식각 재생

Etching revival
데이비드 영 캐머런, 세인트 제임스 공원 기마 경비대원 "재판 증명 - 미완료" 서명 및 서명

식각의 부활은 대략 1850년부터 1930년까지의 기간 동안 판화의 원형이 된 식각의 부활과 활성화였다.주요 중심지는 프랑스, 영국, 미국이었지만 네덜란드 등 다른 나라들도 참여했다.가장 인기 있는 예술가들이 매우 높은 가격을 달성하면서 강력한 컬렉터 시장이 형성되었습니다.이것은 1929년 월스트리트의 붕괴로 수집가들 사이에서 매우 강력한 시장이 된 것을 파괴한 후, 여전히 19세기 발전에 기반을 둔 운동의 전형적인 스타일이 [1]구식이 되어가고 있는 때에 갑자기 끝이 났다.

밤버 가스코인에 따르면, "운동의 가장 눈에 띄는 특징"은...인쇄판의 표면에 있는 잉크를 모두 지우지 않고, 잉크의 필름에 남아 있는 밝은 톤을 이미지 부분에 남김으로써 생기는, 표면 톤에 대한 집착이었습니다.이것과 다른 특징들은 렘브란트의 영향을 반영했고, 그의 명성은 이때까지 [2]최고조에 달했다.

샤를 프랑수아 도비니, 1861년 보트로 이사

비록 몇몇 예술가들이 그들만의 인쇄기를 소유했지만, 이 운동은 다양한 잉크, 표면 색조, 레트로스, 그리고 다른 용지의 사용으로 식각 기술의 모든 가능성을 이용하기 위해 예술가들과 긴밀하게 협력한 스타 프린터의 새로운 모습을 만들어냈다.사회와 잡지 또한 중요했고,[3] 다양한 아티스트들의 다양한 원본 판화 앨범을 고정판으로 출판했다.

찰스 메리언, 아브사이드 드 노트르담, 1854년 9번째 주

가장 흔한 소재는 풍경과 마을 풍경, 초상화, 서민들의 장르 장면이었다.현대 회화에서 여전히 매우 중요한 신화와 역사적 소재는 거의 등장하지 않는다.식각은 지배적인 기술이었지만, 많은 판들이 이것을 드라이 포인트와 결합했습니다; 그것들을 위해 판에 선을 만드는 기본적인 동작은 본질적으로 그림에서와 같았고, 숙련된 예술가들이 꽤 쉽게 습득할 수 있었습니다.때로는 판화, 메조틴트, 아쿠아틴트 등 다른 오목한 판화 기술이 사용되기도 했는데, 이 모든 기술들은 판화에서 보다 전문적인 동작을 사용했다.예술가들은 그 후 [4]접시에 산을 "물리는" 신비를 배워야 했다; 이것은 그 매력 중 하나였던 순수한 드라이 포인트에서는 필요하지 않았다.

이력 개요

렘브란트가 죽은 후 한 세기 동안 식각과 드라이포인트 기술은 점차 쇠퇴했다.18세기 후반에는 피라네시, 티에폴로, 고야와 같은 훌륭한 예외들을 제외하고는 대부분의 식각은 생식이거나 [5]삽화가 되었다.영국에서는 상황이 약간 나아졌는데, 사무엘 팔머, 존 셀 코트만, 존 크롬과 다른 사람들이 19세기 초에 대부분 풍경 소재의 훌륭한 오리지널 에칭을 만들었습니다.1838년에 설립된 에칭 클럽은 계속해서 [6]중계를 유지했다.

