고대 이집트의 예술

Art of ancient Egypt
"이집트 예술"은 여기서 리다이렉트됩니다.현대 이집트의 예술에 대해서는 이집트의 현대 미술을 참조하십시오.
고대 이집트의 예술
투탕카멘의 가면; 기원전 1327년; 금, 유리, 반보석; 높이: 54cm(21인치), 이집트 박물관(카이로)
기자의 피라미드는 기원전 2580년에서 2560년 사이에 구왕국 시대에 건설되었다.
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고대 이집트 미술은 기원전 6천년부터 기원후 4세기 사이에 고대 이집트에서 만들어진 미술을 말하며, 선사시대 이집트에서 로마 이집트의 기독교화까지 이른다.그것은 그림, 조각, 파피루스에 관한 그림, faence, 보석, 이보리, 건축, 그리고 다른 예술 매체를 포함한다.그것은 또한 매우 보수적이다: 예술 스타일은 시간이 지남에 따라 거의 변하지 않았다.남아 있는 미술품의 대부분은 무덤과 기념비에서 나온 것으로, 고대 이집트의 사후 믿음에 대한 더 많은 통찰력을 준다.

고대 이집트어에는 "예술"이라는 단어가 없었다.예술작품은 종교와 이념으로 묶인 본질적인 기능적 목적을 수행했다.어떤 주제를 예술로 표현한다는 것은 그 주제를 영구화하는 것이었다.그러므로, 고대 이집트 예술은 이상화되고 비현실적인 세계관을 묘사했다.예술이 질서 유지라는 더 넓고 우주적인 목적을 제공했기 때문에 개인의 예술적 표현에 대한 중요한 전통은 없었다.

고대 이집트의 예술 (기원전 6000~3000년)

기원전 4400~3100년 선사시대 이집트의 유물: 왼쪽 위에서 시계방향으로: 바다리안 상아 조각상, 나카다 항아리, 박쥐 조각상, 화장품 팔레트, 부싯돌 칼, 디오라이트 꽃병.

이집트 선사시대 신석기 시대에 해당하는 다이너스티 이전의 이집트는 기원전 6000년부터 기원전 3100년경 초기 왕조시대 초반까지 이어졌다.

사막의 지속적인 확장은 이집트인들의 초기 조상들이 나일강 주변에 정착하도록 강요했고 신석기 시대에는 좀 더 앉아서 생활하도록 했다.기원전 9000년부터 6000년까지의 기간은 고고학적 증거를 거의 남기지 않았지만, 기원전 6000년경 이집트 [1]전역에 신석기 정착촌이 나타나기 시작했다.형태학,[2] 유전학,[3] 고고학 자료에[4] 기초한 연구들은 이러한 정착지가 신석기 혁명 동안 비옥한 초승달에서 돌아온 이주자들이 이 지역에 [5]농업을 가져왔기 때문이라고 보고 있다.

메림데 문화 (기원전 5000-4200년)

기원전 약 5000년부터 4200년까지, 웨스턴 나일 삼각주의 가장자리에 있는 큰 정착지에서만 알려진 메림드 문화는 이집트 하부에서 번성했다.그 문화는 레반트뿐만 아니라 파이욤 A 문화와도 밀접한 관련이 있다.사람들은 작은 오두막에서 살았고, 간단한 장식되지 않은 도자기를 생산했으며, 석기를 가지고 있었다.소, 양, 염소, 돼지를 기르고 밀, 수수, 보리를 심었다.메림드 사람들은 그들의 시체를 정착지에 묻었고 토우상을 [6]제작했다.진흙으로 만들어진 이집트 최초의 실물 크기의 머리는 메림데에서 [7]왔다.

바다리아 문화 (기원전 4400년-4000년)

기원전 4400년부터 4000년까지의 [8]바다리안 문화는 데르 타사 근처의 바다리 유적지에서 이름을 따왔다.그것은 타시안 문화 (기원전 4500년경)를 따랐지만, 너무 비슷해서 많은 사람들이 그들을 하나의 연속적인 기간으로 여겼다.바다리안 문화는 블랙탑 도자기를 계속 생산했고(품질이 훨씬 향상되었지만), 21-29번 [9]일련번호가 할당되었다.학자들이 두 시대를 합치는 것을 막는 주된 차이점은 바다리안 유적지가 석기시대인 반면,[9] 바다리안 유적지는 석기시대라는 것이다.

  • A Badarian burial. 4500–3850 BC

    바다리안 매장.기원전 4500-3850년

  • Mortuary figurine of a woman; 4400–4000 BC; crocodile bone; height: 8.7 cm; Louvre

    여성의 빈소상; 기원전 4400~4000년; 악어뼈; 키: 8.7cm; 루브르

  • String of beads; 4400–3800 BC; the beads are made of bone, serpentinite and shell; length: 15 cm; Metropolitan Museum of Art

    구슬의 줄; 기원전 4400–3800; 구슬은 뼈, 뱀석 및 조개껍질로 만들어져 있다; 길이: 15cm; 메트로폴리탄 미술관

  • Vase in the shape of a hippopotamus. Early Predynastic, Badarian. 5th millennium BC

    하마 모양의 꽃병.초기 프리디나스틱, 바다리안기원전 제5천년기

나카다 문화 (기원전 4000~3000년)

나카다 문화는 칼콜리스틱 프리디나스틱 이집트(기원전 4400~3000년경)의 고고학적 문화로, 케나 주 나카다 마을의 이름을 따서 명명되었다.나카다 1, II, III의 세 개의 서브시대로 나뉜다.

나카다 1세

암라티아 문화([8]나카다 1세)는 기원전 4000년에서 3500년까지 지속되었다.검은 상판기는 계속 등장하고 있지만, 흰색의 세트로 긴밀하게 평행하게 장식된 도기류인 흰색 십자형 도기도 이 시기에 발견된다.Amratian 기간은 [10]SD 30에서 39 사이입니다.

2호

「」(「3200)
이집트 아비도스의 선사시대 게벨 엘 아라크 나이프 상아 손잡이(등).루브르 [11]박물관
게벨 엘 아라크 칼에 동물의 주인으로서의 메소포타미아 왕.이 예술 작품은 이집트와 메소포타미아 관계 기간 동안 메소포타미아가 이집트에 미친 영향과 우루크 [11][12]기간 동안의 메소포타미아 왕실의 도상학 상태를 보여준다.

기원전 [8]약 3500년부터 3200년까지의 게르제 문화(나카다 II)는 게르제 유적에서 이름을 따왔다.이집트 문화 발전의 다음 단계였고, 다이나믹 이집트의 토대가 마련된 것도 이 시기였다.게르잔 문화는 나일강 삼각주에서 시작하여 상 이집트를 통해 남쪽으로 이동하지만 누비아의 [13]암라티아 문화를 없애는 데는 실패하는 암라티아 문화의 대부분 중단되지 않은 발전이다.게르제아 도자기는 SD값 40~62로 암라티아의 흰색 십자무늬 제품이나 검은 상판 [10]제품과는 확연히 다르다.그것은 동물,[13] 사람, 배의 그림뿐만 아니라 동물에서 유래한 것으로 보이는 기하학적 기호들로 대부분 짙은 빨간색으로 그려졌다.이 시기 이전에는 드물었던 물결 모양의 손잡이(가끔 SD 35에서 발견되기도 했지만)는 거의 완전히 [10]장식될 때까지 더 일반적이고 정교해졌다.

이 기간 동안, 분명한 이질적인 물건들과 예술 형태들이 이집트에 유입되었고, 아시아의 몇몇 지역, 특히 메소포타미아와의 접촉을 나타냈다.이집트에서 메소포타미아의 부조가 새겨진 게벨 엘 아라크 나이프 손잡이와 같은 물건이 발견되었으며,[14] 이 시기에 등장하는 은은 [13]소아시아에서만 구할 수 있다.게다가, 메소포타미아 [15]형태를 명확하게 모방한 이집트 물건들이 만들어졌다.이집트에서 실린더 씰과 오목한 패널 건축물이 등장했습니다.이집트 화장 팔레트의 부조는 현대 메소포타미아 우루크 문화와 같은 스타일로 만들어졌고, 게르제 후기와 세메인 초기의 의례용 메이스 머리는 이집트 토속 [16]양식 대신 메소포타미아 "진주" 스타일로 만들어졌다.

이 무역의 경로는 결정하기 어렵지만, 가나안과의 접촉은 초기 왕조 이전의 것이 아니기 때문에 보통 물에 [17]의한 것으로 추정된다.왕조 인종 이론이 유행하던 시기에는 우루크 선원들이 아라비아를 일주했다는 이론이 제기되었지만, 아마도 바이블로스 중개인들에 의해 지중해 [17]항로가 이집트에 바이블리안 물체의 존재로 증명되었듯이, 더 가능성이 높다.

홍해로 이어지는 와디스의 입구에 많은 게르제아 유적지가 있다는 사실은 홍해를 통한 무역의 양을 나타낼 수 있다(비블리안 무역은 시나이를 횡단한 [18]후 홍해로 가져갔을 가능성이 있음).또한, 움푹 패인 패널 건축처럼 복잡한 것이 대리적으로 이집트로 유입될 가능성은 낮으며, 적어도 소수의 이주자들이 종종 [17]의심된다.

이러한 외국의 영향의 증거에도 불구하고, 이집트학자들은 일반적으로 게르제아 문화가 주로 이집트에 고유하다는 것에 동의한다.

  • Decorated ware jar illustrating boats and trees; 3650–3500 BC; painted pottery; height: 16.2 cm, diameter: 12.9 cm; Metropolitan Museum of Art (New York City)

    배와 나무를 그린 장식 도자기 항아리; 기원전 3650~3500년; 도색 도자기; 높이: 16.2cm, 지름: 12.9cm; 메트로폴리탄 미술관(뉴욕시)

  • Female figure; c. 3600 BC; terracotta; 29.2 × 14 × 5.7 cm; from Ma'mariya (Egypt); Brooklyn Museum (New York City)

    여성 피규어; c. 3600 BC; 테라코타; 29.2 × 14 × 5.7 cm; 이집트 마마리야; 브루클린 박물관 (뉴욕시)

  • Amulet in the form of a head of an elephant; 3500–3300 BC; serpentine (the green part) and bone (the eyes); 3.5 × 3.6 × 2.1 cm; Metropolitan Museum of Art (New York City)

    코끼리 머리 형태의 부적; 기원전 3500~3300년; 뱀(녹색 부분)과 뼈(눈); 3.5×3.6×2.1cm; 메트로폴리탄 미술관(뉴욕시)

  • The Gebel el-Arak Knife; 3300–3200 BC; elephant ivory (the handle) and flint (the blade); length: 25.5 cm; most likely from Abydos (Egypt); Louvre

    게벨 엘 아라크 나이프; 기원전 3300–3200년; 코끼리 상아(핸들)와 부싯돌(날); 길이: 25.5cm; 아마도 아비도스(이집트)에서 온 것 같다;루브르

  • Jar with lug handles; c. 3500–3050 BC; diorite; height: 13 cm; Los Angeles County Museum of Art (US)

    손잡이가 달린 항아리, 기원전 3500~3050년, 디오라이트, 높이: 13cm, 로스앤젤레스 카운티 미술관(미국)

III

주요 기사 : Naqada III

기원전 [8]약 3200년부터 3000년까지의 Naqada III 기간은 일반적으로 이집트가 통일된 원생대 기간과 동일하다고 여겨진다.

나카다 3세는 상형문자를 사용한 최초의 시대(논쟁은 있지만), 세렉의 첫 정기 사용, 최초의 관개, 그리고 왕실 [19]묘지의 첫 출현으로 유명하다.나카다 3세 시대의 예술은 꽤 정교했고, 화장품 팔레트로 대표되었다.이것들은 이집트에서 얼굴이나 보디 화장품의 성분을 갈고 바르는 데 사용되었습니다.원생대까지, 장식 팔레트는 이 기능을 잃고 대신 기념, 장식, 그리고 아마도 의례적인 것으로 보입니다.그것들은 거의 전적으로 와디 함마트의 채석장에서 유래된 실트스톤으로 만들어졌다.팔레트의 많은 부분이 고대 이집트의 권력의 중심인 히에라콘폴리스에서 발견되었다.통일 이후, 팔레트는 무덤 조형물에 포함되지 않게 되었다.

왕조 예술

시대 ~ )

참고 항목: 이집트 초기 왕조 시대

이집트의 초기 왕조는 기원전 3100년경에 상부와 하부의 이집트가 통일된 직후이다.일반적으로 제1왕조와 제2왕조를 포함하는 것으로 간주되며, 나카다 3세 고고학 시대 말기부터 기원전 2686년 경 또는 구왕국 [8]초기까지 지속된다.

이 시기 동안 미용 팔레트는 새로운 수준의 정교함에 도달했고, 이집트 문자 체계 또한 더욱 발전했다.처음에, 이집트 문자는 주로 다양한 물질의 양을 나타내는 몇 개의 기호로 구성되었다.화장품 팔레트에는 그림 설명과 함께 심볼이 사용되었습니다.제3왕조가 끝날 무렵, 이것은 200개 이상의 기호, 즉 축음기와 표의문자를 [20]포함하도록 확장되었다.

2686년

주요 기사:이집트 고왕국

이집트 고왕국은 기원전 2686년부터 2181년까지의 기간이다.피라미드 제4왕조의 위대한 피라미드 건설자들의 치세를 아우르기 때문에 "피라미드 시대" 또는 "피라미드 건설자들의 시대"로도 알려져 있다.스네페루 왕은 피라미드 건축 기술을 완성했고 기자의 피라미드는 쿠푸, 하프레, 멘카우레 [22]왕 아래 지어졌다.이집트는 나일강 하류 계곡에서 문명의 정점을 찍은 소위 "왕국" 세 시기 중 첫 번째 시기인, 지속된 문명의 정점에 도달했다.

