팝아트

Pop art
이 기사는 예술 운동에 관한 것이다.기타 용도는 팝아트(동음이의)를 참조하십시오.
An image of a sexy woman smiles as a revolver aimed at her head goes "Pop!"
에두아르도 파올로지, 나는 부자의 장난감(1947년)이었다.그의 Bunk! 시리즈의 일부로, 이것은 "팝 아트"의 최초 제공자로 간주되고 "팝"이라는 단어를 최초로 전시한 것으로 여겨진다.
A plain-looking box with the Campbell's label sits on the ground.
앤디 워홀, 캠벨 토마토 주스 박스, 1964년합성 폴리머 페인트와 실크스크린 잉크, 10인치×19인치×9인치(25.4×48.3×24.1cm), 뉴욕시 현대미술관

팝아트는 1950년대 [1][2]중후반 영국과 미국에서 나타난 예술 운동이다.이 운동은 광고, 만화책, 일상적인 대량 생산물과 같은 대중문화의 이미지를 포함시킴으로써 미술 전통에 대한 도전을 보여주었다.그것의 목적 중 하나는 대중문화의 이미지를 예술에 사용하는 것이며,[3] 대부분의 경우 아이러니의 사용을 통해 모든 문화의 진부하거나 촌스러운 요소를 강조하는 것이다.그것은 또한 예술가들이 기계적 방법으로 복제 또는 렌더링 기술을 사용하는 것과 관련이 있다.팝아트에서 소재는 알려진 컨텍스트에서 시각적으로 제거되거나 격리되거나 관련 없는 [2][3]소재와 결합됩니다.

팝아트 운동을 형성한 초기 예술가들 중에는 영국의 에두아르도 파올로지와 리처드 해밀턴, 그리고 래리 리버스, 레이 존슨 등이 있었다.로버트 라우셴버그와 재스퍼 존스도 미국에 있다.팝아트는 추상적 표현주의라는 당시 지배적 발상에 대한 반응으로, 그리고 그러한 발상의 [4]확대로 널리 해석되고 있다.발견된 물체와 이미지를 활용하기 때문에 다다와 비슷하다.팝아트와 미니멀리즘은 포스트모던 아트보다 앞선 예술 운동으로 여겨지거나 포스트모던 아트 자체의 [5]초기 사례 중 하나이다.

팝아트는 종종 현재 광고에서 사용되는 이미지를 찍는다.제품 라벨과 로고는 앤디 워홀의 캠벨 수프 캔 라벨에서 볼 수 있는 팝 아티스트들이 선택한 이미지에서 두드러지게 나타납니다.워홀의 캠벨 토마토주스박스 1964년(사진)에서 알 수 있듯이 소매용 식품을 담은 포장박스 겉면의 라벨도 팝아트의 소재로 사용되고 있다.

오리진스

찰스 데무스, 나는 뉴욕시 메트로폴리탄 미술관 소장품인 1928년 금화로 그림 5를 보았다.

북미에서 팝아트의 기원은 [3]영국과는 다르게 발전했다.미국에서 팝아트는 예술가들의 반응이었다; 그것은 엄격한 구성과 대표 예술로의 회귀를 의미했다.그들은 추상적 [4][6]표현주의의 개인적 상징성과 "비통할 정도로 느슨함"을 "해소"하기 위해 비인격적이고 평범한 현실, 아이러니, 그리고 패러디를 사용했다.미국에서는 래리 리버스, 알렉스 캣츠, 맨 레이의 작품들이 팝아트를 [7]기대했다.

반면 전후 영국에서 팝아트의 기원은 아이러니와 패러디를 사용하면서도 학구적이었다.영국은 미국 대중문화의 역동적이고 역설적인 이미지에 초점을 맞췄는데, 이는 삶의 전체 패턴에 영향을 미치는 강력하고 조작적인 상징적 장치로서 동시에 사회의 [6]번영을 향상시켰다.영국의 초기 팝아트는 [4]멀리서 보면 미국 대중문화의 영향을 받은 아이디어의 문제였다.비슷하게, 팝아트는 [4]다다이즘의 연장선이자 거부였다.팝아트와 다다이즘이 같은 주제를 탐구하는 동안, 팝아트는 대중문화의 [4]유물에 대한 객관적인 긍정으로 다다 운동의 파괴적이고 풍자적이며 무정부적인 충동을 대체했다.팝아트에 이르는 작품들로 보여지는 유럽의 예술가들로는 파블로 피카소, 마르셀 뒤샹, 커트 슈비터스가 있다.

