에드가르트 바레스

Edgard Varèse
에드가르트 바레스
1910년 바레제
태어난(1883-12-22) 1883년 12월 22일
프랑스 파리
죽은1965년 11월 6일 (1965-11-06) (81세)
미국 뉴욕시.
직업

에드가르드 빅토르 아킬레 샤를 바레스(Edgard Victor Achille Charles Varèse) 프랑스어:[ɛ드 ɡ ʁ 빅토르 ɔʁ 아 ʃ일 ʁ라 ʁɛ 바 ʃ즈]; 또한 에드가 (Edgar; 1883년 12월 22일 – 1965년 11월 6일)는 그의 경력의 대부분을 미국에서 보낸 프랑스 작곡가입니다. Varèse의 음악은 음색과 리듬을 강조합니다; 그는 자신의 음악적 미학을 언급하면서 "조직된 소리"라는 용어를 만들었습니다.[3][4] 음악에 대한 바레스의 개념은 "살아있는 물질로서의 소리"와 "유계가 아닌 열린 음악적 공간"에 대한 그의 비전을 반영했습니다.[5] 그는 그들의 조직을 결정화의 자연적인 현상에 비유하면서, 그의 음악의 요소들을 "음량"이라는 관점에서 생각했습니다.[6] 바레스는 "고집적으로 조절된 귀에 음악에서 새로운 것은 항상 소음이라고 불려왔다"고 생각했고, 그는 "음악은 조직적인 소음이라는 것이 무엇인가?"라는 질문을 던졌습니다.[7]

비록 그의 완전한 생존 작품들은 단지 약 3시간 정도 지속되지만, 그는 20세기 후반의 몇몇 주요 작곡가들에 의해 영향을 받은 것으로 인정받고 있습니다. 바레스는 사운드 제작을 위해 전자 매체를 사용할 수 있는 가능성을 보았고, 새로운 악기와 전자 자원을 사용하여 "전자 음악의 아버지"[8]로 알려졌으며 헨리 밀러는 그를 "음향의 성층권 거상"으로 묘사했습니다.[9]

바레스는 다른 20세기 작곡가들의 작품 공연을 적극적으로 추진했고 1921년 국제 작곡가 조합과 1926년 범미 작곡가 협회를 설립했습니다.[10]

인생과 경력

초기생

에드가르드 빅토르 아킬레 샤를 바레세는 파리에서 태어났으며, 몇 주가 되었을 때, 그는 프랑스 부르고뉴 지방의 르 빌라르 마을에서 외삼촌과 다른 친척들에 의해 길러졌습니다. 그곳에서 그는 외할아버지인 클로드 코르토(바레즈의[11] 1촌 조카인 피아니스트 알프레드 코르토의 할아버지이기도 함)에게 매우 강한 애착을 갖게 되었습니다. 할아버지에 대한 그의 애정은 그가 부모님에게 느꼈던 어떤 감정보다도 뛰어납니다.[12]

1880년대 후반에 그의 부모에 의해 매립된 후, 1893년 어린 에드가르드는 그의 아버지가 이탈리아 혈통이었기 때문에 부분적으로 그의 친인척들 사이에서 살기 위해 그들과 함께 이탈리아 토리노로 이주해야 했습니다. 그곳에서 그는 토리노 음악원의 오랜 감독인 조반니 볼조니와 함께 그의 첫 실제 음악 수업을 받았습니다. 1895년, 그는 그의 첫 오페라 마틴 파스를 작곡했습니다. 그 이후로 사라졌습니다.[13] 이제 공학자인 아버지의 영향을 받은 10대인 Varèse는 아버지가 음악에 대한 관심을 인정하지 않고 공학 공부에 절대적인 헌신을 요구했기 때문에 토리노 폴리테크닉에 등록하고 공학 공부를 시작했습니다. 이 갈등은 특히 1900년 그의 어머니가 사망한 후 바레스가 집을 떠나 파리로 가기 전까지 점점 더 커졌습니다.[14]

1904년, 그는 세자르 프랑크의 제자들이 설립한 스콜라 칸토룸(Schola Cantorum)에서 공부를 시작했고, 그곳에서 그의 스승들은 알버트 루셀(Albert Russel)을 포함했습니다. 그 후, 그는 파리 음악원에서 샤를 마리 위도르와 함께 작곡을 공부하러 갔습니다. 이 시기에, 그는 수많은 야심 찬 관현악 작품들을 작곡했지만, 이것들은 단지 바레즈가 피아노 필사본으로 연주했을 뿐입니다. 그러한 작품 중 하나는 성 교회의 로마네스크 건축에서 영감을 받은 1905년경의 그의 랩소디에 로마네스크입니다. 투르누스의 필리베르트. 1907년 그는 베를린으로 이주했고, 같은 해 그는 여배우 수잔 빙과 결혼하여 슬하에 1명의 자녀와 딸을 두었습니다. 그들은 1913년에 이혼했습니다.

