에드가 드가스

Edgar Degas
에드가 드가스
Edgar Degas self portrait 1855.jpeg
자화상(데가스 아우 포르테 푸세인), 1855년
태어난
힐라레제르맹에드가르 드 가스

(1834-07-19)1834년 7월 19일
프랑스 파리
죽은1917년 9월 27일 (1917-09-27) (83)
프랑스 파리
로 알려져 있다.그림, 조각, 그림 그리기
주목할 만한 작품
움직임인상주의
서명
Degas autograph.png

Edgar Degas (UK: /ˈdɡɑː/, US: /dˈɡɑː, dəˈɡɑː/;[1][2] born Hilaire-Germain-Edgar De Gas, French: [ilɛːʁ ʒɛʁmɛ̃ ɛdɡaʁ də ɡa]; 19 July 1834 – 27 September 1917) was a French Impressionist artist famous for his pastel drawings and oil paintings.

드가는 또한 청동 조각품, 판화, 그리고 그림을 제작했다.드가는 특히 춤의 주제와 동일시된다; 그의 작품의 절반 이상이 댄서들을 묘사한다.[3]드가는 인상주의의 창시자 중 한 명으로 여겨지지만, 그는 현실주의자라고 불리는 것을 선호하며 이 용어를 거부했고,[4] 많은 인상주의자들이 그랬던 것처럼 야외에서 그림을 그리지는 않았다.

드가는 뛰어난 드래프트맨이었고, 특히 춤꾼과 목욕하는 여성 나체에서 볼 수 있듯이 움직임을 묘사하는 데 능숙했다.드가는 발레 댄서와 목욕 여성 외에도 경주마와 경주 기수들을 초상화뿐만 아니라 그렸다.그의 초상화는 심리적 복잡성과 인간 고립을 묘사한 것으로 유명하다.[5]

드가는 활동 초기에는 엄격한 학문적 훈련과 고전 미술에 대한 면밀한 연구로 준비가 잘 된 역사 화가가 되고 싶었다.30대 초반에 그는 진로를 바꾸었고, 역사 화가의 전통적 방법을 현대적인 주제에 접목시킴으로써 현대 생활의 고전적인 화가가 되었다.[6]

초년기

에드가 드가 C. 1855–1860[7]

드가는 프랑스 파리에서 적당히 부유한 가정에서 태어났다.그는 루이지애나주 뉴올리언스에서 온 크리올인 Célestine Musson De Gas와 은행가인 Augustin De Gas의 다섯 자녀 중 장남이었다.[8]외할아버지 제르맹 무손은 프랑스계 아이티 포르토프랭스에서 태어나 1810년 뉴올리언스에 정착했다.[9]

드가스(그는 성인이 되었을 때 자신의 성을 덜 웅장하게 쓰는 철자를 사용했다)[10]는 11살에 리세 루이스-르-그랑에 등록하면서 학교를 다니기 시작했다.[11]그의 어머니는 그가 열세 살 때 돌아가셨고, 남은 젊은 시절 그에게 가장 큰 영향을 끼친 것은 그의 아버지와 몇몇 미혼 삼촌들이었다.[12]

Self-portrait of the artist Edgar Degas, in red chalk on paper, from about 1855, in the collection of the National Gallery of Art in Washington, DC.
에드가 드가, 자화상 C. 1855.편지에 적색 분필, 31 x 23.3cm(12 3/16 x 9/16인치)워싱턴의 국립 미술관.

드가는 일찍이 그림을 그리기 시작했다.1853년 문학에 바칼로레아트로 리케를 졸업할 무렵, 18세 때, 그는 자신의 집에 있는 한 방을 화가의 작업실로 개조했다.졸업하자마자 루브르 박물관에 카피스트로 등록했지만, 그의 아버지는 그가 로스쿨에 진학하기를 기대했다.드가는 1853년 11월 파리대학 법학부에 정식으로 입학했으나 학업에 거의 노력을 기울이지 않았다.

1855년, 그는 장 오귀스트 도미니크 잉그르를 만났는데, 그는 그가 존경하고 그의 충고를 잊지 않았다. "젊은이, 그리고 더 많은 선을 그어라, 삶과 기억에서, 그러면 너는 훌륭한 예술가가 될 것이다."[13]그해 4월 드가는 에콜 데 보-아츠에 입학했다.그는 루이 라모테와 함께 그곳에서 그림을 공부했고, 그의 지도 아래 잉그레스 양식을 따라 번창했다.[14]

