인도네시아의 음악

인도네시아 자바인 가멜란의 다양한 교수형 공(공아강, 공수우칸, 켐펄)
인도네시아의 음악
장르
고전적인 케카피 술링 템방순다 케카크 팝 인도 힙합 당두트 캄푸사리 크롱콩 랑감자와 셀렘풍간 감방크로몽 탄지도르 감부스 자이퐁안 시 팝 순다 카시다 모던 록 타파눌리오공
특정 양식
앙클룽 벨레간주르 칼룽 드궁 가멜란 감방 젠더와양 공게데 공케야르 예고그 조깅범벅 멜라유 카린딩 켄당 시 콜린탕 쿨린탕 살렌드로 셀런딩 세마르 페굴링간 수라카르타 겐당벨렉 고당삼빌란 살루앙 술링 시 탈렘퐁 타라왕사 티파 토토부앙
지역 음악
발리 보르네오 자바 몰루칸 제도 파푸아 술라웨시 수마트라 순다네어 멜라유 미낭카바우 바톡스 다야크 암보네세 부기네스 아체네세
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다음 시리즈의 일부
인도네시아의 문화
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인도네시아 포털
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인도네시아의 음악은 문화적 다양성, 지역 음악적 창조성, 그리고 현대음악을 인도네시아의 장면들을 형성하는 후속 외국 음악적 영향들을 가지고 있다.거의 수천 개의 인도네시아 섬들이 고유의 문화 예술 역사와 성격을 가지고 있다.^[1]이것은 종종 춤과 연극에 의해 수반되는 수백 가지의 다른 형태의 음악을 낳는다.

자바의 음악(inc.선다네세), 수마트라, 발리, 플로레스 등 섬들이 문서화 및 기록되고 있으며 인도네시아 및 국제학자들의 연구가 진행 중이다.인도네시아의 음악은 역사적 기록보다 앞서 있으며, 인도네시아의 다양한 원주민 부족들은 종종 그들의 의식에서 음악 악기를 동반한 구호나 노래를 포함한다.오늘날 인도네시아의 현대 음악은 이웃 국가인 말레이시아, 싱가포르, 브루나이를 포함한 지역에서 인기가 있다.^[2]

인도네시아의 전통적인 지역 음악들과 노래들은 인도와 말레이 고전음악의 강한 영향력으로 강한 비트와 조화형 음악의 절충을 이루고 있다.전통 대중음악 장르인 당두트에서 그 영향이 강하게 드러난다.^[3][4][5]

악기

오늘날 우리가 알고 있는 인도네시아의 음악적 정체성은 청동기 문화가 BC 2-3세기에 인도네시아 군도로 이주하면서 시작되었다.^[6]인도네시아 부족의 전통음악은 타악기, 특히 겐당(드럼)과 징을 많이 사용한다.로테 섬의 사산도 현악기, 순다인의 앙클룽, 자바와 발리의 복잡하고 세련된 게이멜란 오케스트라 등 정교하고 독특한 악기를 개발한 것도 있다.

인도네시아는 징차임의 본고장, 징차임은 작고 고음의 보스가 달린 냄비 징의 집합체를 총칭하는 말이다.징은 보통 투구순으로 배치되는데, 상사는 낮은 나무 틀에 받쳐진 끈을 위로 올려 놓는다.액자는 직사각형 또는 원형일 수 있으며(후자를 "궁원"이라고 부르기도 하며, 한두 줄의 징을 가질 수도 있다.이들은 1-4명의 음악가가 연주하는데, 각각 두 개의 패딩 막대기를 사용하여 그들을 때린다.그것들은 가멜란, 쿨린탕, 탈렘퐁과 같은 많은 인도네시아 음악 앙상블에서 중요한 악기들이다.

가멜란

인도네시아 음악의 가장 인기 있고 유명한 형태는 아마도 대나무 플룻과 함께 금속성, 드럼, 징, 스파이크 안절 등이 포함된 튜닝된 타악기 앙상블인 가멜란일 것이다.인도네시아와 말레이시아 전역에 비슷한 앙상블이 성행하고 있지만, 가멜란은 자바, 발리, 롬복에서 유래되었다.

센트럴 자바에서 게이멜란은 복잡하고 꼼꼼하게 배치되어 있다.중앙 선율은 오케스트라 중앙의 메탈폰으로 연주되고, 앞부분은 선율에 대한 정교함과 장식, 뒷부분에는 징이 천천히 음악을 끊는다.튜닝 시스템은 두 가지가 있다.각 가멜란은 스스로 튜닝되며, 음계의 음표 간 간격은 앙상블마다 다르다.야금류는 4옥타브를 덮고 있으며, 슬렌트헴, 데몽, 사론파네루스, 발롱간과 같은 종류를 포함한다.가멜란의 영혼은 큰 징, 즉 징 아궁이에 있다고 여겨진다.다른 징은 음계의 각 음에 맞춰 조정되며, 케투크, 케농, 켐펄 등이 있다.오케스트라의 앞부분은 다양하며, 리밥, 설설, 시터, 보낭, 감방 등이 있다.남성 합창단(제롱)과 여성(페신덴) 솔로 보컬이 일반적이다.네덜란드의 식민지 개척자들이 도착함에 따라, 케파티한이라는 숫자 시스템이 개발되어 음악을 녹음하게 되었다.당시 음악과 춤은 이 지역의 주요 코트를 바탕으로 수라카르타, 요기아카르타, 파쿠알라만, 망쿤가란 등 여러 가지 스타일로 나뉘었다.

