노이즈 음악

Noise music
「Noise(음악)」는, 여기서 리다이렉트 됩니다.음악에서 발생하는 일반적인 노이즈에 대해서는 음악에서 노이즈를 참조하십시오.
노이즈 음악
문체적 기원
문화적 기원1910년대, 이탈리아
파생 형식
서브장르
퓨전 장르
지역 장면
기타 토픽

노이즈 음악은 음악적인 맥락 내에서 노이즈를 표현적으로 사용하는 것이 특징인 음악 장르이다.이런 종류의 음악은 전통적인 음악 연습에서 만들어진 음악과 비음악적인 [4]소리 사이의 구분에 도전하는 경향이 있다.노이즈 음악에는 노이즈를 주된 측면으로 하는 다양한 음악 스타일과 사운드 기반의 크리에이티브 연습이 포함됩니다.

소음 음악은 음향 또는 전자적으로 발생하는 소음과 전통적인 악기 및 비전통적인 악기 모두를 특징으로 할 수 있습니다.라이브 머신 사운드, 비뮤지컬 보컬 테크닉, 물리적으로 조작된 오디오 미디어, 가공된 사운드 녹음, 필드 녹음, 컴퓨터 생성 노이즈, 확률 프로세스 및 기타 임의로 생성된 전자 신호(왜곡, 피드백, 정적, 잡음, 잡음 및 험음 등)를 포함할 수 있다.또한 높은 음량 수준과 길고 연속적인 조각이 강조될 수 있습니다.보다 일반적으로 노이즈 음악은 즉흥 연주, 확장된 기술, 불협화음, 불확실성과 같은 측면을 포함할 수 있다.많은 경우 기존의 멜로디, 화음, 리듬 또는 펄스의 사용은 불필요합니다.[5][6][7][8]

미래주의 예술 운동 (가장 주목할 만한 것은 루이지 루솔로의 인토나루모리와 L'arte dei Rumori (소음의 예술) 매니페스토)는 1919년 4월 30일 [9][10]베를린에서 열린 다다 예술 운동과 마찬가지로 소음 미학의 발전에 중요했다.1920년대 프랑스 작곡가 에드가르드 바레즈는 뉴욕다다가 마르셀 뒤샹과 프란시스 피카비아의 잡지 391을 통해 그의 음악의 요소를 음질, 즉 1920년대 전반의 작곡, 오프랑드, 하이퍼프리즘, 옥상드르,[11][12] 인테르알레스의 관점에서 생각했다.Varése는 "고집적인 귀를 가진 사람들에게 음악에서 새로운 것은 항상 소음이라고 불려왔다"고 생각했고, 그는 "음악이 아니라 조직적인 소음이란 무엇인가?"라는 질문을 던졌다.[13]

Etude aux Chemins de Fer (철도 연구)로 시작된 Pierre Schaeffer의 1948년 음악 콩크르테 작곡 Cinq étude de bruits (5가지 소음 연구)는 이 [14]역사의 핵심이다.Etude aux Chemins de Fer는 파리의 Gare des Battignolles 기차역에서 녹음된 6대의 증기 기관차와 선로 위를 가속하고 이동하는 열차를 포함했습니다.이 곡은 전적으로 음악이 아닌 녹음된 소음 소리에서 파생되었으며, 따라서 소음이 허용 가능한 음악의 원천이 될 수 있다는 루솔로의 확신을 실현했다.Cinq éde de bruits는 1948년 10월 5일 Concert [14]de bruits라고 불리는 라디오 방송을 통해 초연되었다.

나중에 1960년대에, 플럭서스 예술 운동, 특히 일찍 라 몬테 영 Takehisa Kosugi,[15]과 아날로그#1Fluxus 예술가들 조 존스, Yasunao 톤, 조지 브레히트, 로버트 왓츠, 볼프 포스텔, 디터 로트, 오노 요코 백남준, 월터 드 마리아의 해양 음악, 밀란 Knížák의 깨진 음악 구성,(소음 세인트 중요한 역할을 했다.udy)(1961년) 플럭서스 [16]관련 작곡가 제임스 테네시.

현대의 노이즈 음악은 종종 극단적인 음량과 [17]왜곡과 관련이 있습니다.이러한 기법을 활용하는 주목할 만한 장르로는 노이즈 록과 무웨이브, 산업 음악, 재패니즈, [18][19]글리치 같은 포스트 디지털 음악 등이 있다.실험 록 분야에서는 루 리드의 메탈 머신 뮤직과 소닉 [20]유스 등이 대표적이다.소음 기반의 소재를 특징으로 하는 작곡가 및 밴드의 다른 주목할 만한 예로는 이안니스 제나키스, 칼하인츠 스톡하우젠, 헬무트 라첸만, 코넬리우스 카듀, 영원의 음악 극장, 글렌 브랑카, 리스 채텀, 이케다 료지, 서바이벌 리서치 연구소, 화이트하우스, 카브, 머즈 등이 있다.1960년대 [21]후반의 그의 사운드 조각(특히 바스크레 7세), 헤르만 니치의 오르기엔 미스터리 극장의 음악, 라 몬테 영의 활 모양의 징 작품들.

