로코코

Rococo
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로코코
Ca' rezzonico, salone da ballo, quadrature di pietro visconti e affreschi di g.b. crosato (caduta di febo e 4 continenti), 1753, 02.jpg
Charles Cressent, Chest of drawers, c. 1730 at Waddesdon Manor.jpg
Kaisersaal Würzburg.jpg
조반니 바티스타 크로사토(1753)의 환상적 쿼드라투라 그림이 그려진 베니스의 카 레조니코 무도장 천장.샤를 크레센트의 서랍장(1730년); 발타사르 노이만의 뷔르츠부르크 저택 카이저살(1749년-51년)
액티브 년수1730년대~1760년대
나라프랑스, 이탈리아, 중앙 유럽

로코코(/rəkokoko//, 또한 미국: /roroəkˈko//)는 덜 흔하게 로코코 또는 후기 바로크의 건축, 예술, 장식의 예외적인 장식적인 스타일로 비대칭성, 스크롤 곡선, 도금, 흰색과 파스텔 색상, 조각된 몰딩, 트롬펠의 놀라운 착시효과를 만들어 냅니다.a. 그것은 종종 바로크 [1]운동의 마지막 표현으로 묘사된다.

로코코 스타일은 1730년대 프랑스에서 보다 형식적이고 기하학적인 루이 14세 스타일에 대한 반작용으로 시작되었다.그것은 "로카유 스타일" 또는 "로카유 스타일"[2]로 알려져 있다.그것은 곧 유럽의 다른 지역들, 특히 북부 이탈리아, 오스트리아, 남부 독일, 중앙 유럽 [3]그리고 러시아로 퍼졌다.그것은 다른 예술, 특히 조각, 가구, 은식기, 유리 식기, 그림, 음악, [4]연극에도 영향을 끼쳤다.원래 개인 주택의 인테리어에 주로 사용되는 세속적인 스타일이었지만, 로코코는 특히 중앙 유럽, 포르투갈,[5] 남아메리카에서 교회 인테리어에 널리 쓰이게 된 정신적 측면을 가지고 있었다.

어원학

츠비팔텐 사원의 로코코 조각, 회반죽, 프레스코 일체형(1739년–45년)

로코코라는 단어는 처음에 [6][7]로카유라는 단어의 유머러스한 변형으로 사용되었다.로카유는 원래 조약돌, 조개껍데기, 시멘트를 이용한 장식 방법이었는데,[8][9] 르네상스 이후 종종 동굴과 분수를 장식하는 데 사용되었다.17세기 후반과 18세기 초에, 로카유는 아칸서스 잎이 섞인 조개껍데기의 형태로 후기 루이 14세에 나타난 일종의 장식적인 모티브나 장식의 용어가 되었다.1736년 디자이너이자 보석상인 장 몽동(Jean Mondon)은 가구의 장식과 실내 장식을 위한 디자인 모음인 프리미어 리브르 드 폼 로콰일 에 카르텔(Premier Livre de Forme Rockquailu et cartel)을 출판했다.그것은 로카유라는 용어가 인쇄된 최초의 [10]문체였다.조개껍데기 모티브는 야자수 잎이나 비틀린 덩굴과 결합되어 출입구, 가구, 벽 패널 및 기타 건축 [11]요소를 장식했다.

로코코라는 용어는 1825년 인쇄물에서 "구식이고 구식"인 장식을 묘사하기 위해 처음 사용되었다.1828년에 "18세기식 장식으로 뒤틀린 장식이 가득했다"는 장식으로 사용되었습니다.1829년 작가 스텐달은 로코코를 "18세기의 로카유 스타일"[12]이라고 묘사했다.

오스트리아 출신의 엥겔젤 수도(1754년-1764년)

19세기에 이 용어는 지나치게 [13][14]장식적인 건축이나 음악을 묘사하기 위해 사용되었다.19세기 중반부터 이 용어는 미술사학자들에 의해 받아들여지고 있다.이 스타일의 역사적 중요성에 대한 논란은 여전히 남아있지만, 로코코는 종종 유럽 예술의 발전에서 뚜렷한 시기로 여겨진다.

특성.

로코코는 풍부한 곡선, 역곡선, 기복이 있고 자연을 모델로 한 요소가 있는 화려한 장식이 특징입니다.로코코 빌딩의 외관은 단순하고, 인테리어는 장식이 주를 이룬다.그 스타일은 매우 연극적이어서 첫눈에 인상적이고 경외심을 갖도록 디자인되었다.교회의 평면도는 종종 복잡한데, 서로 맞물린 타원형을 특징으로 한다; 궁전에서, 웅장한 계단은 중심부가 되었고,[1] 장식의 다른 관점을 제공했다.로코코의 주요 장식은 비대칭 조개, 아칸서스, 기타 잎, 새, 꽃다발, 과일, 악기, 천사, 치노아제리(파고다, 용, 원숭이, 기이한 꽃과 중국인)[15]이다.