동부 자바에서 온 가멜란은 섬의 중앙이나 서부 지역보다 덜 알려져 있다.아마도 그 지역의 가장 독특한 것은 엄청나게 큰 감야크 드럼통일 것이다.서자바에서는 이전의 순다에는 여러 종류의 게믈란이 있다.가멜란데궁, 가멜란살렌드로, 템방순다 등 3가지 주요 유형이다.동부 자바에 있는 오싱 자바 소수민족은 결혼식이나 간드룽이라고 불리는 다른 기념행사와 젊은 아마추어 소년들이 연주하는 앙클룽을 위한 사교음악으로 알려져 있는데, 이것은 발리 가멜란과 매우 비슷하다.

인도네시아에서 게이멜란은 종종 춤, 와양 꼭두각시 공연, 의식과 의식을 동반한다.전형적으로 게이멜란에서 연주하는 사람들은 춤 동작과 시에 익숙할 것이고, 댄서들은 앙상블에서 연주할 수 있을 것이다.^[7]와양에서는 달랑(파페테르)이 음악에 대한 단서를 주기 때문에 가멜란(gamelan)에 대한 철저한 지식이 있어야 한다.가멜란은 '클레넨간' 스타일이나 라디오 방송용으로 단독으로 공연할 수 있으며, 콘서트 발표는 20세기 중반에 설립된 국립 예술 음악원에서 흔히 볼 수 있다.^[8]

제사에 있어서 가멜란의 역할은 매우 중요하기 때문에 "징을 걸 때까지는 공식적인 것이 아니다"^[9]라는 자바어가 있다.요기아카르타 술탄의 방문 등 왕족과 관련된 공연도 있다.어떤 게이멜란들은 특정한 의식과 연관되어 있는데, 가멜란 세카텐은 마우울리드 안나비(무함마드의 생일)를 기념하는 데 사용된다.발리에서는 거의 모든 종교의식이 게믈란 공연을 포함한다.가멜란은 인도네시아의 가톨릭 교회의 의식에도 사용된다.^[10]일부 작품은 시작과 끝 공연이나 의식을 위해 지정된다.'끝나는' 작품(예: '우단 마스')이 시작되면 관객들은 행사가 거의 끝나가고 있다는 것을 알게 되고 떠나기 시작할 것이다.어떤 작품들은 또한 마법의 힘을 가지고 있다고 믿어지고, 악령을 물리치는 데 사용될 수 있다.^[9]

탈렘퐁

탈렘퐁은 서수마트라 미낭카바우의 전통 악기다.그 모양은 게이멜란 장치에 있는 보낭 악기와 거의 같다.탈렘퐁은 놋쇠로 만들 수 있지만 일부는 나무와 돌로 만들어진다.탈렘퐁은 나무 막대기나 막대기를 이용해 얻어맞아 연주된다.탈렘퐁은 대표적인 타리 피링, 타리 파삼바한, 타리 알랑, 타리 선티앙 팡굴루, 타리 겔롬방 등 춤이나 환영 공연에 주로 동행하는 데 사용된다.탈렘퐁은 보통 아코디언 반주로 연주되는데, 아코디언 반주는 연주자가 연주하는 오른손으로 연주하고 지지한다.아코디언 외에도 살루앙, 간당, 세루나이 등 전통 미낭카바우 악기들이 탈렘퐁으로 연주되는 것이 일반적이다.

쿨린탕

콜린탕(Kolintang) 또는 콜린탕(Kulintang)은 인도네시아 동부와 필리핀이 원산지인 청동 및 목조 타악기다.인도네시아에서는 술라웨시 북부의 미나마사족과 특히 관련이 있지만, 말루쿠와 티모르에서도 인기가 있다.악기는 5~9개 등급의 항아리 징을 한 줄/세트로 구성되며, 선수의 왼쪽에서 발견된 가장 낮은 징과 투구 순서에 따라 배열된 액자에 수평으로 놓여 있다.^[11]꽹과리는 액자의 전체 길이에 평행하게 흐르는 두 개의 코드/끈을 위로 향하게 하여 기구를 향하게 하고, 대나무/나무 막대/막대는 액자에 수직으로 놓아서 "파상간"이라고 불리는 전체 쿨린탕 세트를 만든다.^[12]

지역사회에서 쿨린탕 음악의 주된 목적은 전문적이고 민속적인 차원에서 사회적 오락으로서의 기능을 수행하는 것이다.^[13]이 음악은 모든 사람이 참여할 수 있다는 점에서 대중음악으로 간주된다는 점에서 독특하다.^[14]선수들뿐만 아니라 관중들도 참여할 것으로 보인다.^[15]이러한 공연은 지역 사회와 인접 지역의 사람들을 한데 모아, 그렇지 않았다면 서로 교류하지 않았을 공동체를 통합하는데 도움을 준다는 점에서 중요하다.전통적으로 연주자들이 쿨린탕 음악을 연주할 때, 그들의 참여는 자발적인 것이다.^[16]음악가들은 공연을 지역 사회로부터 인정과 위신,^[17] 존경을 받을 수 있는 기회로 보고 있다.쿨린탕 음악은 주로 골격음 구조 내에서 멜로디를 구성하고 각 악기에 대해 정해진 입력 시간 간격에 따라 게임 음악과는 많은 면에서 다르다.쿨린탕 음악의 틀은 보다 유연하고 시간 간격은 존재하지 않기 때문에 즉흥 연주 등이 더욱 널리 보급될 수 있다.

