고전 시대(음악)
Classical period (music)
| 의 역사 서양 고전 음악 | ||||||||||||||||||
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클래식 시대는 대략 1730년에서 1820년 사이의 클래식 음악의 시대였다.[1]
고전 시대는 바로크 시대와 낭만주의 시대 사이에 있다.클래식 음악은 바로크 음악보다 가볍고 선명한 식감을 가지고 있지만, 형식을 더 정교하게 사용한다.주로 동음이의어로서, 부하 화음반주 위에 선명한 선율을 사용하지만,[2] 특히 소송 성악과 그 시대 후반에는 세속적인 기악음악에서 대위법은 결코 잊혀지지 않았다.바로크의 위엄 있는 진지함과 인상적인 웅장함을 대신하여 가벼운 우아함을 강조한 스타일 갤런트를 활용하기도 한다.한 작품 내에서의 다양성과 대비가 예전보다 뚜렷해졌고 오케스트라의 규모와 범위, 파워가 높아졌다.
하프시코드는 피아노(혹은 포르테피아노)에 의해 주 키보드 악기로 대체되었다.피아노는 키를 누를 때 가죽으로 덮인 망치로 현을 치는 하프시코드와 달리 연주자가 더 크게 혹은 더 부드럽게 연주할 수 있게 한다(원명 '포테피아노', 말 그대로 '거드 소프트'). 반대로 연주자가 하피치를 연주하는 힘.호드 키는 소리를 바꾸지 않는다.기악 음악은 고전 시대 작곡가들에 의해 중요하게 여겨졌다.기악의 주요 종류는 소나타, 3중주, 현악4중주, 5중주, 교향곡(관현악단이 연주함)과 독창 협주곡으로, 오케스트라와 함께 바이올린, 피아노, 플루트 또는 다른 악기를 위한 독주곡을 연주하는 거장 솔로 연주자가 등장한다.가수와 피아노를 위한 노래, 합창 작품, 오페라(가수, 오케스트라를 위한 연극 공연) 등 성악도 이 시기 중요했다.
The best-known composers from this period are Joseph Haydn, Wolfgang Amadeus Mozart, Ludwig van Beethoven, and Franz Schubert; other notable names include Carl Philipp Emanuel Bach, Johann Christian Bach, Luigi Boccherini, Domenico Cimarosa, Joseph Martin Kraus, Muzio Clementi, Christoph Willibald Gluck, Carl Ditters von Dittersdorf, André Grétry,Pierre-Alexandre Monsigny, Leopold Mozart, Michael Haydn, Giovanni Paisiello, Johann Baptist Wanhal, François-André Danican Philidor, Niccolò Piccinni, Antonio Salieri, Georg Christoph Wagenseil, Georg Matthias Monn, Johann Georg Albrechtsberger, Mauro Giuliani, Christian Cannabich and the Chevalier de Saint-Georges.베토벤은 낭만주의 작곡가 또는 낭만주의 시대로의 이행의 일부였던 고전주의 시대 작곡가로 간주된다.슈베르트는 요한 네포무크 험멜, 루이지 체루비니, 가스파르나레 자발리니, 조아치노 로시니, 칼 마리아 폰 베버, 얀 라디슬라프 뒤섹, 니콜로 파가니니와 마찬가지로 과도기적인 인물이다.이 시기를 비엔나 고전주의 시대(독일어:비에너 클라식) 이후 글럭, 하이든, 살리에리, 모차르트, 베토벤, 슈베르트가 모두 비엔나에서 활동하였다.
고전주의
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| 고전주의 |
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| 고전고대 |
| 계몽주의 시대 |
| 20세기 신고전주의 |
18세기 중반, 유럽은 일반적으로 고전주의라고 알려진 건축, 문학, 예술에 있어서 새로운 스타일을 향해 나아가기 시작했다.이 문체는 고전 고대의 이상, 특히 고전 그리스의 이상을 모방하려고 했다.[3]클래식 음악은 형식과 질서와 위계질서에 중점을 두었으며, 부품들 사이의 더 선명한 구분을 사용한 "더 깨끗한", "더 깨끗한" 스타일, 더 밝은 대비와 "톤 컬러"(더 많은 키에 동적 변화와 변조를 사용함으로써 달성됨)를 사용했다.바로크 시대의 풍부한 레이어드 음악과는 대조적으로 클래식 음악은 복잡성보다는 단순성으로 나아갔다.게다가 오케스트라의 전형적인 규모가 늘어나기 시작하면서 오케스트라에게 더욱 강력한 사운드를 선사했다.[3]
'자연철학'에서 사상의 눈부신 발전은 이미 대중의 의식 속에 자리를 잡았었다.특히 뉴턴의 물리학을 패러다임으로 삼았는데, 구조는 공리학적으로 근거가 잘 갖춰져야 하고, 질서정연해야 한다는 것이다.이러한 구조적인 선명성에 대한 취향은 바로크 시대의 레이어드된 다성음악에서 벗어나 선율이 종속적인 조화를 통해 연주되는 동음이의식이라고 알려진 스타일로 옮겨가는 음악에 영향을 미치기 시작했다.[3]이러한 움직임은 화음이 한 부분의 멜로디적인 부드러움을 방해하더라도 음악의 훨씬 더 보편적인 특징이 되었다는 것을 의미했다.그 결과 음악 한 곡의 톤 구조는 더 잘 들리게 되었다.
경제 질서와 사회구조의 변화에도 새로운 스타일은 고무되었다.18세기가 진행됨에 따라, 귀족들은 기악음악의 주요 후원자가 되었고, 대중들은 점점 더 가볍고 재미있는 코믹 오페라를 선호했다.이것은 음악이 연주되는 방식에 변화를 가져왔고, 그 중 가장 중요한 것은 표준 악기 그룹으로 이동하는 것과 연속곡의 중요성의 감소였다. 일반적으로 키보드(하프시코드 또는 오르간)에 의해 연주되고 다양한 베이스 악기 그룹이 수반되는 음악의 리듬적이고 조화로운 기초였다.첼로, 더블 베이스, 베이스 비올, 그리고 이론보까지.연속체의 쇠퇴와 그 형상의 화음을 추적하는 한 가지 방법은 실내악 작품에서 필수적인 기악 부분을 의미하는 오블리가토라는 용어의 소멸을 조사하는 것이다.바로크 작곡에서는 그룹이나 리더의 기호에 따라 연속 그룹에 추가 악기를 추가할 수 있었고, 고전 작곡에서는 항상 공지하지는 않았지만 모든 부분이 구체적으로 언급되어 있어 'obbligato'라는 용어가 중복되게 되었다.1800년대 초 종교 미사에서 파이프 오르간 연속체를 가끔 사용한 것을 제외하면, 1800년대까지 바소 연속체는 사실상 멸종되었다.