정의들

덴마크의 소음 및 음악 이론가 토르벤 상길드에 따르면, 음악에서 소음에 대한 하나의 정의는 가능하지 않다.Sangild는 대신 소음의 세 가지 기본적인 정의를 제공합니다: 음악 음향 정의, 통신 신호의 왜곡 또는 교란에 기초한 두 번째 의사소통 정의, 주관성에 기초한 세 번째 정의(어떤 사람에게 소음은 다른 사람에게 의미가 있을 수 있습니다.어제 불쾌한 소리로 여겨졌던 것은 다른 사람에게 의미가 없을 것입니다).y)[22]

Murray Shafer에 따르면 잡음에는 4가지 유형이 있습니다.불필요한 노이즈, 음악적이지 않은 소리, 큰 소리, 신호 시스템(전화기의 [23]잡음 등)의 장애입니다.음악에 대한 소음에 대한 정의는 [24]시간이 지남에 따라 변화하고 있습니다.벤 왓슨은 "영구적인 혁명으로서의 소음"이라는 기사에서 당시 청중들에게 루드비히 판 베토벤의 그로스 푸게(1825년)가 "소음처럼 들렸다"고 지적한다.실제로 베토벤의 출판사들은 현악 사중주곡의 마지막 악장으로서 베토벤을 원래 설정에서 삭제하도록 그를 설득했다.그는 그것을 반짝이는 알레그로로 대체하며 그렇게 했다.그들은 그 후에 그것을 [25]따로 출판했다.

폴 헤가티(2007)는 노이즈 음악과 그 가치를 정의하기 위해 저명한 문화 비평가 장 보드리야르, 조르주 바타유, 테오도르 아도르노의 작품과 그들의 작품을 통해 "노이즈"의 역사를 인용한다.그는 다른 시기의 소음을 "침입적, 바람직하지 않음", "기술 부족, 적절하지 않음", "위협적인 공허함"으로 정의합니다.그는 18세기 공연장 음악부터 시작해서 이러한 경향을 추적한다.헤가티는 관객이 4분 30초의 침묵(케이지 1973년)을 통해 앉아 있는 존 케이지의 작곡 4'33이 노이즈 음악의 시작을 나타낸다고 주장한다.헤가티에게 "노이즈 음악"은 4'33과 마찬가지로 에릭 사티에서 NON, 글렌 브랑카에 이르는 모든 노이즈 음악을 구성하는 "바람직한" 소리와 바람직하지 않은 "노이즈" 사이의 긴장을 완벽하게 나타내는 부수적인 소리로 구성된 음악이다.헤가티는 일본의 노이즈 음악에 대해 다음과 같이 말하고 있다.「장르가 아니라, 복수의 장르이기도 하고, 그 다양성이 특징입니다.일본의 노이즈 음악은 다른 모든 장르를 지칭하는 모든 스타일이 있습니다.다만, 중요한 것은, 장르에 관한 질문입니다.분류, 분류, 정의 가능한 것은 어떤 의미입니까」(헤가티 2007:13).

작가 더글라스 칸은 그의 작품 "소음, 물, 고기: 예술의 소리 역사"(1999년)에서 소음을 매개로 사용하는 것에 대해 논하고 안토닌 아르토, 조지 브레히트, 윌리엄 버로, 세르게이 아이젠슈타인, 플럭서스, 앨런 카프로, 마이클 맥클루어 오노, 요코, 오노의 아이디어를 탐구한다.

노이즈: 음악의 정치경제학(1985) Jacques Attali는 노이즈 음악을 단순히 사회적 변화를 반영하는 것이 아니라 중요한 전조로 간주함으로써 노이즈 음악과 사회의 미래 사이의 관계를 탐구한다.그는 음악의 소음이 사회 변화의 예측 변수이며, 소음이 사회의 잠재의식으로 어떻게 작용하는지 보여주며, 새로운 사회 및 정치 [26]현실을 검증하고 테스트합니다.그는 음악의 표준 역사를 파괴하고 문화를 이론화하려는 시도로 노이즈를 포함시킴으로써 많은 노이즈 음악 이론 연구의 길을 열었다.

특성.

현대 미술의 많은 부분과 마찬가지로, 노이즈 음악은 아래에 언급된 노이즈의 인식된 부정적인 특성들의 특성을 취하여 심미적이고 상상적인 방법으로 [27]그것들을 사용한다.

