바로크 바이올린

바로크 바이올린은 음악의 바로크 시대의 방식으로 세워진 바이올린이다. 이 용어에는 바로크 시대 이후 변형되지 않은 채 살아남은 독창적인 악기와 바로크 설정에 맞춰 조정된 후기 악기와 현대적인 복제품이 포함되어 있다. 바로크 바이올린은 역사적으로 알려진 연주 덕분에 최근 수십 년 동안 비교적 흔해졌고, 바이올린 연주자들은 진실한 소리를 내기 위해 오래된 악기 모델로 돌아왔다.

바로크 바이올린과 현대 악기의 차이점에는 목, 손가락 보드, 다리, 베이스 바, 테일피스 등이 있다. 바로크 바이올린은 현대 악기에 더 흔한 금속과 합성 현과는 반대로 거의 항상 장현에 걸맞게 되어 있으며, 현대 투르테 활보다는 바로크 모형에서 만든 활로 연주된다. 바로크 바이올린은 턱받이가 설치되지 않고 어깨 휴식 없이 연주된다.

특성.

바이올린의 발달은 16세기에 시작되었다. 이 시기의 "르네상스 바이올린"은 작은 포체트부터 데산트, 트레블, 테너 악기에 이르기까지 다양한 크기를 가지고 있다. 1610년경, 조반니 파올로 치마는 바이올린으로 처음 소나타를 작곡하여 독주악기로서의 사용의 시작을 알렸다.^[1] 바이올린의 크기와 넓은 디자인은 1660년경에 바로크 시대의 시작과 함께 상당히 일치하게 되었다.^[2] 이후 몇 세기 동안 바이올린과 활에 대한 많은 점진적인 변화가 있었다. 이러한 변경의 주된 효과는 계측기의 전체 음량과 음량을 증가시키고, 높은 레지스터에서 계측기의 성능을 향상시키며, 보다 긴 레가토 문구를 가능하게 하는 것이었다. 오늘날의 바로크 바이올린은 1650년부터 1750년까지 사용된 바이올린 방식으로 가능한 한 멀리 설치된다.

바로크 시대에 바이올린의 표준 모델은 단 한 가지도 없었다. 그리고 나서, 지금처럼, 악기는 각각의 장인에 의해, 다른 패션에 의해 만들어졌다. 바로크 시대의 초창기에 클라우디오 몬테베르디의 작품을 연주하기 위해 사용되었던 악기는 후기 바로크 작곡가의 악기와는 다소 차이가 있었다. 그 결과, 바로크 시대 전반에 걸쳐서 레퍼토리를 연주하지만 한 악기만 살 수 있는 현대 연주자는 반드시 바로크 특성을 지닌 악기와 타협해야 하지만, 바로크 어느 한 부분의 악기와도 불완전하게 일치해야 한다.^[3]

바로크 바이올린의 목은 현대 바이올린의 경우보다 악기의 몸체에 얕은 각도로 있을 수 있지만, 다시 한번 많은 변화가 있었다. 목 각도는 스트링으로부터 브리지에 가해지는 압력을 감소시킬 수 있다. 오래된 목은 또한 일반적으로 바이올린의 갈비뼈에 붙어서 안쪽 상단 블록에서 더 두껍고 부드럽게 경사진 목-힐을 통해 못을 박고, 현대 목은 바이올린의 갈비뼈와 위쪽 가장자리를 잘라낸 구멍으로 박살내진다.^[4] 교각의 "눈"이 높기 때문에 교각의 형태는 서로 다르며 상부에는 질량이 적고 유연성이 크다.

바로크 바이올린의 핑거보드도 현대의 바이올린보다 짧다. 바로크 시대에는 바이올린의 높은 위치의 사용이 증가했다. 1600년에 정규적으로 가장 높은 음은 E 스트링 위에 있는 C 음이었고, 1700년에는 E 스트링 위에 있는 A 1 옥타브가 비교적 흔했다(예를 들어 바흐의 바이올린 음악에서 가장 높은 음이 되었다).^[5] 로카텔리가 22위로 명성 있게 연주하는 등 이 기간 내내 거투오소 바이올리니스트들은 가능성의 경계를 계속 밀어붙였다.

