밍게이

민예(民ei)의 개념은 1920년대 중반 일본의 철학자이자 미학자인 야나기 소에쓰(agi城小 (, 1889~1961)가 도예가 하마다 쇼지( (田 shō, 1894~1978), 가와이(ai kan) 등 장인과 함께 개발한 것이다.이와 같이, 일본이 급속한 서구화, 산업화, 도시 성장을 하고 있던 시기에, 「고급」예술로부터, 통상의 공예품이나 기능 용구(도기, 칠기, 직물 등)를 구별하기 위한 의식적인 시도였다.따라서 어떤 면에서는 민가이는 일본의 급속한 근대화 ^[1][2]과정에 대한 반작용으로 볼 수 있다.

오리진스

젊은 시절, 야나기는 이왕조(1392-1910) 도자기를 좋아하게 되었고, 1916년에 처음으로 한국에 왔다.그곳에서 그는 특히 한국의 장인들이 만든 도자기를 수집하기 시작했다.야나기 씨는 이조시대 도자기가 '이름 없는 장인'에 의해 만들어졌다는 것을 깨닫고 일본에도 비슷한 '예술 형식'이 있어야 한다고 느꼈다.그래서 귀국하자마자 그는 자신의 나라의 풍부한 문화유산에 관심을 갖게 되었고 사라져가는 공예품들을 수집하기 시작했다.그의 수집품에는 일본 본토뿐만 아니라 오키나와와 홋카이도(아이누)에서 온 목공예, 칠기, 도자기, 직물 등이 있었다.

따라서, 일본 민속 공예 운동이 된 것은 야나기가 1924년 서울의 옛 궁궐 건물 중 하나에 한국 민속 공예 박물관을 설립한 초기 한국에 대한 관심 덕분이었다.이듬해 하마다 쇼지와 카와이 칸지로라는 두 도예가 친구와 많은 논의를 한 끝에 장인의 작품을 묘사하기 위해 만든 문구는 민게이(明 ()였다.이것은 민슈(民州)와 공예(工業)라는 뜻의 고게이(高 ()에서 유래한 혼합어였다.야나기 자신은 민가이를 개인에서 영감을 받은 높은 예술로 생각하는 것을 막고 ^[3]싶었기 때문에 그것을 영어로 "민예" (민예)라고 영어로 번역했다.

일본 공예의 아름다움에 대한 일반인의 이해가 필요하다는 것을 깨달은 야나기는 일련의 기사, 책, 강연에서 자신의 견해를 전파하기 시작했고, 그의 첫 번째 전집인 '공예의 길'은 1928년에 출판되었다.1931년, 잡지 「고게이」를 창간해, 그와 같은 생각을 가진 친한 친구들과 의견을 교환했다.야나기는 1926년에 정식으로 민속 공예 운동의 창설을 선언했지만, 실제로는 이 잡지의 발행으로부터 시작되었고, 그 내용을 읽은 결과 야나기의 추종자가 크게 증가했습니다.1952년 제2지 민게이(明 (, 1939년 창간)에 흡수되었다.1936년, 몇몇 부유한 일본인 사업가들의 자금 지원을 받아, 야나기는 일본 민속 공예 박물관을 설립할 수 있었고, 3년 후인 1939년에는 제2의 잡지인 민게이를 창간했다.1931년 ^[4]설립된 일본민예협회(日本民 ky京會)의 공식 기관이다.

그러므로 민속 공예 운동의 3징후:(1)민속 공예 박물관은 참으로"mingei"고 야나기는"미의 표준"을 수립해야 하는 의도한 보지는 물건들을,[5], 그리고(3)민속 공예 협회 일본 전체와 두 월간 잡지를 발행한다 야나기의 이상을 촉진한다(2) 있다.월東京의 대형 민속 공예 소매점 「Takumi(),),)」.^[6]

이론.

민가의 철학적 기둥은 '보통 민예'다.야나기 이론과 심미적 명제는 이름 없는 무명 장인이 만든 평범하고 실용적인 일상용품에서 아름다움을 찾을 수 있다는 것이었다.1928년에 출판된 그의 첫 번째 책에서, 그는 서민들에 의해 만들어진 공리적인 물건들은 "아름다움과 추함을 넘어"^[7]라고 주장했고, 그가 "진정한" 민예에 필수적이라고 여겼던 많은 기준들을 개략적으로 설명했다.

