스티브 라이히

Steve Reich
1976년 6월 홀랜드 페스티벌의 스티브 라이히

스티븐 마이클 라이히(/ra ɪʃ, 1936년 10월 3일 ~ )는 1960년대 중후반 미니멀 음악 발전에 기여한 것으로 유명한 미국의 작곡가입니다. 라이히의 작품은 반복적인 피규어, 느린 화성 리듬, 그리고 캐논을 사용한 것이 특징입니다. 라이히는 그의 에세이 "점진적 과정으로서의 음악"에서 이 개념을 설명하며, "나는 인지할 수 있는 과정에 관심이 있다. 저는 그 과정을 소리 나는 음악 전체에서 들을 수 있기를 원합니다." 예를 들어, 그의 초기 연구는 위상 이동을 실험했는데, 하나 이상의 반복되는 문구가 다른 문구보다 느리게 또는 빠르게 재생되어 "위상 이탈"을 유발합니다. 이는 인지 가능한 흐름으로 새로운 음악 패턴을 만듭니다.[6]

그의 혁신은 초기 작곡인 It's Gonna Rain (1965)과 Come Out (1966)에서와 같이 테이프 루프를 사용하여 페이징 패턴을 만드는 것과 진자 음악 (1968)과 Four Organs (1970)에서와 같이 간단하고 들을 수 있는 프로세스를 사용하는 것을 포함합니다. 1978년 18명의 음악가들을 위한 음악을 녹음하는 것은 미니멀리즘을 운동으로 정착시키는 데 도움이 될 것입니다.[7] 라이히의 작품은 1980년대에 그의 유대인 유산인 다른 기차(1988)의 주제뿐만 아니라 역사적 주제가 도입되면서 더 어두운 성격을 띠었습니다.

라이히의 작곡 스타일은 특히 미국에서 많은 현대 작곡가와 그룹에 영향을 미쳤습니다. 음악 평론가 앤드류 클레멘츠는 가디언지에 글을 쓰면서 라이히가 "음악사의 방향을 바꿨다고 합법적으로 주장할 수 있는 소수의 살아있는 작곡가" 중 한 명이라고 제안했습니다.[8]

요절기

라이히는 뉴욕에서 브로드웨이 작사가 준 실먼과 레너드 라이히라는 유대인 부모에게서 태어났습니다. 그가 한 살 때, 그의 부모님은 이혼했고, 라이히는 그의 시간을 뉴욕과 캘리포니아로 나누었습니다. 그는 작가 조나단 캐롤의 이복동생입니다.[9] 그는 어린 시절 피아노 레슨을 받았고, 1750년 이전이나 1900년 이후에 쓰여진 음악을 전혀 접하지 못한 채 "중산층이 가장 좋아하는" 사람들과 함께 성장했다고 묘사합니다. 그는 14세에 20세기의 음악뿐만 아니라 바로크 시대와 그 이전의 음악을 듣고 본격적으로 음악을 공부하기 시작했습니다.[10] 라이히는 재즈를 연주하기 위해 롤랜드 콜로프와 드럼을 공부했습니다. 코넬 대학교에 재학 중, 그는 음악을 부전공했고 1957년 철학 학사 학위를 받았습니다.[11] 라이히의 B.A. 논문은 루트비히 비트겐슈타인에 관한 것이었습니다;[12] 나중에 그는 속담(1995)과 당신은 변주곡(2006)에서 그 철학자의 텍스트를 음악으로 설정했습니다.

졸업 후 1년 동안 라이히는 홀 오버턴과 함께 개인적으로 작곡을 공부한 후 줄리아드[13] 입학하여 윌리엄 버그스마빈센트 페르시체티 (1958–1961)와 함께 작업했습니다. 그 후, 그는 캘리포니아 오클랜드에 있는 밀스 칼리지에 입학하여 루치아노 베리오, 다리우스 밀하우드 (1961–1963)와 함께 공부하고 작곡 석사 학위를 취득했습니다. 밀스에서 라이히는 1986년 세 개의 LP로 발매된 Music from Mills에 등장한 멜로디카와 테이프를 위한 멜로디카를 작곡했습니다.[14]

라이히는 폴린 올리버로스, 라몬 센더, 모튼 수보트닉, 필 레시, 테리 라일리와 함께 샌프란시스코 테이프 뮤직 센터와 함께 일했습니다.[15] 그는 라일리의 In C 초연에 참여했고, 현재 이 곡의 연주에 있어 표준인 8음 펄스의 사용을 제안했습니다.

