에두아르 마네

Édouard Manet
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에두아르 마네
1870년 이전에 만난 적이 있습니다.
태어난(1832-01-23)1832년 1월 23일
프랑스 왕국 파리
죽은1883년 4월 30일 (1883-04-30) (51세)
프랑스 파리
휴식처파리의 파시 묘지
유명한회화, 판화
주목할만한 작품
움직임.사실주의, 인상주의
배우자.
(m. 1863)
서명

에두아르 마네 (영국: / ˈ æ ɪ/, 미국: /m æˈ ɪ, m əˈ-/; 프랑스어: [에드와 ʁ ɛ](, 1832년 1월 23일 ~ 1883년 4월 30일)는 프랑스의 모더니즘 화가입니다. 그는 사실주의에서 인상주의로의 전환에 중추적인 인물일 뿐만 아니라 현대 생활을 그린 최초의 19세기 예술가 중 한 명이었습니다.

정치적 유대가 강한 상류층 가정에서 태어난 마네는 원래 자신에게 구상되었던 해군 경력을 거부했고, 그는 그림의 세계에 몰두하게 되었습니다. 그의 초기 걸작인 풀밭에서의 점심식사(Le déjeuner sur l'herbe)나 올림피아(Olympia)는 각각 1863년과 65년에 비평가들과 미술 아카데미(Academy of Fine Arts) 모두에게 큰 논란을 일으켰지만, 곧 진보적인 예술가들에 의해 새로운 양식인 인상주의에 대한 획기적인 행동으로 찬사를 받았습니다. 오늘날에도 이 작품들은 다른 작품들과 함께 현대 미술의 시작을 알리는 분수령 그림으로 여겨집니다. 마네의 삶의 마지막 20년은 그가 그 당시의 다른 위대한 예술가들과 유대감을 형성하는 것을 보았습니다; 그는 혁신적이고 미래의 화가들에게 주요한 영향을 미칠 것으로 예고되는 그만의 단순하고 직접적인 스타일을 개발했습니다.

초기생

앙리 판틴 라투르가 그린 마네의 초상화

에두아르 마네는 1832년 1월 23일 파리에서 부유하고 부유한 가정에서 태어났다.[3] 그의 어머니 외제니 데시레 푸르니에(Eugénie-Desirée Fournier)는 스웨덴 왕세자 샤를 베르나도트(Charles Bernadotte)의 딸이자 대녀였습니다. 그의 아버지 오귀스트 마네(Auguste Manet)는 에두아르(Edouard)가 법률 분야에서 경력을 쌓기를 기대했던 프랑스 판사였습니다.[4] 그의 삼촌 에드몽 포니에는 그에게 그림을 추구하라고 권했고 어린 마네를 루브르 박물관에 데려갔습니다.[5] 1844년, 그는 중등학교인 콜레쥬 롤린에 입학하여 1848년까지 그곳에서 일했습니다.[4] 그는 학문적 재능을 거의 보여주지 못했고 학교에서 전반적으로 불행했습니다.[6] 1845년, 그의 삼촌의 조언에 따라 마네는 미래의 미술부 장관이자 평생의 친구인 안토닌 프루스트를 만난 특별한 그림 과정에 등록했습니다.[7]

1848년 아버지의 제안으로 그는 훈련선을 타고 리우데자네이루로 향했습니다. 그가 해군에 입대하기 위한 시험에 두 번 실패한 후,[8] 그의 아버지는 예술 교육을 추구하는 그의 희망을 달랬습니다. 1850년부터 1856년까지 마네는 토마스 쿠튀르라는 학구적인 화가 밑에서 공부했습니다.[4] 쿠튀르는 학생들에게 현대적인 삶을 그리도록 격려했지만, 결국 술 마시는 사람(The Absin the Drinker)과 같은 하층적이고 "퇴행적인" 주제를 선택한 마네(Manet)에 의해 공포에 질릴 것입니다.[9] 마네는 틈틈이 루브르 박물관에 있는 디에고 벨라스케스와 티티안 같은 옛 거장들을 따라했습니다.[4]

1853년부터 1856년까지 마네는 독일, 이탈리아, 네덜란드를 잠시 방문했고, 그 기간 동안 그는 네덜란드 화가 프란스 할스와[10] 스페인 화가 벨라스케스, 프란시스코 호세 데 고야의 영향을 받았습니다.[11]

