

블루스는 아프리카 노동곡, 야유회, [24]외침의 합성어이다.그것은 20세기 첫 10년에 남부 시골에서 발전했다.블루스의 가장 중요한 특징은 블루 스케일의 사용이다. 그리고 전형적으로 슬퍼하는 가사와 함께 평평하거나 확정되지 않은 세 번째 음계를 사용한다. 비록 이 두 요소들이 20세기 이전에 아프리카계 미국 포크 음악에 존재했지만, 현대 블루스의 성문화된 형태는 그 때까지 존재하지 않았다.20세기 [25]

기타 이민자 공동체

미국은 수많은 민족 집단으로 구성된 용광로입니다.이들 중 많은 사람들은 종종 독특한 미국 스타일의 외국 음악을 생산하면서 그들 조국의 민속 전통을 유지해왔다.뉴잉글랜드[26]케이프 베르데안 음악,[27] 캘리포니아아르메니아 음악, [28]뉴욕의 이탈리아와 우크라이나 음악 등 일부 국적은 이들이 모여든 지역에서 현지 장면을 연출했다.

Creoles는 다양한 비 앵글로계 조상을 가진 공동체이며, 대부분 미국에 의해 구매되기 전에 루이지애나에 살았던 사람들의 후손이다.카준 가족은 캐나다 [29]아카디아를 떠난 후 루이지애나에 도착한 프랑스인 집단이다.루이지애나주 뉴올리언스는 주요 항구로서 카리브해 유역 전역에서 온 사람들의 용광로 역할을 해왔다. 결과 Cajun 음악과 Creole 음악의 다양하고 싱크로틱한 스타일이 탄생했다.

스페인과 그 후 멕시코는 텍사스 주 전체를 포함한 멕시코-미국 전쟁까지 현재의 미국 서부의 대부분을 지배했다.텍사스가 미국에 합류한 후, 텍사스에 살고 있는 테야노 원주민들은 남쪽의 이웃들과 떨어져 문화적으로 발전하기 시작했고, 다른 텍사스 사람들과는 문화적으로 구별되었다.초기 테자노 음악의 진화의 중심에는 마리아치코리도 같은 전통적인 멕시코 형식과 19세기 [30]후반 독일과 체코 정착민들에 의해 도입된 유럽 대륙 스타일이 혼합되어 있었다.특히 아코디언은 20세기 초에 테자노 포크 뮤지션들에 의해 채택되어 텍사스와 북멕시코의 아마추어 뮤지션들에게 인기 있는 악기가 되었다.

클래식 음악

클래식 음악은 초기 식민지 개척자들과 함께 미국으로 전해졌다.유럽 클래식 음악은 유럽 예술, 교회, 콘서트 음악의 전통에 뿌리를 두고 있습니다.이 전통의 중심 규범은 1550년과 1825년 사이에 발전했고, 일반적인 실천 기간으로 알려진 것에 초점을 맞췄다.많은 미국 고전 작곡가들은 19세기 후반까지 전적으로 유럽 모델 안에서 작업하려고 시도했다.체코의 저명한 작곡가 안토닌 드보르작(Antonin Dvo theak)이 1892년부터 1895년까지 미국을 방문했을 때, 그는 미국 클래식 음악은 유럽 작곡가들을 모방하는 대신 그들만의 모델이 필요하다는 생각을 반복했다. 그는 후속 작곡가들에게 독특한 미국 스타일의 클래식 [31]음악을 만들도록 영감을 주는 데 도움을 주었다.20세기 초, 많은 미국 작곡가들은 재즈와 블루스에서 미국 원주민 음악에 이르기까지 이질적인 요소들을 그들의 작품에 접목시켰다.

초기 클래식 음악

애런 코플랜드는 동료들과 비평가들로부터 "미국 작곡가 학장"으로 불렸다.

식민지 시대 동안, 현재 클래식 음악으로 여겨지는 두 가지 뚜렷한 분야가 있었다.하나는 아마추어 작곡가들과 교육가들과 관련이 있는데, 그들의 스타일은 원래 단순한 찬송가에서 나왔고 시간이 지남에 따라 정교해졌다.또 다른 식민지의 전통은 필라델피아와 볼티모어와 같은 대서양 중부 도시의 것으로, 그들은 거의 전적으로 유럽 모델 내에서 작업한 많은 저명한 작곡가를 배출했다; 이 작곡가들은 대부분 태생이 영국인이었고, 특히 [32]당대의 저명한 영국 작곡가의 스타일로 작업했다.

캐피톨 레코드 본사 건물

클래식 음악은 식민지 시대에 미국으로 전해졌다.윌리엄 빌링스, 서플라이 벨처, 그리고 제1 뉴잉글랜드 스쿨로도 알려진 저스틴 모건과 같은 다른 사람들은 유럽 모델들과 [33]거의 독립적인 스타일을 개발했습니다.이 작곡가들 중에서 빌링스는 가장 잘 기억되고 있다; 그는 또한 "미국 교회 합창단의 창시자로서, 피치 파이프를 사용한 최초의 음악가로서, 그리고 [34]교회 예배에 비올론첼로를 도입한 최초의 음악가로서" 영향력도 있었다.이 작곡가들 중 다수는 아마추어에 의한 연주에 적합한 새로운 형태의 신성한 음악을 개발한 아마추어 가수들이었고, 종종 현대 유럽 [35]기준으로는 기괴하다고 여겨졌을 조화로운 방법을 사용했다.이들 작곡가의 스타일은 양식적 또는 5음계의 음계나 멜로디를 사용하고 유럽의 [36]조화 규칙을 회피하는 등 "그들의 세련된 유럽 동시대 사람들의 영향"에 영향을 받지 않았다.

19세기 초, 미국은 앤서니 하인리히와 같은 다양한 작곡가를 배출했는데, 앤서니 하인리히는 특이하고 의도적으로 미국적인 스타일로 작곡했고, 교향악단에서 작곡한 최초의 미국 작곡가였다.가장 유명한 윌리엄 헨리 프라이와 조지 프레드릭 브리스토 같은 다른 많은 작곡가들은 비록 그들의 작품들이 오리엔테이션에서 매우 유럽적이긴 했지만 미국 클래식 스타일의 아이디어를 지지했다.그러나 유럽에서 받아들여진 최초의 미국 작곡가가 된 사람은 존 놀스 페인이었다.페인의 사례는 에이미 비치, 에드워드 맥도웰, 호레이쇼 [37]파커와 같은 인물들을 포함한 제2 뉴잉글랜드 학교의 작곡가들에게 영감을 주었다.

루이스 모로 고트샬크는 아마도 19세기 미국 작곡가 중 가장 잘 알려진 사람일 것이라고 음악사학자 리처드 크로포드는 "콘서트 홀을 위해 토착 또는 민속, 주제와 리듬을 음악에 접목시킨 것으로 알려져 있다"고 말했다.Gottschalk의 음악은 그의 고향인 루이지애나 뉴올리언스의 문화적 혼합을 반영했다. 그곳은 라틴, 카리브해, 아프리카계 미국인, 카준, 그리고 크레올 음악의 고향이었다.그는 생전에 재능 있는 피아니스트로 인정받았고,[38] 연주한 것은 거의 없지만 존경받는 작곡가이기도 했다.

20세기

1993년, 플로렌스의 필립 글래스

뉴욕 클래식 음악계에는 1914년에 가장 혁신적인 자료를 발표하기 시작한 뉴욕 엘미라 출신의 찰스 그리프스가 포함되어 있다.그의 초기 공동작업은 서양이 아닌 음악 주제를 사용하려는 시도였다.뉴욕에서 가장 잘 알려진 작곡가는 조지 거슈윈이었다.거쉰은 틴팬앨리브로드웨이 극장의 작곡가였고 그의 작품은 재즈, 혹은 오히려 그의 시대에 존재했던 재즈의 선구자의 영향을 강하게 받았다.거슈윈의 작품은 미국 클래식 음악을 더욱 집중하게 만들었고, 전례 없이 많은 국제적인 관심을 끌었다.거슈윈에 이어 최초의 주요 작곡가는 브루클린 출신의 애런 코플랜드로, 비록 기술과 형태에서 유럽적인 미국 포크 음악의 요소를 사용했다.나중에, 그는 발레와 연속 [39]음악으로 눈을 돌렸습니다.찰스 아이브스는 비록 그의 음악은 1954년 그가 죽은 후까지 거의 알려지지 않았지만, 독특한 미국 스타일로 음악을 만들면서 국제적인 중요성을 지속한 최초의 미국인 클래식 작곡가 중 한 명이었다.

케이지, 존 코릴리아노, 테리 라일리, 스티브 라이히, 아담스, 그리고 미겔 델 아길라와 같은 후기 20세기 작곡가들은 모더니즘과 미니멀리즘 기법을 사용했다.라이히는 두 가지 음악 활동이 동시에 시작되고 반복되며 점차 동기화되지 않고 표류하며 자연스러운 발전감을 만들어내는 단계적 기법을 발견했다.라이히는 또한 그의 [40]작곡에 아프리카 리듬 테크닉을 접목시키면서 비서구 음악에 매우 관심이 있었다.최근 작곡가와 연주자들은 뉴욕 출신의 볼티모어 출신인 필립 글래스, 메레디스 몽크 [41]의 미니멀리즘 작품에 강한 영향을 받는다.

