캠벨 수프 캔

Campbell's Soup Cans
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캠벨 수프 캔
예술가.앤디 워홀
연도1962
카탈로그79809
중간의캔버스에 합성 고분자 페인트
치수32개 캔버스 20 x 16인치 (51cm x 41cm) 각각
위치현대미술관. 1996년 어빙 블럼으로부터 인수됨, 뉴욕
(도입 연도별 32개 캔버스 시리즈 전시)
가입476.1996.1–32

캠벨 수프 캔([2]Campbell's Soup Cans[1], 32 Campbell's[3][4] Soup Cans)은 1961년 11월부터 1962년 6월 사이에 미국 예술가 앤디 워홀에 의해 제작된 예술 작품입니다. 32개의 캔버스로 구성되어 있으며, 각각의 캔버스는 높이 20인치(51cm) × 폭 16인치(41cm)이며 각각은 당시 회사가 제공한 캔 수프 중 하나인 캠벨 수프 캔의 그림으로 구성되어 있습니다.[1] 이 작품들은 상업적 제품과 대중문화에서 파생된 인쇄된 이미지를 워홀이 손으로 그린 것으로 팝아트 운동에 속합니다.

워홀은 그림을 그리기 시작하기 전에 상업 일러스트레이터였습니다. 캠벨 수프 캔은 1962년 7월 9일 어빙 블럼(Irving Blum)이 큐레이션한 캘리포니아 로스앤젤레스 페루스 갤러리(Ferus Gallery)에서 열린 워홀의 첫 번째 1인 갤러리 전시회에서[5][6] 전시되었습니다. 이 전시회는 서해안 팝아트의 첫 선을 보였습니다.[7] 블럼은 1987년 국립미술관에 몇 년간 대여한 뒤 1996년 현대미술관에 매각하기 전까지 이 그림 시리즈를 소유하고 소장하고 있었습니다. 그 주제는 부분적으로 추상적 표현주의의 초기 예술 운동의 기술과 철학에 대한 모욕으로 처음에 공격을 야기했습니다. 예술가로서의 워홀의 동기에 의문이 제기되었습니다. 워홀이 이 주제와 연관됨으로써 그의 이름은 캠벨 수프 캔 그림과 동의어가 되었습니다.

워홀은 그의 경력의 세 단계 동안 캠벨 수프 캔을 묘사한 다양한 예술 작품을 제작했고, 그는 상업계와 대중 매체의 다양한 이미지를 사용하여 다른 작품들을 제작했습니다. 소송을 고려한 끝에 캠벨 수프 회사는 워홀의 캠벨 수프 캔 주제를 받아들였습니다. 오늘날 캠벨 수프 캔 주제는 일반적으로 32개의 캔버스 원본 세트를 참조하여 사용되지만 다른 워홀 작품들도 참조됩니다. 1960년대 초에 만들어진 약 20개의 유사한 캠벨 수프 그림 변형; 높이 23피트 (91cm) × 폭 61cm, 1965년부터 다양한 색상의 캔버스, 관련된 캠벨수프 그림, 스케치 및 스텐실, 1968년과 1969년에 제작된 두 개의 서로 다른 250개의 10개 요소 세트 스크린 프린트, 그리고 1970년대의 다른 반전/반전된 캠벨수프는 다양한 변화를 그릴 수 있습니다. 비슷한 주제의 작품 시리즈 전체의 궁극적인 인기로 인해 워홀의 명성은 가장 유명한 미국 팝아트 아티스트일 [8]뿐만 아니라 살아있는 미국 아티스트 중 최고가를 기록할 정도로 높아졌습니다.[9]

나중에 나온 스크린프린트 세트를 캠벨 수프 캔 세트인 것처럼, 원래 회화 캔버스 세트를 스크린프린트 세트인 것처럼 지칭하는 경우도 있어 약간의 혼란이 있습니다. 또한, 전 직원들과의 낙진으로 인해 법적으로 워홀의 지적 재산인 무단 스크린 인쇄물의 생산과 판매가 계속되고 있습니다. 이 주제에 대한 설명도 다양합니다. 그가 캠벨 수프캔 주제를 선택한 대중적인 설명은 그의 사회적 동료들이 그를 그의 뿌리에 더 가깝게 만드는 제안으로 원작 시리즈에 영감을 주었다는 것입니다. 이러한 예술적 추구에 영향을 미쳤다고 하는 여러 전문 동료들도 있습니다.

초기경력

뉴욕 예술의 현장

워홀은 1949년 카네기 공과대학의 순수예술학교에서 직접 뉴욕에 도착했고,[10] 상업 일러스트레이터로서 빠르게 성공을 거두었습니다. 그가 처음으로 출판한 그림은 글래머 매거진 1949년 여름호에 실렸습니다.[11] 1952년, 그는 보들리 갤러리에서 트루먼 카포테에서 영감을 받은 작품들의 전시와 함께 그의 첫 번째 미술관 전시회를 가졌습니다.[12] 1955년, 네이선 글럭(Nathan Gluck)의 고용된 도움으로 워홀은 뉴욕 공공 도서관의 사진 모음에서 빌린 사진들을 추적하여 카네기 공과대학의 대학생으로서 일찍이 개발한 과정으로 사진들을 재현하고 있었습니다. 그의 후기 작업을 예고했던 그의 과정은 젖은 잉크 삽화를 인접한 종이에 누르는 것을 포함했습니다.[13] 1950년대 동안, 그는 그의 그림들을 정기적으로 전시했고, 현대 미술관에 전시했습니다.[10]

팝아트

1960년, 워홀은 만화를 주제로 한 그의 첫 번째 캔버스를 제작하기 시작했습니다.[14] 워홀은 만화와 다른 팝아트 주제의 실크 스크린을 제작했지만, 당시 그는 로이 리히텐슈타인이 한 더 완성된 스타일의 만화와 경쟁하는 것을 피하기 위해 수프 캔에 자신을 가둔 것으로 추정됩니다.[15] 워홀은 "저는 정말로 리히텐슈타인과 제임스 로젠퀴스트와 충분히 다른 영향을 미칠 것이며, 그것은 매우 개인적인 것이고, 제가 그들이 하고 있는 것을 정확히 하고 있는 것처럼 보이지 않을 것입니다"라고 말했습니다.[16]

1961년 워홀은 추상적인 표현주의의 액션 페인팅과 물방울과 붓질의 사용, 그리고 팝아트의 보다 직접적인 스타일 사이에서 흔들렸습니다. 그의 초기 수프 통조림 작업의 대부분은 후자 쪽으로 기울었습니다. 그는 손 그림과 스텐실 오려내기를 통한 스프레이 그림 그리고 고무 도장 이미지를 실험했습니다. 1962년 1월, 그는 아크릴 물감을 사용하여 캔버스와 종이에 새긴 아트 검 지우개로 도장을 찍기 시작했습니다.[17]

일부 소식통은 32개의 캠벨 수프 캔의 원래 세트가 실크 스크린 작품 세트라고 잘못 주장합니다.[18] 캠벨 수프 캔이 무엇인지에 대한 혼란이 너무 많아서 온타리오의 아트 갤러리가 캠벨 수프 1세트를 구입했을 때 글로브 앤 메일은 그것을 "전체적이고 상징적인 시리즈"라고 묘사했습니다.[19] 32개의 캠벨 수프 캔과 32개의 캠벨 수프 캔의 완전한 세트를 소유하고 있는 현대미술관은 첫 번째를 한 세트의 그림("캔버스에 금속성 에나멜 페인트를 칠한 아크릴,[1] 32개의 패널")으로 설명하고 두 개를 한 세트의 스크린프린트("열 개의 스크린프린트의 포트폴리오")로 설명합니다.[20][21] 원래 32개의 수프 캔 작품은 캔버스에 수프 캔의 투영을 추적하고 손 붓질을 하여 제작되었습니다.[22] 이 과정은 도장과 스텐실에 의존했는데, 이것은 워홀이 화가적인 기술에서 실크 스크린으로 가는 중간 단계였습니다.[23] 이 작품들은 "그의 예술가로서의 명성이 있는 작품들 중 하나"[24]로 여겨질 뿐만 아니라 "그의 작품에 대한 진정한 회고전"의 필수적인 부분으로 여겨집니다.[25]