프로토팝

비록 영국과 미국의 팝 아트 둘 다 1950년대에 시작되었지만, 마르셀 뒤샹과 프란시스 피카비아와 맨 레이와 같은 유럽의 다른 사람들은 이 운동을 앞서고, 게다가 "발견된" 문화 [4]유물을 이용한 몇몇 초기 미국 프로토 팝 기원이 있었다.1920년대 미국 예술가 패트릭 헨리 브루스, 제럴드 머피, 찰스 데무스, 스튜어트 데이비스는 팝아트 운동을 [8][9]거의 "선도"하면서 대중문화 이미지를 포함하는 그림을 그렸다.

영국: 인디펜던트 그룹

A collage of many different styles shows a mostly naked man and woman in a house.
리처드 해밀턴의 콜라주 오늘날의 가정은 무엇이 그렇게 다르고 매력적인가?(1956)는 "팝 아트"로 여겨지는 초기 작품들 중 하나이다.

1952년 런던에서 설립된 독립 그룹은 팝아트 [2][10]운동의 선구자로 여겨진다.그들은 젊은 화가, 조각가, 건축가, 작가, 비평가들이 모인 모임이었는데, 그들은 미술에 대한 전통적인 견해뿐만 아니라 문화에 대한 지배적인 모더니즘적 접근에 도전했다.이들의 그룹 토론은 대중 광고, 영화, 제품 디자인, 연재만화, 공상과학, 기술 등의 요소에서 대중문화의 함축에 초점을 맞췄다.1952년 제1회 인디펜던트 그룹 회의에서 공동 창립 멤버이자 예술가이자 조각가인 에두아르도 파올로지는 1947년부터 [2][10]1949년 사이에 파리에서 그가 조립한 일련의 콜라주를 사용하여 강연을 했다.광고, 만화책 캐릭터, 잡지 표지, 다양한 양산 그래픽과 같은 "찾은 물건"의 소재는 대부분 미국의 대중 문화를 대표했다.이 프레젠테이션의 콜라주 중 하나는 파올로지의 I as a Rich Man's Plaything(1947년)으로,[2][11] 리볼버에서 나오는 연기 구름 속에서 "팝"이라는 단어를 처음 사용한 것을 포함한다.1952년 파올로지의 주요 발표 이후 IG는 주로 미국 대중문화, 특히 [6]대중광고에 초점을 맞췄다.

존 맥헤일의 아들에 따르면 팝아트라는 용어는 1954년 그의 아버지가 프랭크 코델과 [12]대화하면서 처음 만들어졌지만, 다른 소식통들은 그 기원을 영국 비평가 로렌스 [13][14]알로웨이에 두고 있다.

1955년 IG 제2차 세션에서 IG 회원들의 토론에서 '팝아트'라는 용어가 사용됐고 1956년 [15]IG 회원인 앨리슨과 피터 스미슨이 Ark 매거진에 게재한 '하지만 오늘 우리는 광고를 수집한다'라는 기사에서 '팝아트'라는 용어가 처음 등장했다.그러나 이 용어는 1958년 영국의 미술 평론가이자 큐레이터인 로렌스 알로웨이가 쓴 에세이 "예술과 매스 미디어"에 의해 종종 인정된다. 비록 그가 사용하는 정확한 언어는 "대중 대중 문화"[16]입니다."게다가 그때의 의미는 지금의 뜻이 아닙니다.대중문화라는 용어는 대중문화에 끌리는 예술작품이 아니라 대중매체의 상품을 지칭하는 말로 사용하기도 했습니다.어쨌든 1954-55년 겨울과 1957년 사이에 대화에서 이 문구가 통용되었다.그럼에도 불구하고, Alloway는 대중문화의 이미지를 미술에 포함시키는 것을 옹호한 대표적인 비평가 중 한 명이었다.[17]Alloway는 1966년에 이러한 용어들을 명확히 했는데, 당시 팝 아트는 이미 미술학교와 작은 갤러리에서 미술계의 주요 세력으로 전환되어 있었다.그러나 그 성공은 영국에서 일어나지 않았다.뉴욕은 사실상 동시에 독립적으로 팝아트의 [17]온상이 되었다.

런던에서 1960년 영국 왕립 예술가 협회(RBA)의 젊은 재능 전시회가 처음으로 미국 팝의 영향을 보여주었다.1961년 1월, 가장 유명한 RBA-Young Contemporaries는 David Hockney, 미국 RB Kitaj, 뉴질랜드의 Billy Apple, Allen Jones, Derek Boshier, Joe Tilson, Patrick Caulfield, Peter Phillips, Pauline Boty, 그리고 Peter Blake 포스터를 애플 지도에 넣었다.호크니,[18] 키타즈, 블레이크는 같은 해에 리버풀에서 열린 존 무어스 전시회에서 상을 받았다.애플과 호크니는 1961년 여름 방학 동안 함께 뉴욕을 여행했는데, 그 때 애플은 앤디 워홀과 처음 접촉했다. 둘 다 나중에 미국으로 건너갔고 애플은 뉴욕 팝아트 [18]장면에 관여하게 되었다.