경제적 변화도 음악가들의 가용성과 질적 균형을 바꾸는 효과를 가져왔다.후기 바로크에서는 주요 작곡가가 한 마을의 음악적 자원을 통째로 가지고 있는 반면, 귀족 사냥 오두막이나 작은 궁정에서 이용할 수 있는 음악적 힘은 더 작고 그들의 능력 수준에 고정되어 있었다.이것은 앙상블 음악가들이 연주할 수 있는 더 단순한 부분을 갖게 하는 자극이었고, 상주하는 거장의 경우, 만하임 오케스트라의 경우처럼 특정 악기에 대해 화려하고 관용적인 부분을 쓰도록 자극하거나, 특히 숙련된 바이올린 연주자나 플루티스트들을 위한 거장 솔로 파트를 쓰도록 자극하는 것이었다.게다가, 바로크에서 전해져 오는 새로운 음악의 지속적인 공급에 대한 관객들의 식욕도 대단했다.이것은 작품이 기껏해야 한두 번의 리허설로 공연될 수 있어야 한다는 것을 의미했다.모차르트는 1790년 이후에도 자신의 콘서트에 리허설이 단 한 번 있을 것이라는 암시를 가지고 "리허설"에 대해 글을 쓴다.
하나의 멜로디 라인에 대한 강조가 더 컸기 때문에, 역동성과 표현에 대한 그 라인에 대한 언급이 더 강조되었다.이는 연주자가 즉석에서 이러한 요소들을 즉석에서 즉흥적으로 연주할 것이라고 가정했기 때문에 일반적으로 멜로디가 역동성이나 표현 마크나 장신구 없이 쓰여졌던 바로크 시대와 대비된다.고전시대에는 연주자가 전차를 타거나 턴 등의 장신구를 연주하기를 원하는 곳을 작곡가가 표시하는 것이 더 일반화되었다.텍스처의 단순화는 그러한 기악적인 디테일을 더욱 중요하게 만들었고, 또한 주의를 끄는 오프닝 팬퍼레어, 장례식 행군 리듬, 또는 미뉴엣 장르와 같은 특징적인 리듬의 활용을 단 하나의 운동의 톤을 확립하고 통일시키는 데 더욱 중요하게 만들었다.
클래식 시대는 또한 음악 장르에 걸쳐 적용될 수 있는 멜로디 소재에 대한 고전적 선호를 조화롭게 한 음악의 구조적 원리 집합체인 소나타 형식의 점진적인 발전을 보았다.소나타 자체는 솔로와 실내악의 주요 형식을 이어갔으며, 이후 클래식 시대에는 현악 4중주단이 두드러진 장르가 되었다.오케스트라를 위한 교향곡 형식은 이 시기에 만들어졌다(이것은 일반적으로 조셉 하이든에게 기인한다).바로크 시대의 매우 인기 있는 형식인 협주곡 그로소(한 명 이상의 음악가를 위한 협주곡)가 단 한 명의 솔로 연주자를 내세운 단독 협주곡으로 대체되기 시작했다.작곡가들은 도전적이고 빠른 스케일과 아르페지오 달리기를 통해 거장의 실력을 뽐내는 특정 솔리스트의 능력을 더욱 중요시하기 시작했다.그럼에도 불구하고, 몇몇 협주곡은 남아 있었는데, 그 중 가장 유명한 것은 모차르트의 바이올린 신포니아 협주곡과 E-플랫 장조의 비올라였다.
주요 특성
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고전 시대에 주제는 대조적인 멜로디와 리듬을 가진 구절로 구성되어 있다.이 구절들은 비교적 짧으며, 일반적으로 4개의 막대가 길며, 때때로 희박하거나 간결하게 보일 수 있다.질감은 주로 동음이의어인데,[2] 예를 들어 알베르티 베이스와 같이 부하 현악 반주 위에 선명한 선율이 있다.이것은 바로크 음악에서의 연습과는 대조적으로, 한 작품이나 동작은 일반적으로 하나의 음악적 주제만을 가지고 있는데, 이것은 전체적으로 일정한 리듬이나 미터법을 유지하면서 대위법의 원리에 따라 다수의 목소리로 풀릴 것이다.그 결과 클래식 음악은 바로크 음악보다 가볍고 선명한 느낌을 주는 경향이 있다.클래식 스타일은 바로크의 위엄 있는 진지함과 인상적인 웅장함을 대신하여 가벼운 우아함을 강조한 음악 스타일인 갤런트를 그린다.
구조적으로 고전음악은 일반적으로 분명한 음악적 형태를 가지고 있으며, 강장제와 지배적인 것의 대조가 뚜렷하게 나타나며, 이는 명확한 지적에 의해 소개된다.역동성은 작품의 구조적 특성을 강조하기 위해 사용된다.특히 소나타 형태와 그 변형은 고전시대 초기에 개발되어 자주 사용되었다.구조에 대한 고전적 접근법은 다시 바로크와 대조를 이루는데, 이 바로크에서는 작곡은 보통 강장제와 지배성 사이를 왔다 갔다 하지만, 화음의 지속적인 진보를 통해 새로운 열쇠에 대한 "적수성"의 감각이 없어진다.고전주의 시대에는 대위점이 강조되지 않았지만, 특히 그 시기 후반에는 결코 잊혀지지 않았고, 작곡가들은 여전히 교향곡이나 현악 사중주곡과 같은 "심각한" 작품과 미사곡과 같은 종교적인 작품에서 대위점을 사용했다.
클래식 음악 스타일은 악기의 기술적 발달로 뒷받침되었다.평등한 기질을 폭넓게 채택함으로써 모든 키의 캐디가 유사하게 들리게 함으로써 클래식 음악 구조를 가능케 했다.포르테피아노와 이어 피아노포르테가 하프시코드를 대체해 더욱 역동적인 대비와 지속된 멜로디가 가능해졌다.고전주의 시대에 걸쳐 키보드 악기는 더욱 풍부해지고, 음색이 더 풍부해지고, 더욱 강력해졌다.
그 오케스트라는 규모와 범위가 증가하여 표준화가 되었다.오케스트라에서 하프시코드나 파이프 오르간 바소 연속 역할은 1750년에서 1775년 사이에 사용하지 않게 되었고, 현악 단면 목관풍은 클라리넷, 오부, 플룻, 바순 등으로 구성된 자급자족적인 섹션이 되었다.