워홀은 1961년 4월 자신의 본윗 텔러 창문 디자인의 배경으로 사용함으로써 자신의 만화(그리고 신문 광고) 그림에 노출될 수 있었습니다.[26] 레오 카스텔리(Leo Castelli)는 1961년 워홀의 갤러리를 방문하여 워홀과 리히텐슈타인의 만화 작품은 주제와 기법이 다르지만 [27][28]그가 그곳에서 본 작품은 리히텐슈타인의 것과 너무 비슷하다고 말했습니다(예: 워홀의 만화 인물들은 뽀빠이와 같은 유머러스한 대중문화 캐리커처였습니다, 반면에 리히텐슈타인의 작품은 일반적으로 전형적인 영웅과 여주인공이었고 모험과 로맨스에 전념하는 만화에서 영감을 받았습니다.[29] 카스텔리는 그 당시 두 아티스트를 대표하지 않기로 결정했습니다. (1964년 11월, 그는 워홀과 그의 꽃 그림들, 그리고 1966년에 다시 워홀을 전시할 것입니다.)[30] 1962년 2월, 리히텐슈타인은 카스텔리의 유명한 레오 카스텔리 갤러리에서 열린 만화 그림 전시회에서 매진을 기록하며 워홀이 자신의 만화 그림을 전시할 가능성에 종지부를 찍었습니다.[31] 리히텐슈타인의 1962년 쇼는 웨인 티에보(Wayne Tiebaud)가 1962년 4월 17일 앨런 스톤 갤러리(Allan Stone Gallery)에서 전 미국 음식을 선보인 1인 쇼로 빠르게 이어졌는데, 이는 워홀을 자극했고, 워홀은 이로 인해 자신의 음식 관련 작업이 위험해졌다고 생각했습니다.[32] 워홀은 보들리 갤러리로 돌아가는 것을 고려하고 있었지만, 보들리의 감독은 그의 팝아트 작품들을 좋아하지 않았습니다.[16] 1961년, 워홀은 18 East 82번가 갤러리에서 앨런 스톤으로부터 로젠퀴스트, 로버트 인디애나와 함께 3인 쇼를 제안받았지만, 세 사람 모두 이 제안에 모욕당했습니다.[33]

농축 캠벨 수프 캔

1962년 3월, 미술 평론가 데이비드 부르던은 뉴스레터에 실린 워홀의 수프 캔 몇 개가 그의 사회 공간/스튜디오를 방문하는 것을 보았습니다.[34] 어빙 블럼은 워홀의 수프 캔 그림을 보여준 첫 번째 딜러였습니다.[5] 1961년 12월, 그는 우연히 1342 렉싱턴 애비뉴의 아파트/미술 스튜디오에서[35][36] 워홀을 방문했고, 1962년 5월 11일 타임지의 "The Slice-of-Cake School"[37]에 리히텐슈타인, 로젠퀴스트, 티에보와 함께 소개되었습니다.[38] 이 기사에는 1962년 4월 워홀이 사람 크기의 캠벨 수프 캔 그림 캔버스 옆에 서서 거꾸로 캔에서 바로 캠벨 수프를 먹는 사진이 포함되어 있습니다.[39][40] 지난 4월 24일 인터뷰에 응한 [40]워홀은 대중매체를 조작하는 재주를 보여주는 사진이 기사에 실제로 등장한 유일한 예술가였습니다.[41] 그는 또한 이미 리뷰된 팝 아트 쇼를 선보였던 Claes Oldenburg, Jim Dine, Tom Wesselmann, George Segal보다 약간 의외의 선택이었습니다.[40] 블럼은 그날 100개의 수프 캔 그리드를 포함하여 수십 개의 캠벨 수프 캔 변형을 보았습니다.[15] 1962년 5월 블럼이 방문했을 때, 워홀은 32캔 시리즈의 16번째 사실적인 수프 캔 초상화를 작업하고 있었습니다. 그리고 메이 타임 기사는 그가 "현재 살아있는 색으로 된 캠펠의 수프 캔의 일련의 초상화에 몰두하고 있다"고 언급했고, 워홀은 "저는 항상 아름답다고 생각했던 것들을 칠할 뿐입니다. 당신이 매일 사용하지만 결코 생각하지 않는 것들...수프 작업 중인데...그냥 좋아서 하는 거예요."[4] 세 점의 캠벨 수프 캔 그림이 워홀의 파켓 바닥에 펼쳐졌습니다.[42] 워홀의 대형 캠벨수프캔 작품 중 일부가 이미 뉴욕시 미술상들에 의해 판매되고 있다는 사실을 알고 있던 블럼은 [42]워홀이 갤러리 정리가 없다는 사실에 충격을 받아 로스앤젤레스 페루스 갤러리에서 7월 전시회를 열자고 제안했습니다. 이것은 워홀의 팝아트의 첫 번째 원맨 쇼가 될 것입니다.[5][6] Blum은 Warhol에게 갤러리 위에 사무실이 있는 새로 설립된 Artforum 잡지가 쇼를 커버할 것이라고 확신했습니다. 워홀의 첫 단독 갤러리 전시회였을 뿐만 아니라, 이 전시회는 팝아트의 서해안 초연으로 여겨졌습니다.[7] 블럼은 또한 뉴욕 미술계에 대한 워홀의 관심에도 불구하고 할리우드 유명인사의 매력을 이용하여 워홀이 서부로 전시되도록 유도했습니다.[43] 워홀의 팬 데니스 호퍼와 브룩 헤이워드(당시 호퍼의 아내)는 워홀이 서해안 예술가와 유명인사들을 만날 수 있도록 이번 행사를 위해 환영회를 열었습니다.[44][45] 블럼이 워홀에게 보낸 1962년 6월 9일자 편지는 전시회를 7월 9일로 열었습니다.[46]

초연

라 시에네가 대로 723
1962 로스앤젤레스 인근 베벌리 그로브에 있는 페루스 갤러리 쇼 장소 (2023년)

워홀은 블럼에게 캠벨 수프 캔 초상화 32장의 20x16인치(510mm × 410mm) 캔버스를 보냈는데, 각각은 당시 사용 가능한 캠벨 수프 맛의 특정한 종류를 나타냅니다.[1] 어빙 블럼(Irving Blum)이 보낸 1962년 6월 26일자 엽서에는 "32파운드가 안전하게 도착했고 아름다워 보입니다. 여기에 처음 노출되는 동안 낮은 가격 수준을 유지하는 것이 좋습니다."라고 나와 있습니다.[47] 32개의 캔버스는 매우 비슷합니다. 각각은 흰색 배경에 상영된 빨간색과 흰색의 캠벨 수프 캔 실크를 사실적으로 묘사한 것입니다.[48] 그것들이 지속될 수 있다면, 그들은 캠벨이 정확히 32가지 품종을 가졌던 1962년을 기억할 것입니다. 워홀에 따르면 "한때를 의미한다"고 합니다.[49]