1856년 7월, 드가는 이탈리아로 여행을 갔고, 그곳에서 그는 앞으로 3년 동안 머물 것이다.1858년, 나폴리에서 숙모의 가족과 함께 지내면서, 초기 걸작 <벨렐리 가족>으로 첫 학문을 만들었다.그는 또한 미켈란젤로, 라파엘, 티티안, 그리고 다른 르네상스 예술가들의 수많은 작품들을 그리고 그렸으나, 전통적인 관습과 달리, 그는 보통 제단 조각에서 그의 관심을 끌었던 세세한 부분, 즉 제 2의 인물 또는 초상화처럼 취급한 머리 부분을 골랐다.[15]

예술적 경력

1859년 프랑스로 돌아오자 드가는 그가 살롱에서 전시할 멋진 캔버스인 '벨렐리 가족'을 그리기 시작할 수 있을 만큼 큰 파리 스튜디오로 이사했다.그는 또한 몇몇 역사 그림들을 연구하기 시작했다.1859-60년 알렉산더와 부팔수스젭타의 딸, 1860년 세미라미스 빌딩 바빌론, 그리고 1860년경 젊은 스파르타인.[16]1861년 드가는 노르망디에서 어린 시절 친구였던 폴 발핀손(Paul Valpinson)을 방문하여, 그의 많은 말 연구 중 가장 이른 것을 만들었다.그는 1865년 처음으로 살롱에 전시했는데, 이때 배심원들이 거의 관심을 끌지 못했던 중세 전쟁 장면을 받아들였다.[17]

그는 앞으로 5년 동안 매년 살롱에서 전시했지만, 더 이상 역사 그림들을 제출하지 않았다. 그리고 그의 "Scraplechase"는--몰락한 조키(Salon of 1866)는 현대적인 주제에 대한 그의 증가하는 헌신을 알렸다.그의 예술의 변화는 주로 드가가 1864년에 만났던 에두아르 마네의 예에 의해 영향을 받았다(두 사람 모두 루브르 박물관에서 같은 벨라스케스 초상화를 베끼고 있었는데, 그 동안에 그의 예술은 아마도 알 수 없는 이야기였다).[18]

1870년 프랑코-프러시아 전쟁이 발발하자 드가는 국가 방위군에 입대하여 파리를 방어하면서 그림을 그릴 시간이 거의 없었다.소총 훈련 중에 그의 시력에 결함이 있는 것으로 밝혀졌고, 평생 동안 그의 시력 장애는 그에게 끊임없는 걱정거리였다.[19]

전쟁이 끝난 후, 드가는 1872년에 그의 동생 레네와 다른 많은 친척들이 살고 있는 뉴올리언스에서 장기 체류를 시작했다.드가는 에스플라네이드 가에 있는 크레올레 삼촌 미셸 무손의 집에 머물면서 많은 작품들을 제작했는데,[20] 이 작품들은 가족 구성원들을 묘사하고 있다.드가의 뉴올리언스 작품 중 하나인 뉴올리언스코튼 오피스는 프랑스에서 호평을 받았으며, 그의 생전에 박물관(파우)이 구입한 유일한 작품이었다.[21]

드가는 1873년에 파리로 돌아왔고 그의 아버지는 이듬해 세상을 떠났다. 드가는 그의 형 레네가 엄청난 사업 부채를 축적했다는 것을 알게 되었다.드가는 가문의 명성을 지키기 위해 상속받은 집과 미술품 수집품을 팔아 그 돈을 동생의 빚을 갚는 데 썼다.평생 처음으로 자신의 예술작품을 수입으로 판매하는데 의존한 그는 1874년부터 10년 동안 그의 가장 위대한 작품 대부분을 제작했다.[22]지금쯤 살롱에서 환멸을 느낀 그는 대신 독립 전시회를 조직하고 있는 젊은 예술가들의 모임에 가입했다.이 단체는 곧 인상주의자로 알려지게 되었다.

1874년과 1886년 사이에 그들은 인상주의 전시회로 알려진 8개의 미술 전시회를 열었다.드가는 전시회를 조직하는 데 주도적인 역할을 맡았고, 그룹 내 다른 사람들과의 끈질긴 갈등에도 불구하고 그 중 한 곳을 제외한 모든 곳에서 자신의 작품을 선보였다.그는 모네를 비롯한 그룹의 다른 풍경화 화가들과 거의 공통점이 없었으며, 그는 야외에서 그림을 그린다고 조롱했다.보수적인 그의 사회적 태도는 동료들이 추구하는 홍보와 광고뿐만 아니라 전시회가 만들어낸 스캔들을 혐오한다.[4]그는 또 언론이 만들고 대중화한 인상주의라는 용어와 연관되는 것을 몹시 싫어했으며, 장 루이 포랭, 장 프랑수아 라파엘리 등 비 인상주의 화가들을 그룹 전시회에 포함시킬 것을 주장했다.그 그룹 내부의 결과적인 원한이 1886년 해체하는 데 기여했다.[23]

