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바이올린

Violin
기타 용도는 바이올린(동음이의)을 참조하십시오.
바이올린
위와 옆에서 보여주는 표준 현대 바이올린
현악기
기타이름만지작거리다
호른보스텔-삭스 분류321.322-71
(활로 들리는 합성 화음음)
발달된16세기 초
재생범위
관련기기
뮤지션들
빌더즈
소리샘플

바이올린의 다양한 소리를 보여주는 바이올린 녹음
시리즈의 일부(on)
바이올린
바이올리니스트
피들
피들러
역사
음악 스타일
기술.
음향학
시공
루시에
가족

바이올린은 때때로 피들이라고도 알려져 있는데, 바이올린 계열의 나무로 된 현악기입니다.대부분의 바이올린은 속이 빈 나무 몸체를 가지고 있습니다.이 악기는 가장 작고,[a] 따라서 가장 높은 음조의 악기(소프라노)입니다.바이올린은 일반적으로 4개의 현(일부는 5개의 현을 가질 수 있음)을 가지고 있으며, 보통 음표 G3, D4, A4, E5와 함께 완벽한 5분의 1로 조율되며, 가장 일반적으로 현을 가로질러 활을 긋는 방식으로 연주됩니다.손가락(피자카토)으로 현을 뽑고, 특수한 경우 활의 나무 쪽(콜레뇨)으로 현을 치는 방법으로도 연주할 수 있습니다.

바이올린은 다양한 음악 장르에서 중요한 악기입니다.그것들은 합주단에서 오케스트라까지 그리고 독주 악기들 모두에서 서양 고전 전통에서 가장 두드러집니다.바이올린은 컨트리 음악, 블루그래스 음악, 재즈를 포함한 많은 다양한 민속 음악에서도 중요합니다.단단한 몸체와 압전 픽업이 있는 전기 바이올린은 몇몇 형태의 록 음악과 재즈 퓨전에 사용되며 픽업은 소리를 내기 위해 악기 앰프와 스피커에 연결됩니다.바이올린은 인도 음악과 이란 음악을 포함한 많은 비서구 음악 문화에 편입되었습니다.바이올린이라는 이름은 연주되는 음악의 종류에 상관없이 자주 사용됩니다.

바이올린은 16세기 이탈리아에서 처음 알려졌으며, 악기에 더 강력한 소리와 투영을 주기 위해 18세기와 19세기에 약간의 수정이 있었습니다.유럽에서,[1][2][3] 그것은 비올라와 같은 서양 고전 음악에 사용되는 다른 현악기의 발전에 기초가 되었습니다.

바이올린 연주자들과 수집가들은 특히 브레시아와 크레모나(이탈리아)에서 16세기부터 18세기까지 스트라디바리, 과르네리, 과다니니, 아마티 가문이 만든 훌륭한 역사 악기들을 오스트리아의 야콥 슈타이너가 상으로 바꿉니다.그들의 명성에 따르면, 비록 이 믿음은 논란의 여지가 [4][5]있지만, 그들의 소리의 질은 그것을 설명하거나 동등하게 하려는 시도를 무시했습니다.작센, 보헤미아, 미레쿠르와 같은 코티지 산업에서 대량 생산된 상업적 "무역 바이올린"이 여전히 더 많을 뿐만 아니라 덜 유명한 제조업체의 손에서 많은 악기가 생산되었습니다.이러한 무역상품의 대부분은 이전에 Sears, Roebuck and Co.와 다른 대량 판매자들에 의해 판매되었습니다.

바이올린의 구성요소들은 보통 다른 종류의 나무로 만들어집니다.바이올린은 내장, Perlon 또는 기타 합성 줄 또는 강철 줄로 줄을 묶을 수 있습니다.바이올린을 만들거나 수리하는 사람은 루티어 또는 바이올린 제작자라고 불립니다.활을 만들거나 고치는 사람은 궁수나 활 만드는 사람이라고 불립니다.

어원

"바이올린"이라는 단어는 1570년대에 [6]영어에서 처음 사용 됐습니다."바이올린(violin)"이라는 단어는 "이탈리아 비올리노(Italian violino, [a] viola의 약자)"에서 유래했습니다."viola"라는 용어는 1797년 이탈리아어와 고대 프로방스 지방의 비올라에서 유래된 "tenor violin"에 대한 표현에서 비롯되었습니다. 중세 라틴어의 비툴라는 '현악기'를 의미하는 용어로서 아마도 로마의 기쁨의 여신인 비툴라에서 온 것이거나 관련 라틴어 동사 비툴라에서 온 것입니다. "기쁨이나 기쁨에 [7]겨워 소리를 지르다".'베이스 비올' (1724)을 의미하는 비올라 다 감바 (Viola da gamba)는 이탈리아어에서 온 것으로, 문자 그대로 "다리를 위한 비올라" (즉,[7] 다리 사이를 잡는 것)입니다.바이올린은 "더 작고 중세적인 비올라 다 브라치오의 현대적인 형태"입니다.[6]

바이올린은 종종 바이올린이라고 불리는데, 민속 음악 맥락에서 사용될 때, 또는 심지어 클래식 음악 장면에서,[8] 악기의 비공식적인 별명으로서 사용됩니다."fiddle"이라는 단어는 14세기 [8]말에 영어에서 처음 사용 됐습니다."피들"이라는 단어는 "fedelle, fydyll, fidel, fidel, early fitelle, Old English fiðle 'fiddle'에서 유래되었는데, 이는 고대 노르드어 피들라, 중세 네덜란드어 피델, 네덜란드어 피델, 고대 고지 독일어 피둘라, 독일어 피델, 'fiddle', 모든 불확실한 기원과 관련이 있습니다."피들(fiddle)이라는 단어의 기원에 관해서는, 음과 감각의 유사성에 근거한 "...일반적인 제안"은 중세 라틴어의 [8]독설에서 유래했다는 것입니다.

역사

주요 기사:바이올린의 역사
천사들이 바이올린, 비올라, 첼로를 연주하는 이탈리아의 사론노에 있는 마돈나 데이 미라콜리의 큐폴라는 1535년부터 시작되었고 바이올린 가족의 가장 초기 묘사들 중 하나입니다.

초기의 현악기들은 대부분 뽑혀진 악기들이었습니다. (예를 들어, 그리스어 가사)두 줄로 된 활 모양의 악기는 직립으로 연주되며 말머리와 함께 활 모양을 하고 있으며, 오늘날의 몽골인 모린후르족과 카자흐인 코비즈족과 매우 유사한 형태로 중앙아시아의 유목민 승마 문화에서 유래되었을 수 있습니다.비슷한 유형과 다양한 유형이 아마도 아시아에서 중동,[9][10] 비잔틴 [11][12]제국으로 이어지는 동서 교역로를 따라 전파되었을 것입니다.

브리태니커 백과사전에 따르면, 모든 유럽 활 악기의 직계 조상은 아랍어 리밥으로, 9세기까지 비잔틴 리라로 발전했고 나중에 유럽 리벡으로 [13][14][15][16]발전했습니다.몇몇 자료들은 북유럽이나 [17][18][19]서유럽과 같은 바이올린의 기원에 대한 대안적인 가능성을 제시합니다.바이올린의 최초 제작자들은 아마도 비잔틴 라이라의 다양한 발전으로부터 차용했을 것입니다.여기에는 비엘(피델 또는 비올라로도 알려져 있음)과 리라 다 브라치오가 [11][20]포함되었습니다.현재 형태의 바이올린은 16세기 초 북부 이탈리아에서 출현했습니다.바이올린의 가장 초기 사진들은 비록 세 줄로 되어 있지만, 이탈리아와 프랑스 문서에서 "violino"와 "vyollon"이라는 단어가 보여지는 것과 거의 동시에 1530년경 북부 이탈리아에서 보여집니다.조율을 포함한 악기에 대한 가장 초기의 명백한 설명 중 하나는 1556년 [21]리옹에서 출판된 잠베 드 페르의 에피톰 뮤지컬에 나오는 것입니다.이때쯤에 바이올린은 이미 유럽 전역에 퍼지기 시작했습니다.

바이올린은 거리의 음악가들과 귀족들 사이에서 매우 인기가 있음이 증명되었습니다; 프랑스 왕 샤를 9세는 1560년 [22]안드레아 아마티에게 그를 위해 24개의 바이올린을 만들라고 명령했습니다.이러한 "귀족" 악기들 중 하나인 찰스 9세는 현존하는 가장 오래된 바이올린입니다.세계에서 조각되고 장식된 가장 훌륭한 르네상스 바이올린은 오스트리아 대공 페르디난트 2세가 소유하고 나중에 1841년부터 노르웨이의 거장 올레 불이 소유한 가스파로 다 살레(Gasparo da Salò, 1574)인데, 그는 과네리와 비슷한 매우 강력하고 아름다운 음색으로 40년 동안 그리고 수천 번의 콘서트를 열었습니다.1716년 안토니오 스트라디바리에 의해 만들어진 "메시아" 또는 "르 메시" ("살라뷰"라고도 함)는 여전히 자연 그대로입니다.이 박물관은 현재 옥스포드의 [24]애쉬몰리언 박물관에 위치해 있습니다.

16세기와 18세기 사이의 가장 유명한 바이올린 제작자들은 다음과 같습니다.

야곱 슈타이너의 1658년 바로크 바이올린

특히 목의 길이와 각도 그리고 더 무거운 베이스 바에서 18세기 바이올린의 건축에 중요한 변화가 일어났습니다.대부분의 오래된 악기들은 이러한 수정을 거쳤기 때문에 소리와 [27]반응의 차이는 의심할 여지 없이 제조사들의 손을 떠났을 때와는 상당히 다른 상태에 있습니다.하지만 이 악기들은 현재 상태에서 바이올린 장인 정신과 음향에 있어서 완벽함의 기준을 세웠고, 전 세계의 바이올린 제작자들은 가능한 한 이 이상에 가깝게 다가가려고 노력합니다.

오늘날까지도, 소위 바이올린 제작의 황금기의 악기들, 특히 스트라디바리, 과르네리 델 게슈, 몬타냐나에 의해 만들어진 악기들은 수집가와 연주자 모두에게 가장 많이 요구되는 악기들입니다.2011년 6월 20일 타리지오 옥션에서 레이디 블런트로 알려진 이 악기가 판매되었을 때 스트라디바리 바이올린의 현재 지불된 기록 금액은 980만 파운드(당시 미화 1,[28]590만 달러)입니다.