1962년 7월 9일에 열린 페루스 전시회는 워홀이 불참하고 공식적인 개막식도 없이 열렸습니다.[50] 하지만, 그 개장은 인기 있는 행사였던 라 시에네가 대로의 "월요 예술 산책"과 동시에 이루어졌습니다.[51] 32개의 수프 캔 캔버스는 선반에 있는 제품과 마찬가지로 한 줄에 놓여 각각 좁은 개별 선반에 진열되었습니다.[52] 당대의 영향은 미미했지만, 역사적 영향은 오늘날 분수령이 된 것으로 평가됩니다. 갤러리 관객들은 그 전시회를 무엇으로 만들어야 할지 확신하지 못했습니다. 존 코플랜스 아트포럼 기사는 인근 갤러리가 해당하는 수십 개의 수프 캔을 60센트(2022년 5.8달러)에 3개로 광고하는 디스플레이와 함께 전시한 것에 자극을 받아 사람들이 워홀에 대한 입장을 취하도록 장려했습니다.[53][54] 또 다른 반대자인 인근 프리머스 스튜어트 갤러리는 창문에 진짜 캠벨 수프 캔 피라미드를 쌓아올렸는데, 이는 "현혹되지 마세요"라고 쓰인 표지판 아래에 있습니다. 원본을 가져옵니다. 우리의 최저 가격 2 –0.33 ¢."($3.19, 2022). 로스앤젤레스 타임즈는 두 명의 등장인물이 그림이 주는 예술적인 인상을 조롱하는 만화를 출판했습니다.[55] 로스앤젤레스 전시회나 워홀의 스튜디오에서 실제로 이 그림을 본 사람은 거의 없었지만, 이 작품이 제조된 물체의 외관을 복제하려는 것처럼 보이는 시도로 인해 논란과 스캔들이 일어나면서 소문이 퍼졌습니다.[56] 그러한 일상적인 상업적이고 무생물적인 것에 자신의 노력을 집중하는 것의 장점과 윤리에 대한 확장된 토론은 워홀의 작품을 예술계 대화의 중심에 두었습니다. 전문가들은 예술가가 예술품을 동네 식료품점에 가는 것과 같은 수준으로 줄일 것이라고는 믿을 수 없었습니다. 토크는 Warhol에게 금전적인 성공으로 이어지지 않았습니다. 데니스 호퍼(Dennis Hopper)는 캔버스에 100달러(2022년 967.44달러)를 지불한 5십 명 중 첫 번째 사람이었습니다. 블럼은 32점의 캔버스를 온전한 세트로 유지하기로 결정하고 판매된 소수의 작품을 다시 구입했습니다. 단 2점의 그림만 집으로 가져갔고 4점은 보류했습니다.[57] 이것은 그들을 세트로 생각했던 워홀을 기쁘게 했고, 그는 그 세트를 블럼에게 매달 100달러씩 10개씩 분할해서 팔기로 동의했습니다.[58][53] 그 지불금은 당시 블럼이 임대료로 지불하고 있던 것의 두 배였습니다.[59] 워홀은 그의 첫 번째 진지한 예술 쇼인 이것으로 한 획을 그었습니다.[60] 블레이크 고프니크(Blake Gopnik)는 그 결과를 "이름 인식이 제로이고 지역 연고가 없는 예술가의 알 수 없고 이상하게 반복되는 스타일의 급진적인 새 그림에 나쁜 영향을 미치지 않는다"[59]고 설명합니다. Blum의 사업 파트너인 Joseph Helman의 다른 이야기는 Blum이 Warhol에게 200달러(1934달러)를 기준으로 3000달러(2022년 29023.1달러)의 커미션을 주기로 약속했다는 것입니다.2022년 87) canvas당 가격; 그리고 최종 $1000 지불은 열띤 재협상의 결과였습니다.

이 전시회는 마릴린 먼로가 사망하기 전날인 1962년 8월 4일 폐막했습니다. 워홀은 영화 나이아가라에서 먼로 홍보 스틸을 구입하기 시작했는데, 나중에 그는 그것을 잘라 그의 가장 유명한 작품 중 하나인 마릴린의 그림을 만드는 데 사용했습니다. 워홀이 마틴슨의 커피 캔, 코카콜라 병, S&H 그린 스탬프, 그리고 다른 캠벨 수프 캔을 포함한 다른 팝아트를 계속해서 그렸지만, 그는 곧 많은 사람들에게 유명인사들을 그린 화가로 알려지게 되었습니다. 1963년 10월, 그는 엘비스와 리즈를 전시하기 위해 블럼의 갤러리로 돌아갔습니다.[5]

블럼은 전체 세트를 위해 워홀에게 돈을 지불하기 전에 출처에 따라 총 5점 또는 6점의 그림을 다시 사야 했습니다.[59][61] 그는 자신의 식당에 가끔 홈 디스플레이를 하는 것을 제외하고는 일반적으로 원래의 특별한 구멍이 있는 상자에 보관하면서 25년 이상 그 작품을 소유했습니다.[43]

세트의 원래 전시는 다양한 벽에 같은 높이로 전시했지만, 현대미술관(MoMA)은 주최한 2015년 워홀 전시를 제외하고는 일반적으로 하나의 벽(위의 메인 이미지 참조)에 그리드로 전시했습니다.[62] 블럼은 적절한 간격과 원근법으로 그림을 일직선으로 늘어뜨릴 수 없었기 때문에 전시 간격과 배치를 쉽게 하기 위해 선반을 설치했습니다.[63] Warhol이 컬렉션의 확실한 순서를 표시하지 않았기 때문에 MoMA(이 기사의 오른쪽 상단 사진)가 영구 컬렉션에서 표시하기 위해 선택한 순서는 토마토를 시작으로 캠벨 수프 회사에서 품종을 도입한 연대순을 반영합니다. 1897년에 첫 선을 보였습니다. 왼쪽 위에.[1] 2011년 4월까지 MoMA의 큐레이터들은 품종을 다시 주문하여 Clam Chowder를 왼쪽 상단으로, 토마토를 네 줄 아래로 옮겼습니다.[1] 블럼은 공개 전시를 하기 전에 자신의 식당에 전시할 때 4열 그리드에 설치했습니다.[43]

후속 홍보

지난 8월, 워홀의 팝아트는 코네티컷주 하트포드의 워즈워스 애더넘에서 열린 설문조사 쇼에서 첫 박물관 전시회를 열었습니다. 이 쇼는 뉴욕 타임즈에 실린 워홀의 첫 번째 미술 리뷰라는 결과를 낳았습니다. 일부 워홀의 캠벨 수프 캔 그림에 대해 리뷰는 "이것들은 단순한 제멋대로인 사건이 아니라 사회적으로 핵심이 되는 예술을 향한 큰 발걸음입니다."[64]라고 말했습니다.

초기 리뷰에서 워홀이 (윌렘 데 쿠닝, 아돌프 고틀립, 올덴버그, 다인과 함께) 뉴욕에서 마사 잭슨과 갤러리 계약을 할 것이라고 발표했지만, 잭슨은 "당신의 그림의 소개는 이미 우리에게 매우 나쁜 영향을 미쳤습니다"라고 언급하며 약속된 12월 전시를 취소할 것이라는 소식을 보냈습니다.[65] 그녀의 취소 소식은 페루스 전시회가 끝나기 전에 전해졌습니다.[60] 비록 그녀가 그의 전시회를 취소했지만, 그녀의 조수 존 웨버는 그녀가 위탁으로 가져갔던 워홀 그림 10점을 팔았습니다.[66]

8월, 시드니 제니스가 워홀을 초청하여 시드니 제니스 갤러리의 10월 말 전시회의 일부로 "새로운 현실주의자들: 사실 회화와 조각의 전시회", 워홀이 선호하는 참고인이 앤디인지 앤드류인지는 여전히 제니스에게 불분명했습니다.[67] 워홀은 200개의 수프 캔(200개의 수프 캔)이 든 캔버스와 인간 크기의 쇠고기 국수(빅 캠벨 수프 캔), 올덴부르크, 리히텐슈타인 등의 작품과 함께 19개의 ¢와 두 잇 유어셀프(꽃)를 전시했습니다. 뉴욕 시민은 이 전시회가 "지진의 힘으로 뉴욕 예술계를 강타했습니다. 일주일 만에 진동이 전국의 예술 센터로 번졌습니다." 캔자스시티의 한 신문은 "현대 미술은 어느 방향으로 가고 있는가?"라는 제목을 달았습니다. 숨을 죽이고 수프 캔을 보세요."[67]