야나기는 미용에 초점을 맞췄다.민속공예의 아름다움은 (1) 천연소재의 사용과 "자연적인" 수공예품, (2) 전통적인 방법과 디자인, (3) 형태와 디자인의 단순함과 기능성, (5) 다원화, 즉 민속공예품이 대량으로 복제되고 복제될 수 있다는 것을 의미하기 때문에 (6) 저렴하다는 데 있다고 그는 주장했다.민속 공예는 유명한 이름 있는 예술가가 아닌 익명의 혹은 "알 수 없는"^[8] 장인에 의해 만들어져야 한다는 사실에서도 아름다움이 발견되었다.마지막으로 (8)민간공예품을 만들 때 건강한 자세를 취하면 건강한 ^[9]공예품이 되는 "건강의 아름다움"이 있었다.즉, 미용과 민예는 일본 전통의 산물이며, 민예는 그 생산지를 대표하고 그곳에서 발견된 천연자재를 활용해야 한다고 강조했습니다.

야나기의 책 「미지의 장인」은 1972년 영어로 첫 출간된 이래 영향력 있는 작품이 되었다.그 속에서 그는 일본인의 일상 공예품에서의 예술과 아름다움을 감상하는 방식을 고찰한다.그러나 동시에, 그리고 그 자신의^[10] 인정에 따르면, 그의 이론은 단순히 미학에 기초한 공예 운동이 아니라, 아름다움이 달성되려면 장인들이 윤리와 종교적 이상에 따라 일해야 하는 "영적 운동"이었다.그런 점에서 그는 민속공예의 매개체를 통해 '정신성'에 대한 자신의 비전을 표현했고, 결과적으로 민속공예가 그 자체로 물건으로 만들어지기보다는 어떻게 만들어졌는지에 대해 관심을 가졌다고 주장할 수 있다.만약 그들이 스스로 정한 규칙들에 따라 만들어진다면, 그것들은 자연스럽게 그의 "미"^[11]에 대한 개념과 일치할 것이다.

직접 지각(観観)과 자기 항복(他力)

야나기의 주된 강조점은 불변의 정신에 의해 만들어진 불변의 아름다움이었다.성시대 도자기, 즉 중세 고딕 건축물은 같은 정신의 산물이었다; "진정한" 사람은 문화적 또는 역사적 배경에 영향을 받지 않고 변하지 않았다.현재와 과거는 ^[12]아름다움으로 연결되어 있었다.

야나기씨는, 그러한 아름다움을 감상하기 위해서, 이전의 지식, 편견, 또는 주관성이 판단력을 흐리게 해서는 안 된다고 주장했다.이것은 「직관」 「보는 눈」 「직감」 「직시」 「직시」 「직시」 「직시」 「직시」 「직시」 「직시」 「직시」 「직시」 「직시」 「직시」 「직시」 「직시」 「직시」 「직시」에 의해서 실현됩니다.따라서 그것은 그 같은 ^[13]사물의 본질적인 아름다움을 직접적으로 전달하였다.

촉간이 '절대적 발치'^[14]라면 논리적인 설명도 무시하고 미학과 민예의 미에 대한 그의 '영적' 접근의 많은 부분을 차지하게 된다.그러나 초칸은 '직접'만 있다면 누구나 적용할 수 있고 인식할 수 있는 미적 감상 방법이었다.즉, 촉관이 「주관적」이나 「임의적」이라면,^[15] 「직접적」의 인식은 전혀 아니었다.

야나기의 미학 이론의 나머지 절반은 장인의 정신적인 자세(공예품을 감상하는 사람의 자세와는 반대)에 관한 것이었다.공예품들이 아름다워지기 위해서는 장인이 자연에 맡기고 창조를 해야 한다고 그는 말했다. 구원은 야나기가 말하는 '자기 항복'^[16]에서 비롯됐다.타리키는 자아를 부정하는 것이 아니라 자신으로부터의 자유를 부정하는 것이었다.아미타 불교 신자가 넨부쓰를 암송하고 자신을 부정하면 구원받을 수 있다고 믿었듯이, 장인은 자연에 몸을 맡김으로써 '순수한 미의 땅'을 얻을 수 있었다.그 어떤 장인도 스스로 아름다움을 창조할 힘이 없었다. "자기 항복"에서 나오는 아름다움은 "개인의 천재"^[17]가 만든 어떤 예술 작품과도 비교할 수 없을 정도로 컸다.

전후 상황

일본의 전통적인 방식 중 많은 것들이 제2차 세계대전 패전 후 파괴되었다.1950년 6·25전쟁이 발발하면서 일본 정부는 국보로 간주되는 것을 보호하기 위한 제도를 마련하였고, 일반적으로 "국보"로 알려진 개인 공예가들은 중요한 문화 기술의 소유자로 간주되었다(주케이 문카자이[重要無形文化財]).야나기 사상의 보급은, 1960년경까지, 도쿄, 교토, 오사카에 사는 소수의 사람들 뿐만이 아니라, 매스컴에 의한 홍보의 결과로서 일본내의 거의 모든 사람에게 민가의 개념이 알려지게 되었다.

