바로크 음악

Baroque music
에바리스토 바셰니스가 그린 바로크 악기의 그림(시트르톤 포함), 5, 6현 첼로, 바이올린, 2루트
의 주요 시대
서양 고전 음악
초기 음악
중세 c.500–1400
르네상스 c.1400–1600
• 바로크로의 이행
공통실천기간
바로크 양식의 c.1600–1750
• 이행
• (Galant, Empindsamkeit)
고전적인 c.1730–1820
• 로맨틱으로의 이행
• (Sturm und Drang)
낭만적인 c.1800–1910
19세기 후반, 20세기 후반, 21세기 후반
모더니즘 c.1890–1975
컨템포러리1950년부터
• 포스트모더니즘1960년대부터

바로크 음악(영국: /bˈrkk/ 또는 미국: /bərokk/)은 약 1600년에서 1750년까지 서유럽에서 [1]유래된 서양 고전 음악의 시대 또는 스타일이다.이 시대는 르네상스 음악 시대로 이어졌고, 고전 시대로 이어졌으며, 바로크와 고전 시대 사이의 전환을 특징짓는 갈란트 양식이 있었다.바로크 시대는 3개의 주요 단계로 나뉜다: 초기, 중기, 후기.시간이 겹치면서 일반적으로 1580~1650년, 1630~1700년, 1680~1750년입니다.바로크 음악은 "클래식 음악"의 주요 부분을 형성하고 있으며, 현재 널리 연구되고, 연주되고, 듣고 있다."바로크"라는 용어는 포르투갈어 바로코에서 유래했는데, 이는 "모양 진주"[2]를 의미합니다.조지 프리데릭 헨델과 요한 세바스찬 바흐의 작품은 바로크 시대의 정점으로 여겨진다.바로크 시대의 주요 작곡가들은 클라우디오 몬테베르디, 도메니코 스카를라티, 알레산드로 스카를라티, 안토니오 비발디, 헨리 푸르셀, 게오르그 필립 텔레만, 장 밥티스트 루리, 장 필리프 라모, 마르크 앙토 샤르펜티에, 코렐리, 아르칸젤란젤로 등이다.

바로크 시대에는 노래나 작품이 특정 키로 쓰여지는 음악을 쓰는 접근 방식인 관습적인 음조의 창조가 있었다; 이러한 형태의 하모니는 서양의 고전과 대중 음악에서 계속해서 광범위하게 사용되어 왔다.바로크 시대에, 전문 음악가들은 솔로 멜로디 대사와 반주 부분 모두에서 뛰어난 즉흥 연주자들이 될 것으로 기대되었다.바로크 콘서트는 전형적으로 바소 콘티뉴오 그룹(합시코드 연주자, 루트 연주자 등 코드 연주자들로 구성된 베이스 파트)과 함께 이루어졌고, 베이스 악기 그룹인 비올, 첼로, 더블 베이스는 베이스 라인을 연주했다.바로크 양식의 특징적인 형태는 댄스 스위트였다.댄스 스위트의 작품들이 실제 댄스 음악에서 영감을 얻은 반면, 댄스 스위트는 동행하는 댄서들이 아니라 순전히 듣기 위해서 디자인되었다.

이 기간 동안 작곡가들은 각 악기 파트에 대해 더 큰 소리를 찾는 실험을 했고,[2] 악보법의 변화(곡이나 곡의 코드 진행을 알리는 빠른 방법으로서의 형상 베이스의 발전)를 했으며, 새로운 악기 연주 기술을 개발했다.바로크 음악은 기악 연주의 크기, 범위, 복잡성을 확장했고, 또한 오페라, 칸타타, 오라토리오의 혼합된 성악/기악 형식과 독주 협주곡과 소나타의 기악 형식을 음악 장르로 확립했다.복수의 독립된 멜로디 라인이 동시에 연주되는 밀도 있고 복잡한 폴리포닉 음악은 많은 바로크 합창과 기악곡의 중요한 부분이었다.전반적으로 바로크 음악은 표현과 [1]의사소통의 도구였다.