앙클룽

앙클룽은 서자바 순단인이 원산지인 대나무 악기다.그것은 대나무 틀에 부착된 대나무 관으로 만들어졌다.이 관들은 진동할 때 독특한 공명음을 갖도록 조각되어 있다.각 앵클룽은 한 음만 연주한다.^[18]대나무로 만든 이 악기는 흔들어 연주한다.앙클룽의 소리는 대나무 관의 충격에서 발생한다.크기별로 2, 3, 4 음의 구성으로 진동하는 독특한 사운드가 있다.

앙클룽은 힌두교 시대 이전에 인도네시아에 존재했다.순단왕국 시대(12~16세기)에 앙클룽은 각종 행사나 축제에 항상 사용되던 악기가 되었고, 특히 농경에서 전통행사에 사용되었다.당시 앙클룽은 자신이 심은 식물에 축복을 받고 또한 생활에서도 번성하기 위해 벼의 여신이나 다산의 여신인 '데위 스리'를 숭배하는 역할을 맡았다.뿐만 아니라 순단왕국 시대에는 앙클룽이 전쟁 정신의 방아쇠로 쓰이기도 했다.

악기로 흔히 쓰이는 대나무의 종류는 검은 대나무(아위울룽)와 마른 대나무(아위 테멘)로 희끗희끗한 노란색이다.각 음(바렐)은 대나무의 작은 부분부터 큰 부분까지의 부분마다 칼날(와일라한) 형태로 대나무 관의 소리로부터 만들어진다.대나무 크기마다 음이 다르다.유네스코는 2010년 11월 18일 앙클롱을 인류무형유산의 걸작으로 지정했다.^[19]

술링 시

설링(Suling)은 인도네시아어의 단어 'flute'를 뜻하는 순단어다.대나무로 만든 인도네시아 플룻은 항상 끝부분이 날리고 크기가 다양하다.운지위치는 설링의 몸 안의 소리 공명의 파장을 변화시킨다.삐는 머리와 가장 가까운 구멍의 거리에 따라 다른 음을 낼 수 있다.공기 흐름 속도도 톤의 주파수를 수정할 수 있다.주파수가 2배인 노트는 대부분 2배 속도로 설렁설렁 머리 구멍에 공기를 불어 넣어 만들 수 있다.일반적으로 삐는 시간이 짧을수록 높은 음높이를 나타낸다.이 단순한 술음은 전통적으로 즐거운 배움의 소리로 해석되어 온 곡조나 멜로디를 만들어낸다.인도네시아에는 설링을 전통 악기로 사용하는 지역이 많고, 설링의 현지 명칭도 다르다.자바, 순다, 발리에서는 이 악기를 흔히 설링, 미낭에서는 살루앙, 토라자에서는 렘방 플루트, 할마헤라에서는 방실, 서누사 텐가라에서는 실루라고 부른다.술링(Suling)은 인도네시아의 대나무 링 플룻으로, 가멜란, 감부, 당두 등 다양한 전통 음악 앙상블 공연에 사용된다.이 피리는 타미앙이라 불리는 길고 얇은 벽의 대나무 관으로 만들어졌으며 얇은 라탄 띠가 입구를 감싸고 있다.

카카피 술링

카카피 술링은 서자바 일부 지역에서 즉흥성이 뛰어나고 인기가 많은 기악의 일종으로 카카피(지더)와 술링(밤부 플루트) 두 악기를 채용하고 있다.그것은 템방 순다와 관련이 있다.케카피의 율동적인 변주곡은 템포가 느리는데, 삐걱거리거나 멜리스마틱한 보컬의 멜로디와 결합하면 부드러운 음악과 어우러지는 현악이 연출된다.카카피는 중국 구종에서 유래한 순다네 악기의 전통 지더기로, 일본 고토, 몽골 야트가, 한국 가야금, 베트남 옌 트란, 카자흐스탄 시제겐 등과 유사하며, 술링은 대나무 피리이다.

켄당 시

켄당 또는 겐당(Kendang)은 인도네시아 군도 출신들이 사용하는 두 개의 머리 북이다.자바인이나 순다인, 말레이인 중에서 켄당은 한쪽 면이 다른 쪽보다 크며, 더 크고 낮은 쪽이 보통 오른쪽에 놓이고, 보통 스탠드에 가로로 놓고 바닥에 앉으면서 양쪽에 손을 얹고 때린다.발리족과 같은 집단들 사이에서는 양쪽의 크기가 같으며, 손과/또는 막대기의 조합을 사용하여 한쪽 또는 양쪽 모두에서 연주된다.마카사레즈 중에서 간랑 북은 자바의 징에 버금가는 모든 악기 중에서 가장 신성하다고 여겨질 정도로 훨씬 더 중요성이 크다.