대중음악

미국은 현대 세계에서 많은 인기 있는 음악가와 작곡가를 배출했다.녹음된 음악의 탄생을 시작으로, 미국 연주자들은 대중 음악 분야를 계속 주도해 왔습니다. 대중 음악 분야는 "세계 문화에 대한 미국인들의 모든 공헌 중..."전 세계가 마음에 새겼다"[42]고 말했다.대부분의 대중음악의 역사는 미국의 래그타임이나 틴팬 골목에서 시작된다; 그러나 다른 사람들은 대중음악을 르네상스 시대광폭, 발라드, 그리고 다른 대중적인 [43]전통을 통해 추적한다.다른 작가들은 일반적으로 인기 있는 악보를 보고 미국의 대중음악을 영혼, 음유시인 쇼, 보드빌, 남북전쟁의 애국적인 노래로 추적한다.

초기 유행가

19세기 작곡가 스티븐 포스터

미국 독립 혁명의 애국적인 평신도 노래는 최초의 주류 대중음악을 구성했다.여기에는 토마스 페인의 "자유의 나무"가 포함되어 있다.값싸게 인쇄된 광시트로 인쇄된 초기의 애국적인 노래들은 식민지 전체에 퍼졌고 가정과 공공 [44]모임에서 연주되었다.파이프의 노래는 특히 축하되었고, 미국 독립 전쟁 동안 전장에서 연주되었다.이 파이프의 노래들 중 가장 오래 지속된 것은 오늘날에도 여전히 잘 알려진 "양키 두들"이다.그 멜로디는 1755년으로 거슬러 올라가며 미군과 영국군에 [45]의해 불려졌다.애국적인 노래들은 대부분 영어 멜로디에 바탕을 두고 있었고, 영국 식민주의를 비난하기 위해 새로운 가사가 추가되었다. 그러나 다른 노래들은 아일랜드, 스코틀랜드 또는 다른 곳에서 나온 곡들을 사용하거나 익숙한 멜로디를 사용하지 않았다."Hail, Columbia"라는 곡은 "Star-Stangled Banner"가 채택되기 전까지 비공식 국가였던 주요[46] 곡이었다.이 초기 미국 음악의 대부분은 여전히 Sacred Harp에 남아 있다.셰이커 커뮤니티 밖에서는 비교적 알려지지 않았지만, 간단한 선물은 1848년 조지프 브라켓 장인에 의해 쓰여졌고 그 이후 국제적으로 [47]유명해졌다.

남북 전쟁 동안, 전국의 군인들이 섞이면서, 미국 음악의 다양한 가닥들이 서로 교차하기 시작했고, 이 과정은 철도 산업과 여행과 통신을 용이하게 하는 다른 기술 발전의 도움을 받았다.육군 부대에는 전국 각지에서 온 개인들이 포함되었고, 그들은 빠르게 곡, 악기, 기술을 교환했다.그 전쟁은 널리 [3]인기를 얻고 유지되는 뚜렷한 미국 노래의 창조에 자극제가 되었다.남북전쟁 시대의 가장 인기 있는 노래는 다니엘 디케이터 에밋이 쓴 "딕시"였다.원래는 "딕시의 땅"이라는 제목의 이 노래는 음유시인 쇼의 폐막을 위해 만들어졌으며, 뉴올리언스로 퍼져나갔고, 그곳에서 출판되어 "남북전쟁 이전의 위대한 노래 중 하나"[48]가 되었다.남북전쟁 시대에는 대중적인 애국가 외에도 많은 금관악단 [49]곡들이 생산되었다.

1916년 경의 알 졸슨은 1920년대 미국에서 가장 유명하고 가장 많은 출연료를 받은 스타로 인정받고 있다.

남북전쟁에 이어 음유시인 쇼는 미국 음악 표현의 첫 번째 독특한 형태가 되었다.음유시인 쇼는 코믹 촌극, 버라이어티 액트, 춤, 음악으로 구성된 미국 토속 예능의 한 형태로, 보통 검은 얼굴의 백인들이 공연했다.음유시인은 음악 공연에서 아프리카계 미국인 요소를 사용했지만, 단순화된 방식으로만 묘사했다; 쇼의 줄거리는 결국 폐지주의[50]연관되기 전에 흑인들을 타고난 노예와 바보로 묘사했다.음유시인 쇼는 다니엘 디케이터 에밋과 버지니아 [51]음유시인들에 의해 발명되었다.음유시인 쇼는 미국 음악 역사상 처음으로 잘 알려진 인기 작곡가들을 배출했습니다.토마스 D. 라이스, 다니엘 디케이터 에밋, 그리고 가장 유명한 스티븐 포스터.음유시인 쇼의 인기가 시들해진 후, 비슷한 현상인 쿤송이 인기를 끌었다.

작곡가 John Philip Sousa는 20세기 시작 직전에 미국 대중음악에서 가장 인기 있는 흐름과 밀접하게 연관되어 있다.이전미국 해병대의 밴드마스터였던 수사는 "성조기 포에버"와 같은 군사행진을 작곡했는데, 이는 그의 "고향과 조국을 위한 향수"를 반영하여 멜로디에 "신선한 남성적인 성격"[52]을 부여했다.

20세기 초, 미국 뮤지컬 극장은 블루스, 재즈, 컨트리, 그리고 다른 현존하는 대중음악 스타일에 영향을 준 많은 대중가요들의 주요 원천이었다.이 스타일의 발전의 중심은 브로드웨이 극장이 그 도시에서 가장 유명한 공연장 중 하나가 된 뉴욕시였다.조지와 아이라 거쉰 형제와 같은 연극 작곡가들과 작사가들은 미국 고유의 말과 음악을 사용한 독특한 미국 연극 스타일을 만들었다.뮤지컬은 종종 사랑과 [53]로맨스를 중심으로 한 인기 있는 노래와 빠른 속도의 플롯을 선보였다.

블루스와 가스펠

블루스는 현대 미국 대중음악의 기반이 되는 아프리카계 미국인 포크 음악의 한 장르이다.블루스는 컨트리, 재즈, 래그타임, 가스펠과 같은 음악 스타일의 연속체의 일부로 볼 수 있다; 각각의 장르가 다른 형태로 진화했지만, 기원은 종종 불분명했다.블루스의 초기 형태는 19세기 후반과 20세기 초에 미시시피 삼각주 주변에서 진화했다.초기의 블루스 음악은 주로 화음이나 반주가 없고 형식적인 음악 구조가 없는 콜 앤 리스폰스 성악이었다.노예들과 그들의 후손들은 들판의 함성과 함성을 열정적인 솔로곡으로 [54]바꿔가며 블루스를 만들었다.흑인 교회의 기독교 영가나 부흥회 등과 섞이면 블루스는 가스펠 음악의 기본이 됐다.현대 복음은 1920년대 아프리카계 미국인 교회에서 시작되었으며, 예배자들이 즉흥적이고 종종 음악적인 방식으로 그들의 믿음을 선언하는 형태로 시작되었다.토마스 A 같은 작곡가들. Dorsey는 전통적인 찬송가와 [55]영적인 노래에 블루스와 재즈의 요소를 사용한 가스펠 작품을 작곡했다.

블루스 가수 베시 스미스

래그타임은 원래 싱코페이트 리듬과 [25]크로미티즘을 특징으로 하는 피아노 스타일이었다.그것은 주로 워킹 베이스를 이용한 댄스 음악의 한 형태이며, 일반적으로 소나타 형식으로 구성되어 있다.래그타임은 19세기[56] 말 북부 도시의 흑인 밴드들이 연주한 유럽 행진곡과 대중가요에서부터 지그와 기타 춤에 이르기까지 다양한 스타일과 혼합된 세련되고 진화된 형태의 흑인 케이크 워크 춤이다.가장 유명한 래그타임 연주자이자 작곡가는 "메이플 리프 래그"[57]와 같은 작품으로 알려진 스콧 조플린이었다.

블루스는 베시 스미스와 같은 클래식 여성 블루스 가수들이 인기를 끌었던 1920년대에 미국 대중음악의 일부가 되었다.동시에 음반사들은 흑인 관객들을 겨냥한 블루스 음악 분야를 시작했다.이러한 행위들 중 가장 유명한 것은 전설적인 델타 블루스 뮤지션 로버트 존슨피에몬트 블루스 뮤지션 블라인드 윌리 맥텔을 포함한 블루스 및 블루스 유래 장르의 후에 많은 인기 있는 발전에 영감을 주었다.그러나 1940년대 말까지 퓨어 블루스는 리듬 앤 블루스와 초기 로큰롤 스타일과 같은 오프쇼트들에 의해 대체되어 대중음악의 작은 부분일 뿐이었다.부기우기와 같은 몇몇 스타일의 피아노로 구동되는 일렉트릭 블루스는 많은 관객을 보유하고 있었다.블루스 스타일의 가스펠은 1950년대 가수 마할리아 [58]잭슨이 이끄는 미국의 주류에서도 인기를 끌었다.블루스 장르는 1950년대에 머디 워터스와 리틀 월터와 [59]같은 시카고 블루스 뮤지션들과 함께 큰 부활을 경험했고, 1960년대에 미시시피 허트와 게리 데이비스 목사와 같은 컨트리 블루스 뮤지션들이 재발견되면서 브리티시 인베이전, 미국 포크 음악 부흥을 경험했다.이 시기의 블루스 음악가들은 1950년대의 척 베리 같은 록 음악가들과 영국의 에릭 클랩튼과 텍사스의 조니 윈터를 포함한 1960년대와 1970년대의 블루스 블루스 록 장면에 엄청난 영향을 끼쳤다.

★★★

Jelly Roll Morton은 초기 재즈 개척자였다.

