르네상스 미술

Renaissance art
아이크, 겐트 제단 피스: 신비로운 어린 양의 숭배(내부관), 1432

르네상스 예술은 철학, 문학, 음악, 과학, 기술에서 일어난 발전과 병행하여 서기 1400년경[1] 이탈리아에서 독특한 스타일로 등장한 르네상스라고 알려진 유럽 역사 시대의 그림, 조각, 장식 예술이다.르네상스 미술은 고대 전통 중 가장 고귀한 것으로 인식되는 고전 고대의 예술을 그 기반으로 삼았지만, 북유럽 미술의 최근 발전을 흡수하고 현대 과학 지식을 적용함으로써 그 전통을 변화시켰다.르네상스 인문주의 철학과 함께, 그것은 새로운 기술과 새로운 예술적 감성의 발달로 예술가들과 그들의 후원자들 모두에게 영향을 미치면서 유럽 전역으로 퍼져나갔다.미술사학자들에게 르네상스 미술은 중세에서 초기 근대 시대로의 유럽의 전환을 나타낸다.

"르네상스 예술"로 식별되는 예술, 그림, 조각, 건축, 음악, 문학은 주로 14세기, 15세기, 16세기 유럽에서 자연에 대한 인식의 증가, 고전 학문의 부활, 그리고 인간에 대한 보다 개인주의적인 관점의 복합적인 영향 아래 만들어졌다.학자들은 르네상스가 말 그대로 "재탄생"을 의미하는 프랑스어의 르네상스라는 단어에서 알 수 있듯이, 중세 가치와 갑자기 단절되었다고 더 이상 믿지 않는다.유럽의 많은 지역에서 초기 르네상스 예술은 후기 중세 예술과 병행하여 만들어졌다.

오리진스

15세기 초 르네상스 남녀의 발전에 대한 많은 영향들은 르네상스 예술의 출현으로 인정되어 왔다; 그것들은 철학, 문학, 건축, 신학, 과학, 정부 그리고 사회의 다른 측면에 영향을 준 것과 같다.다음 목록은 르네상스 예술의 발전에 기여한 요소들로 확인된 사회적, 문화적 조건의 변화에 대한 요약이다.각각은 위에서 인용한 주요 기사에서 더 자세히 다루어진다.르네상스 시대의 학자들은 현재의 삶과 인간의 삶을 전체적으로 진화하고 발전시키는 방법에 초점을 맞췄다.그들은 중세 철학이나 종교에 많은 관심을 기울이지 않았다.이 기간 동안, 에라스무스, 단테, 페트라르카 같은 학자들과 인문학자들은 미신적인 믿음들을 비판하고 또한 그들에게 의문을 제기했다.[2] 교육의 개념은 또한 그 범위를 넓히고 예술, 음악, 시, 문학에 대한 공정한 이해를 가지고 삶의 이러한 측면을 감상할 수 있는 '이상적인 남자'를 만드는 데 더 초점을 맞췄다.이 기간 동안, 사람들이 교회의 불필요한 의식에 의문을 제기하는 데 도움을 주는 과학적인 견해가 나타났다.