켄당의 가장 잘 알려진 변주곡 중 하나는 겐당 베레크다.겐당벨렉은 인도네시아 롬복섬의 전통 음악이다.겐당베레크라는 이름은 사삭어용어로, 두 개의 큰북(젠당)을 중심으로 자신들의 전통 악기를 가지고 연주하고 춤추고 행진하는 음악가 집단의 공연으로 '큰북(큰북)'^[20]을 뜻한다.북은 염소 가죽 드럼 헤드를 가진 나무틀로 만들어진다.그 나무는 단단하지만 가벼운 나무에서 선택된다.겐당벨렉 공연에서 드러머들은 겐당을 들고 다니며 연주하며 극적이고 대립적인 듀엣을 춘다.드럼 연주자들은 큰 드럼과 연동된 음조를 연주한다.악기를 연주할 수 있는 것 외에도, 선수들은 그들의 악기로 춤과 행군을 할 수 있는 민첩성과 체력이 있어야 한다.

사산도

사산도는 동 누사 텐가라의 로테 섬에서 유래한 당김 현악기다.사산도의 부위는 여러 개의 쐐기로 둘러싸인 대나무 원통으로 줄이 늘어져 있고, 마른 론타르나 팔미라 잎(Borassus flabellifer)의 가방 같은 부채로 둘러싸여 있으며, 악기의 공명기 역할을 한다.

타파눌리오공

북수마트라 타파눌리 지역의 음악 공연.타파눌리 오공은 류트, 트럼펫, 플루트의 일종으로 연주되는 댄스 음악의 일종이다.

장르

인도네시아 음악 장르의 다양한 세계는 자국민들의 음악적 창의성, 그리고 이후 외국의 음악적 영향력과 문화적 만남이 군도로 이어진 결과였다.독특한 토착 음악 형태 다음으로, 중동 이슬람 음악의 감부스와 카시다, 포르투갈의 영향을 받은 케론콩, 그리고 힌디 음악의 영향이 두드러진 당두트와 같은 여러 장르의 음악들이 그 기원을 추적할 수 있다.

민속 음악

인도네시아의 지역 민속 대중음악은 인도네시아 문화와 인도네시아 민족성의 다양성을 반영하고 있으며, 대부분 지역 언어와 서구와 지역 스타일의 음악과 악기를 혼합하여 사용하고 있다.인도네시아 민속음악은 상당히 다양하며, 오늘날에는 팝, 락, 하우스, 힙합, 그리고 다른 장르들을 수용하고 있으며, 인도네시아의 독특한 형태도 수용하고 있다.일반적으로 팝 대라(지역 팝)로 묶인 "민족" 팝 음악에는 여러 종류가 있다.여기에는 팝 순다, 팝 미낭, 팝 바탁, 팝 멜라유, 팝 암본, 팝 미나하사 등이 포함된다.각 지역 문화의 라구 대라(지역 전통 노래)의 유산을 특징으로 하는 것 외에, 이 음악가는 그들 고유의 모국어로 몇 가지 새로운 작곡을 만들 수도 있다.

템방순다

"seni mamaos cianjuran" 또는 just cianjuran이라고도 불리는 Tembang sunda는 cianjur의 식민지 시대에 일어난 노래 시문의 한 형태다.그것은 처음에 귀족 예술로 알려졌는데, 한 명의 시안주란 작곡가는 시안주르(1834–1862)의 통치자인 R.A. 쿠수마닝랏(Dalem Pancaniti)이었다.치안주란의 악기는 카카피 인둥, 카카피린치크, 설링 또는 대나무 피리이며, 연감 작곡을 위한 리밥이다.가사는 일반적으로 자유시절로 부르지만, 보다 현대적인 버전인 파남비(panambih)는 운율적이다.그것은 보통 드럼이다.

자이퐁안 시

자이퐁안은 서부 자바의 순단민족이 만든 매우 복잡한 리듬 댄스 음악이다.그 리듬은 겉보기에는 무작위로 변하기 쉬워서 대부분의 청취자들이 춤을 추는 것을 어렵게 만든다.그 악기는 수입 악기가 전혀 없는 순대어다.1960년대 수카르노가 로큰롤과 다른 서양장르를 금지한 후 구검금비라와 같은 예술가에 의해 발명되었다.

감부스

감부스는 말 그대로 ud를 뜻하는 말로 루트의 일종이나 12줄 배 모양의 기타를 가리키며 중동에서 유래한 이슬람 성악과 기악음악이다.이러한 전통들은 16세기에 이르러 인도네시아의 많은 지역에 통합되기 시작했다.