자신의 작품 판매를 통해 재정 상황이 개선되면서 그는 엘 그레코마네, 피사로, 세잔, 고갱, 반 고흐, 에두아르 브란던 등 동시대인 등 자신이 동경하는 작가들의 작품 수집에 열정을 쏟을 수 있었다.특히 그가 우상화한 잉그레스, 들라크루아, 다음이어 등 3명의 작가가 그의 컬렉션에 잘 나타나 있었다.[24]

1880년대 후반 드가는 사진에 대한 열정도 발전시켰다.[25]그는 르누아르말라르메의 이중 초상화에서처럼, 종종 불빛을 통해 그의 많은 친구들의 사진을 찍었다.댄서들과 나체들을 묘사한 다른 사진들은 드가의 몇몇 그림과 그림에서 참고용으로 사용되었다.[26]

세월이 흐르면서 드가는 고립이 되었는데, 그 이유는 부분적으로 화가는 개인적인 삶을 가질 수 없다는 믿음 때문이었다.[27]드레퓌스 사건 논쟁은 그의 반유대주의적 성향을 표면화시켰고 그는 모든 유대인 친구들과 헤어졌다.[28]르누아르는 그의 논쟁적 성격을 개탄했다. 르누아르는 그를 두고 이렇게 말했다. "그는 정말 괴물이구나, 저 드가!그의 친구들은 모두 그를 떠나야 했다. 나는 마지막 한 사람이었지만, 나조차도 끝까지 머물 수 없었다."[29]

1890년 이후 오랫동안 그를 괴롭혔던 드가의 시력은 더욱 악화되었다.[30]1907년 말까지만 해도 파스텔에서 일해온 것으로 알려져 있고, 1910년까지 조각품을 계속 만든 것으로 알려져 있지만, 그는 1912년 빅토르 마시에 대한 오랜 거주지 철거가 임박하자 작업을 중단한 것으로 보인다.[31]그는 결혼하지 않았고, 거의 장님인 채 파리 거리를 쉴 새 없이 헤매다가 1917년 9월 세상을 떠났다.[32]

예술적 스타일

Dance Class (La Classse de Danse), 1873–1876, 캔버스 위의 기름

드가는 종종 인상주의자로 확인되는데, 이해는 되지만 설명이 불충분하다.인상주의는 1860년대와 1870년대에 시작되었고 부분적으로 쿠르베트코롯과 같은 화가들의 사실주의에서 성장했다.인상파 화가들은 밝고 "눈이 부시게"하는 색상을 사용하여 주변의 현실들을 그렸고, 주로 빛의 효과에 집중했으며, 그들의 장면에 즉각적으로 스며들기를 희망했다.그들은 바로 그 순간에 그들의 시각적 경험을 표현하고 싶었다.[33]

기술적으로 드가는 인상파 화가들과 다르다. 그가 평야그림을 그리는 그들의 관행을 끊임없이 경시한다는 점에서 말이다.[34]

내가 야외에서 운동하는 사람들을 어떻게 생각하는지 알잖아.내가 정부라면 자연에서 풍경을 그리는 예술가를 감시하기 위해 특별 여단을 두었을 것이다.아, 누굴 죽이려는 게 아니라 경고 차원에서 가끔씩 새를 쏘는 거야.[35]

미술사학자 캐롤 암스트롱은 "그는 종종 이 쇼를 검토한 비평가들처럼 반감정주의자였다"고 말했다. 드가스 자신이 설명했듯이, "나만큼 자발적인 예술은 없었다.내가 하는 일은 성찰과 위대한 주인에 대한 연구의 결과로서 영감, 자발성, 기질, 나는 아무것도 모른다.'[36]그럼에도 불구하고 그는 다른 어떤 운동의 일원으로서보다 인상주의자로 더 정확하게 묘사된다.그의 파리 생활 장면들, 그의 오프센터 작품들, 색채와 형태에 대한 실험들, 그리고 몇몇 주요 인상파 화가들, 특히 메리 카사트와 마네트와의 우정은 모두 그를 인상파 운동과 밀접하게 연관시킨다.[37]

