마크 로스코

Mark Rothko
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마크 로스코
마크 로스코, 요크타운 하이츠, 1949. 브루클린 박물관, 콘수엘로 카나가 지음.
태어난
마르쿠스 야코블레비치 로스코위츠

(1903-09-25)1903년 9월 25일
드빈스크
(현재 라트비아 다우가프필스)
죽은1970년 2월 25일 (1970-02-25) (66세)
미국 뉴욕시
국적.미국의
모교예일 대학교
로 유명함페인팅
움직임.추상표현주의, 색장
배우자에디스 사샤르 (1932-1943)
메리 앨리스 "멜" 비슬 (1944–1970)
아이들.1950년생[1] 케이트 로스코 프리젤과 1963년생[2] 크리스토퍼 로스코
후원자페기 구겐하임, 존 드 메닐, 도미니크 드 메닐

Mark Rothko(IPA: /ˈ rɒθko ʊ/), Markus Yakovlevich Rothkowitz(러시아어: м а́ркус я отко́вич, 라트비아어: 마르쿠스 로트코비치(, 1903년 9월 25일 ~ 1970년 2월 25일)는 라트비아 태생의 미국 추상화가이다. 그는 1949년부터 1970년까지 그가 제작한 불규칙하고 화가다운 직사각형의 색 영역을 묘사한 컬러 필드 그림으로 가장 잘 알려져 있습니다. Rothko는 개인적으로 어느 학교에도 가입하지 않았지만 현대 미술의 미국 추상 표현주의 운동과 관련이 있습니다.

원래 가족과 함께 러시아 제국(라트비아)에서 오리건주 포틀랜드로 이주한 로스코는 이후 뉴욕으로 이주하여 젊은 시절의 예술 작품 활동이 주로 도시 풍경을 다루었습니다. 제2차 세계 대전에 대응하여, 로스코의 예술은 1940년대에 신화적 주제와 비극을 표현하기 위한 초현실주의를 실험하는 과도기에 들어갔습니다. 10년이 끝날 무렵, 로스코는 자신의 남은 인생 동안 사용할 숙어인 직사각형 색상 형태로 더욱 추상화된 순수한 색상의 지역으로 캔버스를 그렸습니다.

로스코는 이후 경력에서 세 가지 다른 벽화 프로젝트를 위해 여러 캔버스를 실행했습니다. 씨그램 벽화는 씨그램 빌딩에 있는 사계절 레스토랑을 장식할 예정이었지만, 로스코는 결국 자신의 그림이 부유한 손님들을 위한 장식품이 될 것이라는 생각에 염증을 느껴 수익성이 좋은 수수료를 환불해 테이트 모던을 포함한 박물관에 그림을 기증했습니다. 하버드 벽화 시리즈는 하버드 홀리요크 센터(현재 스미스 캠퍼스 센터)에 있는 식당에 기증되었습니다. 로스코가 정기적인 햇빛 노출과 함께 색소 리톨 레드를 사용했기 때문에 시간이 지남에 따라 색이 심하게 바래졌습니다. 하버드 시리즈는 그 이후로 특별한 조명 기술을 사용하여 복원되었습니다. 로스코는 텍사스주 휴스턴에 있는 비종교적 예배당인 로스코 예배당에 14개의 캔버스를 영구적으로 설치하는 데 기여했습니다.

비록 로스코는 그의 삶의 대부분을 겸손하게 살았지만, 1970년 그의 자살 이후 수십 년 동안 그의 그림의 재판매 가치는 엄청나게 커졌습니다. 그의 그림 6번(바이올렛, 그린, 레드)은 2014년에 1억 8,600만 달러에 팔렸습니다.[3]

어린시절

로스코는 1903년 러시아 제국(현재 라트비아 다우가프필스)에 위치한 슈테틀(유대인 마을)의 드빈스크에서 태어났습니다. 그의 아버지 야코프 로스코위츠는 약사이자 지식인으로 처음에는 자녀들에게 종교적인 양육보다는 세속적이고 정치적인 양육을 제공했습니다. 로스코에 따르면, 그의 마르크스주의 아버지는 "폭력적으로 반종교적"이었습니다.[4] 유대인들이 종종 러시아에 닥친 많은 해악의 원인으로 비난받던 환경에서, 로스코의 어린 시절은 두려움에 시달렸습니다.[5][6]

제이콥 로스코위츠의 적은 수입에도 불구하고, 그 가족은 높은 교육을 받았고 ("우리는 독서하는 가족이었습니다") 로스코의 여동생은 회상했습니다.[7][8] 아버지가 어린 시절 정교회 유대교로 돌아온 후, 4남매 중 막내인 로스코는 다섯 살 때 체더로 보내져 탈무드를 공부했지만, 형들은 공립학교 체제에서 교육을 받았습니다.[9]

러시아 제국에서 미국으로 이주

그의 큰 아들들이 러시아 제국 군대에 징집될 것을 두려워한 제이콥 로스코위츠는 러시아 제국에서 미국으로 이민을 갔습니다. 마르쿠스는 그의 어머니와 누나 소니아와 함께 러시아 제국에 남아있었습니다. 그들은 1913년 말 엘리스 섬에 이민자로 도착했습니다. 거기서 그들은 오레곤 주 포틀랜드에서 야곱과 형들과 함께하기 위해 나라를 건넜습니다. 몇 달 후 대장암으로 사망한 제이콥은 경제적 지원을 받지 못하고 가족을 떠났습니다.[4] 소니아는 금전 등록기를 운영했고, 마르쿠스는 삼촌의 창고 중 한 곳에서 일하며 직원들에게 신문을 팔았습니다.[10] 그의 아버지의 죽음은 또한 로스코로 하여금 종교와의 관계를 끊게 만들었습니다. 그는 거의 1년 동안 지역 유대교 회당에서 아버지의 죽음을 애도한 후, 다시는 그 회당에 발을 들여놓지 않겠다고 맹세했습니다.[4]

Rothko는 1913년에 미국에서 학교를 시작했고, 3학년에서 5학년으로 빠르게 빨라졌습니다. 1921년 6월, 그는 17세의 나이에 오리건주 포틀랜드에 있는 링컨 고등학교에서 우등으로 중등 과정을 마쳤습니다.[11] 그는 제4외국어인 영어를 배웠고, 유대인 커뮤니티 센터의 활동적인 회원이 되었고, 그곳에서 정치적인 토론에 능숙했습니다. 로스코는 그의 아버지처럼 노동자의 권리와 피임과 같은 문제에 열정적이었습니다.[citation needed] 당시 포틀랜드는 미국과 세계의 혁명신디칼리스트 노동조합(IWW)이 활동하던 지역에서 혁명 활동의 중심지였습니다.[citation needed]

급진적인 노동자들의 모임을 중심으로 성장한 로스코는 급진적인 사회주의자 빌 헤이우드와 아나키스트 엠마 골드만과 같은 IWW의 모임에 참석하여 [12]나중에 초현실주의를 옹호하는 데 사용한 강력한 웅변술을 개발했습니다. 러시아 혁명의 시작과 함께 로스코는 그것에 대한 논쟁을 조직했습니다. 억압적인 정치 분위기에도 불구하고 그는 노동조합 조직원이 되고 싶었습니다.[citation needed]

Rothko는 예일 대학의 장학금을 받았습니다. 1922년 첫해를 끝으로 장학금은 갱신되지 않았고, 학업을 지원하기 위해 웨이터와 배달부로 일했습니다. Rothko는 부지런한 학생이라기보다는 독단적인 행동이었습니다.

그의 동료 학생들 중 한 명은 그가 공부를 거의 하지 않는 것 같았지만, 그가 탐욕스러운 독자였다고 기억합니다.[13]

Rothko와 친구 Aaron Director는 학교의 답답하고 부르주아적인 어조를 풍자하는 잡지인 The Yale Saturday Evening Pest를 시작했습니다.[14] 예일대가 엘리트주의자이고 인종차별주의자라는 것을 알게 된 로스코는 2학년 말에 중퇴하고 46년 후 명예 학위를 수여받을 때까지 결코 돌아오지 않았습니다.[15]

초기경력

1923년 가을, 로스코는 뉴욕의 의복 지구에서 일을 구했습니다. 그는 뉴욕 예술 학생 연맹의 친구를 방문하는 동안 학생들이 모델을 스케치하는 것을 보았습니다. 로스코에 따르면, 이것이 그의 예술가로서의 삶의 시작이었습니다.[16] 그는 나중에 그의 강사 중 한 명이 Arshile Gorky였던 Parsons The New School for Design에 등록했습니다. Rothko는 Gorky의 학급 리더쉽을 "감독으로 인해 과도하게 충전된" 것으로 묘사했습니다.[17] 같은 해 가을, 그는 프랑스 아방가르드 운동의 일부였던 입체파 예술가 막스 베버(Max Weber)가 가르친 예술 학생 연맹(Art Students League)에서 강의를 들었습니다. 모더니즘에 대해 알고 싶어하는 학생들에게 베버는 "현대 미술사의 살아있는 보고"로 여겨졌습니다.[18] 베버의 지도 아래, 로스코는 예술을 감정적이고 종교적인 표현을 위한 수단으로 보기 시작했습니다. 이 시대 로스코의 그림은 스승의 영향을 잘 보여줍니다.[19][20] 몇 년 후, 베버가 그의 전 제자의 작품 전시회에 참석하여 그의 감탄을 표했을 때, 로스코는 매우 기뻤습니다.[21]