카시다 모던

카시다(Qasidah)는 고대의 아랍어로 구호와 타악기가 동반된 종교적 시를 일컫는 말이다.카시다 현대는 대중 관객들을 위해 이것을 채택한다.예멘 출신의 무슬림 정착민들에 의해 소개된 것으로 여겨지는 오케스트라의 한 종류와 그것이 연주하는 음악을 나타내기 위해 사용된다.카시다 모던은 이슬람 팝에서 파생된 것으로, 인도네시아 현대 문제를 다루는 현지 사투리와 가사를 추가했다.인도네시아의 아랍인들 사이에서 인기가 있지만, 다른 곳에서는 거의 인기를 얻지 못했다.인도네시아에서 가장 오래된 현대 음악 그룹 중 하나는 나시다 리아이다.^[21]

인도네시아에서 이슬람 중동에서 영향을 받은 음악의 현대적인 형태는 그들의 메시지를 전파하기 위해 음악에 대한 수페즘적 접근법을 특징으로 하는 밴드 데뷰에 의해 예시된다.

크롱콩

크론콩(대안 철자: 케론콩)은 포르투갈인이 도착한 이후부터 진화를 거듭하고 있는데, 이들은 유럽식 악기를 가지고 왔다.1900년대 초까지는 하급 도시음악으로 여겨졌다.이것은 인도네시아의 떠오르는 영화 산업이 크론콩을 통합하기 시작한 1930년대에 바뀌었다.그리고 그 후 1940년대 중후반에는 더욱 더 독립투쟁과 연관되게 되었다.

아마도 크롱콩 스타일로 가장 유명한 곡은 솔로 음악가인 게상 마르토하르토노가 1940년에 작곡한 "벵가완 솔로"일 것이다.제2차 세계대전에서 일본 제국군이 섬을 점령할 때 작곡한 이 노래(자바에서 가장 길고 중요한 강인 벵가완 솔로 강에 관한 것)는 자바인들 사이에서 널리 인기를 끌게 되었고, 이후 현지 라디오 방송국을 통해 녹음이 방송되면서 전국적으로 인기를 끌었다.이 곡은 일본 군인들에게도 꽤 인기를 끌게 되었고, 전쟁 말기에 일본으로 돌아가면서 (일본 예술가들이) 다시 녹음한 곡이 베스트셀러가 되었다.수년 동안 주로 아시아 내에서는 물론 그 너머(안네케 그뢰네와 같은)의 저명한 아티스트들에 의해 여러 차례 재출시되었고, 어떤 곳에서는 인도네시아 음악을 전형적으로 보여주는 것으로 보여진다.비록 지금은 다소 무질서한 것으로 보여지고 있으며, "시대적인" 형태는 여전히 인구의 많은 부분, 특히 기성세대들 사이에서 인기가 있다.

제2차 세계 대전 이후, 그리고 인도네시아 국가 혁명(1945–1949) 동안 그리고 그 이후 크롱콩은 애국심과 연관되어 있었는데, 인도네시아의 많은 시인과 애국적인 노래 작가들이 크롱콩과 다소 재즈 퓨전을 작품의 장르로 사용하기 때문이다.'라얀 풀라우 켈라파', '인도네시아 푸사카', '세파상 마타 볼라', '케론콩 세레나타', '주위타 말람' 등 이스마일 마르주키의 작품에서는 애국적 주제와 낭만적인 전시 로맨스가 뚜렷이 드러났다.이 애국적인 노래들은 찬송가나 오케스트라에서 부를 수 있지만, 가장 자주 크롱콩 페르주앙간으로 알려진 크롱콩 스타일로 불렸다.크롱콩 디바인 월디나, 순다리 수코코코, 헤티 코에스 엔당 등은 1980년대 스타일을 되살리는 데 큰 역할을 했다.

자와 랑감

스라카르타(솔로)가 원산지인 크롱콩의 양식이 있는데, 랑감자와는 크롱콩을 가멜란 7음계와 융합한 것이다.

감방크로몽

20세기 초, 크론콩은 코메디 스탬불이라는 극장에서 사용되었다. 이러한 목적으로 각색된 음악은 감방 크로몽이라고 불렸다.감방 크로몽은 자카르타의 베타위 문화에서 꽤 널리 퍼져 있다.

탄지도르

탄지도르는 자카르타의 전통 베타위 음악 앙상블이다.^[22]사용되는 악기는 대개 튜바나 소사폰, 트럼펫, 클라리넷, 탬버린, 드럼으로 구성된 군대의 행진 악단 및/또는 드럼/드럼/나팔 군단과 거의 같다.^[23]tanjidor라는 용어는 포르투갈의 귤(음악을 연주하는 것)과 tangedor(야외에서 음악을 연주하는 것)에서 유래되었고, 그 후 베타위 언어로 tanji(음악)로 채택되었다.^[23]자카르타 이외에는 웨스트 칼리만탄의 폰티아나크에서도 탄지도르 음악 엔삼블을 찾아볼 수 있다.^[24]

캄푸사리

주로 중앙 자바, 요기아카르타, 동 자바 등 자바 문화권에 만연된 전통 자바 음악 및 당두트의 음악적 융합 스타일, 아마도 현존하는 가장 위대한 예술가는 디디 켐팟일 것이다.자바의 서쪽 지역에서는 순다네 당두트 또는 캄푸사리 버전의 순다네어가 태어나고 독특한 북소리를 가진 전통적인 자이퐁 음악에서 발전하였다.