직업

1856년 마네는 스튜디오를 열었습니다. 이 시기의 그의 스타일은 느슨한 붓 놀림, 디테일의 단순화, 그리고 과도기적인 음색의 억압이 특징입니다. 구스타브 쿠르베에 의해 시작된 현재의 사실주의 양식을 채택하면서, 그는 술꾼의 압신 (1858–59)과 거지, 가수, 집시, 카페의 사람들, 그리고 투우와 같은 다른 현대적인 주제들을 그렸습니다. 그의 초기 경력 이후, 그는 종교적이거나 신화적이거나 역사적인 주제들을 거의 그리지 않았습니다; 1864년의 종교적인 그림들은 그의 "군인들에게[12] 조롱당한 예수"와 "천사와 함께 죽은 그리스도"를 포함합니다.[13]

마네는 1861년 살롱에서 두 폭의 화폭을 받아들였습니다. 그의 어머니와 아버지의 초상화(M. and Mme Auguste Manet의 초상화)는 비평가들로부터 좋지 않은 평가를 받았습니다.[14] 또 다른 스페인 가수인 The Spanish Singer는 테오필 고티에의 존경을 받았고, 살롱 애호가들에게 인기가 있었기 때문에 더 눈에 띄는 장소에 놓였습니다.[15] 많은 다른 살롱 그림들의 꼼꼼한 스타일과 비교했을 때, "살롱을 살짝 때렸다"고 나타난 마네의 작품은 몇몇 젊은 예술가들의 흥미를 불러일으켰고 그의 스튜디오에 새로운 사업을 가져왔습니다.[15] 현대의 한 소식통에 따르면, "이상한 새로운 방식으로 그려진 스페인 가수"는 많은 화가들의 눈이 열리고 턱이 떨어지게 만들었습니다.[a]

튈르리 음악

주 기사: 튈르리 음악
튈르리의 음악, 1862

1862년 마네는 그의 첫 번째 걸작 [5][17]중 하나인 튈르리의 음악(아마도 1860년에 그려진 것)을 전시했습니다. 자딘 데 튈르리의 군중을 묘사한 이 그림은 마네의 평생의 주제가 될 동시대 파리의 야외 여가를 보여줍니다.[18] 정원에 있는 인물들 중에는 시인 샤를 보들레르, 음악가 자크 오펜바흐, 그리고 마네의 가족과 친구들의 다른 사람들이 있는데, 그 중에는 화가의 자화상도 포함되어 있습니다.[17]

튈르리 음악은 비판적이고 대중적인 관심을 받았는데, 대부분은 부정적이었습니다.[5] 한 마네 전기 작가의 말에 따르면, "Tuileries의 분노 음악이 전시되었을 때 유발되는 종류의 분노를 우리는 상상하기 어렵습니다."[19] 고전적 영웅이나 역사적 상징, 신 대신 마네의 사교계를 묘사함으로써, 이 그림은 그러한 주제들의 가치에 도전하거나 그의 동시대 사람들을 같은 수준으로 끌어올리려는 시도로 해석될 수 있습니다.[20] 어니스트 메이소니에와 같은 역사 화가들의 세밀하게 묘사된 붓질에 익숙한 대중들은 마네의 굵은 붓질이 조잡하고 미완성으로 보인다고 생각했습니다. 주제와 기술에 화가 난 몇몇 방문객들은 심지어 그 그림을 파괴하겠다고 위협했습니다.[5][21] 마네의 우상 중 한 명인 외젠 들라크루아(Eugène Delacroix)는 이 그림의 소수의 옹호자였습니다.[5] 대체로 부정적인 반응에도 불구하고, 그 논란은 마네를 파리에서 유명한 이름으로 만들었습니다.[21]

풀밭에서의 오찬 (Le Déjeuner sur l'herbe)

주 기사: 르 데주너 수르헤르베
풀밭 위의 오찬 (Le déjeuner sur l'herbe), 1863

또 다른 주요 초기 작품은 원래 르뱅이었던 풀밭 위의 오찬(Le Déjeuner sur l'herbe)입니다. 파리 살롱은 1863년 전시를 위해 그것을 거절했지만 마네는 그것을 살롱 데 레퓨제(Salon des Refusés, 거절당한 사람의 살롱)에 전시하기로 동의했습니다.[21] 이 평행 살롱은 공식 살롱 선정위원회가 5000점 이상의 출품작 중 2217점만 받아들였고 거부당한 예술가들이 선택하면 여전히 자신의 그림을 전시할 수 있도록 허용하자 나폴레옹 3세 황제가 대중의 항의에 대한 해결책으로 시작했습니다.[5]

이 그림의 완전한 복장을 한 남성과 나체의 여성을 나란히 배치한 것은 논란의 여지가 있었고, 마네와 쿠르베를 구분 짓는 짧은 스케치 같은 처리도 논란의 여지가 있었습니다. 한 비평가는 이 붓질이 "바닥 걸레"로 한 것 같다고 말했습니다.[5] 그러나, 그의 친구인 안토닌 프루스트와 같은 다른 사람들이 그 그림을 기념했고, 소설가 에밀 졸라는 그 그림을 본 경험에 너무 영향을 받아서 그는 나중에 그의 소설 "예술작품"에서 제목 그림을 "르 데주너 [22]수르헤르베"에 기초로 삼았습니다.