이 기간 동안, 바레스는 에리크 사티와 리하르트 슈트라우스, 그리고 특히 그에게 영향을 준 클로드 드뷔시와 페루치오 부소니와 알게 되었습니다. 그는 또한 로맹 롤랑과 휴고 폰 호프만스탈의 우정과 지지를 얻었고, 그의 œ 디푸스는 스핑크스를 결코 완성되지 않은 오페라로 설정하기 시작했습니다. 1911년 1월 5일 베를린에서 그의 교향시 부르고뉴의 첫 공연이 열렸습니다.

제1차 세계 대전 동안 프랑스 군대에서 제외된 후, 그는 1915년 12월에 미국으로 이주했습니다.

미국에서의 초기.

1918년, 바레스는 미국에서 베를리오즈의 그랑 메세 데포르츠를 지휘하며 데뷔했습니다.[15]

바레스(Varèse, 1915)

그는 그리니치 빌리지의 로마니 마리 카페 단골로[16] 미국 음악에 중요한 기여자들을 만나 새로운 전자 예술 악기에 대한 비전을 알리고 오케스트라를 지휘하며 단명한 뉴 심포니 오케스트라를 설립하는 등 미국에서 처음 몇 년을 보냈습니다. 뉴욕에서, 그는 레온 테레민과 다른 작곡가들을 만나 전자 음악의 경계를 탐구했습니다.

바레스가 미국에서 그의 첫 번째 작곡인 아메리케스(Ameriques)를 작업하기 시작한 것도 이때쯤이었는데, 1921년에 완성되었지만 1926년까지 공연되지 않은 채로 필라델피아 오케스트라에 의해 초연되었습니다(1924년에 이미 하이퍼프리즘을 연주했고 1927년에 아르카나를 초연했습니다). 사실상 그가 유럽에서 쓴 모든 작품이 베를린 창고 화재로 분실되거나 소실돼 미국에서 그는 다시 처음부터 다시 시작하고 있었습니다. 그의 초기 시대의 유일한 생존 작품은 폴 벌레인의 배경인 노래 Un grand someil noir인 것으로 보입니다. (그는 여전히 부르고뉴를 유지하고 있었지만, 수년 후 우울증으로 인해 점수를 파괴했습니다.)

이 작품이 완성되었을 때, Varèse는 Carlos Salzedo와 함께 미국과 유럽 작곡가들의 새로운 작곡들의 공연에 전념하는 국제 작곡가 조합을 설립했습니다. 1921년 7월 ICG의 선언문에는 "오늘날 작곡가들은 죽음을 거부합니다."라는 문구가 포함되어 있습니다. 그들은 자신의 작품을 공정하고 자유롭게 발표할 수 있도록 각 개인의 권리를 위해 함께 연대하고 투쟁해야 할 필요성을 깨달았습니다."[17] 1922년 바레스는 베를린을 방문하여 부소니와 유사한 독일 단체를 설립했습니다.

Varèse는 Brooklyn Bridge에서 Francis Picabia와 술을 마신 후에 Dadaist 잡지 391에 시를 기고했습니다.[18] 같은 잡지는 그가 "차가운 수도꼭지 춤"을 조율하고 있다고 주장했습니다.[19] 그해 말, 그는 또 다른 다다이스트 잡지인 로그를 그녀의 남편과 함께 편집한 루이즈 노튼을 만났습니다.[20] 그녀는 루이즈 바레즈(Louise Varèse)와 유명한 프랑스 시 번역가가 될 예정이었는데, 제임스 로플린(James Laughlin)의 뉴 디렉션스(New Directions)를 위한 아서 림보(Arthur Rimbaud)의 작품 버전이 특히 영향력이 있었습니다.