  • 수세기 동안 유럽 학자들이 잃어버렸던 고전 서적들을 이용할 수 있게 되었다.여기에는 철학, 산문, 시, 드라마, 과학, 예술에 관한 논문, 초기 기독교 신학의 문서들이 포함되어 있었다.
  • 유럽은 이슬람 학자들의 저서에서 그 근거를 가진 고급 수학에 접근할 수 있게 되었다.
  • 15세기에 가동 활자 인쇄의 출현은 아이디어가 쉽게 전파될 수 있다는 것을 의미했고, 점점 더 많은 수의 책이 더 많은 대중을 위해 쓰여졌다.
  • 메디치 은행의 설립과 그에 따른 무역은 이탈리아 도시 피렌체에 전례 없는 부를 가져다 주었다.
  • 코시모 메디치는 교회나 군주제가 아닌 예술의 후원을 위한 새로운 기준을 세웠다.
  • 인본주의 철학은 인간과 인간, 우주, 그리고 신과의 관계가 더 이상 교회의 전유물이 아니라는 것을 의미했다.
  • 고전에 대한 관심이 되살아나면서 건축가 브루넬레스키와 조각가 도나텔로의 로마 유적에 대한 최초의 고고학적 연구가 이루어졌다.고전적인 선례를 바탕으로 한 건축 양식의 부활은 그림과 조각에 상응하는 고전주의를 불러일으켰고, 이는 1420년대 초에 마사치오우첼로의 그림에서 나타났다.
  • 유채화의 향상과 벨기에 예술가인 Robert Campin, Jan van Eyck, Rogier van der Weyden, Hugo van der Goes에 의한 유채화 기술의 발전은 약 1475년부터 이탈리아에서 채택되었고 궁극적으로 전 세계 회화 관행에 지속적인 영향을 미쳤다.
  • 15세기 초에 플로렌스 지역 내에서 우연히 나타난 예술적 천재들, 특히 마사치오, 브루넬레스키, 기베르티, 피에로 델라 프란체스카, 도나텔로, 미켈로초의 존재는 높은 르네상스의 위대한 거장들을 지지하고 격려하는 것뿐만 아니라 에토스를 형성했다.예술가들이 남다른 [3]품질의 작품을 만들어 낼 수 있게 된 거죠.
  • 재능 있는 벨리니 가문과 그들의 영향력 있는 사돈 만테냐, 조르지오네, 티티안, 틴토레토[3][4][5]통해 비슷한 예술적 성취의 유산이 베니스에서 일어났다.
  • 1435년 레오네 바티스타 알베르티, 1452년픽투라, 1452년 데 레 아데피케토리아의한 두 편의 논문 출판.

역사

1280년-1400년 이탈리아의 르네상스 시대

Square fresco. In a shallow space like a stage set, lifelike figures gather around the dead body of Jesus. All are mourning. Mary Magdalene weeps over his feet. A male disciple throws out his arms in despair. Joseph of Arimethea holds the shroud. In Heaven, small angels are shrieking and tearing their hair.
지오토: 1305년경 스크로베니 채플은 르네상스의 전조가 된다.

13세기 후반과 14세기 초 이탈리아에서, 피사, 시에나, 피스토이아에서 일하는 니콜라 피사노와 그의 아들 조반니 피사노의 조각은 아마도 고대 로마의 석관에 대한 이 예술가들의 친숙함에 영향을 받은 현저한 고전적인 경향을 보여준다.그들의 걸작은 세례당과 피사 대성당의 펄핏이다.

조반니 피사노와 동시대의 피렌체 화가 지오토는 동시대인이자 스승인 치마부에와 비교할 때 유례없이 자연주의적이고 입체적이며 실물과 같은 고전주의 회화 방식을 발전시켰다.16세기 전기작가 조르지오 바사리는 파두아의 아레나 채플에서 그리스도의 생애를 다룬 작품 중 가장 위대한 작품을 13세기 이탈리아에서 유행한 "추잡하고 전통적인 비잔틴 양식"에서 "재건하고 복원하는 예술"로 보았다.

1400-1495년 이탈리아의 초기 르네상스

도나텔로, 데이비드(1440년대)?나치오날레 델 바르젤로 박물관.

비록 피사노와 지오토 모두 학생과 추종자들이 있었지만, 최초의 진정한 르네상스 예술가들은 1401년까지 플로렌스 대성당 세례당의 청동세트를 조각하기 위한 경쟁과 함께 플로렌스에서 나타나지 않았습니다. 이 경쟁은 브루넬레스키, 도나텔로, 그리고 우승자인 로렌조 기베르티를 포함한 7명의 젊은 조각가들로부터 출품작을 끌어냈습니다.플로렌스 대성당과 로렌조 교회의 돔 건축가로 가장 유명한 브루넬레스키는 자연주의로 유명한 산타 마리아 노벨라의 실물 크기의 십자가를 포함한 많은 조각 작품들을 만들었다.그의 원근법 연구는 화가 마사치오에게 영향을 미쳤다고 생각된다.도나텔로는 초기 르네상스 시대의 가장 위대한 조각가로 유명해졌는데, 그의 걸작들은 그의 인문주의적이고 이례적으로 야한 다비드의 조각상이며, 피렌체 공화국의 아이콘 중 하나이며, 로마 시대 이후 만들어진 최초의 큰 승마 청동인 가타멜라타에 대한 위대한 기념물이다.