동시에 마네의 구성은 주요 인물들의 성향이 마르칸토니오 라이몽디가 라파엘의 그림을 바탕으로 한 파리 판결(c.1515) 판화에서 파생되었기 때문에 옛 거장들에 대한 그의 연구를 드러냅니다.[5] 학자들이 르 데주너 수르헤르베의 중요한 선례로 꼽은 추가적인 두 작품은 목축음악회(c.1510)와 템페스트(The Tempest)인데, 두 작품 모두 이탈리아 르네상스의 거장들인 조르지오네나 티티아누스에게 다양하게 귀속되고 있습니다.[23]

Le Déjeuner와 James McNeill Whistler의 교향곡 No. 1: The White Girl은 역사상 가장 유명한 미술 전시회 중 하나가 될 살롱 데 레퓨제의 가장 많이 논의된 두 작품이었습니다.[22] 살롱 이후 마네는 더욱 악명 높고 널리 논의되었습니다.[24] 그러나, 르 데주너 수르헤르베와 마네의 다른 그림들은 여전히 팔리지 못했고, 마네는 최근에 사망한 아버지로부터 물려받은 유산으로 계속 살아갔습니다.[5]

올림피아

주 기사: 올림피아 (마네)
1863년 올림피아

'풀밭 위의 오찬'에서 그랬던 것처럼, 마네는 또다시 초기 스튜디오 사진을 연상시키는 스타일로 묘사된 나체의 그림 올림피아(1863)에서 르네상스 예술가의 존경 받는 작품을 패러디했지만, 그의 포즈는 티티안의 우르비노의 비너스(1538)에 바탕을 두었습니다. 이 그림은 프란시스코 고야의 '누드 마자'(1800년) 그림을 연상시키기도 합니다.

마네는 살롱에게 누드화를 전시해 달라는 요청을 받고 캔버스에 올라탔습니다. 1865년 파리 살롱은 자신감을 가진 매춘부에 대한 그의 독특한 솔직한 묘사를 받아들여 스캔들을 일으켰습니다. 안토닌 프루스트(Antonin Proust)에 따르면, "행정부가 취한 예방 조치만이 감정이 상한 관람객들에 의해 그림에 구멍이 나고 찢어지는 것을 방지했다"고 합니다.[25] 누드가 그녀의 머리카락에 난초, 팔찌, 목에 리본, 노새 슬리퍼와 같은 작은 옷들을 입고 있기 때문에 부분적으로 논란이 되었는데, 이 모든 것들은 그녀의 나체, 섹슈얼리티, 편안한 궁정 생활을 강조했습니다. 난초, 털이 오른 것, 검은 고양이, 그리고 꽃다발은 모두 그 당시에 인정받은 섹슈얼리티의 상징이었습니다. 이 현대 금성의 몸은 날씬하고, 일반적인 기준에 어긋납니다. 이 그림은 이상주의가 부족해서 보는 사람들의 순위를 매겼습니다. 일본의 우드 블록 아트에서 영감을 받은 이 그림의 평면성은 누드를 더 인간적이고 덜 매력적으로 만드는 역할을 합니다. 흑인들이 초성애자였다는 당시의 이론을 이용해 옷을 다 차려입은 흑인 하인이 등장합니다.[5] 그녀가 이곳의 궁녀에게 하인의 옷을 입고 있다는 것은 작품의 성적 긴장감을 한층 더 높여줍니다.

올림피아의 몸과 시선은 거침없이 대립합니다. 그녀는 그녀의 하인이 그녀의 남자 구혼자의 꽃을 바칠 때 도전적으로 밖을 내다봅니다. 비록 그녀의 손이 그녀의 눈가를 가린 채 그녀의 다리 위에 올려져 있지만, 전통적인 여성의 미덕에 대한 언급은 아이러니합니다. 이 작품에는 겸손의 개념이 악명높게 없습니다. 현대의 한 비평가는 올림피아의 "부끄럽지 않게 유연한" 왼손을 비난했는데, 이것은 그에게 티티안의 금성의 편안하고 가림막이 있는 손을 조롱하는 것처럼 보였습니다.[26] 마찬가지로 침대 발치에 있는 경계심이 강한 검은 고양이는 티티안이 자신의 우르비노 비너스에서 여신을 묘사한 것과 대조적으로 성적으로 반항적인 목소리를 냅니다.