이것은 많은 사람들이 치아 심지와 통나무 오두막과 같은 것들과 더 많은 주류 공예품들을 포함한다고 생각했던 수공예품에 대한 엄청난 소비자 수요를 낳았다.이러한 수요는 「민지 붐」이라고 불리게 되어, 70년대 중반까지 계속 되어, 서서히 쇠퇴해, 2000년대 들어서는 현대의 일본인과는 거의 무관하게 되었다.그럼에도 불구하고 태평양 전쟁 직전과 직후 먹고살기 힘들었던 장인들은 갑자기 비교적 부유한 자신을 발견했고, 특히 도공들은 "붐"으로 경제적으로 이득을 보았다.민예품을 둘러싼 모든 홍보와 함께, 새로운 가마들이 곳곳에 설치되었다.그러나 순수주의자들에 관한 한 커피, 국수, 게이샤 등 일본의 다른 일상의 "인스턴트 도예가"와 함께 "인스턴트 도예가"의 날이 왔다.그들은 보통 장인은 그것의 아름다움보다는 돈으로 벌 수 있는 명기에 관심이 있었다고 말했다.그것은 도시 엘리트주의 ^[18]유행에 지나지 않았다.

밍게이 붐은 야나기의 민속 공예 원론에 영향을 미치는 많은 역설로 이어졌다. (1) 야나기는 아름다움은 서로 협력하는 공동사회에서만 태어난다고 주장해 왔다.이러한 협력은 한 사람만이 아니라 자연과 결부시켰다.민속공예는 이런 면에서 "공동예술"^[19]이었다.그러나, 민게이 물체에 대한 소비자의 수요는 생산 공정의 기계화를 증가시켰으며, 그 자체는 과거에 비해 협력적인 작업과 노동력 교환에 훨씬 덜 의존하게 되었다. (2) 기계화는 또한 야나기가 그의 콘텍스트에 필수적인 것으로 주장했던 천연 재료에 대한 의존과 사용을 감소시켰다.아름다움의 엡트 – 현대인의 특정한 "지역"적 특성을 박탈한 것. (3) 미디어의 노출과 소비자 수요는 모두 돈을 벌려는 예술가-크래프트맨(게이주츠카, [芸家)])의 출현과 수익 동기가 덜한 "무명 장인"의 점진적 소멸을 장려했다.그 결과, (4) 「민예」로서의 민예는 점차 「민예」로서 인식되게 되었다(자세한 분석은 참조^[20]).

문제:윌리엄 모리스와 오리엔탈리즘

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아름다움은 '자연'과 '협동'에서 나온다는 야나기의 강조에 비추어 볼 때, 그의 작품에서 현대 산업 사회에 대한 비판을 발견하는 것은 놀라운 일이 아니다.이 점에서, 그는 다른 산업화 국가들에서 제기된 비슷한 이론들, 특히 윌리엄 모리스와 영국의 예술 공예 운동 추종자들의 이론들을 반복했다.두 사람 모두 이윤을 위한 인센티브와 임금 노동관계의 자본주의 체제에서 생산되는 노동의 질 사이에 밀접한 관계가 있다고 주장했다.그러나 모리스의 직접적인 적은 기계화와 산업화로 인한 노동 분업이었지만 야나기는 개인주의에 가장 반대했다."^[21]사회의 본질을 바꾸고, 개인주의의 본질을 바꾸라"고 야나기는 말했다. 만약 사람들이 삶에서 아름다움을 갖기를 원한다면 말이다.

야나기 ^[22]자신뿐만 아니라 일본 민예의 추종자들에 의해서도 종종 부정되지만, 그의 민속 공예 이론은 서양의 문장에 의존하는 것처럼 보일 것이다.확실히,^[23] 그와 모리스의 작품 사이의 유사점은 무시할 수 없을 만큼 많다.그러나 그가 언제 어떻게 모리스의 아이디어를 접하게 되었는지는 명확하지 않다.브라이언 Moeran 두 야나기의 가장 친한 친구 중, 버나드 리치(1887-1989)과 겐키치 Tomimoto(富本憲吉)(1886-1963), 모두 도공들, 모리스의 ideas,[24]에게 소개했는데지만 야나기는 이미 서양의 과학, 철학, 문학, 예술, 그리고 일본어로 수많은 글 이미 러스킨과 보통 날 발간된에서steeped다 주장했다.ris야나기가 민게이 ^[25]사상의 개요를 설명하기 전에.그럼에도 불구하고, 생각의 유사성이 동일하다고 해석되어서는 안 된다.한 가지 큰 차이점은 야나기가 그의 철학(특히 스즈키 다이세쓰와 니시다 ^[26]기타로의 철학)에 불교 사상을 도입했다는 것이다.이것은 영국 미술 공예 운동에는 전혀 결여되어 있다.결국, 모리스와 야나기의 주된 차이는 한 쪽(모리스)은 사회의 본질을 바꾸고 다른 쪽(야나기)은 개인주의의 본질을 바꾸라는 요구로 요약될 수 있다.