이 화풍은 종종 주형 회반죽과 목각, 그리고 방에 들어오는 사람들이 하늘을 올려다보고 있다는 인상을 주기 위해 고안된 착시주의 천장화들을 통합했다.사용된 재료는 회반죽으로 칠하거나 흰색으로 남겨둔 것, 다양한 색깔의 목재(대개 참나무, 너도밤나무 또는 호두나무), 일본식 옻칠한 목재, 금동으로 만든 청동 장식, 그리고 코드나 [16]테이블의 대리석 상판 등이 있었다.첫눈에 [17]놀라움, 경외감, 경이로움을 자아내는 것이 목적이었다.

바로크와 로코코의 차이점

다음은 로코코와 바로크에는 없는 특징들이다.

  • 아르누보와 비슷한 우아한 선과 곡선으로 구성된 대칭의 부분적 포기
  • 비대칭 곡선과 C자형 볼륨의 엄청난 양
  • 꽃으로 만든 꽃꽂이를 예로 들 수 있는 장식용 꽃의 광범위한 사용
  • 중·일 모티브(중·일 모티브도 참조)
  • 따뜻한 파스텔[18] 컬러(흰빛-노란색, 크림색, 펄 그레이, 매우 밝은 블루스)[19]

프랑스.

다음 항목도 참조하십시오.로카유와 루이 퀸제

로카유 양식 또는 프랑스 로코코는 루이 15세의 통치 기간 동안 파리에 나타났고 약 1723년에서 1759년 사이에 [20]번성했다.이 스타일은 특히 살롱에서 사용되었는데, 이것은 손님들을 감동시키고 즐겁게 하기 위해 고안된 새로운 스타일의 방이다.가장 두드러진 예는 제르맹 보프랑과 샤를 조제프 나토아르(1735-40)가 디자인한 파리 호텔 드 소비즈의 공주 살롱이다.프랑스 로코코의 특징은 특히 회반죽으로 조각되고 종종 금박을 입힌 거울과 그림을 위해 만들어진 복잡한 액자, 그리고 복잡한 [21]디자인으로 얽힌 식물 형태의 사용을 포함했다.그 가구들은 또한 구불구불한 곡선과 식물적인 디자인을 특징으로 했다.이 스타일의 선두적인 가구 디자이너와 장인들은 쥐스트-오렐 메이소니에, 샤를 크레센트, 니콜라스 피노를 [22][23]포함했다.

로카유 양식은 18세기 중반까지 프랑스에서 지속되었고, 그것이 더 굽고 식물성적이 되었지만, 바이에른, 오스트리아, 이탈리아의 로코코족의 사치스러운 풍요로움을 결코 이루지 못했다.1738년 허큘라네움에서 시작된 로마 유물들의 발견과 특히 1748년 폼페이의 발견은 프랑스 건축을 보다 대칭적이고 덜 화려한 신 고전주의로 변화시켰다.

이탈리아

이탈리아, 특히 베니스의 예술가들도 로코코 스타일을 활기차게 연출했다.베네치아의 코모데스는 프랑스 로카유의 곡선과 조각된 장식을 모방했지만, 특정한 베네치아의 변형을 가지고 있었다; 그 작품들은 종종 구아디 또는 다른 화가들의 장면, 또는 Chinoiserie의 배경에서 파란색 또는 녹색 배경과 함께 그려졌고, 그들의 작품들의 베네치아 유파의 색상과 어울렸다.살롱을 꾸몄다.교회와 팔라초의 천장과 벽화를 그린 조반니 바티스타 티에폴로와 카레조니 코의 무도장 천장을 사각형으로 그려 입체감을 주는 조반니 바티스타 크로사토가 눈에 띄었다.티에펠로는 1752-1754년 동안 아들과 함께 독일로 여행을 가서 바이에른 로코코의 주요 랜드마크 중 하나인 뷔르츠부르크 저택의 천장을 장식했다.이전에 유명한 베네치아의 화가는 지오반니 바티스타 피아제타였는데, 그는 몇몇 주목할 만한 교회 천장을 그렸다.[24]

베네시안 로코코에는 유럽 전역에 수출된 뛰어난 유리 제품들, 특히 무라노 유리가 특징이었다.작품에는 화려한 프레임의 다양한 색상의 샹들리에와 거울이 포함되어 있습니다.[24]

남부 독일

교회 건축, 특히 남독일-오스트리아 지역에서는 실용적인 이유만으로 거대한 공간적 창작물이 만들어지기도 하지만, 기념비적인 것처럼 보이지는 않지만, 종종 예술 장르와 예술 장르 사이의 경계를 완전히 없애는 독특한 융합으로 특징지어진다.무중력 상태, 축제적 쾌활함, 움직임으로 특징지어진다.로코코 장식 양식은 1730년대부터 1770년대까지 독일 남부와 오스트리아에서 절정에 달했다.그곳은 오늘날까지 교회 경관을 지배하고 있으며 대중문화 속에 깊이 자리 잡고 있다.프랑스에서 조각가 클로드 3세 오드랑, 인테리어 디자이너 길마리 오페노르트, 건축가 제르맹 보프랑, 조각가 장 몽동, 제도공 겸 조각가 피에르 르포르 등 건축가들과 장식가들의 출판물과 작품을 통해 처음 소개되었다.그들의 작품은 독일 로코코 양식에는 중요한 영향을 미쳤지만,[25] 독일 남부의 건물 수준에는 미치지 못한다.