코믹 오페라와 같은 성악이 인기 있는 반면, 기악음악은 매우 중요했다.기악곡의 주요 종류는 소나타, 3중주, 현악4중주, 5중주, 교향곡, 협주곡(보통 오케스트라를 동반한 거장 독주악기를 위한 것)과 세레나데, 게리멘토와 같은 가벼운 곡이었다.소나타 형식이 발전하여 가장 중요한 형태가 되었다.교향곡과 현악 사중주곡에서 대부분의 대규모 작품의 제1악장을 구축하는데 사용되었다.소나타 형식은 다른 동작과 서곡과 같은 단일 독립 작품에도 사용되었다.
역사
| 이 섹션은 검증을 위해 추가 인용구가 필요하다.(2019년 12월)(이를 과 시기 |
바로크/클래식 전환 c. 1730–1760
작가 겸 피아니스트인 찰스 로젠은 그의 저서 '클래식 스타일'에서 1755년부터 1775년까지 작곡가들이 보다 효과적으로 극적인 새로운 스타일을 찾았다고 주장한다.하이 바로크 시대에는 극적 표현이 개인의 영향("애정의 강령" 또는 로젠이 "다극적 정서"라고 부르는 것)의 표현에 한정되었다.예를 들어 헨델의 오라토리오 젭타에서 작곡가는 4중주곡 "O, save your daughter"에서 각 등장인물에 하나씩 네 개의 감정을 따로 렌더링한다.결국 개인의 감정에 대한 이러한 묘사는 단순하고 비현실적인 것으로 보여지게 되었다; 작곡가들은 여러 감정을 동시에 또는 점진적으로 하나의 캐릭터나 움직임 안에서 묘사하려고 했다.그리하여 모차르트의 'Die Entführung aus dem Serail' 2막의 피날레에서 연인들은 "의혹과 분노를 통한 기쁨에서 최종 화해로" 이동한다.[4]
음악적으로 말하자면, 이 "드라마틱한 액션"은 더 많은 음악적 다양성을 필요로 했다.바로크 음악은 개별적인 움직임과 대체로 균일한 질감 안에서 매끄러운 흐름이 특징인 반면, 하이 바로크 이후의 작곡가들은 질감, 역동성, 조화 또는 템포의 급격한 변화로 이 흐름을 방해하려 했다.하이 바로크에 이은 양식적 발전 가운데 가장 극적인 것은 엠프랜드삼키트('민감한 스타일')로 불리게 되었고, 가장 잘 알려진 시술자는 칼 필립 엠마누엘 바흐였다.이런 스타일의 작곡가들은 위에서 논의된 방해물을 가장 갑작스럽게 사용했고, 음악은 때때로 비논리적으로 들릴 수 있다.이탈리아의 작곡가 도메니코 스카를라티는 이러한 발전들을 더 진전시켰다.그의 500개가 넘는 싱글 무브 키보드 소나타도 갑작스러운 질감의 변화를 담고 있지만, 이러한 변화는 시대별로 정리되어 고전 양식의 특징이 되었다.그러나 스카를라티의 질감 변화는 여전히 갑작스럽고 준비되지 않은 것처럼 들린다.위대한 고전 작곡가들(헤이든, 모차르트, 베토벤)의 뛰어난 업적은 이러한 극적인 놀라움을 논리적으로 소리내어 "표현적 표현력과 우아한 자들이 손을 잡을 수 있도록"[4] 하는 그들의 능력이었다.
J. S. 바흐의 죽음과 하이든과 모차르트의 성숙(거의 1750년–1770년) 사이에 작곡가들은 바흐의 아들들의 음악에서 볼 수 있는 이러한 새로운 사상을 실험했다.요한 크리스찬은 현재 우리가 로코코라고 부르는 스타일을 개발했는데, 그것은 단순한 질감과 조화들로 구성되어 있고, "충격적이고, 무정하며, 약간 공허한" 것이었다.앞서 언급했듯이 칼 필리프 에마누엘은 드라마를 늘리기 위해 노력했고, 그의 음악은 "폭력적이고, 표현력이 풍부하며, 명석하고, 끊임없이 놀랍고, 종종 앞뒤가 맞지 않는 것"이었다.그리고 마지막으로 J.S. 바흐의 장남 빌헬름 프리데만은 관용적이고 파격적인 방법으로 바로크 전통을 확장시켰다.[5]
처음에 이 새로운 스타일은 바로크 양식을 이어받았지만, 바로크 시대에 흔히 볼 수 있었던 즉흥적인 장식보다는 단순한 부분, 더 공증된 장식, 그리고 더 강력한 조각들을 부분별로 나누어서 작곡했다.그러나 시간이 흐르면서 새로운 미학이 조각들을 조립하는 방식에 급진적인 변화를 일으켰고, 기본적인 형식적인 레이아웃도 바뀌었다.이 시기의 작곡가들은 극적인 효과와 인상적인 멜로디, 그리고 보다 선명한 질감을 추구했다.큰 텍스처 변화 중 하나는 여러 개의 인터위빙 멜로디 라인이 동시에 연주되는 바로크의 복잡하고 밀도 높은 다음양식에서 벗어나 화음을 동반한 선명한 단일 멜로디 라인을 사용하는 보다 가벼운 텍스처인 동음이의식으로의 전환이었다.
바로크 음악은 일반적으로 많은 조화적인 환상들과 음악 작품의 구조에 덜 초점을 맞추는 다면적인 부분을 사용하며, 명확한 음악 구절에 대한 강조는 적었다.고전시대에는 하모니가 더 단순해졌다.그러나 작품의 구조, 구절과 작은 멜로디나 율동적인 동기는 바로크 시대보다 훨씬 더 중요해졌다.
과거와의 또 다른 중요한 단절은 크리스토프 윌리발트 글럭의 급격한 오페라 개편이었는데, 그는 레이어링과 즉흥적인 장신구들을 많이 잘라내고 변조와 과도기의 포인트에 초점을 맞추었다.조화가 좀 더 초점을 맞추는 이러한 순간들을 만들어냄으로써 그는 음악의 감정적인 색채에 있어서 강력한 극적인 변화를 가능케 했다.이러한 전환을 강조하기 위해 그는 계측(오케스트레이션), 멜로디, 모드 등의 변화를 사용했다.당대의 가장 성공적인 작곡가들 중, 글룩은 안토니오 살리에리를 포함한 많은 에뮬레이터를 낳았다.그들의 접근성에 대한 강조는 오페라와 노래, 오라토리오, 합창과 같은 다른 성악에서 큰 성공을 가져왔다.이것들은 공연을 위한 가장 중요한 음악 종류로 여겨졌고 따라서 대중들에게 가장 큰 성공을 거두었다.