로스코 원

로스코가 뉴욕으로 이사하면서 그는 비옥한 예술적 분위기에 빠졌습니다. 모더니즘 화가들은 정기적으로 뉴욕 갤러리에 전시되었고, 도시의 박물관들은 신진 예술가의 지식과 기술에 매우 귀중한 자원이었습니다. 그에게 중요한 초기 영향을 끼친 것들 중에는 독일 표현주의자들의 작품들, 파울 클레의 초현실주의 예술, 조르주 루오의 그림들이 있습니다.[22]

1928년 로스코는 다른 젊은 예술가 그룹과 함께 기회 갤러리에서 작품을 전시했습니다.[23] 어둡고, 분위기 있고, 표현주의적인 인테리어와 도시적인 장면을 포함한 그의 그림들은 비평가들과 동료들 사이에서 일반적으로 잘 받아들여졌습니다. 수입을 보충하기 위해 1929년 로스코는 브루클린 유대인 센터 아카데미에서 학생들에게 그림, 그림, 점토 조각을 가르치기 시작했고, 그곳에서 20년 이상 활동했습니다.[24]

1930년대 초, 로스코는 바넷 뉴먼, 조셉 솔먼, 루이 샨커, 존 그레이엄과 함께 화가 밀턴 에이버리를 둘러싼 젊은 예술가 그룹의 일부였던 아돌프 고틀립을 만났습니다. 일레인 드 쿠닝(Elaine de Kuning)에 따르면, "로스코에게 [전문 예술가의 삶이] 가능성이라는 생각을 준 사람은 에이버리(Avery)였습니다."[25]형태와 색상에 대한 풍부한 지식을 활용한 에이버리의 추상적인 자연 그림은 그에게 엄청난 영향을 미쳤습니다.[23] 곧, 로스코의 그림들은 1933-1934년의 '배더스' 혹은 '해변의 풍경'에서 볼 수 있듯이, 에이버리의 그림들과 비슷한 주제와 색상을 띠었습니다.[26]

로스코, 고틀립, 뉴먼, 솔먼, 그레이엄, 그리고 그들의 멘토인 에이버리는 뉴욕의 조지 호수와 매사추세츠의 글로스터에서 휴가를 보내며 상당한 시간을 함께 보냈습니다. 낮에는 그림을 그리고 저녁에는 미술에 대해 토론했습니다. 1932년 조지 호수를 방문하는 동안, 로스코는 그 해 말에 결혼한 보석 디자이너인 에디스 사차를 만났습니다.[27] 이듬해 여름, 그의 첫 1인 쇼는 주로 드로잉과 아쿠아렐로 구성된 포틀랜드 미술관에서 열렸습니다. 이번 전시회에서 로스코는 센터 아카데미의 사춘기 이전 학생들이 만든 작품을 자신의 작품과 함께 전시하는 매우 이례적인 조치를 취했습니다.[28] 그의 가족은 특히 대공황의 심각한 경제 상황을 고려할 때 예술가가 되기로 한 로스코의 결정을 이해할 수 없었습니다.[29] 심각한 재정적 어려움을 겪은 로스코 부부는 재정적 필요성에 대한 로스코의 무관심으로 인해 혼란에 빠졌습니다. 그들은 그가 더 수익성이 높고 현실적인 직업을 찾지 못함으로써 어머니에게 폐를 끼치고 있다고 느꼈습니다.[30]

뉴욕에서의 첫 단독 쇼

뉴욕으로 돌아온 로스코는 컨템포러리 아트 갤러리에서 첫 이스트코스트 1인 쇼를 가졌습니다.[31] 그는 15점의 유화, 주로 초상화를 보여주었고, 약간의 수채화와 그림들을 보여주었습니다. 이 작품들 중 특히 유화는 미술 평론가들의 시선을 사로잡았습니다. 로스코가 사용한 풍부한 색의 영역은 에이버리의 영향력을 넘어서게 되었습니다. 1935년 말, 로스코는 일리야 볼로토프스키, 벤 지온, 아돌프 고틀립, 루이스 해리스, 랄프 로젠보그, 루이스 샨커, 조셉 솔먼과 함께 《The Ten》을 결성했습니다. 갤러리 쇼 카탈로그에 따르면, 이 단체의 임무는 "미국 회화와 문자 그대로 회화의 명성 있는 동등성에 항의하는 것"이었습니다.[32]

Rothko는 동료들 사이에서, 특히 예술가 연합을 결성한 그룹들 사이에서 점점 더 명성을 얻고 있었습니다.[33] 고틀립과 솔만을 포함한 예술가 연합은 자체적으로 조직된 단체 전시회를 보여주기 위해 시립 미술관을 만들기를 희망했습니다. 1936년, 이 그룹은 프랑스의 Galerie Bonaparte에서 전시를 했고, 그 결과 긍정적인 비평가들의 관심을 끌었습니다. 한 평론가는 로스코의 그림들이 "진정한 색채적 가치를 보여준다"고 말했습니다.[34] 이후 1938년 뉴욕 머큐리 갤러리에서 휘트니 미술관에 대한 항의의 의미로 전시회가 열렸는데, 이는 이 단체가 지방, 지역주의 의제를 가지고 있다고 간주한 것입니다. 또한 이 기간 동안 Rothko는 Avery, Gorky, Pollock, de Kuning 및 다른 많은 사람들과 같이 Works Progress Administration에 고용되었습니다.[35]

스타일 개발

로스코의 작품은 시대별로 묘사되어 있습니다.[36] 그의 초기(1924-1939)는 인상주의에 의해 반영된 대표적인 예술을 보았고, 보통 도시 장면을 묘사합니다. 1936년, Rothko는 어린이 예술과 현대 화가들의 작품 사이의 유사성에 대해 완성되지 않은 책을 쓰기 시작했습니다.[37] Rothko에 따르면, "어린이 예술은 자신을 모방하는 것일 뿐인 원시주의로 변신한다"는 점에서 원시 예술의 영향을 받은 모더니즘의 작품은 어린이의 작품과 비교될 수 있습니다.[38] 이 원고에서 그는 "학문적 개념으로 그림을 그리는 것으로 시작하는 전통. 색상부터 시작할 수 있습니다."[39] Rothko는 그의 아쿠아렐과 도시의 풍경에 색의 들판을 사용하고 있었습니다. 그의 스타일은 이미 그의 유명한 후기 작품의 방향으로 발전하고 있었습니다. 색에 대한 새로운 탐구에도 불구하고, 로스코는 신화적 우화와 상징에 영향을 받은 초현실주의 회화의 시대를 열면서 다른 형식적이고 양식적인 혁신에 관심을 돌렸습니다.[citation needed]

그의 중간 "전환" 시기(1940-1950)는 비유적인 신화적 추상화, "바이오모픽" 추상화 및 "다형성"의 단계를 포함했으며 후자는 넓은 영역의 색상을 가진 캔버스였습니다. 로스코의 과도기적인 10년은 제2차 세계대전의 영향을 받아 예술에서 비극의 새로운 표현을 추구하게 되었습니다. 이 시기에 로스코는 아이스킬로스와 같은 고대 그리스 비극가들과 니체의 비극의 탄생에 대한 그의 독서에 영향을 받았습니다.[40]

로스코의 성숙한 또는 "고전적인" 시기 (1951-1970)에, 그는 시청자로부터 감정적인 반응을 이끌어내기 위해 "드라마"[41]로 의도된 직사각형의 색 영역을 일관되게 그렸습니다.[42]

성숙함

로스코는 1937년 중반 아내 에디스와 일시적으로 헤어졌습니다. 그들은 몇 달 후에 화해했지만, 그들의 관계는 여전히[43] 긴장되어 있었고 1944년에 이혼했습니다.[44] 1938년 2월 21일, 로스코는 유럽에서 증가하는 나치의 영향력이 미국 유대인들의 갑작스러운 추방을 유발할 수도 있다는 우려에 자극받아 마침내 미국 시민이 되었습니다. 미국과 유럽의 반유대주의를 우려한 로스코는 자신의 이름을 마르쿠스 로스코위츠(Markus Rothkowitz)에서 마크 로스코(Mark Rothko)로 약칭했습니다. 일반적인 약어인 로스(Roth)라는 이름은 여전히 유대인임을 알 수 있었기 때문에 로스코(Rothko)에 정착했습니다.[45][46]