바레스는 6년 동안 ICG의 후원으로 관현악 악기와 연주를 위한 목소리를 위한 그의 많은 작품을 작곡했습니다. 구체적으로 1920년대 전반에 걸쳐 그는 오프랑즈, 하이퍼프리즘, 옥탄드레, 인테그랄레스 등을 작곡했습니다.

그는 1927년 10월 미국 시민권을 취득했습니다. 미국에 도착한 후 바레스는 자신의 이름에 '에드가르'라는 형태를 일반적으로 사용했지만 1940년대부터 완전히 일관되지는 않은 '에드가르'로 되돌아갔습니다.[1][21]

파리생활

1928년, 바레제는 최근에 건설된 마르테노를 포함하기 위해 아메리카의 부품 중 하나를 변경하기 위해 파리로 돌아갔습니다. 1930년경, 그는 타악기만을 특징으로 하는 최초의 고전 작품인 이온화를 작곡했습니다. 비록 기존의 악기들로 작곡되었지만, 이온화는 새로운 소리들과 그것들을 만들어내는 방법들에 대한 탐구였습니다.

1928년, 재즈에 대한 질문을 받았을 때, 그는 그것이 미국을 대표하는 것이 아니라 "유대인들에 의해 착취된, 흑인 제품"이라고 말했습니다. 이곳의 모든 작곡가들은 유대인들입니다."라는 뜻으로, 코플란드와 블리츠슈타인을 포함한 그뤼엔베르크와 불랑제 학생들을 의미합니다.[22]

1931년, 그는 파리에서 열린 그의 친구 니콜라스 슬로님스키의 결혼식에서 최고의 남자였습니다. 1933년, 파리에 있을 때, 그는 전자 음악 스튜디오를 개발하기 위한 보조금을 받기 위해 구겐하임 재단과 벨 연구소에 편지를 썼습니다. 그의 다음 작곡인 에콰도르는 1934년에 완성되었으며, 두 개의 핑거보드 테민 첼로를 위한 부분과 함께 관악, 타악기, 베이스 가수를 포함하고 있습니다. 그의 보조금들 중 하나의 성공적인 수령을 기대하며, 바레스는 그의 전자 음악을 실현하기 위해 미국으로 열심히 돌아갔습니다. 슬로님스키는 1934년 4월 15일 뉴욕에서 초연을 하였습니다.

미국으로 돌아옴

바레스는 곧 뉴욕을 떠나 산타페, 샌프란시스코, 로스앤젤레스로 향했습니다. 1936년, 그는 그의 독주 플루트 작품인 밀도 21.5를 작곡했습니다. 그는 또한 서양 여행에서 테레민을 홍보했고, 1936년 11월 12일 앨버커키에 있는 뉴 멕시코 대학의 강의에서 테레민을 시연했습니다. (그 대학의 기록 보관소에는 같은 도구일 수도 있는 RCA 테레민이 있습니다.) 1938년 말 바레스가 뉴욕으로 돌아왔을 때, 테레민은 러시아로 돌아갔습니다. 이것은 그와 함께 그의 악기를 다듬는 일을 하기를 희망했던 바레즈를 망연자실하게 만들었습니다.

음악 프로듀서 Jack Skurnick이 그에게 접근하여 EMS Recordings #401이 되었습니다. 이 음반은 Integrales, Density 21.5, Ionization, Octandre의 LP로 처음 발매되었으며 르네 르 로이, 플루트, 줄리아드 퍼커션 오케스트라, 프레데릭 발드먼이 지휘한 뉴욕 윈드 앙상블이 참여했습니다. 이온화는 1930년대에 Varèse가 최초로 녹음한 작품이기도 하며, Nicolas Slonimsky가 지휘하고 78rpm Columbia 4095M으로 발행되었습니다.[23][24] 마찬가지로 옥탄드레는 1930년대 후반에 78rpm 디스크로 녹음 및 발행되었으며(뉴 뮤직 계간 녹음 1411),[25] 발췌본(3악장, 그들의 음악사 V권의 컬럼비아 DB1791).[23] 르 로이는 1948년 78rpm의 Density 21.5(New Music Recordings 1000) 녹음에서 솔로로 활동하기도 했습니다.[25]

1950년대 후반, 바레제는 출판사로부터 에콰도르를 이용할 수 있게 하는 것에 대해 접근했을 때, 발견되는 레민은 물론, 핑거보드 레민도 거의 없었기 때문에, 그는 온데스 마르테노를 위해 그 부분을 다시 작성/라벨링했습니다.[26] 이 새로운 버전은 1961년에 초연되었습니다. (에콰도르는 2002년에 뉴욕의 버팔로에서, 그리고 2009년에 암스테르담의 홀랜드 페스티벌에서 핑거보드 레민으로 다시 공연되었습니다.)

