피에르 불레즈

피에르 루이스 조셉 불레즈 프랑스어 발음:[pj ɛʁ 위 ʒ오즈 ε프 불 ɛ즈](, 1925년 3월 26일 ~ 2016년 1월 5일)는 프랑스의 작곡가, 지휘자, 작가이며, 여러 음악 기관의 설립자입니다. 그는 전후 현대 클래식 음악의 지배적인 인물 중 한 명이었습니다.

프랑스 루아르 주 몽브리종에서 엔지니어의 아들로 태어난 불레즈는 파리 음악원에서 올리비에 메시앙과 함께 공부했고, 앙드레 바우라부르, 르네 레이보위츠와 함께 개인적으로 공부했습니다. 그는 1940년대 후반에 파리에 있는 Renaud-Barrault 극단의 음악 감독으로 프로 경력을 시작했습니다. 그는 아방가르드 음악의 선두적인 인물로 1950년대 통합적인 직렬주의, 1960년대 통제된 우연 음악, 1970년대 이후부터 실시간으로 기악 음악의 전자적인 변형에 중요한 역할을 했습니다. 그의 초기 작곡을 수정하는 경향은 그의 작품이 상대적으로 작다는 것을 의미했지만, 그것은 르 마르토 산 마 î트르, 플리에슬론 플리에, 레퐁스와 같은 20세기 음악의 랜드마크로 여겨지는 작품들을 포함했습니다. 모더니즘에 대한 그의 비타협적인 헌신과 그가 음악에 대한 그의 견해를 표현한 참혹하고 폴리스틱한 음색은 일부 사람들이 그를 교조주의자라고 비판하게 만들었습니다.

불레즈는 또한 그의 세대에서 가장 유명한 지휘자 중 한 명이었습니다. 60년 이상의 경력 동안, 그는 뉴욕 필하모닉과 앙상블 인터컨템포러리의 음악 감독, BBC 심포니 오케스트라의 수석 지휘자, 시카고 심포니 오케스트라와 클리블랜드 오케스트라의 수석 객원 지휘자였습니다. 그는 빈 필하모닉, 베를린 필하모닉, 런던 심포니 오케스트라를 포함한 많은 다른 오케스트라와 자주 출연했습니다. 그는 드뷔시와 라벨, 스트라빈스키와 바르토크, 제2 빈 학교를 포함한 20세기 전반의 음악과 리게티, 베리오, 카터와 같은 동시대 음악을 연주한 것으로 유명합니다. 오페라 하우스에서의 그의 작업은 바이로이트 축제 100주년을 위한 바그너의 반지 사이클 제작과 알반 버그의 오페라 룰루의 3막 버전의 세계 초연을 포함했습니다. 그의 기록된 유산은 광범위합니다.

그는 또한 여러 음악 기관을 설립했습니다: 도메네 뮤지컬, IRCAM, 파리의 앙상블 인터컨템포러리와 시테 드 라 뮤지크, 그리고 스위스의 루체른 페스티벌 아카데미.

전기

1925-1943년: 아동기 및 학창시절

피에르 불레즈는 1925년 3월 26일 프랑스 중부 루아르주의 작은 마을 몽브리종에서 레옹과 마르셀 불레즈 사이에서 태어났습니다.^[1] 그는 4명의 자녀들 중 셋째였습니다: 언니 잔느 (1922–2018)^[2]와 남동생 로저 (b. 1936)는 유아기에 사망한 피에르 (b. 1920)라는 또 다른 자녀가 그 이전에 있었습니다. 전기 작가들은 철강 공장의 기술자이자 기술자인 레옹(Léon, 1891–1969)을 공정함을 지닌 권위적인 인물로 묘사하고, 마르셀(Marcelle, 1897–1985)은 남편의 엄격한 가톨릭 신앙을 무시하면서도 반드시 공유하지는 않는 외향적이고 유머러스한 여성으로 묘사합니다. 가족은 1929년 불레즈가 태어난 약국 위의 아파트에서 그가 유년기의 대부분을 보낸 편안한 단독 주택으로 이사하면서 번창했습니다.^[3]

불레즈는 7살 때부터 13시간의 수업시간이 공부와 기도로 가득 찬 가톨릭 신학교인 빅터 드 라프라데 인스티튜트에서 학교를 다녔습니다. 18세가 되었을 때 그는 가톨릭을 거부했고, 나중에 그는 스스로를 불가지론자라고 묘사했습니다.^[4][5]

어린 시절, 불레즈는 피아노 수업을 받았고, 지역 아마추어들과 실내악을 연주했고, 학교 합창단에서 노래를 불렀습니다.^[6] 바칼로레아의 첫 부분을 1년 일찍 마친 후, 그는 1940-41학년도를 Pensionnat St.에서 보냈습니다. 인근 생테티엔에 있는 기숙학교인 루이. 다음 해에 그는 파리의 에콜 폴리테크니크에 입학하기 위해 리옹의 쿠르 소뇨(Lajaristes가 설립한 학교)^[7]에서 고급 수학 수업을 들었습니다. 그의 아버지는 이것이 공학의 직업으로 이어지기를 바랐습니다.^[8] 비시 정부가 무너지고 독일군이 점령하고 도시가 저항의 중심지가 되었을 때 불레즈는 리옹에 있었습니다.^[9]

리옹에서 불레즈는 오케스트라를 처음 들었고, 그의 첫 오페라(무소르그스키의 보리스 고두노프와 바그너의 죽음의 마이스터징거 폰 뉘른베르크)^[10]를 보았고, 소프라노 니논 발린을 만났고, 그는 그녀를 위해 연주해달라고 요청했습니다. 그의 능력에 감명받은 그녀는 그의 아버지를 설득하여 그가 리옹 음악원에 지원할 수 있도록 허락했습니다. 그는 거절당했지만 음악에 대한 직업을 추구하기로 결심했습니다. 이듬해 아버지의 반대에 부딪혀 누나의 지원을 받아 피아노와 화성을 사사롭게 공부했습니다.^[11] "우리 부모님들은 강했지만, 마침내 우리는 그들보다 강했습니다"라고 불레즈는 나중에 말했습니다.^[12] 이 사건으로 1943년 가을 파리로 이주하여 파리 음악원에 등록하기를 희망하면서 아버지가 동행하여 그를 도와 방(7구)을 구하여 생계를 유지할 수 있을 때까지 보조금을 지급했습니다.^[13]

1943-1946: 음악 교육

1943년 10월, 불레즈는 음악원의 고급 피아노 수업을 위한 오디션에 실패했지만, 1944년 1월 조르주 단델롯의 화성 준비 수업에 입학했습니다. 그는 급속한 발전을 이루었고, 1944년 5월에 Dandelot는 그를 "수업 중 최고"라고 묘사했습니다.^[14]

비슷한 시기에 그는 작곡가 아서 호네거의 아내인 안드레 바우라부르를 소개받았습니다. 1944년 4월에서 1946년 5월 사이에 그는 그녀와 개인적으로 대위법을 공부했습니다. 그는 그녀와 함께 일하는 것을 매우 즐겼고 그녀는 그녀의 교사 경력이 끝날 때까지 그의 운동을 모델로 사용하며 그를 훌륭한 학생으로 기억했습니다.^[15] 1944년 6월, 그는 올리비에 메시앙에게 다가가 그와 조화를 연구해달라고 부탁했습니다. 메시앙은 그를 자신이 선택한 학생들에게 하는 개인 세미나에 참석하도록 초대했고, 1945년 1월 불레즈는 음악원에서 메시앙의 고급 화성 수업에 참여했습니다.^[16]

불레즈는 파리의 마레 지역에 있는 작은 다락방 두 곳으로 이사를 가서 그 후 13년 동안 살았습니다.^[17] 1945년 2월, 그는 쇤베르크의 작곡가이자 추종자인 르네 레이보위츠가 지휘하는 쇤베르크의 관악 5중주 개인 공연에 참석했습니다. 5중주곡에서 12음 기법을 엄격하게 사용한 것은 Boulez가 Leibowitz와 개인 교습을 받기 위해 동료 학생들을 조직한 것에 대한 폭로였습니다. 그가 베번의 음악을 발견한 것도 바로 여기였습니다.^[18] 그는 결국 레이보위츠의 접근법이 너무 교조적이라는 것을 알게 되었고 1946년 레이보위츠가 그의 초기 작품 중 하나를 비판하려고 했을 때 화가 나서 그와 헤어졌습니다.^[19]

1945년 6월, 불레즈는 프리미어 상을 수상한 4명의 음악원 학생들 중 한 명이었습니다. 그는 심사위원 보고서에서 "가장 재능 있는 작곡가"로 묘사되었습니다.^[20] 1945-46학년도 음악원에 등록했지만, 그는 곧 시모네 플레-카우세이드의 대위법과 푸가 수업을 거부했고, 그가 "상상력 부족"이라고 묘사한 것에 분노하여 메시앙에게 작곡 분야의 교수직을 부여해 달라는 청원을 조직했습니다.^{[21][22][n 1]} 1945-46년 겨울, 불레즈는 파리의 기메 미술관과 드 옴므 미술관에서 발리와 일본 음악, 아프리카 드럼에 몰두했습니다:^[24] "저는 그 음악에 매료되어 민족 음악 학자의 길을 선택할 뻔 했습니다. 시간의 느낌을 다르게 줍니다."^[25]

1946-1953: 파리에서의 초기 경력

1946년 2월 12일, 피아니스트 이베트 그리모는 콘서트 뒤 트립티크에서 불레즈 음악의 첫 번째 대중 공연을 하였습니다.^[26] Boulez는 집주인의 아들에게 수학 수업을 하여 돈을 벌었습니다.^[27] 그는 또한 라디오 드라마의 반주를 즉흥적으로 맡았고 때때로 폴리스 베르제르의 피트 오케스트라에서 대리로 활동하기도 했습니다.^[28] 1946년 10월, 배우이자 감독인 장 루이 바로는 그와 그의 아내인 마들렌 르누드가 극장 마리니에서 설립한 새로운 회사의 햄릿 제작을 위한 곡을 맡도록 그를 초대했습니다.^[29] 불레즈는 곧 9년 동안 그 자리를 유지했던 Renaud-Barault의 음악 감독으로 임명되었습니다. 그는 부수적인 음악을 편곡하고 지휘했는데, 주로 그가 싫어하는 음악(밀하우드와 차이코프스키와 같은) 작곡가들에 의해 이루어졌지만, 그것은 그에게 낮 동안 작곡할 시간을 남겨주면서 전문 음악가들과 함께 작업할 수 있는 기회를 주었습니다.^[30]

1947년 그들은 벨기에와 스위스를 순회 공연했고,^[9] 1948년 그들은 햄릿을 제2회 에든버러 국제 축제에 데려갔고,^[31] 1951년 런던에서 연극 시즌을 열었습니다. 로렌스 올리비에의 초청으로 1950년에서 1957년 사이에 남아메리카를 3번, 북아메리카를 2번 방문했습니다.^[32][33] 그가 회사를 위해 쓴 음악의 대부분은 1968년 5월 시민 소요 기간 동안 데 오데옹 극장의 학생들에 의해 점령된 후에 사라졌습니다.^[34]