건축 및 기계

바이올린의 구성
주요 기사:바이올린 구조와 기계학
바이올린과 활.

바이올린은 일반적으로 가문비나무 상판(음반, 상판, 테이블 또는 배라고도 함), 단풍나무 갈비뼈와 등, 두 개의 엔드 블록, 목, 다리, 사운드 포스트, 4개의 줄 및 다양한 피팅(선택적으로 꼬리 부분 위 또는 왼쪽에 부착할 수 있는 턱걸이 포함)으로 구성됩니다.바이올린 몸체의 독특한 특징은 모래시계와 같은 모양과 윗부분과 뒷면의 아치형입니다.모래시계 모양은 두 개의 상부 바우트, 두 개의 하부 바우트, 그리고 두 개의 오목한 C-바우트로 구성되어 있어 활에 틈을 제공합니다.바이올린의 "목소리" 또는 소리는 바이올린의 모양, 나무로 만들어진 나무, 위와 뒤 모두의 눈금 (두께 모양), 바깥 표면을 코팅하는 니스, 그리고 이 모든 단계를 수행하는 루티에의 기술에 달려 있습니다.바니쉬, 특히 목재는 나이가 들면서 계속해서 개선되어, 유명한 루티에들이 만든 오래된 잘 만들어진 바이올린의 고정 공급이 많은 사람들의 관심을 받고 있습니다.

대부분의 접착 조인트는 여러 가지 이유로 일반적인 흰색 접착제가 아닌 동물 가죽 접착제를 사용합니다.히든 접착제는 대부분의 다른 접착제보다 얇은 관절을 만들 수 있습니다.분해가 필요한 경우 가역적(주의 깊게 가해진 힘으로 균열이 발생할 수 있을 정도의 강도 및 뜨거운 물로 제거 가능)입니다.새로운 접착제는 오래된 접착제에 달라붙기 때문에, 이음매를 수리할 때 더 독창적인 나무를 보존할 수 있습니다. (새로운 이음매가 소리를 내기 위해서는 더 현대적인 접착제를 완전히 제거해야 하는데, 일반적으로 오래된 접착제와 함께 나무를 긁어내는 것을 포함합니다.)일반적인 수리에는 이러한 부품을 제거해야 하므로 일반적으로 표면을 리브에 고정하고 너트를 핑거보드에 고정하는 데는 약하고 희석된 접착제를 사용합니다.가문비나무 상단 가장자리를 따라 흐르는 퍼플링은 가장자리에서 발생하는 균열로부터 어느 정도 보호해 줍니다.또한 상단이 리브 구조와 독립적으로 휘어질 수 있습니다.상단에 페인트를 칠한 가짜 퍼플링은 일반적으로 열등한 악기의 표시입니다.등과 갈비뼈는 전형적으로 단풍나무로 만들어지는데, 대개 불꽃, 피들백 또는 호랑이 줄무늬라고 불리는, 일치하는 줄무늬 모양을 가진 경우가 많습니다.

목은 대개 단풍나무이며, 갈비뼈와 등뼈와 비슷한 불꽃 모양을 하고 있습니다.그것은 보통 흑단으로 만들어진 핑거보드를 운반하지만, 종종 다른 나무들이 더 싼 악기들에 얼룩지거나 검게 칠해집니다.에보니는 단단함, 아름다움, 마모에 대한 우수한 저항성 때문에 선호되는 소재입니다.핑거보드는 특정 가로 곡선에 맞춰 옷을 입으며, 특히 내장이나 합성 줄에 사용될 때 아래 줄에 약간 더 뚜렷한 길이 방향의 "스쿱"(coup) 또는 오목한 부분이 있습니다.일부 오래된 바이올린(그리고 오래된 것처럼 보이도록 만든 바이올린)에는 페그박스와 목 사이의 접착제 이음매로 입증되는 접이식 두루마리가 있습니다.많은 진짜 오래된 악기들은 목을 약간 늘어난 각도로 재설정하고, 길이가 1센티미터 정도 길어졌습니다.목 이식판은 목을 현대 표준에 맞게 만들 때 원본 스크롤을 바로크 바이올린으로 유지할 수 있게 해줍니다.

플뢰르-드-리스와 함께 바이올린 테일피스의 클로즈업
바이올린교의 정면 및 후면도
f-hole을 통해 보이는 사운드 포스트

다리는 줄의 진동 길이의 하단 앵커 포인트를 형성하고 줄의 진동을 악기의 몸체에 전달하는 정밀하게 잘린 단풍나무 조각입니다.상단 곡선은 핑거보드에서 적절한 높이의 현을 호 형태로 유지하여 각각의 현을 활로 개별적으로 울릴 수 있도록 합니다.사운드 포스트, 즉 소울 포스트는 다리의 트레블 풋 근처에서 신중하게 선택한 지점에 등과 등 사이에 있는 악기 내부에 정확히 들어맞습니다.또한 기기 상단과 후면의 진동 모드에도 영향을 미칩니다.

진저 스모크 소유 바이올린 케이스

테일피스는 바닥 블록의 테이퍼진 구멍에 맞는 테일핀(첼로의 스파이크와 같이 때때로 혼란스럽게 엔드핀이라고 불리는)이라고 불리는 흑단추 주위를 고리로 하는 테일굿을 통해 줄을 바이올린의 아래 부분에 고정시킵니다.E 스트링에는 손가락으로 회전하는 작은 나사로 작동하는 미세한 튜닝 레버가 있는 경우가 많습니다.특히 학생용 악기의 다른 현에도 미세 조정기가 적용될 수 있으며 테일피스에 내장되기도 합니다.미세한 조율은 연주자가 현의 음정에 작은 변화를 줄 수 있게 해줍니다.스크롤 끝에서 줄은 페그박스 안의 나무 튜닝 페그에 감겨 있습니다.튜닝 페그는 테이퍼가 되어 페그 박스의 구멍에 끼워집니다.튜닝 페그는 나무가 나무에 마찰하는 것에 의해 제자리에 고정됩니다.끈은 금속으로 만들어지거나 덜 일반적으로 금속으로 감싼 내장이나 내장으로 만들어 질 수 있습니다.끈은 보통 끈(예를 들어, G 끈, D 끈, A 끈 또는 E 끈)을 식별하고 페그에 대한 마찰을 제공하기 위해 양 끝에 색이 있는 실크 랩핑이 있습니다.테이퍼형 페그는 플레이어가 페그를 회전시키면서 페그의 축을 따라 적절한 압력을 가함으로써 마찰을 증가시키거나 감소시킬 수 있습니다.

줄들

주요 기사:바이올린 구조 현악 부분

끈은 처음에 양의 내장(이름에도 불구하고 고양이에서 유래하지 않은 일반적으로 캣굿이라고 알려져 있음)으로 만들어졌거나, 단순히 늘이고 말리고 뒤틀린 내장으로 만들어졌습니다.20세기 초에, 끈은 내장이나 강철로 만들어졌습니다.현대의 끈은 내장, 강, 연선강, 또는 페론과 같은 다양한 합성 물질일 수 있고 다양한 금속으로 감겨 있으며 때로는 은으로 도금되기도 합니다.대부분의 E 끈은 평강 또는 도금된 강철로 풀립니다.굿 스트링들은 한때처럼 흔하지는 않지만, 많은 연주자들은 특히 역사적으로 잘 알려진 바로크 음악 연주에서 특정한 소리를 얻기 위해 그것들을 사용합니다.문자열의 수명은 제한됩니다.결국, 기름, 먼지, 부식, 그리고 로진이 축적될 때, 끈의 질량은 그 길이를 따라 불균일해질 수 있습니다.끈이 닳아서 풀리는 것과 같은 명백한 것들을 제외하고, 플레이어들은 일반적으로 더 이상 "진정한"(하모닉스에서 좋은 성조를 가진) 연주를 하지 않을 때, 원하는 음색, 명석함과 성조를 잃으면 끈을 바꿉니다.현의 장수는 현의 질과 연주 강도에 따라 달라집니다.

음역대

바이올린 G 현(foreground)의 오버톤 3차원 스펙트럼도우리가 듣는 음정은 200Hz 전후의 피크입니다.

바이올린은 음표3 G, D4, A4, E에서5 5분의 1로 조율됩니다.보통 조정되는 바이올린의 최저음은 G, 또는 중간 C (C4) 아래의 G입니다3. (흔치 않은 경우, 최저음은 4분의 1만큼 낮춰 D로3 조정될 수 있습니다.)가장 높은 음은 덜 잘 정의되어 있습니다: E7, 열린 현(E에 맞춰5 조정되는) 위의 [29]E 두 옥타브는 오케스트라 바이올린 파트의 실질적인 한계로 여겨질 수 있지만, 종종 핑거보드의 길이와 바이올리니스트의 기술에 따라 더 높은 음을 연주하는 것이 가능합니다.그러나 더 높은 음(최대8 C)은 현을 멈추고, 핑거보드의 한계에 도달하거나, 인공 고조파를 사용함으로써 울릴 수 있습니다.

음향학

주요 기사:바이올린 음향학
줄을 따라 앞뒤로 이동하는 헬름홀츠 코너.

아치형, 나무의 두께, 그리고 그것의 신체적인 특징들이 바이올린의 소리를 지배합니다.판에 일정 주파수로 진동하는 모래나 반짝이가 판에 뿌려진 마디의 패턴을 클라드니 패턴이라고 하며,[30] 루티에들은 때때로 기구를 조립하기 전에 그들의 작업을 확인하기 위해 사용합니다.

사이즈

분수()1≥16) 및 풀사이즈(4≥4) 바이올린

표준, 전체(4⁄4) 크기 이외에도, 바이올린은 또한 7⁄8, 3⁄4, 1⁄2, 1⁄4, 1⁄8, 1⁄10, 1⁄16, 1⁄32, 심지어 1⁄64의 소위 분수 크기로 만들어집니다.이러한 작은 악기들은 손가락이 일반적인 크기의 악기의 정확한 위치에 닿을 만큼 충분히 길지 않은 어린 연주자들이 흔히 사용합니다.