과학계 배경

엔지니어인 아버지와 함께 사는 동안, Varèse는 수학과 과학을 가르치는 것을 전문으로 하는 이탈리아의 고등학교인 Institute Technique에서 그의 과학적인 이해를 더 높이도록 밀려났습니다. 여기서 바레스는 레오나르도 다빈치의 작품에 특히 관심을 갖게 되었습니다. 바레즈는 과학에 대한 사랑을 통해서 소리를 연구하기 시작했는데, 그는 나중에 다음과 같이 회상했습니다.

제가 스무 살쯤 되었을 때, 저는 제가 존재할 수 있다고 감지한 음악에 대한 저의 더듬이에 갑자기 불을 붙이는 것처럼 보이는 음악의 정의를 우연히 발견했습니다. 폴란드의 물리학자, 화학자, 음악학자이자 19세기 전반의 철학자인 요제프 마리아 회네-브로 ń스키는 음악을 '소리 속에 있는 지성의 총체적 실현'이라고 정의했습니다. 그것은 새롭고 흥미로운 개념이었고, 저에게 음악을 공간적인 것으로 생각하게 된 첫 번째 개념이었습니다. - 공간에서 움직이는 소리의 몸으로서, 저는 점차 저만의 개념을 만들었습니다."[27]

1903년부터 1905년까지 파리의 숄라 칸토룸에서 빈센트 인디 (지휘)와 함께 음악 공부를 시작했습니다.[14] 파리에 있는 동안, 바레스는 살레 플리에르에서 베토벤의 7번 교향곡 공연을 하는 동안 또 다른 중추적인 경험을 했습니다. 이야기에 의하면, 홀의 공명 때문인지 스케르초 운동 중에 바레제는 음악이 분해되어 공간에서 투사되는 경험을 했습니다. 그것은 그의 여생을 그와 함께 보낸 생각이었고, 그는 나중에 "우주에 떠다니는 소리의 물체"로 묘사할 것입니다.[27]

미완성프로젝트

1920년대 후반부터 1930년대 말까지 바레스의 주요 창조 에너지는 실현되지 않은 두 가지 야심 찬 프로젝트에 들어갔고, 그 프로젝트의 일부 요소는 더 작은 작업에 들어간 것처럼 보이지만 대부분의 재료가 파괴되었습니다. 하나는 다른 시간대에 다른 이름으로 불렸던 대규모 무대 작품이었지만, 주로 홀로 혹은 천문학자(L'Astronome)였습니다. 이것은 원래 북미 인디언 전설을 바탕으로 한 것이었습니다. 나중에 그것은 세계 재앙과 시리우스 별과의 순간적인 소통의 미래형 드라마가 되었습니다. 1928-1932년 파리에서 바레즈가 작업한 이 두 번째 형식은 알레호 카르펜티에, 조르주 리베몽 데사이네스, 로베르 데스노스의 리브레토를 가지고 있었습니다. 카르펜티어에 따르면, 이 작품의 상당한 양이 쓰여졌지만 바레스는 안토닌 아르토와 협력하기를 희망하는 새로운 치료법을 선호하여 이 작품을 포기했습니다. Artaud의 In'ya plus deparement는 Varèse의 프로젝트를 위해 쓰여졌고 그가 미국으로 돌아온 후 그에게 보내졌습니다. 그러나 이때 Varèse는 두 번째 거대한 프로젝트로 돌아섰습니다.