화이트 노이즈
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일반적으로 잡음이라는 단어는 원치 않는 소리 또는 소음 [28]공해를 의미합니다.전자제품에서 노이즈는 음향 노이즈(오디오 시스템 내)에 대응하는 전자 신호 또는 저하된 텔레비전 또는 비디오 [29]이미지에서 일반적으로 '눈'으로 보이는 (시각적) 노이즈에 대응하는 전자 신호를 가리킬 수 있습니다.신호 처리 또는 컴퓨팅에서는 의미 없는 데이터로 간주할 수 있습니다. 즉, 신호 전송에 사용되지 않고 단순히 다른 활동의 불필요한 부산물로 생성되는 데이터입니다.노이즈는 인간 및 전자 통신 모두에서 메시지의 의미를 차단, 왜곡 또는 변경할 수 있습니다.백색 노이즈는 전력 스펙트럼 [30]밀도가 일정한 랜덤 신호(또는 프로세스)입니다.즉, 신호는 모든 중심 주파수에서 고정 대역폭 내에서 동일한 전력을 포함합니다.백색 노이즈는 모든 [31][32]주파수를 포함하는 백색 빛과 유사한 것으로 간주됩니다.

초기 모더니스트들이 순진한 예술에서 영감을 받은 것과 거의 같은 방식으로, 일부 현대 디지털 아트 노이즈 뮤지션들은 와이어 레코더, 8트랙 카트리지, 비닐 [33]레코드와 같은 오래된 오디오 기술에 열광합니다.많은 아티스트가 독자적인 노이즈 발생 장치뿐만 아니라 독자적인 녹음 장비와 커스텀 소프트웨어(예를 들어 Joseph Nechvatal의 [34][35]바이러스 심포니 제작에 사용된 C++ 소프트웨어)도 만들고 있습니다.

1910~1960년대

소음의 기술

루이지 루솔로 ca. 1916년

20세기 초 이탈리아의 미래주의자 화가인 루이지 루솔로는 아마도 최초의 소음 [36][37]예술가였을 것이다.그의 1913년 선언문인 "소음의 예술"로 번역된 L'Arte dei Rumori는 산업 혁명이 현대인들에게 더 복잡한 소리를 감상할 수 있는 더 큰 능력을 주었다고 말했다.Russolo는 전통적인 멜로디 음악을 제한했고 노이즈 음악을 미래의 대체물로 생각했다.그는 인토나루모리라고 불리는 많은 소음 발생 장치를 설계하고 제작했으며 그들과 함께 연주하기 위해 소음 오케스트라를 조립했다.Risveglio di una citta (도시의 각성)와 Convegno d'aerplani e'automili (항공기와 자동차의 만남)라는 제목의 작품은 [38]모두 1914년에 처음 공연되었다.

그의 그랜드 콘체르토 퓨처리스코(1917)의 공연은 루솔로 자신이 예견했던 대로 관객들로부터 강한 거부감과 폭력에 직면했다.그의 억양 장치 중 어떤 것도 살아남지 못했지만, 최근 들어 일부는 재구성되어 공연에 사용되고 있다.러솔로의 작품은 재패노이즈와 같은 현대 노이즈 음악과 거의 유사하지 않지만, 그의 노력은 소음을 음악적 미학으로 도입하고 소리의 예술적 [39][40]매개체로서의 인식을 넓히는 데 도움이 되었다.

처음에 음악의 예술은 소리의 순수함, 투명함, 달콤함을 추구했다.그 후, 다른 소리들이 섞이면서, 그러나 부드러운 화음으로 귀를 애무하기 위해 주의를 기울였다.오늘날 음악은 점점 더 복잡해지면서 가장 불협화음, 이상하고 거친 소리들을 혼합하려고 노력합니다.이렇게 하면 소음에 더욱 가까워집니다.

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루이지의 오빠이자 이탈리아 미래주의 작곡가 안토니오 루솔로는 오리지널 인토나루모리를 특징으로 하는 두 작품의 녹음을 제작했다.1921년 제작된 축음기는 유명한 소음 기계를 배경으로 한 전통적인 관현악 음악을 결합한 코랄과 세레나타라는 제목의 작품으로 유일하게 남아 있는 [42]녹음기이다.

1916년 마르셀 뒤샹의 다다 관련 초기 작품도 소음과 함께 작동했지만 거의 침묵에 가까운 방식으로 작동했습니다.Marcel Duchamp의 발견된 물체 중 하나인 A Bruit Secret (With Hidden Noise)는 Duchamp가 Walter Arensberg와 [43]함께 만든 소음 기구를 만든 공동 작업이었다.브루트 시크릿이 흔들릴 때 안에서 무슨 소리가 나는지는 [44]여전히 미스터리로 남아 있다.

사운드를 찾았습니다.