세기가 지나면서, 새로운 기술 발전, 특히 점차 컬러 인쇄에 성공할 수 있었던 석판 인쇄는 식각의 사용을 더욱 위축시켰다.에칭 리바이벌의 전형적인 스타일은 1840년대와 50년대의 바비존 학교의 판화로 프랑스에서 시작된다.화가들을 중심으로 많은 화가들이 옛 명화의 정신을 되살린 듯한 풍경화를 그렸다.샤를 프랑수아 도비니, 밀레, 특히 샤를 자케는 지난 [7]세기의 심하게 가공된 생식판과는 다른 에칭을 제작했다.또한 대부분 1850년대였던 찰스 메련의 어둡고 웅장하며 종종 수직 형태의 도시 풍경은 프랑스보다 [8]영국에서 더 많이 사용되긴 했지만, 부활의 마지막까지 사용될 매우 다른 주제와 스타일의 모델을 제공했다.

William Stren, 1882년, '포테이토 리프팅'은 포트폴리오에 게재되었습니다.

판의 강철 표면은 1857년에 특허를 받은 기술 개발로, "인쇄 사업에 즉각적인 혁신을 가져왔다".[9]그것은 전기 도금을 통해 동판에 철의 매우 얇은 코팅을 할 수 있게 했다.이로 인해 플레이트의 라인이 훨씬 더 내구성이 높아졌으며, 특히 드라이포인트 공정에서 튀어 오른 연약한 "버"가 구리만으로 인한 것보다 훨씬 더 오래 지속되었기 때문에 더 많은 (아직 작더라도) 풍부한, 버링된, 임프레션을 생성할 수 있었습니다.프란시스 시모어 하덴과 그의 처남인 미국인 제임스 맥닐 휘슬러가 이것을 최초로 이용했고, 드라이포인트는 아직도 종종 전통적인 식각과 결합되어 15세기 이후 보다 더 인기 있는 기술이 되었다.그러나 강철 표면은 품질 [10]손실로 이어질 수 있습니다.이것은 같은 시기에 유행했지만 거의 항상 메조틴트나 상업용 [11]인쇄용 철판에 새겨진 강철 조각과 혼동해서는 안 된다.

몇몇 사람들은 프랑스 식각 부흥에 특히 중요했다.출판사 알프레드 카다트, 인쇄업자 오귀스트 델라트, 1866년에 식각의 대중적인 교과서를 쓴 막심 랄란느 등이 운동의 넓은 윤곽을 만들었다.Cadart는 1862년에 Societe des Aquafortistes를 설립하여 [12]수집가들의 마음속에 아름답고 독창적인 식각의 인식을 되살렸다.Charles Meryon은 초기 영감이자 델라뜨르와 긴밀한 협력자로, 현대 식각의 다양한 가능한 기술을 제시하고 렘브란트 및 [13]뒤러와 함께 순위를 매길 수 있는 작품을 제작했습니다.

해머튼과 다른 사람들에게, 영국 식각 부흥의 아버지는 프란시스 시모어 하덴, 외과의사 등이었는데, 그는 그의 처남인 제임스 맥닐 휘슬러와 함께 1860년경부터 여전히 식각 [14]역사의 정점 중 하나로 남아 있는 작품을 만들어냈다.하덴은 수집가이자 렘브란트의 식각의 권위자였고, 젊은 남자 휘슬러가 17세기 모델로부터 멀어질 조짐을 보이기 시작하면서 하덴과 그가 헤어졌다는 것은 놀라운 일이 아니다.노르웨이의 [15]에드바르 뭉크, 스웨덴의 안데르스 조른, 독일의 [16]케테 콜비츠 등이 다른 나라 출신이다.

스티븐 패리쉬, 11월, 식각, 1880년

1863년 프랑스 부흥운동의 멤버 중 한 명인 예술가 알퐁스 레그로스를 설득한 사람은 휘슬러였다; 후에 그는 슬레이드 [14]미술학교의 교수가 되었다.양국 미술의 이러한 연결은 비록 오래 지속되지는 않았지만, 예술 형태로서의 식각의 유효성을 입증하는 데 큰 역할을 했다.곧, 프랑스 에칭은 프랑스 예술이 일반적으로 보여주었던 것과 같은 모더니즘적 징후를 보일 것이고, 반면 영국과 미국의 에칭은 렘브란트에서 존경받는 기술적 숙련도와 주제 예술가의 종류에 충실할 것이다.올드 마스터 시대와는 대조적으로 부활의 한 가지 뚜렷한 측면은 [17]인쇄물의 각 인상에 독특한 품질을 부여하는 데 관심이 있다는 것이다.