미국

팝아트는 1950년대 초에 시작되었지만 미국에서는 1960년대에 가장 큰 자극을 받았다."팝 아트"라는 용어는 1962년 12월에 공식적으로 도입되었습니다; 그 행사는 현대 [19]미술 박물관이 주최한 "팝 아트 심포시움"이었습니다.이때까지, 미국 광고는 현대 미술의 많은 요소들을 채택했고 매우 정교한 수준으로 기능했다.결과적으로, 미국 예술가들은 예술이 잘 디자인되고 영리한 상업적인 [6]재료들과 거리를 둘 수 있는 극적인 스타일을 더 깊이 찾아야만 했다.영국인들이 다소 분리된 시각에서 미국의 대중문화 이미지를 바라보면서, 그들의 견해는 종종 낭만적이고, 감성적이며, 유머러스한 함축적 의미를 심어주었다.이와는 대조적으로, 미국 예술가들은 매일같이 대량 생산되는 이미지의 다양성을 쏟아내며, 일반적으로 [10]더 대담하고 공격적인 작품을 만들어냈다.

A woman's crying face is overwhelmed by waves as she thinks, "I don't care! I'd rather sink than call Brad for help!"
로이 리히텐슈타인, 익사녀, 1963년 뉴욕 현대미술관에 전시되어 있다.

역사학자이자 큐레이터이자 비평가인 헨리 겔잘러에 따르면, "레이 존슨의 콜라주 엘비스 프레슬리 1호와 제임스 딘은 팝 운동의 [20]플리머스 록으로 서 있다."작가 루시 리퍼드는 "엘비스와 마릴린 먼로는 콜라주"라고 썼다.존슨은 그래픽 디자이너로 [21]일했고 1956년 앤디 워홀을 만났으며 뉴디렉션과 다른 출판사들을 위한 책 표지를 디자인했다.존슨은 오프셋 리소그래피를 통해 인쇄된 자신의 디자인 서비스를 광고하는 기발한 전단지를 발송하기 시작했다.그는 나중에 그의 "뉴욕 통신 학교"의 설립자로 메일 아트의 아버지로 알려지게 되었다. 그는 그의 [22]동시대 사람들처럼 더 큰 일을 하기 보다는 오려낸 오려낸 글과 그림들을 봉투에 채워 넣어 작은 일을 했다.1958년 1월 아트 뉴스의 표지 이미지에 대한 메모는 "재스퍼" 존스의 첫 번째 원맨쇼가..."라고 지적했다.로센버그, 투블리, 카프로, 레이 존슨과 같은 유명한 동료들과 함께 있다.[23]

실제로 미국 팝아트 어휘의 확립에 있어 다른 두 명의 중요한 예술가는 화가 Jasper Johns와 Robert Rauschenberg이다.[10]레이 존슨처럼 2차 세계대전 후 노스캐롤라이나 블랙마운틴 칼리지에 입학한 라우셴버그는 커트 슈비터스와 다른 다다 예술가들의 초기 작품에 영향을 받았고, "그림은 예술과 삶 모두에 관련되어 있다"는 그의 믿음은 그의 [24]시대의 지배적인 모더니즘적 관점에 도전했다.그의 버려진 기성품들과 대중문화 이미지들의 사용은 그의 작품들을 미국의 일상적인 [10][25][26]사건들과 연결시켰다.1962-64년의 실크스크린 그림은 표현력이 풍부한 붓글씨와 라이프, 뉴스위크, 내셔널지오그래픽의 실크스크린 잡지 오려낸 글씨를 결합했다.존스가 그린 미국의 국기, 표적, 숫자, 지도는 물론 에일 캔을 입체적으로 묘사해 예술 [27]표현에 대한 질문에도 관심을 끌었다.존스와 라우셴버그의 1950년대 작품은 종종 네오 다다라고 불리며 1960년대 [28][29]초에 폭발한 전형적인 미국 팝아트와 시각적으로 구별된다.