같은 시기에 발견된 소리를 음악 자원으로 활용하는 것이 탐구되기 시작했다.1917년 5월 18일 파리의 샤틀레 극장에서 공연된 퍼레이드는 장 콕토에 의해 구상되고 파블로 피카소가 디자인, 레오니드 마신이 안무, 에릭 사티의 음악이 대표적이다.제작에 사용된 추가 음악 재료는 Cocteau에 의해 trompe l'oreille sounds라고 불렸으며 발전기, 모르스 부호 기계, 사이렌, 증기 엔진, 비행기 모터, 타자기를 [45]포함했다.Arseny Avraamov가 작곡한 공장 사이렌 교향곡은 해군 함정의 사이렌과 휘파람, 버스와 자동차 경적, 공장 사이렌, 대포, 포, 기관총, 하이드로 에어플레인, 특수 설계된 증기 휘파람 기계로 깃발과 마르세유즈를 사용하여 지휘하는 곡이다.1922년 [46]바쿠에서 공연되었을 때 권총.1923년, Arthur Honegger는 증기 [47]기관차의 소리를 모방한 모더니즘 음악 작품인 Pacific 231을 만들었습니다.또 다른 예는 오토리노 레스피기의 1924년 관현악곡 '로마의 소나무'로 나이팅게일 녹음의 [45]축음기 재생을 포함한다.또한 1924년 조지 안테일은 피아노 16대, 비행기 프로펠러 3대, 전기벨 7대가 포함된 악기로 발레 메카니크라는 작품을 만들었다.이 작품은 원래 Dudley Murphy와 Fernand Leger에 의해 같은 이름의 Dada 영화를 위한 음악으로 구상되었지만 1926년에 콘서트 곡으로 [48][49]독립적으로 초연되었다.

1930년에 Paul Hindemith와 Ernst Toch는 레코드를 재생하여 사운드 몽타주를 만들었고 1936년에 Edgard Varése는 레코드로 실험을 하여 레코드를 거꾸로 재생하고 다양한 [50]속도로 재생했습니다.바레즈는 일찍이 사이렌을 사용해 음향기기로는 달성할 수 없는 소리의 "연속 흐름 곡선"을 만들어냈다.1931년, 13명의 연주자를 위한 바레스의 이온화는 2개의 사이렌과 사자의 포효를 특징으로 하고 37개의 타악기를 사용하여 박음 없는 소리의 레퍼토리를 만들었으며,[51][52] 소음만을 바탕으로 구성된 최초의 음악 작품이었다.미국 작곡가 존 케이지(John Cage)는 바레스의 공헌에 대해 "바레스가 음악의 현재 본질을 확립했다"며 "다른 사람들이 여전히 '음악적 음색'과 [53]'소음'을 구별하는 동안 소리 그 자체로 옮겨갔다"고 말했다.

1937년에 쓴 에세이에서 케이지는 음악적인 소재를[54] 사용하는 것에 관심을 표명했고 그가 잡음이라고 부르는 소리와 빗소리, 라디오 채널 사이의 정적, 그리고 "시속 50마일의 트럭"을 포함한 음악적인 소리를 구별하게 되었다.기본적으로 케이지의 견해로는 모든 소리가 창조적으로 사용될 가능성이 있기 때문에 케이지의 견해는 구별되지 않았습니다.그의 목표는 음향 환경의 요소를 포착하고 제어하는 것이며, 음향 [55]재료에 의미를 부여하기 위해 Varese에서 차용한 용어인 음향 구성 방법을 사용하는 것이었다.Cage는 1939년에 그의 명시된 목표를 탐구하는 일련의 작품을 만들기 시작했는데, 첫 번째는 주파수 [56]기록이 있는 두 개의 가변 속도 턴테이블을 포함한 악기용 상상 풍경 #1이다.

1961년 제임스 테니는 컴퓨터 합성 노이즈와 유명한 엘비스 프레슬리의 [57]녹음을 샘플링하고 조작하여 콜라주 1번(테이프용)을 사용하여 아날로그 1번: 노이즈 스터디(테이프용)를 작곡했습니다.

실험 음악

음악을 만들기 위한 소음의 사용은 전자악기의 도움을 받아 만들어진 음악이 될 때까지 지속되고 증가할 것이며, 모든 소리를 들을 수 있게 될 것이라고 믿는다.

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1932년 바우하우스의 예술가 라즐로 모홀리-나기, 오스카 피싱거, 폴 아르마는 레코드 [57]홈의 물리적 내용을 수정하는 실험을 했다.

1940년대 [58]후반 샌프란시스코에서 헨리 코웰의 영향으로, 루 해리슨과 존 케이지가 정크 타악기 앙상블을 위한 음악을 작곡하기 시작했고, 폐차장과 차이나타운 골동품 상점을 뒤지기 시작했습니다.