주요 기사: 이집트 중왕국
아스완(이집트)에 있는 사렌푸트 2세의 무덤에서 나온 방.벽의 대략적인 번역은 "엘리펀틴과 네크베트, 나부레-나크트의 주인 사테를 섬기며 축복하라"이다.Nabur-Nakht는 Sarenput의 다른 이름이었다.

이집트 a.k.a.중왕국 ("통일기")은 제1중간기로 알려진 정치적 분열기를 따른다.중왕국은 기원전 2050년경부터 기원전 1710년경까지 지속되었으며, 제11왕조의 멘투호텝 2세 치하의 이집트 통일부터 제12왕조 말기까지 연장되었다.제11왕조는 테베에서, 제12왕조는 엘-리쉬트에서 통치했다.중왕국 시대 동안, 오시리스는 대중 [24]종교에서 가장 중요한 신이 되었다.이집트 제2중간기는 서아시아의 힉소스 왕조가 나라를 침략한 또 다른 분열기였다.

중왕국에서 이집트가 통일된 후, 11왕조와 12왕조의 왕들은 그들의 초점을 예술로 되돌릴 수 있었다.제11왕조 때, 왕들은 5왕조부터 6왕조 초기의 멤파이트 모델에 영향을 받은 양식으로 그들의 기념비를 만들었다.이 기간 동안 통일 이전의 테반 구호 양식은 거의 사라졌다.이러한 변화는 제11왕조 왕들이 중앙집권국가를 수립하고 [25]구왕국의 정치적 이상으로 돌아가면서 이념적 목적을 가지고 있었다.12왕조 초기에는 왕실의 작업장의 영향으로 통일된 양식을 가지고 있었다.이 시점에서 사회 엘리트들의 예술적 생산의 질은 다른 [26]시기에는 같았지만 결코 뛰어넘을 수 없는 높은 수준에 도달했다.12왕조 말기 이집트의 번영은 왕실 및 개인 기념물에 사용된 재료의 질에 반영되었다.

2월(기원전 1650년-1550년)

주요 기사:이집트와 힉소스 제2중간기
이른바 '힉소스 스핑크스'
소위 "힉소스 스핑크스"라고 불리는 것은 아메넴하트 3세의 독특한 스핑크스이며, 아페피를 포함한 몇몇 힉소스 통치자들에 의해 재등록되었다.초기 이집트학자들은 이것들이 실제 힉소스 [31]통치자들의 얼굴이라고 생각했다.

레반트에서 유래한 통치자의 왕조인 힉소스 왕조는 궁정 [32]미술품을 제작하지 않은 것으로 보이며, 대신 그들의 이름을 써서 이전 왕조들의 기념물을 유용하게 사용했다.그 중 많은 것들은 Khyan [33]왕의 이름이 새겨져 있다.이집트식보다는 레반틴에 지어진 아바리스의 큰 궁전이 발견되었는데, 아마도 키얀에 [34]의해 발견되었을 것이다.아페피 왕은 이집트의 낙서 문화를 후원한 것으로 알려져 있으며, 진드 수학 파피루스의 [35]복사를 의뢰했다.웨스트카 파피루스에 보존된 이야기들은 또한 그의 [36]치세로부터 유래했을지도 모른다.

소위 "Hiksos 스핑크스" 또는 "Tanite 스핑크스"라고 불리는 왕족 스핑크스 그룹은 전통적인 네임스 천 대신, 일반적인 조각상들에 비해 몇 가지 특이한 특징을 가지고 있는 파라오 아메넴하트 3세 (12왕조)를 묘사하는 왕실 스핑크스 그룹이다."힉소스 스핑크스"라는 이름은 나중에 몇몇 힉소스 왕들에 의해 다시 봉해졌다는 사실 때문에 붙여진 것이며, 처음에는 힉소스 왕들을 대표하는 것으로 생각되었다.19세기 학자들은 힉소스에게 인종적 [37]기원을 부여하기 위해 조각상의 특징을 이용하려고 시도했다.이 스핑크스는 중왕국의 도시들에서 힉소족에 의해 압수된 후 그들의 수도 아바리스로 이송되어 새로운 주인의 이름을 다시 등록하고 그들의 [31]궁전을 장식했다.이들 스핑크스는 모두 타니스에서 온 것으로 알려져 있으며 현재는 대부분 카이로 박물관에 [31][38]있다.아메네하트 3세의 다른 조각상들도 타니스에서 발견되었고, 같은 방식으로 힉소스족과 관련이 있다.

주요 기사:이집트 신왕국

"이집트 제국"이라고도 불리는 신왕국은 기원전 16세기에서 11세기 사이의 기간으로 18세기, 19세기, 20세기 이집트 왕조를 포함한다.신왕국은 제2중간기에 이어 제3중간기에 계승되었다.그 시기는 이집트의 가장 번영한 시기였고 이집트 권력의 [48]정점을 찍었다.이 엄청난 부는 관료 권력의 중앙집권화와 무역로를 연 많은 성공적인 군사작전에 기인할 수 있다.이집트 제국의 팽창과 함께, 킹스는 레바논의 삼나무와 라피스 라줄리와 터키석 같은 고급 재료와 같은 중요한 상품들을 접할 수 있었다.

신왕국 시대에 제작된 예술작품은 세 개의 큰 시대로 분류된다: 프리 아마르나, 아마르나, 그리고 람세사이드.비록 권력의 이동과 종교적 이상들의 변동의 결과로 양식적인 변화가 일어났지만, 신왕국 전체의 조각상과 구호 작업은 이집트 예술의 주요 원칙인 전면성과 축도, 규모의 서열, 그리고 복합 구성을 계속해서 구현했다.

이전

신왕국 18왕조의 시작인 아마르나 이전 시대는 이집트의 세력이 팽창한 제국으로 성장하면서 두드러졌다.이 작품은 중왕국의 기술과 소재와 외국의 [49]새로운 소재와 스타일을 결합한 것이다.아마르나 이전 시대의 예술과 건축의 상당 부분은 기원전 1473년부터 1458년까지 그녀의 통치 기간 동안 모든 신들에게 광범위한 건축 캠페인을 이끌었던 하텝슈트 여왕에 의해 제작되었다.여왕은 카르나크의 신전에 중요한 것을 증축했고, 데이르 엘 바흐리에 광범위한 빈소를 건설했으며, 단단한 돌로 많은 양의 조각상과 구호품을 제작했습니다.이러한 건설 프로젝트의 규모는 테베의 권력 집중과 신왕국 통치자 아흐모세 [50]1세의 무역로 재개에 의해 가능해졌다.

데이르 엘 바흐리에 있는 여왕의 정교한 빈소는 아마르나 이전 시대에 만들어진 예술 작품들의 잘 보존된 많은 예를 제공한다.이 거대한 3층 사원은 테베의 절벽에 세워졌고 광범위한 페인트 부조로 장식되었다.이 부조들의 주제는 전통적인 장례 이미지와 이집트의 신성한 통치자로서의 하텝수트의 정당성에서부터 외국에서의 전투와 원정 장면에 이르기까지 다양했다.그 절에는 또한 많은 왕비와 신들의 조각상, 특히 아문라의 규모가 어마어마했던 조각상들이 있었다.하텝슈트 시대의 작품은 이집트 통일에 따른 북방 문화와 양식의 재통합으로 상징된다.여왕의 전신인 투트모세 3세 또한 방대한 양의 예술작품을 의뢰했고 그의 죽음으로 이집트는 세계에서 [50]가장 강력한 제국이 되었다.

가 후원하는

신왕국 - 특히 제 18왕조 - 왕들이 이집트의 주요 신들에게 바치는 크고 정교한 신전들을 위탁하는 것은 흔한 일이었다.석회암이나 사암(기존 신전에 사용된 진흙 벽돌보다 더 영구적인 재료)으로 지어진 이 건물들은 희귀한 재료와 활기찬 벽화로 채워져 있어 이집트 제국이 신왕국 시대에 누렸던 부와 자원의 접근을 예시한다.아무라에게 바쳐진 카르낙의 사원은 이런 유형의 국가가 후원하는 [49]건축물의 가장 크고 현존하는 사례 중 하나이다.

(1350)

주요 기사:아마르나 미술
네페르티티 흉상; 기원전 1352–1336; 석회암, 석고 및 페인트; 높이: 아마르나(이집트)에서 48cm;베를린 이집트 박물관 (독일)

아마르나 미술은 파라오 아케나텐이 18왕조 후반에 수도를 옮겼던 텔 엘 아마르나의 광범위한 고고학 유적지에서 이름을 따왔다.이 기간과 그에 이르는 세월은 신태양신학의 상승과 궁극적으로 [53]아케나텐 치하의 아테니즘으로의 전환의 결과로 고대, 중세, 신왕국 이집트 미술 양식의 가장 급격한 중단을 구성한다.아마르나 미술은 세상에 나타난 것처럼 현실에 대한 움직임과 주관적이고 감각적인 인식이 특징이다.장면들은 종종 군중의 감각을 만들어 내는 겹치는 인물들을 포함하고 있는데, 이것은 초기에는 흔하지 않았다.

아케나텐 시대에 제작된 작품은 아케나텐의 통치하에서 일어난 문화, 스타일, 종교의 극적인 변화를 반영했다.때때로 신태양신학이라고 불리는 이 새로운 종교는 태양에 대한 유일신 숭배인 아텐이었다.아케나텐은 아텐족과 함께 아텐족의 대변인으로서 자신을 강조했다.태양 원반은 이 새로운 신학에서 궁극적인 생명력을 부여해 숭배되었기 때문에 태양 광선이 닿는 모든 것은 이 힘에 의해 축복받았다.그 결과, 개방된 뜰에서 제사와 참배가 이루어졌고, 옥외 조각에 가장 적합한 움푹 패인 부조 기법이 실내 작업에도 사용되었다.

인체에 대한 묘사는 아케나텐의 치세에 급격하게 변화했다.예를 들어, 아케나텐의 몸에 대한 많은 묘사는 그에게 큰 엉덩이, 튀어나온 가슴, 큰 배와 허벅지 등 뚜렷한 여성성을 부여한다.아케나텐의 사암상 등 얼굴 묘사는 그가 길쭉한 턱, 통통한 입술, 움푹 패인 볼을 가지고 있음을 보여준다.이러한 문체적 특징들은 과거 아케나텐의 묘사들을 확장시켰고, 메리트텐의 초상화와 여왕의 얼굴 조각에서 관찰된 바와 같이 왕실의 모든 인물들을 묘사하는데 더 사용되었다.이는 남성 피규어에 이상적인 젊음과 남성성을 강조했던 초기 이집트 미술과는 다른 것이다.

아케나텐의 통치에서 주목할 만한 혁신은 아케나텐의 아내 네페르티티와 그들의 세 [54]딸을 포함한 왕실의 종교적 격상이었다.이집트 미술의 초기 시대는 왕을 인류와 신들 사이의 주요 연결고리로 묘사했지만, 아마르나 시대는 이러한 힘을 왕가의 [54]것으로 확장했다.왕실과 다른 부적 블록의 부조 속에서 볼 수 있듯이, 왕실의 각 형상은 아텐의 광선에 닿아 있다.특히 네페르티티는 이 [55]기간 동안 중요한 컬티컬한 역할을 한 것으로 여겨진다.

부분적으로 탈라타라고 알려진 표준 크기의 블록으로 지어졌기 때문에 이 시기의 건물들은 거의 남아있지 않다. 이 블록들은 제거와 재사용이 매우 쉽다.아마르나의 신전들은 이집트의 전통 관습을 따르지 않았고, 천장도 없고, 문을 닫지 않았다.아케나텐이 죽은 후 몇 세대에 걸쳐 예술가들은 이전의 이집트 전통 스타일로 되돌아갔다.후기 미술에도 이 시기의 양식의 흔적이 남아있었지만, 대부분의 면에서 이집트 예술은 이집트 종교와 마찬가지로 마치 그 시기가 일어나지 않은 것처럼 평소의 특징을 되찾았다.아마르나는 버려졌고 건물들을 해체하고 안쪽을 향해 장식된 블록을 재사용하는 등 통치 시대의 기념물들을 훼손하기 위해 상당한 노력을 기울였다. 최근 한 [56]건물에서 발견되었다.18왕조의 마지막 왕 호렘헵은 아마르나의 예술과 문화의 영향을 제거하고 아문 [57]숭배의 강력한 전통을 복원하려고 했다.

  • Relief of the royal family: Akhenaten, Nefertiti and the three daughters; 1352–1336 BC; painted limestone; 25 × 20 cm; Egyptian Museum of Berlin (Germany)

    왕실의 구제:아케나텐, 네페르티티와 세 딸; 기원전 1352년-1336년; 회암 페인팅; 25×20cm; 이집트 베를린 박물관(독일)

  • Portrait of Meritaten; 1351–1332 BC; painted limestone; height: 15.4 cm; Louvre

    메르타텐의 초상화; 기원전 1351년–1332년; 석회암 도장; 높이: 15.4cm; 루브르

  • Statue of Akhenaten; c. 1350 BC; painted sandstone; 1.3 × 0.8 × 0.6 m; Louvre

    아케나텐상; 기원전 1350년경; 사암 도장; 1.3×0.8×0.6m; 루브르

  • Talatat block with relief showing Nefertiti at prayer; circa 1350 BC; painted sandstone; height: 23.4 cm; from Karnak; Egyptian Museum of Berlin

    네페르티티가 기도하는 모습을 보여주는 부조가 있는 탈라타트 블록; 기원전 1350년경; 페인트칠된 사암; 높이: 23.4cm; 카르나크; 이집트 베를린 박물관

  • Talatat block with Akhenaton standing to the right, raising his hands in prayer to the rays of the sun god Aten; circa 1350 BC; painted sandstone; from Karnak; Egyptian Museum of Berlin

    아케나톤이 오른쪽에 서서 태양신 아텐의 광선에 손을 들어 기도하는 탈라트 블록; 기원전 1350년경; 사암으로 칠해져 있다; 카르낙에서; 이집트 베를린 박물관

  • Shabti of Akhenaten; 1353–1336 BC; faience; height: 11 cm, width: 7.6 cm, depth: 5.2 cm; Metropolitan Museum of Art (New York City)

    아케나텐의 샤브티; 기원전 1353년-1336년; 경험; 높이: 11cm, 폭: 7.6cm, 깊이: 5.2cm; 메트로폴리탄 미술관(뉴욕시)

  • Fragment of a queen's face; 1353–1336 BC; yellow jasper; height: 13 cm, width: 12.5 cm, depth: 12.5 cm; Metropolitan Museum of Art

    여왕의 얼굴 조각;기원전 1353년-1336년;노란 재스퍼;높이:13cm,폭:12.5cm,깊이:12.5cm;도시미술관

  • Cosmetic dish in the shape of a trussed duck; 1353-1327 BC; hippopotamus ivory (tinted); duck (left), length: 9.5 cm, width: 4.6 cm; cover (right), length: 7.3 cm, width: 4 cm; Metropolitan Museum of Art

    오리 기원전 ; 상아오른쪽, 너비: 1353;

그의 무덤 KV6에서 가져온 람세스 9세(기원전 1129–111년)의 초상화. 제20왕조.