신화에서 온 영감

현대 미국 회화가 개념적으로 막다른 골목에 이르렀다는 것을 두려워한 로스코는 도시와 자연의 풍경 이외의 주제를 탐구하는 것에 몰두했습니다. 그는 형태, 공간, 그리고 색깔에 대한 그의 증가하는 관심을 보완해 줄 주제들을 찾았습니다. 세계 전쟁의 위기는 이 수색에 즉각성을 부여했습니다.[47] 그는 새로운 주제가 사회적 영향을 미치면서도 현재의 정치적 상징과 가치의 한계를 뛰어넘을 수 있다고 주장했습니다. 1948년에 출판된 그의 에세이 "로맨틱스는 촉발되었다"에서 로스코는 현대인이 파시즘과 공산당에서 중개자를 찾았던 것과 거의 같은 방식으로 "고고미술가... 중개자, 괴물, 잡종, 신과 반신의 그룹을 만드는 것이 필요하다는 것을 발견했다"[48]고 주장했습니다.[citation needed] 로스코에게 "괴물과 신이 없으면 예술은 드라마를 제정할 수 없습니다."[49]

로스코가 신화를 시사평론으로 사용한 것은 참신하지 않았습니다. 로스코, 고틀립, 뉴먼은 지그문트 프로이트와 칼 융의 작품을 읽고 토론했습니다.[50] 특히, 그들은 꿈에 관한 정신 분석 이론과 집단 무의식의 원형에 관심을 가졌습니다. 그들은 신화적 상징을 이미지로 이해하고 특정 역사와 문화를 초월하는 인간 의식의 공간에서 작동했습니다.[51] Rothko는 나중에 "신화의 극적인 주제들"에 대한 그의 연구에 의해 그의 예술적 접근이 "개혁"되었다고 말했습니다. 그는 1940년 제임스 프레이저 경의 신화 '골든 뷰'와 프로이트의 '꿈의 해석'을 읽는 데 몰두하기 위해 그림을 완전히 중단했다고 합니다.[52]

니체의 영향

로스코의 새로운 비전은 현대인의 정신적이고 창조적인 신화적 요구를 해결하고자 했습니다.[53] 프리드리히 니체의 비극의 탄생은 이 시기에 로스코에게 가장 중요한 철학적 영향을 미쳤습니다.[54] 니체는 그리스 비극이 인간을 죽음의 공포로부터 구원하는 역할을 했다고 주장했습니다. 로스코는 현대 미술에서 새로운 주제를 탐구하는 것을 더 이상 목표로 삼지 않았습니다. 이때부터 그의 예술은 현대인의 정신적 공허함을 덜어주는 것을 목표로 삼았습니다. 그는 이러한 공허함이 부분적으로 신화의 결여에서 비롯되었다고 믿었는데,[citation needed] 니체에 따르면, "신화의 이미지는 눈에 띄지 않는 보편적인 악마적 수호자들이어야 하며, 그들의 보살핌 아래 젊은 영혼이 성숙해지고 그의 징후가 그의 삶과 투쟁을 해석하도록 도와줍니다."[55] 로스코는 자신의 예술이 이전에는 신화적 이미지, 상징, 의식에 얽매였던 무의식적인 에너지를 해방시킬 수 있다고 믿었습니다.[56] 그는 자신을 "신화의 제작자"라고 생각했고, "쾌활한 비극적인 경험은 나에게 유일한 예술의 원천"이라고 선언했습니다.[57]

이 시기에 그의 많은 그림들은 주로 아이스킬로스의 오레스테이아 3부작에서 그려진 이미지를 사용하여 야만적인 폭력의 장면과 문명적인 수동성을 대조합니다. 이 시기의 로스코의 그림 목록은 그가 신화를 사용한 것을 보여줍니다: 안티고네, 오이디푸스, 이피게니아의 제물, 레다, 퓌리스, 오르페우스의 제단. 로스코는 겟세마네, 최후의 만찬, 릴리스의 의식 등에서 유대-기독교적 이미지를 불러일으킵니다. 그는 또한 이집트 (카르나크의 방)와 시리아 (시리아 황소) 신화를 불러옵니다. 제2차 세계 대전 직후, 로스코는 자신의 칭호가 자신의 그림들의 더 크고 초월적인 목적들을 제한한다고 믿었습니다. 관람자가 최대한의 해석을 할 수 있도록 그림의 이름을 짓고 액자에 넣는 것을 중단하고 오직 숫자로만 그림을 언급했습니다.[58]

"동형" 추상주의

로스코와 고틀립이 고대의 형태와 상징을 제시한 뿌리에는 초현실주의, 입체파, 추상미술의 영향이 있었습니다. 1936년, 로스코는 현대미술관에서 열린 두 번의 전시회인 "큐비즘과 추상미술"과 "환상적인 미술, 다다, 초현실주의"에 참석했습니다.[59]

1942년, 전쟁 때문에 미국으로 이민간 예술가들인 에른스트, 미로, 볼프강 팔렌, 탕귀, 살바도르 달리의 쇼가 성공한 후, 초현실주의는 뉴욕을 강타했습니다.[60] 로스코와 그의 동료들인 고틀립과 뉴먼은 이 유럽 개척자들의 예술과 사상, 그리고 몬드리안의 것들에 대해 만나서 논의했습니다.[citation needed]

새로운 그림들은 1942년 뉴욕의 메이시스 백화점에서 열린 전시회에서 공개되었습니다. 뉴욕 타임즈의 부정적인 리뷰에 대해 로스코와 고틀립은 주로 로스코가 쓴 선언문을 발표했습니다. 그들은 새로운 작품에 대해 타임즈 비평가들이 자칭한 "황당함"에 대해 언급하면서, "우리는 복잡한 생각의 단순한 표현을 선호합니다. 우리는 큰 모양을 위한 것입니다. 왜냐하면 그것은 확실한 것의 영향을 가지고 있기 때문입니다. 우리는 사진 평면을 다시 확인하고 싶습니다. 우리는 평평한 형태를 위한 것입니다. 왜냐하면 그것들은 환상을 파괴하고 진실을 드러내기 때문입니다." 좀 더 단호한 입장에서, 그들은 덜 도전적인 예술에 둘러싸인 채 살기를 원하는 사람들을 비판하면서, 그들의 작품이 반드시 "영적으로 실내 장식에 맞추어진 모든 사람을 모욕해야 한다"고 언급했습니다.[61]

로스코는 신화를 영적 공백의 시대를 위한 보충 자원으로 여겼습니다. 이 믿음은 칼 융, T. S. 엘리엇, 제임스 조이스, 토마스 만 등의 다른 저자들에 대한 그의 독서를 통해 수십 년 전에 시작되었습니다.[62]

초현실주의와의 결별

2023년 국립미술관 세례 장면(1945) 이것은 1946년 휘트니 박물관에 의해 인수된 로스코의 박물관 컬렉션에 들어간 첫 번째 그림입니다.

1943년 6월 13일, Rothko와 Sachar는 다시 헤어졌습니다.[63] 로스코는 이혼 후 우울증을 겪었습니다.[64] 풍경의 변화가 도움이 될지도 모른다고 생각한 로스코는 포틀랜드로 돌아갔습니다. 그곳에서 그는 버클리로 여행을 가서 예술가 클리포드 스틸을 만났고, 두 사람은 가까운 우정을 시작했습니다.[65][66] 여전히 깊이 추상적인 그림들은 로스코의 후기 작품들에 상당한 영향을 줄 것입니다. 1943년 가을, 로스코는 뉴욕으로 돌아갔습니다. 그는 유명한 수집가이자 미술상인 페기 구겐하임을 만났지만, 그녀는 처음에 그의 작품을 맡는 것을 꺼렸습니다.[67] 1945년 말 구겐하임의 금세기 미술관에서 열린 로스코의 1인 쇼는 150달러에서 750달러 사이의 가격으로 거의 판매되지 않았습니다. 이 전시회는 또한 비평가들로부터 그다지 호의적이지 않은 평가를 받았습니다. 이 기간 동안, 로스코는 스틸의 추상적인 색채 풍경에 자극을 받았고, 그의 스타일은 초현실주의에서 벗어났습니다. 일상적인 형태의 무의식적 상징성을 해석하는 로스코의 실험은 그들의 방향으로 진행되었습니다. 그의 미래는 추상적입니다.