직업

1960년대

라이히의 초기 작곡 진출은 12음 조성에 대한 실험을 포함했지만, 그는 음정 측면보다 숫자 12의 리듬적 측면이 더 흥미롭다는 것을 발견했습니다.[16] 라이히는 또한 Robert Nelson의 세 영화인 Plastic Hairt (1963), Oh Dem Sumperons (1965), 그리고 Thick Pucker (1965)를 위한 영화 사운드트랙을 작곡했습니다. 1963년에 작곡된 Plastic Hairt의 사운드트랙은 짧은 테이프 콜라주였으며, 아마도 라이히 최초였을 것입니다. 수박 사운드 트랙은 두 개의 19세기 음유시인 곡을 기본으로 사용했으며, 큰 5부 캐논에서 반복적인 프레이즈를 함께 사용했습니다. Thick Pucker를 위한 음악은 흑백 16mm로 촬영한 Nelson과 함께 Reich가 샌프란시스코를 돌아다니며 만든 길거리 녹음에서 비롯되었습니다. 이 영화는 더 이상 살아남지 못합니다. 1965년의 네 번째 영화인 "Thick Pucker II"는 약 25분 길이로 잠정적으로 제목이 붙여졌고, 넬슨은 그 촬영의 테이크아웃과 라이히가 녹음한 더 많은 원시 오디오를 조립했습니다. Nelson은 결과적인 영화에 만족하지 않았고 그것을 결코 보여주지 않았습니다.

라이히는 동료 미니멀리스트 테리 라일리(Terry Riley)의 영향을 받았는데, 그의 작품 In C는 단순한 음악 패턴을 시간적으로 상쇄하여 천천히 변화하는 응집력 있는 전체를 만들어냈습니다. 라이히는 그의 첫 번째 주요 작품인 "It's Gonna Rain"을 작곡하기 위해 이 접근법을 채택했습니다. 1965년에 작곡된 이 작품은 브라더 월터로 알려진 흑인 오순절 거리 설교자가 한 세상의 종말에 대한 설교의 한 조각을 사용했습니다. 라이히는 초기 테이프 작업을 바탕으로 조각의 마지막 세 단어인 "비가 올 거야!"를 서로 위상이 점차 어긋나는 여러 테이프 루프로 옮겼습니다.[17]

13분짜리 Come Out(1966)은 경찰에 의해 심한 부상을 입은 억울한 할렘 식스 중 한 명인 다니엘 햄이 제공한 한 줄의 유사하게 조작된 녹음을 사용합니다.[18] 구타를 당한 생존자는 자신의 구타에 대해 경찰을 설득하기 위해 자신의 몸에 멍이 들었습니다. 구어선에는 "타박상의 피가 밖으로 나와 그것들을 보여주기 위해"라는 문구가 포함되어 있습니다. 라이히는 "그들을 보여주러 나와"라는 단편을 두 개의 채널에서 녹음했는데, 처음에는 이 채널들이 일제히 재생되었습니다. 그들은 빠르게 동기화에서 벗어나며, 점차 불일치가 확대되고 잔향이 됩니다. 그런 다음 두 목소리는 4개로 갈라지고, 계속 반복된 다음 8개로 반복되며, 실제 단어가 이해할 수 없을 때까지 계속 갈라지고, 듣는 사람은 말의 리듬 패턴과 음조 패턴만 남게 됩니다.

멜로디카(1966)는 그의 이전 작품들의 위상 루프 아이디어를 악기 음악에 적용합니다. 스티브 라이히(Steve Reich)는 간단한 멜로디를 가져다가 멜로디카로 연주한 다음 녹음했습니다. 그런 다음 멜로디를 두 개의 다른 채널로 설정하고 천천히 위상을 벗어나 복잡한 연동 멜로디를 만듭니다. 이 작품은 리드미컬한 구조에서 Come Out과 매우 유사하며, 하나의 리드미컬한 과정이 어떻게 다른 소리로 구현되어 두 개의 다른 음악 작품을 만들 수 있는지 보여주는 예입니다. 라이히는 1966년 5월 22일 꿈에서 영감을 얻어 이 작품을 작곡하고 하루 만에 작품을 조립했습니다. 멜로디카는 라이히가 오로지 테이프만을 위해 작곡한 마지막 작품이었고, 그는 그것을 테이프 음악에서 기악 음악으로의 전환이라고 생각합니다.[19]