어떤 의미에서는 계측기의 치수와 관련이 있지만, 분수 크기는 상대적인 비율을 문자 그대로 설명하는 것이 아닙니다.예를 들어, 3/4 크기의 악기는 일반 크기의 악기 길이의 4분의 3이 아닙니다.실물 크기의 바이올린은 (목을 제외한) 몸 길이가 356mm (14.0인치)로, 일부 17세기 모델에서 더 작습니다.3⁄4 바이올린의 몸통 길이는 335mm (13.2인치)이고, 1⁄2 크기는 310mm (12.2인치)입니다.바이올린의 가장 가까운 가족 구성원인 비올라와 함께, 크기는 분수 크기가 아닌 인치 또는 센티미터 단위의 신체 길이로 지정됩니다.실물 크기의 비올라는 평균 40cm입니다.그러나, 각각의 성인은 어떤 비올라 사이즈를 사용할지 결정할 것입니다.

때때로, 작은 체구를 가진 성인은 일반 악기 대신에 소위 7/8 크기의 바이올린을 사용할 수도 있습니다.때때로 여자 바이올린이라고 불리는 이 악기들은 풀 사이즈 바이올린보다 약간 짧지만, 미세한 풀 사이즈 바이올린과 비슷한 소리를 낼 수 있는 고품질의 악기들인 경향이 있습니다.5현 바이올린 사이즈는 일반 4현과 다를 수 있습니다.

메조 바이올린

바이올린 옥텟에서 바이올린에 해당하는 악기는 메조 바이올린으로, 바이올린과 동일하게 조율되지만 조금 더 긴 몸통을 가지고 있습니다.메조 바이올린의 현은 표준 바이올린의 현과 길이가 같습니다.이 기구는 일반적으로 [31]사용되지 않습니다.

튜닝

스크롤 및 페그박스, 제대로 걸린 상태
바이올린의 열린 현의 음정.음계 이름은 음계 이름 아래에 글자 이름으로 쓰여 있고 음계 이름 위에 프랑스어 솔페주 대응어가 적혀 있습니다.G=sol; D=re; A=la; E=mi Play

스크롤 아래 페그박스의 페그를 돌리거나 테일피스의 미세 튜너 나사를 조정하여 바이올린을 조정합니다.모든 바이올린에는 페그가 있습니다. 미세 조정기(미세 조정기라고도 함)는 선택 사항입니다.대부분의 미세 튜너는 줄 끝에 부착된 레버를 움직이는 금속 나사로 구성되어 있습니다.그들은 페그보다 훨씬 더 쉽게 아주 작은 피치 조정을 허용합니다.미세 조정기를 시계 방향으로 돌리면 음정이 더 날카로워지고(현이 장력을 더 많이 받을수록), 시계 반대 방향으로 돌리면 음정이 더 평평해집니다(현이 장력을 덜 받을수록).강철심이 있는 현을 사용할 때는 4개의 현 모두의 미세한 튜너가 매우 유용하며, 일부 플레이어는 합성 현과 함께 사용합니다.현대의 E 스트링은 강철이므로 해당 스트링에는 거의 항상 미세 튜너가 장착됩니다.미세 튜너는 강철 또는 합성 코어 스트링보다 더 탄력적이고 미세 튜너의 아주 작은 움직임에도 적절하게 반응하지 않는 내장 스트링과 함께 사용되지 않습니다.

바이올린을 조정하기 위해, A 현은 먼저 표준 음정(보통 A=440 Hz)으로 조정됩니다.(피아노나 아코디언과 같은 고정 음정 악기를 반주하거나 연주할 때, 바이올린은 다른 튜닝 기준이 아닌 해당 악기의 해당 음에 맞추어 튜닝합니다.오보에는 일반적으로 바이올린이 있는 오케스트라를 조정하는 데 사용되는 악기로, 소리가 관통하고 다른 목관 악기들을 통해 들을 수 있기 때문입니다.)그런 다음 다른 줄들은 짝을 지어 절을 함으로써 완벽한 5분의 1 간격으로 서로에게 맞춰집니다.악기에 더 밝은 소리를 주기 위해 약간 더 높은 튜닝이 솔로 연주에 사용되기도 합니다. 반대로, 바로크 음악은 바이올린의 소리를 더 부드럽게 만들기 위해 더 낮은 튜닝을 사용하여 연주되기도 합니다.조정 후, 악기의 브릿지가 똑바로 서서 f-홀의 내부 닉 사이에 중심을 잡고 있는지 검사할 수 있습니다. 삐뚤어진 브릿지는 잘 만들어진 바이올린의 소리에 상당한 영향을 줄 수 있습니다.

광범위한 플레이 후 튜닝 페그와 그 구멍이 마모되어 페그가 긴장감에 미끄러지기 쉽습니다.이것은 줄의 피치가 다소 떨어지거나, 페그가 완전히 느슨해지면 줄이 완전히 긴장을 잃게 될 수 있습니다.튜닝페그가 미끄러지는 바이올린은 루티에나 바이올린 수리공에 의해 수리되어야 합니다.정기적으로 사용되는 페그 도프 또는 페그 화합물은 페그가 부드럽게 회전하면서 이러한 마모의 시작을 지연시킬 수 있습니다.

튜닝 G–D–A–E는 클래식, 재즈, 포크 음악을 포함한 대부분의 바이올린 음악에 사용됩니다.다른 조정이 사용되는 경우도 있습니다. 예를 들어, G 문자열을 A까지 조정할 수 있습니다.클래식 음악에서 표준이 아닌 튜닝을 사용하는 것은 스코다투라라고 알려져 있습니다; 일부 민속 스타일에서는 크로스 튜닝이라고 불립니다.클래식 음악에서 스코다투라의 유명한 예는 카미유 생상스의 당스 마카브레인데, 여기서 독주 바이올린의 E 현을 E♭로 조정하여 작곡에 기괴한 불협화음을 줍니다.다른 예로는 벨라 바르토크(Bela Bartok)의 콘트라스트(Contrasts) 3악장, E현이 E♭로 조율되고 G가 G♯로 조율되는 니콜로 파가니니(Niccolò Paganini)의 제1바이올린 협주곡, 그리고 각각의 악장이 다른 코드다투라 조율을 갖는 비베르(Biber)의 미스터리 소나타(Mystery Sonatas)가 있습니다.

인도 클래식 음악과 인도 경음악에서 바이올린은 남인도 스타일의 D♯–A♯–D♯–A♯로 조정될 가능성이 높습니다.인도 클래식 음악에는 절대적인 음정의 개념이 없기 때문에, 음악가들은 이러한 현들 사이의 상대적인 음정 간격을 유지하기 위해 어떠한 편리한 튜닝을 사용할 수 있습니다.이러한 간격을 가진 또 다른 일반적인 튜닝은 인도의 카르나틱 클래식 음악 스타일에서 Sa-Pa-Sa-Pa에 해당하는 B♭–F–B♭–F입니다.북인도 힌두스타니 양식에서, 조율은 대개 Sa-Pa-Pa-Pa-Pa-Pa-Pa-Pa-Pa-Pa-Pa-Pa-Pa-Pa-Pa-Pa-Pa-Pa-Pa-Pa-Pa-Pa.예를 들어 F–B♭–F–B♭에 해당할 수 있습니다.이란의 클래식 음악과 이란의 경음악에서 바이올린은 다스트가의 다른 조율을 통해, 다스트가흐 에스파한이나 다스트가흐 슈리스(E–A–D–E), 다스트가흐 마후리스(E–A–D–A)에서 조율될 가능성이 높습니다.아랍 고전 음악에서, A와 E 줄은 전체 단계, 즉 G-D-G-D에 의해 낮아집니다.이것은 아랍어 맥캠, 특히 4분음조가 들어있는 맥캠을 쉽게 연주하기 위해서입니다.

대부분의 바이올린은 4개의 문자열을 가지고 있지만, 추가적인 문자열을 가진 바이올린이 있습니다.어떤 것들은 7개나 되는 줄을 가지고 있습니다.일반적으로 현악기에서 사용할 수 있는 최대 현의 수는 7개로 간주되며, 현이 7개 이상일 경우 활을 가지고 특정한 안쪽 현을 개별적으로 연주하는 것은 불가능합니다.7개의 줄을 가진 바이올린은 매우 희귀합니다.이러한 바이올린의 추가 문자열은 일반적으로 G 문자열보다 음정이 낮으며, 이러한 문자열은 일반적으로 C, F 및 B♭로 조정됩니다.만약 악기의 연주 길이 또는 너트에서 브리지까지의 줄 길이가 일반적인 풀 스케일 바이올린과 동일하다면, 즉, 13인치(33cm)보다 약간 작다면, 바이올린이라고 적절히 호칭될 수 있을 것입니다.일부 그러한 악기들은 다소 길기 때문에 비올라로 간주되어야 합니다.5현 이상의 바이올린은 일반적으로 재즈나 포크 음악에 사용됩니다.어떤 주문 제작 악기들은 휘어진 현의 진동 때문에 휘어진 것이 아니라 동정적으로 들리는 여분의 현을 가지고 있습니다.

활

주요 기사:활 (음악)과 바이올린 제작 (활)
바이올린 활 세 개의 머리: (상부) 과도 (F)투르테), 18세기 긴 모형의 백조지갑 머리, 17세기 모형의 파이크 머리

바이올린은 보통 말머리 리본이 달린 막대기와 양쪽 끝에 있는 개구리 (또는 너트, 발뒤꿈치) 사이로 구성된 활을 사용하여 연주됩니다.일반적인 바이올린 활은 전체적으로 75cm (30인치)이고, 무게는 약 60g (2.1온스)입니다.Viola bow는 약 5mm(0.20인치) 더 짧고 10g(0.35온스) 더 무겁습니다.개구리 끝에는 나사 조절기가 머리카락을 조이거나 풀어줍니다.개구리 바로 앞에는 그립이라고 불리는 가죽 엄지 쿠션이 있고, 와인딩은 스틱을 보호하고 플레이어의 손을 강하게 잡아줍니다.전통적인 감김은 와이어(종종 은 또는 도금된 은), 비단 또는 베일렌(고래 뼈, 현재는 황갈색과 검은색 플라스틱 조각으로 대체됨)으로 되어 있습니다.일부 섬유유리 학생용 활은 플라스틱 소매를 잡고 감는 용도로 사용합니다.

활털은 전통적으로 회색 수컷 말(주로 흰 털을 가진 말)의 꼬리에서 유래합니다.몇몇 저렴한 활들은 합성 섬유를 사용합니다.단단한 로진을 머리카락에 문지르면 머리카락이 약간 끈적거리게 됩니다. 활을 끈에 걸쳐 당길 때, 그들 사이의 마찰이 머리카락을 진동시킵니다.더 비싼 활막대의 전통적인 재료로는 뱀나무와 브라질 나무(페르남부코 나무라고도 함)가 있습니다.최근의 활 디자인 혁신 중 일부는 모든 수준의 장인정신으로 탄소 섬유(CodaBows)를 스틱에 사용합니다.학생들을 위한 저렴한 활은 덜 비싼 목재나 유리섬유로 만들어집니다.