로이 리히텐슈타인은 미국 팝아트에 동등하게 중요하다.그의 작품과 패러디의 사용은 아마도 팝아트의 기본 전제를 다른 [10]어떤 것보다 더 잘 정의한다.구식 만화를 소재로 한 리히텐슈타인은 완곡하고 정밀한 구도를 만들어내면서 부드러운 패러디도 하고 있다.리히텐슈타인은 DC코믹스의 시크릿하츠 #83의 주인공 스토리에서 인용한 익사녀(1963년)와 같은 그의 가장 잘 알려진 작품에서 유화와 마그나 그림을 사용했다.[30]그의 작품은 두꺼운 윤곽과 과감한 색채, 그리고 특정한 색을 표현하기 위해 마치 사진 재현으로 만들어진 것처럼 벤데이 점이 특징이다.리히텐슈타인은 "추상표현주의자들은 캔버스에 물건을 내려놓고 그들이 한 일, 색깔의 위치와 크기에 반응했다"고 말했다.제 스타일은 완전히 달라 보이지만 선을 긋는 성격은 거의 똑같아요. 제 스타일은 폴록이나 [31]클라인처럼 서예처럼 보이지 않아요."팝아트는 유머, 아이러니, 그리고 인식 가능한 이미지/콘텐츠를 혼합하여 대중문화와 미술을 결합합니다.

앤디 워홀, 톰 웨셀만 등의 그림처럼 리히텐슈타인의 그림은 미국 대중문화의 평범한 이미지에 직접적인 애착을 갖고 있지만 대량생산의 [10]이상화를 분명하게 보여주는 비인격적인 방식으로 다루고 있다.

앤디 워홀은 아마도 팝아트에서 가장 유명한 인물일 것이다.실제로 미술평론가 아서 단토는 워홀을 "미술사가 [19]낳은 철학 천재에 가장 가까운 것"이라고 평한 바 있다.워홀은 팝을 예술적인 스타일을 넘어 생활적인 스타일로 바꾸려고 시도했고 그의 작품은 종종 그의 [32][33]많은 동료들의 아이러니와 패러디를 없애주는 인간적인 애정의 결핍을 보여준다.

초기 미국 전시회

1962년 앤디 워홀의 캠벨 수프 캔에 나온 체다 치즈 캔버스.

Claes Oldenburg, Jim Dine, 그리고 Tom Weselmann은 1959년과 1960년에 저드슨 갤러리에서 제임스 로젠퀴스트, 조지 시걸과 함께 맨해튼 57번가에 있는 그린 갤러리에서 1960년부터 1964년까지 그들의 첫 전시회를 가졌다.1960년, 마사 잭슨은 설치와 조립을 보여주었고, 뉴 미디어 – 뉴 폼은 한스 아르프, 커트 슈비터스, 재스퍼 존스, 클라스 올덴버그, 로버트 라우셴버그, 짐 디네, 메이 윌슨이 출연했습니다.161년은 마사 잭슨의 봄 쇼, 환경, 상황, 공간,[34][35] 그리고 공간, 그리고 그 해였습니다.앤디 워홀은 1962년 7월 로스앤젤레스에서 어빙 블럼의 페러스 갤러리에서 그의 첫 번째 개인전을 열었는데, 그곳에서 그는 캠펠의 수프 캔 32점의 모든 맛에 맞는 그림을 전시했다.워홀은 그림 세트를 블럼에게 1,000달러에 팔았다; 1996년 현대 미술관이 그것을 인수했을 때, 그 세트의 가치는 1,500만 [19]달러에 달했다.

맥스 팩터 주니어의 아들이자 아방가르드 문학 잡지 노마드의 미술 수집가이자 공동 편집자인 도널드 팩터는 잡지의 마지막 호인 노마드에 에세이를 썼다.비록 팩터가 이 용어를 사용하지 않았지만, 이 에세이는 팝아트로 알려지게 될 것에 대한 첫 번째 에세이 중 하나였다.에세이 "4명의 예술가"는 로이 리히텐슈타인, 제임스 로젠퀴스트, 짐 디네,[36] 클라스 올덴버그에 초점을 맞췄다.

1960년대 팝아트 운동에 관여하게 된 올덴버그는 당시 공연예술 관련 작품이었던 많은 사건들을 만들어냈다.그가 자신의 작품에 붙인 이름은 "레이 건 극장"이었다.그의 연기에 동료 배우로는 루카스 사마라스, 톰 베셀만, 카롤리 슈네만, 외빈드 팔스트롬, 리처드 아르슈바거, 딜러 애니나 노세이, 미술 비평가 바바라 로즈, 시나리오 작가 루디 뷔리처 [37]등이 있다.그의 첫 번째 부인인 패티 무차는 그의 초기 부드러운 조각품들을 꿰맸는데, 그는 그의 사건에서 끊임없는 연기자였다.종종 유머러스한 이 예술에 대한 무모한 접근은 본질적으로 예술이 "확실한" 표현이나 아이디어를 다루는 지배적인 감성과 매우 상충되었다.1961년 12월, 그는 뉴욕 마사 잭슨 갤러리에서 한 달 동안 처음 전시한 작품인 [37]더 스토어를 수용하기 위해 맨해튼의 로어 이스트 사이드에 있는 한 상점을 빌렸다. 이 상점은 소비재 형태의 조각품들로 가득 차 있다.