드가의 스타일은 노장들에 대한 깊은 존경심(중년까지는 열정적인 카피리스트였다)[38]과 잉그레스와 들라크루아스에 대한 큰 찬사를 반영한다.그는 다음이어, 가바르니 인기 일러스트 작가들의 활발한 리얼리즘이 그의 작품에 영향을 끼친 일본 판화 수집가이기도 했다.말과 춤꾼으로 유명하지만 드가는 제다의 딸 (c.1859–61)과 젊은 스파르타인 (c.1860–62)과 같은 전통적인 역사 그림으로 시작했는데, 드가는 이 인물에 대한 덜 이상화된 대우를 향한 그의 점진적인 진보가 이미 뚜렷하다.드가는 초창기 시절 개인과 집단의 초상화도 그렸다. 후자의 예로는 벨렐리 가족(1858–67)이 있는데, 벨렐리 가족(c.1858–67)은 그의 이모, 그녀의 남편, 그리고 그들의 아이들을 야심차고 심리적으로 가슴 아프게 묘사했다.[39] 그림에서, 젊은 스파르타인들과 많은 후기 작품들에서처럼, 드가는 남녀간의 긴장감에 끌렸다.[40]드가는 초기 그림에서 이미 주제를 어색하게 자르고 특이한 관점을 선택함으로써 나중에 더욱 완전하게 발전하게 될 성숙한 스타일을 증명했다.[41]

L'Absinthe, 1876년, 캔버스에 기름 묻히기

1860년대 후반까지 드가는 그의 초기 작품에서 역사 그림으로 전환했다.경주장 장면은 말과 말을 타는 사람들을 현대적인 맥락에서 묘사할 수 있는 기회를 제공했다.그는 직장, 밀레너, 세탁소에서 여성들을 그리기 시작했다.1868년 살롱에 전시된 발레 소스의 피오크레는 무용수들이라는 주제를 처음으로 소개한 주요 작품이었다.[42]

이어지는 많은 그림에서 무용수들이 무대 뒤에서나 리허설에서 보여지며, 직업에 종사하는 전문가로서의 위상을 강조했다.1870년부터 드가는 점점 더 발레 주제를 그렸는데, 부분적으로 잘 팔려서 동생의 빚으로 가족이 파산한 후 필요한 수입을 그에게 제공했기 때문이다.[43]드가는 랍신테나 가수와 글러브와 같은 작품에서도 카페 생활을 그리기 시작했다.그의 그림들은 종종 매우 모호한 방식으로 서술적인 내용을 암시했다. 예를 들어, 인테리어('강간'이라고도 불림)는 문학적인 출처를 찾기 위해 미술사학자들에게 난제를 주었다.테레즈 라킨이 제안되었지만[44], 그것은 매춘을 묘사한 것일 수도 있다.[45]

그의 주제가 바뀌면서 드가의 기술도 그렇게 변했다.네덜란드화의 영향을 받은 어두운 팔레트는 선명한 색채와 대담한 붓놀림을 사용하게 되었다.콩코르드 광장 같은 그림들은 '스냅샷'으로 읽혀져 정확하게 묘사할 수 있는 시간의 순간들이 얼어붙어 움직임의 느낌을 준다.1874년 '무대에서 발레 리허설'과 1876년 '발레교관'에서 색채가 부족한 것은 사진술의 새로운 기법에 대한 그의 관심과 연결되었다고 할 수 있다.그의 팔레트, 붓놀림, 구성 감각의 변화는 모두 인상주의 운동과 현대 사진, 즉흥적인 이미지와 오프킬러 각도가 그의 작품에 끼친 영향을 보여준다.[37]

1875년 콩코르드 광장, 캔버스에 기름, 에르미타주 박물관, 상트페테르부르크

초상화와 장르물의 구별을 흐린 그는 오페라 오케스트라(1868~69년)의 바순주의자 친구인 데시레 디하우(Désiré Dihau)를 관중의 한 사람이 보는 관현악 구덩이에서 14명의 음악가 중 한 명으로 그렸다.음악가들 위에서는 무대 위의 무용수들의 다리와 투투스만 볼 수 있는데, 그림의 가장자리에서 그들의 모습이 잘려나간다.미술사학자 찰스 스턱키는 발레에서 산만해진 관람자의 관점에 비유하며 "무작위적인 시선 중 관객의 눈의 움직임을 포함해 움직임을 묘사하는 데 데 있어 드가의 매료됨이 '인상주의자'[46]라고 적절하게 말하고 있다"고 말한다.

1872년 관현악단의 음악가들, 캔버스 위의 기름

드가의 성숙한 문체는 눈에 띄게 완성되지 않은 구절들로 구분되는데, 그렇지 않으면 빽빽하게 그려진 그림에서도 그렇다.그는 종종 자신의 눈병을 끝내지 못한 탓으로 돌렸는데, 이는 스투키 교수의 설명대로, "시력이 부족한 사람이 자신의 사진을 찍었을 리가 없다"[19]고 추론한 동료들과 수집가들의 회의론에 부딪힌 설명이었다.이 화가는 "백 가지 일을 시작하고 그 중 하나를 끝내지 않는 것"[47]이라는 자신의 성향을 묘사할 때 또 다른 단서를 제공했고, 어떤 경우에도 그림이 완성되었다고 생각하는 것을 꺼리는 것으로 악명 높았다.[48]