놀기

주요 기사:바이올린 기교

자세

한 남자가 공원 벤치에서 바이올린을 연주하고 있습니다.

바이올린은 앉거나 서서 연주합니다.솔로 연주자들은 (혼자 연주하든, 피아노로 연주하든, 오케스트라와 함께 연주하든) 대부분 서서 연주합니다 (이츠학 펄먼의 경우와 같은 신체적 장애에 의해 예방되지 않는 한).이와 대조적으로 오케스트라와 실내악에서는 대개 앉아서 연주합니다.2000년대와 2010년대에, 바로크 음악을 연주하는 몇몇 오케스트라들(프라이부르크 바로크 오케스트라와 같은)은 그들의 바이올린과 비올라, 독주와 합주를 모두 기립하여 연주하게 했습니다.

바이올린을 잡는 일반적인 방법은 왼쪽 턱이 바이올린의 턱걸이에 놓이는 것이며, 왼쪽 어깨에 받치고, 종종 어깨 받침대(또는 어깨 받침대로 고생하는 어린 연주자들을 위한 스폰지와 탄성 밴드)에 의해 보조됩니다.왼손이 높은 위치(지판 위 멀리 높은 음조)에서 낮은 위치(페그박스에 가까운)로 이동할 때, 바이올린이 안정적으로 유지될 수 있도록 턱과 어깨가 충분히 단단히 고정되어 있어야 합니다.인도 자세에서 바이올린은 발 옆에 놓인 족자에 의해 안정성이 보장됩니다.

선생님들은 좋은 자세의 중요성을 플레이의 질을 위해서 그리고 반복적인 긴장 부상의 가능성을 줄이기 위해서 지적하지만, 좋은 자세가 무엇인지 그리고 그것을 어떻게 달성할 것인지에 대한 조언은 세부적으로 다릅니다.하지만 모두 긴장이나 경직이 없는 자연스러운 여유로운 자세의 중요성을 주장합니다.거의 보편적으로 권장되는 것은 왼손의 손가락이 자유롭게 움직일 수 있도록 왼쪽 손목을 곧게 유지하고 부상의 가능성을 줄이고 한쪽 어깨를 자연스럽게 편안한 자세로 유지하고 둘 중 하나를 과장되게 올리는 것을 피하는 것입니다.이것은 다른 부당한 긴장과 마찬가지로 운동의 자유를 제한하고 부상의 위험을 증가시킬 것입니다.

훈칭은 몸의 균형을 잃고 어깨가 올라가기 때문에 좋은 경기를 방해할 수 있습니다.건강하지 못한 긴장에서 오는 또 다른 징후는 바이올린을 잡을 때 너무 많은 압력을 나타내는 왼손의 통증입니다.

왼손 및 피치 생산

첫번째 위치의 손가락.이 다이어그램에는 "첫 번째 위치" 노트만 나와 있습니다.표시된 것 이상으로 높은 음역대의 음역대가 있습니다.

왼손은 손가락 끝으로 핑거보드에 대고 "멈춤"(누름)으로써 현의 음정을 결정하고, 따라서 현의 음정을 결정합니다.바이올린은 기타처럼 현을 멈추게 할 수 있는 장치가 없기 때문에, 좋은 성조(튜닝)로 연주하기 위해서는 현 위에 손가락을 올려놓을 위치를 정확하게 알아야 합니다.초보 바이올린 연주자들은 오픈 현과 가장 낮은 위치, 너트에 가장 가까운 곳에서 연주합니다.학생들은 종종 A장조나 G장조처럼 비교적 쉬운 키로 시작합니다.학생들은 음계와 간단한 멜로디를 배웁니다.음계와 아르페지오의 연습과 귀 훈련을 통해, 바이올리니스트의 왼손은 결국 근육 기억에 의해 직관적으로 음을 "찾습니다"

초보자들은 적절한 왼손 손가락 배치를 위해 핑거보드 위에 놓인 테이프에 의존하기도 하지만, 보통 그들이 앞으로 나아갈 때 빠르게 테이프를 버립니다.일반적으로 사용되는 또 다른 표시 기술은 몇 주 동안의 정기적인 연습 후에 닳아 없어지는 손가락 보드의 흰색 점을 사용합니다.불행히도 이 방법은 적절한 귀 훈련 대신에 사용되어 귀가 아닌 눈으로 손가락을 배치하도록 유도합니다.특히 연주를 배우는 초기 단계에서는 이른바 '링톤'이 유용합니다.첫 번째 위치에는 9개의 이러한 음이 있는데, 정지된 음이 다른 (열린) 현과 함께 유니슨 또는 옥타브로 울려서 공감적으로 울려 퍼지게 합니다.학생들은 이 벨소리들을 사용하여 중단된 음이 열린 줄과 조화를 이루는지 확인함으로써 중단된 음의 성조를 확인하는 경우가 많습니다.예를 들어, G 현에서 정지된 음정 "A"를 연주할 때, 바이올리니스트는 정지된 "A"의 억양을 확인하기 위해 열린 D 현을 동시에 연주할 수 있습니다.만약 "A"가 동조한다면, "A"와 열린 D열은 조화로운 완벽한 4번째 줄을 만들어내야 합니다.

바이올린은 완벽한 4분의 1로 조율되는 더블 베이스를 제외한 모든 오케스트라 현(바이올린, 비올라, 첼로)처럼 완벽한 5분의 1로 조율됩니다.이후의 각 음은 연주자가 가장 조화로운 음정으로 인식하는 음정에서 정지됩니다. "무반주일 때, [바이올리니스트]는 강화된 음계나 자연스러운 음계로 일관되게 연주하지 않고, 전체적으로 피타고라스 [32]음계에 순응하는 경향이 있습니다."바이올린 연주자들이 현악 4중주나 현악 오케스트라에서 연주할 때, 현들은 일반적으로 그들이 연주하고 있는 키에 맞게 조율을 "달게" 합니다.피아노와 같이 동등한 기질에 맞추어 조율된 악기를 연주할 때, 숙련된 바이올린 연주자들은 불일치하는 음을 피하기 위해 그들의 조율을 피아노의 동등한 기질에 맞추어 조정합니다.

일반적으로 악보와 에뛰드북과 같은 음악 표기법에서 손가락은 1(인덱스)부터 4(작은 손가락)까지 번호가 매겨집니다.특히 바이올린 음악의 교습판에서, 음 위의 숫자는 어떤 손가락을 사용할지를 나타낼 수 있고, 0 또는 O는 열린 줄을 나타냅니다.오른쪽 차트는 첫 번째 위치에 도달할 수 있는 노트 배열을 보여줍니다.이 차트에는 손가락이 너트에서 위로(피치 단위) 이동함에 따라 노트 위치 간의 간격이 가까워지는 방식이 표시되지 않습니다.차트의 측면에 있는 막대는 첫 번째, 두 번째, 세 번째, 네 번째 손가락에 있는 초보자의 테이프 배치에 대한 일반적인 가능성을 나타냅니다.

포지션

왼손을 핑거보드에 배치하는 것은 "포지션"으로 특징지어집니다.대부분의 초보자들이 시작하는 첫 번째 포지션은 (일부 방법은 세 번째 포지션에서 시작하지만) 현악에서 가장 일반적으로 사용되는 포지션입니다.청소년 오케스트라를 시작하기 위해 작곡된 음악은 대부분 1위를 차지합니다.표준 튜닝에서 이 위치에서 사용할 수 있는 가장 낮은 음은 열린 G3입니다. 첫 번째 위치에서 가장 높은 음은 E-스트링의 네 번째 손가락으로 재생되며, B5 소리가 납니다.손을 목 위로 움직이면, 첫 번째 손가락이 두 번째 손가락을 대신하여 플레이어가 두 번째 위치에 오르게 됩니다.첫 번째 손가락이 세 번째 손가락의 첫 번째 위치를 차지하도록 하면 플레이어는 세 번째 위치로 이동합니다.손의 움직임과 관련된 위치의 변화를 시프트(shift)라고 하며, 정확한 억양과 부드러운 레가토(연결된) 사운드를 유지하는 효과적인 시프트는 모든 수준에서 기술의 핵심 요소입니다.종종 가이드 핑거(guide finger)가 사용되는데, 이전 위치에서 음을 재생하는 마지막 손가락은 시프트 과정에서 줄을 계속 가볍게 터치하여 결국 새 위치에서 올바른 위치에 오르게 됩니다.기본 변속 연습에서 "가이드 핑거"는 종종 현을 미끄러지듯 위 또는 아래로 미끄러지면서 목소리를 내기 때문에 플레이어는 귀로 올바른 위치를 설정할 수 있습니다.이러한 연습 외에는 거의 들리지 않아야 합니다(연주자가 표현적인 이유로 의식적으로 포문토 효과를 적용하지 않는 한).

낮은 위치에서 이동하는 동안 왼손의 엄지손가락은 손가락에 대해 같은 위치를 유지하도록 기기의 목 위 또는 아래로 이동합니다(손의 움직임은 손가락의 움직임 이전 또는 이후에 약간 발생할 수 있음).이러한 위치에서 엄지손가락은 흔히 플레이어가 어떤 위치에 있는지를 정의하는 위치를 가진 '앵커'로 생각됩니다.매우 높은 위치에서 엄지손가락은 기구의 몸체가 방해가 되어 손가락으로 움직일 수 없습니다.대신 엄지는 목이 몸의 올바른 한 바퀴와 만나는 지점에 앉기 위해 기구의 목 주위에서 일하며 손가락이 높은 위치 사이를 이동하는 동안 그 자리에 남아 있습니다.