라이히가 이 페이징 기법을 녹음된 테이프에서 라이브 연주로 번역하기 위한 첫 번째 시도는 1967년 피아노 페이즈(Piano Phase), 두 대의 피아노를 위한 것이었습니다. Piano Phase에서 연주자들은 처음에는 일제히 빠른 12음 선율의 인물을 반복합니다. 한 플레이어가 로봇 정밀도로 템포를 유지하기 때문에 다른 플레이어는 두 부분이 다시 정렬될 때까지 매우 약간의 속도를 올리지만 16분의 1음 차이가 납니다. 그런 다음 두 번째 플레이어가 이전 템포를 다시 시작합니다. 속도를 올렸다가 다시 잠그는 이 사이클은 작품 전체에 걸쳐 계속됩니다. 이 사이클은 세 번 전체 원이 되고, 두 번째 사이클과 세 번째 사이클은 초기 그림의 더 짧은 버전을 사용합니다. 또한 1967년에 쓰여진 바이올린 페이즈는 이와 같은 선 위에 지어졌습니다. 피아노 페이즈바이올린 페이즈는 모두 뉴욕 미술관에서 열린 일련의 콘서트에서 초연되었습니다.

이 소위 프로세스 음악의 유사하고 덜 알려진 예로는 펜더 뮤직(Pendar Music, 1968)이 있으며, 이는 여러 개의 마이크가 부착된 라우드 스피커 위를 스윙하여 피드백을 생성하는 소리로 구성됩니다. "Pendulum Music"은 라이히가 직접 녹음한 적이 없지만, 1990년대 후반에 소닉 유스에 의해 록 관객들에게 소개되었습니다.

라이히는 또한 "인간의 몸 밖에서는 어떤 기구도 필요하지 않은" 작품에서 위상 효과를 만들어 내려고 노력했습니다. 그는 단계적인 아이디어가 소리를 내기 위해 실험하는 간단한 방법에 부적절하다는 것을 발견했습니다. 대신, 그는 연주자들이 서로 단계적으로 드나들지 않고, 대신에, 한 연주자는 12-8음 길이의 (12-quaver-long)[20] 구절의 한 줄을 유지하고, 다른 연주자는 12마디마다 1-8음씩 교대하여, 나중에 두 연주자가 모두 144마디로 통일될 때까지.

1967년 원형 작품인 슬로우 모션 사운드크리스 휴즈가 27년 후 라이히에서 영향을 받은 1994년 앨범 시프트에서 슬로우 모션 블랙버드로 공연했음에도 불구하고 공연되지 않았습니다. 그것은 음정이나 음색을 바꾸지 않고 녹음된 소리를 원래 길이의 몇 배까지 늦추는 아이디어를 도입했는데, 라이히는 증강을 특별히 다루는 Four Organs(1970)에 적용했습니다. 이 곡은 마라카스가 빠른 8분음표 펄스를 연주하는 반면, 네 개의 장기는 11화음을 사용하여 특정 8분음표를 강조합니다. 따라서 이 작품은 반복과 미묘한 리듬 변화를 다루었습니다. 라이히의 전형적인 순환 구조와 대조적으로, 4개의 장기는 선형 구조를 사용하는 데 있어 그의 작업 중에서 독특합니다. 표면적으로 유사한 위상 패턴은 4개의 장기에 대해서도 있지만 마라카스가 없는 (이름에서 알 수 있듯이) 그 기간 동안 구성된 다른 것들과 유사한 순환 위상 조각입니다. 포 오르간보스턴 심포니 오케스트라 프로그램의 일환으로 공연되었으며, 라이히가 대규모 전통적인 환경에서 공연한 최초의 작곡이었습니다.

1970년대

1970년 라이히는 가나에서 음악을 공부하기 위해 5주간의 여행을 시작했고, 그 기간 동안 마스터 드러머 기드온 알로워이로부터 배웠습니다. 라이히는 또한 1973년과 1974년에 시애틀에서 발리 가믈란을 공부했습니다.[21][when?] 그의 아프리카 경험뿐만 아니라 에웨족의 음악에 대한 A.M.Jones아프리카 음악 연구에서 라이히는 그가 돌아온 직후 작곡한 90분짜리 작품인 드럼으로 영감을 얻었습니다. 여성 목소리와 피콜로가 있는 9개의 타악기 앙상블을 위해 작곡된 드럼밍은 그의 경력에서 새로운 무대의 시작을 알렸습니다. 이 시기에 그는 그의 앙상블인 스티브 라이히와 음악가들을 결성했고 그들과 함께 작곡과 공연에 점점 더 집중했습니다. 여러 해 동안 그의 작품을 해석하는 유일한 앙상블이 될 스티브 라이히와 음악가들은 여전히 많은 원년 멤버들과 함께 활동하고 있습니다.[citation needed]

드럼 연주 이후 라이히는 자신이 개척했던 "위상 전환" 기술에서 벗어나 더 정교한 작품을 쓰기 시작했습니다. 그는 증강(악구와 멜로디 조각의 시간적 연장)과 같은 다른 음악적 과정을 조사했습니다. 이 시기에 그는 Music for Mallet Instruments, Voices and Organ (1973)과 Six Piano (1973)와 같은 작품을 썼습니다.