1947년에서 1950년 사이는 불레즈에게 강렬한 작곡 활동 중 하나였습니다. 새로운 작품들에는 최초의 두 피아노 소나타와 르네 샤르의 시에 대한 두 칸타타의 초기 버전, 르 비시지 결혼식과^{[n 2]} 르 솔레유의 시에 대한 두 칸타타의 초기 버전이 포함되었습니다.^{[35][n 3]} 1951년 10월, 18개의 독주 악기를 위한 실질적인 작품인 폴리포니 X는 도나우싱겐 페스티벌에서 초연될 때 일부 관객들이 공연 중 휘파람을 불고 히싱을 부는 스캔들을 일으켰습니다.^[36]

이 시기 즈음, 불레즈는 중요한 영향을 미칠 두 명의 작곡가들을 만났습니다: 존 케이지와 카를하인츠 슈토크하우젠. 케이지와 그의 우정은 케이지가 파리를 방문하던 1949년에 시작되었습니다. 케이지는 불레즈를 자신의 최근 작품들을 가져가기로 동의한 두 출판사(호겔과 암피온)에게 소개했습니다. 불레즈는 케이지의 소나타와 피아노를 위한 인터루즈의 개인 공연을 준비하는 것을 도왔습니다.^[37] 케이지가 뉴욕으로 돌아왔을 때, 그들은 음악의 미래에 대해 강렬한 6년간의 통신을 시작했습니다. 1952년에 슈토크하우젠은 메시앙과 함께 공부하기 위해 파리에 도착했습니다.^[38] 불레즈는 독일어와 슈토크하우젠어를 알지 못했지만, 그들 사이의 친밀감은 즉각적이었습니다: "한 친구가 번역을 했고 우리는 미친 듯이 추측했습니다. 우리는 음악에 대해 항상 이야기했습니다. 다른 사람과 이야기한 적이 없는 방식으로 말이죠."^[39]

1951년 말, Renaud-Barrault 회사와 함께 투어를 하면서 그는 처음으로 뉴욕으로 갔고, 그곳에서 그는 Stravinsky와 Barèse를 만났습니다.^[38] 그는 케이지의 아파트에 머물렀지만 우연에 근거한 작곡 절차에 대한 케이지의 헌신을 받아들일 수 없어 두 사람의 우정은 이미 식어가고 있었고, 나중에 그와 연락을 끊었습니다.^[40]

1952년 7월 불레즈는 처음으로 다름슈타트에서 열린 뉴 뮤직을 위한 국제 여름 과정에 참석했습니다. 스톡하우젠뿐만 아니라, 불레즈는 루치아노 베리오, 루이지 노노, 브루노 마데르나, 앙리 푸수르를 포함하여, 현대 음악에서 중요한 인물이 될 다른 작곡가들과 그곳에서 접촉했습니다. 불레즈는 빠르게 예술계의 전후 모더니즘 운동의 지도자들 중 한 명이 되었습니다. 음악 평론가 알렉스 로스는 "항상 그는 자신이 무엇을 하고 있는지 확신하는 것처럼 보였습니다. 전후의 혼란한 삶 속에서, 너무나 많은 진실이 신뢰받지 못하는 가운데, 그의 확신은 든든했습니다."^[41]

1954-1959: 르도메인 뮤지컬

1954년, 바로와 르노의 재정적인 지원으로 불레즈는 도미네 뮤지컬로 알려지게 된 쁘띠 마리니 극장에서 일련의 콘서트를 시작했습니다. 콘서트는 처음에는 파리에서 여전히 생소한 전쟁 이전의 고전(바르토크와 베른 등), 신세대의 작품(스토크하우젠, 노노), 과거의 방치된 거장들(마차우, 게수알도) 등 세 분야에 초점을 맞췄습니다.^[42] 불레즈는 활기차고 뛰어난 관리자임을 증명했고 콘서트는 즉각적인 성공을 거두었습니다.^[43] 그들은 세련된 사회뿐만 아니라 음악가, 화가, 작가들을 끌어들였지만, 너무 비싸서 불레즈는 부유한 후원자들에게 도움을 요청해야 했습니다.^[44]

도메네 역사의 주요 사건으로는 베른 축제(1955), 스트라빈스키의 아곤(1957)의 유럽 초연, 메시아엔의 오이소 외전(1955)과 셉타 ï카 ï(1963)의 첫 공연이 있었습니다. 연주회는 살레 기보 (1956–1959)로 옮겨졌고, 그 후 1959–1968 (Thé movedtre de l'Odéon)으로 옮겨졌습니다. 불레즈는 1967년 길버트 에이미가 그의 뒤를 이을 때까지 감독직을 유지했습니다.^[45]

1955년 6월 18일, 한스 로스바우는 바덴바덴에서 열린 ISCM 페스티벌에서 불레즈의 가장 잘 알려진 작품인 "르 마르토 산 마 î트르"의 첫 공연을 하였습니다. 르네 샤르의 시에 기초한 알토 보이스와 기악 합주를 위한 9악장 주기로,^[46] 그것은 즉각적이고 국제적인 성공을 거두었습니다.^[47] 윌리엄 글록(William Glock)은 다음과 같이 썼습니다: "첫 번째 청문회에서 비록 받아들이기는 어려웠지만 소리, 질감, 느낌에서 완전히 새로워서 쇤베르크의 피에로 루네어(Pierrot lunaire)와 같은 신화적인 특징을 가지고 있는 것처럼 보였습니다."^[48] 1957년 초 불레즈가 로스앤젤레스에서 이 작품을 지휘했을 때, 스트라빈스키는 이 작품을 "전후 탐험 시기의 몇 안 되는 중요한 작품 중 하나"라고 묘사했습니다.^[46] 불레즈는 스트라빈스키 가문과 여러 차례 식사를 했으며, 로버트 크래프트에 따르면 "새로운 음악적 아이디어와 뛰어난 지성, 순발력, 유머로 오래된 작곡가를 사로잡았다."^[49] 이듬해 도메네 뮤지컬을 위한 스트라빈스키의 트레니의 첫 파리 공연을 두고 두 작곡가의 관계는 악화되었습니다. 불레즈가 부실하게 기획하고 스트라빈스키가 신경질적으로 지휘한 이 공연은 한 번 이상 결렬됐습니다.^[50]

1958년 1월, 즉흥극 말라르메(Iet II)가 초연되었고, 이후 4년 동안 5악장의 대규모 "말라르메의 초상"인 플라이슬론 플라이로 성장한 작품의 핵심을 형성했습니다.^{[n 5]} 1962년 10월 도나우싱겐에서 초연되었습니다.^[51]

이 무렵 불레즈와 슈토크하우젠의 관계는 나빠졌습니다.(전기작가 조안 페이서에 따르면) 젊은 남자가 그를 전위의 지도자로 대체하는 것을 보였기 때문입니다.^[52]

1959-1971: 국제 지휘 경력

1959년, 불레즈는 파리를 떠나 바덴바덴으로 향했고, 그곳에서 남서 독일 라디오 심포니 오케스트라와 협연하여 레지던스 작곡가로 활동하고 작은 음악회를 지휘했습니다.^[53] 그는 또한 새로운 작품(Poésie pour pouvoir)을 작업할 수 있는 전자 스튜디오를 이용할 수 있었습니다.^{[54][n 6]} 그는 이사를 왔고, 결국 그의 여생의 주된 집이었던 큰 언덕배기 빌라를 구입했습니다.^[55]

이 기간 동안, 그는 점점 지휘자로 전향했습니다. 오케스트라 지휘자로서 그의 첫 약혼은 1956년 그가 바로와 함께 투어를 하는 동안 베네수엘라 심포니 오케스트라를 지휘했을 때였습니다.^[56] 1957년 쾰른에서 그는 자신의 르비자 결혼식을 가졌고, 1958년에는 마데르나와 작곡가와 함께 슈토크하우젠의 그루펜의 첫 공연을 가졌습니다. 그의 성공은 1959년 엑상 프로방스와 도나우싱겐 페스티벌에서 20세기 음악의 까다로운 프로그램에서 병든 한스 로스보를 짧은 시간에 대체했을 때 이루어졌습니다.^[57] 이것은 암스테르담 콘세르트헤바우, 바이에른 라디오 심포니, 베를린 필하모닉 오케스트라의 데뷔로 이어졌습니다.^[58]

1963년 불레즈는 그의 첫 오페라인 알반 베르그의 보제크를 바로가 연출한 파리 국립 오페라 극장에서 지휘했습니다. 보통 서너 차례의 오케스트라 리허설 대신 30차례의 오케스트라 리허설을 하는 등 조건은 예외적이었습니다. 비판적인 반응은 호의적이었고 첫 공연 후 음악가들은 그에게 박수를 보내기 위해 일어섰습니다.^[59] 1966년 4월, 그는 비엘랑 바그너의 신작으로 프랑크푸르트 오페라에서 보제크를 다시 지휘했습니다.^[60]

빌랜드 바그너는 이미 시즌 후반 바이로이트 페스티벌에서 불레즈를 초청해 바그너의 파르시팔을 지휘했고, 불레즈는 1967년, 1968년, 1970년에 다시 돌아와 리바이벌을 지휘했습니다.^[61] 그는 1967년 일본 오사카 페스티벌에서 바이로이트 극단과 함께 바그너의 트리스탄 이졸데 공연을 지휘하기도 했지만, 충분한 리허설이 이뤄지지 않아 나중에는 차라리 잊고 싶다고 말한 경험이 됐습니다.^[62] 1969년 코벤트 가든(Covent Garden)에서 드뷔시의 Melisande Pelléas et Melisande의 새로운 작품(바클라브 카슬릭)을 지휘한 그의 지휘는 "맛있고 화려함"이라는 찬사를 받았습니다.^[63]

1965년 에든버러 국제 축제에서는 작곡가이자 지휘자로서 불레즈에 대한 최초의 대규모 회고전이 열렸습니다.^[64] 1966년, 그는 문화부 장관 앙드레 말로에게 프랑스 음악 생활의 개편을 제안했지만, 말로는 대신 보수적인 마르셀 란다우스키를 문화부 음악 책임자로 임명했습니다. 불레즈는 누벨 전망대에 기고한 글에서 "프랑스에서 공식적인 음악의 어떤 측면에서도 파업을 할 것"이라고 발표하며 분노를 표출했습니다.^[65]

1965년 3월, 불레즈는 클리블랜드 오케스트라와 함께 미국에서 오케스트라 데뷔를 했습니다.^[66] 그는 1969년 2월 수석 객원 지휘자가 되었고 1971년 말까지 그 직책을 맡았습니다.^[67] 1970년 7월 조지 셀이 사망한 후, 그는 2년 동안 음악 고문 역할을 맡았지만, 그의 런던과 뉴욕에서의 헌신 덕분에 그 타이틀은 대체로 명예로운 것이었습니다.^[68] 1968-69 시즌에는 보스턴, 시카고, 로스앤젤레스에서도 게스트로 출전했습니다.^[69]

플라이슬론 플라이를 제외하고 1960년대 전반에 등장한 불레즈의 유일한 실질적인 신작은 두 대의 피아노를 위한 그의 구조 2권의 최종판이었습니다.^[70] 10년의 중간에, 그는 작은 앙상블을 위한 짧고 훌륭한 작품인 에클라트(Eclat,^{[n 7]} 1965)를 포함한 여러 새로운 작품을 제작했고,^[71] 1970년에 이르러 상당한 30분짜리 작품인 에클라트/멀티플로 성장했습니다.^[72]