잭슨이 워홀을 제쳐놓은 후, 에밀 드 안토니오는 워홀과 그의 전 여자친구인 엘리너 워드를 함께 모았습니다. 약간의 격려와 술을 마신 후, 워드는 만약 워홀이 그녀에게 2달러 지폐를 그려준다면 그녀는 그에게 쇼를 보여줄 것이라고 말했습니다.[69] 워홀의 첫 뉴욕 단독 팝 전시회는 1962년 11월 6일 워드의 스테이블 갤러리에서 열렸습니다.[70] 그 전시회는 Marilyn Diptych를 포함했지만, 비록 그것들이 손님 배지에 있었지만, 수프 캔은 전시되지 않았습니다.[71] 워홀의 전시회 초대장에는 워홀의 수프 캔 그림이 전달하는 메시지에 대한 한 미술 대학생의 인식에 대한 인용문이 포함되어 있습니다: "저는 수프를 사랑하고, 다른 사람들도 수프를 사랑할 때 그것을 사랑합니다. 그렇게 하면 우리는 모두 함께 그것을 사랑하고 동시에 서로를 사랑할 수 있기 때문입니다."[72] 워홀은 12년 전에 그에게 가혹했던 마이클 프리드를 포함하여 이 전시회로 중요한 찬사를 받았습니다.[70]

캠벨 수프 회사

1905년판 캠벨 수프 캔과 라벨 인쇄 광고

캔 및 레이블 이력

캠벨 수프 회사가 된 것은 1869년 조셉 A에 의해 시작되었습니다. 뉴저지 브리튼 출신의 과일 상인 캠벨과 사우스 저지 출신의 아이스박스 제조업체 에이브러햄 앤더슨.[73] 앤더슨은 1876년에 회사를 떠났지만, 그의 아들인 캠벨 스펠먼은 크리에이티브 디렉터로서 캠벨에 남아 오리지널 캠벨 수프 캔을 디자인했습니다.[74] 1894년, 아서 도런스가 회사의 사장이 되었습니다.[75] 1897년 존 T. 회사 사장 도런스의 조카인 도런스는 회사를 위해 일하기 시작했습니다.[76][77] 1897년 화학자 도런스(Dorrance)는 수프를 응축하는 상업적으로 실행 가능한 방법을 개발하여 1898년 유명한 라벨의 기원이 되었습니다.[73][78] 21세기에도 이 라벨은 수프(Soup)라는 단어의 이상하게 기울어진 글자 "O"와 1900년에 추가된 금메달과 같은 1898년 디자인의 요소들을 계속 유지했습니다.[79][80] 오리지널 라벨은 코넬 빅 레드 축구팀 유니폼에서 영감을 얻었습니다.[43] 1962년 캠벨 수프 캔이 출시되었을 때 캠벨 수프 캔 라벨은 지난 50년 동안 변하지 않았습니다.[81]

워홀의 예술과의 관계

워홀 테마 프로모션
multicolored commemorative Campbell's soup cans (front)
2012년 Target Corporation에서 사용 가능한 50주년 캔 (Thomas Altfather Good 사진)
multicolored commemorative Campbell's soup cans (back)
1967 캠벨 수퍼 원피스

1962년 5월 타임지에 널리 발표되긴 했지만,[4] 1962년 3월 워홀은 "캠벨 수프 회사가 이 그림들에 대해 아무것도 모르기를 바란다; 어떤 종류의 상업적인 유대감으로 모든 요점을 잃게 될 것"이라고 자신의 희망을 밝히며 캠벨 수프 프로젝트를 위해 비밀을 추구했습니다.[82] 1962년 7월 Ferus Gallery 전시회의 첫 주 동안, Campbell's Soup CEO William Murphy는 "상표의 사용과 위반"을 평가하기 위해 법률 대리인 팀을 보냈습니다.[61] 초기에 캠벨 수프 회사는 법적 조치를 고려했지만, 예술에 대한 대중의 반응을 먼저 평가하기로 결정했습니다.[83] 1962년 전시회가 시작된 지 몇 달 만에, 캠벨 수프 캔에서 추출한 인쇄된 옷이 맨해튼 상류 사회에서 유행했습니다.[22] 그해 말, 회사는 은퇴하는 이사회 의장 올리버 G. 윌리츠를 위해 선물로 Warhol에게 캠벨 토마토 수프 캔 그림에 대한 2000달러(2022년 1,349달러)의 수수료를 주기로 결정했습니다.[83] 1964년 캠벨은 존경의 표시로 워홀 캔을 무료로 보냈습니다.[84] 1967년 1월, 이 회사는 보스턴의 한 현대 미술 연구소에 동의 없이 수프 캔 라벨을 사용한 것에 대해 워홀에 대해 법적 조치를 취했습니다.[85] 또한 1967년 캠벨은 자신의 예술에 대한 캠벨의 법적 관점과 관련하여 워홀의 작품이 실제 수프 캔에 로고를 칠하지 않는 한 그들의 기업 지적 재산과 충돌하는 것으로 간주되지 않을 것이라고 언급하며, 워홀의 작품이 그들의 기업 지적 재산과 충돌하는 것으로 간주되지 않을 것이라는 편지를 랜덤 하우스에 보냈습니다.[86] 편지에는 캠벨이 워홀의 예술적 주제에 어떤 영향력을 행사한 적이 없다는 공식적인 부인도 포함되어 있었습니다.[87] 같은 해, 이 회사는 1달러(2022년 8.78달러)와 2개의 수프 캔 라벨로 구매할 수 있는 프로모션 수퍼 드레스(오른쪽 사진)를 생산했습니다.[43] 1985년, 이 회사는 또한 워홀에게 당시 새로 나온 마른 수프 혼합물을 칠하도록 의뢰했습니다. 1993년, 본사의 기업 이사회실에 걸 수 있는 워홀 토마토 수프 캔 페인팅을 구입했고, 2012년까지 워홀 부동산과 라이선스 계약을 맺고 다양한 제품에 워홀의 작품을 사용했습니다.[83] 그 해, 이 회사는 타겟 코퍼레이션과 제휴하여 미국 매장에 Warhol에서 영감을 받은 네 가지 다양한 한정판 디자인의 응축 토마토 수프 캔(왼쪽 사진)을 출시함으로써 이 시리즈의 50주년을 기념했습니다.[88]

캠벨은 자신의 예술에 대해 워홀을 상대로 소송을 제기한 적은 없지만, 미국 연방 대법원 판사들은 워홀이 승소했을 가능성이 높다고 말했습니다. 예를 들어, 다수 의견에서 Stephen Breyer는 컴퓨터 코드 사례에서 "예를 들어 '예술적 그림'은 저작권이 있는 '소비주의에 대한 논평을 위해 광고 로고'를 정확하게 복제하더라도 공정한 사용 범위에 속할 수 있습니다"라고 언급했습니다. 또 다른 Campbells Soup Company 사례(루터의 Campbell v. Acuff-Rose Music, Inc.에 의존하는 Andy Warhol Foundation for the Visual Arts, Inc. 대 Goldsmith)에 대해, Neil Gorsuch는 "Andy Warhol에 사용된 목적이 슈퍼마켓에서 토마토 수프를 판매하는 것이 아니기 때문에 Campbells Soup은 저에게 쉬운 사례인 것 같습니다.박물관이나 다른 곳에서 관람객의 반응을 유도하기 위해서였습니다."[89]

영감

1973년 워홀

캠벨 수프 캔은 워홀의 대표작으로 여겨집니다.[90] 약 1년 동안, 그는 사진으로 그림을 그렸습니다. 그의 한때의 애정 상대였던 에드워드 왈로위치는 모든 상태와 모든 각도에서 수프 캔을 찍었습니다. 이 시기에, 그는 사실주의를 추구하는 것을 돕기 위해 그의 미디어 (유화 물감과 수성 물감)를 섞고 스텐실을 자릅니다.[91] 왈로위치의 사진들은 그의 1961년과 1962년의 캠벨 수프 캔과 달러 지폐 그림들과 그림들을 만들어낸 추적과 복사의 모델이 되었습니다.[92] 워홀은 1961년 11월부터 1962년까지 총 50여 점의 캠벨 수프 캔버스를 그렸습니다. 앤디 워홀 카탈로그 레이손네(Georg Frei and Neil Printz 편집)에는 32개의 캔버스 메인 세트, 3개의 대형 격자무늬 그림(200캔 중 1캔과 100캔 중 2캔), 그리고 약 12개 반의 정물이 나열되어 있습니다.[93] 비록 워홀은 예술 학교에서 탁자 위에 정물 과일 그릇을 그리는 훈련을 받았지만, 그는 어린 시절 집의 팬트리에서 기억되는 그가 가장 좋아하는 다양한 종류의 캠벨 수프(토마토)를 그리는 것을 열망했습니다. Warhol은 "점심 시간에 많은 오후 시간에 엄마가 캠벨 캔을 열어주신다. 왜냐하면 그것이 우리가 감당할 수 있는 전부이기 때문이다. 나는 오늘날까지도 그것을 사랑한다"[48]고 말한 것으로 전해졌습니다.