재즈는 스윙과 블루 음표, 콜과 리스폰스 보컬, 폴리리듬즉흥으로 특징지어지는 음악의 일종이다.원래 댄스 음악의 일종이었지만, 재즈는 대중음악의 주요 부분이었고 또한 서양 클래식 음악의 주요 요소가 되었다.재즈는 서아프리카의 문화와 음악적 표현, 블루스와 래그타임을 포함한 아프리카계 미국 음악 전통, 그리고 유럽의 군악대 [60]음악에 뿌리를 두고 있습니다.초기 재즈는 래그타임과 밀접하게 관련되었고, 래그타임은 좀 더 복잡한 리듬 즉흥 연주를 사용함으로써 구별될 수 있었다.최초의 재즈 밴드는 구부러진 파란색 음표와 악기의 으르렁거림 그리고 유럽 악기에 사용되지 않는 비유를 포함한 블루스의 어휘를 많이 채택했다.재즈의 뿌리는 19세기 프랑스-캐나다의 문화와 그들만의 음악 스타일을 결합시킨 케이준과 흑인 크리올이 거주하는 루이지애나 뉴올리언스에서 비롯되었다.장례식과 퍼레이드를 위해 연주한 대형 크레올 밴드는 뉴올리언스에서 시카고와 다른 북부 도시 중심지로 퍼진 초기 재즈의 주요 기반이 되었다.

재즈의 여왕 엘라 피츠제럴드.

비록 재즈는 오랫동안 제한된 인기를 얻었지만, 그의 친구 피아니스트하인스와 함께 최초의 인기 스타이자 재즈 발전의 주요 세력이 된 사람은 루이 암스트롱이었다.암스트롱, 하인즈, 그리고 그들의 동료들은 하나의 멜로디에 수많은 변주곡들을 만들 수 있는 즉흥 연주자들이었다.암스트롱은 또한 말도 안 되는 음절들을 부르는 즉흥적인 보컬 기술인 스캣 노래를 대중화했다.암스트롱과 하인즈는 스윙이라고 불리는 일종의 팝 빅 밴드 재즈의 등장에 영향을 미쳤다.스윙은 보통 더블 베이스와 드럼, 중간에서 빠른 템포, 그리고 대부분의 재즈에서 흔한 스윙 음표와 같은 리듬 장치로 구성된 강한 리듬 섹션으로 특징지어진다.스윙은 주로 블루스와 틴팬앨리의 [57]요소들과 결합된 1930년대 재즈의 퓨전이다.스윙은 다른 종류의 재즈보다 더 큰 밴드를 사용했고, 밴드 리더들이 이전에는 재즈의 필수적인 부분이었던 즉흥 연주를 억제하는 소재를 촘촘히 배열하도록 이끌었다.스윙은 아프리카계 미국인 춤의 주요 부분이 되었고 스윙 댄스라고 불리는 인기 있는 춤과 함께 하게 되었다.

비록 재즈 자체가 스윙 시대만큼 미국 대중음악의 주요 부분이 되지는 않았지만, 재즈는 후기 대중음악의 모든 주요 스타일에 많은 연주자들에게 영향을 끼쳤다.그러나 20세기 후반의 미국 재즈계는 마일즈 데이비스와 같은 유명한 크로스오버 스타들을 배출했다.20세기 중반, 재즈는 비밥에서 시작하여 다양한 하위 장르로 발전했다.비밥은 빠른 템포, 멜로디보다는 조화로운 구조에 기초한 즉흥 연주, 플랫 파이브(flated fifth)의 사용이 특징인 재즈의 한 형태이다.비밥은 1940년대 초반과 중반에 개발되었고, 후에 하드밥프리 재즈와 같은 스타일로 발전했다.이 스타일의 혁신가에는 뉴욕의 [61]작은 재즈 클럽에서 생겨난 찰리 파커와 디지 길레스피포함되어 있다.

컨트리 음악

조니 캐시는 그의 세대에서 가장 영향력 있는 음악가 중 한 명으로 여겨졌다.

컨트리 음악은 주로 흑인 블루스와 스피릿을 애팔래치아 포크 음악과 융합한 것으로, 1920년대부터 대중화되었습니다.국가의 기원은 주로 아일랜드와 영국, 아프리카와 유럽 대륙의 [62]음악과 함께 시골의 남부 포크 음악에서 비롯된다.앵글로-켈트 음악, 댄스 음악, 발라드리는 당시 힐빌리 음악으로 알려진 현대 국가의 초기 전신이었다.초기 촌뜨기들은 또한 블루스의 요소를 빌려 19세기 팝송의 더 많은 측면을 끌어모았다. 촌뜨기 음악은 결국 컨트리, 웨스턴, 그리고 단순히 [63]컨트리라고 알려진 상업적인 장르로 진화했기 때문이다.최초의 컨트리 악기는 유럽에서 유래한 바이올린과 아프리카에서 유래한 밴조를 중심으로 발전했고, 나중에 기타[64]추가되었다.우쿨렐레스틸 기타와 같은 현악기는 [65]20세기 초 하와이 음악 그룹의 인기 때문에 흔한 것이 되었다.

상업적인 컨트리 음악의 뿌리는 일반적으로 1927년에 음악 재능 스카우트 랄프 피어가 지미 로저스와 카터 [66]패밀리를 녹음한 것으로 거슬러 올라간다.대중적 성공은 매우 제한적이었지만, 적은 수요로 인해 일부 상업적인 녹음이 촉진되었다.제2차 세계대전 이후 컨트리 음악과 같은 전문 스타일에 대한 관심이 높아졌고, 몇몇 주요 [67]팝 스타들을 배출했다.그 시대의 가장 영향력 있는 컨트리 음악가는 [58][68]앨라배마 출신의 블루스한 컨트리 가수 행크 윌리엄스였다.그는 여전히 컨트리 음악의 가장 위대한 작곡가이자 연주자 중 한 명으로 유명하며, "호키 톤"과 "노동자 계급의 동정"[69]을 가진 "민속 시인"으로 간주됩니다.지난 10년 동안 내슈빌 사운드가 팝 지향적으로 성장하면서 홍키통크의 거칠기는 점차 사라졌습니다.Chet Atkins와 같은 프로듀서는 산골짜기 요소를 제거하고 부드러운 악기와 고급 제작 [70]기술을 사용하여 내슈빌 사운드를 만들었습니다.결국, 내쉬빌의 대부분의 음반들은 현악기와 보컬 [71]합창단이 통합되기 시작한 이 스타일로 만들어졌다.

그러나 1960년대 초반까지 내슈빌 사운드는 더 많은 전통주의 연주자들과 팬들에 의해 너무 묽은 것으로 인식되어 베이커스필드 사운드와 같은 많은 지역 장면들이 생겨났다.그러나 오랜 문화 아이콘[72]조니 캐시와 같은 몇몇 출연자들은 인기를 유지했다.베이커스필드 사운드는 Wynn StewartBuck Owens와 같은 연주자들이 그들의 [73]음악에 브레이크 비트와 같은 서양 스윙과 록의 요소를 사용하기 시작하면서 1950년대 중후반에 시작되었다.1960년대에 Merle Haggard와 같은 연주자들이 그 소리를 대중화했다.1970년대 초, 해거드는 윌리 넬슨, 웨일론 [61]제닝스와 같은 싱어송라이터들과 함께 무법 국가의 일부이기도 했다.무법자 컨트리는 록 지향적이고 내쉬빌 [74]사운드의 깔끔한 컨트리 가수들과는 대조적으로 서정적으로 연주자들의 범죄적 익살극에 초점을 맞췄다.1980년대 중반, 드와이트 요캄과 같은 연주자들의 부상과 함께, 컨트리 음악 차트는 팝 가수들에 의해 지배되었다.1980년대는 또한 투펠로 삼촌과 같은 다른 컨트리 연주자들이 발전했는데, 이들은 좀 더 팝 지향적인 국가의 스타일에 반대했다.2000년대 초반, 록 지향의 컨트리 액티비티는 미국에서 가장 많이 팔린 가수들, 특히 가스 [75]브룩스에 머물렀다.

쏘울, R&B, 펑크

가수 제임스 브라운은 리듬 앤 블루스의 소울 음악으로의 전환과 펑크 [76]음악의 개척에 비판적이었다.

리듬 앤 블루스의 줄임말인 R&B는 1930년대와 1940년대에 생겨난 스타일이다.초기 R&B는 "소리 지르는 블루스 가수들 뒤에서 소리를 지르면서 다양한 전기 악기들의 쿵쾅거리는 소리와 쿵쾅거리는 리듬 [77]섹션 위로 들려야 했다"는 대형 리듬 유닛으로 구성되었다.R&B는 선정적인 가사와 운전 [78]리듬 때문에 대부분의 관객들, 특히 중산층 백인들에게 적합하지 않다고 음반사들이 느꼈기 때문에 널리 녹음되고 홍보되지 않았다.루이스 조던과 같은 밴드 리더들은 작은 뿔 섹션과 두드러진 리듬 악기를 가진 밴드를 사용하여 초기 R&B의 사운드를 혁신했습니다.1940년대 말까지, 그는 여러 개의 히트곡을 냈고, 위노니 해리스와 존 후커와 같은 동시대인들을 위한 길을 닦는 데 도움을 주었다.가장 인기 있는 R&B 노래들 중 많은 것들이 조던과 그의 동시대 사람들의 롤릭 스타일로 연주되지 않았다; 대신에 그들은 분과 같은 백인 음악가들이 더 입맛에 맞는 주류 스타일로 연주했고, 이는 [79]팝 히트곡으로 바뀌었다.그러나 1950년대 말까지 인기 있는 블랙 블루스 록의 물결이 일었고 척 베리 같은 나라에서 영향을 받은 R&B 가수들이 백인 [80][81]청취자들 사이에서 전례 없는 명성을 얻었다.