저는 마음 속에 내재된 세계와 그 밖의 신이 내재한 세계의 평등한 존재를 주장합니다. 만일 내가 낯익은 물건들을 사용하는 데 주저하였다면, 나는 그들이 너무 늙어서 봉사할 수 없거나, 어쩌면 그들이 의도한 적이 없는 행동을 위해 그들의 모습을 훼손하는 것을 거부하기 때문입니다. 나는 초현실주의자들과 추상 미술을 그의 아버지와 어머니와 하나의 다툼으로만 다룹니다. 나는 나의 뿌리의 필연성과 기능을 인식하지만 나의 반대를 고집합니다. 나는 그들과 동시에 그들로부터 완전히 독립된 필수적인 존재입니다.[68]

Rothko의 걸작 Slow Swir at the Edge (1945)는 추상화에 대한 그의 새로운 경향을 보여줍니다. 로스코가 1944년 만나 1945년 초 결혼한 두 번째 부인 메리 앨리스 "멜" 베이슬에 대한 구애를 묵상한 것으로 해석되고 있습니다. 다른 독서물들은 로스코가 1940년 현대미술관에서 열린 "이탈리아 거장들" 대출 전시회에서 보았던 보티첼리의 "비너스의 탄생"에 대한 메아리를 주목했습니다. 이 그림은 미묘한 회색과 갈색으로, 소용돌이치는 부유하는 형태와 색상의 분위기 속에 수용된 두 개의 인간과 같은 형태를 보여줍니다. 단단한 직사각형 배경은 순수한 색으로 로스코의 후기 실험을 예고합니다. 이 그림은 우연하게도 2차 세계대전이 끝난 해에 완성되었습니다.[69]

2023년 국립미술관 희생(1946)

처음에는 작품 구매를 망설였지만, 구겐하임은 로스코가 금세기 미술관에서 전시한 후 여러 작품을 구입했는데, 그 중에는 그녀가 완성하자마자 구입한 희생(1946)도 포함되어 있습니다.[70] 이 시기의 다른 작품들과 마찬가지로 바이오모픽 형태와 추상적인 이미지를 미묘한 톤으로 묘사했습니다.[71] 구겐하임은 후에 이 작품을 그녀의 유럽 갤러리에서 보여주었고, 미국 밖에서 전시된 로스코의 그림들 중 첫 번째 작품이 되었습니다.[70]

로스코는 "신형 추상주의"를 포기했음에도 불구하고 1940년대 남은 기간 동안 주로 초현실주의 작품으로 대중에게 인정받았습니다. 휘트니 박물관은 1943년부터 1950년까지 매년 열리는 현대 미술 전시회에 그들을 포함시켰습니다.[72] 휘트니 미술관의 쇼에 포함된 세례 장면(1945)은 1946년 박물관에 의해 인수되었습니다. 이것은 로스코의 첫 번째 작품으로 박물관 컬렉션에 들어갔으며, 중요한 경력 이정표를 세웠습니다. 세례 장면은 그림 상단에 식별 가능한 세례 분수가 있는 어두운 회갈색 배경에 수채화로 추상화된 세례를 묘사하고 있습니다.[73]

"다형성"

제9호(1948), 2023년 국립미술관에서 작가의 '다형' 그림 예시

1946년, 로스코는 예술 비평가들이 그 이후로 그의 과도기적인 "다형" 그림을 만들었지만, 로스코는 그 용어를 직접 사용한 적이 없습니다. 18번과[74] 무제(모두 1948년)를 포함한 그들 중 몇몇은 완전히 실현된 것보다 덜 과도기적입니다. 로스코 자신은 이 그림들이 더 유기적인 구조를 가지고 있으며, 인간 표현의 독립적인 단위라고 묘사했습니다. 그에게는 신화와 상징은 고사하고 풍경이나 인간의 형상이 없는 다양한 색깔의 이 흐릿한 블록들이 그들만의 생명력을 가지고 있었습니다. 그것들은 그가 그 시대의 가장 비유적인 그림에서 부족하다고 생각했던 "생명의 숨결"을 담고 있었습니다. 그들은 가능성으로 가득 찼지만, 신화적 상징성에 대한 그의 실험은 피곤한 공식이 되었습니다. "다양한 형태"들은 로스코가 그의 특징적인 색 영역인 직사각형의 양식을 실현하도록 만들었고, 그는 평생 동안 계속해서 그것을 만들어냈습니다.[citation needed]

이 중요한 전환의 시기에 로스코는 클리포드 스틸의 추상적인 색채 분야에 깊은 인상을 받았으며, 이는 스틸의 고향인 노스 다코타의 풍경에 부분적으로 영향을 받았습니다.[75] 1947년, 캘리포니아 미술학교에서 여름 학기 동안 가르친 Rothko와 Still은 자신들만의 교육 과정을 설립하자는 아이디어에 대해 시시덕거렸습니다. 1948년, 로스코, 로버트 마더웰, 윌리엄 바지오테스, 바넷 뉴먼, 데이비드 헤어는 이스트 8번가 35번지에 예술가 학교의 과목들을 설립했습니다. 장 아르프(Jean Arp), 존 케이지(John Cage), 애드 라인하르트(Ad Reinhardt)와 같은 연사들이 참석한 가운데 그곳의 잘 참석한 강연들이 대중에게 공개되었지만, 학교는 재정적으로 실패했고 1949년 봄에 문을 닫았습니다.[76][77][78]

같은 해 말에 이 단체가 해체되었지만, 학교는 현대 미술에서 많은 활동의 중심이었습니다. 그의 교사 경험 외에도, Rothko는 Tiger's Eye와 Possibilities라는 두 개의 새로운 예술 출판물에 기사를 기고하기 시작했습니다. 로스코는 포럼을 통해 현재의 예술 현장을 평가하는 기회로 삼아 자신의 작품과 예술 철학에 대해서도 자세히 논의했습니다. 이 기사들은 그의 그림에서 비유적인 요소들을 제거하고 1945년 볼프강 팔렌의 형태와 감각 출판물에 의해 시작된 새로운 우연성 논쟁에 대한 특정한 관심을 반영합니다.[79]

로스코(Rothko)는 자신의 새로운 방법을 "어떤 특정한 것과의 직접적인 연관성과 유기체의 열정"에서 자유로운 "알 수 없는 공간에서의 알려지지 않은 모험"이라고 설명했습니다. 브레슬린은 이러한 태도의 변화를 "자신과 그림 모두 이제는 가능성의 분야이며, 이는 다양성이 허용되는 불확실한 형태의 프로티언의 창조에 의해 전달되는 효과"라고 설명했습니다.[80]

1947년, 그는 베티 파슨스 갤러리(3월 3일부터 22일까지)에서 첫 개인전을 열었습니다.[81] 1949년, 로스코는 그 해 현대 미술관에 인수된 앙리 마티스의 레드 스튜디오에 매료되었습니다. 그는 후에 그것을 자신의 추상화에 대한 또 다른 중요한 영감의 원천으로 생각했습니다.[82][83]

후기

그의 결정적인 형태의 발견은 그의 어머니 케이트가 1948년 10월에 사망했기 때문에 예술가에게 매우 괴로운 시기에 이루어졌습니다. "멀티폼"이 그의 특징적인 스타일로 발전함에 따라 1949년 초까지 로스코는 베티 파슨스 갤러리에서 이 새로운 작품들을 전시했습니다. 평론가 해럴드 로젠버그에게 이 그림들은 폭로에 다름 아니었습니다. 그의 첫 번째 "다형"을 그린 후, 로스코는 롱아일랜드의 이스트 햄프턴에 있는 자신의 집에서 은둔했습니다. 그는 로젠버그를 포함한 소수의 사람들만 이 새로운 그림들을 볼 수 있도록 초대했습니다.

Rothko는 2~3개의 상반되거나 대조적이지만 상호 보완적인 색상의 대칭적인 직사각형 블록을 사용할 때 발생했습니다. 예를 들어, "이 직사각형들은 때때로 땅에서 거의 합쳐지지 않는 것처럼 보입니다. 반면 마젠타, 블랙, 그린 온 오렌지의 녹색 막대는 주변 오렌지에 대해 진동하는 것처럼 보여 광학적 깜박임을 만듭니다."[84]

그 후 7년 동안 로스코는 수직 형식의 대형 캔버스에만 유화를 그렸습니다. 관람자를 압도하기 위해, 또는 로스코의 말을 빌리자면, 관람자가 그림 안에 "포용된" 느낌을 받도록 하기 위해 매우 큰 규모의 디자인이 사용되었습니다. 일부 비평가들에게 큰 사이즈는 부족한 내용을 보충하기 위한 시도였습니다. Rothko는 이에 대한 보복으로 다음과 같이 말했습니다.

역사적으로 큰 그림을 그리는 기능은 매우 웅장하고 웅장한 것을 그리는 것이라는 것을 알고 있습니다. 하지만 제가 그 그림들을 그리는 이유는 바로 제가 아주 친밀하고 인간적이기를 원하기 때문입니다. 작은 그림을 그리는 것은 경험 밖에 자신을 배치하고, 경험을 입체적으로 보거나 축소하는 유리로 보는 것입니다. 아무리 큰 그림을 그려도 그 안에 있습니다. 당신이 명령하는 것이 아닙니다![85]

Rothko는 심지어 시청자들에게 친밀감과 경외감, 개인의 초월, 미지의 감각을 경험할 수 있도록 캔버스에서[86] 18인치 정도 떨어진 곳에 위치할 것을 권장하기까지 했습니다.[citation needed] 로스코가 성공을 거두면서, 그는 자신의 작품들을 점점 더 보호하게 되었고, 잠재적으로 중요한 판매와 전시 기회들을 거절했습니다.