몇몇 일화적인 이야기들은 워홀이 캠벨 수프 캔을 그의 팝아트의 초점으로 선택한 이유를 설명한다고 추측합니다. 한 가지 이유는 그가 만화를 버린 후 새로운 주제가 필요했기 때문인데, 이것은 부분적으로 로이 리히텐슈타인의 세련된 작품에 대한 존경심 때문입니다. 1950년대 후반 워홀의 상업 미술 조수 중 한 명인 테드 캐리(Ted Carey)에 따르면 수프 캔과 워홀의 초기 미국 달러 그림 모두에 대한 아이디어를 제안한 사람은 뮤리엘 라토(Muriel Latow)였다고 합니다.[46] Gopnik은 여러 가지 양립할 수 없는 버전의 사건들이 이야기되고 있다고 언급하지만, 그는 Latow와 Carey가 만화에 푹 빠져 있는 자신의 처지를 위로하기 위해 Warhol을 방문했다고 말하며 Latow의 회상을 토대로 만들어진 버전을 제시합니다. Warhol은 그들에게 아이디어를 구걸했고 심지어 Latow에게 그녀의 생각을 이용할 수 있게 해준 것에 대해 돈을 지불했습니다.[94] 토니 셔먼과 데이비드 돌턴은 비슷한 기원의 이야기를 하지만, 그들은 존 맨(캐리의 남자친구)[95]이 다른 버전을 가졌다는 것에 주목합니다. 라토우는 워홀이 무엇을 싫어하는지 질문함으로써 워홀에게[96] 영향을 미쳤고, 이는 결국 식료품 쇼핑으로 밝혀졌고, 이것은 그가 A&P에서 캠벨 수프 캔을 얻는 것을 상상하게 만들었습니다.[96] 워홀에 대한 라토우의 영향력에 대한 또 다른 설명은 그녀가 그에게 무엇을 가장 사랑하는지 물었고, 그가 "돈"이라고 대답했기 때문에 그녀는 그가 미국 달러 지폐를 그릴 것을 제안했다고 합니다.[97] 라토우는 당시 야심찬 인테리어 장식가였으며, 60년대 맨해튼 동부에 있는 라토우 아트 갤러리의 소유자였습니다. 그녀는 또한 워홀에게 "당신이 매일 보는 것과 모든 사람이 인식할 수 있는 것"을 그려야 한다고 말했습니다. 캠벨 수프 통조림 같은 것 말입니다." 캐리는 워홀이 "오 정말 멋진 것 같네요."라고 외치며 대답했다고 말했습니다. 1961년 11월 23일 앤디 워홀 박물관의 보관소에 있는 50달러(2022년 489.64달러)짜리 수표는 그녀가 그에게 아이디어를 준 것에 대해 그에게 청구했다는 이야기를 확인시켜줍니다.[98][99]

캐리에 따르면, 다음 날 워홀은 슈퍼마켓에 가서 "올 더 스프" 케이스를 샀고, 캐리는 다음 날 워홀의 아파트에 들렀을 때 봤다고 말했습니다. 1963년 미술 평론가 G. R. Swenson이 Warhol에게 왜 수프 캔을 그렸는지 물었을 때, 예술가는 "나는 그것을 마시곤 했고, 20년 동안 매일 같은 점심을 먹곤 했습니다"[46][100]라고 대답했습니다. 또 다른 설명에 따르면 워홀은 어머니에게 지역 A&P에서 32가지 종류의 캠벨 수프 각각의 캔을 사오라고 지시했다고 합니다. 그는 일련의 그림으로 시작한 다음 각각의 컬러 슬라이드를 만들어 스크린에 투사했습니다. 그는 치수와 품종을 가장 잘 조합하는 방법으로 얼룩졌습니다. 그러나, 그는 그 당시 슈퍼마켓 음식 이미지와 공통적으로 그랬듯이, 그것들을 결합하기 보다는, 흰색 배경에 개인 초상화를 가능한 한 사실적으로 만들기로 결정했습니다.[48]

이 수프는 대공황 때 자신을 키우면서 정기적으로 대접했던 어머니 줄리아를 펜실베이니아 탄광 마을의 체코 이민자로 기억하게 했다고 합니다.[101] 때때로, 그 가족은 캠벨 수프에 돈을 쓸 여유조차 없었고 케첩으로 만든 수프를 먹었습니다.[102][103] 워홀 부부가 캠벨 수프를 자주 먹은 것은 의심스러운 일로 여겨집니다. 캠벨 수프는 고급 품목으로 판매되었고 줄리아는 처음부터 요리할 수 있는 수프 제조업자였기 때문입니다.[94] 1950년대 후반이 되어서야 통조림 수프가 노동자 계층을 대상으로 했습니다.[104]

1985년 런던 더 페이스와의 인터뷰에서 데이비드 야리투는 워홀의 어머니가 깡통으로 만든 꽃에 대해 물었습니다. 그의 답변에서, 워홀은 그의 첫 번째 깡통 그림 뒤에 있는 이유들 중 하나로 그것들에 대해 말했습니다:

데이비드 야리투: 어머니께서 초창기에 이런 작은 양철꽃을 만들어서 판매하시곤 했다고 들었습니다.
앤디 워홀: 세상에, 맞아요, 사실이에요, 주석 꽃은 과일 캔으로 만들어졌어요, 그래서 처음으로 주석 캔 그림을 그린 거예요. 양철통을 가져가면 양철통이 커지는데, 복숭아 반쪽이 들어가는 가족 크기의 양철통을 가져가는데, 가위로 자르는 것 같아요. 그것은 매우 쉽고 당신은 그것들로 꽃을 만듭니다. 어머니는 항상 수프 캔을 포함하여 많은 캔을 가지고 계셨어요.[46]

몇몇 이야기들은 워홀이 수프 캔을 선택한 것은 소비자로서 캠벨 수프에 대한 그의 열렬한 헌신을 반영한 것이라고 언급합니다. 로버트 인디애나(Robert Indiana)는 "저는 앤디를 잘 알고 있었습니다. 그가 수프통을 그린 이유는 그가 수프를 좋아하기 때문입니다."[105] 그는 그것들이 매일의 주식을 구성하기 때문에 그것들에 집중했다고 생각되었습니다.[106] 다른 사람들은 워홀이 그의 심장 가까이에 있는 것들을 그렸을 뿐이라고 관찰했습니다. 그는 캠벨 수프를 즐겨 먹었고, 코카콜라를 좋아했으며, 돈을 좋아했으며, 영화배우들을 존경했습니다. 그리하여 그들은 모두 그의 작품의 대상이 되었습니다. 또 다른 설명에 따르면 그의 스튜디오에서 매일 먹는 점심은 캠벨 수프와 코카콜라로 구성되어 있으며 따라서 그의 영감은 빈 캔과 병이 책상에 쌓여있는 것을 보는 것에서 비롯되었다고 합니다.[107]