주로 판화를 제작하거나 주로 그림을 그리는 예술가는 거의 없었다.색맹이어서 효과적으로 그림을 [18]그리는 것을 막았던 메련이 아마도 가장 중요한 인물일 것이다.엄밀히 말하면 아마추어였던 하덴은 또 다른 사람이다.대부분의 예술가들은 계속해서 그림 작업을 했지만, 몇몇은 현재 주로 그들의 판화로 기억되고 있는 반면, 다른 사람들은 더 권위 있는 그림 매체에서 명성을 얻었고, 그들이 판화 제작자라는 사실은 전혀 잊혀지는 경향이 있다.드가, 마네, 피카소가 그 예이다; 휘슬러는 아마도 둘 [19]다로 알려져 있을 것이다.

Mary Cassatt, The Fiting, 1890, 드라이포인트와 아쿠아틴트는 일본 우키요에에서 영감을 받아 아티스트가 직접 그린 잉크입니다.

비록 운동의 이론가들은 식각, 드라이포인트, 그리고 일부 메조틴트의 전통적인 기법의 단색 인쇄에 집중하는 경향이 있었고, "식각 부활"이라는 용어는 주로 이러한 기법의 작품들에 관련되어 있지만, 많은 예술가들 또한 다른 기법, 특히 영국 밖에서 사용하기도 했다.프랑스인, 그리고 나중에는 미국인들이 석판 인쇄술에 매우 관심을 보였고, 장기적으로 이것은 특히 다음 세기에 컬러 사용의 가능성이 크게 [20]향상된 후에 지배적인 예술 판화술로 떠올랐다.식각한 바비종파의 예술가들은 1850년대와 1870년대 사이 [21]클리셰 베레의 세미포토그래피 식각과 같은 기법을 주로 사용했다.

1870년대 일본화의 유행은 색채의 일본 우키요에 목판화가 유럽에서 눈에 띄기 시작하면서 색채에 대한 움직임에 특별한 자극을 주었다.일본은 유럽과 비교해 상황이 역전되어 다색 인쇄는 했지만, 유럽에서는 볼 수 없었던 단색의 수묵화와 수묵화의 전통이 여전히 강하다.많은 판화 제작자들이 비슷한 [22]효과를 얻기 위해 그들만의 방법을 시도했는데, 그중에서도 가장 [23]효과적인 것은 '아 라 푸페 잉크'를 포함한 Mary Cassatt의 매우 복잡한 판화였다.일본의 판화가들은 색채별로 하나씩 여러 장의 목판을 사용했고, 16세기 [25]이후로는 진지한 예술가가 거의 작업하지 않았던 [24]목판화가 부활했다.

1930년 경에 부흥의 전형적인 스타일과 기술은 유행이 지났지만, 예술적 판화술에 대한 관심은 지속되어 왔고, 중요한 예술가들은 여전히 판화를 매우 자주 제작하고 있으며, 일반적으로 부흥이 개척한 사인된 한정판 프레젠테이션을 사용한다.석판화는 일반적으로 더 흔하지만, 전통적인 식각법을 사용한 뛰어난 세트는 1930년부터 1937년까지 제작되었고 그들을 [26]의뢰한 미술상인 앙브루아즈 볼라르 (1866년-1939년)의 이름을 딴 파블로 피카소의 "의문의 여지없이 20세기 최고의 등화"인 100점의 볼라르 세트이다.