1962년 문을 연 빌럼 드 쿠닝의 뉴욕 미술상 시드니 재니스 갤러리는 새로운 미국, 프랑스, 스위스, 이탈리아 뉴 리얼리즘, 영국 팝아트 등을 대상으로 한 획기적인 국제전을 조직했다.전시된 54명의 화가들은 리처드 린드너, 웨인 티보, 로이 리히텐슈타인, 앤디 워홀, 클라스 올덴버그, 제임스 로젠퀴스트, 짐 디네, 로버트 인디애나, 톰 웨셀만, 조지 시걸, 피터 필립스, 피터 블레이크 등이었다.그 쇼는 뉴욕의 유럽인 Martial Rayse, Niki de Saint Palle, Jean Tinguely에 의해 보였는데, 그들은 미국 미술품의 크기와 모양에 놀랐다.마리솔, 마리오 쉬파노, 엔리코 바즈, 외빈드 팔스트롬도 등장했다.야니스는 마크 로스코, 로버트 마더웰, 아돌프 고틀립, 필립 구스턴이 갤러리를 떠나면서 추상적 표현주의 화가들을 잃었지만 디네, 올덴부르크, 세갈, 베셀만은 [38]얻었다.수집가 버튼 트레메인에 의해 던져진 첫날 밤 소이레에서 윌름 드 쿠닝이 나타났고 아이러니하게도 많은 드 쿠닝의 작품을 소유하고 있던 트레메인에 의해 거절당했다.로젠퀴스트는 "그 순간, 예술계의 무언가가 확실히 바뀌었다고 생각했다"[19]고 회상했다.존경받는 추상 예술가를 외면하는 것은 1962년 초에 팝아트 운동이 뉴욕의 예술 문화를 지배하기 시작했다는 것을 증명했다.

이보다 앞서, 서해안에서는 뉴욕의 로이 리히텐슈타인, 짐 디네, 앤디 워홀, 디트로이트의 필립 헤퍼튼과 로버트 다우드, 오클라호마시의 에드워드 러샤와 조 구드, 캘리포니아의 웨인 티에보 등이 새로운 '공통 작품 그림'에 포함됐다.미국 최초의 팝 아트 박물관 전시회는 패서디나 [39]미술 박물관에서 월터 홉스에 의해 큐레이터가 되었다.팝아트는 예술 세계를 바꿀 준비가 되어 있었다.뉴욕은 1963년 구겐하임 박물관이 로렌스 알로웨이의 큐레이터로 '6명의 화가와 물체'를 전시했을 때 패서디나를 따랐다.그 예술가들은 짐 디네, 재스퍼 존스, 로이 리히텐슈타인, 로버트 로센버그, 제임스 로젠퀴스트, 앤디 [40]워홀이었다.또 다른 중요한 초기 전시회는 1964년 비앙키니 갤러리에 의해 조직된 미국 슈퍼마켓이었다.이 쇼는 애플, 워홀, 리히텐슈타인, 베셀만, 올덴버그, 존스를 포함한 당대의 저명한 팝 아티스트들에 의해 만들어진 제품, 통조림, 고기, 벽면 포스터 등을 제외하고 전형적인 소규모 슈퍼마켓 환경으로 소개되었습니다.이 프로젝트는 2002년 테이트 갤러리의 쇼핑: 예술과 소비자 문화의 [41]세기의 일부로 재현되었습니다.

1962년까지 팝 아티스트들은 뉴욕과 로스엔젤레스의 상업 갤러리에서 전시하기 시작했다; 몇몇 사람들에게는 이것이 그들의 첫 상업적인 원맨쇼였다.페러스 갤러리는 로스앤젤레스의 앤디 워홀(1963년에는 에드 러샤)을 전시했다.뉴욕의 그린 갤러리는 로젠퀴스트, 시갈, 올덴버그, 베셀만을 전시했다.Stabil Gallery는 R을 보여줬다.인디애나 와 워홀 (그의 첫 뉴욕 쇼에서)레오 카스텔리 갤러리는 라우셴베르크, 존스, 리히텐슈타인을 전시했다.마사 잭슨은 짐 디네를, 앨런 스톤은 웨인 티보를 보여줬다.1966년, 그린 갤러리와 페루스 갤러리가 문을 닫은 후, 레오 카스텔리 갤러리는 로젠퀴스트, 워홀, 라우셴버그, 존스, 리히텐슈타인, 루샤를 대표했다.시드니 재니스 갤러리는 올덴버그, 세갈, 디네, 베셀만, 마리솔을, 앨런 스톤은 티보, 마사 잭슨은 로버트 [42]인디애나 대표를 맡았다.