바로크 바이올린은 전형적으로 내트 E, A, D 현으로 걸리고, 평범한 내트 G나 금속으로 된 내트 G로 걸친다.^[6] 문제의 내장은 역사적으로 "고양이"라고 일컬어지는 물질로 감긴 양이며, 때로는 (틀리면) 고양이굿이라고 일컬어지는 양이다.

활

바로크 활은 우아한 "완벽장"의 뾰족한 머리를 가진 가운데에서 보통 곧게 보이거나 약간 바깥쪽으로 구부러져 보인다. 그것들은 전형적으로 강하고 무거운 뱀나무로 만들어진다. 반대로 현대 활은 페르남부코로 만들어지고 안쪽이 두드러지게 구부러져 있는데, 특히 머리카락이 이완되었을 때, 막대기에 오른쪽 앵글에 "도끼" 머리를 가지고 있다.

활은 바로크 시대에 바이올린보다 더 많은 변화를 겪었다. 17세기 초의 활은 바이올린과 바이올린을 번갈아 사용하였다. 그들은 특히 키가 작고 가벼웠고 댄스 음악에 잘 어울렸다. 예를 들어 아르칸젤로 코렐리의 작품인 18세기 전반의 이탈리아 음악은 긴 노래 음에 더 잘 맞는 긴 활로 연주되었다. 더 길고 더 많은 레가토 연주에 대한 이러한 지속적인 욕구에 대응하여 18세기 중반에 내부 곡선이 도입되었으며, 현대 활은 18세기 후반 프랑수아 투르테가 만든 디자인에서 유래한다.^[7]

머리 장력을 바꾸기 위한 나사 메커니즘은 1747년 프랑스 상점 재고에서 처음 언급되었다. 플레이어가 "클립인" 모델에 완벽히 만족했기 때문에 10년 이상 보편적으로 받아들여지지 않았다. 즉, 막대기에 새겨진 모발 장력에 의해 제자리에 고정된 탈착식 개구리, 머리카락과 개구리 표면 사이에 있는 심에 의해 조절된 장력에 의해 조절된 장력이다. 그러나 오늘날 생산되는 바로크식 활은 거의 보편적으로 나사 메커니즘을 채택한다.

활은 말꼬리의 털로 만들어졌다.

기법 및 성능

전형적으로 바로크 바이올린은 가능한 한 실제 바로크 연주와 닮기 위한 기법과 음악 스타일을 사용하여 "역사적 방식"으로 연주된다. 녹음 기술이 발명되기 훨씬 전에 이 스타일은 사용되지 않았기 때문에, 현대의 연주자들은 바로크 스타일의 기술을 재현하기 위해 문서화 증거에 크게 의존한다. 그런 다음 그들은 이 기법을 당대의 음악에 적용하여, 특히 연주할 음악의 팩시밀리나 비평판을 찾는다. 많은 후기 판에는 바로크 관습에서 출발하는 사설 "개선"이 포함되어 있기 때문이다.

계측기 및 좌측 기술 유지

초기 바이올린과 비올라는 전형적으로 왼쪽 가슴, 어깨 아래쪽에 세워졌다. 18세기경에는 전형적인 위치가 약간 더 높았는데, 어깨 위로는 턱이 이따금 바이올린과 접촉하기도 했다. 턱걸이와 어깨걸이는 사용되지 않는다 – 현대 바이올린에 보편적으로 사용되는 턱걸이는 19세기 초까지 발명되지 않았다. 하지만 아베 필스는 비슷한 목적으로 어떤 종류의 장치를 사용했다. 20세기의 발명품인 어깨의 휴식은 없었다.^[8]

바이올린의 위치는 연주자의 이동 능력, 즉 악기의 범위에 영향을 미친다. 가슴 포지션에서는 첫 번째 포지션에서 뛰는 것은 쉽지만 많이 위로 이동하기는 어렵다. 목뼈에 바이올린을 쥐면 위로 이동하기 쉬우며, 바이올린의 몸 위로의 움직임과 보다 높은 위치의 레퍼토리의 발달이 함께 이루어졌을 가능성이 높다.^[8]

바이올린이 쇄골에 얹혀 있는 후기-바로크 위치에서도 바이올린을 제자리에 고정시키기 위해서는 왼손의 지지가 필요하기 때문에 현대 악기보다 시프트가 더 어렵다. (대조적으로 현대 기법은 보통 바이올린을 어깨와 턱 사이에 단단히 결박시켜 왼손이 없을 때에도 그 위치를 유지한다.) 특히 포지션 간 하향 이동이 더 어렵다.