Motown Records는 1960년대 초중반 음악 산업과 소비자 시장에서 인종 차별을 무시한 미국 흑인의 뿌리를 가진 음악을 제작하여 큰 성공을 거두었다.음악 저널리스트 제리 웩슬러(리듬 앤 블루스라는 표현을 만든 사람)는 모타운에 대해 다음과 같이 말한 적이 있다. "그들은 서류상으로는 불가능한 일을 했다."그들은 흑인 음악을 미국 백인 청소년에게 직접 전송했다." 베리 고디는 1959년 미시간주 디트로이트에서 Motown을 설립했다.그것은 R&B 시장을 넘어서 크로스오버 음악을 전문으로 하는 몇 안 되는 R&B 음반사 중 하나였다.이 회사는 1960년대 초 흑인 대중음악의 선두 생산자(모터타운의 기원을 나타내는 "어셈블리 라인")로 부상했으며, 소울, 펑크, 디스코 및 [82]R&B의 요소를 결합한 "The Motown Sound of Young America" 또는 "The Sound of Young America"로 제품을 판매했다.주목할 만한 모타운의 배우로는 포탑스, 유혹, 슈프림스, 스모키 로빈슨, 스티비 원더, 잭슨 5가 있다.시각적인 표현은 Motown의 상승의 중심이었다. 그들은 다른 음반사들보다 시각적인 미디어에 더 많은 중점을 두었다.많은 사람들이 모타운에 처음 노출되었던 것은 텔레비전과 영화였다.우아하고 침착하게 스스로를 지탱하는 성공한 흑인 미국 모타운 예술가의 이미지는 관객들에게 독특한 형태의 중산층 흑인을 방송했는데, 이는 특히 [83]백인들에게 어필했다.

소울 뮤직은 리듬 앤 블루스와 가스펠의 조합으로 1950년대 후반 미국에서 시작되었다.그것은 성악가와 세속적인 주제를 더 강조하면서 가스펠 음악 장치를 사용하는 것이 특징이다.1950년대 레이 찰스, 샘,[84] 제임스 브라운의 녹음은 일반적으로 영혼의 시초로 여겨진다.찰스의 모던 사운드(1962) 레코드는 그 [85]당시 음악에서 영혼과 컨트리 음악의 융합, 그리고 인종적 장벽을 넘은 것을 특징으로 했다.쿡의 가장 잘 알려진 곡 중 하나인 "A Change Is Gonnom Come"은 1960년대 [86]미국 시민권 운동의 고전이자 국가로 받아들여졌다.AllMusic에 따르면, 제임스 브라운은 "그의 보컬에 대한 복음적인 분노와 그의 비트의 복잡한 폴리리듬"을 통해 "미국 흑인 음악의 두 혁명"에서 비판적이었다.그는 R&B를 소울로 바꾼 가장 큰 책임이 있는 인물 중 한 명이었고, 대부분의 사람들은 소울 음악을 60년대 후반과 [76]70년대 초반의 펑크로 바꾼 가장 큰 책임이 있는 인물이었다고 생각합니다."

'팝의 황제'라는 별명을 가진 가수 마이클 잭슨은 1980년대 대중음악 크로스오버의 주역이었다.1983년 그의 "Thriller" 뮤직비디오는 텔레비전 [87]팝 음악의 인종적 경계를 깼다.

퓨어 소울은 테네시주 멤피스에 있는 오티스 레딩과 스택스 레코드의 다른 아티스트들에 의해 대중화되었다.1960년대 후반, 아틀란틱의 레코딩 아티스트 아레사 프랭클린은 미국에서 [88][89]가장 인기 있는 여성 소울 스타로 떠올랐다.또한 이때까지 소울은 사이키델릭 록과 다른 스타일의 영향을 받아 여러 [90]장르로 나뉘었다.1960년대의 사회적 정치적 혼란은 마빈 게이커티스 메이필드와 같은 아티스트들이 하드히트한 소셜 코멘트를 담은 앨범을 발표하도록 영감을 주었고, 또 다른 다양성은 더 댄스 지향적인 음악이 되어 펑크로 발전했다.정치적, 사회적으로 강한 서정적 주제들에 대한 이전의 선호에도 불구하고, 게이는 성적, 로맨스를 주제로 한 음악과 [91]펑크를 대중화하는 데 도움을 주었고, 렛츠겟잇온(1973년)아이원트유(1976년)를 포함한 그의 70년대 음반들은 조용한 폭풍 소리와 [92]형식을 발전시키는데 도움을 주었다.지금까지 녹음된 앨범들 중 가장 영향력 있는 앨범들 중 하나인 Slie & the Family Stone's There's a Riot Going' On은 그룹의 [93]초기 작품에서 사운드의 프로토타입 사례 이후, 펑크 음악의 성숙된 첫 번째이자 가장 좋은 예들 중 하나로 여겨져 왔다.Gil Scott-HeronThe Last Poets와 같은 예술가들은 시, 재즈 펑크, 그리고 영혼의 다양한 혼합을 연습했고, 아프로 중심적인 정서와 함께 비판적인 정치, 사회적 논평을 특징으로 했습니다.스콧 헤론의 "The Revolution Will Not Be Televised"(1971년), "Winter in America"(1974년) 등 프로토랩 작품은 후기 [94]힙합 아티스트들에게 상당한 영향을 미쳤으며 브라이언 잭슨과의 독특한 사운드는 네오 소울 [95]아티스트들에게 영향을 미쳤다.

"The Voice"라는 별명을 가진 가수 휘트니 휴스턴은 미국 [96]음반 산업 협회에서 20세기 가장 많이 팔린 여성 R&B 아티스트로 인정받았다.그녀는 또한 2억 장 이상의 음반이 팔려 전 세계에서 가장 많이 팔린 음악가 중 한 명이다.

1970년대 중반, 필리 소울 그룹 오제이스푸른 눈의 소울 그룹 홀 오츠 같은 매우 매끄럽고 상업적인 밴드들이 주류에서 성공을 거두었다.1970년대 말까지, 소울을 포함한 대부분의 음악 장르는 디스코의 영향을 받았다.1970년대 후반과 1980년대 초에 일렉트로 음악과 펑크의 영향을 받아, 소울 음악은 덜 생동감 있게 만들어졌고, 결과적으로 다시 한번 R&B라고 불리게 되었고, 보통 현대 R&B로 식별됨으로써 이전의 리듬 앤 블루스와 구별되었다.

최초의 현대 R&B 스타들은 1980년대에 댄스 팝 스타 마이클 잭슨, 펑크 영향을 받은 가수 프린스, 그리고 티나 터너와 휘트니 [75]휴스턴과 같은 여성 보컬의 물결로 생겨났다.마이클 잭슨과 프린스는 다양한 [97]장르의 요소를 다양하게 사용했기 때문에 현대 R&B와 대중음악에서 가장 영향력 있는 인물로 묘사되어 왔다.왕자님은 미니애 폴리스 소리를 만들기 위해:"뿔, 기타, 전자 신디사이저, 안정되고, 튀어 오르는 리듬에 있는 요소의 혼합물 책임이 있었다.그의 1979년 성인 솔로 무대에 데뷔하면서, 디스코 침체에서 벗어나OfftheWall"[98]잭슨의 작품 부드러운 발라드나disco-influenced 댄스 음악에 예술가로서 그는 집중"pulled 댄스 음악, mR&B와 Rock on Thriller를 결합하고,[99] 로봇과 문워크와 같은 스타일화된 스텝을 그의 커리어를 통해 선보였습니다.

비욘세는 2000년대에 가장 인기 있었던 미국 R&B 가수 중 한 명이었다.

1983년까지 대중음악 크로스오버의 개념은 마이클 잭슨과 불가분의 관계가 되었다.스릴러는 미국에서만 천만 부 이상이 팔리며 전례 없는 성공을 거두었다.1984년까지, 이 앨범은 140개 이상의 금상과 플래티넘 상을 획득했고 기네스북에 의해 역사상 가장 많이 팔린 기록으로 인정받았으며,[87] 이 타이틀은 오늘날에도 남아있다.MTV의 "빌리 진" 방송은 흑인 아티스트로는 처음이어서 [87]TV에서 대중음악의 "색깔 장벽"을 깼다.스릴러국립영화등기소가 인정한 유일한 뮤직비디오로 남아 있다.

가수 아리아나 그란데는 핫 100에서 동시에 상위 3위를 차지한 최초의 솔로 가수가 되었다.

Janet Jackson은 Jimmy Jam, Terry Lewis와 세 번째 스튜디오 앨범 Control (1986)을 공동 작업했다. 이 앨범의 두 번째 싱글 "Nasty"는 테디 [97]라일리에 의해 혁신된 장르인 새로운스윙 사운드의 기원으로 묘사되었다.키스 스웨트의 Make It Last Forever (1987년), 가이즈 가이 (1988년), 바비 브라운의 Don't Be Cruel (1998년)[97]에 대한 라일리의 작업은 새로운 잭 스윙을 1990년대 중반 현대 R&B의 주식으로 만들었다.뉴 잭 스윙은 종종 랩된 시구와 드럼 [58]머신을 특징으로 하는 성악의 스타일이자 트렌드였다.초기 현대 R&amp의 크로스 오버를 호소하다;그들의 성공으로 주류 대중 음악의 왕자, 마이클과 자넷 잭슨, 휘트니 휴스턴, 티나 터너, 아니타 베이커의 작품들과 업계에 검은 예술가들을 위해 포인터 시스터스가 된 전환점을 포함해 B예술가,"아마도 첫번째 힌트는 더 큰 사해 동포주의의 a world market은 대중음악의 [100]색상에 변화를 줄 수 있습니다.