유럽에서, 1940년대 후반 동안, 피에르 쉐퍼는 [59]처음에 소리를 발생시킨 원천으로부터 분리된 테이프에 있는 소리의 특이성을 나타내기 위해 뮤지크 콩크레트라는 용어를 만들었습니다.피에르 쉐퍼는 제2차 세계대전 중 파리에 라디오디오디퓨전텔레비전프랑세즈의 스튜디오 데사이 설립을 도왔습니다.프랑스 레지스탕스 초기에 활동했던 스튜디오 데사이(Studio d'Essai)는 작곡에 전자기기를 도입하는 것을 중심으로 한 음악 발전의 거점이 되었다.이 그룹으로부터 음악 콩트레가 개발되었습니다.일렉트로 어쿠스틱 음악의 일종인 뮤지크 콩크레는 녹음된 사운드, 전자기기, 테이프, 애니메이션 및 무생물 음원과 다양한 조작 기술을 사용하는 것이 특징이다.쉐퍼의 첫 번째 Cinq études de bruits (Five Noise Etudes)는 변형된 기관차 [14]소리로 구성되었다.마지막 에뛰드인 에뛰드 파테크(1948)는 소스 팬과 운하 보트에서 녹음된 소리를 사용합니다.Cinq études de bruits는 1948년 10월 5일 Concert de bruits라는 라디오 방송을 통해 초연되었다.

음악 콩크레트에 이어 리하르트 막스필드, 카를하인츠 스톡하우젠, 고트프리드 미카엘 쾨니그, 피에르 헨리, 이아니스 크세나키스, 라 몬테 영, 데이비드 튜더 등 모더니즘 미술 음악 작곡가들도 종종 [57]소리를 이용해 중요한 전자, 성악, 기악 작품을 작곡했다.1947년 말, 안토닌 아르토는 Four en Finir avec le Jugement de Dieu (To Have with the Judition of God)[60][61]를 녹음했습니다.이것은, 다양한 타진적인 요소들과 뒤섞인 실로포닉 사운드의 무작위적인 불협화음으로 가득 찬 오디오 곡입니다.1949년 누보 레알리즘의 예술가 이브 클라인은 하나의 20분 [62]지속 화음으로 구성된 40분짜리 오케스트라 곡인 모노톤 심포니 (공식적으로는 모노톤-사일런트 심포니, 1947-1948년 구상)를 작곡했는데, 이것은 하나의 드론의 소리가 어떻게 음악을 만들 수 있는지를 보여준다.또한 1949년, 피에르 불레즈는 에릭 사티의 음악에 대한 연구를 위해 파리를 방문하던 존 케이지와 친구가 되었다.John Cage는 전쟁 기간 동안 준비된 피아노, 폐차장 타악기,[63] 그리고 전자 장치를 위해 쓰면서 훨씬 더 놀라운 방향으로 음악을 밀고 나갔다.

1951년, 12개의 라디오 수신기를 위한 작품인 케이지의 상상의 풍경 #4가 뉴욕에서 초연되었다.작곡의 성능은 다양한 파장, 지속 시간 및 동적 레벨에 대한 지표를 포함하는 점수를 사용해야 하며, 이 모든 것은 우연한 [64][65]연산을 사용하여 결정되었습니다.1년 뒤인 1952년 케이지는 그의 알리아토릭 방식을 테이프 기반 작곡에 적용했다.또한 1952년에 카를하인츠 스톡하우젠은 에뛰드라는 제목의 소박한 음악 콩크르테 학생 작품을 완성했다.케이지의 작업은 그의 유명한 작품인 Williams Mix를 낳았는데, 그것은 I Ching의 요구에 따라 배열된 약 600개의 테이프 조각으로 구성되었다.케이지의 초기 급진적 국면은 그가 블랙 마운틴 칼리지에서 첫 예술 "해프닝"을 공개했던 1952년 여름과 소위 논란이 되고 있는 "침묵의 작품"인 4피트 33센트를 최고조에 달했다.4'33"의 초연은 데이비드 튜더가 맡았다.관객들은 그가 피아노 앞에 앉아 피아노 뚜껑을 닫는 것을 보았다.잠시 후, 그는 어떤 악보도 연주하지 않고 뚜껑을 열었다.잠시 후, 다시 아무것도 연주하지 않고 그는 뚜껑을 닫았다.그리고 잠시 후, 그는 다시 한번 뚜껑을 열고 피아노에서 일어섰다.악보 페이지를 넘기면서 스톱워치의 길이를 쟀지만 실제로는 튜더나 무대 위의 다른 누구도 고의적인 소리를 내지 않았다.그제서야 관객들은 케이지가 고집하는 것을 알아차릴 수 있었다: 침묵이란 것은 존재하지 않는다는 것이다.음악 소리가 [66]나는 소음은 항상 발생한다.1957년, Edgard Varése는 Poéme [67][68]electronique라는 제목의 스크랩, 쿵쾅, 그리고 바람에 의해 만들어진 소음을 사용하여 테이프에 확장된 전자 음악을 만들었습니다.