독일 건축가들은 로코코 양식을 개조했지만 프랑스 원본보다 훨씬 더 비대칭적이고 화려한 장식이 가득했다.독일 스타일은 벽을 따라 폭주하는 형태의 폭발이 특징이었다.곡선과 역곡선으로 성형된 성형품, 비틀림과 회전 패턴, 직각이 없는 천장과 벽, 벽과 천장을 가로지르는 듯한 회반죽 잎 등이 특징이다.장식은 종종 흰색이나 옅은 파스텔 [26]벽과 대비하기 위해 금을 입히거나 은을 입혔다.

벨기에 태생의 건축가이자 디자이너인 프랑수아 드 쿠빌리에스는 프랑스에 있는 트리아농과 말리의 전시관에서 영감을 받아 뮌헨의 아말리엔부르크 (1734-1739년) 파빌리온과 함께 독일에서 로코코 건물을 최초로 지은 사람 중 한 명입니다.사냥 오두막으로 지어졌으며 지붕에는 꿩 사냥을 위한 기단이 있다.화가이자 조각가인 요한 침례 짐머만이 그린 실내 거울의 전당은 프랑스 로코코보다 훨씬 화려했다.[27]

초기 독일 로코코의 또 다른 주목할 만한 예는 발타사르 노이만이 뷔르츠부르크의 왕자 비숍을 위해 지은 뷔르츠부르크 저택이다.노이만은 파리로 가서 프랑스의 로카유 장식 예술가 제르맹 보프랑과 로베르 드 코트와 상의했다.외관은 좀 더 차분한 바로크 양식이었지만, 내부, 특히 계단과 천장은 훨씬 더 가볍고 장식적이었다.비숍 왕자는 1750-53년 이탈리아 로코코 화가 조반니 바티스타 티에폴로를 수입하여 3층 의례 [28][29]계단 위에 벽화를 그렸다.노이만은 이 저택의 내부를 "빛의 극장"이라고 묘사했다.이 계단은 노이만이 브뤼흘의 아우구스투스부르크 궁전에 지은 주택의 중심 요소이기도 했다.그 건물에서 계단은 그림, 조각, 철제 세공, 장식에 대한 황홀한 환상을 통해 방문객들을 안내했고,[28] 모든 곳에서 놀라운 광경을 볼 수 있었다.

1740년대와 1750년대에 바이에른에는 로코코 양식의 독특한 변형으로 인테리어가 장식된 많은 주목할 만한 순례 교회가 지어졌다.가장 주목할 만한 예 중 하나는 도미니쿠스 짐머만이 디자인한 비스키르체입니다.대부분의 바이에른 순례 교회처럼 외관은 파스텔 벽과 작은 장식들로 매우 단순합니다.교회에 들어서자 방문객은 놀라운 움직임과 빛의 극장을 만나게 된다.그것은 타원형의 성소와 같은 형태의 제암탑이 특징이며, 사방에서 들어오는 빛으로 교회를 채우고 있다.하얀 벽은 합창단의 파란색과 분홍색 회반죽 기둥과 대비되었고, 성경의 화려한 인물들로 가득한 하늘을 나타내는 돔 아래 석고 천사에 둘러싸인 돔 천장은 대조를 이뤘다.다른 주목할 만한 순례 교회로는 발타사르 노이만의 14명의 성조자 성당이 있다.[30][31]

요한 미카엘 피셔는 또 다른 바이에른 로코코 랜드마크인 오토뷰렌 수도원 (1748–1766)의 건축가이다.이 교회는 독일의 로코코 건축물의 많은 부분과 마찬가지로 정면의 규칙성과 실내 [28]장식의 과잉 사이에 현저한 대조를 이루고 있습니다.

영국

영국에서 로코코는 "프랑스의 맛"으로 불리며 유럽 대륙보다 디자인과 장식 예술에 덜 영향을 미쳤지만 은세공, 도자기, 실크 등의 분야에서 그 영향을 받았다.William Hogarth는 로코코 아름다움을 위한 이론적 기반을 개발하는 데 도움을 주었다.로코코를 이름으로 언급하지는 않았지만, 그는 그의 '미의 분석'(1753)에서 로코코에서 두드러지는 [32]기복이 있는 선과 S자 곡선이 (고전주의의 직선이나 원과 달리) 예술이나 자연에서 우아함과 아름다움의 기초라고 주장했다.

로코코는 영국에 늦게 도착했다.로코코에 들어가기 전, 영국의 가구들은 한동안 벌링턴 경과 다른 중요한 예술 후원자들을 위해 디자인한 디자이너 윌리엄 켄트 아래 신고전주의 팔라디안 모델을 따랐다.켄트는 1712년에서 1720년 사이에 벌링턴 경과 함께 이탈리아를 여행했고 팔라디오에서 많은 모델과 아이디어를 가져왔다.그는 햄튼 코트 궁전(1732), 벌링턴 경의 치스윅 하우스(1729), 런던, 토마스 코크의 홀컴 홀, 노퍽, 호튼의 로버트 월폴의 말뚝, 런던의 데번셔 하우스, 그리고 [22]루섬의 가구를 디자인했다.