보컬리스트 휘트니 휴스턴과 머라이어 캐리가 개작한 복음주의 전통인 멜리스마의 사용은 1980년대 후반부터 1990년대 [97]내내 현대 R&B 가수들의 초석이 될 것이다.휘트니 휴스턴의 R&B 히트곡으로는 "All the Man That I Need"(1990년)와 "I Will Always Love You"(1992년)가 있으며, 후에 전 세계적으로 2000만 장 이상의 판매고를 올리며 여성 배우에 의해 가장 많이 팔린 싱글이 되었다.빌보드 핫 200에서 20주 동안 1위를 차지한 그녀의 1992년 히트 사운드트랙 '보디가드'는 전세계적으로 4천 5백만 장 이상이 팔렸고 역대 가장 많이 팔린 사운드트랙 앨범으로 남아있다.

힙합은 1980년대 후반, 처음에는 새로운 잭 스윙을 통해, 그리고 나서 힙합 소울과 네오 소울이라고 불리는 관련된 일련의 하위 장르에서 현대 R&B에 영향을 끼쳤다.힙합 소울과 네오 소울은 나중에 1990년대에 발전했다.Mary J. Blige, R. Kelly, Bobby Brown의 작품으로 대표되는 전자는 현대 R&B와 힙합 비트를 혼합한 반면 갱스터 랩의 이미지와 주제는 존재할 수 있다.후자는 힙합의 영향을 받은 1960년대와 1970년대 스타일의 소울 보컬의 보다 실험적이고, 에리카 바두, 앨리샤 키스, 그리고 라우린 [101]힐의 작품을 통해 어느 정도 주류를 인정받았다.D'Angelo의 비평가들로부터 호평을 받은 앨범인 Voodoo(2000)는 음악 작가들로부터 네오 소울 [102][103][104]장르의 주춧돌이자 걸작으로 인정받았다.

마돈나는 1980년대부터 [105]"팝의 여왕"이라는 별명을 가지고 있다.그녀는 음악 및 비주얼 프레젠테이션에서 끊임없는 혁신과 다재다능한 것으로 유명하다.

팝뮤직은 1950년대 중반 미국과 영국에서 현대적 형태로 시작된 대중음악의 한 장르이다.1950년대와 1960년대에 대중음악은 로큰롤과 그것이 영향을 준 젊은이 지향적인 스타일을 포함했다.과 팝은 1960년대 후반까지 거의 동의어로 남아있었고, 그 이후 팝은 보다 상업적이고, 일시적이며, 접근하기 쉬운 음악과 관련되게 되었다.음반 차트에 등장하는 음악의 대부분은 팝 음악으로 보이지만, 그 장르는 차트 음악과 구별된다.빙 크로스비는 '노래의 제왕' 또는 '대중음악의 제왕'이라는 별명을 가진 최초의 아티스트 중 한 명이다.1970년대 후반에 발전한 인디 은 메이저 [106]음반사로부터 음반 계약을 체결하지 않고도 자신들의 음악을 녹음하고 발매할 수 있다는 당시 신곡을 전제로 기타 밴드가 결성되면서 현대 팝 음악의 매력에서 또 다른 출발을 알렸다.1980년대 초, 대중음악의 판촉은 MTV와 같은 음악 텔레비전 채널의 부상에 의해 크게 영향을 받았는데, 이는 "미카엘 잭슨과 마돈나와 같은 강한 시각적 매력을 가진 아티스트들을 선호한다"고 말했다.1980년대는 신스팝 음악과 비전통적인 악기가 특징인 다른 전자 장르가 [107]인기를 끌면서 신시사이저의 사용과 관련된 디지털 레코딩의 사용이 증가한 것으로 일반적으로 기억된다.2014년까지 전 세계 팝 음악은 일렉트로닉 댄스 음악으로 스며들었다.2018년, 어바인 캘리포니아 대학의 연구원들은 팝 음악이 1980년대 이후로 '더 슬퍼졌다'는 결론을 내렸다.행복과 밝기의 요소들은 결국 대중음악을 더 '슬프지만 춤출 수 있는'[108] 일렉트로닉 비트로 대체되었다.켈리 클락슨은 2021년 현재 그래미상 최우수보컬 앨범상을 두 번 수상한 유일한 미국인 가수이다.클락슨과 저스틴 팀버레이크는 모두 다른 어떤 가수들보다도 많은 5번 후보에 올랐지만, 클락슨은 가장 많은 솔로 앨범을 노미네이트한 유일한 가수이다.Timberlake의 3곡은 솔로이고, 2곡은 NSYNC 소속입니다.

, 탈, rock

조앤 바에즈와 딜런은 1960년대 초반 미국 포크 음악 [109]부흥의 주요 인물이었다.딜런은 영국 침공, 특히 The Animals의 포크송 "The House of the Rising Sun"[110]의 히트 음반에 영감을 받은 후 포크 록에 도전했다.

로큰롤은 컨트리, 블루스, R&B에서 발전했다.록의 정확한 기원과 초기 영향들은 뜨거운 논란이 되었고 많은 학문의 주제이다.비록 블루스 전통에 정통하지만, 록은 아프로-카리브라틴 음악 [111]기법의 요소를 따랐다.록은 블루스와 컨트리부터 폴카지데코[112]이르기까지 다양한 인구가 흑인, 라틴, 유럽 장르를 혼합한 지역에서 형성된 도시 스타일이었다.로큰롤은 처음에 초기 사운드와 컨트리 음악의 요소를 융합한 [113]로커빌리라고 불리는 스타일을 통해 대중음악에 진입했다.흑인으로 공연된 로큰롤은 이전에는 주류에서 성공하는 데 한계가 있었지만, 역사상 가장 많이 팔린 음악가 중 한 명이 되면서 처음으로 주류 관객들에게 어필하고 전 [114]세계 관객들에게 로큰롤을 가져다 준 사람은 백인 연주자 엘비스 프레슬리였다.

ZZ Top은 2014년까지 전세계적으로 5천만 장 이상의 앨범을 판매했다.ZZ 탑은 2004년에 로큰롤 명예의 전당에 헌액되었다.

1960년대 대중음악, 특히 록에서 몇 가지 중요한 변화가 있었다.이러한 많은 변화들은 비틀즈, 더, 롤링 [115]스톤즈와 같은 밴드들이 엄청난 인기를 얻었고 미국 문화와 음악에 깊은 영향을 미친 브리티시 인베이전을 통해 일어났다.이러한 변화에는 전문적으로 작곡한 노래에서 싱어송라이터로 옮겨가는 것, 그리고 대중음악을 상업이나 순수한 [116]오락의 형태보다는 예술로서 이해하는 것이 포함되었다.이러한 변화는 미국 시민권 운동베트남 전쟁 반대와 같은 정치적 목표와 관련된 음악 운동의 증가로 이어졌다.록은 이 변화의 선두에 있었다.

1960년대 초에 바위는 파도를 시작으로 여러 하위 장르를 낳았다.서프는 왜곡된 사운드로 특징지어지는 기악기타 장르로, 남캘리포니아의 청소년 서핑 [117][118]문화와 관련이 있습니다.서정적인 서핑의 초점에 영감을 받아, The Beach Boys는 1961년에 정교하고 팝 친화적이며 조화로운 [119][120]사운드로 녹음을 시작했다.그들의 명성이 커지면서, 비치 보이즈의 작곡가인 브라이언 윌슨은 새로운 스튜디오 기술을 실험했고 반문화와 연관되게 되었다.반문화는 정치적 행동주의를 수용하는 운동이었고 히피 하위문화와 밀접하게 연관되어 있었다.히피들은 포크 록, 컨트리 록, 사이키델릭 [121]록과 관련이 있었다.포크 [122]과 컨트리 록은 특히 뉴욕의 그리니치 빌리지 음악 현장에서 피트 시거와 다른 사람들이 이끄는 정치화된 포크 음악의 출현과 관련이 있었다.포크 록은 싱어송라이터 밥 딜런이 활동을 시작한 1960년대 중반 주류로 진입했다.올뮤직 편집자 스티븐 토마스 얼와인은 비틀즈가 1960년대 중반 자기성찰적인 작곡을 지향한 것은 당시 [110]밥 딜런의 영향 때문이라고 본다.그는 다수의 컨트리 록 밴드들과 부드럽고 엽기적인 싱어송라이터들이 뒤를 이었다.사이키델릭 록은 샌프란시스코 시와 밀접하게 연관된 기타 기반의 하드 드라이브 타입의 록이었다.비록 제퍼슨 항공기가 전국적인 인기를 끈 유일한 지역 밴드였지만, 컨트리이자 블루그래스 풍의 잼 밴드인 Grateful Dead는 히피, LSD 그리고[121]시대의 다른 상징들과 연관된 사이키델릭 반문화의 상징적인 부분이 되었다.어떤 사람들은 그레이트풀 데드가 오늘날 [123]미국인을 정의하는 문화를 형성하고 형성하면서 존재했던 가장 미국적인 록 밴드라고 말한다.

5개의 1위 싱글, 6개의 그래미상, 5개의 아메리칸 뮤직 어워드, 6개의 1위 앨범을 가진 이글스는 1970년대 가장 성공적인 음악 활동 중 하나였다.