초상화에 대한 그의 관심은 드가가 관상, 자세, 복장, 그리고 다른 속성들에 의해 사람의 사회적 지위나 고용 형태가 드러날 수 있는 방법을 신중하게 연구하도록 이끌었다.1879년 '증권거래소 초상화'에서 그는 유대인 사업가 일행을 반유대주의적인 기색을 띠고 그렸다.1881년, 그는 "아바디 사건"에서 최근 살인죄로 유죄 판결을 받은 소년 갱단원들의 모습을 그린 두 개의 파스텔인 "형사 관상학"을 전시했다.드가는 스케치북을 손에 들고 그들의 재판에 참석했었고, 피고인들의 수많은 그림들은 그가 타고난 범죄성의 증거로서 19세기 과학자들에 의해 생각되는 이타적인 특징에 대한 그의 관심을 보여준다.[49]댄서들과 빨래꾼들을 그린 그의 그림에서, 그는 그들의 옷과 활동뿐만 아니라 그들의 체형에 의해서도 그들의 직업을 드러낸다: 그의 발레리나들은 운동적인 신체성을 보여주지만, 그의 빨래꾼들은 무겁고 견고하다.[50]

1877–1880년 경주에서, 파리의 오르세, 무제 오르세,

1870년대 후반까지 드가는 캔버스의 전통적인 기름 매질뿐만 아니라 파스텔도 마스터했다.그가 복잡한 레이어와 텍스쳐로 응용한 건조 매체는 표현색에 대한 관심이 높아짐에 따라 그의 설비를 더욱 쉽게 조화시킬 수 있게 했다.[51]

1870년대 중반에는 10년 동안 방치해 온 식각의 매개체로도 복귀했다.처음에 그는 그의 오랜 친구인 루도비치-나폴레온 레픽의 지도를 받았고, 그 사용의 혁신자였고, 석판화단형의 실험을 시작했다.[52]

그는 1870년대 중반에서 1880년대 중반까지 그리고 1890년대 초반에 다시 두 기간에 걸쳐 300여 개의 단형을 생산했다.[53]

그는 특히 모노타입이 만들어내는 효과에 매료되어 파스텔로 인쇄된 이미지를 자주 다시 작업했다.[52]1880년이 되자 조각은 드가가 생전에 공개적으로 단 하나의 조각품만을 전시했음에도 불구하고 다른 매체를 탐구하려는 지속적인 노력에 또 하나의 가닥이 되었다.[54]

La Toomette (Woman Closing Her Her Hair), C. 1884–1886, 종이 위에 파스텔, 에르미타주 박물관, 상트 페테르부르크

이러한 미디어의 변화들은 드가가 만년에 만들 그림을 심어주었다.드가는 수건으로 몸을 말리고 머리를 빗고 목욕을 하는 여자들을 그리고 그리기 시작했다(참조: 목욕 후, 여자가 몸을 말린다).형태를 본뜬 획들은 이전보다 더 자유롭게 낙서되고, 배경은 단순화된다.[55]

그의 젊은 시절의 꼼꼼한 자연주의는 점점 더 형태에 대한 추상화를 가져왔다.성격적으로 뛰어난 초안술과 인물에 대한 집착을 제외하면, 그의 생애 후반기에 만들어진 그림들은 그의 초기 그림과 거의 피상적으로 닮지 않았다.사실, 그의 생애 말기와 인상주의 운동의 전성기 이후에 만들어진 이 그림들은 가장 생생하게 인상주의의 색채주의 기법을 사용한다.[56][57]

모든 양식적 진화에도 불구하고 드가의 작품의 어떤 특징은 그의 일생 동안 그대로 남아 있었다.그는 항상 실내에서 그림을 그렸고,[58] 그의 스튜디오에서 일하는 것을 더 선호했다. 기억, 사진, 또는 라이브 모델로부터.그 모습은 그의 주된 소재로 남아 있었다. 그의 몇 안 되는 풍경화는 기억이나 상상력에서 비롯되었다.그가 구성이나 처우를 달리하며 여러 번 주제를 반복하는 것은 예사롭지 않았다.그는 앤드류 포저가 쓴 "우리는 준비되고, 계산되고, 연습되고, 단계별로 발전한다"는 작품들을 가진 숙의 작가였다.그것들은 부품들로 이루어져 있었다.각 부분이 전체적으로 조정된 것, 그 선형적인 배열은 무한반성과 실험의 계기가 되었다."[59]드가스 자신은 "예술에서 그 어떤 것도 우연처럼 보이면 안 되고, 움직임조차 없어야 한다"[43]고 설명했다.