마호가니는 약 1720년에 영국에 등장했고, 곧바로 호두나무와 함께 가구로 인기를 끌었다.로코코는 1740년에서 1750년 사이에 영국에 나타나기 시작했다.토마스 치펜데일의 가구는 로코코 양식에 가장 가까웠고, 1754년 로코코, 치누아제리, 심지어 고딕 양식의 가구 디자인 카탈로그인 "신사와 가구 제작자 명부"를 출판하여 3판을 거쳐 큰 인기를 얻었다.프랑스 디자이너들과 달리, 치펜데일은 그의 가구에 마켓이나 상감을 사용하지 않았다.상감 가구의 주요 디자이너는 조지 3세의 가구 제작자인 벨리와 코브였다.영국의 가구에서 또 다른 중요한 인물은 토마스 존슨이었는데, 그는 매우 늦은 1761년에 로코코 가구 디자인의 카탈로그를 출판했다.여기에는 중국 탑(현재의 빅토리아 앨버트 박물관)[24]에 의해 정관된 캐노피 침대를 포함하여 다소 환상적인 중국과 인도 모티브를 바탕으로 한 가구들이 포함됩니다.

영국 로코코에서 다른 유명한 인물로는 은세공 찰스 프리드리히 칸들러가 있었다.

  • Design for a State Bed by Thomas Chippendale (1753–54)

    Thomas Chippendale(1753-54)의 스테이트 침대 설계

  • Proposed Chinese sofa by Thomas Chippendale (1753–54)

    토마스 치펜데일의 중국 소파 제안(1753-54)

  • Design for Commode and lamp stands by Thomas Chippendale (1753–54)

    토마스 치펜데일의 Commode 및 램프 스탠드 설계(1753–54)

  • Side chair; Thomas Chippendale; circa 1755–1760; mahogany; Metropolitan Museum of Art (New York City)

    사이드 의자토마스 치펜데일, 1755년-1760년경; 마호가니; 메트로폴리탄 미술관(뉴욕시)

  • Design for candlesticks in the "Chinese Taste" by Thomas Johnson (1756)

    Thomas Johnson(1756)의 "Chinese Taste" 촛대 디자인

  • Chippendale chair (1772), Metropolitan Museum

    메트로폴리탄 박물관 치펜데일 의자(1772년)

  • Brazier by silversmith Charles Friedrich Kander (1735), Metropolitan Museum

    은세공 찰스 프리드리히 갠더(1735), 메트로폴리탄 박물관 화로

러시아

러시아 여왕 캐서린 대왕도 로코코를 숭배했다.이탈리아인 안토니오 리날디가 설계한 상트페테르부르크 인근 오라니엔바움 궁전의 황금색 내각은 러시아 로코코의 한 예다.

프레데릭 로코코

상세정보(독일어):프리데리지아니스 로코코 [de]
1781년경 요한 H. C. 프랑케의 프레데릭 대왕

프레데릭 로코코는 프레데릭 대왕의 통치 기간 동안 프러시아에서 발전했고 프랑스, 독일(특히 작센)과 네덜란드의 영향을 합친 로코코의 한 형태이다.가장 유명한 신봉자는 건축가 게오르크 웬제슬라우스 폰 노벨스도르프였다.게다가 화가 앙투안 페스네와 심지어 프레드릭 왕도 노벨스도르프의 디자인에 영향을 주었다.프레데리칸 양식의 유명한 건물로는 산수치 궁전, 포츠담 시티 궁전, 샬로텐부르크 궁전의 일부가 있다.

사양 및 종료

다음 항목도 참조하십시오.신고전주의와 엠파이어 스타일
로코코 칼릭스 크레이터의 18세기 자크 드 라쥬의 식각과 신고전주의 석조 정원 꽃병처럼 정확히 같은 모양을 가진 1세기 로마 칼릭스 크레이터의 비교

장식적인 신화와 용맹함에 중점을 둔 Boucher와 그 시대의 다른 화가들의 예술은 곧 반작용을 불러일으켰고 더 많은 "고귀한" 주제에 대한 요구를 불러일으켰다.로코코가 독일과 오스트리아에서 계속되는 동안, 로마의 프랑스 아카데미는 고전적인 스타일을 가르치기 시작했다.이것은 1738년 드 트로이가 아카데미 교장으로 임명되고 1751년 찰스-조셉 나토이어에 의해 확인되었습니다.

루이 15세의 정부인 마담 드 퐁파두르는 로코코 양식의 쇠퇴에 기여했다.1750년 그녀는 그녀의 오빠인 아벨 프랑수아 푸아송 드 반디에르를 이탈리아의 예술 및 고고학적 발전을 연구하기 위한 2년간의 임무로 보냈다.그는 조각가 샤를 니콜라 코친과 건축가 수플로를 포함한 여러 예술가들과 동행했다.그들은 고전 예술에 대한 열정을 가지고 파리로 돌아왔다.반디에레스는 마리니 후작이 되었고, 왕의 건물의 총장으로 임명되었습니다.그는 프랑스의 공식 건축을 신고전주의로 바꿨다.코친은 중요한 미술 평론가가 되었다; 그는 부쉐의 작은 스타일을 비난하고, 회화와 [33]건축의 아카데미에서 고귀함과 고귀함을 새롭게 강조하는 웅장한 스타일을 요구했다.