1960년 존 케이지가 '스타일러스'를 대체한 이물질과 접촉 마이크를 통해 증폭된 작은 소리로 포노 카트리지용 소음 합성 카트리지 뮤직(Cartridge Music)을 완성했다.또한 1960년 백남준은 고정 테이프와 손으로 제어하는 테이프 재생 [57]헤드를 위한 플럭서소브젝트를 작곡했다.1960년 5월 8일, 코스기 타케히사와 토네 야스나오를 포함한 6명의 젊은 일본 음악가들이 두 개의 노이즈 음악 녹음 테이프로 그룹 온가쿠를 결성했다.자동화와 객체.이 녹음들은 진공청소기, 라디오, 기름 드럼, 인형, 그리고 접시 세트와 함께 전통 악기들의 혼합물을 사용했다.게다가 녹음 속도가 조작되어 녹음중의 소리가 [69]한층 더 왜곡되었다.캐나다의 니힐리스트 스파즘 밴드는 1965년 온타리오 주 런던에서 결성되어 오늘날까지 공연과 녹음을 계속하고 있으며, 소닉 유스의 서스턴 무어와 히조카이단의 조조 히로시게와 같은 그들 자신이 영향을 받은 많은 신세대들과 함께 작업하고 있다.1967년, 로마에서 결성된 라이브 어쿠스틱/전자 즉흥 연주 그룹인 Musica Ellettronica Viva는 베를린의 [71]Akademie der Kunste에서 녹음된 유리와 모터 오일 캔과 같은 "음악적이지 않은" 물체에 접촉 마이크를 사용하여 SpaceCraft라는 제목의[70] 녹음을 만들었습니다.60년대 말, 그들은 예술가 미켈란젤로 피스토레토가 시작한 로 동물원이라고 불리는 집단 소음 행동에 참여했다.

미술평론가 로잘린드 크라우스는 1968년까지 로버트 모리스, 로버트 스미스슨, 리처드 세라 같은 예술가들이 "논리적인 조건들이 [72]더 이상 모더니즘으로 묘사될 수 없는 상황으로 접어들었다"고 주장했다.사운드 아트는 같은 상태에 있지만,[73] 분배에 중점을 두고 있습니다.안티모던 프로세스 아트는 포스트모던 포스트모던 산업문화와 그것이 [74]만들어지는 과정을 설명하는 데 사용되는 용어가 되었다.진지한 예술 음악은 강렬한 소음의 관점에서 이 결말에 반응했다. 예를 들어, La Monte Young Fluxus 작곡 89 VI 8 C. 1:42 – 1:52 AM 파리 앙코르에서 의자, 테이블, 벤치 등을 위한 시.영의 작곡 '두 개의 소리'(1960)는 타악기와 창유리를 증폭시키기 위해 작곡되었고, 그의 '탁자, 의자, 벤치 등을 위한 시'(1960)는 가구들이 바닥을 긁는 소리를 사용했다.

대중음악

The Mothers of Invention의 데뷔 앨범인 Freak Out!은 아방가르드 사운드 콜라주, 특히 1966년 수록곡 The Return of the Son of Monster [citation needed]Magnet을 사용했다.같은 해, 아트 록 그룹 벨벳 언더그라운드는 "Noise"[75]라는 제목의 트랙인 앤디 워홀이 프로듀싱하면서 그들의 첫 번째 음반을 만들었다.

"Tomorrow Never Knows"는 1966년 비틀즈의 스튜디오 앨범 리볼버의 마지막 곡으로, 주로 존 레논이 작곡했으며 폴 매카트니가 편곡에 큰 기여를 했다.트랙에는 루프 테이프 효과가 포함되어 있습니다.트랙을 위해, 매카트니는 한 봉지의슈톡하우젠의 게상 데 준링게를 듣고 집에서 만든 1⁄4인치 오디오 테이프 루프.테이프 레코더의 소거 헤드를 무효로 해, 녹음중에 테이프의 연속 루프를 머신에 스풀 하면, 테이프는 항상 오버더빙 해, 음악 콘크레트에서도 사용되는 [76]포화 효과를 얻을 수 있습니다.비틀즈는 1968년 화이트 앨범을 위해 제작된 곡인 "레볼루션 9"로 이러한 노력을 계속했다.이 곡은 사운드 콜라주를 단독으로 사용했고, 레논-매카트니의 공로를 인정받았지만, 주로 존 레논이 조지 해리슨과 [77]오노 요코의 도움을 받아 만들었다.