1968년, 상파울루 9 전시회 – 환경 미국: 1957-1967에서 팝 아트의 "Who's Who"가 등장했습니다.미국 팝아트 시대의 고전적 국면을 요약한 것으로 여겨지는 이 전시회는 윌리엄 세이츠에 의해 기획되었다.그 예술가들은 에드워드 호퍼, 제임스 길, 로버트 인디애나, 재스퍼 존스, 로이 리히텐슈타인, 클라스 올덴버그, 로버트 라우셴버그, 앤디 워홀,[43] 톰 웨셀만이었다.

프랑스.

누보 레알리즘은 1960년 밀라노의 아폴로네르 갤러리에서 열린 첫 번째 집단 전시회에서 미술평론가 피에르[44] 레스타니와 예술가 이브 클라인에 의해 설립된 예술 운동을 말한다.피에르 레스타니는 1960년 4월 "Nouveau Réalisme – [45]현실을 인식하는 새로운 방식"을 선언하면서 "새로운 현실주의 선언"이라는 제목의 이 단체를 위한 최초의 선언문을 썼다.이 공동선언문은 1960년 10월 27일 이브 클라인의 워크숍에서 9명이 서명했다.이브 클라인, 아르만, 마르티알 레이세, 피에르 레스타니, 다니엘 스포에리, 장 팅굴리와 울트라 레트리스트, 프랑수아 뒤프렝, 레이몽 하인, 자크 드 라 빌레글레; 1961년에 세자르, 밈모 로텔라, 그리고 나르 생 생 갈레기에 의해 합류했다.크리스토는 그 그룹과 함께 선보였다.1970년에 [45]해체되었다.

프랑스에서 종종 그것의 전조로 생각되는 미국 팝 아트의 컨템퍼러리 - 새로운 사실주의는 플럭서스와 다른 그룹들과 함께 1960년대에 아방가르드의 수많은 경향들 중 하나였다.클라인과 아르만이 모두 그곳에서 출발했기 때문에, 그 그룹은 처음에 프랑스 리비에라에서 니스(Nice)를 본거지로 선택했다. 따라서 새로운 사실주의는 종종 역사가들에 의해 에콜 드 니스(Ecole de Nice) [46]운동의 초기 대표자로 여겨진다.플라스틱 언어의 다양성에도 불구하고, 그들은 자신들의 작업에 대한 공통 기반을 인식했다. 이것은 레스타니가 사용하는 용어로 현실을 직접 활용하는 방법이며, "도시, 산업 및 광고 [47]현실의 시적 재활용"이다.

스페인

스페인에서 팝아트에 대한 연구는 비공식주의 위기의 근원으로부터 생겨난 "새로운 비유"와 관련이 있다.에두아르도 아로요는 환경에 대한 관심, 대중매체 소통과 회화의 역사를 모두 아우르는 우리의 미디어 문화에 대한 비판, 그리고 거의 모든 확립된 예술 스타일에 대한 경멸로 인해 팝아트 트렌드에 적합하다고 말할 수 있었다.하지만, "팝" 예술의 가장 진정한 부분으로 여겨질 수 있는 스페인 예술가는 알프레도 알카인입니다. 왜냐하면 그는 그의 작품에서 인기 있는 이미지와 빈 공간을 사용했기 때문입니다.

1964~1981년 발렌시아에 존재했던 마놀로 발데스와 라파엘 솔베스가 만든 크로니클 팀(El Equo Cronica)도 스페인 팝아트에 속한다.그들의 움직임은 만화나 홍보 이미지를 사용하고 이미지와 사진 구도를 단순화했기 때문에 "팝"으로 특징지을 수 있다.영화감독 페드로 알모도바는 1970년대 마드리드의 '라 모비다' 하위문화에서 벗어나 저예산 슈퍼8 팝아트 영화를 제작했고, 이후 언론에서 스페인의 앤디 워홀로 불렸다.알모도바르에 관한 책 '알모도바르'에서 그는 1950년대 영화 '재미있는 얼굴'이 그의 작품에 중요한 영감을 주었다고 말했다.알모도바의 영화의 한 팝 상표는 그가 항상 한 장면에 삽입될 가짜 광고를 만든다는 것이다.