도나텔로의 동시대인인 마사치오는 지오토의 화가의 후손으로 1425년 이탈리아 회화의 초기 르네상스를 시작하였고, 지오토가 한 세기 전에 시작한 형태와 몸짓의 견고함과 자연주의 경향을 촉진시켰다.1425년부터 1428년까지, 마사치오는 몇몇 판화들을 완성했지만, 그가 브란카치 예배당에서 나이 든 화가 마솔리노와 함께 시작했고 미켈란젤로를 포함한 후기 화가들에게 깊은 영향을 준 프레스코 연혁으로 가장 잘 알려져 있다.마사치오의 발전은 프라 안젤리코의 그림, 특히 피렌체의 산 마르코 수녀원에 있는 그의 프레스코 벽화에서 진행되었다.

회화에서 원근법과 빛의 요소들에 대한 처리는 15세기 피렌체 화가들에게 특별한 관심사였다.Uccello는 원근법의 외모를 얻으려고 하는 것에 너무 집착해서 Giorgio Vasari에 따르면, 그것이 그의 수면을 방해했다고 한다.그의 해법은 세 점의 그림으로 이루어진 그의 걸작 세트인 산 로마노 전투에서도 볼 수 있는데, 산 로마노 전투는 1460년에 완성되었다고 여겨진다.피에로 델라 프란체스카는 빛과 직선 원근법에 대한 체계적이고 과학적인 연구를 했고, 그 결과는 아레초 산 프란체스코성십자역사 프레스코화에서 볼 수 있다.

나폴리에서 화가 안토넬로 다 메시나는 다른 이탈리아 화가들보다 앞선 1450년부터 초상화와 종교화를 위해 유화를 사용하기 시작했다.그는 이 기법을 북쪽으로 가져갔고 베니스의 화가들에게 영향을 주었다.북이탈리아의 가장 중요한 화가 중 한 명인 안드레아 만텍나는 방의 내부를 장식했고, 그의 후원자인 루도비코 곤차가에게 카메라 데글리 스포시는 가족과 궁정의 초상화를 환상적 건축 공간으로 세웠습니다.

이탈리아 미술에서 초기 르네상스의 종말은 시작과 마찬가지로 이번에는 경쟁보다는 협력으로 예술가들을 한데 모은 특별한 위원회에 의해 특징지어진다.교황 식스토 4세는 교황 예배당을 재건하고, 그의 이름을 따서 시스티나 예배당이라고 명명했으며, 산드로 보티첼리, 피에트로 페루기노, 도메니코 길란다이오, 코시모 로셀리 등 예술가들에게 그리스도와 모세의 삶을 묘사한 프레스코 주기로 벽을 장식하도록 의뢰했다.16개의 큰 그림에서, 비록 각각의 독특한 스타일로 작업했지만, 예술가들은 형식 원리에 동의했고, 기랜드, 베로키오, 기베르티, 베로키오의 큰 피렌체 스튜디오에서 높은 지점으로 옮겨졌던 조명, 선형 및 대기 원근법, 해부학, 단축법 및 특징화 기법을 사용했다.아이오와 페루기노.

장 푸케, 자화상 (1450).최초의 초상화 미니어처, 아마도 최초의 공식 자화상일 겁니다.

초기 네덜란드 미술, 1425년-1525년

Rogier van der Weyden, The Descent from the Cross (1435년경), 오크 판넬의 오일, 220cm × 262cm (87인치 × 103인치).마드리드, 프라도 박물관.

이 시기의 저지대 국가의 화가들은 얀 반 에이크, 의 형 휴버트에이크, 로버트 캄핀, 한스 멤링, 로지에 데르 베이든, 휴고 데르 고스를 포함했다.그들의 그림은 초기 이탈리아 르네상스 그림과 부분적으로 독립적으로 발전했고, 고대를 되살리려는 신중하고 의식적인 노력의 영향 없이 발전했다.