당두트

당두트는 인도네시아의 인기 있는 전통 음악 장르로 인도, 아랍, 말레이 음악 등이 부분적으로 파생되었다.그것은 특히 고전적인 당두트 버전에서 타악기 비트로 메인 타블라와 함께 선율적이고 조화로운 음악으로 구성되어 있다.원래 동남아시아 전역에 퍼져 있는 인도네시아 댄스 음악으로 1970년대 중반에 대중음악이 지배적이 되었다.욱신욱신거리는 비트와 약간 도덕적인 가사로 유명한 당굿 스타들은 현대 팝계를 장악하고 있다.그러나 당두트(특히 여성 가수들에 의해 공연됨)는 종종 더 많은 관객들에게 어필하기 위해 선정적인 춤 동작과 개구쟁이 가사를 특징으로 한다.이 발전은 보수적인 기성세대 당두트 예술가에 의해 강하게 반대되었다.

Dangdut is based around the singers, and stars include Rhoma Irama and Elvy Sukaesih (the King and Queen of Dangdut), Mansyur S., A. Rafiq, Camelia Malik and Fahmy Shahab; along with Cici Paramida, Evie Tamala, Inul Daratista, Julia Perez and Dewi Perssik from younger generation.

현대 음악

인도네시아의 현대 음악은 다양하고 활기차다.^{[according to whom?]}인도네시아 음악가들은 그것의 역사를 통해 전 세계의 다양한 음악 장르의 외국의 영향력에 개방적이었다.미국 재즈는 아시아에서 많이 팔렸고, 포르토, 탱고, 룸바, 블루스, 하와이 기타 스타일은 모두 인도네시아 음악가들이 모방했다.^[25]그 결과 인도네시아 음악 틀 안에서 다양한 장르가 개발되었다.인도네시아 팝, 록, 재즈, 힙합.

특히 인도네시아 영화와 시네트론(인도네시아 TV 드라마)의 사운드트랙이나 주제곡으로 인도네시아의 창작 대중문화에도 인도네시아 음악이 중요한 역할을 하고 있다.^{[according to whom?]}인도네시아 영화 바다이 파스티 베를랄루(1977)도 같은 해 같은 제목의 히트곡으로 성공적인 사운드트랙을 제작했으며 1999년 크리스예와 함께 리메이크되어 에르윈 구타와가 오케스트라 스타일로 연출했다.2007년, 이 영화는 여전히 젊은 세대 예술가가 연주하는 같은 노래들을 특징으로 하는 새로운 사운드 트랙으로 다시 리메이크되었다.또 다른 인기 있는 인도네시아의 십대 영화인 Ada Apa Dengan Cinta(2002)도 멜리 고슬로가 작사하고 공연한 대부분의 노래로 성공적인 사운드트랙 히트곡을 만들었다.

오늘날 인도네시아 음악 산업은 전국적인 인기를 누리고 있다.인도네시아어와 말레이어 사이의 공통 문화와 알기 쉬운 언어 덕분에, 인도네시아 음악은 말레이시아, 싱가포르, 브루나이와 같은 인접 국가들에서 지역적인 인기를 누렸다.하지만 말레이시아에서 인도네시아 음악의 압도적인 인기는 말레이시아 음악 산업에 경종을 울렸다.2008년 말레이시아 음악계는 말레이시아 라디오 방송에서 인도네시아 노래의 제한을 요구했다.^[26]

오케스트라

서양 고전음악은 일찍이 18세기 네덜란드 동인도네시아 시대에 인도네시아에 도달했지만, 바타비아의 소시에테이트 하모니, 반둥의 소시에테이트 콩코르디아와 같은 엘리트 사교 클럽과 무도회장의 소수의 부유한 네덜란드 농장주들과 장교들만 즐겼다.데 슈우부르크 판 바타비아(오늘날의 게둥 케세니안 자카르타)는 19세기 공연장으로 설계되었다.클래식 음악은 세련되고 부유하며 교육을 받은 상류층 시민에게만 제한되어 왔으며, 동인도 식민지 시대에는 나머지 인구에 침투한 적이 없다.^{[citation needed]}당시 사회적 장벽을 뛰어넘은 서양에서 유래된 음악의 종류는 하층음악으로 알려진 크론콩이었다.

네덜란드 식민지 시대에 바타비아슈 필하모닉 오케스트라라는 아마추어 단체가 설립되었다.1912년 라디오 방송국 네델란치-인디스체 라디오 옴로프 마츠차피즈가 탄생하면서 NIROM 오케스트라가 되었다.오늘날, 자카르타 심포니 오케스트라는 널리 퍼져 있는 유행과 요구에 맞게 형식을 바꾸어 거의 한 세기 동안 이 나라의 음악계에 존재해 왔다.1950년 조엘 클레버 휘하의 코스모폴리탄 오케스트라와 스데트조와 이스칸다르 휘하의 자카르타 스튜디오 오케스트라가 고전 레퍼토리를 위해 헨키 스트레이크 휘하의 다카르타 라디오 오케스트라로 출연하였고, 샤이풀 바흐리가 이끄는 자카르타 스튜디오 오케스트라가 인도네시아 작품으로 특화되었다.2010년 자카르타 심포니 오케스트라는 꽤 오랜 공백 끝에 컴백 무대를 꾸몄다.^[27]