1971-1977: 런던과 뉴욕

불레즈는 1964년 2월 워싱에서 처음으로 BBC 심포니 오케스트라를 지휘했으며, 블라디미르 아시케나지와 함께 쇼팽 피아노 협주곡을 연주했습니다. 불레즈는 "정말 끔찍했어요, 저는 계속 접시를 떨어뜨리는 웨이터처럼 느껴졌어요"^[73]라고 회상했습니다. 이후 5년 동안 그는 프롬스와 ^[74]카네기 홀에서의 데뷔와 모스크바와 레닌그라드, 베를린과 프라하에서의 투어를 포함했습니다.^[75] 1969년 1월 BBC의 음악 담당자 윌리엄 글록은 수석 지휘자로 임명을 발표했습니다.^[76] 두 달 후, 불레즈는 처음으로 뉴욕 필하모닉을 지휘했습니다.^[77] 그의 연주는 오케스트라와 경영진 모두에게 깊은 인상을 남겨 레너드 번스타인의 뒤를 이어 수석 지휘자로 임명되었습니다. 글록은 실망했고, 그에게 뉴욕직을 수락하는 것이 런던에서의 그의 작업과 작곡 능력 모두를 손상시킬 것이라고 설득하려고 했지만, 불레즈는 (글록의 말대로) "이 두 세계 도시의 음악 제작을 개혁할 수 있는" 기회를 거부할 수 없었고, 6월에 뉴욕 임명이 확정되었습니다.^[78]

뉴욕에서의 그의 재임기간은 1971년에서 1977년 사이에 지속되었고, 부적격한 성공은 아니었습니다. 구독 청중에 대한 의존도가 그의 프로그래밍을 제한했습니다. 그는 20세기 전반부터 더 많은 주요 작품들을 소개했고, 이전의 레퍼토리와 함께 덜 알려진 작품들을 찾아냈습니다.^[79] 그의 첫 시즌에, 그는 리스트의 "성 엘리자베스와 십자가의 전설"을 지휘했습니다.^[80] 구독 시리즈에서 새로운 음악의 공연은 비교적 드물었습니다. 연주자들은 그의 음악성에 감탄하면서도 번스타인에 비해 무미건조하고 감정적이지 않다고 여겼지만, 그가 연주 수준을 향상시켰다는 것은 널리 받아들여졌습니다.^[81] 그는 말년에 단 세 번 오케스트라에 돌아갔습니다.^[82]

Boulez의 BBC 심포니 오케스트라와의 시간은 더 행복했습니다. 그의 뒤에 BBC의 자원이 있다면, 그는 레퍼토리 선택에 있어서 더 대담해질 수 있을 것입니다.^[81] 19세기에 때때로, 특히 프롬스(1972년 베토벤의 미사 솔렘니스, 1973년 브람스 독일 레퀴엠)에서,^[83] 그는 대부분 20세기의 음악에 집중적으로 참여했습니다. 그는 해리슨 버트위슬과 피터 맥스웰 데이비스와 같은 젊은 세대의 영국 작곡가들의 작품을 지휘했지만 브리튼과 티펫은 그의 프로그램에 불참했습니다.^[84] 음악가들과의 관계는 전반적으로 뛰어났습니다.^[85] 1971년부터 1975년까지 수석 지휘자로 있었으며 1977년까지 수석 객원 지휘자로 활동했습니다. 그 후 그는 2008년 프롬에서 전야나체크 프로그램에 마지막으로 출연할 때까지 자주 오케스트라에 복귀했습니다.^[86]

두 도시에서, 불레즈는 새로운 음악을 더 격식을 차리지 않고 공연할 수 있는 장소를 찾았는데, 뉴욕에서 그는 애버리 피셔 홀의 좌석을 빼고 관객들이 바닥에 앉았던 "럭 콘서트" 시리즈를 시작했고, 그리니치 빌리지에서 "전망적 만남"이라고 불리는 현대 음악 시리즈를 시작했습니다.^[87] 런던에서 그는 이전 철도 턴테이블 창고인 라운드하우스에서 콘서트를 열었고, 피터 브룩은 급진적인 연극 제작에도 사용했습니다. 그의 목표는 "우리 모두가, 관객, 선수, 그리고 나 자신이 탐험하는 행위에 참여한다는 느낌을 만드는 것"이었습니다.^[88]

1972년 형 빌랜드의 뒤를 이어 바이로이트 페스티벌의 감독으로 취임한 볼프강 바그너는 불레즈를 초대해 1976년 바그너의 '더 링 데 니벨룽겐' 100주년 기념 공연을 지휘했습니다.^{[89][n 8]} 감독은 Patrice Chéreau 였습니다. 배리 밀링턴(Barry Millington)에 따르면 1980년 실행이 끝날 때까지 "제작에 대한 열정이 불만족을 압도했다"^[90]고 합니다. 그것은 전 세계에 방송되었습니다.^[91]

이 시기에 몇 가지 새로운 작품들이 등장했는데, 아마도 그 중 가장 중요한 것은 기념비적인 Bruno Maderna (1975)의 Rituel일 것입니다.^[92]

1977-1992: IRCAM

1970년, 불레즈는 퐁피두 대통령으로부터 프랑스로 돌아가 음악 연구와 창작을 전문으로 하는 연구소를 파리의 보부르 지구를 위해 계획된 예술 단지(현재는 중앙 조르주 퐁피두)에 설립하라는 요청을 받았습니다. 1977년 IRCAM(Institute de Recherchet Coordination Acoustique)이 문을 열었습니다.

불레즈의 모델은 바우하우스로 모든 분야의 예술가와 과학자들의 만남의 장소였습니다.^[93] IRCAM의 목표는 음향, 악기 설계 및 음악에서 컴퓨터 사용에 대한 연구를 포함합니다.^[46] 원래 건물은 부분적으로 음향적으로 격리하기 위해 지하에 지어졌습니다(지상 확장은 나중에 추가되었습니다).^[94] 그 기관은 국가 보조금을 너무 많이 흡수했다는 비판을 받았고, 불레즈는 너무 많은 권력을 행사했다는 비판을 받았습니다.^[46] 동시에 그는 20세기 음악과 새로운 작품 창작을 전문으로 하는 비르투오소 앙상블인 앙상블 인터컨템포러리를 설립했습니다.^[95]

1979년 불레즈는 파리 오페라에서 3막 버전의 알반 베르그의 룰루의 세계 초연을 프리드리히 체르하가 이 작품을 완성한 후 베르그가 사망할 때 완성되지 못한 채 공연을 마쳤습니다. Chéreau 감독님이 연출하셨습니다.^[96] 그렇지 않으면 IRCAM에 집중하기 위해 자신의 지휘 약속을 축소했습니다. 이 시기에 그는 대부분 미국(1986), 호주(1988), 소련(1990), 캐나다(1991)^[97] 투어를 포함한 자신의 앙상블 인터컨템포러리에 출연했지만, 1980년대에 로스앤젤레스 필하모닉 오케스트라와 다시 인연을 맺기도 했습니다.^[98]

Boulez는 이 기간 동안 훨씬 더 많은 작곡을 했고, IRCAM에서 개발된 잠재력을 사용하여 실시간으로 소리를 변환하는 일련의 곡을 만들었습니다. 이 중 첫 번째 작품은 솔리스트, 앙상블, 일렉트로닉을 위한 40분짜리 작품인 Répons (1981-1984)였습니다. 그는 또한 작은 피아노 작품들로 이루어진 대규모 오케스트라를 위한 필사와 확장 (1945–1980),^[96] 샤르 르비지 결혼 (1946–1989)의 시에 대한 그의 칸타타를 포함한 초기 작품들을 근본적으로 재작업했습니다.^[99]

1980년, Berio를 포함한 IRCAM 부서의 다섯 명의 원래 이사들이 사임했습니다. 불레즈는 이러한 변화를 "매우 건강하다"고 선언했지만, 그것은 그의 지도력에 위기를 나타냈습니다.^[100]

그의 음악에 대한 회고는 파리 (Festival d'Automne, 1981), 바덴바덴 (Baden-Baden, 1985), 런던 (BBC, 1989)에서 이루어졌습니다.^[101] 1976년부터 1995년까지 그는 콜레주 드 프랑스에서 발명 의장, 테크니컬 등 랭귀지 음악가로 활동했습니다.^[102] 1988년, 그는 프랑스 텔레비전을 위한 6개의 프로그램 Boulez XXe siècle을 만들었는데, 각각은 현대 음악의 특정 측면(리듬, 음색, 형식 등)^[103]에 초점을 맞췄습니다. 그는 또한 파리의 퐁 드 센 지역에 있는 건물의 30층에 있는 아파트를 샀습니다.^[104]

1992년 ~ 2006년 : 지휘 복귀

1992년 불레즈는 IRCAM의 이사직을 포기하고 로랑 베일이 그 자리를 이어받았습니다.^[105] 그는 그 해 잘츠부르크 페스티벌에서 레지던스에서 작곡가로 활동했습니다.^[101]

작년에 그는 클리블랜드 오케스트라와 시카고 심포니 오케스트라와 함께 연례 거주를 시작했습니다. 1995년 그는 시카고에서 수석 객원 지휘자로 임명되었는데, 이는 오케스트라 역사상 세 번째 지휘자입니다. 그는 명예 지휘자가 된 2005년까지 그 자리를 지켰습니다.^[106] 1995년 그의 70번째 생일은 런던 심포니 오케스트라와 함께 파리, 비엔나, 뉴욕, 도쿄를 돌며 6개월간의 회고 투어로 특징지어졌습니다.^[107] 2001년 그는 파리 관현악단과 함께 주요 바르토크 사이클을 지휘했습니다.^[105]

이 시기는 또한 피터 스타인과 함께 한 두 작품, 즉 드뷔시의 "펠레아스와 멜리산드" (1992, 웨일스^[108] 국립 오페라와 파리)와 쇤베르크의 "모세 운드 아롱" (1995, 네덜란드 국립^[109] 오페라와 잘츠부르크 페스티벌)을 포함하여 오페라 하우스로 돌아갔습니다. 2004년과 2005년에 그는 크리스토프 슐링엔지프가 감독한 파시팔의 논란이 많은 신작을 제작하기 위해 바이로이트로 돌아갔습니다.^[110]

이 시기의 그의 가장 중요한 두 가지 작품은... 폭발물 고정... 1972년 스트라빈스키에 대한 헌사로 시작되어 다시 IRCAM의 전자 자원을 사용한 수르 인시즈(^[111]1998)는 2001년 Grawemeyer Award for Music Composition 상을 수상했습니다.^[112]

불레즈는 계속해서 기관 조직을 위해 일했습니다. 그는 1995년 파리 외곽의 라 빌레트에 문을 연 시테 드 라 뮤지크(Cité de la musique)를 공동 설립했습니다.^[27] 인접한 부지에 있는 파리 음악원과 함께 모듈식 공연장, 박물관 및 미디어 테크로 구성된 이 곳은 앙상블 인터컨템포러리의 본거지가 되었고 다양한 관객을 끌어 모았습니다.^[113] 2004년, 그는 20세기와 21세기의 음악에 전념하는 젊은 음악가들을 위한 관현악 연구소인 루체른 페스티벌 아카데미를 공동 설립했습니다.^[114] 그 후 10년 동안 그는 여름의 마지막 3주를 젊은 작곡가들과 작업하고 아카데미 오케스트라와 함께 콘서트를 지휘하는 데 보냈습니다.^[115]

2006-2016년 : 마지막 연도

불레즈의 마지막 주요 작품은 11개의 악기를 위한 45분짜리 작품인 데리브 2(2006)였습니다.^[116] 그는 오케스트라를 위한 나머지 주석들을 포함하여 여러 작곡 프로젝트들을 미완성으로 남겼습니다.^[46]

그는 이후 6년 동안 지휘자로 활동했습니다. 2007년, 그는 야나체크의 <죽은 집에서>(빈, 암스테르담, 엑스 극장)를 제작하기 위해 체로와 재결합했습니다.^[117] 그해 4월, 베를린 페스티지의 일환으로 불레즈와 다니엘 바렌보임은 2년 후 카네기 홀에서 말러 교향곡을 슈타츠카펠레 베를린과 함께 연주했습니다.^[118] 2007년 말 파리 관현악단과 앙상블 인터컨템포러리는 불레즈의 음악에 대한 회고전을 선보였고, 2008년 루브르 박물관은 피에르 불레즈, œ브르: 단편 전시회를 열었습니다.