1975년, 네드 라긴은 공간적인 웅성거림으로 가득 찬 일렉트로닉 노이즈 음악과 트림과 삐걱거리는 소리로 가득 찬 분위기를 담은 앨범 "Seastones on Round Records"[78]를 발매했다.이 앨범은 스테레오 4음파로 녹음되었고 트리트먼트 기타를 연주하는 제리 가르시아와 일렉트로닉 알레빅 베이스를 [79]연주하는 필 레쉬를 포함한 그레이트풀 데드 멤버들의 게스트 공연이 특징이었다.데이비드 크로스비, 그레이스 슬릭, 그리고 제퍼슨 비행기의 다른 멤버들도 [80]이 앨범에 등장한다.

1970년대~현재

노이즈 록과 파도 없음

주요 기사:노이즈 록과 No Wave

Lou Reed의 더블 LP Metal Machine Music(1975년)은 노이즈 [81]음악으로 알려진 장르가 될 주요 특징을 담고 있는 것으로 인용된다.3단 우허 머신으로 녹음되고 밥 [82]루드비히가 마스터/엔지니어링한 이 앨범은 음악 평론가 레스터 뱅스가 "인간 [83]고막 역사상 가장 위대한 앨범"이라고 비꼬는 상업적인 스튜디오 노이즈 음악의 초기, 잘 알려진 예이다.그것은 또한 "역대 최악의 앨범"[84] 중 하나로 언급되었다.1975년 RCA는 마스터 테이프를 앞뒤로 재생하고 테이프를 [85]뒤집어서 만든 쿼드로포닉 버전의 Metal Machine Music 레코딩도 출시했습니다.리드는 라몬테 영의 드론 음악을 잘 알고 있으며, 그를 메탈 머신 [82][86][87]뮤직의 주요 영향자로 꼽는다.영의 영원한 음악 극장은 존 케일, 마리안 자젤라, 헨리 플린트, 앵거스 맥리스, 토니 콘래드,[88] 그리고 다른 사람들과 함께 60년대 중반 미니멀 음악 노이즈 그룹이었다.Theatre of Eternal Music의 일관되지 않은 음색과 큰 증폭은 불협화음과 [89]피드백을 모두 사용한 The Velvet Underground에 대한 케일의 후속 기여에 영향을 미쳤다.Cale과 Conrad는 Cale's Inside the Dream Syndicate 시리즈와 같은 60년대 중반에 만든 노이즈 음악 녹음을 발매했다.[90]

적절히 명명된 노이즈 록은 보통 인식 가능한 "록" 기기와 함께 록과 노이즈를 결합하지만 왜곡과 전자 효과, 다양한 수준의 무조성, 즉흥성 및 백색 노이즈를 더 많이 사용합니다.이 장르의 주목할 만한 밴드 중 하나는 노웨이브 작곡가 글렌 브랑카와 리스 채텀으로부터 영감을 받은 소닉 유스이다.[91]Marc Masters는 No Wave에 관한 그의 책에서 Mars와 DNA와 같은 공격적으로 혁신적인 초기 다크 노이즈 그룹이 펑크 록, 아방가르드한 미니멀리즘, 퍼포먼스 [92]아트를 이용했다고 지적한다.이 소음 궤적에서 중요한 것은 1981년 6월[93][94] NYC 아트 스페이스 화이트 칼럼스에서 소닉 유스의 서스턴 무어가 기획한 노이즈 페스트라고 불리는 9박의 노이즈 음악, 그리고 1983년 5월 라이브 스컬 멤버들이 기획한 스피드 트라이얼 노이즈 록 시리즈이다.

산업 음악

주요 기사:산업 음악
다음 항목도 참조하십시오.포스트 인더스트리얼 음악

1970년대에 예술의 개념이 확장되었고 서바이벌 리서치 연구소, 보르베토마거스, 엘리엇 샤프와 같은 그룹은 이러한 음악/공간 개념의 가장 불협화음과 가장 접근하기 어려운 측면을 수용하고 확장했습니다.비슷한 시기에, 산업 소음 음악의 첫 번째 포스트모던 물결이 The Pop Group,[95] Throughing Gristle, Cabaret Voltaire,[96] 그리고 NON과 함께 나타났다.이러한 카세트 컬처 릴리스는 종종 자니 테이프 편집, 극명한 타악기 및 거친 [97]소음으로 변질될 정도로 왜곡된 반복 루프를 특징으로 했습니다.1970년대와 1980년대에는, 킬링 농담, Throbbing Gristle, 마크 스튜어트&마피아, 코일, 라이 바하. Ljubljana의 독일명., 그대를 템플처럼 산업 소음 집단 산업 소음 음악 혼합 소리 금속 타악기, 기타, 그리고 jackhammers와 뼈 같은 파격적인"악기"(공연 Psychick인 청소년 귀두지 간호사 선생님, 상처와 아인스 튀어첸데 노이 바우텐 ov.)나는n 정교한 무대 퍼포먼스.이러한 산업 예술가들은 다양한 수준의 소음 생성 [98]기법을 실험했다.단파 라디오 사용에 대한 관심도 이 시기에 생겨났으며, 특히 John Duncan의 녹음과 라이브 공연에서 두드러졌다.포스트모던 미술의 영향을 받은 다른 포스트모던 미술 운동으로는 개념 미술과 조립, 몽타주, 브리콜라주, 세이브와 같은 기술의 신다다 사용 등이 있다.Test Dept, Clock DVA, Factrix, Autopsia, 야간 배출, Whitehouse, Depected Heads, Sutcliffe Jügend, SPK 등의 밴드가 곧 그 뒤를 이었다.1970년대 가정용 카세트 레코딩 기술의 갑작스런 산업화 이후 저렴한 가격에 펑크 록의 영향을 동시에 받아 No Wave 미학을 확립하고 오늘날 [98]일반적으로 노이즈 음악이라고 불리는 것을 부추겼다.