바로크족과 고전파의 부상(1730년경) 사이의 국면은 다양한 경쟁적인 음악 양식의 본고장이었다.예술적 경로의 다양성은 요한 세바스티안 바흐의 아들들인 빌헬름 프리데만 바흐(Wilhelm Friedemann Bach), 개인적 방법으로 바로크 전통을 이어온 빌헬름 프리데만 바흐(Wilhilhelm Friedemann Bach), 바로크의 질감을 단순화하고 모차르트에게 가장 분명한 영향을 준 요한 크리스티안 바흐(Johann Chriann Christian Bach), 그리고 때로는 열정적이고 때로는 격렬하게 에쿠엘 바흐) 등이 대표한다.엠파인드삼키트 운동의 리치 음악음악 문화는 기로에 서게 되었다: 구식의 대가들은 기술을 가지고 있었지만, 대중들은 새로운 것을 갈망했다.이것이 바로 C. P. E. 바흐가 이처럼 높이 평가된 이유 중 하나이다. 그는 오래된 형식을 꽤 잘 이해하고 새로운 모습으로 그것들을 표현할 줄 알았기 때문이다.
1750–1775
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1750년대 후반까지 이탈리아, 비엔나, 만하임, 파리에 새로운 스타일의 중심지가 번창했다. 수십 개의 교향곡들이 작곡되었고 뮤지컬 극장과 관련된 연주자들의 밴드가 있었다.오케스트라를 동반한 오페라나 기타 성악은 대부분의 음악적 행사의 특징이었으며, 협주곡과 교향곡은 오페라와 교회 예배를 위한 기악적 간섭과 소개의 역할을 했다.클래식 시대에 걸쳐 성악과는 별개로 교향곡과 협주곡이 발달하여 발표되었다.
바람으로 보충된 현악기 몸체인 "정상적인" 오케스트라 앙상블과 특정한 리듬적 성격의 움직임이 1750년대 후반에 비엔나에서 확립되었다.그러나 조각의 길이와 무게는 여전히 일부 바로크적 특징으로 설정되었는데, 개인 동작은 여전히 하나의 '관심'(뮤지컬 무드)에 초점을 맞추거나 날카롭게 대비되는 중간 부분 하나만 가지고 있었으며, 그 길이는 바로크 동작보다 현저히 크지 않았다.새로운 스타일로 작곡하는 방법에 대한 명확한 이론은 아직 없었다.돌파구를 찾기 위해 무르익었던 순간이었다.
이 문체의 첫 번째 거장은 작곡가 조셉 하이든이었다.1750년대 후반에 그는 교향곡을 작곡하기 시작했고, 1761년경에는 현대적 모드에서 입체곡(아침, 정오, 저녁)을 견고하게 작곡했다.부카펠마이스터 및 후기 카펠마이스터로서 그의 출력은 확대되었는데, 그는 1760년대에만 40개 이상의 교향곡을 작곡했다.그리고 그의 명성은 커졌지만, 그의 오케스트라가 확장되고 그의 작곡이 베끼고 보급되면서 그의 목소리는 많은 사람들 중 하나일 뿐이었다.
일부 학자들은 하이든이 모차르트와 베토벤에 의해 가려졌다고 주장하지만, 하이든의 중심성을 새로운 스타일에 과대평가하는 것은 어려울 것이며, 따라서 서구 예술 음악 전체의 미래에 대해 지나치게 언급하는 것은 어려울 것이다.그 당시, 모차르트나 베토벤의 선예가 되기 전, 그리고 요한 세바스티안 바흐가 주로 키보드 음악의 감식가로 알려진 가운데, 하이든은 아마도 바로크 시대의 조지 프리데릭 헨델을 제외한 다른 모든 작곡가들보다 자신을 우선시하는 음악계에 도달했다.하이든은 기존의 사상을 취했고, 그 사상이 어떻게 작용하는지를 근본적으로 바꾸었는데, 이는 그에게 "교향곡의 아버지"와 "현악 4중주단의 아버지"라는 칭호를 부여했다.
그의 전방 압박의 자극제로 작용한 힘 중 하나는 훗날 낭만주의라고 불리게 될 것을 최초로 동요시킨 것, 즉 스투름 언드 드랑, 또는 예술에서 "폭풍과 스트레스" 국면이었는데, 이 시기에는 분명하고 드라마틱한 감정주의가 양식적 선호였다.이에 따라 하이든은 자신의 작품 속에 날카로워진 성격과 개성을 담아 더욱 극적인 대비와 감정적으로 호소력 있는 멜로디를 원했다.이 시기는 음악과 문학에서 사라졌다. 그러나, 그것은 후에 오는 것에 영향을 미쳤고, 결국 수십 년 후에 미적 취향의 요소가 될 것이다.
F♯ 단조 45번인 고별 교향곡은 하이든이 새로운 스타일의 서로 다른 요구들을 통합한 예를 보여주는데, 놀랄 만큼 날카로운 턴과 오랫동안 느린 아다지오가 작품을 끝내기 위한 것이었다.1772년 하이든은 오푸스 20세트의 6현 사중주단을 완성했는데, 이 오푸스 20세트는 이전의 바로크 시대부터 모은 다성기법을 배치하여 그의 멜로디 사상을 하나로 묶어낼 수 있는 구조적 일관성을 제공했다.일부 사람들에게 이것은 후기 바로크 복잡성에 대한 반동기가 바로크와 고전적 요소들이 통합되는 시기로 귀결된 "자연적인" 고전 양식의 시작을 나타낸다.
1775–1790
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왕자를 위해 10년 넘게 음악 감독으로 일해 온 하이든은 대부분의 다른 작곡가들보다 작곡에 대한 자원과 범위가 훨씬 많았다.그의 지위는 또한 숙련된 음악가를 선발할 수 있기 때문에 그의 음악을 연주할 수 있는 힘을 형성할 수 있는 능력을 주었다.이 기회는 그의 경력에서 꽤 일찍 시작된 하이든이 그의 음악에서 아이디어를 쌓고 발전시키는 기술을 추진하려고 노력했기 때문에 낭비되지 않았다.그의 다음 중요한 돌파구는 오푸스 33 현악 4중주곡(1781년)에 있었는데, 그 악기들 사이에서 멜로디와 조화 역할이 분분하다: 종종 멜로디란 무엇이며 무엇이 조화인지 순간적으로 불분명하다.이것은 극적인 전환의 순간과 기후적인 부분 사이에서 앙상블이 일하는 방식을 변화시킨다. 즉, 음악은 분명한 중단 없이 부드럽게 흐른다.그 후 그는 이 통합적인 스타일을 취하여 관현악과 성악에 적용하기 시작했다.