위치의 정상 나침반 밖에서 아무런 이동 없이 재생되는 음을 확장이라고 합니다.예를 들어, A 줄의 세 번째 위치에서 손은 자연스럽게 첫 번째 손가락을 D♮에, 네 번째 손가락은 G♮ 또는 G♯에 앉습니다.첫 번째 손가락을 다시 아래쪽으로 뻗거나, 네 번째 손가락을 A♮까지 뻗으면 확장이 됩니다.확장자는 일반적으로 한두 개의 음이 견고한 위치에서 약간 벗어나 쉬프트나 스트링 교차보다 덜 간섭적이라는 이점을 제공하는 경우에 사용됩니다.바이올린에서 가장 낮은 위치는 "하프 포지션"이라고 불립니다.이 위치에서 첫 번째 손가락은 "낮은 첫 번째 위치"(예: A 스트링의 B♭)에 있고, 네 번째 손가락은 정규 위치에서 아래로 연장되어 있습니다(예: A 스트링의 Dθ). 다른 두 손가락은 필요에 따라 그 사이에 배치됩니다.엄지손가락의 위치는 일반적으로 첫 번째 위치와 같은 "반쪽 위치"이기 때문에, 진짜 위치보다는 손 전체를 뒤로 뻗은 것으로 생각하는 것이 더 좋습니다.

바이올린 음역의 상한은 크게 한 줄에 2옥타브 이상, 악기 전체로는 4옥타브 이상을 쉽게 연주할 수 있는 연주자의 실력에 따라 결정됩니다.직급명은 주로 하위직과 메소드 북 및 에뛰드에 사용되며, 이 때문에 7번째 직급보다 높은 것을 언급하는 경우는 흔하지 않습니다.사실상 가장 높은 자리는 13위입니다.매우 높은 위치는 두 가지 이유로 특정한 기술적 과제입니다.첫째, 서로 다른 음의 위치 차이가 높은 위치에서 훨씬 좁아져 음의 위치를 찾기가 더 어렵고 어떤 경우에는 귀로 구별하기가 더 어렵습니다.둘째로, 매우 높은 위치에서 현의 소리 길이가 훨씬 짧다는 것은 효과적으로 악기를 소리를 내는 데 있어 오른팔과 활의 어려움입니다.악기가 미세할수록(그리고 값이 비쌀수록), E현의 가장 높은 음조로 핑거보드 상단에 좋은 음조를 유지할 수 있습니다.

열린 D 아래 노트를 제외한 모든 노트를 둘 이상의 문자열로 재생할 수 있습니다.이것은 현악기의 표준적인 디자인 특징이지만, 88개의 음표마다 한 곳씩만 있는 피아노와는 다릅니다.예를 들어, 바이올린의 open A의 음은 open A로 연주할 수도 있고, D현(첫 번째부터 네 번째 위치) 또는 심지어 G현(6번째부터 9번째 위치까지 매우 높음)으로 연주할 수도 있습니다.각각의 스트링은 스트링들의 서로 다른 무게(두께)와 다른 열린 스트링들의 공명 때문에 서로 다른 음질을 갖습니다.예를 들어, G 현악은 흔히 후기 낭만주의 음악에 특히 적합한 매우 꽉 찬, 소리가 나는 소리를 가진 것으로 여겨집니다.이것은 종종 음악에서 sul G 또는 IV(네 번째 현에서 연주하는 것을 나타내는 로마 숫자; 관례에 따라, 현은 가장 얇고 높은 음높이(I)에서 가장 낮은 음높이(IV)까지 번호가 매겨집니다.악보에 명시적인 지시가 없어도 상급 바이올리니스트는 자신의 재량과 예술적 감성을 활용해 특정 음표나 구절을 어떤 현으로 연주할지 선택하게 됩니다.

문자열 열기

끈을 손가락으로 막지 않고 구부리거나 뽑으면 열린 끈이라고 합니다.이것은 정지된 줄과 다른 소리를 내는데, 줄이 손가락 아래보다 너트에서 더 자유롭게 진동하기 때문입니다.또한, 열린 줄에 완전히 비브라토를 사용하는 것은 불가능합니다. (부분적인 효과는 인접한 줄에 한 옥타브의 음을 멈추고 진동시켜 비브라토의 요소를 오버톤에 도입함으로써 달성될 수 있습니다.)고전적 전통에서, 바이올린 연주자들은 작곡가에 의해 언급되지 않는 한, 열린 현에 의해 도입된 음색의 변화를 피할 수 있도록 하기 위해 종종 현 교차 또는 위치 이동을 사용할 것입니다.이것은 종종 거친 소리를 갖는 것으로 간주되는 열린 E에 특히 해당합니다.그러나 예술적 효과를 위해 오픈 스트링을 특별히 선택할 수 있는 경우도 있습니다.이것은 오르간의 드론을 모방한 클래식 음악에서 볼 수 있습니다(J. S. Bach, 그의 파르티타 인 E for solo violin에서 이것을 달성했습니다). 바이올린을 만지작거리거나(예: 회다운), 열린 현을 피하기 위한 조치를 취하는 것이 음악적으로 부적절한 곳(예: 위치 이동이 덜 일반적이었던 바로크 음악에서).음계나 아르페지오의 빠른 구절에서 음표가 울리고 가혹한 음색을 발달시킬 시간이 없다면 단순히 편리를 위해 열린 E 문자열을 사용할 수도 있습니다.포크 음악, 바이올린, 그리고 다른 전통 음악 장르에서, 오픈 스트링은 보통 그들의 울림을 위해 사용됩니다.

열린 현을 인접한 현에 정지된 음과 동시에 연주하면 백파이프 같은 드론이 나오는데, 작곡가들이 포크 음악을 모방해 자주 사용합니다.때로는 두 음이 동일할 때도 있으며(예를 들어 열린 A 스트링에 손가락으로 손가락으로 A를 연주하는 것과 같이), 울리는 "fiddleing" 소리가 납니다.특히 오케스트라 연주에서 더 많은 음량이 필요할 때 동일한 정지음과 동시에 열린 문자열을 재생할 수도 있습니다.어떤 클래식 바이올린 파트에는 작곡가가 바이올린 연주자에게 열린 현을 연주해 달라고 요청하는 음이 있는데, 그것은 열린 현에 의해 만들어진 특정한 음조 때문입니다.

더블 스톱, 트리플 스톱, 코드와 드론

이중 멈춤은 두 개의 분리된 줄이 손가락에 의해 멈추고 동시에 절을 하는 것으로, 두 개의 연속적인 음조(일반적인 간격은 3rds, 4rds, 5rds, 6rds, 옥타브)를 생성합니다.더블 스톱은 어느 위치에서나 표시할 수 있지만, 한 위치에서 자연스럽게 더블 스톱할 수 있는 가장 넓은 간격은 옥타브(아래 줄에 검지, 위쪽 줄에 핑키 손가락이 있음)입니다.그러나 고급 레퍼토리에서는 10분의 1이나 그 이상의 간격이 필요한 경우가 있어 손가락을 뻗은 상태에서 왼쪽 자세를 취하는 경우가 있습니다."더블 스톱(double stop)"이라는 용어는 손가락 하나만 줄을 멈춘다 하더라도 손가락으로 열린 줄을 소리내는 것을 포함할 때 자주 사용됩니다.

세 개 또는 네 개의 동시 음표가 표시되는 경우, 바이올리니스트는 일반적으로 코드를 "분할"하여 먼저 연주할 하위 한 개 또는 두 개의 음표를 선택한 후 바로 상위 한 개 또는 두 개의 음표로 계속 진행하며, 악기의 자연적인 공명은 네 개의 음표가 모두 동시에 음성화된 경우와 유사한 효과를 생성합니다.어떤 상황에서는, 3개의 스트링에 걸친 3개의 음이 동시에 음성화될 수 있는 "트리플 스톱"이 가능합니다.활은 자연스럽게 세 줄을 한 번에 치는 것은 아니지만, 바이올리니스트가 세 줄의 화음을 '깨어'(소리)할 때 충분한 활의 속도와 압력이 있다면, 활 머리를 세 줄에 일시적으로 구부려 각각 동시에 울릴 수 있습니다.이것은 전형적으로 개구리 근처의 무거운 스트로크로 이루어지며, 크고 공격적인 음색을 만들어냅니다.오케스트라에서 더블 스톱은 때때로 디바이시(division)로 표시되고 연주자들 사이에 나뉘는데, 어떤 음악가들은 낮은 음을 연주하고 어떤 음악가들은 높은 음을 연주합니다.바이올린이 반주를 하고 다른 악기나 섹션이 선율적으로 연주할 때, 관현악 레퍼토리에서 더블 스탑(및 디바이시)이 일반적입니다.

역사적으로 정통한 공연의 일부 장르(보통 바로크 음악과 그 이전의 음악)에서 스플릿 코드나 트리플 스톱 코드는 적절하지 않다고 생각됩니다. 일부 바이올린 연주자들은 모든 코드(정규적인 더블 스톱 포함)를 아르페지하여 마치 흐린 그림처럼 모든 또는 대부분의 음을 개별적으로 연주합니다.하지만 현대 바이올린의 발달로 다리가 덜 휘어져서 3중 멈춤이 자연스러워졌습니다.일부 음악 스타일에서, 주로 인접한 스트링에 쓰여진 구절 동안 기본적인 반주를 제공하기 위해 지속적인 오픈 스트링 드론을 재생할 수 있습니다.이것은 클래식 음악보다 민속 전통에서 더 자주 볼 수 있습니다.

비브라토

바이올린으로 파가니니의 카프리스 24번을 연주하는 요네모토 교코
Petrowitsch Bissing은[33] 바이올린의 비브라토법 강사였고 "바이올린 비브라토 [34]음색의 배양"이라는 책을 출판했습니다.

비브라토(Vibrato)는 맥동하는 리듬에 음의 음정이 은은하게 변하는 왼손과 팔의 기술입니다.손이나 팔의 다양한 부분이 움직임에 관련될 수 있지만, 그 결과 진동하는 끈 길이에 약간의 변화를 가져오는 손가락 끝의 움직임이 피치의 기복을 유발합니다.대부분의 바이올린 연주자들은 음 이하로 진동하거나, 비브라토를 사용할 때 실제 음에서 더 낮은 음으로 진동합니다. 왜냐하면 지각은 다양한 [35]소리에서 가장 높은 음을 선호한다고 믿어지기 때문입니다.비브라토는 음정이 맞지 않는 음을 감추기 위해 거의 하지 않습니다. 다시 말해서, 비브라토를 잘못 바르면 좋은 억양을 대체할 수 없습니다.음계와 성조 작업을 위한 다른 운동들은 일반적으로 작업을 더 쉽고 효과적으로 하기 위해 진동자 없이 진행됩니다.음악을 전공하는 학생들은 종종 음악에서 달리 표시되지 않는 한 비브라토를 가정한다고 배웁니다.그러나 이것은 단지 유행일 뿐이고 바이올린 연주자들이 비브라토를 첨가하도록 강요하는 것은 악보 상에 없습니다.이것은 시대 양식으로 연주되는 바로크 음악과 많은 전통적인 바이올린 연주 스타일과 같이 비브라토를 거의 사용하지 않거나 전혀 사용하지 않는 스타일로 연주하기를 원하는 고전적으로 훈련된 바이올리니스트에게 장애가 될 수 있습니다.