18왕조의 마지막 왕 호렘헵이 모든 아마르나의 예술과 영향력을 뿌리뽑기 위해 힘을 모아 노력한 결과, 제국의 예술과 건축 양식은 신왕국(닌텐과 20왕조)[50]의 나머지 기간 동안 람시드 시대로 전환되었다.아마르나 시대의 종교적, 예술적 혁명에 대응하여, 국가의 위임된 작품들은 전통 형태로의 분명한 회귀와 아문라에 대한 새로운 헌신을 보여준다.그러나, 아마르나의 신체적인 비율의 일부 요소들은 지속된다; 작은 등은 낮은 중간 왕국으로 돌아가지 않고, 키와 인간의 팔다리는 다소 길게 유지된다.19, 20대 왕들은 일부 수정을 거쳐 아문라를 모신 테베에 있는 그들의 장례 사원을 이전 왕들의 스타일로 계속 지었다.람세스 왕들은 또한 [49]하텝수트가 의뢰한 것과 같은 거대한 조각상들을 계속 세웠다.

람시드 기간 동안 왕들은 카르낙에 있는 신전에 더 많은 기여를 했다.세티 1세(19왕조)가 의뢰한 대하포스타일 홀은 높이 20m의 천장을 지탱하는 134개의 사암 기둥과 1에이커의 땅을 덮었다.세티 1세는 대부분의 표면을 복잡한 부조로 장식했고, 그의 후임자인 람세스 2세는 그레이트 홀의 남쪽 벽과 기둥에 움푹 패인 부조 작업을 추가했다.내부 조각은 권력 장면의 전통적인 정당화, 행렬, 의식과 같은 왕과 신의 상호작용을 보여준다.하이포스타일 홀의 외벽에는 군사작전을 광범위하게 묘사하고 있다.정복지에 흩어져 있는 혼란스럽고 무질서한 적들과 승리한 왕을 묘사하는 전투 장면들은 람시데 [49]시대를 상징한다.

신왕국의 마지막 시기는 전통적인 이집트의 형태와 스타일로의 회귀를 보여주지만, 문화는 순수하게 과거로의 회귀는 아니다.람시드 시대의 예술은 성화된 이집트 양식과 현대의 혁신과 재료의 통합을 보여준다.무덤의 모든 표면을 그림과 부조로 장식하고 묘실에 새로운 묘문을 추가하는 등의 발전은 이 시기의 [49]정적이 아닌 성격을 보여준다.

BC (c.1069–664 BC)

주요 기사:이집트 제3중간기와 흑파라오
케르마 박물관(수단 케르마)에 있는 제25왕조 말기 '검은 파라오'의 다양한 통치자 동상

제3중간기는 청동기시대 말기 지중해(그리스 암흑기 포함) 문명의 붕괴와 동시에 쇠퇴와 정치적 불안정 중 하나였다.그것은 대부분의 기간 동안 국가의 분할과 [58]외국인에 의한 정복과 통치에 의해 특징지어졌다.분열의 초기 시기를 거친 후, 이 나라는 고대 리비아 출신의 메슈웨시 이민자의 후손인 쇼셴크 1세가 기원전 945년 세운 제22왕조에 의해 확고히 통일되었다.제24왕조의 다음 시기에는 남부에 대한 누비아 왕국의 영향력이 커지면서 이 분열과 그에 따른 정치적 불안정이 최대한 활용되었다.그리고 기원전 732년경, 피예는 북쪽으로 행군하여 페프트자우바스트, 타니스의 오소르콘 4세, 레온토폴리스의 이우푸트 2세, 사이스의 테프나흐트 등 몇몇 토착 이집트 통치자들의 힘을 물리쳤다.그는 누비아에서 유래한 "블랙 파라오스"의 제25왕조를 세웠다.

제3중간기는 일반적으로 고대 이집트 양식, 특히 고왕국과 [59]중왕국의 예술에 대한 언급으로 회귀한다.그 시대의 예술은 본질적으로 전통적인 이집트 스타일로 구성되어 있으며, 예를 들어 25왕조의 [59]누비아 통치자들의 조각상들의 특별한 아이콘그래피와 같은 몇 가지 외국의 특징들을 포함한다.25왕조가 고대 이집트를 통치한 지 73년밖에 되지 않았지만, 카르낙의 [60][61]타하르카의 기념비적인 기둥과 같은 일부 독창적인 작품들과 함께 이집트의 전통 가치, 문화, 예술, 그리고 건축의 복원 덕분에 이집트 역사에서 중요한 위치를 차지하고 있습니다.제25왕조 때 이집트는 누비아의 나파타에서 현재의 수단에 속했고, 왕조는 차례로 이집트 건축 양식의 확장을 이집트와 [59]누비아로 허락했다.

)

주요 기사: 고대 이집트 후기와 이집트 아케메네스 시대
이집트 [63]제27왕조의 파라오로서의 아케메네스 황제 다리우스 1세의 조각상; 기원전 522년-486년; 그레이와케; 높이: 2.46m;[64] 이란 국립박물관(테헤란)

기원전 525년, 이집트의 정치 상태는 거의 150년 후기의 이집트 후기에 페르시아에 의해 점령되었다.기원전 404년까지 페르시아인들은 이집트에서 추방되었고 짧은 독립 기간을 시작했다.이 60년간의 이집트 통치는 많은 찬탈자들과 짧은 통치로 특징지어졌다.이집트인들은 알렉산더 대왕의 등장으로 기원전 332년까지 아케메네스족에게 점령당했다.소식통에 따르면 알렉산더가 몹시 싫어하는 페르시아인들을 쫓아냈기 때문에 이집트인들은 그가 수도에 들어왔을 때 환호했다고 한다.후기 시대는 알렉산더 대왕의 죽음과 프톨레마이오스 [65]왕조의 시초로 특징지어진다.비록 이 시기는 이집트에 정치적 혼란과 엄청난 변화를 의미하지만, 이집트의 예술과 문화는 계속해서 번성했다.

이는 후기 제5왕조인 30대 왕조를 시작으로 프톨레마이오스 [citation needed]시대에 이르는 이집트 사원에서 볼 수 있다.이 신전들은 델타에서 필레 [65]섬까지 다양했다.이집트가 무역과 외국의 정복으로 외부의 영향을 받은 반면, 이 신전들은 헬레니즘적인 [citation needed]영향을 거의 받지 않고 전통적인 이집트식으로 남아있었다.

30번째 왕조에서 유래한 또 다른 안감은 몸과 [65]사지를 둥글게 본떠서 피실험자들에게 살찌거나 무거운 효과를 주었다.예를 들어, 여성 피규어의 경우, 유방이 부풀어 올라 위쪽 팔과 겹칩니다.좀 더 사실적인 묘사에서는 남자들은 뚱뚱하거나 주름살일 것이다.

이 기간 동안 점점 더 보편화 된 또 다른 종류의 예술은 [65]호루스 석상이었다.이것들은 신왕국 후기와 중간기로부터 시작되었지만 4세기부터 프톨레마이오스 시대까지 점점 더 흔해졌다.이 조각상들은 종종 뱀을 들고 위험한 짐승 위에 서 있는 어린 호루스를 묘사하곤 했다.호루스에 대한 묘사는 어린 호루스가 전갈에 물리는 것으로부터 구원을 받고, 그로 인해 모든 위험한 동물들에 대한 힘을 얻게 된다는 이집트 신화에서 유래했다.이 조각상들은 "유해한 생물들의 공격을 막아내고 뱀에 물린 상처와 전갈에 [65]쏘인 상처를 치료하기 위해" 사용되었다.

305~30년

비석; 기원전 51년; 석회암; 52.4×28×4cm; 루브르.프톨레마이오스 왕비 클레오파트라 7세는 파라오 복장을 하고 이시스 여신에게 제물을 바쳤다. 그리스인 오노프리스라는 이름의 그리스인이 바친 헬레니즘 시대의 이집트 석회암 비석에는 그리스어가 새겨져 있다.
주요 기사:프톨레마이오스 왕국

19세기 말 이후 알렉산드리아의 고대 이집트 도시 헤라클리온을 둘러싼 발견에는 기원전 4세기, 이례적으로 감각적이고 세밀하며 여성주의적인 (신격화된 것과는 대조적으로) 이시스의 묘사가 포함되어 있으며, 이집트와 헬레니즘의 정복 시기에 시작되었다.알렉산더 대왕은 기원전 332년-331년.하지만, 이것은 프톨레마이오스 왕조의 [67]궁정 예술에서 사용된 헬레니즘 양식과 이집트 양식을 혼합하는 것을 일반적으로 피했던 프톨레마이오스식 조각의 비정형적인 형태였고, 반면 다른 나라의 사원들은 이집트 전통 공식을 계속해서 사용했다.[68]학자들은 헬레니즘 조각에서 "알렉산드리아 양식"을 제안했지만, 사실 알렉산드리아와 [69]연관지을 만한 것은 거의 없다.

대리석은 궁정 미술에 널리 사용되었지만, 비록 모두 수입되어야 했고, 다양한 대리석 보존 기술로 만들어졌는데, 예를 들어, 머리에는 수염, 뒤통수, 머리카락이 따로 [70]붙어 있을 수 있다.다른 헬레니즘 왕국의 예술과는 달리, 프톨레마이오스 왕족의 초상화는 일반화되고 이상화되며, 개별 초상화의 달성에 대한 관심이 거의 없다. 그러나 동전은 일부 초상화 조각이 프톨레마이오스 [71]왕 중 한 명으로 확인되도록 한다.그 이후의 많은 초상화들은 그 얼굴을 미래의 [72]왕을 나타내기 위해 다시 손질한 것이 분명하다.이집트의 특징 중 하나는 왕실의 커플이 종종 쌍으로 나타나면서 알렉산더의 다른 후계 왕조들보다 왕비들에게 훨씬 더 두드러지는 것이었다.이것은 일련의 여왕들이 실제 [73]권력을 행사했던 2세기 이전이다.

2세기에 들어서면서 이집트 신전 조각은 궁정 모형을 얼굴에 재사용하기 시작했고, 성직자의 조각은 종종 헬레니즘적인 스타일을 사용하여 개별적인 초상화를 [74]만들어냈다.많은 작은 조각상들이 제작되었고, 가장 흔한 유형은 알렉산더, 일반화된 "프톨레마이오스 왕" 그리고 나체 아프로디테였다.도자기 조각상에는 타나그라 양식의 [68]그로테스크와 패셔너블한 숙녀들이 있었다.에로틱 그룹은 터무니없이 큰 판리를 특징으로 했다.나무 인테리어의 부속품에는 매우 섬세한 무늬의 폴리크롬 매가 포함되어 있습니다.

  • Ptolemy XII making offerings to Egyptian Gods, in the Temple of Hathor, 54 BC, Dendera, Egypt

    프톨레마이오스 10세이집트 덴데라 하토르 신전에서 이집트 신에게 바치는 제물 2세

  • Double-sided votive relief; c. 305 BC; limestone; 8.3 × 6.5 × 1.4 cm; Cleveland Museum of Art (Cleveland, Ohio, US)

    양면 봉헌 릴리프, 기원전 305년경, 석회암, 8.3×6.5×1.4cm, 클리블랜드 미술관(미국 오하이오주 클리블랜드)

  • Statue of the goddess Raet-Tawy; 332–30 BC; limestone; 46 × 13.7 × 23.7 cm; Louvre

    라에타위 여신상; 기원전 332-30년; 석회암; 46×13.7×23.7cm; 루브르

  • Ibis coffin; 305–30 BC; wood, silver, gold, and rock crystal; 38.2 × 20.2 × 55.8 cm; Brooklyn Museum (New York City)

    아이비스 관; 기원전 305-30년; 나무, 은, 금, 암석 결정; 38.2×20.2×55.8cm; 브루클린 박물관(뉴욕시)

  • Falcon box with wrapped contents; 332–30 BC; painted and gilded wood, linen, resin and feathers; 58.5 × 24.9 cm; Metropolitan Museum of Art (New York City)

    내용물이 포장된 팔콘 박스, 기원전 332년~30년, 페인트칠 및 금도금 목재, 린넨, 수지 및 깃털, 58.5×24.9cm, 메트로폴리탄 미술관(뉴욕시)

  • Statue of a Ptolemaic king; 1st century BC; basalt; height: 82 cm, width: 39.5 cm; Louvre

    프톨레마이오스 왕의 여신상; 기원전 1세기; 현무암; 높이: 82cm, 폭: 39.5cm; 루브르

시대 ~ )

다음 항목도 참조하십시오.이집트(로마 주)
이집트의 [75]덴데라 신전 단지에서 이집트 신들에게 제물을 바치는 로마 황제 트라야누스(재위 98–117년).

Fayum 미라 초상화는 아마도 이집트 로마 시대의 가장 유명한 이집트 미술품일 것이다.그것들은 로마 이집트의 상류층 미라에 부착된 나무 판자에 그려진 자연주의 초상화의 한 종류였다.그것들은 고전 세계에서 가장 높이 평가되는 예술 형태 중 하나인 판화 전통에 속합니다.파염 초상화는 그 전통에서 살아남은 유일한 대형 미술품이다.