그의 출현은 2010년 눈 수술로 인해 시력이 심각하게 손상된 후 더 드물어졌습니다. 다른 건강 문제로는 낙상으로 인한 어깨 부상이 있습니다.^[120] 2011년 말,^[121] 그는 이미 상당히 쇠약해진 상태에서 소프라노 바바라 해니건과 함께 합주된 앙상블 인터컨템포러리와 루체른 페스티벌 아카데미를 이끌며 자신이 소유한 플라이슬론플리의 유럽 6개 도시를 순회했습니다.^[122] 2012년 1월 28일, 빈 필하모닉 오케스트라와 우치다 미쓰코와 함께 쇤베르크, 모차르트, 스트라빈스키의 피아노 협주곡 K459번 피아노 협주곡 연주회를 가졌다.^[123] 그 후 그는 모든 진행 계약을 취소했습니다.

2012년 중반 불레즈는 파킨슨병의 일종인 신경퇴행성 질환을 진단받았습니다. 그 해 말에, 그는 디오티마 사중주단과 함께 일했고, 1948년에 시작된 그의 유일한 현악 사중주단인 리브르 푸어 콰르토어를 마지막으로 수정했습니다.^[124] 2013년에 그는 피에르 불레즈의 도이치 그라모폰 발매를 감독했습니다. 그의 모든 공인된 작곡에 대한 13-CD 설문조사인 Complete Works. 그는 2013년 5월 30일 파리 샹젤리제 극장에서 로베르트 피엔치코프스키와 함께 스트라빈스키에 대해 토론하며 봄의례 초연 100주년을 기념하기 위해 마지막으로 대중 앞에 모습을 드러냈습니다.^[125]

2014년부터 그는 바덴바덴에 있는 그의 집을 거의 떠나지 않았습니다.^[126] 그의 건강 때문에 그는 2015년 그의 90세 생일을 위해 전 세계에서 열린 많은 기념 행사에 참여할 수 없었습니다. 여기에는 그가 문학과 시각 예술에서 끌어온 영감에 초점을 맞춘 파리의 Musie de la Musique에서 열린 멀티미디어 전시회가 포함되었습니다.^[127]

불레즈는 2016년 1월 5일 자택에서 사망했습니다.^[128] 그는 1월 13일 마을 스티프츠키르체에서 개인 장례식을 치른 후 바덴바덴의 주 묘지에 안장되었습니다. 다음날 파리 생술피스에서 열린 추모식에서 추도사들은 바렌보임, 렌조 피아노, 그리고 불레즈의 영향에 힘입어 지난해 대형 공연장이 개관한 ^[129]당시 필하모니 드 파리의 회장이었던 로랑 베일 등을 포함했습니다.^[130]

작법

후베닐리아와 학생 작품

불레즈의 가장 초기의 작곡은 1942-43년 학창시절부터 시작되며, 주로 보들레르, 고티에, 릴케의 텍스트에 수록된 곡들입니다.^[131] 제럴드 베넷(Gerald Bennett)은 이 곡들을 "그 당시 프랑스 살롱 음악의 특정한 숫자의 표준적인 요소들, 즉 전체음계, 오음계, 다음계"라고 설명합니다.^[132]

콘서바토아르 불레즈는 호네거와 졸리벳에 의해 영향을 받은 일련의 작품들을 작곡했습니다. 피아노를 위한 전주곡, 토카타와 스케르조와 녹턴 (1944–45),^[133] 그리고 메시아엔 (피아노를 위한 트로이스 팔모디 (1945)와 마르테노를 위한 사중주곡 (1945–46).^[134] 쇤베르크와의 만남은 라이보위츠와의 연구를 통해 그의 첫 번째 연속 음악인 피아노를 위한 테메트 변주곡 (1945)의 촉매제가 되었습니다. 피터 오하건(Peter O'Hagan)은 이 작품을 "지금까지 가장 대담하고 야심찬 작품"이라고 설명합니다.^[135]

두즈 표기 및 진행중인 작업

불레즈는 1945년 12월에 두제 주석을 완성했습니다. 베넷이 처음으로 베번의 영향을 감지한 것은 피아노를 위한 12개의 서사시 작품들로, 각각 12마디의 길이입니다.^[136] 피아노 오리지널 작곡 직후, 불레즈는 그 중 11개의 곡을 (공연되지 않고 출판되지 않은) 오케스트레이션을 시도했습니다.^[137] 10년이 지난 후, 그는 그의 즉흥곡 I sur Mallarmé에서 그 중^{[n 9]} 두 곡을 기악적인 막간에 다시 사용했습니다.^[138] 그 후 1970년대 중반에 그는 그의 삶의 마지막까지 그를 차지했던 프로젝트인 매우 큰 오케스트라를 위한 확장된 작품들로 더 많은, 더 급진적인 변형에 착수했습니다.^[139][140]

주석은 불레즈가 초기 작품을 재방문하는 경향을 보여주는 가장 극단적인 예에 불과했습니다: "내 생각이 모든 확산 가능성을 소진하지 않는 한 그것들은 내 마음에 남아 있습니다."^[141] 로버트 피엔치코프스키(Robert Piencikowski)는 이것을 부분적으로 "완벽함에 대한 강박적인 우려"라고 묘사하고, 몇몇 곡들에서 "사람들은 연속적인 다른 버전에 대해 말할 수 있고, 각각은 음악적 소재의 특정한 상태를 제시할 수 있다"고 관찰합니다. 비록 그는 불레즈가 이전 버전들의 성능에 거의 변함없이 거부권을 행사했다고 지적하지만, 후계자가 이전 버전을 무효화하거나 그 반대의 경우도 마찬가지입니다.^[142]

최초로 출판된 작품들

플루트와 피아노를 위한 소나틴 (Sonatine for fluet and piano) (1946–1949)은 불레즈가 출판하도록 허락된 첫 번째 작품입니다. 엄청난 에너지를 가진 연속적인 작품으로, 그것의 단악장 형태는 쇤베르크의 실내악장 교향곡 1번의 영향을 받았습니다.^[143] 베넷은 이 작품에서 불레즈의 작품에 새로운 톤을 발견했습니다: "극도의 민감성과 섬세함에 대립되는 날카롭고, 부서지기 쉬운 폭력".^[144] 전기 작가 도미니크 자뮤는 피아노 소나타 1번(1946-49)에서 짧은 두 악장에서 수많은 다른 종류의 공격과 두 번째 악장에서 잦은 템포 가속을 강조하며, 이는 함께 "악기적 섬망"의 느낌을 만듭니다.^[145]

르네 샤르의 시를 바탕으로 두 곡의 칸타타가 이어졌습니다. 르비지의 결혼식[n 2] 폴 그리피스는 "샤르의 다섯 시는 황홀한 성적 열정에 대한 딱딱한 초현실주의 이미지로 말하고 있다"고 관찰하고 있으며, 불레즈는 이를 음악에서 "열혈 히스테리의 경계에" 반영하고 있습니다. 원래 버전(1946-47)에서 이 곡은 소규모 병력(소프라노, 콘트랄토, 두 개의 온데스 마르테노, 피아노, 타악기)을 위해 연주되었습니다. 40년 후 불레즈는 소프라노, 메조소프라노, 합창, 오케스트라를 위한 최종 버전(1985-1989)에 도착했습니다.^[99] Le Soleil deseaux^{[n 3]} (1948)는 샤르의 라디오 드라마를 위한 부수적인 음악에서 비롯되었습니다. 1965년 소프라노, 혼성 합창, 오케스트라를 위한 작품으로 최종 형태를 갖추기 전까지 세 가지 버전을 더 거쳤습니다.^[146] 첫 번째 악장(Complette du lézard amoureux^{[n 10]})은 여름날 더위에 도마뱀이 금 핀치에게 보내는 사랑 노래이고,^[147] 두 번째 악장(La Sorgue)은 Sorgue 강의 오염에 대한 폭력적이고 선동적인 항의입니다.^[148]

두 번째 피아노 소나타 (1947–48)는 연주자에게 엄청난 기술력을 요구하는 30분짜리 작품입니다.^[149] 그것의 네 악장은 고전 소나타의 표준 패턴을 따르지만 각각의 악장에서 불레즈는 전통적인 모델을 전복시킵니다.^[150] 그리피스에게 많은 음악의 폭력적인 성격은 "단순히 피상적인 것이 아니라… 이전에 있었던 것을 없애야 한다는 것을 표현한 것입니다."^[151] Boulez는 Aaron Copland를 위해 그 일을 맡았고, 그는 "그러나 우리는 다시 혁명을 시작해야 하는가?"라고 물었습니다.불레즈는 "네, 무자비하게"라고 대답했습니다.^[152]

토탈 시리얼리즘

그 혁명은 1950-1952년 불레즈가 음정뿐만 아니라 다른 음악적 매개변수들, 즉 지속기간, 역동성, 음색, 공격성을 일련의 원칙에 따라 조직화하는 기술을 개발하면서 가장 극단적인 단계에 접어들었습니다. Messiaen은 이미 그의 피아노를 위한 Mode de valeurs et d'intensités^{[n 11]} (1949)에서 이러한 방향으로 실험을 했습니다. 불레즈의 완전한 직렬주의에 대한 첫 번째 스케치는 리브르 푸어 콰토르^{[153][n 12]}(1948-49, 2011-12 개정판)의 일부에 등장했는데, 이 곡은 연주자들이 어느 한 연주에서든지 선택할 수 있는 현악 4중주 악장 모음으로, 불레즈가 나중에 가변적인 형태에 관심이 있음을 암시했습니다.^[154]

1950년대 초 불레즈는 이 기법을 엄격하게 적용하기 시작했고, 각 매개변수를 12개의 집합으로 순서를 정하고, 12개가 모두 울릴 때까지 반복을 규정하지 않았습니다. 음악 평론가 알렉스 로스(Alex Ross)에 따르면, 끊임없이 변화하는 음악 데이터의 결과적인 잉여는 청취자가 형성했을 수도 있는 이전의 인상을 어느 특정 시점에서 지워버리는 효과를 가지고 있다고 합니다. 로스는 "지금 이 순간이 전부"라고 말했습니다.^[155] 불레즈는 이 발전을 전쟁 후 타블라사를 만들고자 하는 그의 세대의 열망과 연결시켰습니다.^[156]

이 고사성어에서 그의 작품은 18개의 악기를 위한 폴리포니 X (1950–51; 철회), 2개의 음악 콩쿠르 에튀드 (1951–52; 철회), 그리고 2개의 피아노를 위한 1권 (1951–52)입니다.^[154] 2011년 Boulez는 Structures에 대해 이야기하면서 "작곡가의 책임이 실질적으로 없는 작품"이라고 설명했습니다. 그 당시에 컴퓨터가 존재했더라면 저는 데이터를 그것들에 통과시키고 그 작품을 그렇게 만들었을 것입니다. 근데 손으로 했어요.황당한 일을 통해 보여준 것입니다." 여전히 음악으로 들어야 하느냐는 질문에 불레즈는 이렇게 대답했습니다: "저는 그것을 몹시 듣고 싶지 않습니다. 하지만 저에게는 꼭 필요한 실험이었습니다."^[156]