비브라토는 손가락, 손목 및 팔 동작의 적절한 조합으로 생성될 수 있습니다.손 비브라토(또는 손목 비브라토)라고 불리는 한 가지 방법은 진동을 얻기 위해 손목에서 손을 뒤로 흔드는 것입니다.반대로 팔 비브라토는 팔꿈치의 움직임에 의해 음높이를 조절합니다.이 기술들의 조합은 플레이어가 다양한 음색 효과를 낼 수 있게 해줍니다.바이올린 비브라토의 "언제"와 "무엇을 위한" 그리고 "얼마만큼"은 스타일과 취향의 예술적인 문제이며, 다른 선생님, 음악 학교 그리고 다른 스타일의 비브라토를 선호합니다.예를 들어, 과도한 비브라토는 주의를 산만하게 할 수 있습니다.음향학적 측면에서, 비브라토가 사운드에 추가하는 흥미는 음의 변화에 따라 오버톤[36] 믹스(또는 톤 컬러, 또는 음색)와 사운드 투사의 방향 패턴이 변화하는 방식과 관련이 있습니다.비브라토는 리듬감 있는 방식으로 방의[37][38] 여러 부분의 소리를 "지킴"으로써 잘 만들어진 바이올린의 소리에 "시머" 혹은 "살기"를 더합니다.비브라토는 상당 부분 바이올리니스트의 재량에 맡겨져 있습니다.다양한 종류의 비브라토는 작품에 다른 분위기를 가져다 줄 것이고, 다양한 정도와 스타일의 비브라토는 종종 유명한 바이올리니스트들에게 눈에 띄는 특징입니다.

진동수

진동자와 같은 움직임은 때때로 빠른 트릴 효과를 만들기 위해 사용될 수 있습니다.이 효과를 실행하기 위해 음을 멈추게 하는 손가락 위에 있는 손가락이 현에서 아주 살짝 떨어져서 놓이게 되고(현을 멈추게 하는 손가락에 단단히 눌리게 됨), 진동 운동이 구현됩니다.두 번째 손가락은 진동할 때마다 아래 손가락 위의 줄에 가볍게 닿아서 음정이 넓은 진동음과 매우 빠른 진동음이 섞인 것처럼 들리는 방식으로 진동하게 됩니다.이것은 높은 음과 낮은 음 사이의 덜 정의된 전이를 제공하며, 대개 해석적인 선택에 의해 구현됩니다.이 트릴 기법은 높은 위치(음간의 거리가 줄어드는 곳)에 있는 반음조 트릴이나 트릴에만 효과적인데, 이는 트릴링 손가락과 그 아래의 손가락이 닿아야 하기 때문에 트릴링할 수 있는 거리를 제한하기 때문입니다.트릴 거리가 손가락 폭보다 작은 매우 높은 위치에서는 진동이 트릴 효과를 위한 유일한 옵션일 수 있습니다.

하모닉스

바이올린 소리와 기교
오픈 스트링(아르코 및 피자토)

대규모 스케일(아르코 및 피자토)
비브라토가 있는 A 메이저 스케일의 시작
대학생을 위한 대규모 음계 연주
A, E, A 의 자연스러운 조화
A의 인공7(허위) 고조파

A 스트링의 고조파 글리산도 – 566KB.
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하모닉 노드에서 손끝으로 현을 가볍게 터치하지만, 현을 완전히 누르지 않고, 현을 뽑거나 구부리면 하모닉이 생성됩니다.일반적인 음색 대신 고음이 울립니다.각 노드는 문자열의 정수 분할(예: 문자열의 길이를 따라 절반 또는 1/3)에 있습니다.응답 악기는 스트링의 길이를 따라 수많은 가능한 고조파 노드를 울립니다.화성학은 화성의 음정을 결정하는 음표 위에 작은 원이 있는 음악이나 다이아몬드 모양의 음표 헤드로 표시됩니다.하모닉에는 자연적인 하모닉과 인공적인 하모닉이 있습니다.

자연의 하모니는 열린 줄 위에서 연주됩니다.열린 끈을 뽑거나 구부릴 때의 음정을 기본 주파수라고 합니다.하모닉은 오버톤 또는 파셜이라고도 불립니다.이들은 기본값의 정수 배수에서 발생하며, 이를 첫 번째 조화라고 합니다.두 번째 고조파는 첫 번째 오버톤(열린 문자열 위의 옥타브), 세 번째 고조파는 두 번째 오버톤 등입니다.두 번째 화성은 현의 중간에 있으며 현의 음정보다 한 옥타브 높게 들립니다.세 번째 화성은 현을 3분의 1로 나누고 기본음보다 1/5 높은 소리를 내고, 네 번째 화성은 첫 번째 화성보다 2옥타브 높은 소리를 4분의 1로 나눕니다.두 번째 고조파의 소리는 그 중에서도 가장 선명한데, 그 이유는 그 소리가 뒤이은 모든 짝수의 고조파(4번째, 6번째 등)를 가진 공통 노드이기 때문입니다.세 번째와 이어지는 홀수 화성학은 현을 홀수 개의 진동 부분으로 분해하고 다른 화성학과 노드 수를 공유하지 않기 때문에 연주하기가 더 어렵습니다.

인공 고조파는 현을 정지시키는 것과 정지된 음으로 화음을 연주하는 것을 모두 수반하기 때문에 자연 고조파보다 더 만들기 어렵습니다.네 번째 손가락이 정지된 음보다 4분의 1 높은 현을 터치하는 옥타브 프레임(어떤 주어진 위치에서 첫 번째 손가락과 네 번째 손가락 사이의 정상 거리)을 사용하면 정지된 음보다 2옥타브 높은 네 번째 고조파가 생성됩니다.손가락 배치 및 압력, 활 속도, 압력 및 사운드 포인트는 모두 원하는 고조파를 소리로 전달하는 데 필수적입니다.그리고 문제를 더하기 위해, 거짓 화성법으로 연주되는 다른 음들이 있는 부분에서, 정지 손가락과 화성 손가락 사이의 거리는 끊임없이 변해야 합니다. 음들 사이의 간격이 줄의 길이를 따라 변하기 때문입니다.

하모닉 핑거는 눌려진 노트 위의 큰 3분의 1(제5 고조파) 또는 5분의 1(제3 고조파)에서 터치할 수도 있습니다.이러한 고조파는 덜 일반적으로 사용됩니다. 장음 세 번째의 경우 정지음과 터치음 모두 약간 날카롭게 재생해야 합니다. 그렇지 않으면 고조파가 쉽게 말을 하지 못합니다.다섯 번째의 경우, 많은 바이올린 연주자들이 편안한 것보다 스트레칭이 더 큽니다.일반 레퍼토리에서는 6분의 1보다 작은 분수는 사용되지 않습니다.그러나 때때로 8분의 1까지의 디비전이 사용되기도 하며, 좋은 악기와 숙련된 플레이어가 주어지면 12분의 1만큼 작은 디비전도 가능합니다.바이올린 화성학 연구에만 전념하는 책이 몇 권 있습니다.1928년 심록이 발표한 헨리크 헬러의 7권 화성론과 1934년 리코르디가 발표한 미켈란젤로 아바도의 5권 테크니카 데이 수오니 아르모니키.

인공 화성학의 정교한 구절들은 특히 19세기와 20세기 초반의 거장 바이올린 문학에서 찾을 수 있습니다.이것의 두 가지 주목할 만한 예는 비토리오 몬티의 차르다시의 전체 부분과 표트르 일리치 차이콥스키의 바이올린 협주곡 제3악장의 중간을 향한 부분입니다.파가니니의 바이올린 협주곡 1번 제3악장의 한 부분은 화성학에서 두 번으로 중단된 세 번째 악장으로 구성되어 있습니다.

끈이 마모되고 더럽고 오래되면 화음이 더 이상 정확하지 않을 수 있습니다.이러한 이유로, 바이올린 연주자들은 정기적으로 현을 바꿉니다.

오른손 톤 컬러

현은 오른손으로 잡은 활의 머리카락을 가로채거나(아르코), 오른손으로 가장 자주 뽑거나(피자카토) 소리를 낼 수 있습니다.어떤 경우에는 바이올린 연주자가 왼손으로 현을 뽑습니다.이것은 피자에서 아르코 놀이로의 전환을 용이하게 하기 위해 행해집니다.그것은 몇몇 거장들의 쇼 작품에도 사용됩니다.왼손 피자는 보통 열린 줄로 만듭니다.피자카토는 모든 바이올린 가족 악기에 사용됩니다. 그러나 선진적인 피자카토 기술에 대한 체계적인 연구는 악기가 거의 독점적으로 뽑히는 스타일인 재즈 베이스에서 가장 발전되었습니다.

오른팔, 손, 활과 활의 속도는 음질, 리듬, 역학, 조음, 그리고 음색의 대부분의 (전부는 아니지만) 변화에 책임이 있습니다.플레이어는 활을 현 위로 끌어당겨 현이 진동하고 지속적인 음색을 내도록 합니다.활은 송진을 한 막대로 묵은 말꼬리에 힘을 준 나무 막대기입니다.말털의 자연스러운 질감과 송진의 끈끈함은 활이 현을 잡는 데 도움을 주고, 활이 현 위에 그려질 때 활이 현을 울리게 합니다.

절은 길게 지속되는 음표나 멜로디를 만드는데 사용될 수 있습니다.끈 섹션을 사용하면 섹션의 플레이어가 서로 다른 시간에 활을 바꾸면 노트가 한없이 지속 가능한 것처럼 보일 수 있습니다.또한, 활은 많은 스타일의 음악에서 추진력 있는 리듬을 제공하는 반복되는 음표, 음계, 아르페지오와 같은 짧고 간결한 작은 음들을 연주하는 데 사용될 수 있습니다.