그림은 민감한 관찰자의 눈에 확대되고 빨라지며 우정에 의해 살아갑니다. 같은 토큰으로 죽습니다. 그러므로 그것을 세상에 내보내는 것은 위험하고 감정이 없는 행동입니다. 천박한 사람들의 눈과 보편적으로 고통을 연장시킬 무능한 사람들의 잔인함에 의해 얼마나 자주 영구적으로 손상되어야 합니까![87]

일부 비평가들과 시청자들에게 로스코의 목표는 그의 방법을 초과했습니다.[88] 많은 추상적 표현주의자들은 그들의 예술을 영적인 경험, 또는 적어도 순수한 미학의 경계를 넘어서는 경험을 지향하는 것으로 논의했습니다. 후년에, 로스코는 그의 예술 작품의 정신적인 측면, 즉 로스코 예배당의 건설로 절정에 이를 감정을 더 강조했습니다.[89]

그의 초기 특징적인 그림들 중 많은 것들은 에너지와 황홀함을 표현하는 밝고 활기찬 색들, 특히 빨강과 노랑으로 구성되어 있습니다. 그러나 1950년대 중반까지 로스코는 어두운 파란색과 녹색을 사용하기 시작했으며, 많은 비평가들은 이것이 로스코의 개인 생활 내에서 점점 더 어두워지는 것을 대표한다고 제안했습니다.[90]

기술.

로스코 후기에 어떤 드라마가 등장할지는 비유적 표현이 없는 상황에서 색의 대비를 이루며 서로를 향해 방사됩니다. 그런 다음 그의 그림은 일종의 푸가와 같은 배열에 비유될 수 있으며, 각 변형은 서로 대립되지만 모든 것이 하나의 건축 구조 내에 존재합니다.[citation needed]

이 효과를 얻기 위해 Rothko는 안료가 혼합된 바인더의 얇은 층을 코팅되지 않은 캔버스와 처리되지 않은 캔버스에 직접 도포하고 상당히 얇은 오일을 이 층에 직접 칠하여 중첩된 색상과 모양의 조밀한 혼합물을 만들었습니다. 그의 목표 중 하나는 그림의 다양한 층을 색의 혼합 없이 빠르게 건조시켜 그가 곧 이전 층 위에 새로운 층을 만들 수 있도록 하는 것이었습니다. 그의 붓 놀림은 빠르고 가벼웠고, 그는 죽을 때까지 계속 사용할 방법이었습니다.[91] 이 방법에 대한 그의 점점 더 능숙해지는 솜씨는 예배당을 위해 완성된 그림에서 분명히 드러납니다.

로스코는 그의 조수들로부터조차 비밀을 지키려고 노력했던 몇 가지 독창적인 기술들을 사용했습니다. MOLAB이 실시한 전자현미경과 자외선 분석 결과, 달걀과 접착제 같은 천연물질과 아크릴 수지, 페놀포름알데히드, 변성알키드 등을 포함한 인공물질을 사용한 것으로 나타났습니다.[92]

1968년 건강이 악화된 로스코는 그의 큰 작품 대부분을 기름 대신 아크릴 물감으로 칠하기 시작했습니다.[93]

유럽 여행과 명성의 증대.

로스코와 그의 아내는 1950년 초 5개월 동안 유럽을 방문했습니다.[82] 그가 마지막으로 유럽에 간 것은 라트비아에서 어린 시절, 그 당시 러시아의 일부였습니다. 그러나 그는 영국, 프랑스, 이탈리아의 주요 박물관에 있는 중요한 그림 컬렉션을 방문하는 것을 선호하여 고국으로 돌아가지 않았습니다. 피렌체의 산마르코 수도원에 있는 프라 안젤리코의 프레스코화는 그에게 가장 깊은 인상을 주었습니다. 프라 안젤리코의 영성과 빛에 대한 집중력은 로스코의 감성에 호소했고, 로스코가 자신의 것과 비슷하다고 본 예술가가 직면한 경제적 어려움도 마찬가지였습니다.[94]

로스코는 1950년과 1951년에 베티 파슨스 갤러리와 일본, 상파울로, 암스테르담을 포함한 전 세계의 다른 갤러리에서 원맨쇼를 열었습니다. 도로시 캐닝 밀러가 현대 미술관에서 큐레이션한 1952년 "15명의 미국인" 쇼는 추상 예술가들을 공식적으로 예고했고 잭슨 폴록과 윌리엄 바지오테스의 작품을 포함했습니다.[95][96] 뉴먼이 로스코를 쇼에서 제외시키려 했다고 비난한 후, 그것은 로스코와 바넷 뉴먼 사이에 분쟁을 일으켰습니다. 그룹으로서 성공이 커지면 내분과 패권과 리더십의 주장으로 이어졌습니다.[97] 1955년 포춘지가 로스코 그림을 좋은 투자품으로 선정했을 때,[98] 뉴먼과 클리포드 스틸은 그를 부르주아적인 열망을 가진 매진자로 낙인찍었습니다. 여전히 로스코에게 몇 년 동안 그가 준 그림들을 돌려달라고 편지를 썼습니다. 로스코는 전 친구들의 질투심에 깊이 우울해 했습니다.[citation needed]

1950년 유럽 여행 중에 Rothko의 아내 Mell이 임신을 했습니다. 12월 30일, 그들이 뉴욕으로 돌아왔을 때, 그녀는 로스코의 어머니 케이트 골딘을 기리기 위해 "케이트"라고 불리는 딸 캐시 린을 낳았습니다.[99]

그 자신의 성공에 대한 반응

얼마 지나지 않아 포춘지 플러그와 고객들의 추가 구매로 인해 Rothko의 재정 상황은 개선되기 시작했습니다. 그는 그림 판매 외에도 브루클린 칼리지에서 가르치는 자리에서 돈을 벌었습니다. 1954년 그는 시카고 아트 인스티튜트(Art Institute of Chicago)에서 열린 단독 전시회에서 폴록(Pollock)과 프란츠 클라인(Franz Kline)을 대표하는 미술상 시드니 야니스(Sidney Janis)를 만났습니다. 그들의 관계는 상호 이익이 되었습니다.[100]

그의 명성에도 불구하고, Rothko는 점점 더 개인적인 은둔과 예술가로서 오해를 받는 느낌을 받았습니다. 그는 사람들이 단순히 유행을 타지 못해 그의 그림을 구입했으며 수집가, 비평가, 관객들이 그의 작품의 진정한 목적을 파악하지 못하고 있다고 우려했습니다. 그는 자신의 그림이 추상화를 넘어 고전 미술을 뛰어넘기를 원했습니다. 로스코에게 그 그림들은 그들만의 형태와 잠재력을 지닌 대상이었고, 그렇게 마주쳐야 했습니다. 로스코는 자신의 작품에서 확실히 비언어적인 이 측면을 묘사하는 데 있어 말이 무의미하다는 것을 감지하고, 그 의미와 목적을 묻는 사람들에게 대답하려는 모든 시도를 포기하고, 마침내 침묵이 "너무 정확하다"고 말했습니다.

내 그림의 표면은 넓고 사방으로 바깥쪽으로 밀리거나 표면이 수축하여 사방으로 안으로 돌진합니다. 이 두 극 사이에서 제가 말하고 싶은 모든 것을 찾을 수 있습니다.[citation needed]

로스코는 그가 추상주의자가 아니며 그러한 묘사는 그를 위대한 색채주의자라고 부르는 것만큼 부정확하다고 주장하기 시작했습니다. 그의 관심사는 다음과 같습니다.

기본적인 인간의 감정을 표현할 때만, tragedy, 황홀경, 파멸 등을 표현할 수 있습니다. 그리고 많은 사람들이 내 사진을 보고 울기도 한다는 사실은 내가 그 기본적인 인간의 감정을 전달할 수 있다는 것을 보여줍니다. 제 그림 앞에서 우는 사람들은 제가 그림을 그릴 때와 같은 종교적 경험을 하고 있습니다. 그리고 당신이 말하는 것처럼 그들의 색 관계에만 감동한다면, 당신은 요점을 놓치게 됩니다.[101]

로스코에게 색채는 "단순히 하나의 도구"였고,[102] 서명화는 그의 초현실주의 신화화와 같은 인간의 기본적인 감정을 표현하는 단순하고 순수한 형태에 불과했습니다. 그의 그림 앞에서 눈물을 흘리며 무너지는 시청자들에 대한 Rothko의 코멘트는 드 메닐 사람들이 Rothko 예배당을 짓도록 설득했을지도 모릅니다. 그가 1950년대 후반쯤 힝하며 나이가 들면서, 캔버스에 묘사하려는 영적인 표현은 점점 어두워졌고, 그의 밝은 빨간색, 노란색, 그리고 오렌지는 짙은 파란색, 녹색, 회색, 그리고 검은색으로 미묘하게 변형되었습니다.[103]

로스코의 친구인 미술평론가 도레 애슈턴은 이 시기에 작가와 시인 스탠리 쿠니츠의 친분을 중요한 유대관계로 지적합니다("로스코의 사업에 투입된 화가와 시인의 대화"). 쿠니츠는 로스코를 "마법의 공식을 발견하고 사람들을 그곳으로 이끄는 원시인, 무당"으로 보았습니다. 쿠니츠는 위대한 시와 그림 모두 "마법, 주문, 주문 주조에 뿌리를 두고 있으며, 그 핵심은 윤리적이고 영적이라고 믿었습니다. 쿠니츠는 본능적으로 로스코의 탐구 목적을 이해했습니다.[104]

1958년 11월, 로스코는 프랫 연구소에서 연설을 했습니다. 그에게 특이한 테너로, 그는 예술을 무역으로 논의했고, 예술을 제안했습니다.