나중의 아티스트

1875년 경 펠럼 베이 헨리 파러

1890년대 프랑스에서는 인쇄술, 주제, 스타일이 매우 다양하여 또 다른 생산성의 물결을 목격했다.앨범 정기 간행물인 L'Estampe Originale(모두 석판 인쇄로 아르누보에 더 기울인 1897-1899년의 유사한 L'Estampe Moderne과 혼동하지 말 것)는 1893년과 1895년 사이에 9개의 호를 발행했으며 74명의 매우 저명한 그룹에 의해 총 95개의 원본 판화가 수록되었다.이 판화들 중 60개는 석판화였고, 26개는 다양한 오목판(이것들의 3분의 1은 색을 사용), 7개의 목판화, 목판화, 석고화였다.[27]

그 주제들은 이전 수십 년과 비교해 눈에 띄게 많은 인물들을 가지고 있으며, 예술가들은 휘슬러, 툴루즈-로트렉, 고갱, 르누아르, 피사로, 폴 시그나크, 오딜론 레동, 로댕, 앙리 팡탱-라투르, 펠리시앙 랍스, 푸비스 드 샤반느를 포함한다.거의 모든 Les Nabis가 기여했습니다.피에르 보나르, 모리스 데니스, 폴 랑송, 에두아르 뷔야르, 케르 사비에 루셀, 펠릭스 발로통, 폴 세루시에.영국의 예술가들로는 윌리엄 니콜슨, 찰스 리케츠, 월터 크레인, 윌리엄 로텐슈타인이 있었고 휘슬러 조셉 페넬 외에도 [28]미국인이었다.

영국에서는 후세대에 기사 작위를 받은 세 명의 예술가가 식각 작업에 종사했다.이들은 영국 운동의 '대제사제'였다.Muirhead Bone, David Young Cameron (이 둘은 글래스고에서 태어나고 훈련받았다), 그리고 Frank Short.안토니 그리피스에 [14]따르면, 그들은 다른 사람들처럼 "어눌한 진지함으로 좁은 범위의 주제를 다루었다"고 한다.마이라 캐슬린[29] 휴즈와 윌리엄 스트랭은 다른 주요 인물들이었다.많은 예술가들은 보통 석판으로 된 삽화를 그리는 책으로 눈을 돌렸다.미국에서는 스티븐 패리쉬, 오토 바허, 헨리 패러, 로버트 스웨인 기퍼드가 영국 예술가들에 비해 판화에만 전념하지는 않았지만 세기의 전환기에 중요한 인물로 여겨질 수 있다.뉴욕 식각 클럽은 주요 전문 식각 단체였다.

부활의 마지막 세대는 여기에 이름을 붙이기에는 너무 많지만 그들은 윌리엄 월콧, 프레드릭 그리그스, 말콤 오스본, 제임스 맥비, 이안 스트랭, 영국의 에드먼드 블램피드, 미국의 마틴 루이스, 조셉 페넬, 그리고 존 테일러와 같은 이름을 포함할 수 있다.그릭스의 제자 조셉 웹은 가격 거품이 꺼지기 전 몇 년 동안만 식각하기 시작했고 1940년대 [30]후반까지 "낭만적인 전원 풍경"을 식각했다.

서적, 비평가 및 이론

프란시스 시모어 하덴, 템스 피셔스, 식각 드라이포인트, 1859

그 부흥은 적대적인 비판을 불러 일으켰다.존 러스킨은 1872년에 식각하는 것을 "나태하고 실수하는 예술"이라고 묘사했으며, 최종적인 이미지를 얻기 위해 화학 작용과 대부분 숙련된 인쇄술에 의존하는 것, 그리고 그것을 [31]창조하는 데 있어 예술가의 역할이 쉽게 인식되는 것에 반대했다.프랑스에서 시인 샤를 보들레르는 메리안과 다른 특정한 프랑스 전문가들을 매우 지지했고, 하덴과 휘슬러를 존경했다.그러나 1862년 그는 러스킨과 비슷한 이유로 아마추어(하덴과 같은)와 심지어 여성들 사이에 식각 열풍이 불고 있는 영국 현상에 적대적이었고, 프랑스에서는 "예쁜 여성들"조차 그들의 능력을 자랑스러워 할 때 에칭 클럽 전성기에 런던에서처럼 큰 인기를 얻지 못하기를 희망했다.니스 접시에 미숙한 바늘을 꿰매다전형적인 영국 열풍, 우리에게 [32]나쁜 징조가 될 수 있는 일시적인 광풍.