1960년대부터 1980년대까지 인도네시아의 클래식 음악은 주로 라디오 방송국인 RRI와 TV 방송국인 Televisi Republik 인도네시아(TVRI)가 프로그램을 통해 방송하였다.이 수십 년 동안, 클래식 오케스트라는 합창단을 포함한 학생들을 위한 과외 활동으로 주로 대학에서 발전했다.1990년대에 전문 교향악단이 결성되기 시작했는데, 특히 Adie MS가 이끄는 Twilite 오케스트라는 1991년 6월에 창단되었는데, 처음에는 20명의 음악가들이 모인 앙상블이었다.이 앙상블은 이후 70명의 음악가들과 63명의 트윌라이트 합창단, 베토벤에서 비틀즈까지 이르는 레퍼토리가 있는 완전한 교향악단으로 발전했다.^[28]이 오케스트라는 인도네시아 음악을 알리는 역할을 해왔고, 특히 인도네시아 작곡가들의 국요와 전통가곡 보존에 큰 역할을 해 왔다.빅토리안 필하모닉 오케스트라와 트윌라이트 합창단의 도움을 받은 애디 MS는 조스 클레버의 원래 관현악 편곡에서 WR 수프라트만이 인도네시아 국가인 인도네시아 라야를 재녹음했고, 앨범에 수록된 다른 인도네시아 대중가요도 함께 수록했다.

클래식/현대음악에서 가장 두드러지고 세계적으로 잘 알려진 인도네시아 작곡가는 아난다 수카를란(Ananda Sukarlan, 1968년 출생)으로 관현악 작품과 실내악, 악기 등이 많다.그의 가장 유명한 작품은 피아노 독주를 위한 거장 라프소디아 누산타라 시리즈로 인도네시아 포크툰을 바탕으로 한 음악적 모티브가 있다.보스턴 심포니 오케스트라, 바이올리니스트 고토 미도리 등 음악가를 위한 작품을 썼으며, 그의 작품은 세계적으로 널리 공연되고 있다.

오늘날 자카르타, 반둥, 요기아카르타, 수라바야, 메단, 바탐과 같은 주요 도시들은 그들만의 교향악단이 있는 관현악에 낯설지 않다.예를 들어 자카르타에는 누산타라 심포니 오케스트라, 트윌라이트 오케스트라, 자카르타 체임버 오케스트라가 있다.

인도네시아 또한, 놀고 외워서 약간의 이러한 국가 노래의 네덜란드령 동 인도, 일본 주둔군, 그리고 오늘날 인도네시아의 식민지 시대 동안 사용되는 인구들이 사용한다 많은 애국적인 노래들을 가지고 있다.이들 곡들 중 상당수는 인도네시아 국요 애디 MS 리스트가 지휘하는 '심포니 네게리쿠'와 같이 각기 다른 앨범에 관현악 녹음으로 녹음되어 있다.

팝

단순히 "팝 인도네시아"로 알려진 오늘날의 인도네시아 대중음악은 미국,^[25] 영국, 일본, 한국의 트렌드와 음반에 큰 영향을 받고 있다.미국 팝, 영국 팝, 그리고 아시아 J-pop과 K-pop에 이르는 영향력은 분명하지만, 인도네시아 팝 현상은 완전히 파생적이지 않다. 그것은 현대 인도네시아 생활의 정서와 스타일을 표현한다.

이후 코에스 베르소다라는 1960년대와 1970년대에 코에스플러스가 인도네시아 팝과 로큰롤 음악의 선구자 중 한 명으로 여겨지면서 결성되었다.미국과 영국의 음악적 영향력은 코에스 베르소다라의 음악에서 분명했고 비틀즈는 이 밴드의 주요 영향인 것으로 알려져 있다.몇몇 인도네시아 팝 가수들과 발라드 가수들은 수십 년 동안 살아남아 Iwan Fasse와 Chrisye와 같은 인도네시아 음악 전설로 자리 잡았다.특히 2000년 초, 대중음악계에서 가장 영향력 있는 인도네시아 가수 중 한 명은 후에 아그네스 모라고 알려진 아그네스 모니카다.

90년대 후반부터 2000년대까지 인기 밴드로는 피터팬, 언구, 슬랑크, 데와19, 기기, 7위 쉴라, 패디, 라다자, 다마시브, 니지 등이 있으며, 모두 인도네시아, 싱가포르, 말레이시아에서 정기적으로 순회공연을 하며 MTV 아시아에 출연하였다.

인도네시아의 일부 팝 밴드들은 말레이 뿌리로 다시 불붙어 2000년대 후반에 유행했던 '밴드 팝 멜라유'(팝 말레이 밴드)라는 장르를 부활시켰다.팝 말레이 밴드에는 ST 12가 포함되어 있다.

1980년대와 1980년대의 인도네시아 대중음악은 일본 장르와 유사하다는 인식 때문에 흔히 "인도네시아의 도시 팝"이라고 불린다.일본의 시티 팝 그 자체는 인터넷을 통해 2010년대 후반 젊은이들과 아마추어 음악가들 사이에서 인기를 얻었다.