미라 초상화는 이집트 전역에서 발견되었지만, 파이욤 분지, 특히 하와라와 하드리아누스 로마의 도시 안티노폴리스에서 가장 흔하다.'패염 초상화'는 지리적인 표현이라기보다 문체적인 표현으로 많이 쓰입니다.그려진 골판지 미라 케이스가 파라오 시대까지 거슬러 올라가는 반면, 파이염 미라 초상화는 로마가 [76]이집트를 점령했던 시대로 거슬러 올라가는 혁신이었다.

초상화는 기원전 1세기 후반 또는 서기 1세기 초반의 로마 제국 시대로 거슬러 올라간다.그들의 제작이 언제 끝났는지는 확실하지 않지만, 최근의 연구는 3세기 중반을 암시한다.그들은 고전 세계의 판화 전통에서 살아남은 극소수의 생존자들 중 가장 큰 그룹에 속하며, 이는 이집트의 콥트 아이콘그래피라는 지역 전통을 포함한 후기 고전 세계의 비잔틴과 서양의 전통으로 이어졌다.

이집트 미술은 부조와 그림 모두에서 주요 인물에게 사용되는 독특한 인물 관습으로 알려져 있는데, 분할된 다리(앉지 않은 곳)와 머리는 측면에서 볼 수 있지만 몸통은 정면에서 볼 수 있다.이 그림들은 또한 표준 비율 세트를 가지고 있는데, 땅에서 [78]이마의 헤어라인까지 18개의 "피스트"를 측정한다.이것은 제1왕조의 나르메르 팔레트처럼 일찍 나타나지만, 이 이상화된 도형 규약은 포로나 [79]시신과 같은 일부 활동에 관여한 작은 도형들을 전시하는 데 사용되지 않는다.다른 관습은 남성의 동상을 여성의 동상보다 어둡게 만든다.매우 전통적인 초상화 조각상은 제2왕조(기원전 2,[80]780년 이전)부터 나타나며, 아케나텐의[81] 아마르나 시대와 제12왕조와 같은 다른 시기를 제외하고는, 다른 이집트 예술 관습과 같이 통치자들의 이상적인 특징은 그리스 [82]정복 때까지 거의 변하지 않았다.이집트 미술은 그림의 크기가 상대적 중요성을 나타내는 계층적 비율을 사용한다.신이나 신 파라오는 보통 다른 인물들보다 크지만 고위 관리나 무덤 주인의 인물은 보통 작고, 가장 작은 규모는 하인, 연예인, 동물, 나무, 건축 세부 [83]사항이다.

고대 이집트 예술가들은 그들의 이름을 거의 남기지 않았다.이집트 미술품은 또한 대부분 집단적이기 때문에 익명이다.이집트를 여행하고 살았던 시칠리아의 디오도루스는 이렇게 썼다. "그래서 장인들이 조각상의 높이를 결정한 후에 그들은 모두 그들이 선택한 부품을 만들기 위해 집으로 돌아간다." (I, 98)[84]

상징주의는 이집트 예술에 널리 퍼졌고 질서 의식을 확립하는 데 중요한 역할을 했다.예를 들어, 파라오의 레갈리아는 질서를 유지하는 그의 힘을 상징한다.동물 또한 이집트 미술에서 매우 상징적인 인물이었다.어떤 색들은 표현이 [85]풍부했다.

고대 이집트어는 4가지 기본 색 용어가 있었다: 켐(검은색), 헤지(흰색/은색), 와지(녹색/파란색), 데셔(빨간색/주황색).예를 들어, 파란색은 풍요, 출생, 그리고 나일강의 [86][failed verification]생명을 주는 물을 상징했다.푸른색과 녹색은 초목의 색이었고, 따라서 회춘의 색이었다.오시리스는 녹색 피부로 보여질 수 있었다; 제26왕조 때,[87] 부활을 돕기 위해 관의 얼굴을 종종 녹색으로 칠했다.

이 색깔의 상징성은 장례용 장비에서 터키석과 페이언스의 인기를 설명해줍니다.왕실의 인물에 검은색을 사용한 것은 이집트가 태어난 나일강의 비옥한 충적토를 비슷하게[85] 표현했고, 비옥함과 재생의 함축성을 지니고 있었다.그래서 오시리스와 같은 왕의 조각상들은 종종 그에게 검은 피부를 보여주었다.검은색은 사후세계와도 관련이 있으며 아누비스와 같은 장례신들의 색이었다.

금은 부자연스러운 모습과 귀한 [85]물질과의 연관성 때문에 신성을 나타냈습니다.게다가 고대 이집트인들은 금을 "신의 [88]살"로 여겼다.이집트인들은 은을 "백금"이라고 불렀고, 마찬가지로 "[88]신의 뼈"라고 불렀다.

빨간색, 주황색, 노란색은 양면적인 색이었다.그것들은 당연히 태양과 관련이 있었고, 석영과 같은 붉은 돌들은 왕권의 태양적인 측면을 강조하는 왕실 조각상들에 선호되었다.Carnelian은 보석과 비슷한 상징적 연관성을 가지고 있다.붉은 잉크는 파피루스 문서에 중요한 이름을 쓰는데 사용되었다.빨간색은 사막의 색깔이기도 했고, 따라서 세트(Set)와 관련이 있었다.

★★★

주요 기사:이집트 페이언스

이집트 faence는 석영 모래(또는 석영 분쇄), 소량의 석회, 식물재 또는 natron으로 만든 세라믹 재료입니다.재료들을 함께 섞고, 광택을 낸 후 단단하게 반짝이는 마무리로 굽습니다.Faience는 상감이나 작은 물건들, 특히 ushabtis에 이슬람 시대 이전부터 널리 사용되었습니다.좀 더 정확하게 '유약 구성'이라고 불리는 이집트 페이언스는 중세 이탈리아의 주석 유약 토기와 표면적으로 닮았다고 해서 초기 이집트 학자들에 의해 그렇게 이름 붙여졌다.이집트어로 '눈부신'이라는 뜻의 티헤네(tjehenet)로, 무엇보다도 터키석과 라피스 라줄리와 같은 더 귀중한 재료의 값싼 대용품으로 사용되었을 것이다.사실, 다양한 색상들이 [89]가능하긴 했지만, FAence는 가장 일반적으로 청록색으로 만들어졌다.

★★★

유리 재료의 향기와 이집트 블루는 초기부터 이집트에서 만들어졌지만, 유리를 만드는 기술 자체는 18왕조 초기에 완성되었다.이집트어로 유리를 뜻하는 단어가 외국에서 유래했기 때문에 아마도 레반트에서 수입되었을 것이다.아멘호테프 2세의 장례품은 다양한 기술을 보여주는 많은 유리 공예품을 포함하고 있다.이 시기에, 그 재료는 비싸고 희귀했으며 왕실의 독점이었을 수도 있다.하지만 18왕조 말기에 이집트는 아마도 동지중해의 다른 지역으로 유리를 수출할 수 있는 충분한 양을 만들었다.아마르나와 피 람세스에서 유리 공방이 발굴되었다.이집트에서는 실리카, 알칼리, 석회 등의 원료를 쉽게 구할 수 있었지만, 레반트에서는 이미 만들어진 파란색 유리 덩어리가 수입되어 터키 [90]남부 해안에서 난파된 울루부룬호의 화물 속에서 발견되었다.

블루

주요 기사:이집트 블루

이집트 블루는 유리와 관련이 있지만 유리와는 구별되는 물질이다."프리트"라고도 불리는 이집트 블루는 석영, 알칼리, 석회 그리고 하나 이상의 착색제(일반적으로 구리 화합물)로 만들어졌습니다.이것들은 함께 가열되어 균일한 색상의 결정질 덩어리가 되었습니다(코어와 표면층이 다른 색상의 FACE와는 다릅니다).이집트 블루는 손으로 작업하거나 주형으로 눌러서 조각상과 다른 작은 물체를 만들 수 있었다.그것은 또한 색소를 생성하기 위해 갈 수 있다.그것은 제4왕조에 처음 증명되었지만, 특히 프톨레마이오스 시대와 카에룰레움으로 [91]알려진 로마 시대에 인기를 끌었다.

청색은 제1왕조 때 조성된 사카라 무덤에서 돗자리 무늬가 발견된 4왕조 시대까지만 해도 거의 사용되지 않았다.이 발견이 이루어지기 전까지, 파란색은 이집트 [92]미술에서 알려지지 않았다.

  • Powder of Egyptian blue

    블루

  • Amphora, an example of so-called "Egyptian blue" ceramic ware; 1380–1300 BC; height: 12.6 cm (4.9 in); Walters Art Museum (Baltimore, US)

    암포라, 이른바 '이집트 블루' 도자기의 예; 기원전 1380년–1300년; 높이: 12.6cm(4.9인치), 월터스 미술관(미국 볼티모어)

★★★★

고대 이집트는 야금의 주요 중심지는 아니었지만 국경과 인근 땅에서 발견되는 금속을 추출하고 가공하는 기술을 발전시켰다.

구리는 이집트에서 최초로 착취된 금속이었다.바다리안 무덤에서 작은 구슬이 발견되었고, 후기 후기에는 몰드 주조, 아닐링, 콜드 해머링의 조합으로 더 큰 구슬이 생산되었습니다.구리로 만든 공예품의 생산은 피라미드의 돌 덩어리를 깎기 위해 많은 수의 구리 끌이 제조되었을 때 고대 왕국에서 절정에 달했다.히에라콘폴리스의 페피 1세와 메렌레의 동상은 대규모 금속 가공의 흔치 않은 생존자이다.

투탕카멘의 황금 보물은 고대 이집트의 부를 상징하게 되었고, 파라오 문화에서 금의 중요성을 보여준다.왕릉에 있는 묘실은 "금집"이라고 불렸다.이집트 종교에 따르면, 신들의 살은 황금으로 만들어졌다.결코 변색되지 않는 빛나는 금속으로, 신들의 숭배 이미지, 왕실 장례 장비, 오벨리스크 꼭대기에 광채를 더하는 데 이상적인 재료였다.그것은 보석으로 널리 사용되었고, 충성스러운 봉사에 대한 보상으로 관리들에게 분배되었다.

은은 레반트에서 수입되어야 했고, 그것의 희귀성은 처음에 금보다 더 큰 가치를 주었다.은제품의 초기 예로는 헤테피레스의 팔찌가 있다.중왕국에 따르면, 중동과의 무역이 증가했기 때문인지 은은 금보다 가치가 낮아진 것으로 보인다.엘토드에서 나온 보물은 에게 해에서 만들어진 것으로 추정되는 은으로 된 사재기로 구성되어 있고, 12왕조 왕실의 여성 구성원들을 위해 만들어진 은 장신구는 다슈르와 라훈에서 발견되었다.이집트 종교에서 신들의 뼈는 [93]은으로 만들어졌다고 한다.

철은 이집트인에 의해 대규모로 이용된 마지막 금속이었다.운석철은 바다리안 시대의 구슬 제조에 사용되었다.그러나 철을 제련하는 데 필요한 첨단 기술은 후기까지 이집트에 도입되지 않았다.그 이전에는 철기류가 수입되어 그 희귀성이 높은 것으로 평가되었다.아마르나 서한은 근동 통치자들, 특히 히타이트인들이 아멘호테프 3세와 아케나텐에게 보낸 외교적 철의 선물을 가리킨다.철제 도구와 무기는 로마 시대에만 이집트에서 보편화 되었다.

★★★

고고학적 맥락에서는 비교적 생존이 좋지 않기 때문에, 목재는 고대 이집트의 유물 중에서 특별히 잘 나타나지는 않는다.그럼에도 불구하고, 목공은 분명히 일찍부터 높은 수준으로 행해졌다.토종 나무들은 대추야자와 돔야자를 포함했는데, 이 나무들의 줄기는 건물의 기둥으로 쓰이거나 판자를 만들기 위해 쪼개질 수 있었다.가구 제조에는 타마리스크, 아카시아, 무화과가 사용되었으며, 더 큰 유연성이 필요한 경우(예: 그릇 제조)에는 재가 사용되었습니다.하지만, 이 모든 토종 목재들은 상대적으로 품질이 좋지 않았다; 더 좋은 품종들이, 특히 [94]레반트에서 수입되어야 했다.

참고 항목: Lapis lazuli

라피스 라줄리는 하늘과의 상징적 연관성 때문에 고대 이집트인들이 높이 평가한 짙은 파란색의 반보석이다.아프가니스탄 북동부 산악지대에서 장거리 무역로를 통해 수입된 것으로 금은을 제외한 모든 재료보다 우수하다고 평가받았다.색유리나 팬시언스는 값싼 모조품을 제공했다.라피스 라줄리는 전동기시대에 처음 증명되었다.제2왕조와 제3왕조 시대의 일시적인 공급 중단은 아마도 고대 근동의 정치적 변화를 반영하는 것일 것이다.그 후, 그것은 보석, 작은 조각상, 부적 [95]등에 널리 사용되었다.