일본 잡음 음악

주요 기사 : 재패니즈
Merzbow, 2007년 저명한 재패니스 뮤지션

이후 초기 1980s,[99]일본, 아마 잘 알려 진 독특한 가혹한 예술가들과 밴드 정부의 알파, Alienlovers 아마가사키에 고지 오월 단오 같은 이름을 가진 상당한 출력, 때때로 Japanoise로 불리는, 생산이 되는 Merzbow(익명으로 일본 소리 예술가 마사미 아키타 출신이기도에서 얻은 영감으로. 그다다 예술가 커트 슈비터스의 심리 콜라주 [100][101]예술 프로젝트).1970년대 후반과 1980년대 초반, 아키타는 메탈 머신 뮤직의 출발점으로서, 소리를 기타 베이스의 피드백으로부터 해방시켜, 한층 더 노이즈 미학을 추상화했다.헤가티(2007)에 의하면, 「일본 음악에서 발생하는 다양한 종류의 노이즈가 출현한 이래, 노이즈 음악을 말하는 것은 많은 면에서 의미가 있습니다.양적인 면에서는 1990년대 이후와 정말로 관계가 있습니다...일본의 노이즈가 크게 성장함에 따라, 마침내 노이즈 음악은 하나의 [102]장르가 되었습니다.」이 활동의 급증에 기여한 다른 주요 일본 소음 아티스트로는 히조카이단, 지루함, C.C.C.C, 무능력함, KK Null, 야마자키 마소의 메이슨나, 솔마니아, K2, 더 게로게, 하나타시 [101][103]등이 있다.The Wire의 Nick [104]Cain은 1990년 이후 노이즈 음악의 주요 발전 중 하나로 Merzbow, Hijokaidan, Unablacitants와 같은 일본 노이즈 아티스트의 전성기를 꼽는다.

포스트 디지털 음악

주요 기사:글리치(음악)

산업용 노이즈, 노이즈 록, 무파음 및 거친 노이즈의 여파로 주변, 마이크로 사운드 또는 글리치 기반의 작업이 귀에 [105]더 미묘하게 들리는 노이즈 뮤지션들이 넘쳐나고 있습니다.Kim Cascone은 이러한 발전을 포스트 디지털 운동이라고 부르며 "[106]실패의 미각"이라고 표현한다.이 음악 중 일부는 피어 투 피어 파일 공유 서비스와 무료 릴리스를 제공하는 넷라벨 덕분에 널리 보급되었습니다.Steve Goodman은 이러한 무료 소음 기반 미디어의 광범위한 유출을 "소음 바이러스"[107][108]로 규정합니다.

컴파일

  • 소음과 일렉트로닉 음악 선집 1권~7권, 다양한 아티스트(1920~2012)
  • Bip-Hop Generation (2001 ~2008) 제1권부터 제9권, 다양한 아티스트, 파리
  • 인디펜던트 다크 일렉트로닉스 Volume 1 (2008) IDE
  • 일본 독립음악(2000년) 다양한 아티스트, 파리 소노레
  • Just Another Sould #5(1981) 컴필레이션 LP(1995년 Atavistic #ALP39CD 재발행), 제작자: Barbara Ess, Glenn Branca
  • 뉴욕 노이즈, Vol. 1-3 (2003, 2006, 2006) Soul Jazz B00009OYSE, B000CHYHOG, B000헤즈5CC
  • 노이즈 메이 데이 2003, 다양한 아티스트, 코켓 재팬 CD 카탈로그 번호: NMD-2003
  • No New York (1978) Antilles, (2006) Lilith, B000B63ISE
  • $eventh $ister 80시간 디스크 중 $un, (2013) 환기 갤러리 SLV DC 780.905 SU7S
  • 여성이 소음 컴파일(2006) 우부이비를 되찾다
  • Allegheny White Fish Tapes (2009), 담배, Rad Cult
  • 일미 소음 조약(1995년) CD, 재발
  • 뉴욕 노이즈 아워 뮤직 비디오 텔레비전 프로그램

「 」를 참조해 주세요.

메모들

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외부 링크

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