결과적으로, 선수들은 적은 교대조 또는 작은 "cryping" 교대조에서 발생하는 손가락을 선택하게 된다. 그들은 왼손의 위치 변화가 잘 들리지 않게 만들어질 수 있는 음악에서 열린 현과 관현악의 포인트를 사용하여 조심스럽게 움직일 순간을 선택한다. 낭만주의 시대에는 청각 교대조(포르투갈멘토와 글리산도)가 자주 사용되지만, 바로크 연주에는 이러한 교대조들이 없다. 일부 바로크 출처는 일반적으로 피아노나 마이스티오 효과에 대해 낮은 현에 높은 직위를 의도적으로 사용하는 것을 나타내지만, 낮은 직위는 더 큰 소수 집단을 위해 전반적으로 선호된다.^[9]

비브라토

바로크 연극에서 비브라토가 전형적인 낭만파 레퍼토리의 전형보다 훨씬 더 간결하게 사용되었고, 비브라토의 사용은 프리츠 크라이슬러 무렵인 20세기 초부터 계속된다는 것이 일반적으로 받아들여지고 있다.^[10] 이 견해에 따르면, 비브라토는 바로크 시대, 긴 음이나 강조된 음에 효과에 사용되었지만, 짧은 음표나 슬러스의 끝에는 결코 사용되지 않았다.^[11]

레오폴드 모차르트는 바이올린 연주에 관한 논문 11장에서 다음과 같이 쓰고 있다.

트레몰로[비브라토]는 자연 자신에게서 생겨나는 장식품으로, 장기적으로는 훌륭한 기악가뿐만 아니라 영리한 가수들도 매력적으로 사용할 수 있다... 이제 트레몰로는 순수하게 한 음으로 연주되는 것이 아니라 울림이 없는 것처럼 들리기 때문에, 모든 음이 트레몰로와 함께 연주된다면 그렇게 될 것인가. 거기 연주자들은 마치 마비가 온 것처럼 음표 하나하나에 끊임없이 몸을 떨며 연주한다. 트레몰로는 자연이 만들어 낼 수 있는 곳에만 사용되어야 한다...

^[12]

이러한 믿음은 비브라토의 의미나 그 사용이 적절한 정도에 대해 보편적인 합의가 이루어지지 않았다고 믿는 음악학자들로부터 의문을 받아왔다.^[13][14]

영향력 있는 바로크 바이올리니스트 프란체스코 게미니아니는 짧은 음에도 비브라토를 계속 적용할 것을 권고했다.

클로즈 쉐이크에서. 이것은 이전 사례에서와 같이 Notes에서 설명할 수 없다. 이 작업을 수행하려면 계측기 문자열 위에 손가락을 대고, 짧은 노트에서 Wrist를 천천히 균등하게 안쪽으로 이동해야 하며[...]짧은 노트에 만들 때 Wrist를 안쪽으로 이동해야 하며, 이 때문에 가능한 한 자주 사용해야 한다.

작곡가 Jean-Jacques Rousseau는 "음표의 길이가 허용하는 모든 맥락에서" 비브라토를 사용해야 한다고 썼다.

끊임없는 비브라토의 사용에 비판적인 작가들 조차도 이것이 일반적인 관행이라는 것을 인정했다. 예를 들어 로버트 브레머는 다음과 같이 쓰고 있다.

활 악기를 연주하는 많은 신사분들은 떨림을 매우 좋아하기 때문에 가능한 한 어디에나 그것을 사용한다.