올림피아는 대중 언론에서 캐리커처의 주제였지만, 프랑스 아방가르드 공동체에 의해 옹호되었고, 구스타브 쿠르베, 폴 세잔, 클로드 모네, 그리고 후에 폴 고갱과 같은 예술가들에 의해 그 그림의 중요성이 높이 평가되었습니다.

'풀밭 위의 오찬'에서와 마찬가지로, 이 그림은 현대 프랑스 내의 성매매와 사회 내 여성의 역할에 대한 문제를 제기했습니다.[5]

인생과 시대

제비꽃다발을 든 모리조 베르테 모리조, 1872년

1862년 아버지가 사망한 후, 마네는 1863년 개신교 교회에서 수잔 렌호프와 결혼했습니다.[27] 렌호프(Leenhoff)는 네덜란드 태생의 피아노 교사로 마네의 2년 선배로, 약 10년 동안 연인으로 지내왔습니다. 렌호프는 처음에는 마네의 아버지 오귀스트가 마네와 그의 남동생에게 피아노를 가르치기 위해 고용되었습니다. 그녀는 또한 오귀스트의 정부였을지도 모릅니다. 1852년, 렌호프는 혼외자인 아들 레온 코엘라 렌호프를 낳았습니다.

마네는 다른 그림들 중에서도 '독서'에서 그의 아내를 그렸습니다. 그녀의 아들 레온 렌호프는 아버지가 마네족이었을지도 모르지만 마네를 위해 자주 포즈를 취했습니다. 가장 유명한 것은, 그는 1861년 검을 든 소년(뉴욕 메트로폴리탄 미술관)의 주제입니다. 그는 또한 발코니를 배경으로 쟁반을 들고 다니는 소년(1868–69)으로 등장합니다.[28]

마네는 또 다른 화가인 베르테 모리조를 통해 인상파 화가 에드가 드가, 클로드 모네, 피에르 오귀스트 르누아르, 알프레드 시슬리, 폴 세잔, 카미유 피사로와 친구가 되었고, 그를 그들의 활동에 끌어들였습니다. 그들은 나중에 바티뇰 그룹(Le groupe des Batignoles)으로 널리 알려지게 되었습니다.

화가 장 오노레 프라고나르의 외손녀로 추정되는 모리조는 1864년 살롱 드 파리에서 그녀의 첫 번째 그림을 받아들였고, 그녀는 그 후 10년 동안 살롱에서 계속 전시했습니다.

마네는 1868년 모리조의 친구이자 동료가 되었습니다. 그녀는 마네에게 플레인 에어 페인팅을 시도하도록 설득한 것으로 알려져 있는데, 그녀는 마네의 또 다른 친구인 카미유 코로에게 그것을 소개받은 이후 연습해왔습니다. 그들은 호혜적인 관계를 맺었고 마네는 그녀의 기술 중 일부를 그의 그림에 접목시켰습니다. 1874년, 그녀는 그의 형 외젠과 결혼하면서 그의 시누이가 되었습니다.

팔레트를 사용한 자화상, 1879

마네는 핵심 인상주의 단체와 달리 현대 예술가들은 독립적인 전시보다는 파리 살롱에 전시하는 것을 추구해야 한다고 주장했습니다. 그럼에도 불구하고 마네가 1867년 국제 전시회에서 제외되자, 그는 자신의 전시회를 차렸습니다. 그의 어머니는 그가 엄청난 비용이 드는 이 프로젝트에 그의 모든 유산을 낭비할 것이라고 걱정했습니다. 이 전시회는 주요 비평가들로부터 좋지 않은 평가를 받았지만, 드가를 포함한 몇몇 미래의 인상주의 화가들과의 첫 만남을 제공하기도 했습니다.

마네는 자신의 작품이 인상주의 스타일에 영향을 미치고 기대했지만, 인상주의 전시회에 참여하는 것에 저항했습니다. 부분적으로는 그가 집단 정체성의 대표자로 보이고 싶지 않았기 때문이고, 부분적으로는 살롱 전시회에 전시하는 것을 선호했기 때문입니다. 소설가 엠마누엘 곤잘레스의 딸인 에바 곤잘레스는 그의 유일한 정규 학생이었습니다.

그는 인상주의자들, 특히 모네와 모리조의 영향을 받았습니다. 그들의 영향은 마네의 밝은 색상 사용에서 볼 수 있습니다: 1870년대 초 이후 그는 어두운 배경을 덜 사용했지만 인상주의 회화 특유의 검은색 사용은 유지했습니다. 그는 많은 야외 작품들을 그렸지만, 항상 그가 생각하기에 스튜디오의 진지한 작업으로 돌아갔습니다.