이 두 번째 프로젝트는 에스파이스라는 제목의 합창 교향곡이 되는 것이었습니다. 원래의 개념에서, 합창을 위한 텍스트는 앙드레 말로(André Malraux)에 의해 쓰여지기로 되어 있었습니다. 이후 바레스는 파리, 모스크바, 베이징, 뉴욕시에 위치한 합창단이 부를 계층적인 문구의 다국어 텍스트를 기반으로 자리를 잡았고, 이는 세계적인 라디오포닉 행사를 만들기 위해 동기화되었습니다. Varèse는 Henry Miller에게 텍스트에 대한 의견을 구했는데, Henry Miller는 The Air-Conditioned Nightmare에서 이 거창한 개념이 결국 데세르트(Déerts)로 변형되었다고 제안했습니다. 이 두 가지 거대한 프로젝트로 Varèse는 자신의 청각적 비전을 실현할 수 있는 전자 기기의 부족으로 인해 궁극적으로 좌절감을 느꼈습니다. 그럼에도 불구하고, 그는 그의 짧은 에튀드 푸어 에스페이스에 에스파이스의 재료 중 일부를 사용했는데, 이는 1947년 초연 당시 10년이 넘는 기간 동안 그의 펜에서 나타난 사실상 유일한 작품입니다. Chou Wen-chung에 따르면, Varèse는 Etude pour espace에 대해 여러 가지 모순된 수정을 가하여 다시는 공연할 수 없게 되었지만, 2009년 6월 12일부터 14일까지 주말 동안 Varèse의 '완전한 작품'을 제공한 2009 Holland Festival은, Chou를 설득하여 새로운 연주 버전(Déerts와 유사한 금관과 목관의 힘을 사용하고 공간화된 사운드 프로젝션을 사용)을 만들었습니다. 이것은 6월 14일 일요일 암스테르담의 가스우더 공연장에서 아스코/쇤베르크 앙상블과 카펠라 암스테르담이 페테르 외트뵈스의 지휘로 초연되었습니다.

국제적 인지도

작곡가이자 건축가인 Iannis Xenakis가 1958년 브뤼셀 세계박람회에서 디자인한 필립스 파빌리온(Philips Pavilion), 포엠에 일렉트로니크(Poème électronique)가 연주되었습니다

1950년대 초, 바레스는 피에르 불레즈와 루이지 달라피콜라와 같은 새로운 세대의 작곡가들과 대화를 나누었습니다.[28] 그가 데세르트의 테이프 섹션을 완성하기 위해 프랑스로 돌아왔을 때, 피에르 셰퍼는 적절한 시설을 마련하는 것을 도왔습니다. 오케스트라와 테이프가 결합된 사운드 작곡의 첫 번째 공연은 ORTF 방송 콘서트의 일환으로, 모차르트와 차이코프스키의 곡들 사이에서 이루어졌고 적대적인 반응을 얻었습니다.[citation needed]

르 코르뷔지에는 1958년 세계 박람회에서 필립스로부터 파빌리온을 제공받았으며, 후원자들의 반대로 바레즈와 협력할 것을 주장했고, 바레즈는 이 행사장을 위해 그의 푸엠 일렉트로니크를 개발했습니다. 실내 곳곳에 분리된 400개의 스피커를 사용하여 Varèse는 공간을 이동할 때 소리를 경험할 수 있도록 설계된 사운드 및 공간 설치를 만들었습니다. 엇갈린 평을 받은 이 작품은 관객들의 기대와 전통적인 작곡 수단, 그리고 전자적 합성과 발표에 생명을 불어넣는 것에 도전했습니다.

1962년, 그는 스웨덴 왕립 음악 아카데미에 가입할 것을 요청 받았고, 1963년 그는 최고의 쿠세비츠키 국제 녹음 상을 받았습니다.

1965년 에드가르드 바레스는 맥도웰 식민지로부터 에드워드 맥도웰 메달을 받았습니다.

음악적 영향

그의 형성기에 바레스는 중세와 르네상스 음악에 큰 감명을 받았습니다 – 그의 경력에서 그는 알렉산더 스크리아빈, 에릭 사티, 클로드 드뷔시, 헥토르 베를리오즈, 그리고 리하르트 슈트라우스의 음악뿐만 아니라 이 레퍼토리에 전념하는 여러 합창단을 설립하고 지휘했습니다. 스트라빈스키의 초기 작품, 특히 페트루슈카와 봄의례가 아르카나에 미친 영향이나 회상도 분명합니다.[29] 그는 또한 부소니의 아이디어에 깊은 인상을 받았고, 부소니는 그의 오케스트라 작품인 베르세우제 엘레지아크의 서명된 사본에서 그에게 '릴루스트로 후투로'라는 이름을 붙였습니다.[30]

학생과 영향력

학생들

바레스는 주원충, 루시아 들루고슈프스키, 안드레 졸리벳, 콜린 맥피, 제임스 테니, 그리고 윌리엄 그랜트 스틸을 포함한 많은 유명한 작곡가들을 가르쳤습니다. 참고: 음악과 학생들의 교사별 목록: Z#Edgard Varèse에게.