이러한 비판에 맞서기 위해, 이 운동의 회원들은 기술 과정의 정교함을 설명하는 것뿐만 아니라, 독창적인 (단순히 복제적인 것이 아닌) 식각들을 그들 자신의 훈련과 예술적 요구와 함께 창조적인 작품들로 고양시키기 위해 글을 썼다.Haden의 About Etching(1866년)은 특히 풍경화에 적용 가능한 식각의 특정한 관점을 자발성의 가능성을 효과적으로 확장시키고 고도로 완성되고 재작업된 [33]유화에서 상실된 방식으로 예술가의 창조적 과정을 드러내는 중요한 초기 작품이다.

James McNeill Whistler의 Zaandam, c.1889는 "학습된 누락"에 대한 Haden의 생각을 예시한다.

유화는 이러한 한계를 극복하기 위해 곧 발전(특히 인상주의)을 할 예정이었지만, 하덴의 수사학은 효과적이고 영향력이 있었다.그는 "학습된 누락" 스타일을 주창했는데, 접시에 줄이 적을수록 "각 [33]행에 존재하는 사고와 창의성이 더 커질 것"이라고 말했다.이에 따라 하덴(메련과 같은)은 인쇄 과정에서 표면 톤이 추가되는 것을 싫어했고 휘슬러와 이 같은 문제로 사이가 틀어졌다.Haden은 "나는 디테일에 거의 신경을 쓰지 않는 빠른 실행을 고집한다"고 썼다.그리고 이상적인 것은 하루의 작업으로 접시가 그려지고, 피사체 앞에서 물리고, 혹은 적어도 시각적인 기억력을 유지하기 위해 충분히 빨리 접시를 깨물어야 한다고 생각했다.Haden은 약산욕에 담근 상태에서 접시에 식각하는 새로운 기술을 고안하여 초기 선을 가장 깊게 물리는 방식으로 보통 드로잉과 깨물기가 다른 [34]단계로 수행되었습니다.

프랑스에서 Haden의 생각은 유화 스케치 같은 빠르게 그려진 작품들의 비교 장점과 완성된 그림을 만드는 훨씬 더 긴 과정을 두고 수십 년 동안 진행되어 온 논쟁을 반영했다.비평가 필립 버티는 일반적으로 하덴과 식각의 지지자이며, 그럼에도 불구하고 하덴 자신의 판화에 있는 국가의 수가 하덴이 완전히 그의 가르침을 따르지 않았음을 보여주는 것이라고 지적하면서 그의 작품을 신속하게 실행하는 것의 우월성에 대한 견해를 비판했다.1860년대 중반, 하덴은 러스킨의 식각의 강점, 예술가의 사상을 전달하는 용이성으로 본 것에 대해 러스킨이 개탄한 바로는 "식각 바늘 속에서 당신은 거의 억제할 수 없는 속도로의 유혹을 가지고 있다"[34]고 주장했다.

필립 길버트 해머튼은 영국에서 식각의 열렬한 추진자가 되었다.그는 화가로서 훈련을 받았으나 전문 미술평론가와 아마추어 등이 되었다.그의 식각과 에테르 (1868년)는 기술적인 텍스트라기보다는 미술사였지만 예술과 그 현대 실무자들의 대중화에 많은 기여를 했다.그의 사상은 [34]하덴의 사상과 많은 공통점을 가지고 있어, 하덴의 중요한 주제인 생략된 것이 중요한 스페어 스타일을 선호했다.그 책은 20세기까지 여러 판을 거쳤다.1870년대에 Hamerton은 또한 영향력 있는 잡지인 The Portfolio를 발행했는데, 이 잡지들은 1000부 분량의 식각본을 발행했다.Lalanne의 프랑스 에칭에 관한 논문은 S.R. Koehler에 의해 번역되어 1880년에 미국에서 출판되었다.그것은 미국의 에칭 리바이벌에서 중요한 역할을 했다.