그림의 스타일은 중세 템페라, 판넬, 조명 원고, 스테인드 글라스와 같은 다른 형태의 그림에서 직접 발전했다; 프레스코의 매체는 북유럽에서 덜 흔했다.사용된 매개체는 유화 물감으로, 유연하고 비교적 내구성이 강하기 때문에 가죽 의례용 방패와 부속품을 칠하는 데 오랫동안 사용되어 왔다.초기 네덜란드 유화는 템페라 그림처럼 꼼꼼하고 세밀하다.이 재료는 톤의 변화와 질감을 묘사하는 데 적합하여 자연을 매우 세밀하게 관찰할 수 있게 되었다.

네덜란드 화가들은 직선적인 원근법과 올바른 비례의 틀을 통해 그림을 만드는 것에 접근하지 않았다.그들은 위계적 비율과 종교적 상징성에 대한 중세적 관점을 유지했고, 자연과 인공의 물질적 요소를 사실적으로 다루는 것을 즐겼다.얀 반 에이크는 동생 휴버트와 함께 신비로운 양의 제단화를 그렸다.안토넬로메시나는 나폴리나 시칠리아에 있을 때 반 아이크의 작품에 친숙했을 가능성이 높다.1475년, 위고 반 데 고스의 포르티나리 제단화가 피렌체에 도착했는데, 피렌체는 많은 화가들, 특히 즉시 도메니코 길란다이오에게 깊은 영향을 끼쳤습니다.

이 시기의 말기에 매우 중요한 네덜란드 화가는 히에로니무스 보쉬로, 그는 식물과 동물의 형태를 건축학적인 형태와 결합하면서 테두리와 글자를 장식하는데 종종 사용되는 공상적인 형태를 사용했다.조명의 맥락에서 볼 때, 그리고 인간과 함께 살았을 때, 이러한 형태는 보쉬의 그림에 다른 르네상스 화가의 작품과는 비교할 수 없는 초현실적인 품질을 부여한다.그의 걸작은 세 폭짜리 '지상의 기쁨의 정원'이다.

프랑스의 초기 르네상스, 1375년-1528년

헤이, 물랑 세발자전, 1498년경, 물랑 대성당 유화판

프랑스의 예술가들은 종종 궁정들과 연계되어 귀족들을 위한 조명된 원고와 초상화들뿐만 아니라 헌화들과 제단 작품들을 제공했습니다.가장 유명한 사람들 중에는 림부르 형제, 플랑드르 조명가, 그리고 Trés Ruiles Heures du Duc de Berry 원고 조명을 만든 사람들이 있습니다.1437년 이탈리아를 방문한 왕실의 화가 장 푸케는 파올로 우첼로와 같은 피렌체 화가들의 영향을 반영했다.프랑스의 샤를 7세의 초상화와 같은 초상화로 가장 잘 알려져 있지만, 푸케는 또한 조명을 만들었고, 초상화 축소판의 발명가로 여겨진다.

이탈리아나 플랑드르족과는 상당히 다른 양식적인 유명한 제단화를 그린 화가들이 이 시기에 많이 있었다.여기에는 두 명의 수수께끼 같은 인물인 엥게랑드 쿼톤과 의 가장 유명한 작품인 물랭 제단피스의 이름을 따서 "물랭의 거장"으로 알려진 장 헤이가 포함됩니다.이들 작품에서는 인간의 모습, 감정, 조명에 대한 사실성과 면밀한 관찰이 금색 배경을 포함한 중세적 형식과 결합되어 있다.

이탈리아의 르네상스 시대, 1495년-1520년

"보편적 천재" 레오나르도 다빈치는 자연계에 대한 그의 관찰을 연구하고 꼼꼼하게 기록한 일생 동안 초기 르네상스 시대의 예술가들을 사로잡았던 그림 예술의 양상(조명, 선형과 대기 원근법, 해부학, 전축과 특성화)을 더욱 완벽하게 했다.그가 유화 물감을 주요 매체로 채택한 것은 모나리자 (1503–1506)에서 보여지듯이 빛과 그것이 풍경과 물체에 미치는 영향을 이전보다 더 자연스럽고 더 극적인 효과로 묘사할 수 있다는 것을 의미했다.그의 시체 해부는 끝나지 않은 광야의 성 제롬 (1480년경)에서 볼 수 있듯이 골격과 근육 해부학의 이해를 증진시켰다.1495-1498년에 완성된 최후의 만찬에서 인간의 감정을 묘사한 그의 묘사는 종교 회화의 기준이 되었다.