하이든의 음악에 대한 재능은 작곡 방법, 즉 작품을 구조화하는 방법이었는데, 이는 동시에 새로운 스타일의 지배적 미학과도 일치했다.그러나 젊은 동시대인인 볼프강 아마데우스 모차르트는 그의 천재성을 하이든의 사상에 가져와서 당시의 주요 장르의 두 가지 장르의 오페라, 그리고 거장 협주곡에 적용시켰다.하이든이 궁정 작곡가로 일하며 많은 시간을 보낸 반면, 모차르트는 일반 대중을 위해 연주하는 도시의 콘서트 생활에서 대중의 성공을 원했다.이것은 그가 오페라를 쓰고, 거장을 쓰고, 공연할 필요가 있다는 것을 의미했다.하이든은 국제 투어 수준의 거장이 아니었고, 많은 관객들 앞에서 여러 날 밤 동안 연주할 수 있는 오페라 작품을 만들려고 노력하지도 않았다.모차르트는 이 두 가지를 모두 이루고 싶었다.게다가 모차르트는 더 많은 색채 화음(그리고 일반적으로 조화 언어에서 더 큰 대비)에 대한 취향, 한 작품에서 더 많은 멜로디를 만들어 내는 것에 대한 더 큰 사랑, 음악 전체에서 더 이탈리아적인 감성을 가지고 있었다.그는 하이든의 음악에서 그리고 후에 J.S. 바흐의 다성음악에 대한 연구에서 그의 예술적 재능을 단련하고 풍부하게 하는 수단을 발견했다.
모차르트는 재빨리 하이든의 주목을 받게 되었는데, 하이든은 새로운 작곡가를 환영하고, 그의 작품을 연구했으며, 그 젊은이를 음악에서 유일한 진정한 동료로 여겼다.모차르트에서 하이든은 더 많은 악기, 극적인 효과, 그리고 멜로디 자원을 발견했다.학습 관계는 양방향으로 움직였다.모차르트는 또한 나이가 많고 경험이 많은 작곡가를 크게 존경했고, 그에게서 배우려고 했다.
모차르트가 1780년 비엔나에 도착한 것은 고전 양식의 발전에 가속도를 가져왔다.그곳에서 모차르트는 지난 20년 동안 조성되어 온 이탈리아인의 명석함과 게르만인의 응집력의 융합을 흡수했다.화려한 화려함, 리드미컬하게 복잡한 멜로디와 형상, 긴 칸틸레나 멜로디, 거장들의 번창에 대한 그의 취향은 형식적인 일관성과 내면적인 연결성에 대한 감상과 합쳐졌다.전쟁과 경제적 인플레이션이 더 큰 오케스트라의 유행을 멈추고 많은 극장 오케스트라를 해체하거나 축소하도록 강요한 것은 바로 이 시점이다.이것은 고전적인 스타일을 안으로 압박했다. 예를 들어 목관풍에 멜로디를 분산시키거나 3분의 1로 조화된 멜로디를 사용하는 등 더 큰 앙상블과 기술적 도전을 추구한다.이 과정은 실내악이라고 불리는 작은 앙상블 음악에 프리미엄을 걸었다.그것은 또한 현악 4중주단과 다른 작은 앙상블 그룹들에 더욱 힘을 실어주면서 더 많은 대중 공연을 위한 트렌드로 이어졌다.
하이든과 모차르트가 높은 작곡 기준에 도달했다는 것을 인식하는 대중의 취향이 점점 더 시작된 것은 이 10년 동안이었다.모차르트가 25세에 도착했을 때, 1781년에 비엔나의 지배적인 스타일은 1750년대 초기 고전 양식의 출현과 확실히 연결되었다.1780년대 말에 이르러 연주실습의 변화, 기악과 성악의 상대적 지위, 음악가에 대한 기술적 요구, 그리고 양식적 통일성이 모차르트와 하이든을 모방한 작곡가들에게 확립되었다.이 10년 동안 모차르트는 그의 가장 유명한 오페라, 장르를 재정립하는데 도움을 준 6개의 후기 교향곡, 그리고 이러한 형식의 정점에 여전히 서 있는 피아노 협주곡의 줄을 작곡했다.
모차르트와 하이든이 형성한 보다 진지한 스타일을 전파하는 데 영향을 끼친 작곡가는 천재적인 피아니스트 무지오 클레멘티(Muzio Clementi)로 황제 이전에 뮤지컬 '듀엘'에서 모차르트와 동률을 이루며 피아노로 즉흥 연주하는 무지오 클레멘티(Muzio Clementi)이다.클레멘티의 피아노 소나타는 널리 퍼졌고, 그는 1780년대에 런던에서 가장 성공한 작곡가가 되었다.또한 이 시기에 런던에는 클레멘티와 마찬가지로 피아노 제작자들에게 그들의 악기의 범위와 다른 특징들을 확장하도록 장려한 다음 새롭게 열린 가능성을 충분히 이용했다.클래식 시대에 런던의 중요성은 간과되는 경우가 많지만, 그것은 '비엔나 스쿨'에 비해 주목받지는 못하면서도 나중에 닥칠 일에 결정적인 영향을 끼친 작곡가들의 근거지로서 브로드우드의 피아노 제조 공장의 본거지 역할을 했다.그들은 그들 자신의 권리로 두드러진 많은 훌륭한 작품들의 작곡가였다.런던의 기교에 대한 취향은 아마도 복잡한 통로 작업과 강장제와 지배력에 대한 확대된 진술을 장려했을 것이다.
약 1790–1820년
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하이든과 모차르트가 작곡을 시작했을 때, 교향곡은 단 하나의 동작으로 연주되었다. 다른 작품들 내에서의 간섭으로 연주되기 전, 중간, 혹은 그 중 많은 것들이 단지 10분에서 12분 동안만 지속되었다. 기악 그룹들은 연주하는 기준이 달랐고, 연속곡은 음악 제작의 중심이었다.