1960년대와 1970년대 초반의 격동의 정치, 사회, 음악적 변화에 따라 록 음악은 다양해졌다.이전에는 로큰롤로 알려진 별개의 장르였던 것이 심플 록 음악이라는 캐치올 카테고리로 발전했고, 이는 펑크 록처럼 미국에서 발전한 다양한 스타일을 포함하게 되었다.1970년대 동안 이러한 스타일의 대부분은 언더그라운드 음악계에서 진화하고 있었고, 주류 관객들은 1960년대 포크 록의 깊은 감정과 개인적인 가사를 그린 싱어송라이터들의 물결로 10년을 시작했다.같은 시기에 화려한 아레나 록 밴드, 블루스한 서던 록 그룹, 부드러운스타들이 부상했다.1970년대 후반부터, 록 가수이자 작곡가인 브루스 스프링스틴은 가난한 사람들과 노동자 계층을 [75]찬양하는 무테믹한 노래와 촘촘하고 이해하기 힘든 가사로 주요 스타가 되었다.

에어로스미스는 "보스턴에서 온 나쁜 소년들"과 "미국에서 가장 위대한 록 앤 롤 밴드"로 불리는 미국의 록 밴드이다.

펑크는 1970년대에 시작된 반항적인 록의 한 형태였고, 시끄럽고 공격적이며 종종 매우 단순했다.펑크는 그 시대의 대중음악, 특히 디스코와 아레나 록에 대한 반작용으로 시작되었다.이 분야의 미국 밴드들은, 가장 유명한 으로, 라몬토킹 헤드를 포함했는데, 후자는 주류 [75]웨이브로 진화하기 전에 펑크와 밀접하게 연관된 보다 아방가르드한 스타일을 연주했다.다른 주요 배우로는 블론디, 패티 스미스, 텔레비전 등이 있다.1980년대에 일부 펑크 팬과 밴드는 이 스타일의 인기에 환멸을 느끼면서 하드코어 펑크라고 불리는 훨씬 더 공격적인 스타일을 만들어냈다.하드코어는 짧고 빠르고 강렬한 노래로 구성된 펑크의 한 형태로, Bad Religion, Bad Brains, Black Flag, Dead Kennedys, Minor Threat와 같은 영향력 있는 밴드들과 함께 불만을 가진 젊은이들에게 말을 건넸다.하드코어는 워싱턴 [124]D.C.와 같은 대도시에서 시작되었지만, 대부분의 미국 주요 도시들은 1980년대에 그들만의 지역 장면을 가지고 있었다.

Foo Fighters는 베스트앨범을 포함하여 12개의 그래미 상을 수상했다.[125]

하드코어, 펑크, 그리고 개러지 록은 주류 음악에 명백히 반대되는 다양한 록 서브장르 그룹인 얼터너티브 록의 뿌리였고 펑크 스타일과 포스트 펑크 스타일에서 비롯되었다.미국에서는 미니애폴리스와 시애틀을 포함한 [126]많은 도시들이 지역적인 얼터너티브 록 장면을 개발했다.시애틀의 지역 장면은 하드코어, 사이키델릭, 얼터너티브 [127]록에서 영감을 받은 어둡고 우울한 스타일인 그룬지 음악을 만들어냈다.Nirvana, Pearl Jam, Soundgarden, Alice in Chains와 같은 밴드의 사운드에 더 멜로디한 요소가 추가되면서, 1991년 그룬지는 미국 전역에서[128] 널리 인기를 끌었다.3년 후, 그린 데이, 이프닝, 랭시드, 배드 레종교, NOFX같은 밴드들이 주류를 이루며 캘리포니아 펑크 에 대한 노출을 전세계적으로 가져왔다.

메탈리카헤비메탈에서 가장 영향력 있는 밴드 중 하나였는데, 이는 메탈리카가 이 [129]장르에 대한 상업적 성공과 비평적 성공 사이의 격차를 메웠기 때문이다.그 밴드는 1990년대 [130]가장 많이 팔린 록 배우가 되었다.

헤비메탈은 공격적이고, 드라이빙 리듬, 증폭되고 왜곡된 기타, 웅장한 가사, 그리고 가상적인 기악이 특징입니다.헤비메탈의 기원은 블루스와 록을 취하고 기타와 드럼을 기반으로 한 무거운 사운드를 만든 하드 록 밴드들에 있다.블루 외스터 컬트, KISS, 에어로스미스 같은 미국의 첫 주요 밴드들은 1970년대 초에 생겨났다.그러나 헤비메탈은 주로 지하에서 일어나는 현상이었다.1980년대 동안 최초의 주요 팝 메탈 스타일은 메탈 밴드 Quiet Riot에 의해 시작되었고 Mötley CrüeRatt와 같은 밴드에 의해 지배되었다. 이것은 글램 메탈이었고, 요란한 정신과 글램 영향을 받은 시각적 미학을 가진 하드 록과 팝 퓨전이었다.조비와 같은 이 밴드들 중 일부는 국제적인 스타가 되었다.건즈 로지스는 글램 메탈 미학에 대한 반작용의 이미지로 10년 말에 유명해졌다.

1980년대 중반 헤비메탈은 팬, 음반사, 팬진이 수많은 하위 장르를 만들 정도로 다양한 방향으로 뻗어 나갔다.미국은 특히 메탈리카, 메가데스, 슬레이어, 탄저균과 같은 밴드에 의해 혁신되어 메탈리카가 가장 상업적으로 성공한 [131]서브장르 중 하나인 스래시 메탈로 알려져 있다.미국은 1980년대 중후반 데스메탈의 발상지 중 하나로 알려져 있다.플로리다 장면은 Death, Canipal Codse, Ivolic Angel, Deizide, 그리고 다른 많은 밴드들이 출연하는 가장 잘 알려진 장면이었다.지금은 전국에 수많은 데스메탈과 데스그라인드 밴드가 있다.

★★★★

힙합은 음악도 한 부분인 문화 운동이다.힙합 음악은 대부분 두 부분으로 구성되어 있다: , 빠르고 리듬감 있고 서정적인 보컬의 전달; 그리고 DJing과/또는 프로듀싱, 샘플링, 악기 제작, 턴테이블리즘, 또는 비트박스통한 음악 소리 제작.[132]힙합은 1970년대 초에 뉴욕시 브롱크스에서 생겨났다.자메이카 이민자 DJ Kool Herc는 힙합의 시조로 널리 알려져 있다. 그는 자메이카에서 유행가 리듬에 맞춰 건배하는 연습을 가져왔다.원래 MC는 DJ들이 연주한 소울, 펑크, R&B 곡들을 소개하고 관중들을 흥분시키고 춤추게 하기 위해 일어났다; 시간이 흐르면서 DJ들은 타악기를 분리하기 시작했고, MC들이 랩하는 반복적인 비트를 만들어냈다.

1999년에 에미넴.그는 미국에서 2000년대 가장 많이 팔린 음악가였다.

인종적 정체성과 무관한 행동을 한 모타운과는 달리 1980년대 힙합, 특히 록앤롤로 넘어간 힙합은 흑인 [133]정체성과 함께 (암시적이지만 강조된) 주요 정체성에 기반을 두고 있었다.1980년대 초에는 인기 있는 힙합 노래들이 있었고, LL Cool J와 같은 그 장면의 유명인들은 주류에서 명성을 얻었다.다른 연주자들은 정치화된 가사와 사회적 인식을 실험하거나 힙합과 재즈, 헤비메탈, 테크노, 펑크, 소울을 융합시켰다.1980년대 후반에는 얼터너티브 힙합과 밀접하게 연관된 재즈 랩 퓨전 같은 새로운 스타일이 등장했는데, 이는 드라 소울과 같은 래퍼들에 의해 개척되었다.

갱스타 랩은 힙합의 한 종류이며, 가장 중요한 것은 남성적인 성욕, 신체적 특징, 그리고 위험한 범죄 [134]이미지에 대한 서정적인 집중이다.갱스터 랩의 기원은 1980년대 중반 필라델피아 스쿨리 D와 서부 해안의 아이스-T 스타일로 거슬러 올라갈 수 있지만, 스타일은 넓어졌고 악명 높은 B.I.G와 같은 뉴욕 출신의 랩퍼들과 영향력 있는 힙합 그룹, 우탕 래퍼들에게 적용되었다.너무 짧고 N.W.A.서부 해안의 독특한 랩 장면은 갱스터 랩 가사와 종종 1970년대 펑크 샘플의 굵고 흐릿한 사운드를 조합한 1990년대 초반의 G펑크 사운드를 낳았다. 가장 잘 알려진 지지자는 래퍼 2Pac, Dr. Dre, Ice Cube, 그리고 Snoop Dogg이었다.갱스타 랩은 1990년대 말에서 21세기 초까지 미국 대중음악에서 큰 영향력을 행사했다.

2000년대 후반 주류 힙합에서 갱스터 랩의 지배는 카니예 [135]웨스트와 같은 힙합 아티스트들의 주류 성공으로 대체되었다.그의 세 번째 정규 앨범Graduation과 Curtis의 동시 발매와 갱스터 래퍼 50 Cent의 판매 경쟁의 결과는 그 이후 [136]하락으로 인정되었다.이 대회는 두 앨범의 기록적인 판매 실적을 낳았고 웨스트는 첫 주에만 [137]거의 백만 장의 Graduation이 팔리며 50 Cent를 앞질렀다.업계 관측통들은 웨스트가 50센트를 이긴 것은 상업적으로 성공하기 [138]위해 랩 음악이 갱스터랩 관습을 따르지 않아도 된다는 것을 증명했다고 말한다.웨스트는 하드코어 갱스터 스타일을 따르지 않고 플래티넘 판매 아티스트가 [139][140]된 드레이크, 켄드릭 라마, J.포함한 새로운 힙합 아티스트들의 길을 효과적으로 열었다.