어원과 정의

요한 세바스찬 바흐, 1748

바로크의 어원은 프랑스 바로크(원래 불규칙한 모양의 진주를 의미)와 포르투갈 바로코(비규칙적인 진주)에서 유래한 것으로 보이며, 스페인 바루코와 이탈리아 바로코와도 관련이 있다.이 용어는 최종 기원이 불분명하지만 라틴어 verruca("와트") 또는 학문의 [3]논리학 기술 용어인 바로코(Baroco)에서 유래한 것일 수 있다.

"바로크"라는 용어는 음악사학자들이 주로 유럽에서 약 150년 [1]동안 작곡된 광범위한 지리적 지역의 스타일을 설명하기 위해 일반적으로 사용됩니다.비판적인 용어로써 그 단어가 건축에 처음 적용되었다고 오랫동안 생각되었지만, 사실 그것은 음악과 관련하여, 1734년 5월 프랑스에서 인쇄된 1733년 10월의 Rameau's Hippolyte et Aricie의 익명의 풍자적인 리뷰에서 더 일찍 나타난다.이 평론가는 이 오페라의 참신함을 "듀 바로크"라고 암시하면서 음악에 일관된 선율이 결여되어 있다고 불평했고 끊임없는 불협화음으로 가득 차 있었고, 끊임없이 키와 음계를 바꾸었으며, 모든 구성 장치를 [4]빠르게 통과했다.

음악가이자 작곡가이자 철학자였던 장 자크 루소는 1768년 백과사전에서 다음과 같이 썼다. "바로크 음악은 조화가 혼란스럽고 변조와 불협화음으로 가득 찬 음악이다.노래는 거칠고 부자연스러우며 억양은 어렵고 동작은 제한적이다.논리학자들이 [5]사용하는 바로코(baroco)에서 유래한 것으로 보인다고 말했다.루소는 13세기부터 정교하고 불필요하게 복잡한 학문적 [6][7]논쟁을 묘사하기 위해 사용된 철학 용어 바로코를 언급하고 있었다.

바로크라는 용어가 이 시기의 음악에 체계적으로 적용된 것은 비교적 최근의 발전입니다.1919년 커트 삭스는 하인리히 뵐플린의 바로크 이론의 다섯 가지 특징을 음악에 체계적으로 [8]적용한 최초의 인물이 되었다.그러나 비평가들은 뵐플린의 범주를 음악으로 바꾸려는 시도에 대해 즉각 의문을 제기했고, 20세기 2/4분기에는 만프레드 부코페저(독일 및 이민 후, 미국에서)와 수잔 클레르크스 르준(벨기에)에 의해 비교가 아닌 자율적이고 기술적인 분석을 이용하려는 독립적인 시도가 이루어졌다.e 추상화, 조형예술과 문학에 기초한 이론이 음악에 적응하는 것을 피하기 위해.이러한 모든 노력은 그 기간의 시간 경계, 특히 언제 시작되었는지에 대한 현저한 의견 불일치를 초래했다.영어에서 이 용어는 부코프와 폴 헨리 [1]랭의 글에서 1940년대에야 통용되었다.

1960년까지만 해도 학계, 특히 프랑스와 영국에서는 자코포 페리, 도메니코 스카를라티, 요한 세바스찬 바흐처럼 다양한 음악을 하나의 루브릭으로 묶는 것이 의미가 있느냐는 논란이 여전히 있었다.그럼에도 불구하고, 이 용어는 이 넓은 범위의 [1]음악을 위해 널리 사용되고 받아들여지고 있다.바로크를 음악사의 이전(르네상스) 시기와 이후의(고전) 시기와 구별하는 것은 도움이 될 수 있다.

역사

바로크 시대를 거치면서, 음악의 새로운 발전은 이탈리아에서 시작되었고, 그 후 그것들은 서양 고전 음악 연습의 나머지 부분에 널리 채택되기까지 20년이 걸렸다.예를 들어, 1730년경 이탈리아 작곡가들은 갈란트 스타일로 전환한 반면, 요한 세바스티안 바흐와 같은 독일 작곡가들은 [9][10]1750년까지 대부분 바로크 스타일로 작곡을 계속했다.