미켈란젤로, 시스티나 성당 천장에서 아담의 창조, 1511년경

레오나르도의 젊은 동시대 미켈란젤로의 예술은 매우 다른 방향으로 나아갔다.미켈란젤로는 그림에서도 조각에서도 인체를 제외한 어떤 자연물체의 관찰에도 관심을 보이지 않는다.그는 20대 초반에 로마의 성 베드로 대성당에 다윗과 피에타의 거대한 대리석 조각상을 만들어냄으로써 그것을 묘사하는 기술을 완성했다.그리고 나서 그는 인체 해부학의 표현 가능성에 대한 탐구를 시작했다.교황 율리우스 2세시스티나 성당 천장에 그림을 그리도록 의뢰한 것은 모든 후속 [6]유럽 예술가들에게 심오한 영향을 미칠 수 있는 비유적 구성의 최고 걸작을 만들어냈다.1534년에서 1541년 사이에 시스티나 성당의 제단 벽에 그려진 그의 후기 작품인 "최후의 심판"은 1520년에서 1530년 사이에 전성기 르네상스 양식에서 계승된 일반적으로 길쭉한 몸을 가진 매너리즘 스타일을 보여준다.

레오나르도, 미켈란젤로와 함께 르네상스 시대의 세 번째 위대한 화가로서 서있던 젊은 라파엘로는 짧은 생애에 교황 율리우스 2세와 그의 후계자 교황 레오 10세의 초상화와 시스티나를 포함한 마돈나와 그리스도 아이에 대한 수많은 묘사를 포함한 많은 생동감 있고 매력적인 초상화를 그렸다.1520년 37세의 나이로 사망한 그의 죽음은 많은 미술사학자들에 의해 르네상스 전성기의 종말로 여겨지지만, 몇몇 개별 예술가들은 그 이후 수년간 르네상스 양식으로 작업을 계속했다.

북이탈리아에서, 전성기는 주로 베네치아의 학파, 특히 조반니 벨리니의 후기 작품들, 특히 종교 그림들에 의해 대표되는데, 여기에는 왕위에 오른 마돈나 주변에 성인들의 집단을 보여주는 "성스러운 대화"로 알려진 형태의 여러 개의 큰 제단 작품들이 포함되어 있다.1510년 32세의 나이로 사망한 그의 동시대 조르지오네템페스트같은 수수께끼 같은 작품 몇 점을 남겼다.티티안의 초기 작품들은 인간의 액션과 드라마를 화려한 색과 분위기와 결합한 거대한 제단 작품인 "처녀가정"을 포함하여 전성시대부터 시작되었다.티티안은 그의 인물들을 정의하기 위해 점점 더 색채와 빛을 사용했지만, 1570년대 그의 경력이 거의 끝날 때까지 전반적으로 높은 르네상스 스타일로 그림을 계속 그렸다.

독일 르네상스 미술

루카스 크나치, 아폴로, 다이애나.

독일 르네상스 미술은 북유럽 르네상스로도 알려진 북유럽 르네상스의 더 넓은 범주에 속합니다.르네상스의 영향은 15세기부터 독일 미술에 나타나기 시작했지만, 이러한 경향은 널리 퍼지지 않았다.가드너의 시대를 통한 예술은 화가이자 조각가인 미하엘 파허를 이탈리아 르네상스의 영향을 보여주기 시작한 첫 번째 독일 예술가로 지목한다.그 자료에 따르면, 파허의 그림인 성 볼프강 포스악마가 기도서를 들고 있는 (1481년경)은 후기 고딕 양식이지만, 이탈리아 화가 만테냐[7]영향도 보여준다.