호황과 불황

식각의 부활은 갤러리, 딜러, 클럽, 그리고 최고급 경매 회사들과 함께 잘 발달된 미술품 거래에 의존했습니다.이것은 1850년까지 런던, 파리, 그리고 다른 주요 중심지에서 이루어졌고 유럽과 미국에서 계속 크게 확장되었다.인쇄물은 잡지 "앨범"의 추가적이고 독특한 옵션을 가지고 있었다; 이것은 더 많은 수의 석판 인쇄를 안정적으로 할 수 있는 석판 인쇄에 훨씬 더 유용했지만, 강철 표면 판이 사용되었을 때 전통적인 단색 기술에도 매우 유용했다.이 미술품 거래는 대부분의 판화를 포트폴리오에 보관하고 있는 부유한 사람들의 전통적인 수집가 시장뿐만 아니라, 주로 일정한 수의 이미지를 집에 액자에 넣고 전시하기를 원했고, 이제는 복제품보다 독창적인 작품을 원했던 더 크고 빠르게 확대되고 있는 중산층 시장도 마찬가지였다.연성인쇄는 중산층과 [33]서민층을 대상으로 시장을 확대해 큰 호황을 누렸다.

20세기 초, 10년간 특히에 따라 제1차 세계 대전, 부유한 수집가들 가격에서 가장 높은 평가를 받는 예술가들에 의해 현대 판화, 때때로 잘 보여 주는 렘브란트는 Dü으로 프린트의 좋은 인상을 넘었던"super-etchers"[35]라고 불리는 거대한 붐에 대한 매우 강한 몸을 마친 후.rer,다른 올드 마스터들은 말할 것도 없고이 붐은 많은 예술가들이 다소 냉소적으로 이용했는데, 그들은 종종 "증거 상태"라고 표현되는 다소 과도한 수의 주에서 판화를 제작했고, 그래서 수집가들이 여러 권의 복사본을 구매하도록 장려했다.Muirhead Bone은 한 [36]번 인쇄될 때마다 28개 주를 보유하는 기록을 보유하고 있는 것으로 추정된다.표면 톤도 개성 있는 인상입니다.

더 유용하게, 인쇄물의 번호를 매기고 한정판으로 서명하는 지속적인 습관이 이 [14]시기에 시작되었다.이것은 진품임을 증명하고, 오목판으로부터 마모를 보이기 전에 취할 수 있는 최고 품질의 인상에 한정되어 있습니다.오늘날에는 이러한 제한이 거의 적용되지 않는 석판 인쇄와 같은 인쇄물에도 마케팅 목적으로 사용됩니다.휘슬러는 서명되지 않은 인상보다 서명된 인상보다 두 배 더 많은 금액을 청구하기 시작했습니다; 이것은 1887년 연재된 석판 [37]인쇄물입니다.

Edward Hopper, Night in the Park, 식각, 1921년

1920년대에 가장 높은 수준으로 오른 후, 최근의 식각 시장은 1929년 월스트리트의 붕괴 이후 대공황으로 붕괴되었고, 그 후, 가격은 "황당한 재정 투기로" "모든 것을 팔 [38]수 없게 만들었다.대영박물관의 판화 큐레이터인 캠벨 도그슨은 현대 판화를 수집했고 나중에 박물관에 기증했다.그는 본이 1902년 런던에서 처음 전시회를 열었을 때 본의 딜러에게 1, 2기니를 지불하고 뮤어헤드 본의 판화를 수집하여 쓰기 시작했다.1918년까지 그는 51파운드와 63파운드의 훨씬 더 높은 가격을 지불했다.그는 1940년대까지 본즈를 계속 사들였고, 그 때쯤에는 가격이 1902년 수준으로 되돌아갔다.그러나 도그슨에 따르면, 250파운드의 기록적인 가격이 스위스의 [39]오스카 라인하트가 사들인 "본의 걸작"(1905)에 지불되었다.