클래식 음악에 대한 영향

바레세의 영향을 받았다고 주장했거나 입증될 수 있는 작곡가들은 Milton Babbit,[31] Harrison Birtwistle, Pierre Boulez, John Cage, Morton Feldman, Brian Ferneyhou, Roberto Gerhard, Olivier Messiaen, Luigi Nono, John Palmer, Krzystof Penderecki, Silvestre Revueltas, Wolfgang Rihm, Leon Schidlowsky, Alfred Schnittke, 윌리엄 그랜트 스틸, 카를하인츠 슈토크하우젠, 이아니스 제나키스.

현대 음악의 지휘자인 로버트 크래프트는 1958년과 1960년에 컬럼비아 레코드를 위한 컬럼비아 심포니 오케스트라의 타악기, 금관악기 및 관악 섹션과 함께 두 개의 LP 볼륨을 녹음했습니다(컬럼비아 LP 카탈로그 No.MS6146 and MS6362). 이 음반들은 바레스가 음악가들과 음악 애호가들 사이에서 그의 바로 그 영역을 넘어 광범위한 관심을 갖게 했습니다. 특히 조지 크럼의 타악기 음악의 대부분은 Ionization과 Intégrales와 같은 Varèse 작품에 빚을 지고 있습니다.[citation needed]

대중음악에 대한 영향

음색, 리듬, 그리고 신기술에 대한 바레즈의 강조는 1960년대와 1970년대에 시작된 젊은 음악가 세대에게 영감을 주었습니다. 이 그룹에는 작곡가 존 존뿐만 아니라 시카고 밴드의 로버트 램과 테리 카트가 포함되어 있습니다.

바레즈의 가장 헌신적인 팬 중 한 명은 미국의 기타리스트이자 작곡가인 프랭크 자파였는데, 그는 에드가르드 바레즈의 전집 1권을 들었을 때 작곡가의 음악에 사로잡혔습니다. (2권은 한 번도 없었습니다.)[32] 1950년 EMS 레코드에 의해 LP로 발매된 첫 번째 앨범은 인테그랄레스, Density 21.5, Ionization, Octandre를 포함합니다.[33]

1955년 12월 21일, 자파의 15번째 생일에, 그의 어머니는 그에게 뉴욕시에 있는 바레즈의 집으로 값비싼 장거리 전화를 허락했습니다. 바레세가 벨기에 브뤼셀에 없을 때 자파는 대신 바레세의 아내 루이즈에게 말을 걸었습니다. 결국 자파와 바레스는 전화 통화를 했고, 그들은 서로 만날 수 있는 가능성에 대해 논의했습니다. 비록 이 만남은 성사되지 않았지만, 자파는 바레스로부터 편지를 받았습니다. 자파는 이 편지를 액자에 넣어 평생 자신의 작업실에 보관했습니다. 음악에서 가능한 것의 한계를 재정의한 바레스의 실험 정신은 자파의 길고 다작한 경력에 계속되었습니다.[34] 자파의 마지막 프로젝트는 Varèse의 작품을 녹음한 분노와 분노였습니다. 그의 초기 앨범의 라이너 노트에서, 그는 종종 ICG 선언을 "현대 작곡가는 죽음을 거부한다"고 미묘하게 인용했습니다.

헨리 스레드길(Henry Threadgill)은 2023년 자서전에서 바레즈의 영향력을 자세히 설명합니다.

공물

  • 레코드 레이블인 Varèse Sarabande Records는 그의 이름을 따서 지어졌습니다.
  • 재즈 록 밴드 시카고의 키보드 연주자 로버트 램(Robert Lamm)은 앨범 시카고 V(1972)의 수록곡 "A Hit By Varèse"를 작곡했습니다.
  • 미국의 색소폰 연주자이자 작곡가인 존 조른(John Zorn)은 바레즈(Varèse)로부터 그의 2006년 앨범 Moonchild: Songs Without Words 6 시리즈의 첫 번째 작품인 Moonchild: Songs Without Words로 영감을 받았습니다.
  • Alan Clayson은 그의 앨범 One Dover Soul (2012)에 "Un Grand Sommeil Noir" 편곡을 포함시켰습니다.