가드너에 따르면 1500년대에 독일의 르네상스 미술은 "16세기 북유럽 미술은 이탈리아 르네상스에 의해 이루어진 진보를 갑작스럽게 깨닫고 가능한 [8]한 빨리 이 새로운 스타일을 동화시키고자 하는 열망에 의해 특징지어진다"고 한다.독일 르네상스 미술의 가장 잘 알려진 실천가 중 한 명은 Albrecht Durrer (1471–1528)였는데, 그의 고전 사상에 매료되어 그는 예술을 공부하기 위해 이탈리아로 갔다.가드너와 러셀은 둘 다 이탈리아 르네상스 양식과 아이디어를 [9][10]독일로 가져오는 데 독일 예술에 대한 뒤러의 기여의 중요성을 인식했다.러셀은 이것을 "독일 [9]예술의 고딕 양식의 창을 여는 것"이라고 부르는 반면 가드너는 그것을 뒤러의 "삶의 [10]임무"라고 부른다.중요한 것은 가드너가 지적했듯이, 뒤러는 비록 그의 스타일이 항상 그것을 반영하지는 않았지만 "남부 르네상스의 [10]기본 목적을 완전히 이해한 최초의 북부 예술가였다."같은 자료에서 한스 홀바인 (1497–1543)이 "근접한 사실주의의 [11]북부 전통"을 지키면서 이탈리아 사상을 성공적으로 동화시켰다고 말한다.이는 뒤러가 독일과 이탈리아 스타일을 결합하지 않고 "자신의 고유 독일 스타일"[10]로 작업하는 경향과 대조된다.독일 르네상스의 다른 중요한 예술가로는 마티아스 그뤼뉴발트, 알브레히트 알트도르퍼, 루카스 크나흐 [12]대제가 있다.

조각가 같은 장인들은 단지 그들의 공예품을 완성하는 것보다 미학에 더 관심을 갖게 되었다.독일에는 1400년대 후반에 금속 판화를 한 마르틴 숄가우어 같은 거장이 있었다.가드너는 이러한 그래픽 아트의 숙달과 독일에서 일어난 인쇄의 진보에 관련지어,[13] 르네상스 시기에 금속 판화가 목판을 대체하기 시작했다고 말한다.하지만, 알브레히트 뒤러와 같은 몇몇 예술가들은 계속해서 목판을 그렸습니다.가드너와 러셀은 둘 다 뒤러의 목판화의 훌륭한 품질을 묘사하고 있는데, 러셀은 뒤러가 "그들을 높은 예술 작품으로 [9]발전시켰다"고 언급했습니다.

영국

영국은 뚜렷한 르네상스 스타일을 개발하는데 매우 늦었고 튜더 궁전의 대부분의 예술가들은 영국에서 사망한 한스 홀바인을 포함저지대 국가 출신의 수입 외국인들이다.한 가지 예외는 니콜라스 힐리어드를 포함한 예술가들이 유럽의 다른 지역에서 인기를 끌기 훨씬 전에 독특한 장르로 발전시킨 초상화 축소판이다.스코틀랜드의 르네상스 미술은 비슷하게 수입 화가들에게 의존했고, 주로 궁정에 제한되었다.

주제와 상징성

Sandro Botticelli, Magnifat Madonna, 1480–1481, Tempera on panel, 플로렌스, Uffizi

르네상스 시대의 화가들은 매우 다양한 주제를 그렸다.종교적인 제단화, 프레스코화, 개인적인 헌신을 위한 작은 작품들이 매우 인기가 있었다.영감을 얻기 위해 이탈리아와 북유럽의 화가들은 중세 예술가들에게 이미 강한 영향을 미쳤던 성인들의 에 대한 매우 영향력 있는 자료서인 야코부스보라긴황금전설(1260)에 자주 눈을 돌렸다.고전 고대와 르네상스 인문주의의 부활은 또한 많은 신화역사 그림을 낳았다.를 들어, 오비다 이야기는 매우 인기가 있었다.장식적인 장식은 종종 그려진 건축적 요소에 사용되었고, 특히 고전적인 로마 모티브의 영향을 받았다.