바로크[9][10] 음악의 단계
하위 기간 시간을 이탈리아에서 기타
초기 바로크 1580–1650
중세 바로크 1630–1700
후기 바로크 1680–1750

초기 바로크 음악(1580–1650)

상세 정보:기악의 르네상스에서 바로크로의 이행
1640년 클라우디오 몬테베르디

피렌체 카메라타는 르네상스 후기 피렌체의 인문주의자, 음악가, 시인, 지식인들로 구성된 단체로, 조반니 드 바르디 백작의 후원 아래 예술, 특히 음악과 연극의 트렌드를 논의하고 이끌기 위해 모였습니다.음악에 관해서, 그들은 담론과 [11]웅변을 중시하는 고전 음악극에 대한 인식에 그들의 이상을 기초했다.따라서, 그들은 동시대의 다성(多性, 독립적인 선율)과 기악의 사용을 거부하고, 키타라(고대의 스트럼이 있는 현악기)[12]를 반주하는 독창으로 구성된 모노디(monody)와 같은 고대 그리스 음악 장치에 대해 논의했다.Jacopo Peri의 Dafne과 L'Euridice를 포함한 이러한 생각들의 초기 실현은 바로크 [14]음악의 촉매제였던 [13]오페라의 시작을 알렸다.

음악 이론에서, 피규어 베이스(through bass라고도 함)의 보다 광범위한 사용은 [15]다성음악의 선형적 기초로서 조화의 중요성을 발전시키고 있음을 나타낸다.하모니는 대위법의 최종 결과이고, 피규어 베이스는 음악 연주에 일반적으로 사용되는 하모니를 시각적으로 표현한 것이다.숫자, 사고 또는 기호는 베이스라인 위에 배치되어 하프시코드 연주자나 파이프 오르간 연주자(또는 루티니스트)와 같은 키보드 악기 연주자가 읽습니다.키보드 플레이어에 표시되는 숫자, 우발적 사고 또는 기호로 각 베이스 음표 위에 연주해야 할 간격이 표시됩니다.키보드 연주자는 베이스 [16]음표마다 즉석에서 화음을 내곤 했다.작곡가들은 조화로운 [17]진행에 대해 고민하기 시작했고, 또한 불안정한 [18]음정으로 인식되는 삼중음을 사용하여 불협화음을 만들었다. (그것은 지배적인 7번째 화음과 감소된 화음에 사용되었다.)르네상스 시대의 특정 작곡가들, 특히 카를로 게수알도 [19]사이에 조화에 대한 관심이 존재했지만, 양식보다는 음색을 지향하는 조화의 사용은 르네상스에서 바로크 [20]시대로의 변화를 나타낸다.이것은 단지 음이 아닌 특정 화음의 시퀀스가 곡의 끝에 폐쇄감을 줄 수 있다는 아이디어로 이어졌습니다. 이것은 [citation needed]음조로 알려지게 된 기본적인 아이디어 중 하나입니다.

클라우디오 몬테베르디는 이러한 작곡의 새로운 측면을 통합함으로써 르네상스 스타일의 음악에서 바로크 시대의 음악으로의 전환을 더 진전시켰다.그는 두 개의 개별적인 작곡 스타일을 개발했습니다: 르네상스 다성음악의 유산인 프리마 프라티카와 바로크 양식의 새로운 바소 콘티뉴오 기법.Basso continuo와 함께, 작은 그룹의 음악가들이 베이스라인과 멜로디의 반주를 형성하는 코드를 연주했다.바소 콘티뉴오 그룹은 일반적으로 베이스라인을 연주하고 코드를 즉흥적으로 연주할 수 있는 한 명 이상의 키보드 연주자와 루트 연주자를 사용합니다. 그리고 베이스라인을 연주할 수 있는 여러 개의 베이스 악기(예: 베이스 비올라, 첼로, 더블 베이스)를 사용합니다.오페라 로페오와 L'Incoronazione di Poppea의 집필과 함께 몬테베르디는 이 [21]새로운 장르에 상당한 관심을 가져왔다.이 베네치아의 양식은 하인리히 쉬츠에 의해 독일로 쉽게 전해졌고, 그의 다양한 양식은 그 다음 시대로 발전했다.