비브라토 사용에 대한 논쟁은 시대적 글에서 비브라토의 메커니즘에 대해서도 일관되지 않은 용어와 의견 불일치로 복잡하다.^[10]

비브라토가 바로크에서 더 널리 사용되었다는 것은 이제 일반적으로 인정되고 있는데, 비브라토가 장식품만을 위한 것이 아니라, 비브라토가 사용된 범위가 지역별로, 개인의 취향에 따라, 그리고 급변하는 패션에 따라 크게 달라졌다.^[15][16][14]

활

바로크 활은 일반적으로 현대의 활과 같은 방식으로 쥐어져 있는데, 막대기의 아래쪽에 엄지손가락이 개구리를 향해 달려있지만, 초기 바로크 시대에는 활의 털에 엄지손가락을 얹은 "프랑스식 그립"도 사용되었다.^[17]

바로크 놀이의 중요하지만 종종 과장된 측면은 "다운 활의 법칙"이다. 이것은 스트레스를 받는 비트, 특히 바의 첫 번째 박자는 다운 활로 연주되어야 한다고 말한다. 아래궁은 중력의 작용 덕분에 위쪽에 비해 자연스레 힘이 세는데, 아래를 향해 뻣뻣하고 가운데를 향해 약해지는 바로크 활로 이런 경향은 더욱 사실이다. 낭만주의 및 후기 바이올린 연주에서는 이러한 자연스러운 경향은 선명한 멜로디 문구를 연출할 목적으로 가능한 한 균등하게 표현된다. 그러나 많은 바로크 음악은 강한 리듬 강조에 의존하여 상하 대비를 미덕으로 만들었다.^[18]

특히 룰리의 오케스트라는 머파트가 기록한 다운 보의 규칙에 따라 엄격한 활 기강을 강요했다. 댄스음악의 연주에는 중요하지만, 독일어와 이탈리아어 작곡을 대할 때 다운보우의 규칙은 덜 중요해진다.

바로크 활은 현대 활보다 기술 범위가 훨씬 좁다. 특히 상부의 빠른 획(디타케와 마르텔레), 활과 현 사이의 높은 긴장도로 시작되는 획(콜레), 일부러 튕긴 획(스파이카토와 리코체트)은 모두 바로크 활로는 달성하기 어려운 후기 발명품이며 역사적 수행에 신빙성이 없다.

그 시대의 논문에서 두 번의 주요한 활쏘기가 증명되었다. 빠른 알레그로 구절, 특히 음표 사이에 도약하는 부분이 있는 곳에서 바로크 연주자들은 음표가 명확하게 분리되어 있는 짧은 활시위를 사용했다. 타르티니는 통신원에게 데미세미카에버가 이어 휴식을 취하면서 점차 템포를 높이지만 음의 분리는 유지하도록 연습하라고 조언했다. 이와는 대조적으로, 느린 칸타빌레 구절에서는 음의 분리가 거의 없어야 하지만, 플레이어들은 각 음을 부드럽게 시작하고, 예를 들어 메사 디 보스를 사용하는 것과 같은 효과를 위해 음을 개발해야 한다.^[19]

치료제

바로크 시대의 음악 연주 매뉴얼이 많이 있다. 가장 중요한 것 중에는 프란체스코 게미니아니의 바이올린^[20] 연주법(런던, 1752년; 파시 rpt)이 있다. 런던: 옥스퍼드 유니브 1952년)와 레오폴드 모차르트의 베르수치 아이너(Versuch einer)는 바이올린 연주 기본 원리에 관한 논문 [런던: 옥스퍼드 대학 출판부, 1937년, 1948년 등]). 역사적으로 알려진 연주에 관한 연구자들은 또한 당시 음악가들의 통신에서 관련 통찰력을 찾으며, 다른 악기의 연주자를 대상으로 한 매뉴얼도 발견한다. 그러나 이러한 원천의 사용은 문제가 없는 것과는 거리가 멀다. 출처는 때때로 서로 모순되며, 아마도 말하지 않은 "명확한" 요점을 남겼을 것이다.

바로크 바이올린의 민속 바이올린 특성

독일 바로크 바이올린/바이올라와 비올라 다 아모레는 19세기까지 독일 메이커들에 의해 여전히 만들어지고 있었다; 보멘에서 요한 하인엘의 작업장은 1886년 전통적인 독일판 바로크 비올라를 생산했다. 이러한 전통적인 비올라는 주로 독일 현지 민속 음악 그룹들에 의해 연주되었다. 이 악기의 또 다른 흥미로운 특징은 페그박스보다는 만돌린과 비슷한 튜너를 가지고 있다는 것이다. 하인엘의 바로크 비올라는 좋은 음량으로 연주하며 오케스트라에도 잘 어울린다. 비올라 E 현을 장착하고 GDA에 맞춰 튜닝할 수 있으며 바이올린과 같은 방식으로 연주할 수 있다.