기술

  • 비례의 사용 – 14세기 초 지오토 디 본도네의 작품에서 우주를 향한 창으로서의 그림의 첫 번째 주요 처리가 나타났다.진정한 직선 원근법은 나중에 필리포 브루넬레스키와 레온 바티스타 알베르티에 의해 공식화 되었다.예술에 대한 보다 사실적인 표현뿐만 아니라, 그것은 르네상스 화가들을 더 많은 그림을 구성하도록 움직였다.
  • 포단축 – 포단축이라는 용어는 깊이의 착각을 일으키기 위해 도면에서 선이 짧아지는 예술적 효과를 말합니다.
  • 스푸마토 – 이탈리아 르네상스 화가 레오나르도 다빈치에 의해 만들어진 스푸마토라는 용어는 깊이 또는 입체감을 주기 위해 얇은 유약을 사용하여 한 톤을 다른 톤으로 미묘하고 점진적으로 혼합함으로써 날카로운 윤곽을 흐리게 하거나 부드럽게 하는 미술 회화 기법을 말한다.이것은 증발하거나 희미해진다는 뜻의 이탈리아어 sfumare에서 유래했다.라틴어의 어원은 후마레(fumare)이다.
  • ChiaroscuroChiaroscuro라는 용어는 깊이 또는 입체적인 착각을 주기 위해 명암 사이의 강한 대비를 사용하는 미술 그림 모델링 효과를 말합니다.이것은 바로크 시대에 널리 사용된 기술인 밝은(chiaro)과 어두운(scro)을 뜻하는 이탈리아 단어에서 유래했다.

르네상스의 예술가 목록

이탈리아

저지대 국가

독일.

프랑스.

스페인과 포르투갈

베네치아 달마티아(현대 크로아티아)

작동하다

주요 컬렉션

「 」를 참조해 주세요.

레퍼런스

  1. ^ "Renaissance". encyclopedia.com. June 18, 2018.{{cite web}}: CS1 maint :url-status (링크)
  2. ^ "What were the impacts of Renaissance on art, architecture, science?". PreserveArticles.com: Preserving Your Articles for Eternity. 2011-09-07. Retrieved 2021-10-19.
  3. ^ a b 프레데릭 하르트, 이탈리아 르네상스 미술사(1970)
  4. ^ Michael Baxandall, 15세기 이탈리아에서의 회화와 경험(1974년)
  5. ^ 마가렛 애스턴, 15세기 유럽의 전망(1979년)
  6. ^ https://www.laetitiana.co.uk/2014/07/introduction-to-renaissance-movement.html[베어 URL]
  7. ^ Gardner, Helen; De la Croix, Horst; Tansey, Richard G (1975). "The Renaissance in Northern Europe". Art Through the Ages (6th ed.). New York: Harcourt Brace Jovanovich. p. 555. ISBN 0-15-503753-6.
  8. ^ Gardner, Helen; De la Croix, Horst; Tansey, Richard G (1975). "The Renaissance in Northern Europe". Art Through the Ages (6th ed.). New York: Harcourt Brace Jovanovich. pp. 556–557. ISBN 0-15-503753-6.
  9. ^ a b c Russell, Francis (1967). The World of Dürer. Time Life Books, Time Inc. p. 9.
  10. ^ a b c d Gardner, Helen; De la Croix, Horst; Tansey, Richard G (1975). "The Renaissance in Northern Europe". Art Through the Ages (6th ed.). New York: Harcourt Brace Jovanovich. pp. 561. ISBN 0-15-503753-6.
  11. ^ Gardner, Helen; De la Croix, Horst; Tansey, Richard G (1975). "The Renaissance in Northern Europe". Art Through the Ages (6th ed.). New York: Harcourt Brace Jovanovich. pp. 564. ISBN 0-15-503753-6.
  12. ^ Gardner, Helen; De la Croix, Horst; Tansey, Richard G (1975). "The Renaissance in Northern Europe". Art Through the Ages (6th ed.). New York: Harcourt Brace Jovanovich. pp. 557. ISBN 0-15-503753-6.
  13. ^ Gardner, Helen; De la Croix, Horst; Tansey, Richard G (1975). "The Renaissance in Northern Europe". Art Through the Ages (6th ed.). New York: Harcourt Brace Jovanovich. pp. 555–556. ISBN 0-15-503753-6.

외부 링크