그 사이 몇 년 동안, 음악의 사회 세계는 극적인 변화를 보았다.국제 출판과 투어가 폭발적으로 성장했고, 콘서트 사회가 형성되었다.표기법은 더욱 구체화되었고, 더 서술적이 되었으며, 작품의 도식이 단순화되었다(예: 정확한 작업 방식이 더 다양해졌다).모차르트가 사망하기 직전인 1790년, 그의 명성이 급속도로 퍼지면서 하이든은 일련의 성공을 준비하고 있었는데, 특히 그의 고인이 된 오라토리오와 런던 교향곡이었다.파리, 로마, 그리고 독일 전역의 작곡가들은 형식상의 그들의 생각을 위해 하이든과 모차르트에게 의지했다.
1790년대에는 1770년경에 태어난 신세대 작곡가가 등장했다.그들은 이전의 스타일과 함께 성장한 동안, 하이든과 모차르트의 최근 작품에서 더 큰 표현을 위한 수단을 들었다.1788년 루이지 체루비니가 파리에 정착하였고, 1791년 그를 유명하게 한 오페라 로도이스카를 작곡하였다.그것의 스타일은 성숙된 하이든과 모차르트를 분명히 반영하고 있으며, 그 기구는 대극에서 아직 느껴지지 않은 무게를 주었다.그의 동시대의 에티엔 메훌은 1790년 오페라 유프로신 엣 코라딘으로 기악 효과를 확장시켰고, 이로부터 일련의 성공이 이어졌다.변화를 향한 마지막 추진은 베버, 베를리오즈, 바그너와 같은 미래의 낭만주의 작곡가들에게 깊은 존경을 받았던 가스파레 자발리니로부터 나왔다.그의 오페라의 혁신적인 조화 언어, 그들의 세련된 악기, 그리고 그들의 "환멸된" 닫힌 숫자(나중에 에우리안테에서 웨버에 의해 채택되어 그로부터 마르스치네르를 거쳐 바그너로 전해진 구조적 패턴)는 프랑스와 독일의 로맨틱 오페라가 그 기원을 이루게 된 기초를 이루었다.
신세대 중 가장 운명적인 것은 루드비히 판 베토벤이었는데, 1794년 레퍼토리에 남아 있는 피아노 트리오 3종 세트를 가지고 자신의 번호를 매긴 작품을 출시했다.모차르트 휘하의 젊은 학문과 토착적인 기교 때문에 똑같이 성취되기는 했지만 다른 것들보다 다소 젊었던 것은 요한 네포무크 험멜이었다.험멜은 하이든 밑에서 공부했다. 베토벤과 프란츠 슈베르트의 친구였다.그는 다른 어떤 악기보다 피아노에 더 집중했고, 1791년과 1792년 런던에서의 그의 시대는 1793년 3개의 피아노 소나타, 오푸스 2의 작곡과 출판물을 만들어냈는데, 이것은 모차르트의 예상된 경지를 피하는 기교와 클레멘티의 때로는 다소 불확실한 기교를 관용적으로 사용했다.이 작곡가들을 종합하면, 음악의 중심과 스타일의 넓은 변화의 선봉장으로 볼 수 있다.그들은 서로의 작품을 연구했고, 서로의 몸짓을 음악으로 베꼈으며, 때로는 다투는 라이벌처럼 행동하기도 했다.
이전의 파동과의 결정적인 차이점은 멜로디의 하향 이동, 동작의 지속시간 증가, 모차르트와 하이든을 패러다임으로 받아들이는 것, 키보드 자원의 더 큰 사용, "보컬" 글쓰기에서 "피아니스트적" 글쓰기로의 전환, 마이너와 모달적 모호성의 증가, 그리고 증가하는 im에서 볼 수 있다.음악의 요소로서 "추상"을 앞으로 끌어내기 위해 다양한 수반 인물의 포텐스요컨대 고 클래식은 내적으로 더 복잡한 음악을 찾고 있었다.중산층 생활의 일부로서 음악의 중요성을 알리는 콘서트 사회와 아마추어 오케스트라의 성장은 피아노, 피아노 음악, 거장이 모범이 되는 시장 붐에 기여했다.험멜, 베토벤, 클레멘티는 모두 즉흥 연주로 유명했다.
바로크의 직접적인 영향력은 계속 퇴색되었다. 즉, 형태를 갖춘 베이스는 공연을 함께 개최하는 수단으로 덜 두드러지게 되었고, 18세기 중반의 공연 관행은 계속 소멸되었다.그러나, 그와 동시에 바로크 거장들의 완판이 보급되기 시작했고, 바로크 양식의 영향력은 계속 커져갔고, 특히 더욱 광범위한 놋쇠 사용에서 더욱 그러했다.이 시기의 또 다른 특징은 작곡가가 참석하지 않은 공연이 늘어나고 있다는 점이다.이는 표기법의 세부사항과 특수성을 증가시켰다. 예를 들어, 주요 점수와 별도로 서 있는 "선택적" 부분이 더 적었다.
이 교대조의 힘은 베토벤의 제3교향곡으로, 작곡가에 의해 이탈리아어로 "영웅적"인 에로이카라는 이름을 얻게 되면서 명백해졌다.스트라빈스키의 <봄의 의식>과 마찬가지로, 이 작품이 모든 혁신에서 처음은 아니었을지 모르지만, 고전 양식의 모든 부분을 공격적으로 사용한 것은 이 작품의 현대 작품과 차별화된다: 길이, 야망, 조화 자원.
제1회 비엔나 학교
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제1 빈스쿨(First Viennes School)은 18세기 말 비엔나에서 고전 시대의 세 작곡가를 지칭할 때 주로 사용되는 이름이다.하이든, 모차르트, 베토벤.프란츠 슈베르트는 때때로 명단에 추가된다.
독일어권 국가에서는 비에너 클라식(light)이라는 용어가 붙는다.비엔나 고전 시대/미술)이 사용된다.그 용어는 흔히 고전 음악 전체에서 고전 시대에 더 광범위하게 적용되는데, 이를 구어적으로 고전 음악, 즉 바로크 음악, 낭만 음악이라고 부르는 다른 시대와 구별하기 위한 수단이다.
비엔나스쿨이란 용어는 1834년 오스트리아 음악학자 라파엘 게오르크 키제베터가 처음 사용했지만 하이든과 모차르트를 학교의 구성원으로만 세었다.다른 작가들도 그 뒤를 따랐고, 결국 베토벤이 리스트에 추가되었다.[6]제2비엔스 학교와의 혼선을 피하기 위해 "제1"이라는 명칭이 오늘 추가되었다.