관용적인 기악 질감이 점점 더 두드러지게 되었다.특히 스타일 luthé—the고 예측할 수 없는 불규칙한 화음의 진행의 고장이 나기 chords—referred의 스타일 brisé로 20세기 초 이후 일반 정형화, 로버트 Ballard,[22][23]에 의해 경운궁이라 1611년 명명하였습니다, 1614년의 그의 루트 책에 프랑스 음악에서 일관된 질감 그리고 Ennemond 가우에 제정된 대조를 이루.ltier.[24]이 관용적인 류트 구성은 나중에 하프시코드로 옮겨졌고, 예를 들어 루이 쿠페랭과 장 [23]앙리 다앙베르트의 키보드 음악에서 18세기에서 19세기 초에 걸쳐 키보드 음악에 중요한 영향을 끼쳤다.

중세 바로크 음악 (1630년-1700년)

중앙집권법원의 부상은 프랑스의 루이 14세에 의해 의인화된 절대주의 시대라고 종종 불리는 것의 경제적, 정치적 특징 중 하나이다.궁궐의 양식과 그가 길러낸 예절과 예술의 궁정 시스템은 유럽의 다른 나라들의 모델이 되었다.증가하는 교회와 국가의 후원의 현실은 체계적인 대중음악에 대한 수요를 만들어 냈고, 악기의 가용성이 증가하면서 소수의 악기 [25]연주자들을 위한 음악인 실내악에 대한 수요를 만들어냈다.

폴 미냐르의 장 밥티스트 루리

궁정 스타일의 작곡가의 두드러진 예는 장 밥티스트 룰리이다.그는 프랑스 왕을 위한 유일한 오페라 작곡가가 되고 다른 사람들이 오페라를 무대에 올리는 것을 막기 위해 왕정으로부터 특허를 구입했다.그는 15개의 서정 비극을 완성했고 미완성 아킬레 엣 폴릭센을 [26]남겼다.Lully는 지휘자의 초기 모범이었다. 그는 앙상블을 유지하기 위해 많은 스태프로 시간을 때우곤 했다.

음악적으로, 그는 이탈리아 오페라로부터 물려받은 현악기 위주의 오케스트라 규범을 확립하지 못했고, 특징적으로 프랑스의 5부 연주(오테 콘트레, 타일, 퀸트 사이즈로 된 바이올린, 그리고 베이스 바이올린)는 루이 13세 때부터 발레에 사용되었다.그러나 그는 이 앙상블을 리코더, 플루트, 오보에 의해 종종 두 배가 되고 베이스는 바순에 의해 두 배가 되는 서정극장에 소개했다.영웅적인 [26]장면에는 트럼펫과 케틀럼이 자주 추가되었다.

이탈리아 바로크 중기는 1630년대 칸타타, 오라토리오, 오페라의 성악 양식과 음악의 위상을 높인 새로운 개념의 멜로디와 화음으로 정의되며, 이는 이전에는 탁월하다고 여겨져 왔다.초기 바로크의 화려하고 컬러풀한 모노디는 보다 단순하고 세련된 멜로디 스타일로 바뀌었다.이러한 멜로디는 종종 사라방드나 쿠란테에서 도출된 스타일화된 춤 패턴에 기초해 짧고, 운율적으로 구분된 아이디어로 만들어졌다.화음 또한 현악기에서는 가벼운 방식으로 표현하고 긴 음에서는 크레센도와 데미넨도를 보여주기 위해 초기 바로크풍의 모노디보다 단순할 수 있다.수반되는 베이스 라인은 멜로디와 더 통합되어 나중에 아리아 멜로디의 초기 베이스 예상 장치로 이어진 부분과 역행하는 등가성을 만들어냈다.이러한 조화적 단순화는 또한 낭독과 아리아를 구별하는 새로운 형식적인 장치로 이어졌다.이 스타일의 가장 중요한 혁신가들은 각각 칸타타와 오라토리오의 작곡가였던 로마인 루이지 로시와 자코모 카리시미 그리고 오페라 작곡가였던 베네치아인 프란체스코 카발리이다.나중에 이 스타일을 실천하는 중요한 사람들은 안토니오 세스티, 지오반니 레그렌지, 그리고 알레산드로 [27]스트라델라를 포함한다.