로코코의 종말은 볼테르와 자크 프랑수아 블론델과 같은 인물들이 예술의 피상성과 퇴폐성에 대한 비판의 목소리를 내기 시작하면서 1760년대 초에 시작되었다.블론델은 현대 인테리어에서 [34]"조개, 용, 갈대, 야자수, 식물의 터무니 없는 뒤죽박죽"을 비난했다.

1785년까지 로코코는 프랑스에서 유행하지 않게 되었고, 자크 루이 다비드와 같은 신고전주의 예술가들의 질서와 진지함으로 대체되었다.독일에서 18세기 후반의 로코코는 조프 언 페뤼케(Zopf und Perücke, 돼지꼬리와 페리위그)로 조롱당했고, 이 시기는 조프스틸(Zopfstil)로 불리기도 한다.로코코는 신고전주의의 두 번째 단계인 "제국 스타일"이 나폴레옹 정부와 함께 도착하여 로코코를 휩쓸 때까지 독일 일부 지방과 이탈리아에서 인기를 유지했다.

가구 및 장식

로카유라고 불리는 장식 양식은 1710년에서 1750년 사이에 프랑스에서 나타났는데, 대부분 루이 15세의 섭정과 통치 기간 동안이었다; 그 양식은 루이 퀸즈라고도 불렸다.그 주된 특징은 그림 같은 디테일, 곡선과 역곡선, 비대칭성, 그리고 연극적인 활기가 있었다.파리 살롱의 새로운 벽에는 대개 금도금이나 페인트칠을 한 회반죽으로 만들어진 비틀고 구불구불한 디자인이 덩굴처럼 문간과 거울을 휘감고 있다.가장 초기의 사례 중 하나는 파리의 호텔 수비즈(1704-05)로, 유명한 타원형 살롱이 부쉐와 샤를 조제프 나토르의 [35]그림으로 장식되어 있다.

왕실을 또한 조각가, 화가 그 시대의 가장 유명한 프랑스 가구 디자이너였습니다 Juste-Aurèle Meissonnier(1695–1750), 금속.그는 회의실과 내각 루이 15세의 공식적인 디자이너 타이틀을 보유했다.그의 일은 잘 오늘 유럽 전역의 스타일을 대중화시켰지만 판화 등 그의 작품으로 만든 엄청난 숫자 때문에 알려져 있다.그는 폴란드와 포르투갈의 왕실을 위한 작품을 디자인했다.

그것의 차후에 초기 단계 둘 다에서 로코코가 번영했던 이탈리아는 다른 곳을 말한다.로마, 밀라노, 베니스에서 이 모든 지은 화려한 실내 장식 가구와 장식품을 만들었다.

  • Candlelabra by Juste-Aurèle Meissonnier (1735–40)

    Candlelabra Juste-Aurèle Meissonnier(1735–40)에 의해.

  • Chariot of Apollo design for a ceiling of Count Bielinski by Meissonier, Warsaw, Poland (1734)

    백작 Bielinski의 메소니에, 폴란드 바르샤바(1734년)에 의해 천장에이야, 아폴로의 디자인입니다.

  • Canapé designed by Meissonnier for Count Bielinski, Warsaw, Poland (1735)

    카나페 Meissonnier에 의해 백작 Bielinski, 폴란드 바르샤바(1735년)기 위한 제도다.

  • Console table, Rome, Italy (circa 1710)

    콘솔 테이블, 로마, 이탈리아(경의 1710년).

그 만들어진 장식 fleurettes, palmettes, 조개,와 나뭇잎, 나무에 조각을 포함했다.가장 사치스러운 rocaille 형태들이 콘솔, 탁자 벽에 대항하도록 설계된에서 발견되었다.그 Commodes, 또는 가슴, 처음으로 루이 14세에 출연했다, 풍부한rocaille 장식 도금을 한 청동으로 제작으로 장식되어 있다.그들은 장 피에르 Latz을 포함한 마스터 장인들에 의해, 또한different-coloured 숲, 때때로 draughtsboard 입방체 패턴에 놓여지는 밝고 어두운 숲으로 만들어진 쪽매 붙임를 특징으로 만들어졌다.그 기간 또한고 도금이 된 칠포 commodes의 형태, 팔콘 드 Chine 베르니 마르탱의 프랑스로 기술을 도입한 ebenist 소리로 불렀다 자주 중국 양식의 도착을 보았다.Ormolu, 또는 금 도금의 청동, 장 피에르 Latz을 포함한 마스터 장인들에 의해 사용되었다.라츠는 포츠담에 있는 그의 궁전을 위해 프레데릭 대왕을 위해 카톤니어 위에 특별히 장식된 시계를 만들었다.수입된 중국 도자기는 종종 살롱의 테이블이나 콘솔에 전시하기 위해 오르몰루 로코코에 설치되었다.다른 장인들은 일본식 옻칠 가구 예술을 모방하여 일본식 [17]모티브의 코드를 제작했다.