르 마르토 산 마 î트레와 플리스론플리에

Structures, Book I은 불레즈에게 전환점이 되었습니다. 여기서부터 그는 완전한 연속극의 엄격함을 좀 더 유연하고 몸짓적인 음악으로 풀어냈습니다: "나는 나 자신의 지문과 금기를 없애려고 노력하고 있습니다."라고 그는 케이지에게 썼습니다.^[157] 이 새로운 자유의 가장 중요한 결과는 그리피스와 빌 홉킨스에 의해 "20세기 음악의 키스톤"으로 묘사된 르 마르토 산 마 î트레 (1953–1955)였습니다. 차르의 짧은 시 세 편이 세 번의 연동 주기의 출발점입니다. 4악장은 시의 성악적인 설정(하나는 두 번 설정)이고, 나머지 5악장은 기악 해설입니다. 홉킨스와 그리피스에 따르면, 이 음악은 갑작스러운 템포 전환, 광범위하게 즉흥적인 멜로디 스타일의 구절, 이국적인 악기 색깔이 특징입니다.^[154] 이 곡은 알토 플루트, 실로림바, 비브라폰, 타악기, 기타 및 비올라와 함께 대조적인 솔로 연주자를 위해 채점됩니다. 불레즈는 이 악기들의 선택은 그가 항상 끌렸던 비유럽 문화의 영향을 보여주었다고 말했습니다.^[158]

불레즈는 그의 다음 주요 작품인 플라이슬론 플리에^{[n 5]}(1957-1989)의 텍스트를 위해 극도의 밀도와 급진적인 구문에 매료된 스테파네 말라르메(Stéphane Mallarmé)의 상징주의 시로 눈을 돌렸습니다.^[159] 70분이면 그의 가장 긴 작곡입니다. 개별 소네트에 대한 세 가지 즉흥곡은 다른 시의 조각이 삽입된 두 개의 관현악 악장에 의해 틀이 지어집니다.^[160] 첫 번째 즉흥곡에서 직설적으로 음절적인 불레즈의 어법은 단어들을 구별할 수 없을 정도로 훨씬 더 카리스마가 넘칩니다. Boulez의 명시된 목표는 소네트가 더 깊고 구조적인 수준에서 음악이 되도록 만드는 것이었습니다.^[161] 이 곡은 종종 실내 그룹에 배치되는 소프라노와 대형 오케스트라를 위해 연주됩니다. 불레즈는 타악기가 풍부한 사운드 세계를 "비범하게 '유리화'된 것만큼 얼지 않았다"고 묘사했습니다.^[162] 이 작품은 1989년에 최종적인 형태에 도달하면서 복잡한 기원을 가지고 있었습니다.^[163]

통제된 확률

1950년대부터 Boulez는 그가 "controlled chance"라고 부르는 것을 실험했습니다. 그는 "소나테, 퀘미보투?"^{[n 13]}라는 글에서 "상대적 세계에 대한 조사, 즉 '영구적 혁명'^[164]의 상태와 같은 영구적인 '발견'"에 대해 썼습니다.

Peyser는 Boulez의 찬스 사용이 John Cage와 다르다는 것을 관찰합니다. 케이지의 음악에서 연주자들은 종종 음악에서 작곡가의 의도를 제거하기 위한 목적으로 예상치 못한 소리를 자유롭게 만들어냅니다. 불레즈의 음악에서 그들은 작곡가에 의해 쓰여진 가능성들 사이에서 선택합니다.^[165] 섹션 순서에 적용하면 이는 1952년 불레즈가 뉴욕을 방문했을 때 만났던 알렉산더 칼더의 이동식 조각품에서 영감을 얻은 얼 브라운이 고안한 기술인 "이동식 형태"로 묘사되기도 합니다.^[166]

불레즈는 이후 20년 동안 여러 작품에서 이 기법의 변형을 사용했습니다: 피아노 소나타 제3편 (1955–1957, 개정 1963)에서 피아니스트는 악보를 통해 다른 경로를 선택하고 한 악장 (Trope)에서 특정 구절을 완전히 생략할 수 있는 선택권을 가지고 있습니다;^[167] 에클라트^{[n 7]} (1965)에서, 지휘자는 각 연주자가 합주하는 순서를 촉발시키고, 도메네스 (1961–1968)에서 독주자는 무대 주변의 그의 움직임에 의해 섹션이 연주되는 순서를 결정합니다. E. E. Cummings의 시를 사용한 16개의 솔로 목소리와 작은 오케스트라를 위한 실내 칸타타인 Cummingsist der Dichter^{[n 14]} (1970년, 1986년 개정)와 같은 후기 작품에서 지휘자는 특정 이벤트의 순서를 선택하지만 개인 연주자에게는 자유가 없습니다. 원래 버전에서는 플라이슬론 플리에 기악 연주자들이 선택한 요소들도 포함되어 있었지만, 이 중 많은 부분은 이후 개정판에서 삭제되었습니다.

대조적으로 그림-두 배-프리즘(1957-1968)은 우연적 요소가 없는 고정된 작품입니다. Piencsikowski는 그것을 "전통적인 방식으로 고립된 채로 있는 대신 구성 요소들이 서로 침투하는 거대한 변동 주기"라고 설명합니다.^[168] 다양한 악기군(목관, 금관 등)이 한 데 묶이기보다는 무대 전체에 흩어져 있는 특이한 오케스트라 배치가 눈에 띕니다.^[169]

중기 작품

Jonathan Goldman은 1970년대 중반 이후 Boulez의 작품에서 주요한 미적 변화를 발견했는데, 이는 주제적 글쓰기의 존재, 수직적 조화로의 회귀, 형식의 명확성과 가독성으로 다양하게 특징지어집니다.^[170] 불레즈 자신은 이렇게 말했습니다. "봉투가 더 간단합니다. 그 내용은... 저는 최근의 작업에서 첫 번째 접근 방식이 더 직접적이고 제스처가 더 분명하다는 것이 사실이라고 생각합니다."^[171]

골드만에게 있어서, 기념비적인 Bruno Maderna (1974–75)의 Rituel은 이 발전의 시작을 알립니다. 불레즈는 이 25분짜리 작품을 1973년 53세의 나이로 세상을 떠난 그의 친구이자 동료인 이탈리아 작곡가이자 지휘자의 비문으로 썼습니다. 이 작품은 15개의 섹션으로 나뉘며 오케스트라는 8개의 그룹으로 나뉩니다. 홀수 구간은 진행되며 짝수 구간에서는 지휘자가 각 그룹을 동작시키기만 하면 되고 진행 상황은 타악기 연주자의 박자에 의해 조절됩니다. 불레즈는 헌정사에서 이 작품을 "실종과 생존의 의식"^[172]이라고 표현했고, 그리피스는 이 작품의 "멋진 웅장함"을 언급했습니다.^[173]

노트 I–IV (1980)는 1945년 피아노 미니어처를 매우 큰 오케스트라를 위한 조각으로 변형한 첫 네 가지입니다. 앤드류 포터는 뉴욕 초연에 대한 그의 리뷰에서 각 오리지널 작품의 하나의 아이디어가 "그대로, 여러 면의 밝은 프리즘을 통과하여 천 개의 연결된, 랩핑된, 반짝이는 조각들로 부서졌다"고 썼습니다. 피날레 "장황한 현대 의식... 펄스가 경주하도록 설정합니다."^[174]

목욕 축제에서 은퇴한 윌리엄 글록에게 헌정된 '데리브 1^{[n 15]}'(1984)^[76]은 피아노가 앞장서는 짧은 5중주곡입니다. 이 곡은 6개의 화음에서 파생되었으며, 이반 휴트에 따르면, 이 곡은 "시작점으로 돌아가기 전에 나선형과 에디로 바깥쪽으로 파열되는 이러한 화음을 섞고 장식합니다." 마지막에 음악은 "침묵 속으로 진동"합니다.^[176]

전자 제품과 함께 작동합니다.

불레즈는 공연장에서 미리 녹음된 전자음악을 듣는 경험을 화장장 의식에 비유했습니다. 그의 진정한 관심은 악기 소리의 순간적인 변형에 있었지만 이 기술은 1970년대 IRCAM이 설립될 때까지 사용할 수 없었습니다. 그 이전에 그는 피에르 셰퍼의 라디오 확산 프랑세즈 그룹(Groupe Recherche de la Radiodiffusion Française)^[177]의 마그네틱 테이프를 위한 듀스 에투데스(Deux Etudes, 1951)와 테이프가 있는 라이브 오케스트라를 위한 대규모 작품인 푸에시 푸부아르(Poésie pour pouvoir, 1958)를 제작했습니다.^{[n 6]} 그는 두 작품 모두에 불만을 품고 철회했습니다.^[178]

IRCAM에서 완성된 첫 번째 작품은 Répons(1980-1984)입니다.^{[n 16]} 40분간의 이 작품에서 6명의 독주자들이 청중을 둘러싸고 있는 반면, 두 대의 피아노, 하프, 침발롬, 비브라폰, 글로켄슈필/자일로폰 등의 악기 그룹이 홀의 가운데에 놓여 있습니다. 그것은 전자적으로 변형되고 공간을 통해 투사되는 그들의 음악입니다. 피터 헤이워스(Peter Heyworth)는 그들이 입장하는 순간을 묘사했습니다: "마치 거대한 창문이 열려있고, 그 창문을 통해 새로운 소리의 세계가 들어가고, 그 안에 새로운 상상의 세계가 들어가는 것 같습니다. 더욱 인상적인 것은 더 이상 자연음과 전자음의 세계 사이에 분열이 아니라 연속적인 스펙트럼이 존재한다는 사실입니다."^[180]

클라리넷과 전자제품을 위한 Dialogue de l'ombre double (1982-1985)^{[n 17]}은 도메네스의 한 조각에서 비롯되었고 루치아노 베리오의 60번째 생일에 선물로 주어졌습니다. 약 18분 동안 진행되는 이 곡은 솔로 클라리넷(라이브로 연주되지만 때때로 무대 밖 피아노를 통해 울려 퍼지기도 하지만)과 더블(같은 음악가가 미리 녹음하여 홀 주변에 투영된 구절) 사이의 대화입니다. 불레즈는 바순(1995년)과 녹음기(2011년)를 위해 이 작품의 전사를 승인했습니다.