뉴질랜드

미셸 터퍼리의 피스포 루아아아페(소고기 2000) (1994년)

뉴질랜드에서 팝아트는 1990년대 이후 주로 번성하여 종종 키위아나(Kiwiana)와 관련이 있다.Kiwiana는 고기 파이, kiwifruit, 트랙터, 잔달, Four Square 슈퍼마켓과 같은 고전적인 키위 아이콘의 팝 중심적이고 이상적인 표현입니다. 이것의 고유한 캠핑성은 종종 문화적 메시지를 [48]나타내기 위해 전복됩니다.딕 프리젤은 뉴질랜드의 유명한 팝 아티스트로, 현대 문화를 패러디하는 방식으로 오래된 키위아나 상징을 사용하는 것으로 알려져 있다.예를 들어, 프리젤은 외국 작가들의 작품을 모방하는 것을 즐기며 그들의 작품에 뉴질랜드의 독특한 시각이나 영향을 준다.이것은 뉴질랜드의 역사적으로 가라앉은 영향을 세계에 보여주기 위해 행해졌다; 순진한 예술은 이렇게 아오테아 팝 아트와 연결된다.[49]

이것은 또한 Michel Tuffrey의 유명한 작품인 Pisupo Lua Afe (Corned Beef 2000)와 같이 연마되고 데드팬 방식으로 이루어질 수 있습니다.사모아인의 조상 중, 터퍼리는 피수포로 알려진 가공 식품 통조림으로 황소를 상징하는 작품을 만들었습니다.터프리는 신식민주의와 비서양 문화에 대한 인종차별을 주제로 하고 있기 때문에 서양 팝아트의 독특한 작품이다.부인할 수 없는 원주민적 관점은 팝아트의 [50][51]더 흔한 비토착적 작품들에 대해 그것을 돋보이게 한다.

뉴질랜드의 초창기 유명 팝 아티스트 중 한 명은 영국 왕립 예술가 협회의 몇 안 되는 영국인이 아닌 멤버 중 한 명인 빌리 애플이다.1961년 1월 RBA의 젊은 컨템포러리 전시회에서 데이비드 호크니, 미국 R.B. 키타즈, 피터 블레이크와 같은 사람들 사이에 등장한 애플은 1960년대의 상징적인 국제 예술가가 되었다.이것은 그가 '빌리 애플'이라는 별명을 갖기 전이었고, 그의 작품은 그의 출생지인 배리 베이츠라는 이름으로 전시되었다.그는 이름뿐만 아니라 외모로도 자신을 구별하려고 했고, 그래서 Clairol Instant Creme Whip으로 그의 머리와 눈썹을 탈색했다.나중에 애플은 1970년대 개념 예술 [52]운동에 참여하게 되었다.

일본.

일본에서 팝아트는 국가의 유명한 아방가르드 장면에서 발전했다.1920년대 후반에서 1930년대 초에 코가 하루에가 그린 포토몬티지 형식의 회화의 잡지를 모방한 현대 세계의 이미지 사용은 팝아트의 [53]전조가 되었다.일본의 구타이 운동은 1958년 마르타 잭슨의 뉴욕 갤러리에서 열린 구타이 전시회로 이어졌고, 그 후 그녀의 유명한 뉴 폼스 뉴 미디어 쇼가 [54]팝 아트를 유명하게 만들었다.쿠사마 야요이의 작품은 팝아트의 발전에 기여했고 앤디 [55][56]워홀을 포함한 많은 예술가들에게 영향을 주었다.1960년대 중반, 그래픽 디자이너 요코 다다노리는 가장 성공한 팝 아티스트 중 한 명이자 일본 팝 아트의 국제적인 상징이 되었다.그는 [57]비틀즈, 마릴린 먼로, 엘리자베스 테일러 등의 광고와 대중문화 아이콘의 예술작품으로 잘 알려져 있다.그때의 또 다른 대표적인 팝 아티스트는 타나미 케이이치였다.일본 만화와 애니메이션의 상징적인 캐릭터들도 스피드 레이서와 아스트로 보이와 같은 팝 아트의 상징이 되었다.일본 만화와 애니메이션은 또한 무라카미 다카시와 그의 슈퍼플랫 운동과 같은 후대의 팝 아티스트들에게 영향을 미쳤다.

이탈리아

1964년까지 이탈리아에서는 마리오 쉬파노, 프랑코 안젤리, 지오세타 피오로니, 타노 페스타, 클라우디오 신톨리, 피에로 만초니, 루치오 등의 팝 아티스트와 함께 팝아트가 알려지고 다양한 형태를 취했다.

이탈리아의 팝 아트는 1950년대 문화에서 유래했습니다.정확하게 말하면 엔리코 바지와 밈모 로텔라의 작품은 이 장면의 선구자로 여겨집니다.사실, 바지와 로텔라가 (완전히 포스트 다다이스트임에도 불구하고 일반적으로 비대표적인 장르에 속한다고 정의될 수 있는) 이전의 경력을 버리고 새로운 이미지의 세계로 뛰어들기 시작한 것은 1958~1959년 무렵이었다.로텔라의 찢어진 포스터는 그 어느 때보다 더 비유적인 맛을 보여주었고, 종종 노골적이고 의도적으로 그 시대의 위대한 아이콘들을 언급했습니다.Baj의 작곡은 현대적 키치에 깊이 빠져있었고, 그것은 모든 세대의 예술가들에게 이미지와 자극의 "금광"으로 판명되었다.