1974년, 라이히는 18명의 음악가들을 위한 음악을 작곡하기 시작했습니다. 이 작품은 많은 새로운 아이디어가 포함되어 있지만 이전 작품도 회상합니다. 이 곡은 처음에 도입된 11개의 화음의 주기("Puls")에 기초하고 있으며, 이어서 각 화음을 기초로 한 작은 부분의 음악("Section I-XI"), 그리고 마지막으로 원래의 주기("Puls")로 되돌아갑니다. 이것은 더 큰 앙상블을 위해 라이히가 처음으로 시도한 글이었습니다. 연주자의 증가는 라이히를 매료시킨 정신음향 효과의 범위를 더 넓히는 결과를 낳았고, 그는 "이 아이디어를 더 탐구하고 싶다"고 언급했습니다. 라이히는 이 한 작품이 처음 5분 동안 자신이 쓴 어떤 작품보다 화성적인 움직임을 더 많이 담고 있다고 말했습니다. Steve Reich and Musics는 ECM Records에서 이 작업의 최고 녹음을 했습니다.

라이히는 그의 자주 녹음되는 곡들인 Music for a Large Ensemble (1978)과 Octet (1979)에서 이러한 생각들을 더 탐구했습니다. 이 두 작품에서 라이히는 "음악적 지속 시간의 척도로서 인간의 숨결"을 실험했습니다. 트럼펫이 연주하는 화음은 연주할 때 편안한 숨을 쉬도록 쓰여 있습니다."[22] 인간의 목소리는 대합주곡의 음악 팔레트의 일부이지만, 말이 없는 보컬 부분은 (드럼밍에서처럼) 단순히 질감의 일부를 형성합니다. 옥텟과 그의 첫 관현악곡 "바람, 그리고 건반위한 변주곡" (1979년)으로, 라이히의 음악은 그가 1977년 여름부터 이스라엘에서 공부했던 성경 캔틸레이션의 영향을 보여주었습니다. 이 후, 텍스트를 노래하는 인간의 목소리는 라이히의 음악에서 점점 더 중요한 역할을 할 것입니다.

이 기법은... 기존의 멜로디 패턴을 가져와 함께 줄을 지어 성스러운 텍스트를 위해 더 긴 멜로디를 형성하는 것으로 구성됩니다. 텍스트를 제거하면 더 긴 멜로디를 만들기 위해 작은 동기를 조합해야 한다는 생각이 남게 되는데, 이는 이전에 접하지 못했던 기술입니다.[23]

1974년 라이히는 1963년에서 1974년 사이에 쓰여진 그의 철학, 미학 및 음악 프로젝트에 대한 에세이를 포함하는 음악에 관한 책을 출판했습니다. 최신의 훨씬 더 광범위한 모음집인 Writes On Music (1965–2000)은 2002년에 출판되었습니다.

1980년대

1982-1984년 경 제국

라이히의 작품은 1980년대에 그의 유대인 유산의 주제뿐만 아니라 역사적 주제가 도입되면서 더 어두운 성격을 띠게 되었습니다. 시편히브리어테힐림(Tehillim, 1981)은 라이히의 유대인 배경을 명시적으로 그린 최초의 작품입니다. 이 작품은 4부로 구성되어 있으며, 4개의 여성 목소리 앙상블(하이 소프라노 1개, 서정 소프라노 2개, 알토 1개), 피콜로, 플루트, 오보에, 잉글리시 호른 2개, 클라리넷 2개, 타악기 6개(징글 없이 조정된 작은 탬버린 연주, 박수, 마라카스, 마림바, 비브라폰, 크로테일), 전자 오르간 2개, 바이올린, 비올라, 첼로와 더블 베이스, 증폭된 목소리, 현, 바람이 있습니다. 시편 19:2-5(기독교 번역본 19:1-4), 34:13-15(34:12-14), 18:26-27(18:25-26), 150:4-6의 텍스트 설정은 형식적인 구조에서 제국의 다른 작품으로부터 벗어난 것입니다. 이전 작품에서 사용된 단편이 아닌 여러 줄의 텍스트 설정은 멜로디를 실질적인 요소로 만듭니다. 형식적인 대위법과 기능적인 조화를 사용하는 것도 이전에 쓰여진 느슨하게 구조화된 미니멀리즘 작품들과 대조됩니다.