조각

외부 영상
Edgar Germain Hilaire Degas 044.jpg 런던 서크 페르난도 국립 미술관미스
video icon 게티 박물관 랄라 양, 에드가 드가의 서커스 공연자 연구
video icon 드가 교실, 스마스티스토리
video icon 비디오 엽서: 시카고 미술 연구소 유튜브에 있는 밀로틱 상점(1879/86)
1878–1881, 14세의 어린 무용수, 국립 미술관

드가가 일생 동안 유일하게 조각품을 전시한 것은 1881년 "14년작은 무용수" 전시 때 일어났다.실제 머리카락에 천 투투 차림의 거의 실물 크기의 밀랍인형은 비평가들로부터 강한 반응을 불러일으켰고, 비평가들은 대부분 현실성이 비범하다고 생각하면서도 댄서를 추악하다고 비난했다.[60]리뷰에서, J.K.Huysmans는 다음과 같이 썼다. "이 스타투테트의 끔찍한 현실은 분명히 관객들에게 불안감을 안겨준다. 조각에 대한 그들의 모든 관념과 차가운 무생물 백인에 대한 관념은 여기서 뒤집혔다.사실 무슈 드가는 첫 시도로 회화의 관습을 흔든 지 오래되어 조각의 전통을 혁명적으로 바꾸어 놓았답니다."[61]

드가는 40년이라는 기간 동안 상당수의 다른 조각품들을 만들었지만, 1918년 사후 전시가 있을 때까지 대중에게 보이지 않았다.14년의 작은 무용수나 드가의 다른 조각품들 중 어느 것도 그 화가의 일생 동안 청동으로 주조되지 않았다.[60]드가 학자들은 비록 화가가 그래픽 예술과 유화, 드로잉과 파스텔, 조각과 사진을 연결하는 방법을 습관적으로 탐구했지만, 이 조각품들이 그림 그리기에 도움이 되기 위해 만들어진 것이 아니라는 데 동의했다.드가는 그림 그리기와 같은 의미를 조각에 부여했다: "그리는 것은 다른 것을 모델링하는 사고방식이다.[43]

드가가 죽은 후, 그의 후계자들은 그의 작업실에서 150개의 밀랍 조각품들을 발견했는데, 많은 조각품들이 망가져 있었다.그들은 주조 공장 주인인 Adrien Hébrard와 상의했고, 그들은 74개의 왁스를 청동으로 주조할 수 있다고 결론지었다.열네 살의 리틀 댄서를 제외한 전 세계 모든 드가 동상은 서멀레이즈[fr](즉, 청동 거장으로부터 주조)에서 주조된다고 가정한다.수몰라주 청동은 원래 청동 틀에 비해 약간 작고 표면 디테일이 적다.Hébrard Foundry는 1919년부터 1936년까지 동상을 주조했으며, Hébrard가 사망하기 직전인 1937년에 폐쇄되었다.

2004년에는 드가의 원래 밀랍 조각과 거의 비슷한 73개의 석고 주물들로 이루어진 거의 알려지지 않은 그룹이 에브라드의 후손들로부터 에어린도 파운드리(일명 에어린도르발수아니)가 구입한 재료들 중에서 발견되었다고 발표되었다.이러한 플라스터에서 주조된 브론즈는 2004년과 2016년 사이에 에어라인도르-발수아니에 의해 일관성 없이 표시된 판으로 발행되어 크기가 알려지지 않았다.이러한 플라스터의 진위 여부, 그리고 그들의 발기인들에 의해 제안된 그것의 제작의 상황과 날짜와 관련하여 상당한 논란이 있어왔다.[60][62]몇몇 박물관과 학계 전문가들이 제시된 대로 이를 받아들이지만, 드가 학자들의 대부분은 언급을 피했다.[63][64]

인격과 정치

자화상(사진), c. 1895

"예술가는 혼자 살아야 하고, 사생활은 알려지지 않아야 한다"[65]고 믿었던 드가는 겉으로 보기엔 별일 없는 삶을 살았다.동료들 사이에서는 그는 종종 잔인할 수 있는 재치로 유명했다.소설가 조지 무어의 '오래된 컬럼버전'으로 특징지어졌고,[65] 그는 일부러 염세적인 총각으로서의 명성을 닦았다.[29]