  • Scarab finger ring; 1850–1750 BC; diameter: 2.5 cm, the scarab: 1.8 cm; Metropolitan Museum of Art (New York City)

    스카라브 핑거링; 1850년–1750년; 지름: 2.5cm, 스카라브: 1.8cm; 메트로폴리탄 미술관(뉴욕시)

  • Cult image of Ptah; 945–600 BC; height of the figure: 5.2 cm, height of the dais: 0.4 cm; Metropolitan Museum of Art

    Ptah의 컬트 이미지(기원전 945~600년), 그림 높이: 5.2cm, 다이 높이: 0.4cm, 메트로폴리탄 미술관

  • Falcom amulet; 664–332 BC; height: 2.2 cm; Metropolitan Museum of Art

    기원전, 2., 664~332년, 2.2cm

  • Child god (Harpokrates?) amulet; 664–30 BC; height: 4.3 cm, width: 1.2 cm, depth: 1.6 cm; Metropolitan Museum of Art

    아신(하포크라테스?) 부적, 기원전 664~30년, 높이: 4.3cm, 폭: 1.2cm, 깊이: 1.6cm, 메트로폴리탄 미술관

★★★★★

  • 재스퍼는 붉은색, 녹색 또는 노란색 띠가 있는 불순한 형태의 성찬이다.생명의 상징이자 우주의 긍정적인 면의 상징인 붉은 벽옥은 부적을 만드는데 무엇보다도 사용되었다.죽은 자의 서 156절에 명시된 붉은 벽옥으로 만들어진 티끌 부적, 또는 티엣(이시스의 매듭으로도 알려져 있음)과 같은 특정한 부적에 이상적이었다.더 드물게 사용되는 녹색 재스퍼는 특히 스카라브, 특히 심장 스카라를 만드는 데 사용되었습니다.
  • 서펜틴은 마그네슘의 수화 규산염의 총칭이다.그것은 주로 동부 사막에서 왔고, 옅은 녹색에서 검은색에 가까운 어두운 색조까지 다양한 색조로 나타납니다.그것은 초창기부터 하트 스카프를 만들기 위해 특별히 사용되었습니다.
  • 스테아타이트는 염소산염 계열의 광물입니다; 그것은 작업하기 매우 쉽다는 큰 장점을 가지고 있습니다.스테아타이트 부적은 선행기부터의 맥락에서 발견되지만, 그 이후의 시기에는 대개 미세한 층의 경험으로 덮여 수많은 스칼라 제조에 사용되었다.
  • 청록색은 불투명한 돌이며 하늘색에서 청록색이다.구리 미량에 의해 파란색으로 색칠된 천연 인산 알루미늄입니다.하토르 여신과 밀접하게 연관되어 있으며, 그것은 주로 시나이 광산(세라비트 엘 카딤)에서 추출되었다.이집트인들은 특히 역동성과 활력 넘치는 재생을 상징하는 녹색을 좋아했다.후기 시대에, 터키석은 기쁨과 기쁨의 동의어였다.
  • Pendant; circa 1069 BC; gold and turquoise; overall: 5.1 x 2.3 cm; Cleveland Museum of Art (Cleveland, USA)

    펜던트, 기원전 1069년경, 금과 터키석, 전체: 5.1 x 2.3cm, 클리블랜드 미술관(미국 클리블랜드)

  • Heart scarab of Hatnefer; 1492–1473 BC; serpentine (the scarab) and gold; 5.3 × 2.8 cm; chain: 77.5 cm; Metropolitan Museum of Art

    하트네퍼의 하트스카라브; 기원전 1492년-1473년; 서펜틴(스카라브)과 금; 5.3×2.8cm; 체인: 77.5cm; 메트로폴리탄 미술관

  • Head from a spoon in the form of a swimming girl; 1390–1353 BC; travertine (the head) and steatite (the hair); 2.8 × 2.7 cm; Metropolitan Museum of Art

    수영하는 소녀 형태의 숟가락 머리; 기원전 1390년–1353년; 트라베르틴(머리)과 스테아타이트(머리); 2.8×2.7cm; 메트로폴리탄 미술관

  • Amulet; 1295–1070 BC; red jasper; 2.3 × 1.2 cm; Metropolitan Museum of Art

    부적; 기원전 1295-1070년; 붉은 재스퍼; 2.3×1.2cm; 메트로폴리탄 미술관

조각품

파라오 멘카우라와 하메레네브티 2세 여왕; 기원전 2490–2472; 그레이와케; 전체: 142.2 × 57.1 × 55.2 cm (56 × 22.4 × 21.7 인치);보스턴 미술관 (미국)

고대 이집트의 신전과 무덤의 기념비적인 조각은 [96]잘 알려져 있지만, 세련되고 섬세한 작은 작품들이 훨씬 더 많이 존재한다.이집트인들은 그림자에 의해 강조되는 윤곽과 형태를 위해 햇빛에서 가장 잘 보이는 가라앉은 부조 기술을 사용했다.한 발을 다른 발 앞에 두고 정면을 바라보는 독특한 자세가 작품의 균형과 힘에 도움이 되었다.이 독특한 자세는 앉은 조각상들도 흔했지만 이집트 미술사의 초기부터 프톨레마이오스 시대까지 사용되었다.

이집트 파라오는 항상 신으로 여겨졌지만, 다른 신들은 파라오를 다른 신으로 나타낼 때를 제외하고, 큰 조각상에서는 훨씬 덜 흔하다; 하지만, 다른 신들은 종종 그림과 부조물에서 나타난다.아부 심벨의 주요 사원 밖에 있는 유명한 네 개의 거대한 조각상들은 각각 이곳에서는 유난히 [97]크지만 전형적인 그림인 라메세스 2세를 보여준다.대부분의 더 큰 조각상들은 이집트 신전이나 무덤에서 살아남았다; 거대한 조각상들은 신들과 파라오 그리고 그들의 여왕들을 나타내기 위해, 대개 신전 안이나 밖의 열린 장소를 위해 세워졌다.기자의 매우 초기의 거대한 스핑크스는 결코 반복되지 않았지만, 스핑크스와 다른 동물들을 포함한 매우 큰 조각상들이 늘어선 길들이 많은 사원 단지들의 일부를 형성했다.사원에서 신에 대한 가장 신성한 컬트 이미지는 보통 나오에 보관된 비교적 작은 배나 바크의 형태였고, 명백히 보통 귀금속인데, 이들 중 어느 것도 살아남은 것으로 알려져 있지 않다.

4왕조 (기원전 2680–2565)까지, Ka 조각상에 대한 생각은 확고해졌다.이것들은 영혼의 카 부분을 위한 휴식처로서 무덤에 놓여졌다.그래서 잘사는 행정가와 그 아내들의 많은 전통화되지 않은 조각상들이 있다.이집트는 기후가 수천 년 이상 나무를 생존시킬 수 있는 세계에서 몇 안 되는 곳 중 하나이기 때문에 많은 나무 조각상들이 있다.고대 이집트에 실제 초상화가 얼마나 있었는지는 여전히 논쟁의 여지가 있지만, 소위 예비군 머리, 즉 털이 없는 머리는 특히 자연주의적이다.

초기 무덤은 또한 죽은 사람들이 [98]사후에도 그의 삶을 지속하는데 필요한 노예, 동물, 건물과 배와 같은 물건의 작은 모형들을 가지고 있었다.그러나 대부분의 목조 조각품들은 썩어서 없어졌거나 연료로 사용되었을 것이다.작은 신상이나 그들의 동물의 의인화는 매우 흔하며 도자기 같은 인기 있는 재료에서 발견됩니다.또한 신의 형상에서부터 장난감과 조각 도구에 이르기까지 많은 수의 작은 조각품들이 있었다.알라바스터는 비록 페인트칠된 목재가 가장 일반적인 재료였지만, 이것들의 값비싼 버전에 사용되었고, 무덤에 묻힌 동물, 노예, 소유물의 작은 모형들이 사후세계에 대비하는 것은 정상이었다.

조각상을 만드는 동안 매우 엄격한 관습이 지켜졌고, 모든 이집트 신의 모습을 지배하는 특정한 규칙들이 있었다.예를 들어, 하늘의 신(호루스)은 매의 머리로, 장례 의식의 신(아누비스)은 자칼의 머리로 표현되었다.예술 작품들은 그 관습에 따라 순위를 매겨졌고, 그 관습은 엄격히 지켜져서 3천 년이 지나도록 조각상의 외형은 거의 변하지 않았다.이러한 규약은 피규어 [citation needed]ka의 시대를 초월하고 나이를 먹지 않는 특성을 전달하기 위한 것이었다.

고대 이집트 조각의 공통적인 특징은 남성과 여성의 표현 차이였다.여성들은 종종 이상주의적인 형태로 표현되었고, 젊고 예뻤으며, 나이가 들어서는 거의 나타나지 않았다.남성들은 이상주의적 혹은 좀 더 사실적인 [48]묘사로 표현되었다.남성 조각은 종종 남성들에게 노화의 재생이 그들에게 긍정적인 일이었기 때문에 남성들에게 노화를 보여주었지만 여성들은 항상 [99]젊음을 보여주었다.

비석

주요 기사:비석
네페르티아벳 공주의 식사비; 기원전 2589년-2566년; 석회암과 페인트; 37.7 × 52.5 × 8.3 cm; 기자; 루브르

비석은 돌이나 나무로 된 직립판이며, 종종 윗부분이 구부러져 있고, 글과 그림으로 칠하고 조각되어 있습니다.장례, 봉납, 기념 등 다양한 목적을 위해 이집트 역사 전반에 걸쳐 수많은 사례들이 제작되었다.제1왕조 초기의 것으로 보이는 묘비는 전형적으로 고인의 이름과 직함을 가지고 있었다.무덤의 주인을 확인하는 역할을 했던 이 기본 형태는 마법의 기능을 가진 장례 장비의 핵심 요소로 발전했습니다.그래서 제2왕조부터는 주인을 음식과 음료가 가득 담긴 제물상 앞에 앉혀 놓고, 중왕조 시대에는 제물 공식이 비석 위에 새겨져 있었다.둘 다 사후세계에서 지속적인 제물 공급을 보장하기 위해 고안되었다.신에게 바치는 기도가 새겨진 봉헌비는 특정한 상황에 대한 좋은 결과를 추구하는 신도들에 의해 봉헌되었다.중왕국에서는 매년 오시리스의 행렬에 참여하기 위해 수백 명의 순례자들이 아비도스의 "위대한 신의 길"에 세워졌다.신왕국에서 흔히 볼 수 있는 봉납비 중 하나는 사람의 귀 모양을 새긴 귀비인데, 이는 신에게 기도나 소원을 들어주도록 격려하기 위한 것이다.

기념 석탑은 주목할 만한 성과를 선언하기 위해 제작되었다. (예를 들어, Serabit el-Khadim에 대한 채굴 탐험을 기록한 Horwerra의 석탑과 Amarna 시대의 말기에 전통적인 컬트들의 복원을 축하하는 투탕카멘의 복원 석탑); 군사적 승리를 축하하기 위해 제작되었다.le), 국경(예를 들어 Senusret 3세의 Semna 비석 및 Amarna [101]주변의 경계석)을 설립한다.

피라미디아

주요 기사:피라미디온

피라미드는 피라미드 꼭대기에 있는 뚜껑돌이다.고대 이집트어로 벤베네라고 불리는, 그것은 피라미드 전체를 신성한 벤베네 돌과 연관시켰다.피라미디아는 태양 광선을 반사하기 위해 금박으로 덮여 있었을지도 모른다; 중왕국에서는 종종 왕실의 칭호와 종교적 [103]상징이 새겨져 있었다.

페인팅

메이둠 거위; 기원전 2575년-2551년; 채색 석고; 27 x 172cm; 이집트 박물관(카이로)

이집트 부조물들이 모두 그려진 것은 아니며 무덤, 사원, 궁전의 덜 재미난 작품들은 단지 평지에 그려졌을 뿐이다.돌 표면은 거친 진흙 회반죽 층을 하얗게 칠하거나 거칠게 칠한 후, 그 위에 매끄러운 게소 층을 얹어 준비했습니다. 더 미세한 석회암은 페인트를 직접 칠할 수 있습니다.색소는 대부분 미네랄로, 강한 햇빛에도 바래지 않고 견딜 수 있도록 선택되었다.도장에 사용되는 결합 매체는 불분명하다: 계란 템페라, 다양한 잇몸과 레진이 제안되었다.젖은 회반죽의 얇은 층에 그려진 진짜 프레스코는 사용되지 않은 것이 분명하다.대신, 이탈리아어로 프레스코 아 세코라고 불리는 마른 회반죽에 페인트를 칠했다.페인트를 칠한 후, 니스나 레진이 보통 보호 코팅으로 적용되었고, 완전히 노출된 벽에는 거의 없지만, [104]일부 노출이 있는 많은 그림들이 눈에 띄게 잘 남아 있다.나무 조각상을 비롯한 작은 물건들도 비슷한 기법으로 그려졌습니다.

이집트의 극도로 건조한 기후 때문에 많은 고대 이집트 그림들이 무덤에서, 그리고 때로는 신전에서 살아남았다.그 그림들은 종종 고인을 위해 쾌적한 사후 세계를 만들려는 의도로 그려졌다.주제에는 사후세계로의 여행이나 지하세계의 신들에게 고인을 소개하는 보호신들이 포함되어 있었다.고분벽화에는 [citation needed]고인이 살아서 평생 하고 싶었던 활동들이 담겨 있습니다.

신왕국 시대부터 죽은 자의 책은 무덤에 묻힌 사람과 함께 묻혔다.그것은 [105]사후세계에 대한 소개에 중요한 것으로 여겨졌다.

이집트 그림들은 동물이나 인물의 옆모습과 정면을 동시에 보여주는 방식으로 그려졌습니다.예를 들어 오른쪽 그림은 옆모습에서 머리를, 정면모습에서 몸을 보여준다.그들의 주요 색깔은 빨강, 파랑, 초록, 금, 검정, [citation needed]노랑이었다.

그림 사냥과 낚시 같은 장면을 보여 주지만, 대개 이집트 그림에 깊이에 대한 감각한 것은 아니고 풍경도 외관 투시감 발견되면, 그 숫자 사이즈가 제법에 그들의 중요성보다는 그들의 위치와 같이 다양한 갈대, 물 생생한 근접 풍경 배경을 가질 수 있다.[표창 필요한]

  • Block from a relief depicting a battle; 1427–1400 BC; painted sandstone; height: 61.5 cm (24.2 in); Metropolitan Museum of Art (US)

    전투를 묘사한 부조 블록;기원전 1427년-1400년;그림의 사암;높이: 61.5cm(24.2인치), 메트로폴리탄 미술관(미국)

  • Fresco which depicts Nebamun hunting birds; 1350 BC; paint on plaster; 98 × 83 cm (3 ft 2.5 in × 2 ft 8.7 in); British Museum (London)

    네바문을 사냥하는 새를 그린 프레스코, 기원전 1350년, 회반죽에 칠함, 98×83cm(3피트 2.5인치×2피트 8.7인치), 대영박물관(런던)

  • Fresco which depicts the pool in Nebamun's estate garden; c. 1350 BC; painted plaster; height: 64 cm; British Museum

    네바문의 저택 정원에 있는 연못을 묘사한 프레스코; 기원전 1350년경; 회반죽 칠; 높이: 64cm; 대영박물관

  • Frescos in the Tomb of Nefertari, in which appear Khepri sitting on a very colourful square-shaped throne

    네페르타리 무덤의 프레스코는 케프리가 매우 화려한 정사각형 모양의 왕좌에 앉아 있는 것처럼 보인다.