활을 쏘는 기술

활을 잡는 기술에서 가장 중요한 부분은 활 잡는 것입니다.그것은 보통 개구리와 활의 감는 사이의 작은 부분에서 엄지손가락을 구부리고 있습니다.다른 손가락들은 활의 윗부분을 가로질러 다소 고르게 펴져 있습니다.손가락 끝이 나사 옆의 나무 위에 놓여진 채로 핑키 손가락은 말려져 있습니다.바이올린은 활의 속도가 더 높거나 줄에 무게를 더 주면서 더 큰 음을 만들어냅니다.이 두 방법은 서로 다른 음색을 내기 때문에 동등하지 않습니다. 줄을 누르면 더 가혹하고 더 강렬한 소리를 내는 경향이 있습니다.활을 다리에 더 가까이 놓음으로써 더 큰 소리를 낼 수도 있습니다.

활이 현과 교차하는 소리 지점은 음색(또는 "톤 컬러")에도 영향을 미칩니다.다리(술 폰티첼로) 가까이에서 연주하면 평소보다 더 강렬한 소리가 나면서 고조된 화성을 강조하고, 손가락판 끝에 활을 대고 연주하면 섬세하고 천상적인 소리가 나면서 기본적인 진동수를 강조합니다.스즈키 신이치는 이 사운딩 포인트를 크라이슬러 고속도로라고 불렀습니다. 사람들은 다른 사운딩 포인트를 고속도로의 차선이라고 생각할지도 모릅니다.

활을 이용한 다양한 공격 방법은 서로 다른 관절을 만들어냅니다.모든 범위의 플레이 스타일을 허용하는 많은 활 기술이 있습니다.많은 선생님, 연주자, 오케스트라는 그룹 내에서 기술을 개발하고 통일된 기술을 만드는데 많은 시간을 보냅니다.이러한 기술은 레가토 스타일의 활 (멜로디에 적합한 부드럽고 연결된 지속적인 소리), 콜레, 그리고 리코셰, 사우틸레, 마르텔레, 스피카토, 스타카토를 포함한 더 짧은 음을 내는 다양한 활을 포함합니다.

피자카토

피자라고 표시된 쪽지.(pizzicato의 약칭) 글로 쓰인 음악은 절을 하는 것보다 오른손 손가락으로 줄을 뽑아서 연주하는 것입니다.(여기서는 검지가 가장 일반적으로 사용됩니다.)때때로 활을 잡는 오케스트라 파트나 거장 솔로 음악에서 (또는 과시 효과를 위해) 왼손 피자는 음표 아래 또는 위에 + (플러스 기호)로 표시됩니다.왼손 피자에서, 두 손가락은 줄 위에 올려집니다; 한 손가락(보통 검지 또는 중지)은 정확한 음표 위에 올려지고, 다른 손가락(보통 약지 또는 작은 손가락)은 음표 위에 올려집니다.그러면 높은 손가락은 끈을 뽑고 낮은 손가락은 끈을 당기면 정확한 음정이 나옵니다.풀의 힘을 증가시킴으로써 줄이 만들어내는 음량을 증가시킬 수 있습니다.피자카토는 오케스트라 작품과 솔로 쇼 작품에 사용됩니다.관현악 파트에서, 바이올린 연주자들은 종종 아르코에서 피자로, 그리고 그 반대로 매우 빠른 이동을 해야만 합니다.

콜레뇨

쓰여진 음악에서 콜레뇨(이탈리아어로 "나무와 함께"라는 뜻) 표시는 활의 머리카락을 줄에 걸쳐 그리는 것이 아니라 활의 막대기로 현을 치는 것을 요구합니다.이 활을 쏘는 기술은 거의 사용되지 않으며, 따라서 조용한 타악기 소리가 나게 됩니다.일부 교향곡, 특히 베를리오즈의 교향곡 판타스틱 마지막 악장의 "마녀들의 춤"에서 대학을 연주하는 바이올린 섹션의 기괴한 특성이 활용됩니다.생상스의 교향시 당스 마카브레는 춤추는 해골의 소리를 모방하기 위해 콜레뇨 기법을 사용한 현악기 부분을 포함합니다.구스타프 홀스트의 "행성"에 나오는 "화성"은 시간 기호에 따라 반복되는 리듬을 연주하기 위해 대학생을 사용합니다.Benjamin Britten의 The Young Person's Guide to the Orchestra는 "퍼커션" 변주곡에 사용할 것을 요구합니다.드미트리 쇼스타코비치는 14번 교향곡 '산테 감옥에서'라는 악장에서 이 곡을 사용합니다.그러나 몇몇 바이올린 연주자들은 이러한 연주 방식이 마무리를 손상시키고 훌륭한 활의 가치를 손상시킬 수 있기 때문에 반대하지만, 그러한 대부분은 적어도 문제의 곡이 진행되는 동안에는 값싼 활을 사용함으로써 타협할 것입니다.

디텍테

스트로크의 시작부터 [39]끝까지 활의 속도와 무게가 동일한 매끄럽고 고른 스트로크.

마르텔레

말 그대로 망치질을 하는 것으로, 활을 한 번씩 강하게 그리고 갑자기 풀어서 강한 향을 내는 효과입니다.마르텔레는 활의 어느 부분에서나 플레이할 수 있습니다.그것은 때때로 화살촉에 의해 쓰여진 음악으로 표시됩니다.

트레몰로

트레몰로(Tremolo)는 매우 빠른 반복(일반적으로 하나의 음이지만 여러 개의 음이 있는 경우도 있음)으로, 보통 활 끝에서 연주됩니다.트레몰로는 음의 줄기를 가로지르는 세 개의 짧고 비스듬한 선으로 표시되어 있습니다.트레몰로는 관현악, 특히 낭만주의 음악 시대 (1800-1910)와 오페라 음악에서 효과음으로 자주 사용됩니다.

음소거 또는 소디노

임시옷 핀 뮤트와 고무연습 뮤트

뮤트 혹은 소르디노라고 불리는 작은 금속, 고무, 가죽 혹은 나무 장치를 바이올린의 다리에 부착하면, 더 부드럽고 부드러운 음색을 얻을 수 있고, 들리는 오버톤은 더 적습니다; 뮤트로 연주하는 전체 오케스트라 현악 부분의 소리는 조용한 품질을 가집니다.음소거는 바이올린의 음색과 음색을 모두 바꿉니다.음소거 사용에 대한 전통적인 이탈리아 표시는 '음소거가 없는'을 의미하는 conord. 또는 conordino입니다. 그리고 '음소거가 없는'을 의미하는 senza sord. 또는 '음소거가 없는'을 의미하는 via sord.입니다.

연습용 뮤트 또는 호텔용 뮤트로 알려진 더 큰 금속, 고무 또는 나무 뮤트를 널리 사용할 수 있습니다.이러한 뮤트는 일반적으로 공연에서 사용되지 않고, 호텔 방과 같은 연습 공간에서 바이올린의 소리를 죽일 때 사용됩니다. (연습 목적으로 사운드 박스가 없는 바이올린인 뮤트 바이올린도 있습니다.)어떤 작곡가들은 특별한 효과를 위해 연습 뮤트를 사용했습니다. 예를 들어, 루치아노 베리오의 솔로 바이올린을 위한 Sequenza VIII의 마지막 부분에서 말이죠.

음악 스타일

주요 기사:바이올린 인 뮤직

클래식 음악

바로크 작곡가 텔레만의 두 바이올린 소나타.비교적 전형적인 바로크 바이올린 작곡으로, 원래는 비브라토를 덜 사용해서 연주되었을 것입니다.
1919년에 녹음된 마스넷의 오페라 타이스에서 명상을 연주하는 미샤 엘만.포르타멘토, 루바토, 비브라토를 아낌없이 사용하고 악기의 높은 레지스터를 가진 바로 그 레가토 스타일의 연주는 낭만주의 후기의 바이올린 연주의 전형입니다.

바로크 시대 이래로, 바이올린은 몇가지 이유로 고전음악에서 가장 중요한 악기들 중 하나였습니다.다른 악기보다 바이올린의 음색이 돋보여서 멜로디 라인을 연주하기에 적합합니다.훌륭한 연주자의 손에, 바이올린은 매우 민첩하고, 빠르고 어려운 음의 순서를 실행할 수 있습니다.

바이올린은 오케스트라의 큰 부분을 차지하며, 보통 첫 번째 바이올린과 두 번째 바이올린으로 알려진 두 섹션으로 나뉩니다.작곡가들은 종종 첫 번째 바이올린에 멜로디를 할당하는데, 일반적으로 더 높은 위치를 사용하는 더 어려운 부분입니다.이와 대조적으로, 두 번째 바이올린은 첫 번째 바이올린보다 한 옥타브 낮은 화음, 반주 패턴 또는 멜로디를 연주합니다.현악 4중주는 비올라 부분뿐만 아니라 첫 번째 바이올린과 두 번째 바이올린을 위한 부분을 가지고 있으며 첼로나 드물게 더블 베이스와 같은 베이스 악기를 가지고 있습니다.

재즈

바이올린을 독주 악기로 사용하는 재즈 연주에 대한 최초의 언급은 20세기의 첫 10년 동안 기록되어 있습니다.최초의 재즈 바이올린 연주자 중 한 명인 조 베누티는 1920년대에 기타리스트 에디 랭과 함께 작업한 것으로 유명합니다.그 이후로 스테판 그라펠리, 스터프 스미스, 에디 사우스, 레지나 카터, 조니 프리고, 존 블레이크, 아담 타우비츠, 르로이 젠킨스, 장뤼크 폰티 등 많은 즉흥 바이올린 연주자들이 있어왔습니다.주로 재즈 바이올린 연주자들은 아니지만, 다롤 앵거와 마크 오코너는 그들 경력의 상당 부분을 재즈를 연주하며 보냈습니다.스위스계 쿠바인 바이올리니스트 일리안 카니자레스는 재즈와 쿠바 [40]음악을 혼합합니다.

바이올린 또한 오케스트라 배경을 많은 재즈 녹음에 제공하는 앙상블에 등장합니다.