1870년대에 드가는 레온 감베타 공화당에 끌렸다.[66]그러나 그의 공화주의는 잘 그려지지 않았고, 노년에 그를 추월할 편견과 짜증의 징후가 때때로 드러났다.그는 그녀가 개신교도라는 것을 알고 모델 하나를 해고했다.[65]드가가 1865년부터 1870년까지 다수의 유대인 주제를 그렸음에도 불구하고, 그의 1879년 작품 <증권거래소 초상화>가 그의 정치적 견해에 분수령이 될 수도 있다.이 그림은 유대인 은행가 어니스트 메이(Ernest May)의 초상화인데, 그는 이 작품을 의뢰했을지 모르며 현대 전문가들에 의해 반유대주의로 널리 간주되고 있다.프로파일에 있는 은행가의 얼굴 생김새는 당시 파리에 만연한 반유대주의 만화에 등장하는 인물들과 직접 비교되어온 반면, 배경 인물들의 얼굴 생김새는 드가의 이전 작품인 '범죄적 관상'과 비교되어 왔다.[67][68]

1890년대부터 1900년대 초까지 파리에서 의견을 분리한 드레퓌스 사건은 그의 반유대주의를 더욱 심화시켰다.1890년대 중반까지 그는 모든 유대인 친구들과의 관계를 끊고,[28] 공개적으로 유대인 예술가들과의 이전 우정을 부인했으며, 유대인일 수도 있다고 믿는 모델을 사용하는 것을 거절했다.그는 죽을 때까지 노골적인 반유대인이자 반유대인 '반드레이푸사드'의 일원으로 남아 있었다.[69]

평판

댄서, 1900년 프린스턴 대학교 미술관

그의 생애 동안 드가의 작품에 대한 대중의 반응은 감탄에서부터 경멸에 이르기까지 다양했다.전통적인 방식에서 전도유망한 예술가로서 드가는 1865년에서 1870년 사이에 살롱에서 많은 그림들이 받아들여졌다.이 작품들은 피에르 푸비스 샤반스와 평론가 쥘 앙투아인 카스타그나리로부터 찬사를 받았다.[70]그러나 그는 곧 인상파 화가들과 힘을 합쳤고, 살롱의 경직된 규칙과 판단을 거부했다.[22]

드가의 작품은 논란의 여지가 있었지만, 일반적으로 초안술로 찬사를 받았다.1881년 제6회 인상파 전시회에서 그가 전시한 그의 라 쁘띠 단서즈콰토르제 안스, 또는 14년의 리틀 댄서는 아마도 그의 가장 논란이 많은 작품일 것이다; 일부 비평가들은 그들이 생각하는 "추악함"을 비난하는 반면 다른 비평가들은 그 속에서 "블라우소밍"[71]을 보았다.

부분적으로 드가의 독창성은 전통적인 조각품의 매끄럽고 완전한 표면과 윤곽을 무시하는 것으로 구성되었다.인형의 장식물처럼 부풀어 오르는 진짜 머리와 옷으로 그의 작은 상을 장식하는 것.이와 같이 비교적 '진짜'의 덧셈은 환상을 고조시켰지만, 예술에 관한 한 '진짜'라고 할 수 있는 것과 같은 탐색적 질문도 제기하였다.[72]

드가가 1886년 제8회 인상파 전시회에서 전시한 누드를 묘사한 파스텔은 "평생 그 화가에 대한 비판적 글쓰기의 가장 집중된 몸체"를 생산했다.전반적인 반응은 긍정적이고 칭찬적이었다"[73]고 말했다.

생전에 중요한 예술가로 인정받은 드가는 현재 "인상주의의 창시자 중 한 명"으로 여겨진다.[74]비록 그의 작품은 많은 양식적 경계를 넘었지만, 인상주의의 다른 주요 인물들과 그들의 전시회에 대한 그의 참여, 일상생활과 활동에 대한 그의 역동적인 그림과 스케치, 그리고 그의 대담한 색채 실험은 마침내 가장 위대한 예술가 중 한 사람으로서 그를 인상주의 운동에 연결시키는 데 기여했다.[37]

드가는 비록 공식적인 제자가 없었지만, 몇몇 중요한 화가들, 특히 장 루이 포랭, 메리 카사트, 그리고 월터 시메르트에게 큰 영향을 주었다.[75] 그의 가장 존경하는 인물은 헨리툴루즈 로트렉이었을 것이다.[55]

드가의 그림, 파스텔, 그림, 조각품들이 많은 박물관에서 눈에 띄게 전시되고 있으며, 많은 박물관 전시와 회고전의 주제가 되어 왔다.최근 전시회에는 드가: 드로잉과 스케치북(The Morgan Library, 2010), 피카소가 드가를 바라본다(Museu Piccosa de Barcela, 2010), 드가와 누드(Museum of Fine Arts, Boston, 2011) 등이 있다.드가의 방법(Ny Carlsberg Glyptotek, 2013);드가의 리틀 댄서(National Gallery of Arture, Washington D.C., 2014) 및 드가: 완벽에 대한 열정 (Fitzwilliam Museum, 2017–2018).[76]