  • Wall painting from Tutankhamun's tomb depicting Ay performing the Opening of the Mouth ceremony

    아이가 입을 여는 모습을 그린 투탕카멘 무덤 벽화

  • Scene from the tomb of Tutankhamun in which appears Osiris

    오시리스가 등장하는 투탕카멘 무덤의 장면

  • Picture of the wall painting from the tomb of Sennedjem in which Anubis attends the mummy of the deceased

    아누비스가 고인의 미라에 입회한 센네젬 무덤 벽화 그림

  • The Book of the Dead of Hunefer; c. 1275 BC; ink and pigments on papyrus; 45 × 90.5 cm; British Museum (London)

    휴네퍼의 죽은 자의 책; 기원전 1275년경; 파피루스의 잉크와 색소; 45×90.5cm; 대영박물관(런던)

아키텍처

주요 기사:고대 이집트 건축
상세 정보:이집트 피라미드와 이집트 사원
메디넷 하부 사원의 동굴에 있는 날개 달린 태양.날개 달린 태양은 이시스의 아들인 매의 신 호루스가 그의 적들을 이겨내는 모습을 나타냅니다.그 이미지는 또한 사원 입구에서 흔히 볼 수 있는 보호구였다.날개 달린 원반은 이집트 리바이벌 건축과[106] 예술에서 인기 있는 모티브입니다.

고대 이집트 건축가들은 햇볕에 말리고 가마로 구운 벽돌, 고운 사암, 석회암, 화강암을 사용했다.건축가들은 그들의 모든 작업을 세심하게 계획했다.진흙이나 모르타르를 사용하지 않았기 때문에 그 돌들은 정확하게 서로 맞아야 했다.피라미드를 만들 때, 경사로는 건축물의 높이가 커짐에 따라 일꾼들이 위로 올라갈 수 있도록 하기 위해 사용되었다.건물 꼭대기가 완성되자 예술가들은 위에서 아래로 장식했고 아래로 내려가면서 경사로를 제거했다.피라미드와 같은 구조물의 외벽에는 몇 개의 작은 개구부만 있었다.화려한 색상의 상형문자와 그림 조각들이 스카라브, 성스러운 딱정벌레, 태양 원반, 독수리 같은 많은 모티브를 포함한 이집트 건축물을 장식하는데 풍부하게 사용되었습니다.그들은 파라오가 [107]신이 되기 위해 겪게 될 변화를 묘사했다.

기원전 2600년에 건축가 임호테프는 파피루스, 연꽃, 야자나무와 같은 유기적인 형태의 갈대를 반영하기 위해 표면이 조각된 돌기둥을 사용했다; 후기 이집트 건축에서는 또한 페이스가 있는 원통도 흔했다.그 형태는 고대 갈대로 지어진 신전에서 유래한 것으로 생각된다.돌로 조각한 기둥은 상형문자와 글씨, 제사상, 자연모티브 등으로 화려하게 장식되어 있었다.가장 중요한 유형 중 하나는 파피형 기둥이다.이 기둥들의 기원은 제5왕조로 거슬러 올라간다.그것들은 연꽃(파피루스) 줄기로 이루어져 있는데, 줄기는 띠로 장식되어 있다. 수도는 도라지 모양으로 벌어지지 않고 부풀었다가 다시 봉오리의 꽃처럼 좁아진다.연꽃 줄기처럼 반구 모양으로 가늘어진 밑부분에는 줄기 장식이 반복되고 있다.룩소르 신전의 기둥들은 파피루스 다발을 연상시키며, 아마도 고대 이집트인들이 세계의 창조가 펼쳐졌다고 믿었던 습지를 상징할 것이다.

  • Pair of obelisks of Nebsen; 2323–2100 BC; limestone; (the one from left) height: 52.7 cm, (the one from right) height: 51.1 cm; Metropolitan Museum of Art (New York City)

    넵센의 오벨리스크 한 쌍; 기원전 2323년-2100년; 석회암;(왼쪽부터) 높이: 52.7cm, (오른쪽부터) 높이: 51.1cm; 메트로폴리탄 미술관(뉴욕시)

  • Model of a house; 1750–1700 BC; pottery; 27 x 27 x 17 cm; Metropolitan Museum of Art

    주택 모형; 기원전 1750~1700년; 도자기; 27×27×17cm; 메트로폴리탄 미술관

  • Ceiling painting from the palace of Amenhotep III; circa 1390–1353 BC; dried mud, mud plaster and paint Gesso; 140 x 140 cm; Metropolitan Museum of Art

    아멘호테프 3세 궁전의 천장화; 기원전 1390년-1353년 경; 건조 진흙, 진흙 회반죽, 페인트 게소; 140×140cm; 메트로폴리탄 미술관

  • Window grill from a palace of Ramesses III; 1184–1153 BC; painted sandstone; height: 103.5 cm, width: 102.9 cm, depth: 14.6 cm; Metropolitan Museum of Art

    람세스 3세 궁전의 창문 그릴; 기원전 1184년-1153년; 페인트칠된 사암; 높이: 103.5cm, 폭: 102.9cm, 깊이: 14.6cm; 메트로폴리탄 미술관

  • Column with Hathor-emblem capital and names of Nectanebo I on the shaft; 380–362 BC; limestone; height: 102 cm, width: 34.3 cm; Metropolitan Museum of Art

    하토르엠블럼 대문자 기둥과 축대 위의 넥타네보 1세 이름; 기원전 380~362년; 석회암; 높이: 102cm, 폭: 34.3cm; 메트로폴리탄 미술관

  • The Temple of Dendur; completed by 10 BC; aeolian sandstone; temple proper: height: 6.4 m, width: 6.4 m; length: 12.5 m; Metropolitan Museum of Art

    덴두르 신전; 기원전 10년까지 완공; 풍암; 적절한 사원: 높이: 6.4m, 폭: 6.4m, 길이: 12.5m; 메트로폴리탄 미술관

  • A view of the pyramids at Giza. From left to right, the three largest are: the Pyramid of Menkaure, the Pyramid of Khafre and the Great Pyramid of Khufu

    기자 피라미드 풍경.왼쪽에서 오른쪽으로 가장 큰 세 곳은 멘카우레의 피라미드, 카프레의 피라미드, 쿠푸의 대 피라미드이다.

  • The well preserved Temple of Isis from Philae (Egypt) is an example of Egyptian architecture and architectural sculpture

    잘 보존된 이집트 필레(이집트)의 이시스 신전은 이집트 건축과 건축 조각의 한 예이다

  • The Great Temple of Ramesses II from Abu Simbel, founded in circa 1264 BC, in the Aswan Governorate (Egypt)

    기원전 1264년경 아스완 주(이집트)에 세워진 아부 심벨의 람세스 2세 신전

  • Relief from the Dendera Temple complex (Egypt)

    덴데라 사원 단지(이집트)로부터의 구제

  • Illustrations of various types of capitals, drawn by the Egyptologist Karl Richard Lepsius

    이집트학자 칼 리처드 렙시우스가 그린 다양한 형태의 수도 삽화

  • Illustrations with two types of columns from the hall of the Ramses II Temple, drawn in 1849

    1849년에 그려진 람세스 2세 사원 홀의 두 가지 기둥으로 된 삽화

보석

다음 항목도 참조하십시오.펙토랄(고대 이집트), 우스크 칼라, 고대 이집트 부싯돌 보석, 이집트 손가락과 발가락 노점
메트로폴리탄 미술관(뉴욕시)의 다양한 비즈

고대 이집트인들은 초기 초기부터 장식과 개인적인 장식을 좋아했다.바다리안 매장에는 종종 유약을 바른 스테이타이트, 조개껍데기, 상아로 만든 구슬줄이 들어 있었다.금, 은, 구리, 그리고 장신구 또한 초기 초기 시대에 증명되었습니다; 더 다양한 재료들이 제1왕조 이전 수세기에 도입되었습니다.구왕국 시대에는 왕실의 보석으로 카넬리안, 터키석, 라피스라줄리의 조합이 확립되었고, 이는 중왕국에서는 표준이 되었다.덜 정교한 조각은 뼈, 자개 또는 카우리 껍질을 사용할 수 있습니다.

재료의 특정 선택은 실용적, 미적, 상징적 고려사항에 따라 결정되었습니다.어떤 종류의 보석들은 영원히 인기를 유지했고, 다른 보석들은 유행에 뒤떨어졌다.첫 번째 카테고리에는 구슬 목걸이, 팔찌, 팔걸이, 거들이 있었다.구슬 앞치마는 제1왕조 때 처음 확인되었고, 우스크의 넓은 깃은 초기 구왕조 때부터 표준형이 되었다.중왕국에서, 그것들은 손가락 반지와 귀 장식품(반지와 플러그)으로 대체되었다.신왕국의 보석들은 일반적으로 초기 시기보다 더 정교하고 화려하며, 고대 그리스와 레반트의 스타일에 영향을 받았다.투탕카멘의 무덤에서 많은 훌륭한 사례들이 발견되었다.왕실이나 사적인 보석들은 종교적 상징으로 가득 차 있었다.그것은 또한 착용자의 부와 지위를 나타내기 위해 사용되었다.18왕조의 공주들을 위해 만들어진 다슈르와 라훈에서 발견된 작품에서 알 수 있듯이, 왕실 보석은 항상 가장 정교했다. 왕의 호의의 표시로 총애를 받는 신하들은 "명예의 금"을 받았다.

보석 제작 기술은 현존하는 유물이나 무덤 장식을 통해 재구성할 수 있다.보석상 작업실은 메레루카 무덤에 있습니다. 테베의 몇몇 신왕국 무덤은 비슷한 [108]장면을 담고 있습니다.

  • Broad collar of Wah; 1981–1975 BC; faience and linen thread; height: 34.5 cm, width: 39 cm; Metropolitan Museum of Art (New York City)

    Broad collar of Wah; 1981–1975 BC; faience and linen thread; height: 34.5 cm, width: 39 cm; Metropolitan Museum of Art (New York City)

  • Pectoral and necklace of Princess Sithathoriunet; 1887–1813 BC; gold, carnelian, lapis lazuli, turquoise, garnet & feldspar; height of the pectoral: 4.5 cm; Metropolitan Museum of Art

    Pectoral and necklace of Princess Sithathoriunet; 1887–1813 BC; gold, carnelian, lapis lazuli, turquoise, garnet & feldspar; height of the pectoral: 4.5 cm; Metropolitan Museum of Art

  • Broad collar of Senebtisi; 1850–1775 BC; faience, gold, carnelian and turquoise; outside diameter: 25 cm, maxim width: 7.5 cm; Metropolitan Museum of Art

    Broad collar of Senebtisi; 1850–1775 BC; faience, gold, carnelian and turquoise; outside diameter: 25 cm, maxim width: 7.5 cm; Metropolitan Museum of Art

  • Pectoral (chest jewellery) of Tutankhamun; 1336–1327 BC (Reign of Tutankhamun); gold, silver and meteoric glass; height: 14.9 cm; Egyptian Museum (Cairo)

    Pectoral (chest jewellery) of Tutankhamun; 1336–1327 BC (Reign of Tutankhamun); gold, silver and meteoric glass; height: 14.9 cm; Egyptian Museum (Cairo)

  • Pectoral of Horus with sundisk; circa 1325 BC; gold with gemstones; width: 12.6 cm; Egyptian Museum (Cairo)

    Pectoral of Horus with sundisk; circa 1325 BC; gold with gemstones; width: 12.6 cm; Egyptian Museum (Cairo)

  • Signet ring; 664–525 BC; gold; diameter 3 cm, length: 3.4 cm (bezel); British Museum (London)

    Signet ring; 664–525 BC; gold; diameter 3 cm, length: 3.4 cm (bezel); British Museum (London)

  • 1849 illustrations of the Ferlini Treasures, discovered in 1830 by the Italian explorer, Giuseppe Ferlini; in the New York Public Library

    1849 illustrations of the Ferlini Treasures, discovered in 1830 by the Italian explorer, Giuseppe Ferlini; in the New York Public Library

  • Illustration of jewelry from the tomb of princess Merit

    Illustration of jewelry from the tomb of princess Merit

Amulets

Main article: List of ancient Egyptian statuary with amulet necklaces

An amulet is a small charm worn to afford its owner magical protection, or to convey certain qualities (for example, a lion amulet might convey strength, or a set-square amulet might convey rectitude). Attested from the Badarian period onward, amulets were produced both for the living and the dead. Particular amulets were placed at specific places in the mummy wrappings. The heart scarab was a specialized form of amulet to protect the heart of the deceased in the afterlife. Amulets were made from a wide variety of materials, including faience, glass, and precious stones – with color often playing an important symbolic role – and in a wide variety of forms. They might depict sacred objects (such as the Djed pillar, Tyet girdle or Wedjad eye); animals (bull's head amulets were particularly common in the late Predynastic period); or hieroglyphs (for example, Ankh or Sa). From the New Kingdom onward, deities – especially household deities such as Bes and Taweret – were popular subjects for amulets.[109]

  • Amulet in the form of Heryshaf seated on a lotus; 1069–332 BC; gold; height: 11.5 cm, width: 3.4 cm; Louvre

    Amulet in the form of Heryshaf seated on a lotus; 1069–332 BC; gold; height: 11.5 cm, width: 3.4 cm; Louvre

  • Amulet that depicts Thoth as a baboon holding the Eye of Horus; 664–332 BC; Egyptian faience with light green glaze; height: 3.9 cm, width: 2.4 cm, depth: 2.5 cm; Walters Art Museum (Baltimore, US)

    Amulet that depicts Thoth as a baboon holding the Eye of Horus; 664–332 BC; Egyptian faience with light green glaze; height: 3.9 cm, width: 2.4 cm, depth: 2.5 cm; Walters Art Museum (Baltimore, US)

  • Amulet which depicts a triad of Isis, Horus and Nephthys; 664–332 BC; faience; height: 4.5 cm, width: 3 cm, depth: 2.2 cm; Metropolitan Museum of Art (New York City)

    Amulet which depicts a triad of Isis, Horus and Nephthys; 664–332 BC; faience; height: 4.5 cm, width: 3 cm, depth: 2.2 cm; Metropolitan Museum of Art (New York City)

  • Amulet depicting Taweret; 664–332 BC; faience; height: 9.7 cm; Metropolitan Museum of Art

    Amulet depicting Taweret; 664–332 BC; faience; height: 9.7 cm; Metropolitan Museum of Art

Scarab-shaped amulets

Main article: Scarab (artifact)

The protective amulet for the heart was in the form of the scarab beetle, the manifestation of the creator and solar deity Khepri. It was a symbol of new life and resurrection. The scarab beetle was seen to push a ball of dung along the ground, and from this came the idea of the beetle rolling the sun across the sky. Subsequently, the young beetles were observed to hatch from their eggs inside the ball, hence the idea of creation: life springs forth from primordial mud.