인도 고전 음악

인도 바이올린은 본질적으로 서양 음악에 사용되는 악기와 같은 악기이지만,[41] 어떤 의미에서는 다릅니다.이 악기는 IV와 III 현(서양 조율된 바이올린의 G와 D)과 II와 I(A와 E) 현이 사파(도-솔) 쌍이 되도록 조정되며 소리는 같지만 옥타브로 상쇄되어 G3-D4-G4-D5 또는 A3-E4-E5와 같은 일반적인 코드다투라 또는 피들 교차 조율과 유사합니다.성악사(do)는 고정된 것이 아니라 보컬리스트나 리드 플레이어를 수용하기 위해 다양하게 조정됩니다.음악가가 악기를 잡는 방법은 서양 음악부터 인도 음악까지 다양합니다.인도 음악에서 음악가는 오른발을 앞으로 내밀고 다리를 꼬고 바닥에 앉습니다.기기의 스크롤은 발 위에 놓여 있습니다.이 포지션은 인도 음악의 특성상 잘 연주하기 위해 꼭 필요한 포지션입니다.손은 핑거보드 전체에 걸쳐 움직일 수 있고 왼손을 위한 정해진 위치가 없기 때문에 바이올린이 안정적이고 움직이지 않는 위치에 있는 것이 중요합니다.

대중음악

2012년 TEDx 버클리에서 공연하는 린지 스털링.

적어도 1970년대까지 대부분의 대중음악은 활 모양의 현악기를 사용했습니다.그것들은 1920년대와 1930년대 초에 걸쳐 대중음악에서 광범위하게 사용되었습니다.하지만, 1935년부터 1945년까지 스윙 음악의 성장과 함께, 스트링 사운드는 종종 빅 밴드 음악의 충만함을 더하기 위해 사용되었습니다.스윙 시대 이후 1940년대 후반부터 1950년대 중반까지 전통 대중음악에서 현악기가 부활하기 시작했습니다.이 경향은 1960년대 후반에 특히 소울 음악에서 현의 사용이 크게 부활하면서 가속화되었습니다.1960년대 후반과 1970년대의 인기있는 모타운 음반은 트레이드마크 질감의 일부로 줄에 크게 의존했습니다.

1980년대에 전자적으로 만들어진 음악의 등장과 함께, 신시사이저를 가진 키보드 연주자에 의해 재생되는 합성 스트링 사운드가 자리를 잡으면서 바이올린의 사용이 감소했습니다.그러나, 바이올린은 주류 록 음악에서 거의 사용되지 않았지만, 프로그레시브 록(예: 일렉트릭 라이트 오케스트라, 킹 크림슨, 캔자스, 젠틀 자이언트)에서 약간의 역사를 가지고 있습니다.이 악기는 현대 재즈 퓨전 밴드, 특히 The Corrs에서 더 강한 위치를 차지하고 있습니다.

20세기 말부터 시작된 크로스오버 음악의 인기는 인기 밴드가 전기 바이올린과 음향 바이올린을 모두 사용하면서 바이올린을 대중 음악 무대로 다시 불러들였습니다.데이브 매튜스 밴드에는 바이올리니스트 보이드 틴슬리가 출연합니다.플록에는 나중에 재즈 록 퓨전 밴드인 마하비슈누 오케스트라에 합류한 바이올리니스트 제리 굿맨이 등장했습니다.기타리스트이기도 한 제임스의 사울 데이비스는 바이올리니스트로 밴드에 입대했습니다.

포크 메탈 밴드 Ithilien은 그들의 [42]디스코그래피를 따라 광범위하게 바이올린을 사용합니다.프로그레시브 메탈 밴드 네 오블리시스카리스는 바이올린 연주자 팀 찰스를 그들의 [43]라인업에 등장시킵니다.

Owen Pallett, The Shondes, Andrew Bird와 같은 독립 예술가들도 [44]악기에 대한 관심을 증가시켰습니다.인디 밴드들은 종종 새롭고 특이한 편곡들을 받아들여서, 많은 주류 음악 예술가들보다 바이올린을 더 자유롭게 연주할 수 있게 했습니다.린지 스털링은 일렉트로닉/더브스텝/트랜스 리프 및 [45]비트와 함께 바이올린을 연주합니다.

에릭 스탠리는 힙합 음악/팝/클래식 [46][47]요소와 악기 비트로 바이올린을 즉흥적으로 연주합니다.성공적인 인디 록과 바로크 팝 밴드인 아케이드 파이어는 바이올린을 그들의 [48]편곡에 광범위하게 사용합니다.

민속음악과 바이올린

주요 기사:피들
1904년 앤더스 존이 그린 바이올린 연주자 힌스 앤더스 에르손

클래식 음악에 사용되는 다른 많은 악기들처럼, 바이올린은 민속 음악에 사용되었던 먼 조상들로부터 내려온 것입니다.주로 이탈리아에서, 후기 르네상스의 집중적인 발전의 단계 이후, 바이올린은 예술 음악에서 매우 중요한 악기가 되었을 정도로 (음량, 음색, 민첩성에서) 향상되었고, 민속 음악가들에게도 매우 매력적이라는 것이 증명되었고, 궁극적으로 매우 널리 퍼졌습니다.때로는 이전의 활로 된 악기를 교체하기도 합니다.민족 음악학자들은 유럽, 아시아, 아메리카 대륙에서 널리 사용되는 것을 관찰했습니다.

민속 악기로 연주될 때, 바이올린은 보통 영어로 바이올린이라고 불립니다 (비록 바이올린이라는 용어는 어떤 장르의 음악이든 비공식적으로 사용될 수 있습니다).전세계적으로 휠 피들과 아파치 피들과 같은 다양한 현악기들이 있는데, 이는 또한 "피들"이라고도 불립니다.피들 음악은 일반적으로 댄스 [49]음악으로 간주되고, 특정 스타일에 맞는 드론, 셔플링, 장식 등 다양한 기술이 사용된다는 점에서 고전 음악과 다릅니다.민속 음악의 많은 전통에서, 곡조들은 쓰이지 않고 후세의 음악가들에 의해 기억되고 구전 전통이라고 알려진 것으로 전해집니다[49].많은 오래된 조각들은 교차 조정 또는 표준 GDA 이외의 조정을 요구합니다.블루그래스나 올드타임과 같은 미국 스타일의 포크 바이올린 연주자들은 다리의 윗부분 가장자리를 약간 평평한 곡선으로 잘라 다른 끈 쌍의 더블 스톱 사이를 번갈아 가며 사용하는 데 필요한 동작 범위를 줄여주기 때문에 "더블 셔플"과 같은 기술은 활 팔에 부담을 덜 줍니다.견고한 강철 코어 스트링을 사용하는 바이올린 연주자들은 많은 클래식 연주자들이 사용하는 E 스트링의 단일 미세 튜너 대신, 네 개의 스트링 모두에 미세 튜너가 있는 테일피스를 사용하는 것을 선호할 수 있습니다.

아랍 음악

아랍 라바 뿐만 아니라, 바이올린은 아랍 음악에도 사용되어 왔습니다.

전기 바이올린

주요 기사:일렉트릭 바이올린
음향 및 전기 바이올린

전기 바이올린에는 줄 진동을 전기 신호로 변환하는 자기 또는 압전 픽업이 있습니다.패치 케이블 또는 무선 송신기는 신호를 PA 시스템의 증폭기로 보냅니다.전기 바이올린은 보통 그렇게 구성되지만, 픽업은 기존의 음향 바이올린에 추가될 수 있습니다.전기적 요소와 독립적으로 청취 수준의 소리를 내는 공명체를 가진 전기 바이올린을 전기 음향 바이올린이라고 부를 수 있습니다.음향 바이올린으로서 효과적이기 위해, 전기 음향 바이올린은 바이올린의 공명하는 몸체의 많은 부분을 보유하고 있고, 종종 음향 바이올린이나 바이올린과 비슷합니다.몸체는 밝은 색으로 마감될 수 있고 대체 재료로 나무로 만들어질 수 있습니다.이러한 바이올린은 계측기 앰프 또는 PA 시스템에 연결해야 할 수도 있습니다.어떤 타입은 연주자가 바이올린에 연결된 헤드폰을 사용할 수 있는 무음 옵션과 함께 제공됩니다.최초의 특수 제작된 전기 바이올린은 1928년까지 거슬러 올라가며, 빅터 필, 오스카 비얼링, 조지 아이젠버그, 벤자민 마이스너, 조지 보챔프, 휴고 베니오프 그리고 프레드레이 키슬링버리에 의해 만들어졌습니다.이 바이올린들은 왜곡, 와와 페달, 리버브를 포함한 전기 기타처럼 효과 단위에 꽂을 수 있습니다.전기 바이올린은 소리를 증폭시키기 위해 줄 장력과 공명에 의존하지 않기 때문에 더 많은 줄을 가질 수 있습니다.예를 들어, 여러 제조사에서 5현 전자 바이올린을 구입할 수 있으며, 7현 전자 바이올린(첼로의 음역을 포함하는 3개의 낮은 현이 있는)도 구입할 [50]수 있습니다.최초의 전기 바이올린 연주자들의 대다수는 재즈 퓨전과 대중 음악을 연주하는 음악가들이었습니다.

바이올린 인증

주요 기사:바이올린 인증

바이올린 인증은 바이올린의 제조사와 제조일자를 결정하는 과정입니다.특정 제조사 또는 특정 시간과 장소에서 만든 바이올린에 상당한 가치가 부여될 수 있기 때문에 이는 중요한 프로세스가 될 수 있습니다.바이올린은 디자인, 모델, 나무의 특성, 바니쉬 질감 등을 분석하여 [51]인증할 수 있습니다.위조 및 기타 부정한 허위 표시 방법은 기기의 가치를 부풀리는 데 사용될 수 있습니다.

참고 항목

메모들

  1. ^ 비올리노 피콜로와 포체트를 포함한 더 작은 바이올린 종류의 악기들이 존재하지만, 이것들은 사실상 사용되지 않습니다.

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  38. ^ Weinreich, Gabriel (December 16, 1996). "Directional tone color" (PDF). Acoustical Society of America. The effect can be visualized in terms of a number of highly directional sound beacons, all of which the vibrato causes to undulate back and forth in a coherent and highly organized fashion. It is obvious that such a phenomenon will help immensely in fusing sounds of the differently directed partials into a single auditory stream; one may even speculate that it is a reason why vibrato is used so universally by violinists—as compared to wind players, from the sound of whose instruments directional tone color is generally absent.
  39. ^ Fischer, Simon (1999). "Detache". Strad. 110: 638 – via Music Index.
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  • Gasparo da Salò architetto del suono by Flavio Dassenno, (2009) 유명한 거장의 삶과 작품에 대한 정보를 제공하는 전시의 카탈로그, Commune di Salò, Cremonabooks, 2009.
  • Grillet, Laurent (1901). Les ancetres du violon v.1. Paris.

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