기쿠치 유코(菊口由光)는 더 나아가 권력관계와 초국가주의가 민가이론 형성의 핵심이라고 주장했다.1927년 야나기가 '일본 미의 기준'을 내세웠을 때 그는 군국주의가 고조되던 시기였다.그 때문에, 민기의 일본성이나, 윌리엄 모리스의 영향을 의식하지 못한 야나기씨는,^[27] 당시의 일본 지식인의 문화적 민족주의를 반영하고 있는 것이 아닐까 하는 생각이 든다.또 일본 주변 오키나와인과 아이누인의 공예품, 한국 대만 만주 등 식민지의 공예품에도 미의 기준을 적용했다.그러므로, 밍게이 이론은 동양 이론과는 거리가 먼 윌리엄 모리스(1834–1896)^[28]와 같은 서양 사상의 "혼성화"와 "수용"이다.리치가 보기에 그는 일본 예술가들이 동양 문화를 재발견하는 것을 도왔으며, 일본인들은 그들 자신의 예술에 오리엔탈리즘을 적용했고 한국 같은 다른 극동 국가의 예술에도 같은 오리엔탈리즘을 투영했다.기쿠치는 이 서양주의 현상을 오리엔탈 ^[29]오리엔탈리즘이라고 칭하고, 모에란은 역 오리엔탈리즘이라고 칭하며, 일본 사회에서 일반적으로 ^[30]볼 수 있는 반 오리엔탈리즘 경향이라고 칭한다.

이런 맥락에서, 특히 야나기의 한국과 그 예술은 한국의 지식인들로부터 "식민지 역사관"이라는 혹독한 비판을 받아왔다.야나기는 '슬픔의 아름다움'을 '한민족 고유의 아름다움'으로 정의하며, 오랜 침략의 역사가 한국 미술, 특히 도기의 '슬프고 외로운' 선에 반영되어 있다는 믿음을 표현했다.이러한 이론은 한국 학자들로부터 "식민지주의의 미학"^[31]이라는 비판을 받아왔다.

예

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  이누하리코(파피어머쉬 강아지 인형), 1950년 경.브루클린 박물관

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  19세기 후반에서 20세기 초반의 직공의 리베리 코트(해피).브루클린 박물관

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  20세기 초 이불이와.브루클린 박물관

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  코마시코와레 마도에 도빈 '윈도 픽처' 찻주전자(1915-35년).브루클린 박물관

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  오시에, 게이샤, 19세기.브루클린 박물관

「 」를 참조해 주세요.

• 일본 민속 공예관
• 밍게이 국제박물관

레퍼런스

추가 정보

• 브란트, 킴아름다운 왕국: 밍게이와 일본 민예의 정치.Durham 및 런던:Duke UP, 2007년
• 드 왈, 에드먼드호모 오리엔탈리스:버나드 리치와 일본 장인의 이미지.디자인 역사 저널, 제10권, 제4권, 공예, 문화, 정체성(1997년): 355~362.
• 카라타니, 코진, 코소, 사부."미학의 사용: 동양주의 이후"경계 2권 25권 2호 에드워드 사이드(1998년 여름): 145~160.
• 기쿠치, 유코일본 근대화와 민가이론: 문화 민족주의와 동양 동양주의.런던과 뉴욕: Routledge Curzon, 2004.
• 모란, 브라이언일본 온타의 민속 공예 도예가.버클리 및 로스앤젤레스:캘리포니아 대학 출판사, 1984. (제2판 '일본 민속미술 도예가'로 재출간.런던:Curzon / Routledge, 1997).
• 모란, 브라이언"버나드 리치와 일본 민속 공예 운동:포메이션의 해」.설계사 저널, 제2권, 제2/3호(1989년): 139~144.
• 생길레스, 아마우리민게이: 일본의 영속적인 민속 예술.유니언시티(캘리포니아):헤이안 인터내셔널, 1983년
• 야나기, 소에츠무명 장인: 일본인의 아름다움 통찰력.도쿄, 뉴욕: 코단샤 인터내셔널, 1989년(1972년).
• 야나기, 소에츠야나기 소에츠 : 일본 민속 공예에 관한 에세이집.도쿄: 일본출판문화진흥재단, 2017년.

외부 링크

• 일본민예관(일본민예관)
• Mingei.org (샌디에이고 밍게이 국제박물관)