마네는 작곡가 엠마누엘 샤브리에(Emmanuel Chabrier)와 두 점의 초상화를 그리며 친밀한 우정을 누렸습니다; 그 음악가는 마네의 그림 중 14점을 소유했고, 마네의 아내에게 그의 즉흥 연주를 바쳤습니다.[29]

1880년대 초 마네의 빈번한 모델 중 하나는 파스텔로 7개의 초상화를 위해 포즈를 취한 "세미몽데인" 메리 로랑이었습니다.[30] 로랑의 살롱들은 그녀 시대의 많은 프랑스 작가들과 화가들을 유치했습니다; 마네는 그러한 사건들을 통해 연관성과 영향력을 가지고 있었습니다.

보들레르의 정부 (장 뒤발의 초상), 1862

평생 동안, 마네는 예술 비평가들에 의해 저항을 받았지만, 언론에서 그를 공개적으로 지지했던 그의 챔피언 에밀 졸라, 스테파네 말라르메, 그리고 그에게 인생을 있는 그대로 묘사하도록 도전했던 샤를 보들레르로 기록할 수 있었습니다. 마네는 차례로 각각의 그림을 그리거나 그렸습니다.

카페 장면

1878년 카페 콘서트. 로슈슈아트 대로변의 카바레 드 라이히쇼펜을 배경으로 한 장면. 사회의 변두리에 있는 여성들이 유복한 신사들과 자유롭게 뒤섞여 있습니다.[31] 월터스 미술관.

마네의 카페 풍경 그림은 19세기 파리의 사회 생활을 관찰한 것입니다. 사람들은 맥주를 마시고, 음악을 듣고, 썸을 타고, 책을 읽거나 기다리는 모습이 그려집니다. 이 그림들 중 많은 것들은 현장에서 실행된 스케치를 기반으로 했습니다. 마네는 1878년 그가 근거지로 한 카페 드 로슈쿠르 대로에 있는 브라세리 라이히쇼펜을 자주 방문했습니다. 술집에는 여러 사람이 있고, 한 여자는 손님을 맞고, 다른 여자는 손님을 기다리고 있습니다. 그러한 묘사는 플란뉴어의 일기를 나타냅니다. 할스와 벨라스케스를 참조하여 느슨한 스타일로 그려졌지만 파리의 밤 생활의 분위기와 느낌을 담아냅니다. 그들은 보헤미안주의, 도시 노동자들, 그리고 부르주아 계급의 일부의 스냅사진을 그렸습니다.

카페 콘서트의 한 코너에서 한 남자가 뒤에서 여종업원이 음료를 제공하는 동안 담배를 피웁니다. The Beer Drinkers에서 한 여성이 친구와 함께 맥주를 즐깁니다. 오른쪽에 보이는 카페-콘서트에서는 세련된 신사가 바에 앉아있고, 배경에는 여종업원이 의연하게 서서 음료를 홀짝홀짝 마시고 있습니다. < 웨이트리스>에서는 서빙하는 여성이 파이프 담배를 피우고 있는 자리에 앉은 손님 뒤에서 잠시 멈칫하고, 발레 무용수가 뒤에서 팔을 뻗고 돌아가려고 할 때 무대에 올라 있습니다.

마네는 페레 라투유스(Pere Lathuille's)라는 애비뉴 드 클리시(Avenue de Clichy)에 있는 레스토랑에도 앉았는데, 레스토랑에는 식사 공간 외에 정원이 있었습니다. 그가 이곳에서 제작한 그림 중 하나는 Chesle père Lathuille (At Pere Lathuille's)로, 한 남자가 그의 근처에서 식사를 하는 여자에게 짝사랑하는 모습을 보여줍니다.

르 본 복(Le Bon Bock, 1873)에서는 크고 명랑하며 수염이 난 남자가 한 손에는 파이프를, 다른 한 손에는 맥주잔을 들고 앉아 보는 사람을 똑바로 바라보고 있습니다.

사회활동을 그린 그림

1864년 롱챔프에서의 경주

마네는 좀 더 공식적인 사회 활동을 즐기는 상류층을 그렸습니다. 오페라 극장의 가면 무도회에서 마네는 파티를 즐기는 활기찬 군중을 보여줍니다. 남성들은 마스크와 의상으로 여성들과 대화를 나누면서 모자와 검은색 긴 정장을 입고 서 있습니다. 그는 이 사진에 친구들의 초상화를 포함시켰습니다.

그의 1868년 그림 '오찬'은 마네의 집 식당에서 포즈를 취했습니다.

마네는 그의 작품에서 다른 인기 있는 활동들을 묘사했습니다. 롱챔프에서의 경주에서는 경주마가 관람객을 향해 돌진할 때 격렬한 에너지를 강조하기 위해 특이한 관점이 사용됩니다. 스케이팅에서 마네는 다른 사람들은 그녀 뒤에서 스케이트를 타는 반면, 전경에서 옷을 잘 입은 여성을 보여줍니다. 항상 주체 뒤에는 캔버스의 틀 밖으로 뻗어나가는 능동적인 도시 생활의 감각이 지속되고 있습니다.