아르칸젤로 코렐리는 바이올린 기교와 교육학을 조직한 바이올리니스트로서 음악 기교의 반대편과 순수 기악 음악, 특히 협주곡 그로소의 [28]옹호와 개발로 기억된다.Lully가 궁정에 안착한 반면, Corelli는 널리 출판하고 그의 음악을 유럽 전역에서 공연한 최초의 작곡가 중 한 명이었다.루리의 오페라 스타일화와 구성과 마찬가지로 콘체르토 그로소는 오케스트라 전체가 연주하는 부분과 소규모 그룹이 연주하는 부분을 번갈아 가며 강한 대조를 이룬다.빠른 구간과 느린 구간이 서로 나란히 놓여 있었다.그의 제자 중에는 안토니오 비발디가 있는데 그는 나중에 코렐리의 3중주 소나타와 [28]협주곡의 원리를 바탕으로 수백 개의 작품을 작곡했다.

이 작곡가들과 대조적으로 디테리히 북스테후드는 궁정의 창조물이 아니라 교회 음악가로 뤼벡의 마리엔키르슈에서 오르간 연주자와 베르크마이스터의 직책을 맡았다.Werkmeister로서 그의 임무는 교회의 비서, 회계, 그리고 비즈니스 매니저로 일하는 것을 포함했고, 오르간 연주자로서의 그의 직책은 때때로 교회에서 돈을 받는 다른 악기 연주자나 성악가들과 함께 모든 주요 예배에서 연주하는 것을 포함했다.그의 공식적인 교회 의무에서 완전히 벗어나, 그는 아벤드무시켄으로 알려진 콘서트 시리즈를 기획하고 지휘했는데, 이 공연에는 그의 동시대 사람들이 [29]오페라와 동등하다고 여기는 신성한 극작품의 공연이 포함되어 있었다.

프랑스:

후기 바로크 음악 (1680년-1750년)

조지 프리데릭 헨델

게오르크 프리데릭 헨델, 요한 세바스티안 바흐와 도메니코 스카를라티, 안토니오 비발디, 장 필리프 라모, 게오르크 필립 텔레만, 그리고 다른 사람들을 포함한 동시대의 작품들은 바로크 시대를 [34]절정으로 이끌었다.

  • A.K.A. 하이 바로크

개시

이탈리아:

Marc-Antoine Charpentier
마르크 앙투아느 샤르펜티에

프랑스:

폭넓은 도입

이탈리아:

급증:

프랑스:

중부 유럽:

클래식 시대로의 이행

갤런트 음악:

바흐의 장남과 제자:

만하임 학교:


작곡가 연표

다음 항목도 참조하십시오.바로크 작곡가 목록
Giovanni Battista PergolesiBaldassare GaluppiCarlos SeixasJohann Adolf HasseRiccardo BroschiJohann Joachim QuantzPietro LocatelliGiuseppe TartiniLeonardo VinciJohann Friedrich FaschFrancesco GeminianiNicola PorporaSilvius Leopold WeissGeorge Frideric HandelDomenico ScarlattiJohann Sebastian BachJohann Gottfried WaltherJean-Philippe RameauJohann David HeinichenGeorg Philipp TelemannJan Dismas ZelenkaAntonio VivaldiTomaso AlbinoniJohann Caspar Ferdinand FischerAntonio CaldaraFrancois CouperinAlessandro ScarlattiHenry PurcellMarin MaraisArcangelo CorelliJohann PachelbelHeinrich Ignaz BiberDieterich BuxtehudeMarc Antoine CharpentierJean-Baptiste LullyJean-Henri d'AnglebertJohann Heinrich SchmelzerBarbara StrozziJohann Jakob FrobergerGiacomo CarissimiAntonio BertaliWilliam LawesFrancesco CavalliSamuel ScheidtHeinrich SchützGirolamo FrescobaldiGregorio AllegriClaudio MonteverdiJan Pieterszoon SweelinckJacopo Peri

인스트루먼트

주요 기사 : 바로크식 악기
다음 항목도 참조하십시오.시대 악기 목록

줄들

바이탈 줄리안 프레이의 이중 수동 하프시코드, 장 클로드 구종 이후(1749)
17세기 [36]하프를 위한 개별 악보.