1970년대 초에 그는 할로폰이라고 불리는 기계에 의해 전자적으로 변형된 여덟 개의 솔로 악기를 위해 확장된 실내기를 작업했지만 기술은 원시적이었고 결국 그는 그것을 철회했습니다.^{[n 18][181]} 그는 같은 이름의 후기 작품을 포함하여 다른 작품에 일부 재료를 다시 사용했습니다.^[182] 이 최종 버전은 1991년과 1993년 사이 IRCAM에서 MIDI-플루트와 2개의 동반 플루트와 앙상블 및 라이브 일렉트로닉스를 위해 작곡되었습니다. 이때쯤이면 컴퓨터는 점수를 따라가고 플레이어의 트리거에 반응할 수 있습니다.^[183] 그리피스에 따르면, "주 플루트는 마치 거울의 홀에 있는 것처럼 잡히고, 그 선은 다른 플루트가 연주하는 것을 모방하고, 그 다음에는 더 큰 앙상블의 기여를 모방합니다."^[184] 홉킨스와 그리피스는 이 곡을 "전율과 절망 사이에서 특징적으로 포착된 음악"이라고 설명합니다.^[154]

바이올린과 전자를 위한 '안템스 2' (1997)는 솔 바이올린 '안템스 1' (1991)의 작품에서 성장했으며, 불레즈는 파리의 '예후디 메뉴힌 바이올린 콩쿠르'를 위해 작곡했으며, 이 작품은 원작의 소재에서 파생되었습니다. 폭발물 고정장치…^[172] 악기를 위한 거장의 글은 전자 시스템에 의해 캡처되고, 실시간으로 변형되고 공간을 중심으로 추진되어 조나단 골드만이 "하이퍼-바이올린"이라고 부르는 것을 만듭니다. 비록 이것이 어떤 바이올리니스트도 달성할 수 없는 속도와 복잡성의 효과를 만들어내지만, 불레즈는 그들의 원천인 바이올린이 항상 인식될 수 있도록 전자 사운드의 팔레트를 제한합니다.^[185]

마지막 작품

이후 작품에서 불레즈는 전자공학을 포기했지만 그리피스는 인시즈(1996-1998)^{[n 19]}에서 비슷하지만 구별되는 악기의 선택이 플랫폼 전체에 확산되어 불레즈가 이전에 전자적 수단을 사용했던 고조파, 팀브럴 및 공간 에코의 효과를 만들 수 있었다고 제안합니다. 이 곡은 피아노 3대, 하프 3대, 타악기 연주자 3대(스틸 드럼 포함)를 대상으로 점수가 매겨지며, 피아노 콩쿠르를 위해 쓰인 단편인 인시즈(1993-2001)에서 성장했습니다.^[186] 2013년 인터뷰에서 그는 "가장 자유롭기 때문에"라고 자신의 가장 중요한 작품이라고 설명했습니다.^[187]

악보에서 "hieraric"으로 표시된 기보법 VII (1999)는 관현악 기보법 중 가장 긴 기보법입니다. 그리피스(Griffiths)에 따르면 "1945년에 갑자기 일어난 일은 이제 나른해졌습니다. 조잡했던 일은 이제 일생의 경험과 전문 지식으로 이루어졌습니다. 단순했던 일은 환상적으로 꾸며졌고, 심지어 물에 잠겼습니다."^[188]

데라이브 2는 1988년 엘리엇 카터의 80번째 생일에 헌정된 5분짜리 곡으로 시작했고 2006년에는 11개의 악기와 불레즈의 마지막 주요 작곡을 위한 45분짜리 곡이었습니다. 클로드 사무엘(Claude Samuel)에 따르면 불레즈(Boulez)는 율동적인 변화, 템포의 변화, 그리고 다른 속도의 중첩을 탐구하기를 원했는데, 이는 부분적으로 그가 교르지 리게티(Györig Ligetti) 음악과 접촉한 것에서 영감을 받았다고 합니다. 불레즈는 그것을 "일종의 서사 모자이크"라고 묘사했습니다.^[172]

미완성작

불레즈의 미완성 작품들에는 그가 활발하게 진행하던 여러 작품들과, 그가 더 발전할 가능성이 있음에도 불구하고 한 쪽으로 내민 다른 작품들이 포함되어 있습니다. 후자의 범주에서, 기록 보관소에는 세 번째 피아노 소나타의^[189] 세 개의 미발표 악장과 에클라트/멀티플의 추가 부분이 포함되어 있습니다. 만약 연주된다면, 실질적으로 그 길이가 두 배가 될 것입니다.^[190]

불레즈가 말년에 작업하고 있는 것으로 알려진 작품들과 관련하여, 2006년 5월 시카고 심포니 오케스트라에 의해 두 개의 관현악 표기법(V와 VI)의 초연이 더 발표되었지만 연기되었습니다.^[191] 그는 안네 소피 무터를 위해 안네메스 2를 바이올린과 오케스트라를 위한 대규모 작품으로 개발하는 작업을 진행하고 있었지만 프로젝트는 결실을 맺지 못했습니다.^[192]

1960년대 중반부터 불레즈는 오페라 작곡에 대해서도 이야기했습니다. 두 번 모두 작가가 죽었기 때문에 제3의 후보자를 찾는 것에 대해 약간 미신적인 생각을 하고 있습니다."^[62]라고 그의 자유주의자를 찾으려는 시도는 성공하지 못했습니다. 1960년대 후반부터 그는 급진적인 프랑스 극작가이자 소설가인 장 제네와 아이디어를 교환했고 주제인 이성에 합의했습니다.^[193] 1986년 그가 사망한 후 Genet의 논문들 중에서 libretto 초안의 일부가 발견되었습니다.^[194] 불레즈는 이후 독일 극작가 하이너 뮐러(Heiner Müller)에게 눈을 돌렸는데, 그는 1995년 사망했을 때 아이스킬로스의 오레스테이아(Oresteia)를 줄이는 작업을 하고 있었고, 다시 쓸만한 것을 남기지 않았습니다.^[62] 1980년대에 그는 1989년 파리의 오페라 바스티유 개관을 위해 계획된 제네의 1961년 연극 레 파라벤츠(The Screens)의 각색을 Patrice Chéreau와 논의했지만 이것 또한 수포로 돌아갔습니다.^[195] 1996년 인터뷰에서 불레즈는 에드워드 본드의 "The War Plays" 혹은 "Lear"를 생각하고 있지만 "생각만 하고 있다"고 말했습니다.^[62] 2010년 85세의 나이로 베케트의 '고도를 기다리며'를 바탕으로 한 오페라를 작업하고 있다는 뉴스가 나왔을 때, 그렇게 야심찬 작업이 늦은 시간에 실현될 수 있을 것이라고 믿는 사람은 거의 없었습니다.^[194]

전도

실시방법

불레즈는 20세기 후반의 선도적인 지휘자 중 한 명이었습니다. 60년 이상의 경력 동안 그는 세계 주요 오케스트라의 대부분을 지휘했습니다. 그는 데소르미에르와 한스 로스보의 리허설에 참석하면서 많은 것을 배웠다고 말했지만 완전히 독학했습니다.^[196] 그는 또한 영향력 있는 멘토로 조지 셀(George Szell)을 꼽았습니다.^[197]

불레즈는 자신이 한 만큼 다양한 이유를 제시했습니다. 그는 도메네 뮤지컬의 첫 번째 콘서트를 열었습니다. 왜냐하면 그것의 재정적인 자원이 한정되어 있었기 때문입니다: "저는 훨씬 더 비싸지 않기 때문에, 제가 직접 해볼 것이라고 스스로에게 말했습니다."^[198] 그는 또한 작곡가에게 가능한 최고의 훈련은 "자신의 작품을 연주하거나 지휘하고 실행의 어려움에 직면하는 것"이라고 말했습니다. 그러나 실제적인 수준에서 그는 때때로 지휘 약속을 고려할 때 작곡할 시간을 찾기 위해 고군분투했습니다.^[199] 작가이자 피아니스트인 수잔 브래드쇼(Susan Bradshaw)는 이것이 의도적이고 1950년대 후반부터 점점 더 다작을 하고 있던 스톡하우젠(Stockhausen)의 작곡가로서 무색하다는 느낌과 관련이 있다고 생각했습니다. 프랑스의 쓰레기 수집가이자 음악학자인 피에르 수브친스키는 "불레즈가 지휘자가 된 것은 훌륭한 재능이 있었기 때문입니다"^[200]라고 동의하지 않았습니다.

그 선물의 위대함에 대해 모두가 동의한 것은 아닙니다. 지휘자 오토 클렘퍼러(Otto Klemperer)에게 그는 "의심할 여지 없이 그의 세대에서 뛰어난 지휘자이자 음악가인 유일한 사람"이었습니다.^[201] 작가 한스 켈러는 동의하지 않았습니다: "불레즈는 표현할 수 없습니다. 그것은 그렇게 간단합니다.그 이유는 그가 다루고 있는 어떤 구조의 화성적 의미를 무시하고 있기 때문입니다. 화성적 리듬과 따라서 조성 음악의 모든 특징적인 리듬을 완전히 무시하는 정도입니다.."^[202]조안^[202] 페이저는 다음과 같이 생각했습니다: "일반적으로 불레즈는 그가 사랑하는 것을 훌륭히 수행하고, 그가 좋아하는 것을 매우 잘 수행하며, 드문 예외를 제외하고는 고전적이고 낭만적인 레퍼토리의 경직된 공연을 제공합니다."^[203]

그는 많은 선두적인 솔로 가수들과 함께 일했고 특히 다니엘 바렌보임과 제시 노먼과 오랜 시간 동안 협력했습니다.^[204]

피터 헤이워스(Peter Heyworth)에 따르면, 불레즈(Boulez)는 리드미컬한 정확성에 의해 뒷받침되어 전기적인 흥분감을 생성할 수 있는 희박하고 운동적인 소리를 만들어냈다고 합니다. 악보의 구조를 밝히고 조밀한 관현악 질감을 명확하게 하는 능력은 그의 지휘의 특징이었습니다. 그는 지휘봉 없이 지휘를 했고 헤이워스가 관찰한 바와 같이 "연극의 흔적은 없다. 심지어 리하르트 슈트라우스가 실행했던 다소 연극적인 종류의 경제도 없다."^[205] 불레즈: "outward의 흥분은 내면의 흥분을 소모시킵니다."

불레즈의 소리에 대한 귀는 전설적이었습니다: "예를 들어, 복잡한 관현악 질감에서 세 번째 오보에에서 잘못된 성조를 감지하는 수많은 이야기들이 있습니다"라고 폴 그리피스는 뉴욕 타임즈에 썼습니다.^[207] 유명한 작곡가 겸 지휘자인 올리버 누센(Oliver Knussen)은 "그의 리허설은 명석한 머리와 전문적인 예의의 모델이며, 그는 쉽게 존경심을 표한다"고 관찰했습니다.^[208]

오페라 하우스에서 일하세요.

불레즈는 오페라 하우스에서 지휘도 했습니다. 그가 선택한 레퍼토리는 작았고 이탈리아 오페라는 포함되지 않았습니다. 바그너를 제외하고 그는 20세기 작품만 지휘했습니다. 빌랜드 바그너와 함께 한 '보제크와 파르시팔'에 대한 그의 작업에 대해 불레즈는 "음악과 작품에 대한 우리의 논의가 짜릿했기 때문에, 제 운명 전체는 아닐지라도, 적어도 그 일부는 기꺼이 그와 같은 사람에게 맞추었을 것입니다."라고 말했습니다.

그들은 살로메와 엘렉트라, 보리스 고두노프와 돈 조반니를 포함한 다른 작품들을 함께 기획했습니다. 그러나 바이로이트 파르시팔의 리허설이 시작되었을 때 윌랜드는 이미 심각한 병에 걸려 1966년 10월에 사망했습니다.^[209]

빌랜드가 사망한 후 프랑크푸르트 보제크가 부활했을 때, 불레즈는 작업 조건에 크게 환멸을 느꼈습니다: "리허설도 없었고, 어떤 것도 맡지 않았습니다. 그런 오페라 하우스가 운영되는 방식에 대한 냉소적인 태도는 저를 혐오스럽게 했습니다. 아직도 역겹습니다."