1968년 판화 광고의 캠벨 수프 라벨; 존 알콘의 이미지

Warhol은 Campbell Soup Company와의 사업 관계 때문에 캔을 선택하지 않았습니다. 당시 회사는 미국에서 준비된 수프 캔 5개 중 4개를 팔았지만, 워홀은 회사가 관여하지 않는 것을 선호했습니다. "어떤 종류의 상업적 제휴로도 모든 요점을 잃게 될 것이기 때문입니다."[108] 그러나 1965년까지 회사는 그를 충분히 잘 알고 있었기 때문에 전시회 초대장으로 사용하기 위해 캔의 실제 라벨을 회유할 수 있었습니다.[109] 그들은 캔버스를 의뢰하기도 했습니다.[110]

1961년 워홀은 20 x 15인치(51cm x 38cm) 크기의 캔버스에 "캠벨의 수프 캔" 하나를 그려서 폴의 아들 마티의 탄생을 축하하기 위해 그의 형 폴에게 주었습니다. Paul의 자녀들은 학교에서 그 그림을 전시할 수 있었습니다. 결국, 가족들은 2002년 11월 13일 뉴욕 크리스티에서 이 작품을 경매에 부치기로 결정했습니다. 이 작품은 나중에 잘 알려진 세트에 대한 영감 중 하나로 여겨집니다.[111]

예술가 동료들

1960년대까지 예술계의 엘리트 중 한 명이었던 Willem de Kooning은 "모든 것이 이미 예술에 있다, 큰 그릇의 수프처럼"이라는 추상적 표현주의와 관련하여 수프라는 단어를 은유적으로 사용한 예술가들 중 한 명이었습니다. 모든 것이 이미 거기에 있습니다."라고 말했고, 다른 뉴욕 예술가들은 그들의 예술을 논의하는 방법으로 은어로 그 단어를 사용했습니다.[112]

고프니크에 따르면, 워홀이 거의 동일한 캠벨 수프 캔을 반복하는 것이 이브 클라인의 동일한 파란색 단색 그림과 연관될 수 있다는 학계의 의견이 있습니다. 고프니크는 클라인이 워홀을 로트라우트 클라인-모케이와의 1962년 초 결혼식에 초대했고, 워홀의 작품에는 인터내셔널 클라인 블루가 포함되어 있었다고 언급합니다.[113]

1961년 5월, 워홀은 프랭크 스텔라의 벤자민 무어 그림 시리즈의 6개의 미니어처 버전을 구입했습니다. 이 시리즈에서 스텔라는 벤자민 무어 제품군 전체를 각 색상별 그림으로 표현했습니다. Scherman과 Dalton은 이것이 Campbell's Soup 캔의 전체 세트에 대한 영감으로 부분적으로 작용했을 수 있다고 생각합니다.[114]

해석

워홀은 평범한 문화에 대해 긍정적인 시각을 가졌고, 추상적 표현주의자들이 현대의 화려함을 무시하기 위해 많은 노력을 기울였다고 느꼈습니다.[8] 캠벨 수프 캔 시리즈는 그의 다른 시리즈와 함께 그에게 현대 문화에 대한 긍정적인 관점을 표현할 수 있는 기회를 제공했습니다. 그러나 그의 막다른 골목에 선 태도는 감정적이고 사회적인 해설이 없도록 노력했습니다.[8][115] 작품은 개성이나 개인의 표현이 없는 것을 의도했습니다.[116][117] 워홀의 견해는 '케이크 학교의 조각'에 대한 타임지의 설명에 요약되어[41] 있는데, "... 한 무리의 화가들이 현대 문명의 가장 진부하고 저속한 포장이 캔버스로 옮겨졌을 때 예술이 될 수 있다는 공통된 결론에 도달했습니다."[37]

워홀의 팝아트 작품은 모네와 같은 예술가들의 연속적인 작품들과는 달랐는데, 모네는 차별적인 인식을 표현하고 화가가 손과 눈으로 시간, 빛, 계절, 날씨의 변화를 재현할 수 있다는 것을 보여주기 위해 시리즈를 사용했습니다. 워홀은 이제 상업화와 무차별적인 "동일성"이라는 현대 시대를 대표하는 것으로 이해됩니다. 워홀이 결국 변주를 보였을 때, 그것은 "현실적"이 아니었습니다. 그의 이후 색깔의 변화는 거의 차별적인 인식을 조롱하는 것이었습니다. 그가 가짜 산업용 실크스크린 프로세스를 채택한 것은 미묘함을 보여주기 위한 시리즈의 사용에 반대하는 것이었습니다. 워홀은 자신의 작품이 인쇄된 듯한 모습을 연출함으로써 발명과 뉘앙스를 거부하고자 했고,[116] 그는 체계적으로 불완전함을 재현했습니다.[97] 그의 시리즈 작업은 그가 리히텐슈타인의 길쭉한 그림자에서 벗어날 수 있도록 도왔습니다.[118] 비록 그의 수프 캔이 그의 다른 초기 팝아트처럼 충격적이고 저속하지는 않았지만, 그것들은 여전히 친밀한 감정의 예술적 표현에 참여하기 위해 발전해 온 예술계의 감성을 불쾌하게 했습니다.[116]

카라바조의 감각적인 과일 바구니, 샤르댕의 플러시한 복숭아, 또는 세잔의 활기찬 사과 배열과 대조적으로, 평범한 캠벨 수프 캔은 예술계에 한기를 주었습니다. 게다가, 잘 알려진 대중 문화 항목들을 분리한다는 아이디어는 예술계에 충분히 우스꽝스러웠고, 심지어 작품을 보지 못한 사람들에게도 작품의 장점과 윤리 모두 완벽하게 합리적으로 논쟁의 여지가 있는 주제였습니다.[119] 워홀의 팝아트는 사물을 가장 단순하고 즉각적으로 인식할 수 있는 형태로 묘사하려고 시도한다는 점에서 미니멀 아트와 연관되어 볼 수 있습니다. 팝아트는 표현과 관련된 덧음과 밑음을 제거합니다.[120]

워홀은 예술 감상의 개념을 분명히 바꿨습니다. 사물의 조화로운 3차원 배열 대신, 그는 포장에 중점을 둔 상업 일러스트의 기계적 파생물을 선택했습니다.[108] 예를 들어, 그의 여러 수프 캔의 변형은 반복 과정을 좋은 기술로 만들었습니다: "만약 당신이 캠벨 수프 캔을 먹고 50번 반복한다면, 당신은 망막 이미지에 관심이 없습니다. 마르셀 더챔프에 따르면, 여러분의 관심사는 50개의 캠벨 수프 캔을 캔버스에 담고 싶어하는 컨셉이라고 합니다."[121] 연대된 다중 캔 묘사는 파노라마보다 세부 사항이 덜 중요한 추상화가 될 것입니다.[122] 어떤 의미에서는 어떤 표현보다 표현이 더 중요했습니다.[120] 초기 팝아트 시절 기계와 같은 창작에 대한 워홀의 관심은 기계화로 인해 가치 체계가 위협받는 예술계 사람들에 의해 오해를 받았습니다.[123]

유럽에서 관객들은 워홀의 작품에 대해 매우 다른 견해를 가지고 있었습니다. 많은 사람들은 그것을 미국 자본주의에 대한 전복적이고 마르크스주의적인 풍자로 인식했습니다.[108] 만약 전복적인 것이 아니라면, 그것은 적어도 대중문화에 대한 마르크스주의적 비판으로 여겨졌습니다.[124] 일반적으로 워홀의 정치적 전망을 고려할 때, 이것은 의도된 메시지가 아닐 가능성이 높습니다. 작가 데이비드 부던(David Bourdon)에 따르면 워홀의 팝 아트는 그의 작품에 관심을 끌기 위한 시도에 불과했을 수 있습니다.[108] Gopnik는 Warhol의 발표를 홍보 의도가 없는 객관적이고 눈을 깜빡이지 않는 것이라고 설명합니다.[125]

변주곡

캠벨 수프 I과 캠벨 수프 캔 II

주요 기사: 캠벨 수프 I과 캠벨 수프 캔 II
Campbell's Soup Can (토마토), 1962. 이와 같은 스텐실은 실크 스크리닝의 기초가 됩니다.