현악 4중주와 테이프의 경우, Different Trains(1988)는 그의 초기 작품에서와 같이 녹음된 음성을 사용하지만, 이번에는 리듬적인 요소가 아닌 멜로디적인 요소로 사용합니다. '다른 기차'에서 라이히는 1939-1941년 뉴욕과 캘리포니아를 오가는 기차 여행에 대한 어린 시절의 기억과 나치 치하에서 동시대 유럽 어린이들을 죽음으로 인도하는 데 사용된 매우 다른 기차를 비교하고 대조합니다. Different Trains크로노스 콰르텟 녹음은 1990년 그래미상 클래식 컨템포러리 작곡상을 수상했습니다. 작곡은 리처드 타러스킨에 의해 "홀로코스트에 대한 유일한 적절한 음악적 반응 - 어떤 매체에서도 몇 안 되는 적절한 예술적 반응 중 하나"로 묘사되었고, 그는 이 작품이 라이히에게 20세기의 위대한 작곡가들 중 하나로 자리를 가져다 주었다고 공을 돌렸습니다.[24]

1990년대

1993년 라이히는 아내인 비디오 아티스트 베릴 코롯과 함께 이스라엘인, 팔레스타인인, 미국인의 말을 통해 유대교, 기독교, 이슬람교의 뿌리를 탐구하는 오페라 '동굴'을 협연했고, 앙상블은 음악적으로 울려 퍼졌습니다. 타악기, 목소리, 현악기를 위한 이 작품은 음악 다큐멘터리로, 현재 모스크가 세워져 있고 아브라함이 묻혔다고 전해지는 헤브론마하펠라 동굴의 이름을 따서 지어졌습니다.

라이히와 코롯은 힌덴부르크 재난, 비키니 환초에서의 핵무기 실험, 그리고 다른 현대적인 관심사들, 특히 양 돌리, 복제, 그리고 기술적인 특이점에 관한 오페라 Three Tales에 협력했습니다.

라이히는 1994년부터 Three TalesCity Life와 같은 작품들에 샘플링 기술을 사용했습니다. 라이히는 1998년 현악 4중주와 테이프, 3개의 현악 4중주 또는 36개의 현악 오케스트라에 의해 연주될 수 있는 크로노스 4중주를 위해 쓰여진 트리플 콰르텟을 시작으로 공연장을 위한 순수한 기악 작품들을 작곡하기 위해 돌아왔습니다. 라이히에 따르면, 이 작품은 바르토크알프레드 슈니트케의 현악 4중주, 마이클 고든의 요 셰익스피어의 영향을 받았다고 합니다.[25]

2000년대

공연장을 위한 기악 시리즈는 Dance Patterns (2002), Cello Counterpoint (2003), 그리고 변주곡을 중심으로 한 여러 작품들로 계속되었습니다. You Are (변주곡) (2004), Vibes, Piano, Strings위한 변주곡 (2005), Daniel Variations (2006). You AreTehillimThe Desert Music의 보컬 작곡을 돌아보는 반면, Reich가 "내가 알려진 것보다 훨씬 더 어둡다"고 불렀던 Daniel VariationsDaniel Pearl의 죽음에서 부분적으로 영감을 받았습니다.[26]

2002년에 라이히는 발터 핑크에 의해 12번째 작곡가로 라인가우 뮤직 페스티벌의 연례 콩포니스트 엔포르트레에 초대되었습니다.

2010년 12월, 노네수치 레코드인다바 뮤직은 250개가 넘는 출품작이 접수된 커뮤니티 리믹스 콘테스트를 개최했고, 스티브 라이히와 크리스찬 캐리가 결승전을 심사했습니다. 라이히는 BBC와의 인터뷰에서 일단 작품을 작곡하면 다시는 자신이 곡을 바꾸지 않을 것이라고 말했습니다. 그는 "작품이 완성되면 완성된다"고 말했습니다. 반면, 그는 리믹스가 멜로디가 새로운 노래로 더 발전한 유명한 종교 음악 작품과 같은 오래된 전통을 가지고 있다는 것을 인정했습니다.[27]

2010년대

라이히는 2011년 3월에 현악 4중주와 테이프(다른 기차의 것과 유사한 악기)를 위해 쓰여진 WTC 9/11이라는 작품을 초연했습니다. 이 곡은 미국 노스캐롤라이나주 듀크 대학교크로노스 콰르텟에 의해 공연되었습니다.[28]