목관악기

금관 악기

키보드

타악기

스타일 및 양식

댄스 스위트

다음 항목도 참조하십시오.스위트 (음악) dance 댄스 스위트
파니니가 묘사한 호화로운 아르헨티나 테아트로에서의 대규모 기악 앙상블 공연(1747년)

바로크 양식의 특징은 댄스 스위트였다.바흐의 몇몇 댄스 스위트들은 파르티타스라고 불리지만, 이 용어는 다른 작품 모음집에도 사용된다.댄스 스위트의 작품들이 실제 댄스 음악에서 영감을 얻은 반면, 댄스 스위트는 동행하는 댄서들이 아니라 듣기 위해 디자인되었다.작곡가들은 그들의 댄스 스위트룸에서 다양한 춤 동작을 사용했다.댄스 스위트는 종종 다음과 같은 동작으로 구성됩니다.

  • 서곡 – 바로크 음악 모음은 종종 프랑스 서곡("프랑스어로 "Overture")으로 시작되었고, 느린 악장이 뒤따랐으며, 주로 다음과 같은 네 가지 유형의 춤이 이어졌다.
  • 알레만데 – 종종 악기 모음의 첫 번째 춤인 알레만데는 독일 르네상스 시대에 유래한 매우 인기 있는 춤이었습니다.알레망데는 적당한 템포로 연주되었고 [37]바의 어떤 박자로도 시작할 수 있었다.
  • 쿠란테 – 두 번째 춤은 3미터의 활기찬 프랑스 춤인 쿠란테입니다.이탈리아어 버전은 Corrente라고 불립니다.[citation needed]
  • Sarabande – 스페인 춤인 Sarabande는 네 가지 기본 춤 중 세 번째이며 바로크 춤 중 가장 느린 춤 중 하나입니다.그것은 또한 3박자이고, 비록 두 번째 박자에 강조가 있지만, 사라반드의 특징적인 '할팅' 즉 약음 리듬을 만들어 내지만, 막대의 [37]어떤 박자에서도 시작할 수 있다.
  • Gigue – Gigue는 컴파운드 미터로 된 경쾌하고 활기찬 바로크 춤으로, 전형적으로 악기 모음의 마무리 동작이며, 기본 춤 유형 중 네 번째입니다.이 악기는 어떤 박자에서도 시작할 수 있고 리듬감 있는 느낌으로 쉽게 알아볼 수 있다.그 기구는 브리튼 제도에서 비롯되었다.포크 음악에서 그것의 상대는 [37]지그이다.

이 네 가지 춤 유형(알레만데, 쿠란테, 사라방데, 그리고 지그)은 17세기 수트의 대부분을 차지하고 있다.나중에 수트는 사라방데와 지그 사이에 하나 이상의 추가 춤을 보간한다.

  • Gavotte – Gavotte – Gavotte는 다양한 특징들로 식별할 수 있습니다; 제시간에 그리고 항상 바의 세 번째 박자로 시작합니다. 비록 이것은 어떤 경우에는 첫 번째 박자처럼 들릴 수 있지만, 첫 번째 박자와 세 번째 박자가 4박자이기 때문입니다.가봇은 적당한 템포로 연주되지만, 어떤 경우에는 더 [citation needed]빨리 연주될 수도 있다.
  • Bourrée – Bourrée는 바의 마지막 박자의 후반부에서 시작되어 춤에 다른 느낌을 주지만, 시간상으로는 Gavotte와 비슷합니다.부르레는 보통 적당한 템포로 연주되지만, 헨델과 같은 일부 작곡가들에게는 훨씬 빠른 [2]템포로 연주될 수 있다.
  • 미뉴에트 – 미뉴에트는 아마도 바로크 양식의 삼박자 춤 중 가장 잘 알려진 춤일 것입니다.그것은 무지외반증이 없다.일부 스위트에서는 연속적으로 재생되는 Minuet I 및 II가 있을 수 있으며, Minuet I은 반복되지만 내부 [citation needed]반복은 없습니다.
  • 파세피드 – 파세피는 [38]2진법과 3중계의 빠른 춤으로 브리트니에서 궁정 춤으로 시작되었다.바흐나 헨델과 [citation needed]같은 이후의 곡들에서 그 예를 찾을 수 있다.
  • Rigaudon – Rigaudon은 부르레와 비슷하지만 리드미컬하게 심플한 프랑스 춤입니다.그것은 전통적으로 바바라이스, 랑그독, 도피네,[39] 프로방스 지방과 관련이 깊은 남-프랑스 민속 춤의 일족으로 시작되었다.