그는 이 경험이 이듬해 슈피겔에서 한 인터뷰에서 "1935년 이후로 언급할 만한 오페라가 작곡되지 않았다"고 주장한 그의 악명 높은 발언을 촉발했다고 나중에 말했습니다^[62]. "비틀즈의 음반은 헨제 오페라보다 확실히 더 영리하다." 그리고 오페라의 빈사 상태에 대한 "가장 우아한" 해결책은 "오페라 하우스를 폭파하는 것"입니다.^[210]

1967년, 불레즈, 연극 감독 장 빌라르, 안무가 모리스 베자르는 파리 오페라의 개혁을 위한 계획을 세우도록 요청을 받았습니다. 그들의 계획은 1968년 학생 시위의 정치적 여파로 인해 무산되었습니다.^[211] 그 후, 1980년대 중반, 불레즈는 파리에서 계획된 오페라 바스티유의 부회장이 되었고, 그의 음악 감독이 될 다니엘 바렌보임과 함께 일했습니다. 1988년에 새로 임명된 피에르 베르제 감독은 바렌보임을 해임했습니다. 불레즈는 연대해서 물러났습니다.^[212]

이 사건에서 Boulez는 조건이 옳다고 만족할 수 있을 때 특정 프로젝트(주력 무대 연출가들의 제작)만을 수행했습니다. 수년간 Renaud-Barault 회사에서 일한 덕분에, 연극적인 차원은 뮤지컬만큼 중요했고, 그는 항상 무대 리허설에 참석했습니다.^[213]

바이로이트의 100주년 기념 반지에서 불레즈는 원래 잉그마르 버그만과 피터 브룩에게 감독을 부탁했지만 둘 다 거절했습니다. 피터 스타인은 처음에는 동의했지만 1974년에 탈퇴했습니다.^[214] 주로 연극 감독이었던 Patrice Chéreau는 이를 받아들여 현대의 가장 중요한 오페라 작품 중 하나를 만들었습니다. 앨런 코진(Allan Kozin)에 따르면, 이 작품은 "오페라의 감독적 재해석의 수문을 여는 데 도움이 되었습니다."(때로는 레지에 극장으로 알려짐) 체로는 조지 버나드 쇼가 1898년에 <완벽한 바그너>에서 탐구한 아이디어를 바탕으로 부분적으로 자본주의에 대한 알레고리로 다루었습니다. 그는 산업화 시대의 이미지를 사용하여 액션을 19세기와 20세기로 업데이트했으며 ^[91]가수들의 공연에서 전례 없는 수준의 자연주의를 달성했습니다.^[90] Boulez의 지휘는 신화적인 웅장함과 무게보다 연속성, 유연성, 투명성을 강조하며 논란의 대상이 되었습니다.^[215] 첫 해에는 주로 보수적인 청중들로부터 적대감을 느꼈고, 30여명의 관현악 연주자들은 다음 시즌에 불레즈와 함께 작업하기를 거부했습니다.^[216] 이후 4년 동안 제작과 음악적 실현 모두 그 위상이 높아졌고 1980년 마지막 공연 이후 90분간의 박수가 있었습니다.^[217]

그의 또 다른 선호되는 감독은 피터 스타인이었습니다. Melisande Boulez는 드뷔시의 Pelléas et Melisande Boulez에 대해 다음과 같이 썼습니다: "저는 달콤함과 온화함이라는 프랑스 전통을 좋아하지 않습니다. [작품은] 전혀 온화하지 않고 잔인하고 신비로운 것입니다."^[218] 스타인은 1992년 웨일스 국립 오페라 무대에서 그것을 "추상적이고 화가 난 펠레아스, 아마도 현대와의 연결고리를 강조하려는 과도한 의도"라고 묘사하면서 비전을 깨달았습니다.^[219] 데이비드 스티븐스(David Stevens)는 1995년 암스테르담(Amsterdam)에서 쇤베르크의 모세와 아론(Moses und Aron)을 공연한 것에 대해 "연극적으로 그리고 음악적으로 짜릿하다"고 묘사했습니다.^[220]

녹음

불레즈의 첫 번째 녹음은 1950년대 말과 1960년대 초 도메네 뮤지컬과 함께 했던 때부터 시작되며 프랑스 베가 레이블을 위해 만들어졌습니다. 그들은 그가 이후에 다시 녹음할 작품들(예를 들어 쇤베르크의 실내악 교향곡 1번)에 대한 그의 첫 번째 생각과 스튜디오에서 돌아오지 않은 작품들(예를 들어 스트라빈스키의 레나르와 슈토크하우젠의 자이트마 ß)에 대한 기록을 남깁니다. 그들은 또한 그가 (마리 테레즈 칸과 대조되는) 르 마르토 산 마 î트레의 다섯 개의 녹음 중 첫 번째 녹음을 포함합니다. 2015년 유니버설 뮤직은 이 음반들을 10CD 세트로 모았습니다.^[221]

1966년부터 1989년까지 컬럼비아 레코드(이후 소니 클래식)에서 녹음했습니다. 첫 번째 프로젝트로는 파리 보제크(발터 베리와 함께)와 코벤트 가든 펠레아스와 멜리산데(조지 셜리와 엘리자베스 쇠데르스트롬과 함께)가 있었습니다. 그는 클리블랜드 오케스트라와의 봄의례 녹음과 런던 심포니 오케스트라와의 다수의 녹음에서 높은 평가를 받았고, 벨리오즈의 렐리오와 말러의 다스클라겐데 리드의 첫 번째 완전 녹음을 포함한 많은 녹음을 했습니다. LSO는 Boulez가 감독한 Webern판에도 기여했는데, Opus 번호를 가진 모든 작품으로 구성되어 있습니다. 그는 쇤베르크의 음악에 대한 광범위한 조사를 제작했는데, 여기에는 구렐리더와 모제스 운드 아론 (BBC 심포니 오케스트라와 함께)이 포함되어 있으며, 합창 무반주 음악과 같은 잘 알려지지 않은 작품들도 포함되어 있습니다. 그는 또한 뉴욕 필하모닉과 클리블랜드 오케스트라와 함께 라벨의 관현악 작품들을 녹음했습니다.^[222] 불레즈 자신의 음악에 관해서는 1969년에 플라이슬론 플라이(Halina Wukomska가 소프라노 솔리스트로 참여)의 첫 녹음과 리투엘과 에클라트/멀티플스의 녹음이 있었습니다. 2014년 소니 클래식은 피에르 불레즈를 발행했습니다.67장의 CD에 수록된 Columbia 앨범 전집.^[222]

이 시기의 세 개의 오페라 프로젝트가 다른 레이블에 의해 선택되었습니다: 바이로이트 링은 필립스에 의해 비디오와 LP로 공개되었습니다; 바이로이트 파시팔과 파리 룰루는 도이치 그라모폰으로 녹음되었습니다.^[223]

1980년대에는 에라토 레이블에서 녹음을 하기도 했는데, 주로 앙상블 인터컨템포러리와 함께 동시대의 음악(베리오, 리게티, 카터 등)에 더 중점을 두었고, 르 비지아주 결혼식, 르 솔레일 데쇼, 피규어-더블-프리즘 등 자신의 음악을 조사하기도 했습니다. 2015년 에라토는 피에르 불레즈를 발행했습니다.14장의 CD에 수록된 완전한 에라토 ^[222]녹음. 1984년 EMI를 위해 그는 Frank Zappa의 앨범 The Perfect Stranger with the Ensemble intercontempora에서 여러 곡을 녹음했습니다.^[224]

1991년부터 불레즈는 도이체 그라모폰과 전속 계약을 맺었습니다. 미국의 시카고와 클리블랜드, 유럽의 비엔나와 베를린 오케스트라를 중심으로 진행되었습니다.^[225] 그는 자신의 핵심 레퍼토리인 드뷔시, 라벨, 스트라빈스키, 바르토크의 관현악을 다시 녹음했고, 미발표 작품을 포함한 두 번째 베베른 판을 감독했습니다. 레퐁스를 포함한 그의 후기 음악들은 눈에 띄게 등장했습니다... 폭발물 고정... 그리고 sur Incises. 리하르트 슈트라우스, 시마노프스키, 안톤 브루크너 등 그의 디스코그래피를 처음 접하는 작곡가들은 8번 교향곡 녹음이 특별한 찬사를 받았습니다.^[226] 그의 레퍼토리 중 가장 중요한 것은 말러 교향곡과 오케스트라와의 성악 작품의 다관현악 순환이었습니다.^[227] 도이치 그라모폰, 필립스, 데카에 대한 불레즈의 모든 음반의 88개 디스크 세트가 2022년에 발행되었습니다.^[228]

게다가, 불레즈가 지휘하는 수백 개의 콘서트는 라디오 방송국과 오케스트라의 기록 보관소에서 열립니다. 2005년 시카고 심포니 오케스트라는 야나체크의 글라골리틱 미사와 메시앙의 라센션 등 상업적으로 녹음하지 않은 작품들을 중심으로 불레즈의 2CD 방송을 발표했습니다.^[229]

글쓰기와 교수

Jean-Jacques Nattiez에 따르면, Boulez는 음악에 대해 가장 많이 작곡한 두 명의 20세기 작곡가들 중 한 명이었고, 다른 한 명은 Schoenberg였습니다.^[230] 아이러니하게도 불레즈가 작가로서 처음으로 국제적인 관심을 끈 것은 나이든 작곡가가 사망한 직후 영국 학술지 '더 스코어(The Score)'에 실린 염증적인 제목의 1952년 기사와 함께였습니다.^[231] 그가 쇤베르크의 보수주의를 베번의 급진주의와 대조적으로 공격한 이 극단적인 작품은 광범위한 논란을 일으켰습니다.^[232]

Jonathan Goldman 은 불레즈의 글이 수십 년에 걸쳐 매우 다른 독자층을 다루었다고 지적합니다: 1950년대에는 도메네 뮤지컬의 교양 있는 파리 참석자들; 1960년대에는 다름슈타트와 바젤 과정의 전문 아방가르드 작곡가들과 연주자들; 그리고 1976년과 1995년 사이에는 그가 콜레주 드 프랑스의 교수로서 행한 강연의 매우 글을 읽고 쓸 줄 아는, 그러나 전문가가 아닌 청중.^[233] 불레즈의 글의 대부분은 새로운 작품의 첫 공연이든, 녹음을 위한 노트든, 잃어버린 동료에 대한 추도든, 특정한 사건들과 연관되어 있었습니다. 일반적으로 그는 '봄의례' 중 하나를 제외하고는 상세한 분석을 발표하는 것을 피했습니다. Nattiez가 지적한 바와 같이, "작가로서 Boulez는 기술적인 정보보다는 아이디어의 전달자입니다. 작곡가들에게 때때로 실망스러울 수도 있지만, 음악가가 아닌 사람들에게 인기가 있다는 것을 설명해주는 것은 의심할 여지 없이 그의 글의 특이점입니다."^[234]

불레즈의 글들은 영어로 "도제"에서 "Boulez on Music Today", "Orientions: Collected Writings" 그리고 "Pierre Boulez", "Music Lessen: 완전한 콜레주 드 프랑스 강의. 그의 경력 동안 그는 또한 오랜 형식의 인터뷰를 통해 자신을 표현했는데, 그 중 아마도 가장 중요한 것은 앙투안 골레아(1958), 셀레스탱 델리(1975), 장 베르밀(1989)과의 인터뷰일 것입니다.^[235] 또한 작곡가 존 케이지(^[236]1949-62년)와 인류학자이자 민족 음악학자인 안드레 셰프너(1954-1970년)의 두 권의 서신이 출판되었습니다.^[237]