2013년 3월 5일, 런던 로열 페스티벌 홀에서 브래드 러브먼이 지휘한 런던 신포니에타는 밴드 라디오헤드에서 영감을 받은 라이히의 작품인 라디오 리라이트를 세계 초연했습니다. 이 프로그램에는 또한 더블 색스텟, 박수 음악이 포함되어 있으며, 라이히 자신이 타악기 연주자 콜린 커리, 일렉트릭 카운터포인트와 함께 라이히 자신을 피처링했으며, 마츠 버그스트룀의 일렉트릭 기타와 라이히의 앙상블 작품 두 곡도 포함되었습니다.[29]

'앙상블과 오케스트라를 위한 음악'은 2018년 11월 4일 로스앤젤레스 필하모닉에 의해 월트 디즈니 콘서트 홀에서 수잔나 맬키(Susanna Mälkki)의 지휘로 초연되었으며, 30년 이상의 기간 후에 오케스트라를 위한 라이히의 작곡 복귀를 기념했습니다.[30][31]

라이히는 2006년부터 뉴욕 북부의 한 집에서 아내 베릴 코롯과 함께 살고 있습니다.[32][33]

시상식

2005년에 라이히는 에드워드 맥도웰 훈장을 받았습니다.[34][35]

라이히는 2006년 10월 프레미움 임페리얼 상 음악상을 수상했습니다.[36]

2007년 1월 25일, 라이히는 재즈 색소포니스트 소니 롤린스와 함께 2007년 폴라 음악상 수상자로 선정되었습니다.[37]

2009년 4월 20일, 라이히는 2008년 3월 26일 리치먼드에서 처음 공연된 더블 식스텟을 인정받아 2009년 퓰리처상 음악상을 수상했습니다. 표창장은 이 작품을 "주된 통제력으로 구축되고 지속적으로 귀를 사로잡는 대규모 음악 행사로 에너지의 초기 폭발을 돌리는 능력을 보여주는 주요 작품"이라고 평가했습니다.[38][39]

2011년 5월 스티브 라이히는 뉴잉글랜드 음악원에서 명예 박사학위를 받았습니다.[40]

2012년, 스티브 라이히는 미국 예술 문학 아카데미로부터 음악 부문 금상을 수상했습니다.[41]

2013년 라이히는 일상의 영역에서 사실주의적인 요소를 사용하고 아프리카와 아시아의 전통 음악에서 가져온 다른 요소를 사용하여 음악에 대한 새로운 개념을 가져온 것으로 현대 음악 분야에서 40만 달러의 BBVA Foundation Frontiers of Knowledge Award를 받았습니다.[42]

2014년 9월, 라이히는 베니스 비엔날레로부터 "Leone d'Oro" (음악 평생 공로상)를 수상했습니다.[43]

2016년 3월, 라이히는 런던 왕립 음악 대학으로부터 명예 박사 학위를 받았습니다.[44]

영향을 주다

미국의 작곡가이자 비평가인 카일 간은 라이히가 "일반적인 찬사에 의해 미국의 가장 위대한 살아있는 작곡가로 여겨질 수 있다"고 말했습니다.[45] 라이히의 작곡 스타일은 존 아담스, 프로그레시브밴드 크림슨, 뉴에이지 기타리스트 마이클 헤지스, 아트 팝과 일렉트로닉 음악가 브라이언 에노, 실험적인 예술/음악 그룹 레지던트, 일렉트로닉 그룹 언더월드를 포함한 많은 다른 작곡가들과 음악 그룹에 영향을 미쳤습니다. the composers associated with the Bang on a Can festival (including David Lang, Michael Gordon, and Julia Wolfe), and numerous indie rock musicians including songwriters Sufjan Stevens[46][47] and Matthew Healy of the 1975,[48] and instrumental ensembles Tortoise,[49][50][51] The Mercury Program,[52] and Godspeed You! '흑인 황제'(미발표곡 '스티브 라이히').[53]

존 아담스(John Adams)는 "그는 우리에게 새로운 탈 수 있는 방법을 보여준 만큼 바퀴를 발명하지 않았습니다."라고 말했습니다.[54] 그는 또한 브루스 나우만(Bruce Nauman)과 같은 시각 예술가들에게도 영향을 미쳤고, 많은 유명한 안무가들은 그의 음악에 맞추어 춤을 췄습니다. 는 특히 앤 테레사 드 키어스매커(Anne Teresa De Keersmaker)의 작품에 감탄했습니다.