또한 폴로네즈, 루어, 셰르조, 에어 등과 같은 다른 곡뿐만 아니라 수많은 댄스 형식도 있습니다.

기타 기능

  • 전주곡 – 스위트는 즉흥적인 스타일로 쓰여진 느린 곡인 전주곡으로 시작할 수 있습니다.일부 바로크 양식의 서곡들은 완전히 쓰여지지 않았다; 대신에, 일련의 코드들이 제시되었고, 기악 연주자는 표시된 조화 체계를 사용하여 선율적인 부분을 즉흥적으로 연주할 수 있을 것이라는 기대와 함께 제시되었다.서곡은 춤의 한 형태에 기초하지 않았다.
  • 엔트리에 – 엔트리는 스위트의 일부로 구성될 수 있습니다.단, 순수하게 기악적인 음악이며 춤은 추지 않습니다.그것은 무용단이 입장할 때 연주되거나 발레 전에 연주되는 행진곡 같은 서론이다.보통 제시간에.그것은 이탈리아의 '인트라다'와 관련이 있다.
  • Basso continuo – 새로운 음악 표기 체계, 픽처 베이스로 통지되는 연속 반주의 일종으로, 보통 하나 이상의 지속 베이스 악기(첼로 등)와 하나 이상의 코드 연주 악기(예: 하프시코드, 파이프 또는 루트와 같은 키보드 악기)를 위한 것이다.
  • 협주곡(관현악 반주가 있는 독주곡)과 협주곡 그로소
  • Monody – 노래의[citation needed] 산물
  • 호모포니 – 하나의 멜로디 보이스와 리드미컬하게 유사한(및 하위) 화음 반주(이것 및 모노디는 전형적인 르네상스 텍스처인 폴리포니와 [40]대비됨)를 가진 음악
  • 오페라와 같은 극적인[41] 음악 형태, 극적 음악 형태
  • 오라토리오와 칸타타와 [41]같은 기악과 성악의 결합 형식. 두 형식 모두 가수와 오케스트라를 사용했다.
  • 트레몰로나 피지카토와[41] 같은 새로운 기악 기술
  • da capo [citation needed]aria는 "확실함을 즐겼다"
  • 리토넬로 아리아 – 짧은 악기의 반복적인 중단.[42]
  • 협주곡 스타일 – [43]악기 그룹 간의 음향 대비.
  • 가수나 악기 연주자에 의해 즉흥적으로 만들어진 광범위한 장식([44]예: 트릴, 매염제 등)