The heart scarab was a large scarab amulet which was wrapped in the mummy bandaging over the deceased's heart. It was made from a range of green and dark-colored materials, including faience, glass, glazed steatite, schist, feldspar, hematite and obsidian.[110] Black was also associated with the afterlife, while blue and green were associated with the birth and the life-giving waters of the Nile.

  • Heart scarab of the singer of Amun Iakai; 1550–1186 BC; glass; length: 4.8 cm, width: 3.5 cm, height: 1.5 cm; Metropolitan Museum of Art (New York City)

    Heart scarab of the singer of Amun Iakai; 1550–1186 BC; glass; length: 4.8 cm, width: 3.5 cm, height: 1.5 cm; Metropolitan Museum of Art (New York City)

  • The back of a heart scarab of the singer of Amun Iakai; 1550–1186 BC; glass; length: 4.8 cm, width: 3.5 cm, height: 1.5 cm; Metropolitan Museum of Art

    The back of a heart scarab of the singer of Amun Iakai; 1550–1186 BC; glass; length: 4.8 cm, width: 3.5 cm, height: 1.5 cm; Metropolitan Museum of Art

  • Commemorative scarab of Amenhotep III, recording a lion hunt; 1390–1352 BC; blue-glazed steatite; length: 8 cm; Metropolitan Museum of Art

    Commemorative scarab of Amenhotep III, recording a lion hunt; 1390–1352 BC; blue-glazed steatite; length: 8 cm; Metropolitan Museum of Art

  • The back of a commemorative scarab of Amenhotep III, recording a lion hunt; 1390–1352 BC; blue glazed steatite; length: 8 cm; Metropolitan Museum of Art

    The back of a commemorative scarab of Amenhotep III, recording a lion hunt; 1390–1352 BC; blue glazed steatite; length: 8 cm; Metropolitan Museum of Art

Pottery

Main article: Ancient Egyptian pottery
See also: Funerary cone

Different types of pottery items were deposited in tombs of the dead. Some such pottery items represented interior parts of the body, such as the lungs, the liver and smaller intestines, which were removed before embalming. A large number of smaller objects in enamel pottery were also deposited with the dead. It was customary for the tomb walls to be crafted with cones of pottery, about 15 to 25 cm (6 to 10 in) tall, on which were engraved or impressed legends relating to the dead occupants of the tombs. These cones usually contained the names of the deceased, their titles, offices which they held, and some expressions appropriate to funeral purposes.

  • Blue-painted jar from Malqata; 1390–1353 BC; painted pottery; height: 69 cm; Metropolitan Museum of Art (New York City)

    Blue-painted jar from Malqata; 1390–1353 BC; painted pottery; height: 69 cm; Metropolitan Museum of Art (New York City)

  • Hathor-shaped jar; 1390–1353 BC; painted pottery; height: 24.5 cm; Metropolitan Museum of Art

    Hathor-shaped jar; 1390–1353 BC; painted pottery; height: 24.5 cm; Metropolitan Museum of Art

  • Cup ornated with papyrus flowers; 653–640 BC; terracotta; Louvre

    Cup ornated with papyrus flowers; 653–640 BC; terracotta; Louvre

  • Goblet ornated with uraeuses; 653–640 BC; terracotta; Louvre

    Goblet ornated with uraeuses; 653–640 BC; terracotta; Louvre

Calligraphy

Main article: Egyptian hieroglyphs

Egyptian writing remained a remarkably conservative system, and the preserve of a tiny literate minority, while the spoken language underwent considerable change. Egyptian stelas are decorated with finely carved hieroglyphs.

The use of hieroglyphic writing arose from proto-literate symbol systems in the Early Bronze Age, around the 32nd century BC (Naqada III), with the first decipherable sentence written in the Egyptian language dating to the Second Dynasty (28th century BC). Egyptian hieroglyphs developed into a mature writing system used for monumental inscription in the classical language of the Middle Kingdom period; during this period, the system made use of about 900 distinct signs. The use of this writing system continued through the New Kingdom and Late Period, and on into the Persian and Ptolemaic periods. Late use of hieroglyphics are found in the Roman period, extending into the 4th century AD.

  • Relief with hieroglyphs from the Edfu Temple (Edfu, Egypt)

    Relief with hieroglyphs from the Edfu Temple (Edfu, Egypt)

  • Hieroglyphs on the Stele Minnakht from c. 1321 BC, in the Louvre

    Hieroglyphs on the Stele Minnakht from c. 1321 BC, in the Louvre

  • Detail from the side of a sarcophagus, circa 530 BC, in the British Museum (London)

    Detail from the side of a sarcophagus, circa 530 BC, in the British Museum (London)

  • Hieroglyphs from the tomb of Seti I

    Hieroglyphs from the tomb of Seti I

Furniture

Illustrations of four royal chairs with their supporters

Although, by modern standards, ancient Egyptian houses would have been very sparsely furnished, woodworking and cabinet-making were highly developed crafts. All the main types of furniture are attested, either as surviving examples or in tomb decoration. Chairs were only for the wealthy; most people would have used low stools. Beds consisted of a wooden frame, with matting or leather webbing to provide support; the most elaborate beds also had a canopy, hung with netting, to provide extra privacy and protection from insects. The feet of chairs, stools and beds were often modeled to resemble bull hooves or, in later periods, lion feet or duck heads. Wooden furniture was often coated with a layer of plaster and painted.

Royal furniture was more elaborate, making use of inlays, veneers and marquetry. Funerary objects from the tomb of Tutankhamun include tables, boxes and chests, a gilded throne, and ritual beds shaped like elongated hippos and cattle. The burial equipment of Hetepheres included a set of travelling furniture, light and easy to dismantle. Such furniture must have been used on military campaigns and other royal journeys.[111] Egyptian furniture has highly influenced the development of Greco-Roman furniture. It also was one of the principal sources of inspiration of a style known as Empire.[112] The main motifs used are: palm and lotus leaves, flowers, lion heads and claws, bull hooves, bird heads, and geometric combinations. Everything is sober and with a monumental character.[113]

  • Furniture leg in shape of bull's leg; 2960–2770 BC; hippopotamus ivory; height: 17 cm, width: 3.4 cm, depth: 5.8 cm; Metropolitan Museum of Art (New York City)

    Furniture leg in shape of bull's leg; 2960–2770 BC; hippopotamus ivory; height: 17 cm, width: 3.4 cm, depth: 5.8 cm; Metropolitan Museum of Art (New York City)

  • Stool with woven seat; 1991–1450 BC; wood & reed; height: 13 cm; Metropolitan Museum of Art

    Stool with woven seat; 1991–1450 BC; wood & reed; height: 13 cm; Metropolitan Museum of Art

  • Inlaid box for cosmetic vessels of Sithathoryunet; 1887–1813 BC; ebony, inlaid with ivory and red wood (restored) and gold trim; height: 25.2 cm, length: 36.4 cm, depth: 25.2 cm; Metropolitan Museum of Art

    Inlaid box for cosmetic vessels of Sithathoryunet; 1887–1813 BC; ebony, inlaid with ivory and red wood (restored) and gold trim; height: 25.2 cm, length: 36.4 cm, depth: 25.2 cm; Metropolitan Museum of Art

  • Headrest; 1539–1190 BC; wood; 17.8 x 28.6 x 7.6 cm; Brooklyn Museum (New York City)

    Headrest; 1539–1190 BC; wood; 17.8 x 28.6 x 7.6 cm; Brooklyn Museum (New York City)

  • Chair of Hatnefer; 1492–1473 BC; boxwood, cypress, ebony & linen cord; height: 53 cm; Metropolitan Museum of Art

    Chair of Hatnefer; 1492–1473 BC; boxwood, cypress, ebony & linen cord; height: 53 cm; Metropolitan Museum of Art

  • Chair of Reniseneb; 1450 BC; wood, ebony & ivory; height: 86.2 cm; Metropolitan Museum of Art

    Chair of Reniseneb; 1450 BC; wood, ebony & ivory; height: 86.2 cm; Metropolitan Museum of Art

  • The Throne of Tutankhamun; 1336–1327 BC; wood covered with sheets of gold, silver, semi-precious and other stones, faience, glass and bronze; height: 1 m; Egyptian Museum (Cairo)

    The Throne of Tutankhamun; 1336–1327 BC; wood covered with sheets of gold, silver, semi-precious and other stones, faience, glass and bronze; height: 1 m; Egyptian Museum (Cairo)

  • Armchair of Tutankhamun; 1336–1326 BC; wood, ebony, ivory and gold leaf; height: 71 cm; Exposition of Tutankhamun Treasure in Paris (2019)

    Armchair of Tutankhamun; 1336–1326 BC; wood, ebony, ivory and gold leaf; height: 71 cm; Exposition of Tutankhamun Treasure in Paris (2019)

Clothing

Main article: Clothing in ancient Egypt

Artistic representations, supplemented by surviving garments, are the main sources of evidence for ancient Egyptian fashion. The two sources are not always in agreement, however, and it seems that representations were more concerned with highlighting certain attributes of the person depicted than with accurately recordings their true appearance. For example, in art created for men, women were often shown with restrictive, tight-fitting dresses, perhaps to emphasize their figures.

As in most societies, fashions in Egypt changed over time; different clothes were worn in different seasons of the year, and by different sections of society. Particular office-holders, especially priests and the king, had their own special garments.

For the general population, clothing was simple, predominantly of linen, and probably white or off-white in color. It would have shown the dirt easily, and professional launderers are known to have been attached to the New Kingdom workmen's village at Deir el-Medina. Men would have worn a simple loin-cloth or short kilt (known as shendyt), supplemented in winter by a heavier tunic. High-status individuals could express their status through their clothing, and were more susceptible to changes in fashion.

Longer, more voluminous clothing made an appearance in the Middle Kingdom; flowing, elaborately pleated, diaphanous robes for men and women were particularly popular in the late 18th Dynasty and the Ramesside period. Decorated textiles also became more common in the New Kingdom. In all periods, women's dresses may have been enhanced by colorful bead netting worn over the top. In the Roman Period, Egypt became known for the manufacture of fine clothing. Coiled sewn sandals or sandals of leather are the most commonly attested types of footwear. Examples of these, together with linen shirts and other clothing, were discovered in the tomb of Tutankhamun.[114]

  • Pair of sandals; 1390–1352 BC; grass, reed and papyrus; Metropolitan Museum of Art (New York City)

    Pair of sandals; 1390–1352 BC; grass, reed and papyrus; Metropolitan Museum of Art (New York City)

  • Illustration from the book Ancient Egyptian, Assyrian, and Persian costumes and decorations

    Illustration from the book Ancient Egyptian, Assyrian, and Persian costumes and decorations

  • Illustration of a goddess from Ancient Egyptian, Assyrian, and Persian costumes and decorations

    Illustration of a goddess from Ancient Egyptian, Assyrian, and Persian costumes and decorations

  • Statue of Tjahapimu wearing a shendyt, Metropolitan Museum of Art

    Statue of Tjahapimu wearing a shendyt, Metropolitan Museum of Art

Cosmetics

Main article: Beauty and cosmetics in ancient Egypt

Use of makeup, especially around the eyes, was a characteristic feature of ancient Egyptian culture from Predynastic times. Black kohl (eye-paint) was applied to protect the eyes, as well as for aesthetic reasons. It was usually made of galena, giving a silvery-black color; during the Old Kingdom, green eye-paint was also used, made from malachite. Egyptian women painted their lips and cheeks, using rouge made from red ochre. Henna was applied as a dye for hair, fingernails and toenails, and perhaps also nipples. Creams and unguents to condition the skin were popular, and were made from various plant extracts.[115]

  • Cosmetic Box of the Royal Butler Kemeni; 1814–1805 BC; cedar with ebony, ivory veneer and silver mounting; height: 20.3 cm (8 in); Metropolitan Museum of Art (New York City)

    Cosmetic Box of the Royal Butler Kemeni; 1814–1805 BC; cedar with ebony, ivory veneer and silver mounting; height: 20.3 cm (8 in); Metropolitan Museum of Art (New York City)

  • Cosmetic dish in the shape of a tilapia fish; 1479–1425 BC; glazed steatite; 8.6 × 18.1 cm (3.4 × 7.1 in); Metropolitan Museum of Art

    Cosmetic dish in the shape of a tilapia fish; 1479–1425 BC; glazed steatite; 8.6 × 18.1 cm (3.4 × 7.1 in); Metropolitan Museum of Art