영국 로코코는 좀 더 절제된 경향이 있었다.토마스 치펜데일의 가구 디자인은 곡선과 느낌을 유지했지만 프랑스의 변덕스러움에는 미치지 못했다.영국 로코코의 가장 성공적인 주창자는 아마도 18세기 중반 런던에서 일했던 재능 있는 조각가이자 가구 디자이너인 토마스 존슨이었을 것이다.

페인팅

비록 프랑스 로카유가 게르만 로코코의 [36]사치스러움에는 도달하지 못했지만, 프랑스 화가들의 작품에는 그림 같은 세세한 부분, 곡선과 역곡선에 대한 취향, 그리고 바로크 양식의 움직임을 활달함으로 대체하는 비대칭성 등 로카유 양식의 요소들이 나타났다.주요 지지자는 앙투안 와토였고, 특히 루브르 시테라 섬의 순례(1717)에서는 젊은 귀족들이 전원적인 환경에서 모여 축하하는 장면을 묘사한 Féte Galante라고 불리는 장르였다.Watteau는 1721년 37세의 나이로 사망했지만, 그의 작품은 나머지 세기에 걸쳐 계속해서 영향을 미쳤다.시테라 순례 그림은 1752년 또는 1765년 프로이센의 프레데릭 대왕이 베를린의 [36]샬로텐부르크 궁전을 장식하기 위해 구입했다.

와토와 페테 갈란테의 장식화 후계자는 마담 드 퐁파두르의 가장 좋아하는 화가 프랑수아 부셰(1703–1770)였다.그의 작품에는 관능적인 Turette de Venus (1746년)가 포함되어 있는데, 이것은 그 스타일의 가장 잘 알려진 예시 중 하나가 되었다.바우처는 태피스트리 디자인, 도자기 조각 모형 디자인, 파리 오페라 및 오페라 코미크 세트, 생로랑 박람회 장식 등 당시 모든 장르에 참여했다.[37] 페테 갈란테 양식의 다른 중요한 화가로는 니콜라스 랑크레와 장 밥티스트 파테가 있었다.베르사유 궁전의 헤라클레스 살롱 천장의 화려한 장식을 그린 프랑수아 르모인은 1735년 [36]완성됐다.부쉐, 피에르 샤를 트레몰리에르, 샤를 조제프 나토레가 그린 용감하고 신화적인 주제를 가진 그림들이 파리의 호텔 수비즈의 유명한 살롱을 장식했다.[37]다른 로코코 화가로는 장 프랑수아 드 트로이(1679–1752), 장 밥티스트 판 루(1685–1745), 그의 두 아들 루이 미셸 판 루(1707–1771)와 샤를 아메데 필리프 판 루(1719–1795), 동생 샤를 반랑드르 루(1719–1795)가 있다.

오스트리아와 남부 독일에서는 이탈리아 그림이 로코코 화풍에 가장 큰 영향을 끼쳤다.베네치아의 화가 조반니 바티스타 티에폴로는 그의 아들 조반니 도메니코 티에폴로의 도움을 받아 뷔르츠부르크 저택 (1720–1744년) 프레스코화를 그리도록 초대받았다.바이에른 로코코 교회의 가장 유명한 화가는 요한 침례 짐머만이었는데, 그는 비스키르체 천장을 그렸습니다.

조각품

로코코 조각은 연극적이고 색채가 풍부하고 역동적이어서 모든 방향으로의 움직임을 느낄 수 있었다.그것은 주로 회화와 건축과 밀접하게 통합되는 교회 인테리어에서 가장 흔하게 발견됩니다.종교적 조각은 이탈리아 바로크 양식을 따랐는데, 이는 비엔나에 있는 카를스키르슈의 극장 제단 작품에서 예시되었다.

프랑스의 초기 로코코 또는 로카유 조각상은 루이 14세의 고전적인 스타일보다 더 가볍고 더 많은 움직임을 제공했다.그것은 특히 루이 15세의 정부인 마담 드 퐁파두르에 의해 장려되었는데, 그는 그녀의 성당과 정원을 위해 많은 작품들을 의뢰했다.조각가 에드메 부샤르동은 큐피드가 헤라클레스 클럽에서 사랑의 다트를 조각하는 것을 대표했다.로코코 형상은 또한 람베르 시지베르트 아담과 니콜라스 세바스티앙 아담의 해왕성의 샘과 같은 베르사유에 나중에 생긴 분수에도 붐볐다.베르사유에서의 성공을 바탕으로, 그들은 프로이센의 산수치 궁전을 위한 분수 조각품을 만들기 위해 프리드리히 대왕의 [38]초청을 받았다.

에티엔-모리스 팔코네 (1716–1791)는 이 기간 동안 프랑스의 또 다른 대표적인 조각가였다.팔코넷은 세인트루이스에서 말을 탄 피터 대왕의 동상으로 가장 유명했다.페테르스부르크는 부유한 수집가들을 위한 일련의 작은 작품들을 만들었는데, 테라코타나 청동으로 만든 시리즈로 복제될 수 있었다.프랑스 조각가 장 루이 르모인, 장 밥티스트 르모인, 루이 시몽 보이조, 미셸 클로디온, 람베르 시지베르트 아담, 장 밥티스트 피갈은 모두 수집가를 [39]위해 시리즈로 조각품을 제작했다.