음악철학과 작곡

예측

바레스는 여러 차례 미래에 기술이 음악을 변화시킬 구체적인 방법에 대해 추측했습니다. 1936년, 그는 작곡가가 악보를 입력하자마자 음악을 연주할 수 있는 악기들을 예측했습니다. 이러한 기계는 "수많은 주파수"를 재생할 수 있으며, 따라서 미래의 점수는 "지진학적"이어야 잠재력을 최대한 발휘할 수 있습니다.[35] 1939년, 그는 이 기계로 "누구나 버튼을 눌러 작곡가가 쓴 것처럼 정확히 음악을 발표할 수 있을 것입니다. 마치 책을 여는 것과 같습니다."[36]라고 선언하며 이 개념을 확장했습니다. Varèse는 1950년대와 1960년대에 테이프 실험을 하기 전까지는 이러한 예측을 깨닫지 못했을 것입니다.

Idée fixe

에드가르드 바레스의 몇몇 작품들, 특히 아르카나는[37] 고정된 주제인 고정관념을 작품에서 특정 시간 동안 반복해서 사용합니다. 이디 픽세는 헥토르 베를리오즈가 그의 심포니 환상곡에서 사용한 것으로 가장 유명합니다; 이디 픽세는 일반적으로 전치되지 않으며, 리하르트 바그너가 사용한 라이트모티브와 구별됩니다.

작동하다

하바나에서 이온화를 진행하는 니콜라스 슬로님스키
  • Un grand someil noir, 음성과 피아노를 위한 Paul Verlaine의 텍스트에 대한 노래 (1906)
  • 대형 오케스트라를 위한 아메리카 (1918–1921; 1927 개정)
  • 소프라노와 실내악 오케스트라를 위한 오프렌드 (비센테 휘도브로와 호세 후안 타블라다의 시) (1921)
  • 바람과 타악기에 대한 하이퍼프리즘 (1922-1923)
  • 7개의 관악기와 더블 베이스를 위한 옥탄드레 (1923)
  • 바람과 타악기를 위한 인테그랄레스(Integrales) (1924-1925)
  • 대규모 오케스트라를 위한 아르카나 (1925-1927)
  • 13명의 타악기 연주자를 위한 이온화(1929-1931)
  • 베이스 보이스(또는 유니슨 남성 합창), 브라스, 오르간, 타악기와 레민(1961년 온데마르테노 개정) (프란시스코 시메네즈의 텍스트) (1932-1934)
  • 솔로 플루트의 밀도 21.5 (1936)
  • 오케스트라를 위한 튜닝업 (스케치된 1946; Chou Wen-chung 완성, 1998)
  • 소프라노 솔로, 코러스, 2대의 피아노와 타악기를 위한 에뛰드 푸어 공간(1947년; 공간화된 라이브 연주를 위한 관악기와 타악기를 위해 주원충이 편곡 및 편곡, 2009년)(케네스 패첸, 호세 후안 타블라다 및 세인트루이스의 텍스트). 십자가의 요한)
  • 실내악 합주를 위한 버지스를 위한 춤 (1949)
  • 바람, 타악기 및 전자 테이프용 사막 (1950-1954)
  • 전자 테이프를 위한 La procession develges for Electronic tape (Around and About Joan Miró, Thomas Bouchard 감독) (1955)
  • 전자 테이프용 Poème électronique (1957-1958)
  • 소프라노, 남성 합창단, 오케스트라를 위한 야행성, Ana ïs Nin (1961)의 근친상간에서 각색된 텍스트, Chou Wen-chung (1968)에 의해 수정되고 사후 완성되었습니다.

메모들

  1. ^ a b 맥도날드 2003, p. xi
  2. ^ * "Edgard Varèse (biography, works, resources)" (in French and English). IRCAM.
  3. ^ 제라드 파페, 뮤지포에스크: 음악에 관한 글, 파리: Editions Michel de Maule, 2015, pp. 334-6347
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참고문헌

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외부 링크

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