불레즈는 1954년에서 1965년 사이에 다름슈타트 여름 학교에서 가르쳤습니다.^[238] 그는 스위스의 음악 아카데미 바젤(Musik Academie Basel)에서 작곡 교수로 재직했으며 1963년 하버드 대학교의 객원 강사로 재직했습니다. 그는 또한 경력 초기에 개인 교습을 했습니다.^[154] 학생들에는 작곡가 리처드 로드니 베넷,^[239] 장 클로드 엘로이, 하인즈 홀리거 등이 포함됐습니다.^[156]

인격과 개인의 삶

젊었을 때 불레즈는 폭발적이고 종종 대립적인 인물이었습니다. 그를 20대에 알았던 장 루이 바로는 그의 성격에 모순이 있음을 발견했습니다. "그의 강력한 공격성은 창조적인 열정, 비타협적인 감정과 유머의 특별한 조화, 그의 애정과 무례함의 분위기가 서로를 성공시키는 방식, 이 모든 것들이 우리를 그에게 가깝게 이끌었습니다."^[240] 메시아엔은 나중에 "그는 모든 것에 반대하여 반란을 일으켰습니다."^[241]라고 말했습니다. 실제로 불레즈는 메시앙에게 등을 돌리며, 그의 트로이의 소규모 전례를 신적인 "교향악"으로 묘사하고 투랑갈 î라-심포니가 그를 토하게 만들었다고 말했습니다. 관계가 회복되기 5년 전이었습니다.^[242]

2000년 뉴요커지에 실린 기사에서 알렉스 로스는 그를 불량배라고 묘사했습니다.^[243] 불레즈는 반대하지 않았습니다: "확실히 나는 불량배였습니다. 전혀 부끄럽지 않습니다. 40~50년대에 당신이 할 수 있었던 일에 대한 기득권층의 적개심이 매우 강했습니다. 때로는 사회에 맞서 싸워야 합니다."^[25] 이것의 가장 악명 높은 예는 1952년 불레즈가 "나는 도데카포닉 음악의 필요성을 이해했다고 말하지 않지만 진정으로 경험한 어떤 음악가도 쓸모가 없다"고 선언한 것입니다. 그의 모든 일은 그의 시대의 요구와 무관하기 때문입니다."^[244]

반면에 그를 잘 아는 사람들은 개인과 조직 모두에 그의 충성심을 종종 언급했습니다.^[245] 1952년 그의 멘토인 지휘자 로저 데소르미에르가 뇌졸중으로 마비되었을 때 불레즈는 데소르미에르의 이름으로 프랑스 라디오에 대본을 보내 노인이 수수료를 받을 수 있도록 했습니다.^[246] 1990년대에 장 바티뉴(Percusions de Strasbourg의 설립자)와 함께 불레즈를 관찰했던 작가 장 베르밀(Jean Vermeil)은 "한 불레즈가 스트라스부르 오케스트라의 음악가의 건강, 다른 연주자의 자녀에 대해 묻고 있는 것을 발견했습니다. 모든 사람을 이름으로 알고, 슬픔이나 기쁨으로 각자의 소식에 반응한 불레즈."^[247] 말년에, 그는 그의 매력과 개인적인 따뜻함으로 유명했습니다.^[46] 제라드 맥버니(Gerard McBurney)는 그의 유머에 대해 "그의 반짝이는 눈, 완벽한 타이밍, 전염되는 남학생의 킥킥거림, 그리고 항상 다른 사람이 기대하지 않는 것을 말해야 한다는 무모한 강요에 달려 있다"고 썼습니다.^[248]

불레즈는 널리 읽었고, 프루스트, 조이스, 카프카를 특별한 영향을 준 인물로 지목했습니다.^[249] 그는 시각 예술에 평생 관심이 있었습니다. 그는 화가 폴 클레에 대해 광범위하게 썼고 개인적으로 알고 있는 호안 미로, 프란시스 베이컨, 니콜라스 데 스타 ë, 마리아 헬레나 비에이라 다 실바의 작품을 소유했습니다. 그는 또한 당시의 선도적인 철학자들 중 세 명인 질 들뢰즈, 미셸 푸코, 롤랑 바르트와도 긴밀한 관계를 맺고 있었습니다.^[251]

그는 쾌활한 걸음걸이를 했고 바덴바덴에 있는 집에 있을 때 늦은 오후와 주말의 대부분을 검은 숲에서 걸으며 보냈습니다.^[252] 그는 프랑스의 Alpes-de-Hautes-Provence 주에 오래된 농가를 소유하고 있었고 1970년대 후반에 같은 땅에 또 다른 현대적인 집을 지었습니다.^[104]

뉴욕타임스는 사망 기사에서 "그의 사생활에 대해 철저하게 지켜졌다"고 보도했습니다.^[207] 불레즈는 1946년에 열정적인 사건이 있었다는 것을 조안 페이저에게 인정했고, 페이저는 그것이 그 시대의 "야생적이고 용기 있는 작품"의 계기가 되었다고 제안했습니다.^[253] 불레즈가 죽은 후, 그의 여동생 잔느는 전기 작가 크리스찬 멀린에게 그의 바람은 여배우 마리아 카사레스와의 것이라고 말했지만, 멀린은 이를 뒷받침할 증거가 거의 없다고 결론지었습니다.^[254] 멀린은 불레즈가 게이였다는 추측을 인정합니다. 그는 불레즈가 1972년에 젊은 독일인 한스 메스너를 그의 개인 조수로 고용하여 그의 삶의 실용성을 돌보았다고 썼습니다. 불레즈를 '몬시외르'라고 불렀고 불레즈가 때때로 그의 발렛이라고 소개했던 메스너는 불레즈가 죽을 때까지 바덴-바덴 집에서 살았고 그가 해외 여행을 할 때는 대개 동행했습니다. 멀린은 말년에 메스너가 불레즈를 돌보고 있는지 아니면 반대로 돌보는지를 말하기가 때때로 어려웠다는 것을 알아차렸지만, 그의 견해는 그들이 평생의 동반자였다는 증거가 없다는 것입니다. 불레즈의 삶이 끝나갈 무렵, 메스너는 불레즈의 여동생 잔느가 집을 방문하는 것을 막았습니다. 그는 죽을 때 불레즈와 함께 있었어요.^[255]

알렉스 로스는 불레즈가 사망한 직후 발간된 '뉴요커'에 대한 그의 초상화에서 불레즈를 "불친절하고, 끈질기고, 알 수 없는" 인물로 묘사했습니다.^[256]

레거시

작곡가 조지 벤자민(George Benjamin)은 <가디언>지에 불레즈의 80번째 생일을 위해 발표한 기사에서 "불레즈는 놀랍도록 빛나고 빛나는 작품들의 카탈로그를 만들었습니다. 그 안에서 엄격한 구성 기술은 특별한 청각적 정교함에 대한 상상력과 결합됩니다." 대조적으로, 존 애덤스는 불레즈를 "매너리스트, 틈새 작곡가, 아주 작은 망치로 작업한 거장"이라고 묘사했습니다.^[208] 불레즈의 90번째 생일을 기념하는 뉴욕 타임즈의 한 기사에서 니코 뮬리는 불레즈의 후기 음악의 퇴폐적인 특징을 강조했습니다: "당신은 그 팬에서 버터가 소용돌이치는 것을 느낄 수 있습니다. 그리고 그가 그것을 할 때, 그는 이 고급스러운 질감을 지워냅니다."^[257]

1986년 불레즈는 그의 음악 및 문학 원고를 스위스 바젤에 있는 폴 사허 재단과 계약을 맺었습니다.^[258] 2016년 1월 사망했을 때 유언장을 남기지 않았습니다. 2017년 프랑스 국립도서관(Bibliothèque nationale de France)은 그의 재산이 220미터의 책, 50미터의 기록 및 서신은 물론 점수, 사진, 녹음 및 기타 약 100개의 물건을 포함하여 사허 계약의 적용을 받지 않는 개인 문서 및 소유물을 상당 부분 기부했다고 발표했습니다.^[259]

2016년 10월, 불레즈가 수년간 캠페인을 벌였던 필하모니 드 파리의 큰 공연장은 그랑 살레 피에르 불레즈로 이름이 바뀌었습니다.^[260] 2017년 3월, Barenboim-Said Academy의 후원으로 Frank Gehry가 설계한 새로운 공연장인 Pierre Boulez Sal이 베를린에 문을 열었습니다. 이 곳은 서부-동부 디반 오케스트라, 베를린 슈타츠카펠레 및 베를린과 전 세계의 객원 음악가들로 구성된 새로운 불레즈 앙상블의 본거지입니다.^[261]

불레즈의 음악은 다음 세대의 통역사들에 의해 계속해서 받아들여지고 있습니다. 2016년 9월, 사이먼 래틀과 베를린 필하모닉은 불레즈의 에클랫과 말러의 교향곡 7번을 짝지어 해외 투어를 했습니다.^[262] 2017년 10월, Matthias Pinscher가 지휘한 앙상블 인터컨템포러리는 Pierre Audi가 구상한 프레젠테이션에서 뉴욕 파크 애비뉴 아모리에서 이틀 저녁에 걸쳐 네 번의 레퐁 공연을 했습니다.^[263] 2018년 9월, 피에르 불레즈 비엔날레의 첫 번째 판은 파리와 베를린에서 열렸는데, 이는 다니엘 바렌보임이 이끄는 필하모니 드 파리와 슈타츠카펠레 베를린의 공동 이니셔티브로 불레즈의 음악 공연이 그에게 영향을 준 작품의 맥락에서 설정됩니다.^[264] 제2회 비엔날레는 코로나19 팬데믹으로 인해 중단되었지만, 특히 피아노 음악에 초점을 맞춘 수정된 버전(2020년 온라인, 2021년 직접)이 진행되었습니다.^[265] 세 번째 반복은 2023년 4월/5월에 이루어졌습니다.^[266]

영예와 상

불레즈에게 수여된 국가 훈장에는 대영 제국 훈장 명예 사령관(CBE)과 독일 연방 공화국 훈장 기사단장 십자가가 포함되었습니다. 그의 많은 상들 중에, 불레즈는 그의 후즈 후 출품작에 다음과 같이 이름을 올렸습니다: 그랑프리 드 라 뮤지크, 파리, 1982; 찰스 하이지크 프랑스-영국 음악에 대한 탁월한 공헌상, 1989; 극음악상, 스톡홀름, 1996; 왕립 필하모닉 협회 금상, 1999; 울프상, 이스라엘, 2000; 그라웨마이어 음악 작곡상, 2001년 루이빌 대학교, 2001년; 글렌 굴드 상, 글렌 굴드 재단, 2002년; 교토 상, 일본, 2009년; 드골-아데나우어 상, 2011년; 기가-헤르츠 상, 평생공로 금사자상, 베니스 비엔날레, 2012년; 글로리아 아티스 금상, 2012년; 로버트 슈만 상, 시와 음악, 2012년; 카롤 시마노프스키 상, 재단 Karol Szymanowski, 2012; 지식의 프론티어 상, BBVA 재단, 2013 및 벨기에, 영국, 캐나다, 체코 및 미국의 대학 및 음악원에서 9명의 명예 박사 학위를 받았습니다.^[267]

노트, 참조 및 출처

메모들

참고문헌

원천