이탈리아에서 안토니오 코라디니는 로코코 양식의 대표적인 조각가 중 한 명이었다.베네치아인인 그는 성 베드로 대제를 위해 일하며 유럽을 여행했다.오스트리아와 나폴리의 궁정에서 사용되는 페테르부르크입니다.그는 감상적인 주제를 선호했고 베일에 가려진 얼굴을 가진 여자들의 숙련된 작품을 여러 편 만들었는데, 그 중 하나는 현재 [40]루브르 박물관에 있다.

로코코 조각의 가장 정교한 예는 스페인, 오스트리아, 독일 남부에서 궁전과 교회의 장식에서 발견되었다.그 조각상은 건축물과 밀접하게 통합되어 있어서 어느 것이 멈추고 다른 것이 시작되는지를 알 수 없었다.비엔나의 벨베데레 궁전 (1721-1722)에서 아틀란테스 홀의 아치형 천장은 요한 루카스 폰 힐데브란트가 디자인한 근육질의 인물들의 어깨에 세워져 있다.발렌시아에 있는 도스 아구아스 후작 궁전의 정문은 히폴리토 로비라 브로칸델이 [41]디자인한 대리석으로 조각된 조각으로 완전히 흠뻑 젖어 있었다.

톨레도 대성당의 주요 예배당에 있는 엘 투명 제단은 그림, 조각상, 상징물과 결합된 다색 대리석과 금으로 도금된 회반죽으로 된 우뚝 솟은 조각상이다.그것은 나르시소 토메 (1721–32)에 의해 만들어졌으며, 그것의 디자인은 빛이 통과하도록 하고, 빛이 바뀔 때 [42]그것은 움직이는 것처럼 보인다.

도자기

작은 조각의 새로운 형태인 도자기 조각상, 혹은 작은 조각상들이 등장했는데, 처음에는 거대한 식탁 위의 설탕 조각상들을 대체했지만, 곧 벽난로 조각과 가구 위에 놓는 것으로 인기를 끌었다.유럽의 공장 수는 세기를 거치면서 꾸준히 증가했고, 일부는 팽창하는 중산층이 살 수 있는 도자기를 만들었다.컬러풀한 오버글레이즈 장식의 양 또한 증가했다.그것들은 대개 조각 훈련을 받은 예술가들에 의해 모델화 되었다.공통의 주제에는, 코미디아 델라르테의 인물, 도시의 노점상, 연인과 유행하는 옷을 입은 인물, 그리고 새 한 쌍이 포함되었다.

요한 요아힘 캉들러는 1760년까지 가장 중요한 유럽 최초의 공장인 마이센 도자기의 가장 중요한 모델러였다.스위스 태생의 독일 조각가 프란츠 안톤 부스텔리는 바이에른에 있는 님펜부르크 도자기 제조소를 위해 다양한 색상의 피규어를 제작했는데, 이 피규어는 유럽 전역에서 판매되었습니다.프랑스 조각가 에티엔-모리스 팔코네 (1716–1791)가 이 예를 따랐다.대규모 작품도 만들면서 세브르 도자기 제작소의 디렉터가 되어, 주로 사랑과 유쾌함을 소재로 한 소규모 작품을 시리즈로 제작했습니다.

음악

로코코 시대는 음악사에 존재했지만, 초기 바로크 시대와 후기 클래식 시대만큼 잘 알려져 있지는 않다.로코코 음악 스타일 자체는 바로크 음악에서 발전했는데, 프랑스에서는 새로운 스타일이 "갤런트" 또는 "우아한" 스타일로 언급되었고, 독일에서는 "empfindsamer Stil"로 언급되었다.그것은 매우 정교하고 세련된 형태의 장식과 함께 가볍고 친밀한 음악으로 특징지을 수 있다.프랑스의 장 필리프 라모, 루이-클로드 다킨, 프랑수아 쿠페랭이 대표적이다.독일에서는 바흐의 두 아들인 C. P. E. 바흐와 요한 크리스티안 바흐가 대표적이다.

18세기 후반, 로코코 스타일에 대한 반작용이 일어났는데, 주로 로코코 스타일에 대한 과도한 장식과 장식에 대한 반작용이 있었다.Christoph Willibald Gluck이 이끈 이 반응은 고전시대를 이끌었다.19세기 초, 가톨릭의 의견은 "헌신의 [43]정서에 전혀 도움이 되지 않는다"는 이유로 교회 문맥에 대한 적합성에 반대하였다.

낭만주의 시대의 러시아 작곡가 표트르 일리치 차이코프스키는 1877년 첼로와 오케스트라를 위해 로코코 주제 변주곡을 작곡했다.주제가 원래 로코코는 아니지만 로코코 스타일로 쓰여져 있다.