1935년부터 미국에서는 뉴딜 정책의 일부인 연방 예술 프로젝트가 판화를 위해 약간의 돈을 투자했지만, 많은 수집가 그룹이 없이 많은 예술가들이 회화에 복귀했다.에칭은 1980년대까지 가치가 크게 떨어졌는데, 그 때 비록 작은 시장이지만, 지금은 19세기와 20세기 미술의 흐름의 작지만 중요한 지류로 보여지고 있다.

Paul Gauguin, Manao Tupapau('죽은 자의 정령'), 1894-95, 손으로 그린 목판화와 스텐크 색채

대공황과 마찬가지로, 하덴과 휘슬러의 흑백 전통은 "인정할 수 있는 현대적 소재와 표현의 형태를 찾아야 할 필요성"[40]에 "매우 저항"하는 막다른 골목에 다다랐다.1926년 '올해의 인쇄물'의 에드워드 호퍼에 의한 리뷰는 이것을 잔인함과 함께 표현했다: "우리는 오래된 문간, 베네시안 궁전, 고딕 성당, 그리고 구리에 있는 영국 다리 주변에 즐거운 줄을 짜며 근면한 일생을 보내는 이 '진정한 에테르쿠르'들과 오랫동안 그리고 지겨운 친분을 쌓아왔다.이 손재주가 넘치는 사막을 큰 희망 없이 헤매다 보면...이 책에는 인내심과 기술이 점점 더 많이 쓰여지고 있다.기술적인 실험이나 강한 개인적 비전과 현대 생활과의 접촉은 거의 또는 전혀 없다.[41]그의 후기 그림과 유사한 도시 소재의 에칭은 호퍼의 초기 명성을 확립하는 데 중요했지만, 1924년경 그는 [42]대신 그림에 집중하기로 결심했다.

아티스트 현황

판화업은 전통적으로 미술계, 특히 보수적이기로 악명 높은 아카데미에서 회화와 조각의 "주요" 매체보다 훨씬 낮은 지위를 가지고 있었다.이것은 1853년 마침내 "아카데미안 판화"라는 열등한 회원 지위에 선출될 수 있는 능력을 얻은 런던의 왕립 학술원과 복제 판화 제작자들 사이에 오랫동안 논쟁의 불씨가 되어왔다.부흥이 시작될 때, 대부분의 예술가들은 화가들이었고, 특히 이러한 격차에는 관심이 없었지만, 19세기의 마지막 수십 년 동안 판화 작업에 주력하는 예술가들이 [33]많아지면서 이것은 바뀌었다.

영국에서는 Haden이 1879년 왕립 연구소에서 식판에 관한 일련의 강의에서 시작하여 이후 몇 년 동안 편지, 기사, 강의의 흐름으로 계속된 이 전선의 주요 활동가였다.현재 왕립화가협회인 화가-에셔 협회의 공동 창립자이자 초대 회장으로서 그의 역할은 이러한 노력의 일부였으며, 또한 새로운 전시를 제공하기도 했다.프랭크 쇼트와 윌리엄 스트랭과 같은 몇몇 화가들은 그들의 그림보다 그들의 판화로 더 잘 알려져 있고 아카데미 내에서 변화를 요구하는데 도움을 주었지만, "아카데미 판화가"와 "아카데미안"의 구별은 1928년까지 [33]폐지되지 않았다.