슈베르트와는 별개로, 이 작곡가들은 확실히 서로를 알고 있었지만(하이든과 모차르트는 때때로 실내악 파트너로서도), 제2비엔나스쿨이나 레식스 같은 20세기 학교와 교제한다는 의미에서 협력적인 노력을 하고 있었다는 의미는 없다.베토벤이 하이든으로부터 한동안 가르침을 받은 것은 사실이지만, 한 작곡가가 다른 작곡가에 의해 (베르그와 베번이 쇤베르크에게 가르침을 받은 방식에서) "학교"를 받은 의미 있는 의미도 없다.
안톤 브루크너, 요하네스 브람스, 구스타프 말러와 같은 후기 인물을 포함시키기 위해 제1 빈스 학교를 확장하려는 시도는 단지 저널리즘에 불과하며, 학문 음악학에서는 결코 접하지 못했다.
후기 작곡가에 미치는 고전적 영향
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음악적 시대와 그들의 유행하는 스타일, 형태, 악기들은 한 번에 사라지지 않는다; 대신에, 오래된 접근법이 단순히 "구식"으로 느껴질 때까지, 특징들은 시간이 지남에 따라 대체된다.고전적인 스타일은 갑자기 "죽는" 것이 아니라, 변화의 무게로 점차 없어졌다.단 한 가지 예를 들어보자면, 일반적으로 클래식 시대는 오케스트라에서 하프시코드 사용을 중단했다고 명시되어 있지만, 1750년 클래식 시대가 시작될 때 갑자기 이런 일이 일어난 것은 아니다.오히려 오케스트라는 1700년대 말까지 연습이 중단될 때까지 서서히 하프시코드를 사용하여 바소 연속 연주를 중단했다.
한 가지 중요한 변화는 "평평한" 키를 중심으로 하모니를 향한 변화였다. 즉 하위 지배적[clarification needed] 방향의 변화였다.고전적 스타일에서 주요 키는 사소한 키보다 훨씬 더 흔했고, 색채주의는 "Sharpward" 변조를 통해 절제되었다(예: G장조, D장조 또는 A장조로 변조되는 C장조 작품, 모두 더 날카로운 키를 가진 키).또한, 마이너 모드의 섹션은 대비를 위해 종종 사용되었다.모차르트와 클레멘티를 시작으로 아군주(C장조에서 d단조나 F장조의 열쇠가 되는 ii 또는 IV 화음)의 서서히 식민지화가 시작되었다.슈베르트와 함께 초창기 작곡가들이 지배적인 변화(예: C장조의 키에서 지배적인 화음에 대한 변조, G장조로의 변조)에 국한되었을 맥락에서 소개된 후 하위 지배적인 변조가 번성했다.이것은 음악에 어두운 색을 도입했고, 마이너 모드를 강화했으며, 구조를 유지하기 어렵게 만들었다.베토벤은 4번째를 조화, 모달적 모호성(예를 들어 D단조 교향곡 9번 오프닝)으로 점점 더 많이 사용함으로써 이것에 기여했다.
루드비히 반 베토벤, 프란츠 슈베르트, 칼 마리아 폰 베버, 존 필드는 젊은 펠릭스 멘델스존과 함께 이 시대의 "프로토-로맨틱스"에서 가장 두드러진 인물로 꼽힌다.그들의 형식 감각은 고전 양식의 영향을 강하게 받았다.아직 작곡가를 '배운' 것은 아니지만(남들이 성문화한 규칙들을 떠올리게 하는 것) 하이든, 모차르트, 클레멘티 등의 작품에 직접 반응하여 마주쳤다.오케스트라에서 그들이 마음대로 할 수 있는 기악 세력 또한 수와 다양성이 상당히 '클래식'하여 고전 작품과 유사성을 허용하였다.
그러나 고전 양식의 보유를 끝내게 될 운명의 힘은 위의 많은 작곡가들, 특히 베토벤의 작품에 힘을 모았다.가장 흔히 인용되는 것은 조화 혁신이다.또한, 지속적이고 리드미컬하게 균일한 구성을 유지하는 데 집중하는 것이 중요하다.베토벤의 달빛 소나타는 수백 개의 후기 곡들을 위한 모델이었다. 리듬감 있는 인물의 이동은 작품에 대한 많은 드라마와 흥미를 제공하지만, 멜로디는 그 위에 떠돌았다.작품에 대한 더 많은 지식, 더 큰 악기 전문성, 증가하는 다양한 악기들, 콘서트 사회의 성장, 그리고 점점 더 강력해지는 피아노의 막을 수 없는 지배(철줄 사용, 무거운 주철 프레임, 동정적으로 진동하는 것과 같은 기술 발전에 의해 더 대담하고 더 큰 음색을 부여받았다)(현악) 모두 세련된 음악에 대한 많은 청중을 만들었다.이러한 경향은 모두 '로맨틱' 스타일로의 전환에 기여했다.
이 두 가지 스타일 사이에 선을 긋는 것은 매우 어렵다: 홀로 찍은 모차르트의 후기 작품들 중 어떤 부분은 80년 후에 쓰여진 음악과 조화 속에서 구별할 수 없다. 그리고 어떤 작곡가들은 20세기 초까지 규범적인 고전 스타일로 글을 계속 썼다.베토벤이 죽기 전부터 루이 스포와 같은 작곡가들은 자기 로만틱스(Romantics)라고 자칭되어, 예를 들어 작품에 더욱 사치스러운 색채주의를 접목시켰다(예: 작품의 화음 진행에 색채 하모니를 사용함).반대로 낭만주의 시대의 연대기적인 새벽 시간에 쓰인 슈베르트의 교향곡 5번과 같은 작품들은 의도적으로 시대착오적인 예술적 패러다임을 보여주며, 수십 년 전의 구성 양식을 되짚어 본다.
그러나 베토벤과 슈베르트의 죽음으로 촉발된 1820년대 후반 관현악 작곡의 가장 중요한 중심지로 비엔나의 몰락은 고전 양식의 마지막 일식을 의미했으며, 한 작곡가가 다른 작곡가들과 가까이에서 학습하는 지속적인 유기적 발전은 끝이 났다.프란츠 리스트와 프레데릭 쇼팽은 어렸을 때 비엔나를 방문했지만, 그 후 다른 도시로 옮겨갔다.칼 체르니 같은 작곡가들도 베토벤의 영향을 깊게 받으면서도 그들이 살고 있는 음악적 표현과 연주라는 더 큰 세계를 담기 위해 새로운 사상과 새로운 형식을 모색했다.