패션

백백 가운과 페티코트, 1775-1780 V&A 박물관 번호.T.180&A-1965

로코코 패션은 사치, 우아함, 세련됨과 장식에 기반을 두고 있었다.17세기 여성의 패션은 로코코의 [44]진정한 스타일인 화려하고 세련된 18세기의 패션과 대비되었다.이러한 패션은 궁정을 넘어 상류 부르주아 계층의 [45]살롱과 카페로 퍼져나갔다.우리가 '로코코'라고 알고 있는 화려하고 장난기 많고 우아한 장식과 디자인은 그 당시 르 스타일 로카유, 르 스타일 모데른, 르 [46]통풍으로 알려져 있었다.

18세기 초에 등장한 양식은 흘러내리는 옷인 [44]가운 볼란테로, 루이 14세의 통치 말기에 유행했다.이 가운은 둥근 페티코트 위로 큰 주름이 뒤로 흘러내리는 보디스의 특징을 가지고 있었다.색상 팔레트는 정교하고 무거운 디자인 특징과 함께 풍부하고 어두운 천이었습니다.루이 14세의 죽음 이후 옷 스타일은 바뀌기 시작했다.그 패션은 바로크 시대에서 로코코의 [47]잘 알려진 스타일로 바뀌면서 가볍고 경박한 스타일로 바뀌었다.후기는 파스텔 색, 더 드러나는 드레스, 그리고 장식으로서의 프릴, 주름, 활, 그리고 레이스가 너무 많은 것으로 알려져 있었다.전형적인 여성 로코코 가운이 소개된 직후, 로브 라 프랑세즈는 [44]낮은 목선을 가진 타이트한 몸매를 가진 가운으로, 대개 큰 리본이 중앙 앞쪽으로 휘어져 있고, 넓은 패니어, 그리고 많은 양의 레이스, 리본, 그리고 꽃으로 장식되었다.

와토 주름[44] 또한 화가 장 앙투아네 와토의 이름을 딴 것으로 더욱 인기를 끌었는데, 그는 가운의 디테일을 레이스와 다른 장식들의 꿰맨 부분까지 매우 정확하게 그렸다.나중에, '판니에'와 '만투아'는 1718년경에 유행하게 되었고, 그들은 드레스 아래에 엉덩이를 옆으로 뻗기 위해 넓은 후프를 두르고 곧 정장 의상의 주요품이 되었다.이것은 로코코 시대에 넓은 엉덩이의 상징적 드레스와 많은 양의 옷의 장식을 결합시켰다.특별한 경우에는 넓은 패니어를 착용했고,[48] 직경이 4.8미터에 달할 수 있었고, 일상적인 환경에서는 더 작은 후프를 착용했다.이러한 특징들은 처음에는 임신한 배를 감추기 위해 고안된 것으로 알려진 17세기 스페인 패션에서 비롯되었다가 나중에 팬니에로 [48]다시 상상되었다. 1745년은 프랑스에서 라 [44]투르크라고 불리는 더 이국적이고 동양적인 문화가 도입되면서 로코코의 황금기가 되었다.이것은 루이 15세의 정부인 마담 퐁파두르에 의해 인기를 끌었는데, 그는 화가 찰스 앙드레 반 루에게 터키 술타나로 그녀를 그려달라고 의뢰했다.

1760년대에, 덜 격식을 갖춘 드레스의 스타일이 등장했고, 그 중 하나는 폴란드에서 영감을 얻은 폴로네즈였다.프렌치 드레스보다 길이가 짧아 속옷과 발목이 잘 보여 이동하기 편했다.유행하게 된 또 다른 드레스는 남성 패션에서 영감을 받은 짧은 재킷, 넓은 옷깃, 긴 소매 [47]등 의복인 랑글레였다.그것은 또한 안락한 차체, 팬니어가 없는 풀 스커트, 그러나 작은 기차를 형성하기 위해 뒷부분이 약간 길었고, 종종 목에 레이스 연석장 같은 것이 있었다.또 다른 작품은 망토와 외투의 중간쯤에 있는 '리딩고트'였다.

액세서리는 또한 이 시기 동안 모든 여성들에게 중요했는데, 그것은 가운에 어울리는 화려함과 몸의 장식을 더했기 때문이다.공식적인 의식에서 숙녀들은 옷이 민소매일 [47]경우 장갑으로 손과 팔을 가려야 했다.

갤러리

아키텍처

판화

  • Unknown artist. Allegories of astronomy and geography. France (?), ca. 1750s

    무명 아티스트천문학과 지리학의 우화들.프랑스 (?), ca. 1750년대

  • A. Avelin after Mondon le Fils. L′Heureux moment. 1736

    A. 몽동 르 필스 다음으로 아베린.휴룩 모먼트 1736

  • A. Avelin after Mondon le Fils. Chinese God. An engraving from the ouvrage «Quatrieme livre des formes, orneė des rocailles, carteles, figures oyseaux et dragon» 1736

    A. 몽동 르 필스 다음으로 아베린.중국의 신.ouvrage 'Quatrieme livre des formes, Orne' des Rocailles, 카르텔, 피규어 Oyseaux et Dragon' 1736의 판화

페인팅

로코코 시대의 그림

「 」를 참조해 주세요.

비고 및 인용문

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참고 문헌

추가 정보

외부 링크

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