1990년 트랙 리틀 플러피 클라우드(Little Fluffy Clouds)에서 라이히의 전기 카운터포인트(1987) 샘플을 선보인 영국의 앰비언트 테크노 액트 오브는 그의 음악에 새로운 세대의 청취자들을 노출시켰습니다.[55] 1999년 앨범 라이히 리믹스DJ 스푸키, 쿠티스 만트로닉, 켄 이시이, 콜드컷 등 다양한 일렉트로닉 댄스 음악 프로듀서들이 라이히의 작품을 리믹스한 것을 특징으로 합니다.[55][56]

라이히의 첼로 카운터포인트(2003)는 에밀리 쿨리(Emily Cooley)와 알렉스 바이저(Alex Weiser)의 신작을 포함하여 2017년 애슐리 바스게이트(Ashley Bathgate)가 사전 녹음한 첼로로 솔로 첼로를 위한 일련의 의뢰에 영감을 주었습니다.[57]

라이히는 종종 페로틴, J. S. 바흐, 드뷔시, 바르토크, 스트라빈스키를 그가 존경하고 그가 어렸을 때 큰 영향을 준 작곡가로 꼽습니다.[58] 재즈는 라이히의 음악 스타일 형성의 주요 부분이며, 그의 작품에 대한 초기 영향 중 두 명은 성악가 엘라 피츠제럴드알프레드 델러였으며, 그의 비브라토나 다른 변형 없이 목소리만으로 예술적인 능력을 강조하는 것은 그의 초기 작품에 영감을 주었습니다. 라이히가 "극소수의 하모니에 많은 음을 연주한다"고 묘사한 존 콜트레인의 스타일도 영향을 미쳤으며, 특히 관심을 끄는 앨범은 "기본적으로 E에서 30분"이었던 Africa/Brass였습니다.[59][failed verification] 재즈로부터 라이히의 영향은 그의 독서와 가나 방문에서 공부한 서아프리카 음악에서 비롯되었습니다. 다른 중요한 영향은 케니 클라크(Kenny Clarke)와 마일스 데이비스(Miles Davis), 그리고 솔 르윗(Sol LeWitt)과 리처드 세라(Richard Serra)와 같은 시각 예술가 친구들입니다. 라이히는 또한 그의 작곡인 '라디오 리라이트'로 이어진 밴드 '라디오헤드'의 음악을 동경한다고 말했습니다.[60]