18세기 고전음악의 형식적 균형과 구속에 대한 새로운 관심은 20세기 초 스트라빈스키와 프로코피예프를 지지자 중 최소한 그들의 경력에 있어서 특정 시기에는 스트라빈스키와 프로코피예프를 지지자로 하는 이른바 신고전주의 양식의 발달로 이어졌다.
고전 시대 악기
기타
네다섯 세트의 이중 현이나 '쿠르스'가 있고, 음구멍이 정교하게 장식된 바로크 기타는 표준 6개의 현을 가진 현대 악기와 더 밀접하게 닮은 초기의 클래식 기타와는 전혀 다른 악기였다.이 악기에 대해 출판된 설명서 수로 미루어 볼 때, 1760년에서 1860년 사이에 200명 이상의 작가가 3백 권이 넘는 텍스트를 출판한 것으로 볼 수 있는데, 고전 시대는 기타의 황금기를 맞았다.[7]
줄들
바로크 시대에는 앙상블에 사용되는 활로 현악기에서는 작은 비올에서부터 큰 베이스 비올에 이르기까지 비올라 다모어와 같은 악기들이 사용되어 더욱 다양했다.클래식 시대에 오케스트라의 현악 부분은 단 4개의 악기로 표준화되었다.
- 바이올린(관현악단과 실내악에서는 일반적으로 첫 번째 바이올린과 두 번째 바이올린이 있는데, 전자는 멜로디 및/또는 더 높은 라인을 연주하고 후자는 부호, 하모니 부분, 또는 음조의 첫 번째 바이올린 라인 아래 부분 또는 반주 라인을 연주한다)
- 비올라(관현악단과 현악4중주단의 알토 목소리, 종종 작품의 하모니를 채우는 반주선인 '내부 목소리'를 연주한다)
- 첼로(첼로는 고전 시대 음악에서 두 가지 역할을 한다; 때때로 그것은 곡의 베이스라인을 연주하는데 사용되며, 일반적으로 더블 베이스에 의해 두 배가 된다[참고:첼로와 더블 베이스가 같은 베이스라인을 읽을 때 베이스는 셀로 밑에서 옥타브를 연주한다. 왜냐하면 베이스는 트랜스포싱 악기이기 때문이다]; 다른 때에는 낮은 레지스터에서 멜로디와 솔로를 연주한다.)
- 더블 베이스(일반적으로 베이스는 스트링 섹션에서 가장 낮은 피치를 수행하여 피스의 베이스라인을 제공한다)
바로크 시대에는, 더블 베이스 연주자들에게는 보통 별도의 배역이 주어지지 않았다. 대신, 그들은 전형적으로, 첼로보다 한 옥타브 아래에도 불구하고, 첼로나 다른 저음의 악기들(예: 이론보, 뱀의 관악기, 비올리)과 같은 바소 연속 베이스라인을 연주했다. 왜냐하면 더블 베이스는 하나의 소리를 내는 트랜스포징 악기이기 때문이다.명세보다 옥타브 낮다고전주의 시대에, 일부 작곡가들은 그들의 교향곡에 "바시"라고 이름 붙여진 단 한 개의 베이스 부분만을 계속해서 썼다; 이 베이스 부분은 첼리스트와 더블 베이스 연주자들에 의해 연주되었다.고전주의 시대 동안, 일부 작곡가들은 이중 베이스에 그들 자신의 역할을 부여하기 시작했다.
목관악기
타악기
키보드
- 클라비초르
- 포르테피아노 (현대 피아노의 선구자)
- 피아노
- 바로크 시대의 표준 바소 연속 건반악기인 하프시코드는 1750년대까지 사용되었고, 이후 점차 단계적으로 폐지되어 포르테피아노와 그 후 피아노로 대체되었다.1800년대 초까지 하프시코드는 더 이상 사용되지 않았다.
브라스
참고 항목
메모들
- ^ Burton, Anthony (2002). A Performer's Guide to the Music of the Classical Period. London: Associated Board of the Royal Schools of Music. p. 3. ISBN 978-1-86096-1939.
- ^ a b 블룸, 프리드리히.클래식하고 로맨틱한 음악: 포괄적인 설문 조사.뉴욕: W. W. Norton, 1970년
- ^ a b c 카미엔, 로저음악: 감사.6일. 뉴욕: 맥그로우 힐, 2008.인쇄하다
- ^ a b 로젠, 찰스고전 스타일, 페이지 43-44.뉴욕: W. W. Norton & Company, 1998
- ^ 로젠, 찰스고전 스타일, 페이지 44.뉴욕: W. W. Norton & Company, 1998
- ^ Heartz, Daniel & Brown, Bruce Alan (2001). "Classical". In Sadie, Stanley & Tyrrell, John (eds.). The New Grove Dictionary of Music and Musicians (2nd ed.). London: Macmillan.
- ^ 스텐스트어드볼드, 에릭기타 방법의 참고 문헌, 1760–1860 (Hillsdale, New York: Pendragon Press, 2010), xi.
추가 읽기
- 다운스, 필립 G. (1992년).클래식 음악: 하이든, 모차르트, 베토벤의 시대, 노턴 음악사 소개 4권.W. W. Norton.ISBN 0-393-95191-X(하드커버).
- Grout, Donald Jay; Palisca, Claude V. (1996년)서양 음악의 역사, 제5판.W. W. Norton.ISBN 0-393-96904-5(하드커버).
- Hanning, Barbara Russano; Grout, Donald Jay(1998 review 2006).서양음악의 간결한 역사.W. W. Norton.ISBN 0-393-92803-9(하드커버).
- 케네디, 마이클(2006)옥스퍼드 음악사전 985쪽 ISBN 0-19-861459-4
- Lihorau, Tim; Frie, Stephen(2004).스티븐 프라이의 불완전하고 완전한 고전 음악 역사.박스트리.ISBN 978-0-7522-2534-0
- 로젠, 찰스(1972년 확장 1997년).클래식 스타일.뉴욕: W. W. Norton.ISBN 978-0-393-04020-3 (CD로 확장판, 1997년)
- Taruskin, Richard(2005년, Paperback 버전 2009).옥스퍼드 웨스턴 뮤직의 역사옥스퍼드 대학 출판부(미국). ISBN 978-0-19-516979-9(하드백), ISBN 978-0-19-538630-1(페이퍼백)
외부 링크
- 클래식 네트 – 클래식 음악 레퍼런스 사이트
- IMSLP(International Music Score Library Project)에서 다양한 클래식 작곡가의 무료 점수
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