메모들

  1. ^ 캐리, 222-223
  2. ^ 그리피스, 35; 가스코인, 10d
  3. ^ 챔버스, "소개"; Salsbury
  4. ^ 메트로폴리탄 미술관, "에칭", 비디오 클립으로 기술 설명
  5. ^ 그리피스, 65-68; 콜린스, 256; 챔버스, 서론은 이에 반대한다, 전통적인 견해
  6. ^ 그리피스, 66-69; 챔버스, 개요
  7. ^ 그리피스, 68세; Salsbury; 챔버스, 소개; 콜린스, 256-257
  8. ^ 콜린스, 258세, 114-222에 대해 자세히 취재했습니다
  9. ^ 그리피스, 154-155
  10. ^ 시장, 125; 그리피스, 71, 76, 154-155
  11. ^ 그리피스, 154
  12. ^ 챔버스, 1장; Salsbury; Martin Kemp, (ed.) , 옥스퍼드 미술사, 옥스퍼드 대학 출판부 (2000), 페이지 359, ISBN0-19-860012-7.
  13. ^ 콜린스, 257세, 반 브레다, 야코부스'찰스 메련: 종이와 잉크', 아트 인 프린트, 제3권 제3호(2013년 9월~10월).
  14. ^ a b c d 그리피스, 69세
  15. ^ 캐리, 218, 248; 그리피스, 21, 106, 117
  16. ^ 캐리, 218, 230
  17. ^ 우드베리, 새라"좋은 인상을 주는 것: B.J.O. Nordfeldt's In In Print", 아트 인 프린트, 제7권 제2호(2017년 7월~8월).
  18. ^ 콜린스, 104-105
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  20. ^ 그리피스, 106-107, 120
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레퍼런스

  • Carey, Frances, "Campbell Dodgson (1867년-1948년)", Antony Griffiths (ed), 인쇄물 수집의 랜드마크 - 대영박물관 소장 및 기증자, 대영박물관 출판부, ISBN 0714126098
  • 챔버스, 엠마, 게으르고 실수하는 예술? The Etching Revival and Refinition in England, 2018(1999년 초판), Routledge, ISBN 0429852827, 9780429852824, 구글 북스
  • Collins, Roger, Charles Meryon: A Life, 1999, Garton & Company, ISBN 0906030358, 9780906030356
  • 가스코인, 밤버인쇄물 식별 방법: Woodcut에서 Inkjet, 1986년 (제2판, 2004년), Thames & Hudson까지의 수동 및 기계 프로세스에 대한 완전한 가이드 (페이지 넘버 ISBN 050023454X 이외 섹션 포함)
  • Griffiths, Anthony, Prints and Printmaking, 대영박물관 출판부(영국), 제2판, ISBN 071412608X
  • 아이브스, 콜타 펠러, 대파도: 일본 목판이 프랑스 판화에 미치는 영향, 1974년, 메트로폴리탄미술관, ISBN 0-87099-098-5
  • Mayor, Hyatt A., Prints and People, Metropolitan Museum of Art/Princeton, 1971, ISBN 0691003262
  • 영국, 솔즈베리."19세기 프랑스의 식각 부흥"'헤일브룬 미술사 연대표'에서요뉴욕:메트로폴리탄 미술관, 2014, 온라인
  • Stein, Donna M., Karshan, Donald H, L'Estampe originale; A Catalogue Raisonne, 1970, 뉴욕, 그래픽 아트 박물관

추가 정보

  • 엘리자베스 헬싱거 외현대 생활의 '글쓰기': 프랑스, 영국, 미국의 에칭 리바이벌, 1850-1940, 시카고, 2008.
  • Twohig, Edward (2018).반란군 인쇄: Haden - Palmer - Whistler와 RE(Royal Society of Painter-Printmakers)의 기원.런던:왕립 화가-인쇄업자 협회.ISBN 978-1-5272-1775-1.
  • Lang, Gladys Engel, Lang, Kurt(2001).추모 식각: 예술적 평판의 구축과 생존, 2001, 일리노이 대학 출판사, ISBN 0252070283.OCLC 614940938

외부 링크

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