메리 카사트와의 관계

에드가 드가, 메리 카삿 착석, 홀딩 카드, c. 1880–1884, 캔버스 위의 오일, 워싱턴 DC, 국립 초상화 갤러리(NPG.84.34)[77]

1877년 드가는 제3회 인상파 전시회에 메리 카사트를 초대했다.[78]그는 그녀가 1874년 살롱에 전시한 초상화(아이다)를 동경했고, 두 사람은 우정을 맺었다.그들은 예술과 문학에서 비슷한 취향을 공유하고, 부유한 배경에서 왔고, 이탈리아에서 그림을 공부했으며, 둘 다 독립적이고, 결혼하지 않았다.두 사람 모두 자신을 피겨 화가로 여겼고, 미술사학자 조지 섀클포드는 미술평론가 루이스 에드먼드 듀란티(Louis Edmond Duranty)가 자신의 팸플릿 '뉴 페인팅(The New Painting)'에서 "화병처럼 취급되는 양식화된 인체를 떠나자"고 호소한 데 영향을 받았다고 시사했다.우리에게 필요한 것은 그의 옷 속에 있는 특징적인 현대인으로서, 그의 사회적 환경 속에서, 집이나 길거리에서 말이다."[79][80]

메리 카사트, 자화상, c. 1880, 종이에 흑연 위에 구아체와 수채화, 워싱턴 DC 국립 초상화 갤러리(NPG.76.33)[77]

1877년 카사트의 부모와 누이 리디아가 파리에서 카사트에 합류한 후 드가, 카사트, 리디아 등이 함께 미술품을 공부하는 모습을 루브르 박물관에서 자주 볼 수 있었다.드가는 루브르 박물관에서 카사트가 미술품을 보는 모습을 그리고 리디아는 안내서를 읽는 동안 기술 혁신으로 유명한 두 장의 판화를 제작했다.이들은 드가가 계획한 (카미유 피사로 등과 함께) 인쇄물 저널을 위해 운명지어져 있었는데, 결코 결실을 맺지 못했다.카사트는 드가를 위해 자주 포즈를 취했고, 특히 모자를 쓰려고 하는 그의 밀로니 시리즈를 위해 포즈를 취했다.[81]

드가는 카사트를 파스텔링과 판화에 대해 소개한 반면, 카사트는 드가가 자신의 그림을 파는 것을 돕고 미국에서 그의 명성을 알리는데 중요한 역할을 했다.[82]카사트와 드가는 카사트가 인쇄 기술을 숙달하고 있던 1879-80년 가을과 겨울에 가장 가깝게 함께 일했다.드가는 작은 인쇄기를 가지고 있었고, 낮에는 그의 공구와 인쇄기를 사용하여 그의 스튜디오에서 일했다.그러나 1880년 4월에 드가는 그들이 협력하고 있던 인쇄물 일기에서 갑자기 물러났고, 그의 지원도 없이 프로젝트는 접었다.비록 그들은 1917년 드가가 죽을 때까지 계속 서로를 방문했지만,[83] 그녀는 다시는 그녀가 판화 저널을 읽었던 것만큼 그와 가깝게 일하지 않았다.

1884년경 드가는 카사트, 메리 카사트 착석, 홀딩 카드 등의 유화로 초상화를 그렸다.Stephanie Strasnick은 그 카드가 아마도 그들의 작품을 기록하기 위해 그 당시 예술가들과 딜러들에 의해 사용되었던 카트비사이트일 것이라고 제안한다.[84]카사트는 그것이 그녀를 "혐오스러운 사람"으로 대변한다고 생각했고 이후 1912년 또는 1913년에 그녀의 딜러 폴 듀랜드 루엘에게 "내가 그것을 위해 포즈를 취했다는 것을 알리고 싶지 않을 것"[85]이라고 편지를 쓰면서 그것을 팔았다.

드가는 카사트와 마찬가지로 자신의 견해를 솔직하게 밝혔다.[86]그들은 드레퓌스 사건을 놓고 충돌했다.[a][88][89]카사트는 이후 1915년 루진 하버마이어의 공동 전시회와 드가의 작품이 여성 참정권을 위해 열리게 된 것에 대해 만족감을 표시했다. 똑같이 드가의 안티팔일 발언을 자신들에 의해 소원해졌다고 애칭할 수 있다.그렇게 그릴 권리").[90]

갤러리

그림

누드

조각품

참조

메모들

  1. ^ 프로 드레이푸스에는 카밀 피사로, 클로드 모네, 폴 시그낙, 메리 카사트가 포함되었다.안티 드레이푸스에는 에드가 드가, 폴 세잔, 아우구스트 로댕, 피에르 오귀스트 르누아르 등이 포함됐다.[87]

인용구

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원천

추가 읽기

외부 링크