1961년 말, 워홀은 1953년부터 티버 프레스를 운영해온 [16]플로리아노 벡치로부터 실크 스크리닝 과정을 배우기 시작했습니다. 이 과정은 일반적으로 스텐실 드로잉으로 시작하지만, 종종 폭파된 사진에서 진화하여 접착제와 함께 실크로 옮겨집니다. 두 경우 모두 접착제 기반의 포지티브 2차원 이미지를 생성해야 합니다(포지티브는 남아 있는 빈 공간이 페인트가 나타나는 곳임을 의미합니다). 보통 잉크는 접착제가 아닌 실크를 통과하도록 매체를 가로질러 말립니다.[126] 1961년 크리스마스 시즌이 끝난 후, Vecchi는 여러 번의 방문을 통해 Warhol에게 안료를 정제하는 방법과 더 나은 스퀴지 기술을 사용하는 방법에 대해 조언했습니다.[16] 1962년 워홀의 실크 스크린 인쇄 기술은 맨해튼 그래픽 아트 사업주 맥스 아서 콘의 영향을 받기도 했습니다.[127][128] 1962년 8월까지 워홀은 다공성 스크린을 통해 고무 압착기로 페인트를 칠하는 그의 기술을 정교화하는데 시간이 걸렸습니다.[129] Campbell's Soup 캔은 Warhol의 첫 번째 실크스크린 생산품 중 하나였습니다; 첫 번째는 미국 달러 지폐였습니다. 조각들은 각 색상마다 하나씩 스텐실로 만들어졌습니다. Warhol은 Campbell's Soup 캔의 원래 시리즈가 제작된 후까지 사진을 실크 스크린으로 변환하기 시작했습니다.[58] 3개월 만에 캠벨수프캔을 비롯한 다양한 소재의 실크스크린을 대량 생산하고 있었습니다.[130] 1967년, 워홀은 인쇄와 출판을 위한 회사인 Factory Additions를 만들었습니다.[131] 크리스천 사이언스 모니터의 크리스토퍼 안드레이에 따르면, 워홀은 두 개의 다른 10개의 스크린 인쇄된 캠벨 수프 캔을 1968년에 하나, 1969년에 하나씩 250권으로 제작했습니다.[132]

2016년 4월 7일, 스프링필드 미술관에서 캠벨 수프 캔 7점이 도난 당했습니다. FBI는 "Campbell's Soup I" 세트에서 도난당한 예술 작품에 대한 정보에 대해 2만 5천 달러의 보상금을 발표했습니다.[133] 그것들은 워홀이 1968년에 주문한 스크린 프린트 10개 중 하나인 250 세트의 일부였으며 1985년 (세인트 그린버그 갤러리) 박물관에 기증되었습니다. Louis)와 2006년 이후 처음으로 전시되었습니다. 아트넷 작가 블레이크 고프닉(Blake Gopnik)에 따르면, 각각의 스크린 프린트의 추정 가치는 30,000달러(2022년 3,581달러)였습니다.[134] National Public Radio 소식통은 일반적으로 토마토 수프 버전이 최대 45,000달러(2022년 54871달러)에 판매되지만 토마토 수프 버전은 100,000달러(2022년 121936달러)에 판매될 수 있다고 추정합니다. 그들은 세트로 보험에 들었고 박물관이 나머지 세 개의 스크린 인쇄물을 넘기면 보험 회사는 75만 달러(2022년 914517달러)를 지불했습니다.[135]

온타리오의 아트 갤러리가 2017년에 캠벨 수프 I 세트를 완전히 입수했을 때, 캐나다에서 처음으로 공개된 컬렉션의 세트가 되었습니다.[19] 2022년 11월 8일, 기후 변화 시위자들은 호주 국립 갤러리에 전시된 다른 버전의 "Campbell's Soup I" 세트를 접착하고 파손했습니다.[136][137] 두 번째 세트인 Campbell's Soup Cans II의 에디션은 시카고 현대 미술관의 영구 소장품의 일부입니다.[138][139][140][141][142][143][144][145][146][147] 현대 미술관에도 이 세트 중 하나가 있습니다.[148] 2013년, 이 세트의 핫도그 콩 수프는 비엔나에서 258,046달러(2022년 324180달러)에 팔렸습니다.[61]

유색스프통

밀워키 미술관 소장품 1965년 다양한 컬러 버전

1965년 워홀은 원래의 빨강과 흰색을 더 다양한 색상으로 임의로 대체하면서 캠벨 수프 캔 테마를 다시 방문했습니다. 그는 20, 3 x 2 피트 (91 cm × 61 cm) 캔버스 세트를 제작했는데, 검은색과 흰색 외에 4가지 또는 5가지 색상을 사용했습니다. 이 세트는 자체 미술 전시회 못지않게 관광하기에 충분한 의미가 있다고 여겨집니다. 뉴욕 타임즈의 켄 존슨(Ken Johnson)은 워홀(Warhol)의 일상적인 "기계적인 반복"과 대조적으로, 각각의 그림은 독특함으로 인해 주목할 만하다고 언급했습니다.[149] 20점 중 19점은 2011년 12점이 전시회에 출품되었을 때 여전히 존재했습니다.[150] 2004년 이전의 어느 시점에 현대 미술관은 이것들 중 하나를 가지고 있었습니다.[151]

승인되지 않은 버전

1970년, 워홀은 유럽 스크린프린트 제작을 위해 사진 네거티브, 정확한 컬러 코드, 스크린 및 필름 매트릭스를 제공함으로써 1960년대 작품의 정확한 복제를 용이하게 하는 공동 작업을 시작했습니다. Warhol은 250판에 서명하고 번호를 매긴 후, 승인되지 않은 서명되지 않은 후속 버전이 제작되었습니다.[152][153] 허가받지 않은 작품들은 "Sunday B Morning"과 "Add Your Your Signature Here"가 찍힌 작품을 제작하기 위해 브뤼셀로 간 워홀과 그의 뉴욕시 스튜디오 직원들 사이에서 떨어져 나온 결과입니다.[154] 일부 무단 제작물에는 "이것은 내가 만든 것이 아니다, 앤디 워홀"이라는 표시가 붙어 있었습니다.[153] 미술관과 딜러들은 "선데이 B 모닝"에서 캠벨 수프 통조림 세트를 포함한 여러 스크린 프린트 작품을 재인쇄하는 시장을 열고 있습니다.[155]

다른 변형들

Warhol은 Campbell's Soup can이라는 동일한 주제를 포함하는 여러 관련 작품으로 그의 오리지널 시리즈의 성공을 뒤따랐습니다. 1982년까지 워홀은 100개가 넘는 캠벨 수프 캔을 그렸습니다.[156] 이러한 후속 작품들은 원작과 함께 캠벨 수프 캔 시리즈로 통칭되며 종종 간단히 캠벨 수프 캔으로 불리기도 합니다. 그 후의 캠벨 수프 캔 작품들은 매우 다양했습니다. 높이는 20인치(510mm)에서 6피트(1.8m)까지 다양했습니다.[157] 때때로 그는 찢어진 라벨, 벗겨지는 라벨, 찌그러진 몸체 또는 열린 뚜껑이 있는 캔을 묘사하기로 선택했습니다(이미지 오른쪽 참조).[158][17]