예술작품의 조리법-그 재료-그것을 만드는 방법-공식

  1. 죽음에 대한 명확한 선입견이 있어야 합니다. 사망에 대한 추정... 비극적 예술, 낭만적 예술 등은 죽음에 대한 지식을 다룹니다.
  2. 관능미. 세상에 대해 구체적으로 말하는 우리의 기초. 그것은 존재하는 것들과의 음탕한 관계입니다.
  3. 긴장. 갈등이나 억제된 욕망 둘 중 하나.
  4. 아이러니하게도, 이것은 현대적인 재료입니다. 사람이 순간적으로 다른 것으로 갈 수 있는 자기 만족과 검사입니다.
  5. 위트 앤 플레이... 인간적인 요소를 위해.
  6. 덧없고 우연한 일... 인간적인 요소를 위해.
  7. 희망. 10%는 비극적인 개념을 더 견딜 수 있도록 하기 위한 것입니다.

저는 그림을 그릴 때 이 성분들을 매우 신중하게 측정합니다. 이들 요소를 따르는 것은 항상 형태이며 그림은 이들 요소의 비율에서 비롯됩니다.[105]

씨그램 벽화 –포시즌스 레스토랑 커미션

주요 기사: 씨그램 벽화

1958년, Rothko는 두 개의 주요 벽화 위원회 중 첫 번째 작품을 수상했는데, 이것은 보람 있고 좌절감을 동시에 증명했습니다.[106] 음료 회사인 조셉 시그램과 손스는 최근 건축가 미즈 반 데어 로에와 필립 존슨이 설계한 파크 애비뉴의 새로운 시그램 빌딩 고층 건물을 완공했습니다. 로스코는 이 건물의 새로운 고급 레스토랑인 포시즌스에 그림을 제공하기로 동의했습니다. 미술사학자 사이먼 샤마가 말했듯이, 이것은 "그의 기념비적인 드라마들을 야수의 뱃속으로 바로 끌어들이는 것"이었습니다.[107]

Rothko에게 이 Seagram 벽화 위원회는 새로운 도전을 제시했는데, 그는 처음으로 조정된 일련의 그림을 디자인할 뿐만 아니라 크고 구체적인 인테리어를 위한 예술 작품 공간 컨셉을 제작해야 했기 때문입니다. 그 후 3개월 동안, 로스코는 짙은 빨간색과 갈색으로 된 세 개의 전체 시리즈로 구성된 40점의 그림을 완성했습니다. 그는 기둥, 벽, 문, 창문 등 레스토랑의 수직적 특징을 보완하기 위해 수평 형식을 수직으로 변경했습니다.[citation needed]

그 다음 6월, Rothko와 그의 가족은 다시 유럽으로 여행을 갔습니다. SS 인디펜던스에 있을 때, 그는 하퍼스 매거진의 발행인인 기자 존 피셔에게 시그램 벽화에 대한 그의 진정한 의도는 "그 방에서 먹는 모든 개자식들의 식욕을 망치는 것"을 그리는 것이라고 밝혔습니다. 그는 피셔에게 자신의 그림이 식당 손님들이 "모든 문과 창문이 벽돌로 된 방에 갇혀 있다는 느낌을 받게 해서 그들이 할 수 있는 일은 영원히 벽에 머리를 부딪치는 것뿐"이라고 희망했습니다.[108]

로랑 도서관의 전부인.
신비의 별장에 있는 프레스코화.

유럽에 있는 동안, 로스코스 가족은 로마, 피렌체, 베니스, 폼페이를 여행했습니다. 피렌체에서 그는 도서관의 전정을 직접 보기 위해 미켈란젤로의 라우렌시아 도서관을 방문했고, 그곳에서 벽화에 대한 더 많은 영감을 얻었습니다.[109] 그는 "그 방은 내가 원하는 것과 정확히 일치했다. 방문객에게 문이나 창문이 닫힌 방에 갇힌 느낌을 줍니다." 그는 폼페이우스 신비의 별장에 있는 벽화의 침침한 색상에 더 영향을 받았습니다.[110] 로스코호는 이탈리아 여행에 이어 파리, 브뤼셀, 앤트워프, 암스테르담을 항해한 뒤 런던으로 가서 대영박물관에서 터너 수채화를 연구하며 시간을 보냈습니다. 그리고 나서 그들은 서머셋으로 여행을 가서 거대한 벽화 프로젝트를 막 시작한 예술가 윌리엄 스콧과 함께 머물렀고, 그들은 공공 및 민간 후원이라는 각각의 문제에 대해 논의했습니다.[111] 방문 후 로스코스 가족은 세인트로 계속 갔습니다. Ives는 영국 서부에서 Patrick Heron과 다른 Cornish 화가들을 만나 런던과 미국으로 돌아갔습니다.[citation needed]

뉴욕으로 돌아온 Rothko와 그의 아내 Mell은 거의 완성된 Four Seasons 식당을 방문했습니다. 가식적이고 작품 전시에 적합하지 않다고 생각한 레스토랑의 식사 분위기에 화가 난 로스코는 프로젝트를 계속하는 것을 거부하고 현금 선불금을 씨그램 앤 선즈 컴퍼니에 반환했습니다. 시그램은 로스코의 발탁을 통해 유명세를 탄 로스코를 기릴 생각이었고, 그의 계약 위반과 공개적인 분노 표현은 예상치 못한 일이었습니다.[citation needed]

로스코는 의뢰받은 그림들을 1968년까지 보관해왔습니다. 로스코가 그 식당의 호화로운 장식과 미래의 손님들의 사회적 계층에 대해 미리 알고 있었다는 것을 감안할 때, 비록 그가 영국에 있는 그의 친구 윌리엄 스콧에게 편지를 썼지만, 그의 갑작스러운 거절의 동기는 여전히 수수께끼로 남아 있습니다. "우리는 각자의 벽화에 대해 논의했기 때문에, 저는 여러분이 제 벽화가 아직도 저와 함께 있다는 것을 알고 싶어할지도 모른다고 생각했습니다. 제가 돌아왔을 때, 저는 제 그림들을 다시 보고 그 그림들이 있는 장소들을 방문했고, 그 두 그림들이 서로를 위한 것이 아니라는 것이 제게 단번에 분명해 보였습니다."[112] 기질적인 성격인 로스코는 그 사건에 대한 자신의 갈등하는 감정들을 완전히 설명하지 않았습니다.[113] 그의 전기 작가인 James E.B는 한 권의 책을 제공합니다. 브레슬린: 시그램 프로젝트는 친숙한 사람의 연기로 볼 수 있습니다. 이 경우 스스로 만든 "신뢰와 배신, 세계로 진출한 다음 분노하며 세계에서 철수하는 드라마"... 그는 마지막 순간에 아브라함에게 양보하기를 거부한 이삭이었습니다.'[114] 씨그램 벽화의 마지막 시리즈는 분산되었고, 현재 런던의 테이트 브리튼, 일본의 가와무라 기념 박물관, 워싱턴 D.C.의 국립 미술관 등 세 곳에 걸려 있습니다.[115] 이 에피소드는 존 로건의 2009년 연극 레드의 주요 근거가 되었습니다.[citation needed]

2012년 10월, 시그램 시리즈의 그림 중 하나인 블랙 온 마룬(Black on Maroon)은 테이트 모던(Tate Modern)에서 전시되는 동안 검은색 잉크로 글씨가 지워졌습니다. 이 그림을 복원하는 데 18개월이 걸렸습니다. BBC의 아트 에디터 윌 곰퍼츠는 반달의 마커 펜에서 나온 잉크가 캔버스를 통해 쭉 피를 흘려 "표면적인 방목이 아닌 깊은 상처"를 일으켰으며, 반달이 "중대한 손상"을 일으켰다고 설명했습니다.[116][117]

떠오르는 미국의 명성

로스코의 첫 번째 완성된 공간은 수집가 던컨 필립스가 네 점의 그림을 구입한 후 워싱턴 D.C.에 있는 필립스 컬렉션에서 만들어졌습니다. 로스코의 명성과 재산은 상당히 증가했고, 그의 그림들은 록펠러 가문을 포함한 유명한 수집가들에게 팔리기 시작했습니다. 1961년 1월, 로스코는 존 F.의 조지프 케네디 옆에 앉았습니다. 케네디의 첫 무도회. 그 해 말, 그의 작품 회고전이 현대 미술관에서 열려 상업적, 비평적으로 상당한 성공을 거두었습니다. 이 새로운 명성에도 불구하고, 예술계는 이미 현재의 수동적인 추상 표현주의자들로부터 "차세대의 큰 것", 특히 워홀, 리히텐슈타인, 로젠퀴스트의 작품으로 관심을 돌렸습니다.[citation needed]

로스코는 팝 아티스트들을 "샤를라탄과 젊은 기회주의자"라고 불렀고, 1962년 팝 아트 전시회에서 "젊은 아티스트들이 우리 모두를 죽이려 획책하고 있는가?"라고 큰 소리로 궁금해했습니다. 재스퍼 존스의 깃발을 보면서 로스코는 "우리는 그 모든 것을 없애기 위해 몇 년 동안 일했습니다."라고 말했습니다.[118]