그것은 비올라 다 감바로 연주될 수 있도록 탈부착 가능한 안절부절못을 장착했다. 또한 턱받이를 장착하고 비올라 다 브라치오로 연주하거나 페그를 장착하여 테이블 비올라처럼 연주할 수 있다. 핑거보드는 현대의 비올라처럼 바로크 악기의 전형적이고 CGDA에 맞춰 연주되는 더 짧지만 그 자체로 더 깊고 더 풍부한 소리를 가지고 있다.

요한 하인엘과 같은 시대의 다른 독일 바이올린 제작자들도 있었는데, 그는 특히 독일 전통 바이올린을 원하는 음악가를 위해 오래된 독일 바로크 악기를 계속 제작했다. 그룬왈드가 만든 한 가지 재미있는 형태의 옛 독일 문양은 현대 바이올린과 비슷한 크기지만 손가락판이 오늘날의 표준보다 1인치 반 더 길다. 이러한 핑거보드 길이의 변화는 악기가 GDA에 맞춰 튜닝된 바이올린이나 비올라로 인해 현이 CGDA에 맞춰 조정되거나 더 짧은 테일피스가 첼로 옥타브에서 GDA에 맞춰 튜닝되고 중간 크기의 테너 바이올린으로 연주될 수 있도록 장착될 것이다. 애달픔은 종종 장착되었고, 선수의 기호에 따라 쉽게 제거하고 다시 장착할 수 있었다. 1929년의 그룬왈드의 바이올린은 상판 밑면에 부착된 7개의 특수 공명봉이 달려 있어 16인치나 17인치 비올라에 기대했던 것과 같은 소리를 더욱 크게 증폭시키는 공감공명 효과를 일으킨다. 같은 시기에 찰스 맨비 자신도 바로크 시대의 혁신과 디자인 변화를 가진 19세기 말 바이올린에서 탄생한 아이디어인 "신형 바이올린" 브랜드를 위해 초조해 하는 핀거보드를 발명했다. 바로크 시대 변형의 디자인 면에 접목된 또 다른 유명한 바이올린 디자인은 바로크 시대 비올린 디자인인 구세토와 더 현대적인 공통적인 바이올린 패턴이 결합되어 그 자체로 완전히 독특한 바이올린을 만들어낸다.

오늘날 바로크 바이올린

바로크 바이올린은 1950년대에 시작되어 1970년대와 1980년대에 증가된 정통 연주에 대한 관심의 확대 부분이다. 그들의 사용은 그들의 시대의 음악에 가장 적합한 바이올린 연주 스타일을 재발견하려는 시도를 반영한다. 오늘날 많은 루티어들은 연구를 위한 변경되지 않은 독창적인 악기들의 상대적인 결핍을 고려할 때 아직 많이 알려지지 않았지만 초기 설치에서 바이올린 가족 악기를 제공한다. 일반적으로 시대 악기 연주자들은 시대극과 팩시밀리 판에서 음악과 악기에 적합한 스타일과 미학을 배우려고 한다. 이 관행을 HIP(History Informed Performance)라고 한다.

메모들

참조

• 만즈, 앤드류. "스트링스"는 바로크 시대의 음악 연주자 가이드에서, 에드. 앤서니 버튼. ABRSM (출판) Ltd, London, 2002. ISBN 978-186096-19-2
• 탈링, 주디. 기발한 학습자를 위한 바로크 현악기 연주 코다 뮤직, 세인트 알반스, 허츠 2001 ISBN 978-0-9528220-1
• 셀레츠키, 로버트 E. "오래된 활에 대한 새로운 조명", 얼리뮤직, 2004년 5월, 페이지 286–301[Pt. 1] 및 XXIII, 2004년 8월, 페이지 415–426.
• 바로크 바이올린: 고양이굿보다 더 많은 현