새로움은 "국내 벽" 안과 야외 둘 다의 새로운 시각적 파노라마에서 비롯되었다.자동차, 도로 표지판, 텔레비전, 모든 "새로운 세계" 등 모든 것이 새로운 예술 세계에 속할 수 있다.그런 점에서 이탈리아 팝아트는 국제무대와 같은 이데올로기의 길을 걷는다.유일하게 바뀌는 것은 아이콘그래피와 경우에 따라서는 아이콘그래피에 대한 보다 비판적인 태도의 존재입니다.이 경우에도 프로토타입은 Rotella와 Baj의 작품에서 찾을 수 있습니다. 둘 다 사회와의 관계에서 중립과는 거리가 먼 것입니다.그러나 이것은 독점적인 요소가 아니다; 지아니 루피, 로베르토 바르니, 실비오 파소티, 움베르토 비냐르디, 클라우디오 신톨리를 포함한 예술가들의 긴 줄이 있으며, 그들은 현실을 장난감으로 받아들이고, 여기서부터 환멸과 경박함으로 재료를 끌어낼 수 있는 거대한 이미지 풀로서 르네와 함께 전통적인 역할 모델에 의문을 제기한다.알도 팔라제스키의 "[58]재밌게 놀게 해줘"의 정신

폴 반 회이덕의 추락 우주인

벨기에

벨기에에서 팝아트는 폴 반 회이독과 다른 유명한 팝 아티스트들에 의해 어느 정도 표현되었다. 폴 반 회이독은 그의 조각품인 추락 우주 비행사를 달에 남겨두었다.Marcel Broodthaers와 같은 국제적으로 유명한 예술가들('vous ets doll'? 이블린 액셀과 파나마렌코는 팝아트 운동에 힘입은 바 있다.브루더스의 큰 영향은 조지 시걸이었다.또 다른 유명한 화가인 로저 레이벨은 그의 그림 중 하나에서 살아있는 비둘기와 함께 새장에 올라탔다.1960년대 말과 1970년대 초, 베트남 전쟁의 점점 더 끔찍한 성격 때문에 미국에 대해 더 비판적인 태도를 취하기 시작했을 때, 팝 아트 참조는 이러한 예술가들의 작품에서 사라졌다.그러나 파나마렌코는 오늘날까지 팝아트 운동에 내재된 아이러니를 간직하고 있다.나무르 출신의 에블린 액셀은 1964-1972년 동안 다작의 팝아티스트였다.액셀은 마그리트의 지도를 받은 최초의 여성 팝 아티스트 중 한 명이며 그녀의 가장 유명한 그림은 아이스크림이다.[59]

네덜란드

네덜란드에서는 정식 팝아트 운동이 없었지만 팝아트 초창기 뉴욕에서 활동하며 국제적인 팝아트 운동에서 영감을 얻은 아티스트들이 있었다.네덜란드 팝 아트의 대표주자로는 Daan van Golden, Gustave Aselbergs, Jacques Frenken, Jan Cremer, Wim T. Schippers, 그리고 Woody van Amen이 있다.그들은 진지한 저음으로 유머러스한 작품을 만들어냄으로써 네덜란드의 쁘띠 부르주아적 사고방식에 반대했다.이러한 성질의 예로는 우디 반 아멘의 Sex O'Clock, 자크 프렌켄의 [60]Crassix / Target 등이 있다.

러시아

드미트리 뷔벨의 그림 마이 갓, 이 치명적인 사랑에서 살아남게 도와줘 (1990년)

러시아는 팝아트 운동의 일부가 되기에는 조금 늦었고, 팝아트를 닮은 작품들은 러시아가 공산주의 국가였던 1970년대 초에야 표면화되었고 과감한 예술적 표현들이 면밀히 관찰되었다.러시아 고유의 팝 아트는 소련을 테마로 한 것으로 소츠 아트라고 불렸다.1991년 이후 공산당은 권력을 잃었고, 그에 따라 표현의 자유가 생겼다.러시아의 팝 아트는 드미트리 브루벨이 1990년 "나의 신, 나를 이 치명적인 사랑에서 살아남게 도와줘"라는 제목의 그림으로 요약한 또 다른 형태를 취했다.1950년대에 국가의 부를 증진시키기 위해 만들어진 소련 포스터는 그 자체로 팝아트의 [61]한 형태였다고 주장할 수 있다.

저명한 아티스트

「 」를 참조해 주세요.

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추가 정보

외부 링크

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