1963년 8월 31일, 멜은 둘째 크리스토퍼를 낳았습니다.[119] 그해 가을, 로스코는 말버러 갤러리와 그의 작품을 미국 밖에서 판매하기 위해 계약을 맺었습니다. 뉴욕에서 그는 작업실에서 직접 작품을 계속 팔았습니다.[120]

하버드 벽화

로스코는 이번에 하버드 대학 홀리요크 센터의 펜트하우스를 위한 그림방을 위한 두 번째 벽화 의뢰 프로젝트를 받았습니다. 그는 22개의 스케치를 만들었는데, 그 중 10개의 벽 크기의 그림이 캔버스에 그려졌고, 6개는 메사추세츠 캠브리지로 가져왔고, 단지 5개가 걸려 있었습니다: 하나의 벽에 있는 세 폭의 그림과 두 개의 개별 패널 맞은편에 있는 세 폭의 그림. 그의 목표는 공공 장소를 위한 환경을 만드는 것이었습니다. 하버드 총장 네이선 푸시는 트립티크의 종교적 상징성에 대한 설명에 이어 1963년 1월 이 그림들을 걸었고, 이후 구겐하임에서 전시되었습니다. 설치하는 동안, Rothko는 그 그림들이 방의 조명에 의해 손상되는 것을 발견했습니다. 섬유유리 음영을 설치했음에도 불구하고 1979년까지 그림들은 모두 제거되었고, 일부 붉은 색소, 특히 리톨 레드의 도망치는 특성 때문에 암매장에 보관되어 주기적으로만 전시되었습니다.[121] 이 벽화들은 2014년 11월 16일부터 2015년 7월 26일까지 새롭게 단장한 하버드 미술관에서 전시되었는데, 이 박물관은 그림을 밝히기 위해 혁신적인 컬러 프로젝션 시스템을 사용하여 안료의 퇴색을 보상했습니다.[122][123][124][125]

로스코 예배당

북미 텍사스 휴스턴에 있는 로스코 예배당.
주요 기사: 로스코 예배당

로스코 예배당은 메닐 컬렉션과 세인트 대학교와 인접해 있습니다. 텍사스 휴스턴에 있는 토마스. 건물은 창이 없고 창이 없으며 기하학적인 포스트모던 구조가 특징입니다. 예배당, 메닐 컬렉션, 그리고 근처의 사이톰블리 갤러리는 텍사스의 석유 백만장자 존과 도미니크 드 메닐이 자금을 지원했습니다.

뉴욕 어퍼 이스트 사이드 이스트 69번가 153번지에 있는 로스코의 작업실

1964년, 로스코는 이스트 69번가 157번지에 있는 그의 마지막 뉴욕 스튜디오로 이사했습니다. 예배당을 위해 원하는 조명을 시뮬레이션하기 위해 그는 중앙 큐폴라에서 나오는 빛을 조절하기 위해 캔버스 소재의 큰 벽을 운반하는 도르래를 스튜디오에 장착했습니다. 전하는 바에 따르면, 로스코는 예배당을 그의 가장 중요한 예술적 진술로 의도했다고 합니다. 그는 건물 배치에 매우 관여하게 되었고 그의 스튜디오처럼 중앙 큐폴라가 있다고 주장했습니다. 건축가 필립 존슨(Philip Johnson)은 공간에서 원하는 빛의 종류에 대한 로스코(Rothko)의 비전과 타협하지 못하고 1967년 프로젝트를 떠나 하워드 밴스톤(Howard Barnstone)과 유진 오브리(Eugene Aubry)로 대체되었습니다.[126] 건축가들은 상담을 위해 자주 뉴욕으로 날아갔습니다. 한 번은 로스코의 승인을 받기 위해 건물의 미니어처를 가져왔습니다.[127]

로스코에게 예배당은 예술의 중심(이 경우 뉴욕)에서 멀리 떨어진 순례의 장소로 그의 새로운 "종교적" 예술 작품을 찾는 사람들이 여행할 수 있었습니다. 이 예배당은 현재 비종교적이지만, 원래 로마 가톨릭교회로 의도되었습니다. 프로젝트의 첫 3년(1964-67) 동안, Rothko는 그것이 계속 유지될 것이라고 믿었습니다. 건물의 디자인과 그림의 종교적 의미는 로마 가톨릭 예술과 건축에서 영감을 받았습니다. 그것의 팔각형 모양은 비잔틴 양식의 성 교회를 기반으로 합니다. 마리아 아순타, 그리고 삼부작의 형식은 십자가에 못박힌 그림을 바탕으로 합니다. 드 메닐인들은 로스코의 작품의 보편적인 "영적인" 측면이 로마 가톨릭의 요소들을 보완할 것이라고 믿었습니다.[127]

로스코의 그림 기법은 병든 예술가가 더 이상 참을 수 없는 체력과 체력을 필요로 했습니다. 그는 여러 겹의 페인트를 칠하기 위해 두 명의 조수를 고용했습니다. 로스코는 작품의 절반에 페인트를 칠하지 않았고 느리고 고된 과정을 감독하는 데 만족했습니다. 그는 그림의 완성을 '고뇌'로 느꼈고, 필연적인 결과는 '보고 싶지 않은 것'을 만들어 내는 것이었습니다.[127]

이 예배당은 로스코의 6년간의 삶과 초월자에 대한 그의 커져가는 관심을 나타냅니다. 어떤 사람들에게는 예배당의 이 그림들을 보는 것은 영적인 경험에 복종하는 것과 같습니다. 그 그림들은 자기 인식, 해석학, 사색에 비유되어 왔습니다.[127]

예배당 그림은 중앙 벽에 있는 부드러운 갈색의 단색 3중창으로 구성되어 있으며, 3개의 가로 5피트, 세로 15피트의 패널과 불투명한 검은색 직사각형으로 만들어진 한 쌍의 3중창으로 구성되어 있습니다. 세 폭의 그림 사이에는 각각 11 x 15 피트 크기의 4개의 개별 그림이 있습니다. 하나의 추가적인 개별 그림은 반대쪽 벽에서 중앙 세 폭형을 향합니다. 그 효과는 거대하고 당당한 어둠의 환영으로 시청자를 둘러싸는 것입니다. 종교적 상징성과 이미지에 기반을 두고 있음에도 불구하고, 그 그림들은 전통적인 기독교 모티브와 구별되는 것으로 여겨질 수 있고 관람객들에게 최소한으로 작용할 수 있습니다. 로스코의 상징 지우기는 작품에 대한 장벽을 제거하고 장벽을 만듭니다.[127]

이 그림들은 1971년 예배당의 개관식에서 공개되었습니다. 로스코는 완성된 예배당을 본 적이 없으며 그림을 설치한 적도 없습니다. 1971년 2월 28일 헌정식에서 도미니크 드 메닐(Dominique de Menil)은 "우리는 이미지로 어수선하고 추상적인 예술만이 우리를 신의 문턱으로 데려갈 수 있다"고 말하면서 색채의 "침투할 수 없는 요새"를 그리는 로스코의 용기에 주목했습니다.[127]

자살 및 재산권 소송

1968년 초, Rothko는 가벼운 대동맥류를 진단받았습니다. 그는 의사의 지시를 무시하고 술과 담배를 계속 많이 피우고 운동을 피하고 건강하지 못한 식단을 유지했습니다. "고도로 긴장하고, 가늘고, 안절부절못하고"는 그의 친구 도레 애슈턴이 이때 로스코에 대해 묘사한 것입니다.[128] 그러나 Rothko는 1야드보다 더 큰 그림을 그리지 말라는 의학적 충고를 받아들였고, 종이에 아크릴을 포함하여 더 작고 덜 육체적으로 힘든 형식으로 관심을 돌렸습니다. 한편, 그의 결혼 생활은 점점 더 어려워졌고, 동맥류로 인한 그의 건강 악화와 무능함은 그의 관계에 대한 소원함을 가중시켰습니다.[129] 로스코와 멜은 그가 1944년부터 1970년까지 결혼한 후 1969년 새해 첫날에 헤어지고 그의 작업실로 이사했습니다.[130]

1970년 2월 25일, 로스코의 조수인 올리버 스타인데커는 싱크대 앞 부엌 바닥에 피투성이가 된 채 쓰러져 있는 예술가를 발견했습니다. 그는 바르비투레이트를 과다 복용하고 면도날로 오른팔의 동맥을 절단했습니다.[131] 유서는 없었습니다. 향년 66세. 시그램 벽화는 그가 자살한 날 테이트 갤러리에 전시하기 위해 런던에 도착했습니다.[132]

그의 삶이 끝날 무렵, 로스코는 회색 직사각형 위에 균일하게 검은 직사각형을 특징으로 하는 "회색 위의 검은 직사각형"이라고 알려진 시리즈를 그렸습니다. 이 캔버스들과 로스코의 후기 작품들은 전반적으로 그의 우울증과 자살과 관련이 있지만 협회는 비판을 받았습니다.[133] 로스코의 자살은 의학 문헌에서 연구되어 왔으며,[134] 이후 그의 그림은 침침한 팔레트로 인해 "그림의 자살 노트"로 해석되었으며, 특히 로스코가 1950년대에 더 자주 사용한 밝은 색상과 대조적입니다.[135] 미술평론가 데이비드 안팜은 블랙 앤 그레이가 자살의 전조이거나 "달의 풍경"으로 해석된다는 것을 인정했지만, 그는 "순수하다"는 해석을 거부했습니다. 대신 그 그림들은 그의 평생 예술적 주제의 연속이며 우울증의 증상이 아니라고 주장했습니다.[136] 수잔 그레인지(Susan Grange)는 동맥류가 발생한 후, 로스코(Rothko)가 덜 알려진 라이터(light) 색상을 사용하여 종이에 몇 개의 작은 작품을 실행하는 것을 관찰했습니다.[137] 그의 일생 동안 로스코는 특정한 그림에 사용된 색상에 상관없이 그의 작품들이 진지한 극적인 내용을 불러일으키기를 지속적으로 의도했습니다. 한 여성이 따뜻한 색이 특징인 "행복한" 그림을 사달라고 부탁하며 그의 스튜디오를 방문했을 때, 로스코는 "붉은, 노란, 오렌지 – 그것들은 지옥의 색들이 아닌가요?"[138]라고 되받아쳤습니다.