  • Cosmetic box in the shape of an Egyptian composite capital, its cap being in the left side; 664–300 BC; glassy faience; 8.5 × 9 cm (3.4 × 3.5 in); Metropolitan Museum of Art

    Cosmetic box in the shape of an Egyptian composite capital, its cap being in the left side; 664–300 BC; glassy faience; 8.5 × 9 cm (3.4 × 3.5 in); Metropolitan Museum of Art

  • Perfume vase in shape of an amphoriskos; 664–630 BC; glass: 8 × 4 cm (3.1 × 1.5  in); Metropolitan Museum of Art

    Perfume vase in shape of an amphoriskos; 664–630 BC; glass: 8 × 4 cm (3.1 × 1.5 in); Metropolitan Museum of Art

  • An 18th Dynasty ancient Egyptian kohl container inscribed for Queen Tiye (1410–1372 BC)

    An 18th Dynasty ancient Egyptian kohl container inscribed for Queen Tiye (1410–1372 BC)

Music

Main article: Music of Egypt

On secular and religious occasions, music played an important part in celebrations. Musicians, playing instruments such as the castanets and flute, are depicted on objects from the Predynastic Period. A wide range of percussions, wind and string instruments were known to the ancient Egyptian. They include rattles, clappers, drums, tambourines and the sistrum; pipes, flutes and trumpets; and harps (particularly popular at feasts). The lyre and lute were introduced from the Levant. Musical notation is not attested until the early Ptolemaic Period. Groups of musicians, either mixed gender or female only, are known from the Old Kingdom. Women singers and sistrum-players had an important role in temple cults, especially those of Hathor and Isis. Tomb decoration from all periods indicates that, as today, groups of workers sang to generate a sense of solidarity and to maintain their enthusiasm.[116]

  • A blind harpist from a mural of the 15th century BC

    A blind harpist from a mural of the 15th century BC

  • Arched Harp (shoulder harp); 1390–1295 BC; wood; length of sound box: 36 cm; Metropolitan Museum of Art (New York City)

    Arched Harp (shoulder harp); 1390–1295 BC; wood; length of sound box: 36 cm; Metropolitan Museum of Art (New York City)

  • Head of Hathor from a clapper; 1295–664 BC; possibly boxwood; 12 × 6.2 cm; Metropolitan Museum of Art

    Head of Hathor from a clapper; 1295–664 BC; possibly boxwood; 12 × 6.2 cm; Metropolitan Museum of Art

  • Detail of a frieze from TT52 in which are depicted three musicians

    Detail of a frieze from TT52 in which are depicted three musicians

  • Illustration of a harper playing in front of god Shu

    Illustration of a harper playing in front of god Shu

Sistrum

Main article: Sistrum

A sistrum (plural: sistra) is a rattle used in religious ceremonies, especially temple rituals, and usually played by women. Called a "seshsehet" in Egyptian, the name imitates the swishing sound the small metal disks made when the instrument was shaken. It was closely associated with Hathor in her role as "lady of music", and the handle was often decorated with a Hathor head. Two kinds of sistrum are attested, naos-shaped and hoop-shaped; the latter became the more common.[117]

  • Sistrum decorated with a Hathor face; 664–332 BC; faience; length: 15.5 cm, width: 6.4 cm; Metropolitan Museum of Art (New York City)

    Sistrum decorated with a Hathor face; 664–332 BC; faience; length: 15.5 cm, width: 6.4 cm; Metropolitan Museum of Art (New York City)

  • Sistrum inscribed with the name of Ptolemy I; 305–282 BC; faience; 26.7 × 7.5 cm; Metropolitan Museum of Art

    Sistrum inscribed with the name of Ptolemy I; 305–282 BC; faience; 26.7 × 7.5 cm; Metropolitan Museum of Art

  • Sistrum with the face of the goddess Hathor depicted with cow ears; 380–250 BC; bronze; 36.3 cm; Walters Art Museum (Baltimore, US)

    Sistrum with the face of the goddess Hathor depicted with cow ears; 380–250 BC; bronze; 36.3 cm; Walters Art Museum (Baltimore, US)

  • 1st–2nd century AD; bronze or copper alloy; 20.6 × 14 cm; Metropolitan Museum of Art

    1st–2nd century AD; bronze or copper alloy; 20.6 × 14 cm; Metropolitan Museum of Art

Funerary art

Coffins

Detail of the middle coffin of Tutankhamun; 1355–1346 BC; wood, gold leaf, semi-precious stones and inlaid glass; 39 × 12 × 12 cm; Egyptian Museum (Cairo). The king is shown in the Osiride form, with arms crossed over the chest and holding the crook and flail symbols of power and authority.

The earliest purpose-built funerary containers for bodies were simple rectangular wooden boxes, attested in the 1st Dynasty. A coffin swiftly became an essential part of the burial equipment. Known euphemistically as the "lord of life", its primary function was to provide a home for the Ka and to protect the physical body from harm. In the 4th Dynasty, the development of longer coffins allowed the body to be buried fully extended (rather than curled up on its side in a foetal position). At the end of the Old Kingdom, it became customary once more for the body to be laid on its side. The side of the coffin that faced east in the tomb was decorated with a pair of eyes so that the deceased could look out towards the rising sun with its promise of daily rebirth. Coffins also began to be decorated on the outside with bands of funerary texts, while pictures of food and drink offerings were painted on the inside to provide a magical substitute for the real provisions placed in the tomb.

In the First Intermediate Period, decorated coffins became a substitute for tomb decoration; in the Middle Kingdom, coffin texts made their first appearance, sometimes accompanied by detailed maps of the underworld. Middle Kingdom coffins show a number of distinct regional styles, echoing the cultural fragmentation of the preceding period. In the 17th and early 18th Dynasties, the Theban area produced characteristic anthropoid rishi (feathered) coffins. These were replaced (except for kings) by other styles of anthropoid coffins which became the standard form throughout the country for the remainder of Egyptian history. The predominance of decorated tombs in the New Kingdom removed the need of object friezes, so coffins were generally undecorated on the inside. However, this situation was reversed again in the Third Intermediate Period when new types of coffin decoration focused on the Osiris myth and extracts from the Book of the Dead, to aid the resurrection of the deceased. In the Ptolemaic and Roman periods, a cartonnage mask was often fixed directly onto the mummy wrappings as a substitute for a coffin.

Coffins were generally made of wood; those of high-status individuals used fine quality, imported cedar. From the Middle Kingdom onward, wealthy individuals were often provided with a set of two or three nested coffins. The most sumptuous coffins might be inlaid with glass or precious stones, while royal coffins were often made from gold or silver.[118]

Canopic jars

Main article: Canopic jar

Canopic jars are vessels which were used for storing the internal organs removed during mummification. These were named after the human-headed jars that were worshiped as personifications of Kanops (the helmsman of Menelaus in Greek mythology) by the inhabitants of ancient Canopus. The practice of evisceration is first attested in the burial of Hetepheres in the early 4th Dynasty. Her organs were stored in a travertine canopic chest divided into four compartments. Later, each organ – the liver, lungs, stomach and intestines – was provided with a separate jar, of stone or pottery, and placed under the symbolic protection of one of the Four sons of Horus. During the First Intermediate Period, the stoppers of canopic jars began to be modeled in the form of human heads. From the late 18th Dynasty, they were more commonly modelled to resemble the heads of the protecting genii (baboon, jackal, falcon and human). This became the standard for canopic equipment in the 19th Dynasty. In the Third Intermediate Period, the mummified organs were generally returned to the body, but wealthy burials could still include a dummy set of jars. The last known royal set of canopic jars were made of Apries. The manufacture of canopic equipment continued into the Ptolemaic Period but ceased by Roman times.[119]

Masks

Funerary masks have been used at all periods. Examples range from the gold masks of Tutankhamun and Psusennes I to the Roman "mummy portraits" from Hawara and the Fayum. Whether in a funerary or religious context, the purpose of a mask was the same: to transform the wearer from a mortal to a divine state.[120]

  • Mask of Sitdjehuti; c. 1500 BC; linen, plaster, gold and paint; height: 61 cm (24 in); British Museum (London)

    Mask of Sitdjehuti; c. 1500 BC; linen, plaster, gold and paint; height: 61 cm (24 in); British Museum (London)

  • Mask of Tjuyu; c. 1387–1350 BC; gold, past of glass, alabaster and other materials; height: 40 cm; Egyptian Museum (Cairo)

    Mask of Tjuyu; c. 1387–1350 BC; gold, past of glass, alabaster and other materials; height: 40 cm; Egyptian Museum (Cairo)

  • The Mask of Tutankhamun; c. 1327 BC; gold, glass and semi-precious stones; height: 54 cm (21 in); Egyptian Museum

    The Mask of Tutankhamun; c. 1327 BC; gold, glass and semi-precious stones; height: 54 cm (21 in); Egyptian Museum

  • Mummy portrait of a young woman; 100–150 AD; cedar wood, encaustic painting and gold; height: 42 cm, width: 24 cm; Louvre

    Mummy portrait of a young woman; 100–150 AD; cedar wood, encaustic painting and gold; height: 42 cm, width: 24 cm; Louvre

Ushabti

Main article: Ushabti

Ushabtis (a.k.a. shawabti or shabti) are funerary figurines. Their purpose was to act as a substitute for the deceased when he was called upon to perform agricultural work or corvée labor in the afterlife. Ushabtis evolved in the Middle Kingdom from the servant statues included among grave goods. The earliest examples were crude statuettes in wax, clay or wood; later, they were fashioned as mummiform figures and, from the end of the 12th Dynasty, they were customarily inscribed with the "ushabti text" (chapter 6 of the Book of the dead which specifies the ushabti's duties).[121]

Art of Meroë

See also: Meroë

Ancient Egypt shared a long and complex history with the Nile Valley to the south, the region called Nubia (modern Sudan). Beginning with the Kerma culture and continuing with the Kingdom of Kush based at Napata and then Meroë, Nubian culture absorbed Egyptian influences at various times, for both political and religious reasons. The result is a rich and complex visual culture.

The artistic production of Meroë reflects a range of influences. First, it was an indigenous African culture with roots stretching back thousands of years. To this is added the fact that the wealth of Meroë was based on trade with Egypt when it was ruled by the Ptolemaic dynasty (332–330 BC) and the Romans (30 BC – 395 AD), so Hellenistic and Roman objects and ideas were imported, as well as Egyptian influences.

Egyptian Revival art

Main articles: Egyptian Revival decorative arts and Egyptian Revival architecture
See also: Ancient Egypt in the Western imagination
Foire du Caire building (1828), from Paris, an early manifestation of Egyptian Revivalism: façade adorned with heads of the Egyptian goddess Hathor

Egyptian Revival art is a style in Western art, mainly of the early nineteenth century, in which Egyptian motifs were applied to a wide variety of decorative arts objects. It was underground in American decorative arts throughout the nineteenth century, continuing into the 1920s. The major motifs of Egyptian art, such as obelisks, hieroglyphs, the sphinx, and pyramids, were used in various artistic media, including architecture, furniture, ceramics, and silver. Egyptian motifs provided an exotic alternative to the more traditional styles of the day. Over the course of the nineteenth century, American tastes evolved from a highly ornamented aesthetic to a simpler, sparer sense of decoration; the vocabulary of ancient Egyptian art would be interpreted and adapted in different ways depending on the standards and motivations of the time.[122]

Enthusiasm for the artistic style of Ancient Egypt is generally attributed to the excitement over Napoleon's conquest of Egypt and, in Britain, to Admiral Nelson's defeat of Napoleon at the Battle of the Nile in 1798. Napoleon took a scientific expedition with him to Egypt. Publication of the expedition's work, the Description de l'Égypte, began in 1809 and came out in a series though 1826, inspiring everything from sofas with sphinxes for legs, to tea sets painted with the pyramids. It was the popularity of the style that was new, Egyptianizing works of art had appeared in scattered European settings from the time of the Renaissance.

  • The Egyptian Revival portico of the Hôtel Beauharnais from Paris

    The Egyptian Revival portico of the Hôtel Beauharnais from Paris

  • Coin cabinet; by François-Honoré-Georges Jacob-Desmalter; 1809–1819; mahogany with silver; 90.2 x 50.2 x 37.5 cm; Metropolitan Museum of Art (New York City)

    Coin cabinet; by François-Honoré-Georges Jacob-Desmalter; 1809–1819; mahogany with silver; 90.2 x 50.2 x 37.5 cm; Metropolitan Museum of Art (New York City)

  • 1862 lithograph of the Aegyptischer Hof (English: Egyptian court), from the Neues Museum (Berlin)

    1862 lithograph of the Aegyptischer Hof (English: Egyptian court), from the Neues Museum (Berlin)

  • Center table; 1870–1875; rosewood, walnut and marble; 79.4 x 119.4 x 78.7 cm; Metropolitan Museum of Art

    Center table; 1870–1875; rosewood, walnut and marble; 79.4 x 119.4 x 78.7 cm; Metropolitan Museum of Art

  • Side chair and armchair; 1870–1875; rosewood and prickly juniper veneer; various dimensions; Metropolitan Museum of Art

    Side chair and armchair; 1870–1875; rosewood and prickly juniper veneer; various dimensions; Metropolitan Museum of Art

  • Pitcher; circa 1872; silver; overall: 28.6 x 15.6 x 21.9 cm; Metropolitan Museum of Art

    Pitcher; circa 1872; silver; overall: 28.6 x 15.6 x 21.9 cm; Metropolitan Museum of Art

  • Clock; by Tiffany & Co.; circa 1885; marble & bronze; 46 x 51.1 x 19.7 cm; Metropolitan Museum of Art

    Clock; by Tiffany & Co.; circa 1885; marble & bronze; 46 x 51.1 x 19.7 cm; Metropolitan Museum of Art

  • Interior of the Temple maçonnique des Amis philanthropes in Brussels (Belgium), an example of an Egyptian Revival interior

    Interior of the Temple maçonnique des Amis philanthropes in Brussels (Belgium), an example of an Egyptian Revival interior

See also

References

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Sources

Further reading

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External links

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