Jay-Z는 1990년대 [141]중반 The Notorious B.I.G.Tupac Shakur의 죽음으로 국제적으로 유명한 힙합 아이콘이 되었다.Kanye West는 Jay-Z의 지도를 받아 제작되었으며,[142] 비슷한 수준의 [143]성공을 거두기 전까지 그를 위해 만들어졌다.

Vogue와의 인터뷰 중 Cardi B

여성 래퍼 니키 미나즈, 카디 비, 사위티, 도자 캣, 이기 진달래, 시티 걸스, 메간스탤리온도 주류로 [144]진입했다.힙합 문화에 현저하게 영향을 준 많은 여성들이 있다.하지만 MC Sha-rock, MC Lyte, Queen Latifah, Lauryn Hill, Missy Elliot, Lil Kim, Erkah Badu, Foxy Brown, 그리고 많은 이름들이 언급되지 않을 수 없다.이 리스트 중에서 MC 샤록은 여성 힙합 문화의 역사가이자 선구자로 여겨진다.그녀는 뉴욕 브롱크스에서 브레이크 댄서로 경력을 시작했고 후에 "힙합 문화의 첫 여성 MC/랩퍼"[145]가 되었다.그녀의 경력은 오래 지속되었다.Funky 4+1의 전 멤버에서 Grandmaster Flash, Furious 5 등의 그룹과의 라임 배틀까지.여성 힙합의 또 다른 주목할 만한 선구자는 유명한 라티파 여왕, 뉴저지 뉴어크에서 태어난 다나 일레인 오웬스이다. 라티파 여왕은 17살 때부터 그녀의 경력을 시작했다.하지만, 그것이 시작된 지 얼마 되지 않아 그것은 곧 이륙했다.그녀는 1989년에 [146]첫 정규 앨범인 All Hail the Queen을 발매했다.그녀는 음악을 계속 발표하면서 점점 더 인기를 얻었고 힙합 문화 속에서 그녀의 명성은 높아졌다.하지만, 라티파 여왕은 평범한 래퍼가 아니었다.그녀는 흑인 여성에 대한 문제와 음악 산업에 나타나는 전반적인 사회적 불공정 문제에 대해 랩을 했다.이러한 초기 개척자들은 여성 랩 문화를 이끌었고 오늘날 인기 있는 여성 힙합 가수들에게 영향을 끼쳤다.예를 들어, 그러한 인기 있는 아티스트에는 카디 B, 메간 씨 스탤리온, 미스 뮬라토, 플로 밀리, 컵카케, 그리고 다른 많은 가수들이 포함될 수 있다.랩 게임에서는 각각의 아티스트들이 그들만의 정체성을 가지고 있지만 힙합이 발전함에 따라 음악 스타일도 발전한다.카디 B의 첫 번째 정규 앨범인 Invasion of Privacy (2018)는 빌보드 200에서 1위로 데뷔했고 빌보드에 의해 2010년대 여성 랩 앨범 1위로 선정되었다.비평가들의 호평을 받은 이 곡은 Cardi B를 솔로 가수로서 그래미상 최우수앨범상을 수상한 유일한 여성으로 만들었고, 올해의 앨범상 후보에 오른 15년 만의 첫 여성 랩 앨범으로 기록되었다.

크리스티나 아길레라의 앨범리플레호는 빌보드 탑 라틴 앨범과 라틴 팝 앨범 차트에서 정점을 찍었고, 두 차트 모두에서 19주 동안 정상에 올랐다.그 앨범은 2000년 라틴 팝 앨범 중 가장 많이 팔린 앨범이었다.
미국의 라틴 음악

미국 음악 산업은 특정 종류의 음악을 생산, 판매, 유통하는 대기업들에 의해 지배되고 있다.일반적으로, 이러한 회사들은 매우 많은 청중에게 어필하지 않는 스타일의 음반을 제작하거나 매우 제한된 수량으로만 제작하지 않습니다.소규모 회사들은 종종 폴카에서 살사까지 다양한 스타일의 음반을 제공하면서 공백을 메운다.많은 소규모 음악 산업은 테자노하와이 음악처럼 주로 한 지역에 기반을 두거나 유대인 클레즈머의 관객처럼 널리 분산되어 있을 수 있는 핵심 팬층을 중심으로 구축되어 있습니다.

록앤롤 초기 선구자였던 히스패닉계 미국인 뮤지션 중에는 리치 발렌스가 있는데, 특히 " 밤바"와 헤르만 산티아고가 로큰롤의 상징곡인 "Why Do Fools Fall in Love"의 가사를 썼다.미국에서 인기를 끌면서 크리스마스 시즌에 들려오는 '돈데 에스타 산타클로스?'는 12살 된 오귀 리오스가 1959년 마크 제프리 오케스트라가 피처링한 참신한 크리스마스 노래다.호세 펠리치아노의 "펠리즈 나비다드"는 또 다른 유명한 라틴 노래이다.

데미 로바토는 2008년 디즈니 채널 텔레비전 영화 캠프 록에 출연하고 할리우드 레코드와 음반 계약을 맺으면서 두각을 나타냈다.

가장 큰 틈새 산업은 라틴 음악에 기반을 두고 있다.라틴 음악은 오랫동안 미국 대중음악에 영향을 미쳤고, 특히 재즈의 발전에 중요한 부분을 차지했습니다.현대 팝 라틴 스타일은 콜롬비아 컴비아, 푸에르토리코 레게톤, 멕시코 코리도를 포함한 라틴 아메리카 전역에서 수입된 다양한 장르를 포함합니다.미국의 라틴 대중음악은 1930년대와 1950년대 댄스밴드의 물결로 시작되었다.가장 인기 있는 스타일은 콩가, 룸바, 맘보였다.1950년대에 페레스 프라도는 차차차를 유명하게 만들었고 아프로-쿠반 재즈의 발흥은 라틴 음악의 조화, 멜로디, 그리고 리드미컬한 가능성에 많은 귀를 열었다.그러나 라틴 음악의 가장 유명한 형태는 살사이다.살사는 많은 스타일과 변형을 포함하고 있다; 이 용어는 쿠바에서 유래한 대부분의 인기 있는 장르를 묘사하기 위해 사용될 수 있다.그러나 가장 구체적으로 살사는 1970년대 중반 뉴욕시 지역의 쿠바와 푸에르토리코 이민자들과 1980년대 살사 로만티카와 [147]같은 문체적인 후손들에 의해 개발된 특정한 스타일을 말한다.살사 리듬은 여러 가지 패턴이 동시에 연주되어 복잡합니다.클레이브 리듬은 살사 노래의 기초를 형성하고 연주자들에 의해 그들 자신[148]구절을 위한 공통된 리듬의 바탕으로서 사용된다.

라틴 아메리카 음악은 오랫동안 미국의 대중 음악, 재즈, 리듬블루스, 그리고 심지어 컨트리 음악에도 영향을 끼쳤다.여기에는 스페인어, 포르투갈어 및 (때로는) 프랑스어권 국가 및 중남미 [149]영토의 음악이 포함됩니다.

오늘날, 미국 음반업계는 라틴 음악을 주로 스페인어로 [150][151]된 가사가 있는 모든 종류의 발매물로 정의한다.주류 아티스트와 프로듀서는 라틴 아티스트의 노래를 더 많이 다루는 경향이 있고 영어 노래가 스페인어 라디오로 넘어갈 가능성이 더 높아졌습니다.

미국은 각각 시카고와 디트로이트에서 시작일렉트로닉 댄스 음악, 특히 하우스와 테크노의 발전에 중요한 역할을 했다.

오늘날 라틴 아메리카 음악은 라틴적 요소가 있든 없든 라틴계 사람들이 연주하는 음악을 일컫는 용어가 되었다.샤키라, 제니퍼 로페즈, 엔리케 이글레시아스, 핏불, 셀레나 고메즈, 크리스티나 아길레라, 글로리아 에스테판, 데미 로바토, 머라이어 캐리, 베키 G, 파울리나 루비오, 그리고 카밀라 카벨로와 같은 배우들이 팝 차트에서 두드러진다.빌보드 핫 라틴 트랙에서 가장 많은 1위 기록을 보유하고 있는 이글레시아스는 도시 활동에서 영감을 얻어 라틴과 팝 형식으로 완전히 다른 두 곡을 동시에 발매했다.

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Barbra Streisand는 다양한 엔터테인먼트 분야에서 성공을 거두었습니다.

미국 정부는 음악 산업을 규제하고, 지적재산권법을 시행하며, 특정 종류의 음악을 홍보하고 수집한다.미국 저작권법에 따르면 녹음과 작곡을 포함한 음악 작품은 유형적인 형태로 고정되는 즉시 지적 재산으로 보호됩니다.저작권자들은 종종 그들의 작품을 의회도서관에 등록하고, 의회도서관은 그 자료를 소장하고 있다.게다가 의회도서관은 20세기 초부터 민속음악을 녹음하기 위해 연구원을 파견하는 등 문화적으로나 음악적으로 중요한 자료를 적극적으로 찾아왔다.이 연구자들 중에는 선구적인 미국의 포크송 수집가 앨런 로맥스가 포함되어 있는데, 그의 작품은 20세기 중반의 뿌리 부흥에 영감을 주는데 도움을 주었다.연방정부는 또한 음악가와 다른 예술가들에게 보조금을 할당하는 국립 예술인문 기금, 연구와 교육 프로그램을 수행하는 스미스소니언 협회, 비영리 및 텔레비전 [152]방송사들에 자금을 지원하는 공영 방송 협회에도 자금을 지원하고 있다.