인도네시아 대중음악에 대한 가장 최근의 외국의 영향들은 J-pop과 K-pop의 영향을 받고 있다.J-Rocks와 같은 몇몇 밴드들은 일본과 한국의 대중문화를 모방한다.일본 AKB48의 오프슈트인 JKT48은 물론 7시콘, 체리벨 등 보이그룹들 사이에서도 걸그룹이 확산되고 있다.

록

대중음악과 마찬가지로 인도네시아 록씬도 미국의 록음악 발전에 큰 영향을 받았다.가장 영향력 있는 인도네시아 록 밴드들은 아마도 1970년대와 1980년대에 유행했던 팬버스였을 것이다.1980년대 후반에서 1990년대 중반까지 "레이디 로커스"로 널리 알려진 몇몇 여성 록 가수들이 인도네시아에서 유명했는데, 닉키 아스트리아와 안군도 프랑스로 건너가 국제적인 활동을 하기 전에 인도네시아에서 팝 록 가수로서 활동을 시작했다.다른 주목할 만한 록 밴드로는 슬랭크와 잼루드가 있다.메탈코어 밴드 킬링미인사이드, 데스메탈 / 그라인드코어 밴드 재사드, 그루브메탈 / 메탈코어 밴드 버거킬 등 메탈 밴드도 존재한다.

재즈 퓨전

인도네시아의 몇몇 음악가들과 밴드들은 재즈 음악을 탐험하고 있었다.인도네시아의 저명한 재즈 뮤지션으로는 잭 레스마나, 베니 리쿠마후와, 베니 무스타파, 마리오노, 부비 첸 말리크 & 데센셜스가 있다.다양한 다른 그룹들은 현대 서구화된 재즈 퓨전 음악과 그들의 고향의 전통적인 민족 음악 전통이 융합되어 있다.크라카타우와 삼바순다의 경우 서자바 출신 밴드, 전통 순다네 카카피 술링, 게이멜란 오케스트라가 드럼 세트, 키보드, 기타와 함께 공연된다.자카르타 인터내셔널 자바 재즈 페스티벌은 매년 공연된다.인도네시아 재즈의 최근 발전은 매년 많은 재즈 페스티벌이 개최되는 가운데 반영되었다.

주목할 만한 현대 예술가들

• 아그네스 모
• 베냐민 수브
• 빙 슬라멧
• 브라이언 임마누엘 (리치 브라이언)
• 크리스예
• 에비에트 G.에이드
• 패리즈 RM
• 게상
• 곰블로
• 구루흐 수카르노푸트라
• 해리 로슬리(1950~1970년대)
• 이완 포스
• 니콜 제파냐 (니키)
• 티티크 푸스파
• 티엘만 브라더스, 유라시아인들은 원래 유럽에서 인기를 얻은 인도네시아 출신이다.그들의 스타일은 인도로크(Indorock)라고 불리며, 유라시아인들에게 사용된 식민지 용어에서 따왔다.인도유럽어, 인도어로 줄여서
• 레인치
• 스테파니 시인리

참고 항목

• 아누게라 무식 인도네시아
• 인도네시아 음악가 및 음악 그룹 목록
• 인도네시아의 작곡가 목록
• 인도네시아 록 밴드 목록
• 인도네시아 대중음악가 목록
• 인도네시아의 문화
• 순다의 음악
• 자바의 음악
• 발리의 음악
• 수마트라의 음악
• 인도네시아의 대중음악 음반
• 인도네시아 힙합
• 록 음악
• 팝 음악
• 쩡룽 시

참조

• 베이스, 콜린"위험 없음 - 재미없음!"2000. 브리튼, 사이먼, 엘링햄에서 마크와 맥코너치, 제임스와 듀안, 오를라(에드), 월드뮤직, 제2권: 라틴·북미, 카리브해, 인도, 아시아·태평양, 페이지 131–142.러프 가이드, 펭귄 북스.ISBN 978-1-85828-636-5
• 히튼, 제니, 스텝토, 사이먼"청동의 폭풍".2000. 브리튼, 사이먼, 엘링햄에서 마크와 맥코너치, 제임스와 듀안, 오를라(에드), 월드뮤직, 제2권: 라틴·북미, 카리브해, 인도, 아시아·태평양, 페이지 117–130.러프 가이드, 펭귄 북스.ISBN 978-1-85828-636-5

외부 링크

• 스미스소니언 포크웨이의 인도네시아 음악 20집 CD
• (프랑스어) 오디오 클립: 인도네시아의 전통 음악.제네베 미술관2010년 11월 25일에 액세스.
• BBC TV 채널 3 오디오(60분): 발리의 음악.2010년 11월 25일에 액세스.
• BBC 라디오 3 오디오(60분): 자바, 자카르타에서 솔로까지2010년 11월 25일에 액세스.
• 인도네시아의 전통 음악
• 인도네시아 퓨전
• 인도네시아 악기의 다양한 종류
• 발리 가믈란 듣기: 2012년 20/01/20에 접속한 커넥션의 초보 가이드