국제전시관에는 군인들이 휴식을 취하고, 자리를 잡고 서 있고, 번영하는 부부들이 이야기를 나누고 있습니다. 정원사, 개를 키우는 소년, 말을 탄 여자, 요컨대 파리 사람들의 계급과 나이에 대한 표본이 있습니다.

전쟁

1867년 막시밀리안 황제의 처형. 보스턴 미술관. 멕시코의 막시밀리안 1세의 처형에 바쳐진 세 개의 대형 캔버스 중 가장 완성도가 낮은 것.

현대 생활에 대한 마네의 반응에는 "역사화" 장르에 대한 최신 해석으로 볼 수 있는 주제에 전쟁에 전념하는 작품들이 포함되었습니다.[32] 그러한 첫 번째 작품은 프랑스 해안에서 일어난 미국 남북전쟁으로부터의 셰르부르 해전으로 알려진 해상 교전인 케르사르게 해전과 앨라배마 해전(1864)이었습니다.[33]

1867년부터 1869년까지 마네는 막시밀리안 황제 처형의 세 가지 버전을 그렸는데, 이는 프랑스의 외교 및 국내 정책에 대한 우려를 불러일으켰습니다.[34] 처형의 여러 버전은 마네의 가장 큰 그림들 중 하나인데, 이것은 그 주제가 화가가 가장 중요하게 여겼던 것 중 하나였음을 암시합니다. 그 주제는 나폴레옹 3세에 의해 설치된 합스부르크 황제의 멕시코 발포대에 의한 처형입니다. 프랑스에서는 이 주제의 그림이나 석판화를 보여주는 것이 허용되지 않았습니다.[35] 공식화된 학살에 대한 기소로서, 그림들은 고야를 돌아보고,[36] 피카소의 게르니카를 기대합니다.

거품을 부는 소년 (1867), 마네는 그림에서 전통적으로 비눗방울로 대표되는 주제인 삶의 덧없음에 대해 그림을 그립니다.

프랑스-프로이센 전쟁 동안 마네는 드가와 함께 파리 포위전 동안 도시를 방어하는 것을 돕기 위해 국가방위군에서 일했습니다.[37] 1871년 1월, 그는 피레네 산맥에 있는 올로론 생트마리로 여행을 갔습니다. 그가 없을 때 그의 친구들은 그의 이름을 파리 코뮌의 예술가 협회(Fédération des artistes)에 추가했습니다. 마네는 세마인 상란테가 끝난 후까지 파리를 멀리했을 것입니다. (1871년 6월 10일) 그는 셰르부르의 베르트 모리조에게 보낸 편지에서 "우리는 며칠 전에 파리로 돌아왔습니다." (세마인 상란테는 5월 28일에 끝났습니다.)라고 썼습니다.

미술관(부다페스트)의 판화 및 드로잉 컬렉션에는 마네의 수채화/고슈인 바리케이드가 있으며, 막시밀리안의 처형 석판화를 바탕으로 베르사유 군대에 의한 코뮈나르의 즉결 처형을 묘사하고 있습니다. 비슷한 작품인 바리케이드(합판 위의 기름)는 개인 수집가가 소장하고 있습니다.

1871년 3월 18일, 그는 파리에 있는 그의 친구 펠릭스 브라케몽에게 프랑스 제3공화국 국회의 임시 의석인 보르도를 방문하는 것에 대해 편지를 보냈는데, 그곳에서 에밀 졸라는 그를 그곳으로 소개했습니다. "나는 프랑스가 그렇게 피폐한 늙은 바보들로 대표될 수 있을 거라고는 상상도 못했습니다. 이 작은 꼬투리 티어스를 제외하고는..."[38] 만약 이것이 코뮌을 지지하는 것으로 해석될 수 있다면, 브라쿠몽에게 보낸 다음의 편지(1871년 3월 21일)는 그의 생각을 좀 더 명확하게 표현했습니다: "1793년 코뮌의 기괴한 모방자들인 밀리에레스를 따라가는 당의 해킹과 야심가들, 이 세상의 헨리들만." 그는 코뮈나르 뤼시앙 헨리가 전직 화가의 모델이었고 보험 대리인이었던 밀리에르를 알고 있었습니다. "이 피에 목마른 캐퍼링들이 예술에 얼마나 큰 힘이 되는 일인가! 그러나 우리의 불행 속에서 최소한 한 가지 위안이 있습니다. 우리는 정치인이 아니며 의원으로 선출될 의사가 없다는 것입니다."