작동하다

조성물

  • 피치 차트 가변 계측기 (1963)
  • 플라스틱 이발 테이프용 사운드트랙 (1963)
  • 이상의 피아노를 위한 음악 (1964)
  • 살림살이 (1964)
  • That's Gonna Rain 테이프 (1965)
  • 오뎀 수박테이프 사운드트랙 (1965)
  • 커밍아웃 테이프 (1966)
  • 멜로디카와 테이프를 위한 멜로디카 (1966)
  • 소프라노 색소폰 또는 기타 리드 악기와 테이프, 또는 세 개의 리드 악기를 위한 리드 페이즈 (1966)
  • 두 대의 피아노 또는 두 대의 마림바를 위한 피아노 페이즈 (1967)
  • 슬로우 모션 사운드 컨셉피스 (1967)
  • 바이올린과 테이프 또는 4대의 바이올린을 위한 바이올린 페이즈 (1967)
  • My Name Is for three tape recorder and performers (1967)
  • 3개 또는 4개의 마이크, 앰프 및 라우드 스피커를 위한 진자 음악 (1968) (1973 개정)[61]
  • 위상 이동 펄스 게이트를 위한 펄스 뮤직 (Pulse Music) (1969)
  • 4개의 로그 드럼과 위상 이동 펄스 게이트를 위한 4개의 로그 드럼 (1969)
  • 4개의 전기 기관과 마라카스를 위한 4개의 기관 (1970)
  • 4개의 전기기관에 대한 위상패턴 (1970)
  • 튜닝된 봉고 드럼 4쌍, 마림바 3개, 글로켄필 3개, 여성 목소리 2개, 휘파람과 피콜로 (1970/1971)
  • 두 명의 음악가가 박수를 치는 음악 (1972)
  • 5쌍의 조율된 클레이브를 위한 나무 조각 음악 (1973)
  • 식스 피아노(1973) – 식스 마림바(1986)로도 편곡, 식스 마림바 카운터포인트(2010)와 피아노 카운터포인트(2011)로 각색
  • Mallet Instruments, Voice and Organ위한 음악 (1973)
  • 18명의 음악가를 위한 음악 (1974–76)
  • 대합주곡 (1978, 1979년 개정)
  • Octet (1979) - 1983년 개정으로 약간 더 큰 앙상블인 팔선을 위해 탈퇴
  • 오케스트라를 위한 바람,그리고 키보드변주곡 (1979)
  • Tehillim for voices and embelance (1981)
  • 증폭 플루트와 테이프를 위한 버몬트 카운터포인트 (1982)
  • 합창과 오케스트라 또는 목소리와 앙상블을 위한 사막 음악 (1983, William Carlos Williams의 글)
  • 타악기와 키보드를 위한 Sextet (1984, Rev. 1985)
  • 증폭 클라리넷과 테이프, 또는 11개의 클라리넷과 베이스 클라리넷을 위한 뉴욕 카운터포인트 (1985)
  • 오케스트라를 위한 3악장 (1986)
  • 일렉트릭 기타 또는 증폭 어쿠스틱 기타 및 테이프용 일렉트릭 카운터포인트(1987, Pat Metheny용)
  • 오케스트라를 위한 네 개의 섹션 (1987)
  • 현악 4중주와 테이프를 위한 다양한 열차 (1988)
  • 네 개의 목소리, 앙상블과 비디오를 위한 동굴 (1993, 베릴 코롯과 함께)
  • 두 대의 바이올린과 현악 합주를 위한 듀엣 (1993, 예후디 메뉴힌 헌정)
  • 나고야 마림바 2마리 (1994년)
  • 증폭 앙상블을 위한 도시생활 (1995)
  • 목소리와 앙상블을 위한 속담 (1995, 루트비히 비트겐슈타인의 글)
  • 증폭 현악 4중주 (사전 녹음 테이프 포함) 또는 3개의 현악 4중주 또는 현악 오케스트라 (1998)
  • 4명의 여성 목소리와 2명의 탐보림을 위해 당신 위에 있는 것을 알아요 (1999)
  • 비디오 프로젝션을 위한 세 개의 이야기, 다섯 개의 목소리와 앙상블 (1998–2002, 베릴 코롯과 함께)
  • 실로폰 2대, 비브라폰 2대, 피아노 2대의 춤 패턴 (2002)
  • 증폭 첼로 및 다채널 테이프를 위한 첼로 카운터포인트 (2003)
  • 목소리와 앙상블을 위한 그대는 (변주) (2004)
  • 오케스트라를 위한 현(바람과 브라스 포함) (1987/2004)
  • 현악 4중주 3곡, 비브라폰 4곡, 피아노 2곡을 위한 Vibes, Piano, Strings 댄스곡 변주곡 (2005)
  • 4명의 목소리와 앙상블을 위한 다니엘 변주곡 (2006)
  • 바이올린 2대, 첼로 2대, 피아노 2대, 비브라폰 2대, 클라리넷 2대, 플루트 또는 앙상블 2대와 사전 녹음 테이프용 더블 Sextet (2007)
  • 드럼 세트 2대, 피아노 2대, 전기 기타 4대, 베이스 기타 2대용 2×5 (2008)[62]
  • 2개의 마림바와 2개의 비브라폰 또는 4개의 마림바를 위한 말렛 콰르텟(Mallet Quartet) (2009)
  • 현악 4중주 및 테이프용 WTC 9/11 (2010)
  • 두 대의 피아노를 위한 모자 마무리 (2011)
  • 앙상블을 위한 라디오 리라이트 (2012)
  • 2대의 비브라폰과 2대의 피아노를 위한 4중주 (2013)
  • 바람, 현, 피아노, 일렉트릭 베이스를 위한 펄스 (2015)
  • 대합주 주자 (2016)
  • 포 피아노 (2017)
  • 앙상블과 오케스트라를 위한 음악 (2018)[63]
  • 대규모 앙상블을 위한 라이히/리치터 (2019)
  • 테너 2명, 소프라노 2명, 비브라폰 2명, 피아노 1명, 바이올린 4명, 비올라 2명, 첼로 2명을 위한 여행자의 기도 (2020)

선택된 디스코그래피

필모그래피

  • Eric Darmon & Frank Mallet의 Steve Reich에 관한 영화 다큐멘터리인 Phase to Face (EuroArts, 2011) DVD

책들

  • Reich, Steve (1974). Writings About Music. Halifax: Press of the Nova Scotia College of Art and Design. ISBN 0-8147-7358-3.
  • Reich, Steve (April 1, 2002). Hillier, Paul (ed.). Writings on Music, 1965–2000. Oxford: Oxford University Press. ISBN 0-19-511171-0.
  • Reich, Steve (2022). Conversations. New York City: Hanover Square Press. ISBN 9781335425720.

참고 항목

참고문헌

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추가읽기

외부 링크

인터뷰

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