음악은 오랫동안 미국 정치에 영향을 미쳤다.정당과 운동은 그들의 이상과 가치를 전달하고 정치적 기능에서 즐거움을 제공하기 위해 음악과 노래를 자주 사용한다.윌리엄 헨리 해리슨의 대통령 선거운동은 음악으로부터 큰 혜택을 받은 첫 번째 선거운동이었고, 그 이후 주요 후보들은 대중의 열광을 불러일으키기 위해 노래를 사용하는 것이 표준이 되었다.최근 수십 년 동안 정치인들은 종종 주제가를 선택했는데, 그 중 일부는 상징적이 되었다; 예를 들어, "Happy Days Are Here Again"은 1932년 프랭클린 D의 선거 운동 이후 민주당과 관련이 있다. 루즈벨트.그러나 1950년대 이후 정치에서 음악은 거의 또는 전혀 음악이 없는 TV 선거운동으로 대체되었다.특정 형태의 음악은 특히 1960년대에 정치적 시위와 더욱 밀접하게 연관되었다.마할리아 잭슨과 같은 가스펠 스타들은 민권 운동에서 중요한 인물이 되었고, 미국의 민속 부흥은 1960년대의 반문화베트남 [153]전쟁에 대한 반대를 확산시키는 데 도움을 주었다.

산업 및 경제

1947년 시나트라, 리더크랜즈 홀에서.그는 전 세계적으로 1억 5천만 장 이상의 음반을 판매한 역대 가장 많이 팔린 음악가 중 한 명이다.

미국은 2014년 [154]총 소매가액이 49억 달러에 달하는 세계 최대의 음악 시장을 가지고 있으며, 미국 음악 산업은 음반 회사에서부터 라디오 방송국, 커뮤니티 오케스트라에 이르기까지 다양한 분야를 포함하고 있다.업계 총수입은 전 세계적으로 약 400억달러, 미국에서는 [155]약 120억달러입니다.세계 주요 음반사의 대부분은 미국에 본사를 두고 있으며, 미국 음반 산업 협회(RIAA)가 대표하고 있습니다.주요 음반 회사들은 종종 특정 장르나 음반 제작자와 관련된 브랜드 이름인 그들의 음반사 중 하나에 서명한 아티스트들에 의한 자료를 생산한다.음반 회사들은 광고, 공공 공연과 콘서트, 텔레비전 출연을 통해 그들의 아티스트를 홍보하고 홍보할 수도 있다.음반 회사들은 인기 있는 녹음 음악과 관련된 제품을 생산하는 다른 음악 미디어 회사들과 제휴할 수 있다.여기에는 MTV와 같은 텔레비전 채널, 롤링 스톤과 같은 잡지, 라디오 방송국이 포함된다.최근 몇 년 동안 음악 산업은 저작권으로 보호된 음악의 인터넷 다운로드의 증가로 혼란에 휩싸였다; 많은 음악가들과 RIAA는 저작권으로 보호된 [156]음악을 불법으로 다운로드 받은 팬들을 처벌하기 위해 노력해왔다.

케이티 페리는 4개의 기네스 세계 기록, 브릿 상, 주노 상을 포함한 많은 상을 받았고 포브스가 선정한 "음악계에서 가장 많이 버는 여성" (2011-2016) 목록에 포함되었다.

미국의 라디오 방송국들은 종종 대중음악을 방송한다.각 음악 방송국은 재생되는 의 형식 또는 카테고리가 있습니다.일반적인 일반 분류와 비슷하지만 동일하지는 않습니다.미국의 많은 라디오 방송국은 로컬 소유 및 운영되며 다양한 종류의 녹음을 제공할 수 있습니다. 다른 많은 방송국은 클리어 채널과 같은 대기업이 소유하고 있으며 일반적으로 더 작고 반복적인 재생목록으로 포맷되어 있습니다.음반의 상업적 판매는 빌보드 잡지에 의해 추적되며, 빌보드 잡지는 음반 판매의 다양한 분야의 음악 차트를 집계한다.빌보드 핫 100은 싱글의 최고음악 차트이며, 소수의 곡으로 구성된 음반이다. 긴 팝 앨범은 앨범이며 빌보드 [157]200에 의해 추적된다.녹음된 음악은 미국 가정에서 흔히 볼 수 있지만, 음악 산업의 수익의 대부분은 소수의 헌신적인 사람들로부터 나옵니다. 예를 들어, 앨범 판매의 62%는 음악을 사는 [158]사람들의 25% 미만이 차지합니다.2005년 미국 내 총 CD 판매량은 7억5천500만대를 넘어섰고 싱글 판매량은 3백만대를 [159]조금 밑돌았다.

주요 음반사들이 미국 음악 산업을 장악하고 있지만, 독립적인 음악 산업(인디 음악)은 존재한다.대부분의 인디 음반사는 작은 지역 이외의 소매 유통을 제한하고 있습니다.아티스트들은 때때로 인디 레이블에서 음반을 녹음하고 메이저 레이블과 계약할 만큼 충분한 찬사를 받기도 한다; 다른 아티스트들은 그들의 경력 전체를 인디 레이블에 남기를 선택한다.인디 음악은 일반적으로 주류 음악과 비슷한 스타일일 수 있지만, 종종 접근하기 어렵거나, 특이하거나, 많은 사람들에게 매력적이지 않습니다.인디 음악가들은 종종 팬들과 다른 사람들이 다운로드하고 [156]들을 수 있도록 그들의 노래의 일부 또는 전부를 인터넷을 통해 공개한다.미국에는 다양한 종류의 녹음 아티스트 외에도 커뮤니티 오케스트라, 웨딩 가수와 밴드, 라운지 가수, 나이트클럽 DJ 등 거의 녹음하지 않는 전문 음악 분야가 많이 있습니다.미국 음악가 연맹은 전문 음악인들을 위한 미국의 가장노동조합이다.그러나, 연방 회원 중 15%만이 꾸준한 [160]음악 일자리를 가지고 있다.

Education and scholarship

Billy Joel at Madison Square Garden, circa 1995.

Music is an important part of education in the United States, and is a part of most or all school systems in the country. Music education is generally mandatory in public elementary schools, and is an elective in later years.[161]

Britney Spears is regarded as a pop icon and credited with influencing the revival of teen pop during the late 1990s. She became the 'best-selling teenage artist of all time' and garnered honorific titles including the "Princess of Pop".

The scholarly study of music in the United States includes work relating music to social class, racial, ethnic and religious identity, gender and sexuality, as well as studies of music history, musicology, and other topics. The academic study of American music can be traced back to the late 19th century, when researchers like Alice Fletcher and Francis La Flesche studied the music of the Omaha peoples, working for the Bureau of American Ethnology and the Peabody Museum of Archaeology and Ethnology. In the 1890s and into the early 20th century, musicological recordings were made among indigenous, Hispanic, African-American and Anglo-American peoples of the United States. Many worked for the Library of Congress, first under the leadership of Oscar Sonneck, chief of the Library's Music Divisions.[162] These researchers included Robert W. Gordon, founder of the Archive of American Folk Song, and John and Alan Lomax; Alan Lomax was the most prominent of several folk song collectors who helped to inspire the 20th century roots revival of American folk culture.[163]

Lana Del Rey performing at Irving Plaza in June 2012

Early 20th scholarly analysis of American music tended to interpret European-derived classical traditions as the most worthy of study, with the folk, religious, and traditional musics of the common people denigrated as low-class and of little artistic or social worth. American music history was compared to the much longer historical record of European nations, and was found wanting, leading writers like the composer Arthur Farwell to ponder what sorts of musical traditions might arise from American culture, in his 1915 Music in America. In 1930, John Tasker Howard's Our American Music became a standard analysis, focusing on largely on concert music composed in the United States.[164] Since the analysis of musicologist Charles Seeger in the mid-20th century, American music history has often been described as intimately related to perceptions of race and ancestry. Under this view, the diverse racial and ethnic background of the United States has both promoted a sense of musical separation between the races, while still fostering constant acculturation, as elements of European, African, and indigenous musics have shifted between fields.[162] Gilbert Chase's America's Music, from the Pilgrims to the Present, was the first major work to examine the music of the entire United States, and recognize folk traditions as more culturally significant than music for the concert hall. Chase's analysis of a diverse American musical identity has remained the dominant view among the academic establishment.[164] Until the 1960s and 1970s, however, most musical scholars in the United States continued to study European music, limiting themselves only to certain fields of American music, especially European-derived classical and operatic styles, and sometimes African American jazz. More modern musicologists and ethnomusicologists have studied subjects ranging from the national musical identity to the individual styles and techniques of specific communities in a particular time of American history.[162] Prominent recent studies of American music include Charles Hamm's Music in the New World from 1983 and Richard Crawford's America's Musical Life from 2001.[165]

Holidays and festivals

Music is an important part of several American holidays, especially playing a major part in the wintertime celebration of Christmas. Music of the holiday includes both religious songs like "O Holy Night" and secular songs like "Jingle Bells". Patriotic songs like the national anthem, "The Star-Spangled Banner", are a major part of Independence Day celebrations. Music also plays a role at many regional holidays that are not celebrated nationwide, most famously Mardi Gras, a music and dance parade and festival in New Orleans, Louisiana.

The United States is home to numerous music festivals, which showcase styles ranging from the blues and jazz to indie rock and heavy metal. Some music festivals are strictly local in scope, including few or no performers with a national reputation, and are generally operated by local promoters. The large recording companies operate their own music festivals, such as Lollapalooza and Ozzfest, which draw huge crowds.

See also

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References

Further reading

External links