장르

보컬

인스트루멘탈

메모들

  1. ^ a b c d e 팔리스카 2001년
  2. ^ a b c Mackay 및 Romanec 2007.
  3. ^ "baroque – Wiktionary". en.wiktionary.org. Retrieved 13 September 2021.
  4. ^ Palisca 1989, 페이지 7-8.
  5. ^ 백과사전; 데니스 디데로 감독하의 Letre sur la Musique Francaise
  6. ^ 앙투안 아르놀드, 피에르 니콜, 라 로지크 오 라르트 드 펜서, 제3부 제6장 (프랑스어)
  7. ^ "BAROQUE : Etymologie de BAROQUE". www.cnrtl.fr. Retrieved 4 January 2019.
  8. ^ 삭스 1919, 페이지 7-15
  9. ^ a b Bukofzer 1947, 페이지 17ff.
  10. ^ a b Bukofzer 2013, "바로크 음악의 단계" 페이지 26-29.
  11. ^ Nuti 2007, 페이지 14
  12. ^ 왈레킨스키 2007, 페이지 445
  13. ^ Chua 2001, 페이지 26
  14. ^ 웨인라이트와 홀맨 2005, 페이지 4
  15. ^ 클라크 1898, 페이지 147-48.
  16. ^ 하그만스 1916 페이지 6
  17. ^ 요크 1909 페이지 109
  18. ^ 도닝턴 1974, 페이지 156
  19. ^ 왓킨스 1991, 페이지 103
  20. ^ 노튼 1984, 페이지 24
  21. ^ 카터와 츄 2013.
  22. ^ Rollin & Leadbetter 2001.
  23. ^ a b 2001년형.
  24. ^ 롤린 2001a.
  25. ^ Sadie 2013.
  26. ^ a b 라 고르체 2001.
  27. ^ Bukofzer 1947, 페이지 118-21.
  28. ^ a b 탤벗 2001a.
  29. ^ 스나이더 2001.
  30. ^ 롤인 2001b.
  31. ^ Leadbetter & Harris 2014.
  32. ^ Fuller 2001.
  33. ^ Fuller & Gustafson 2001.
  34. ^ 세이디 2002.
  35. ^ 1954년 듀르
  36. ^ "Muziek voor barokharp". lib.ugent.be. Retrieved 27 August 2020.
  37. ^ a b c 2012년 에스트렐라
  38. ^ 리틀 2001a.
  39. ^ 리틀 2001b.
  40. ^ 2013년 하이얼
  41. ^ a b c 숏웰 2002.
  42. ^ Talbot 2001b.
  43. ^ 카버 2013.
  44. ^ 로즈만 1975년

레퍼런스

추가 정보

  • 크리스텐슨, 토마스 스트리트, 피터 데얀스.바로크 음악 이론의 음조적 측면을 향해서.루벤:루벤 대학 출판부, 2007.ISBN 978-90-5867-587-3
  • 시르, 메리프랑스와 영국의 바로크 음악 오페라와 실내악 연주에 관한 에세이.Variorum이 수집한 연구 시리즈, 899.영국 핸츠주 올더샷:애쉬게이트, 2008년ISBN 978-0-7546-5926-6
  • 십장, 에드워드Bel Canto 방법, 또는 주요 소스에 기초한 이탈리아 바로크 음악을 올바르게 부르는 방법.20세기 노래의 명작 12권Miniapolis, Minn: Pro Musica Press, 2006.ISBN 978-1-887117-18-0
  • 햅슨, 오드리(2012)."독주 첼로를 위한 바흐의 스위트곡에서의 춤과 그 중요성", 뮤지컬 제공: 제1권: 제2조.http://digitalcommons.cedarville.edu/musicalofferings/vol1/iss2/2 에서 구할 수 있습니다.
  • Hofper, Brandi(2012).'30년 전쟁의 성스러운 독일 음악', 뮤지컬 제공: 제3권 제1조 제1항.http://digitalcommons.cedarville.edu/musicalofferings/vol3/iss1/1 에서 구할 수 있습니다.
  • 슈베르트, 피터, 크리스토프 네이호퍼.바로크식 대척점어퍼 새들리버, 뉴저지주: 피어슨 프렌티스 홀, 2006.ISBN 978-0-13-183442-2
  • 슐렌버그, 데이비드바로크 양식의 음악.뉴욕: 옥스포드 UP, 2001년.ISBN 978-0-19-512232-9
  • 스타우퍼, 조지 B바로크 음악의 세계 새로운 관점.블루밍턴:인디애나 대학 출판부, 2006.ISBN 978-0-253-34798-5
  • 스트렁크, 올리버음악사의 소스 판독치. 고전적 고대에서 낭만주의 시대로.런던:Faber & Faber, 1952년

외부 링크

위키미디어 커먼즈에는 바로크 음악과 관련된 미디어가 있습니다.