마네가 가장 존경했던 공인은 공화당의 레옹 감베타였습니다.[39] 1877년 세자마이 쿠데타의 열기 속에서 마네는 자신의 작업실을 감베타의 친구 외젠 스풀러가 의장을 맡은 공화당 선거 회의에 공개했습니다.[39]

파리

마네는 그의 작품에서 파리 거리의 많은 장면들을 묘사했습니다. 국기로 장식된 모스니에 장식은 길 양쪽에 있는 건물들을 덮고 있는 빨간색, 하얀색, 파란색 페넌트를 묘사합니다. 같은 제목의 다른 그림은 목발을 짚고 걷는 외다리 남자를 포함합니다. 다시 같은 거리를 묘사하지만, 이번에는 다른 맥락에서, 사람들과 말들이 지나가는 동안 남자들이 도로를 수리하는 Rue Mosnier with Pavers입니다.

1873년 철도

"The Gare Saint-Lazare"로 널리 알려진 "The Railway"는 1873년에 그려졌습니다. 19세기 후반 파리의 도시 풍경이 배경입니다. 그가 가장 좋아하는 모델을 그녀의 마지막 그림에 사용하여, 올림피아와 풀밭 위의 점심식사의 모델이기도 한 동료 화가인 Victorine Mureent는 잠자는 강아지와 그녀의 무릎에 열린 책을 들고 철책 앞에 앉아 있습니다. 그녀 옆에는 화가에게 등을 돌린 어린 소녀가 그들 아래로 지나가는 기차를 보고 있습니다.

마네는 전통적인 자연 경관을 야외 장면의 배경으로 선택하는 대신, "대담하게 캔버스를 가로질러 뻗어 있는" 철제 격자를 선택합니다.[40] 기차의 유일한 증거는 하얀 증기 구름입니다. 멀리 현대적인 아파트 건물들이 보입니다. 이 배열은 전경을 좁은 초점으로 압축합니다. 깊은 공간에 대한 전통적인 관습은 무시됩니다.

역사학자 이자벨 더보(Isabelle Dervaux)는 이 그림이 1874년 파리 살롱(Paris Salon) 공식 전시회에서 처음 전시되었을 때 받은 반응에 대해 다음과 같이 설명했습니다. "방문객들과 비평가들은 이 그림의 주제와 구성, 그리고 실행 스케치를 이해하기 어려웠습니다. 캐리커쳐 작가들은 마네의 그림을 비웃었는데, 마네는 오늘날 현대의 상징으로 인식하는 사람이 거의 없었습니다."[41] 이 그림은 현재 워싱턴 D.C.에 있는 국립 미술관에 있습니다.[42]

마네는 1874년에 몇가지 뱃놀이를 그렸습니다. 현재 메트로폴리탄 미술관에 있는 뱃놀이는 마네가 일본 판화에서 배운 교훈을 간결하게 보여주며, 보트와 돛의 틀에 의해 갑자기 잘리는 모습이 이미지의 정확성을 더해줍니다.[43]

1875년 에드거 앨런 포(Edgar Allan Poe)의 레이븐(The Raven)의 프랑스어판에는 마네(Manet)의 석판본과 말라르메(Mallarmé)의 번역본이 포함되어 있습니다.[44]

1881년, 그의 친구인 안토닌 프루스트의 압력으로, 프랑스 정부는 마네에게 레지옹 도뇌르를 수여했습니다.[45]

후기작

Folies-Bergère의 바 (Un Baraux Folies-Bergère), 1882, Courtauld Gallery, London

40대 중반 마네의 건강은 악화되었고, 그는 극심한 통증과 다리 부분 마비가 생겼습니다. 1879년, 그는 자신이 순환기 문제라고 믿었던 것을 개선하기 위해 뮤던 근처의 스파에서 하이드로 테라피 치료를 받기 시작했지만, 실제로 그는 매독의 부작용으로 알려진 운동신경 실조증을 앓고 있었습니다.[46][47] 1880년, 그는 그곳에서 오페라 가수 에밀리 암브레의 카르멘 초상화를 그렸습니다. Ambre와 그녀의 연인 Gaston de Beauplan은 Meudon에 사유지를 가지고 있었고 1879년 12월 뉴욕에서 마네의 막시밀리안 황제 처형의 첫 번째 전시회를 조직했습니다.[48]

말년에 마네는 '아스파라거스 한 다발'과 '레몬' (둘 다 1880)과 같은 과일과 채소의 많은 소규모 정물화를 그렸습니다.[49] 그는 그의 마지막 주요 작품인 "폴리 베르제르의 술집"을 1882년에 완성했고, 그것은 그 해 살롱에 걸렸습니다. 그 후, 그는 작은 형식으로 자신을 제한했습니다.