뉴욕 이스트 마리온에 있는 로스코의 무덤.

그가 사망하기 직전, 로스코와 그의 재정 고문인 버나드 레이스는 그의 사망 후에 로스코의 연구의 대부분을 받은 "연구와 교육"에 자금을 지원하기 위한 재단을 만들었습니다. 리스는 이후 이 그림들을 말버러 갤러리에 상당히 낮은 가격으로 판매한 다음 갤러리 대표들과 판매 수익을 나누었습니다. 1971년, 로스코의 자녀들은 가짜 판매로 인해 레이즈, 모튼 레빈, 시어도어 스타모스를 그의 재산의 집행자로 고소했습니다. 소송은 10년 넘게 이어졌고 로스코 사건으로 알려지게 됐습니다. 1975년 피고들은 과실과 이해상충에 대한 책임이 인정되었고, 법원 명령에 의해 로스코 영지의 집행자로 해임되었으며, 말버러 갤러리와 함께 영지에 대한 920만 달러의 손해배상금을 지불해야 했습니다. 이 금액은 수많은 로스코 작품의 최종 가치의 극히 일부에 불과합니다.[139]

술을 많이 마시는 로스코의 별거 중이던 아내 멜은 로스코가 48세의 나이로 죽은 지 6개월 만에 세상을 떠났습니다. 사인은 '심혈관질환으로 인한 고혈압'으로 기재됐습니다.[131]

유산

로스코의 캔버스 전 작품 836점은 미술사가 데이비드 안팜이 마크 로스코에서 목록화한 것입니다. 캔버스의 작품들: 카탈로그 레이슨네 (1998), 예일 대학 출판부.[citation needed]

그의 아들 크리스토퍼가 편집한 예술에 대한 그의 철학에 관한 이전에 출판되지 않은 Rothko의 원고인 The Artist's Reality (2004)가 예일 대학 출판부에 의해 출판되었습니다.[citation needed]

로스코의 삶을 바탕으로 한 존 로건의 희곡 레드가 2009년 12월 3일 런던의 돈마르 창고에서 개봉했습니다. 알프레드 몰리나와 에디 레드메인이 출연한 이 연극은 시그램 벽화의 시대를 중심으로 펼쳐졌습니다. 이 드라마는 우수한 평가를 받았고 보통 만원까지 재생되었습니다. 2010년에 레드는 브로드웨이에 문을 열었고, 그곳에서 최우수 연극상을 포함하여 6개의 토니상을 수상했습니다. 몰리나는 런던과 뉴욕에서 로스코 역을 맡았습니다. 레드의 녹음은 2018년 그레이트 퍼포먼스를 위해 제작되었으며, 몰리나는 로스코를 연기하고 알프레드 에녹은 그의 조수를 연기했습니다.[140]

로트코의 생가에서는 조각가 로무알드 지보프스키가 디자인한 그의 기념물인 라트비아의 도시 다우가브필스가 2003년 다우가바 강둑에서 공개됐습니다.[141] 2013년에 마크 로스코 아트 센터는 로스코 가족이 그의 오리지널 작품을 소량 기증한 후 다우가프필스에 문을 열었습니다.[142]

많은 로스코의 작품들은 마드리드에 있는 국립 미술관(Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía[143])과 티센-보르네미자 박물관(Thysen-Bornemisza Museum)에 의해 소장되어 있습니다.[144] 넬슨 A 주지사. 뉴욕 올버니에 있는 록펠러 엠파이어 스테이트 플라자 아트 컬렉션에는 로스코의 그림 무제(1967)와 알 헬드의 대형 벽화, 로스코의 캔버스(1969–70)가 모두 포함되어 있습니다.[145]

패션 디자이너 휴버트 드 지방시(Hubert de Givenchy)는 1971년 로스코(Rothko)에서 영감을 받은 직물을 선보였습니다.[146] 아담 쇤베르크의 "Rothko를 찾아서"(2006)[147]와 안나 클라인의 "Color Field"(2020)를 포함한 많은 음악 작곡이 Rothko의 작품에서 영감을 얻었습니다.[148]

재판매시장

1967년, 예술 수집가 리차드 페이겐은 빨간 로스코 그림 한 점을 22,000달러에 베를린 국립 갤러리에 팔았다고 말했습니다.[149]

2003년 11월, 69 x 64인치 (180 x 160cm) 크기의 1963년 작 빨간색과 갈색의 로스코 그림이 7,175,000달러에 팔렸습니다.[150] 2005년 11월, 로스코의 마티스에 대한 오마주 (1954)는 공개 경매에서 2,250만 달러에 팔리며 전후 그림 기록을 깼습니다.[151] 2007년 5월, Rothko의 그림 White Center (Yellow, Pink, Lavender on Rose) (1950)는 뉴욕의 소더비에서 7,280만 달러에 팔리며 이 기록을 다시 깼습니다. 이 그림은 경매에 참석한 은행가 데이비드 록펠러에 의해 팔렸습니다.[152]

2011년 5월 크리스티는 이전에 알려지지 않은 로스코 그림을 팔았는데, 이 작품이 836번으로 그 비중을 차지했습니다. 해당 작품은 전문가 인증을 거쳐 기존 835개 작품의 로스코 카탈로그에 추가되었습니다. 1961년에 제작된 이 새로 발견된 그림 '무제, #17'은 한 개인 수집가가 이 그림을 작가로부터 직접 샀다고 주장하며 매물로 내놓으면서 세상에 알려졌습니다. 황토색 바탕에 빨간색과 분홍색으로 캔버스에 그린 7피트 높이의 유화로 1300만 달러의 주택 입찰가로 시작해 3000만 달러에 팔렸습니다.[153]

2012년 5월, 로스코의 작품 오렌지, 레드, 옐로우(1961; Anfam's catalog raisonné)는 뉴욕의 크리스티에 의해 86,862,500달러에 팔렸고, 공개 경매에서 전후 그림의 명목 가치 기록을 세우고 가장 비싼 그림 목록에 올랐습니다.[154][155][156][157] 2012년 11월, 뉴욕에서 열린 소더비 경매에서 그의 1954년 그림 1호(로열 레드 앤 블루)가 7,510만 달러에 팔렸습니다.[158]

2014년, Rothko의 No. 21 (1953)은 4,496만 5,000달러에 팔렸습니다. 이 그림은 피에르와 상 슐룸베르거 컬렉션의 일부였습니다.[159][160] 2014년 5월, 마이크로소프트의 공동 창업자 폴 알렌이 소유하고 있던 무제(Red, Blue, Orange)(1955)가 5,620만 달러에 팔렸습니다.[161] 2014년 11월, 갈색의 두 가지 색조를 가진 더 작은 로스코 그림이 300만 달러에서 400만 달러 사이의 범위 내에서 350만 달러에 팔렸습니다.[162]

2015년 5월, 뉴욕에서 열린 소더비 경매에서 무제(Yellow and Blue) (1954)가 4,650만 달러에 팔렸습니다.[163] 그 그림은 Rachel Mellon에 의해 소유되었습니다.[164] 그 달, 뉴욕에서 열린 크리스티 경매에서 10호 (1958)가 8,190만 달러에 팔렸습니다.[160]

2016년 5월, 17번 (1957)은 이탈리아 수집가에 의해 크리스티에서 3,260만 달러에 팔렸습니다.[165]

2018년 11월, 무제(Rust, Blacks on Plum) (1962)는 크리스티 경매에서 3,500만 달러에서 4,[167]500만 달러의 추정 가격으로 제안되었습니다.[166]

2021년 11월 15일, 7번(1951)은 매클로즈 컬렉션의 일부로 소더비에 의해 경매에서 제시되었습니다. 예상 가격은 7천만 달러에서 9천만 달러로 아시아의 구매자에게 8천250만 달러에 팔렸습니다.[168]

서지학

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참고 항목

추가읽기

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원천

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외부 링크

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