The Broad의 모바일 오디오 투어에 따르면, Warhol은 찢어진 라벨을 가진 Campbell's Soup can 그림 6점을 제작했습니다.[159] 이 중 2개는 기록적인 매출을 달성했습니다. 1970년에 워홀은 그 당시의 저명한 미국 경매 회사인 파크-버넷(Park-Bernet)에서 6만 달러(2022년 452134달러)의 빅 캠벨 수프 캔 위드 토닝 라벨(채소고기) (1962년) 판매로 살아있는 미국 화가의 그림에 대한 기록적인 경매 가격을 세웠습니다.[9] 미술상 제임스 마요르에 따르면 판매자는 젊은 피터 브랜트였다고 합니다.[160] 어떤 설명에 따르면 이것은 경매가 아니라 주선된 판매였습니다.[161] 이 기록은 미술계의 주목과 승인을 받은 워홀의 경쟁자인 리히텐슈타인에 의해 몇 달 후에 깨졌습니다. 그는 거대한 붓글씨인 빅 페인팅 넘버 6(1965)의 묘사를 7만 5천 달러(2022년 565167달러)에 팔았습니다.[162]

작은 찢어진 캠벨 수프 캔(페퍼포트), 1962. 2006년 5월에 이 그림은 1,180만 달러에 팔렸습니다.[163]

2006년 5월, 워홀의 작은 찢어진 캠벨 수프 캔 (고추 냄비) (1962)은 11,776,000 달러 (2022년 1,709만 달러)에 팔렸고 캠벨 수프 캔 시리즈의 그림으로 현재 경매 세계 기록을 세웠습니다.[164][165] 이 그림은 한때 리히텐슈타인의 "나는..."을 구입할 때 신용카드 거래 사상 최대 기록을 세운 적이 [166]있는 엘리 브로드의 소장품으로 구입되었습니다. 아임쏘리"는 아메리칸 익스프레스 카드로 250만 달러를 지불했습니다.[167] 그 작품은 The Broad에 소장되어 있습니다.[168] 1,180만 달러의 워홀 판매는 2006년 봄 시즌을 위한 크리스티의 인상주의, 근대, 전후, 현대 미술 판매의 일부였습니다. 경매 당일 밤의 총 판매액은 1억 4,318만 7,200달러(2022년 2억 786만 달러)로 당시 역사상 두 번째로 높은 경매 밤이었습니다.[164]

워홀(리히텐슈타인, 웨셀만, 메리 인만과 함께)이 1964년 비안치니 갤러리에서 열린 아메리칸 슈퍼마켓 전시 그룹 쇼에서 전시했을 때, 그는 캠벨 수프 캔 스크린 프린트와 그의 "더챔프 번호"라고 언급한 캠벨 수프의 사인 캔을 모두 선보였습니다.[169] 워홀은 이 전시회를 위해 수프 캔 몇 가지 케이스에 사인을 했습니다.[170] 워홀이 팬들로부터 수프 캔 서명을 받기 위해 공격을 받았을 때, 그나 그의 조수들은 워홀의 서명을 캔에 넣곤 했습니다.[171]

존과 키미코 파워의 개인 소장품에 있는 200개의 캠벨 수프 캔(1962년, 캔버스에 아크릴, 72 x 100인치(182.9cm × 254.0cm)은 캠벨 수프 캔 그림 중 가장 큰 단일 캔버스입니다. 10열과 20열의 다양한 맛의 수프로 구성되어 있습니다. 전문가들은 팝아트의 가장 중요한 작품 중 하나로 팝아트를 대표하고 재스퍼 존스와 같은 직계 선대와 미니멀 및 컨셉트 아트의 후속 운동과 함께 지적합니다.[172] 워홀이 손으로 그림과 그림을 대체하는 기술을 개발하고 우표와 스텐실로 반복되는 시리즈를 제작하면서 탄생했습니다.[173] 한 소식통에 따르면 매체는 합성 고분자 페인트와 캔버스 실크스크린 잉크였습니다.[174] 우표와 스텐실로의 이동은 결함을 줄였고, 이후 실크스크린으로의 이동은 "화면의 바닥에 잉크가 남아있거나, 화면을 통해 불규칙하게 스며들거나, 캔버스에 부정확하고 일관되지 않게 배치된 화면"과 같은 일관되지 않은 역학에 의한 변형만 발생하는 결과를 낳았습니다.[23] 가장 초기의 수프캔 그림은 1961년에 그려진 잉크, 템페라, 크레용, 오일 캔버스인 캠벨 수프캔(토마토 라이스)인 것 같습니다.[175]

원작 시리즈를 포함한 많은 작품에서 워홀은 짝을 이룬 우화적인 인물을 평평한 노란색 디스크로 대체함으로써 캠벨 수프 캔에 등장하는 금메달을 획기적으로 단순화했습니다.[108] 대부분의 변형에서 입체성의 유일한 힌트는 주석 뚜껑의 음영에서 나왔습니다. 그렇지 않으면 이미지가 평평했습니다. 라벨이 찢어진 작품들은 포장된 음식도 끝을 맞아야 한다는 의미에서 삶의 은유로 인식됩니다. 그들은 종종 표현주의적이라고 묘사됩니다.[176]

많은 협력자들과 함께 반 기계화된 과정을 이용하여 제작된 매우 다양한 작품, 워홀의 인기, 그의 작품 가치, 다양한 장르와 매체를 넘나드는 작품의 다양성으로 인해 앤디 워홀 미술 인증 위원회는 워홀의 작품의 진위를 인증해야 할 필요성을 만들었습니다.[177]

앤디 워홀 현대미술관은 캠벨 수프 캔 그림 중 하나를 도난당했습니다. 2021년 기준 €37636의 가치를 지닌 것으로 추정됩니다. 절도는 2015년 3월에 발생했지만 2015년 8월이 되어서야 공개되었습니다.[178] 2021년 3월 맨해튼에서 수만 달러 상당의 캠벨 수프 캔 석판화가 미술 큐레이터 길 트라우브로부터 도난당했습니다. 보안 비디오에서 도둑의 신원이 확인되었지만 예술품은 회수되지 않았습니다.[179]

결론

Warhol의 Campbell's Soup can 작품 제작은 세 가지 단계를 거쳤습니다. 첫 번째는 1962년에 이루어졌고, 그 동안 그는 사실적인 이미지를 만들었고, 그 주제의 수많은 연필 그림들을 만들었습니다.[118] 1965년, 그의 2단계는 다양한 색깔의 수프 캔을 포함했습니다.[149] 1970년대 후반, 그는 이미지를 뒤집고 반전시키면서 다시 수프 캔으로 돌아왔습니다.[175] 가장 잘 기억되는 워홀 캠벨 수프 캔은 1단계 제품입니다. 워홀은 엘비스 프레슬리, 마릴린 먼로, 리즈 테일러와 같은 사람들의 상징적인 연속 연예인 실크 스크린으로 더 평가받고 있습니다. 그는 1962-1964년 실크 스크린 단계에서 제작되었습니다. 그의 가장 흔하게 반복되는 그림 주제는 테일러, 먼로, 프레슬리, 재키 케네디 그리고 다른 유명인사들입니다.[180]

어빙 블럼은 워홀이 사망하기 이틀 전인 1987년 2월 20일 워싱턴 D.C.에 있는 국립 미술관과 합의를 통해 32점의 캔버스 원본을 영구 대여함으로써 대중에게 공개했습니다.[97][181] 국립 미술관에 있는 동안, 그것들은 4열, 8열 그리드에 설치되었습니다.[182] 이 작품들은 1996년 10월 9일 현대미술관이 약 1,500만 달러(2022년 2,799만 달러)에 구입했을 때 국립미술관에 대여되었습니다.[183] 현대 미술관은 이 구매를 위한 자금의 출처를 "넬슨 A가 제공한 추가 자금의 어빙 블럼의 부분적인 선물"이라고 다양한 출처로 돌리고 있습니다. 록펠러 유산, 윌리엄 A. M. 부담 부부의 선물, 애비 알드리치 록펠러 기금, 니나와 고든 번샤프트의 선물, 릴리 P.를 통해 취득했습니다. 블리스 비퀘스트, 필립 존슨 펀드, 프랜시스 R. 키치 비퀘스트, 블리스 파킨슨 부인의 선물, 플로렌스 B. 웨슬리 비퀘스트(모두 교환)."[184]

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참고문헌

외부 링크