마네의 마지막 그림은 유리병에 담긴 꽃들이었습니다.[50] 그가 죽기 불과 두 달 전인 1883년 3월에 마지막으로 그린 그림은 20점이 알려져 있습니다.[51] 13년 후 베니스에서 인용된 마네는 예술가가 "꽃, 과일, 그리고 구름"으로 그가 말할 수 있는 모든 것을 말할 수 있다고 말한 것으로 유명합니다. 그의 마지막 꽃 그림은 그 믿음을 보여주는 것입니다.[51]

2023년 뉴욕 메트로폴리탄 미술관은 드가와 함께 마네의 2인전을 전시했습니다.[52]

죽음.

1883년 4월 매독과 류마티스 합병증으로 인한 괴저 때문에 왼발이 절단되었습니다. 그는 11일 후인 4월 30일 파리에서 사망했습니다. 그는 이 도시의 패시 묘지에 묻혔습니다.[53]

레거시

마네의 공적인 경력은 그가 살롱에 처음 참여한 해인 1861년부터 1883년 사망할 때까지 지속되었습니다. 데니스 루아트(Denis Rouart)와 다니엘 와일드슈타인(Daniel Wildenstein)이 1975년에 목록화한 그의 현존하는 알려진 작품은 유화 430점, 파스텔 89점, 종이 위에 400점 이상의 작품으로 구성되어 있습니다.[54]

파시의 마네의 무덤

마네의 작품은 전통적인 마무리가 없다고 비난하는 비평가들에 의해 혹독하게 비난받았지만, 처음부터 팬들이 있었습니다. 그 중 한 명은 1867년에 쓴 에밀 졸라(Emile Zola)입니다. "우리는 현실을 그렇게 단순하고 직접적으로 번역하는 것에 익숙하지 않습니다. 그러면 제가 말씀드린 것처럼 굉장히 기품 있는 어색함이 있어요. 자연을 온화한 잔혹함으로 해석하는 이 빛나고 진지한 그림을 생각하는 것은 정말 매력적인 경험입니다."[55]

마네의 그림에서 거칠게 그려진 스타일과 사진 조명은 특히 현대적인 것으로 보였고, 그가 복제하거나 원천 자료로 사용한 르네상스 작품에 대한 도전으로 여겨졌습니다. 그는 토마스 쿠튀르(Thomas Couture)의 작업실에서 배웠던 기술을 거부했는데, 어두운 톤의 땅 위에 연속적인 페인트 층을 사용하여 그림을 구성한 것인데, 이는 밝은 땅 위에 불투명한 페인트를 사용한 직접적인 모든 프라이마 방식을 선호하는 것이었습니다. 당시 참신했던 이 방법은 한 번의 좌식으로 그림을 완성할 수 있게 했습니다. 그것은 인상주의자들에 의해 채택되었고, 그 후 몇 세대 동안 유화로 그리는 일반적인 방법이 되었습니다.[56] 마네의 작품은 부분적으로 그의 표면의 불투명한 평평함, 빈번한 스케치와 같은 통로, 그리고 그림 평면의 표면과 페인트의 재료 품질에 주목하는 검은 윤곽 때문에 "초기 현대적"으로 여겨집니다.

미술사가 베아트리스 파웰은 마네가 "모더니즘의 아버지로 보편적으로 여겨져 왔다"고 말합니다. 쿠르베와 함께 그는 자신의 호의를 추구하는 대중들에게 심각한 위험을 감수한 첫 번째 사람들 중 하나였으며, 모든 프리마 그림을 유화의 표준 기술로 만든 첫 번째 사람이자 르네상스 관점으로 자유롭게 받아들이고 미적 즐거움의 원천으로 "순수한 그림"을 제공한 첫 번째 사람들 중 하나였습니다. 그는 쿠르베와 함께 인문학적이고 역사적인 소재를 거부하는 선구자였으며, 현대 도시 생활의 확립을 하이 아트의 수용 가능한 자료로 드가와 공유했습니다."[56]

아트마켓

고인이 된 마네의 그림인 르프린템프(Le Printemps, 1881)는 J. Paul Getty Museum에 6,510만 달러에 팔렸으며 마네의 경매 신기록을 세웠으며, 2014년 11월 5일 크리스티 경매에서 사전 판매 예상액인 2,500-3,500만 달러를 넘어섰습니다.[57] 이전 경매 기록은 2010년 6월 22일 소더비에서 3,320만 달러에 팔린 '팔레트와 함께한 자화상'이 보유하고 있었습니다.[58]

갤러리

참고 항목

메모들

  1. ^ 인용하는 Desnoyers, Fernand (1863). Le Salon des Refusés (in French).[16]

참고문헌

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