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아트 팝

Art pop
이 기사는 대중음악에 대한 포스트모던적 접근법에 관한 것이다.높은 예술적 가치를 대중음악에 통합하려면 Art music § Popular music을 참조하십시오.레이디 가가의 앨범은 Artpop을 참조하십시오.기타 용도는 Art pop(동음이의)을 참조하십시오.
아트 포프나 아트 포와 혼동하지 말자.
아트 팝
양식적 기원
문화적 기원1960년대 중반, 영국과 미국
파생형식
기타 항목

아트팝(Art-pop 또는 artpop이라고도 한다)은 팝아트의 높고 낮은 문화의 통합에 영향을 받은 느슨하게 정의된[1] 스타일의 대중음악으로, 개인적인 표현보다 기호, 스타일, 몸짓의 조작을 강조한다.[6][7]예술 팝 아티스트들은 패션, 미술, 영화, 전위 문학 같은 다른 형태의 예술뿐만 아니라 포스트모던 접근법이나 예술 이론에서도 영감을 받을[6] 수 있다.[3][8]그들은 전통적인 대중 관객들과 록 음악 관습에서 벗어나,[9] 대신에 상업 예술로서의 팝의 지위, 책략과 자아에 대한 개념, 역사적 진정성에 대한 의문과 같은 생각을 탐구할 것이다.

1960년대 중반부터 브라이언 윌슨, 필 스펙터, 비틀즈 등 영국과 미국의 대중음악가들이 팝아트 운동의 아이디어를 그들의 음반에 접목시키기 시작했다.[1]영국 예술 팝 뮤지션들은 예술학교에서 그림을 그렸으며,[8] 미국에서는 팝아티스트 앤디 워홀과 소속 밴드 벨벳 언더그라운드의 영향을 받았으며,[10] 민속음악의 싱어송라이터 운동과도 교차했다.[1]이 스타일은 1970년대 연극성과 버려지는 대중문화를 수용한 데이비드 보위, 록시뮤직과 같은 글램 록 아티스트들 사이에서 "황금시대"를 경험하게 될 것이다.[11]

아트팝의 전통은 1970년대 후반과 1980년대에도 영국 뉴로맨틱 장면뿐만 아니라 포스트펑크, 신스팝과 같은 스타일을 통해 지속되어 댄스 스타일과 신디사이저를 선호하여 기존의 록 악기 및 구조를 거부한 아티스트들과 함께 더욱 발전하게 될 것이다.[4][9][9]2010년대는 비주얼 아트를 그리는 힙합 아티스트와 현대 자본주의와 인터넷의 감성을 탐구하는 증기파 아티스트 등 새로운 아트 팝 트렌드가 발전했다.

특성.

참고 항목:아트록
추가 정보:팝 아트

아트 팝은 포스트모더니즘이 높고 낮은 문화적 경계를 허물고, 책략과 상업의 개념을 탐구한다.[12][nb 1]아트록이나 프로그레시브록이 구현한 낭만적이고 자율적인 전통과 구별하여 일상과 일회용에 대한 미학을 끌어들이면서 개인적인 표현보다 간판의 조작을 강조한다.[13][nb 2]사회학자 사이먼 프리스는 예술이 대중음악에 전용되는 것을 스타일, 몸짓, 그리고 역사적 시대와 장르의 아이러니한 사용에 특별한 관심을 가지고 있다고 구분했다.[16]문체의 특정 공급자에 대한 중심은 용어와 이미지, 과정 및 영향의 발명에 대한 선입견일 뿐만 아니라 구성과 수완의 작품으로서의 자아 관념이었다.[9][17]인디펜던트의 닉 콜먼은 다음과 같이 썼다: "아트팝은 부분적으로 태도와 스타일에 관한 것이지만 본질적으로 예술에 관한 것이다.그것은 대중적 맥락에서 순수한 형식주의를 사회적으로 받아들일 수 있게 만드는 방법이다.[18]

문화 이론가 마크 피셔는 아트 팝의 발전은 팝, 예술, 패션의 삼각관계에서 발전했다고 썼다.[9]Frith는 그것이 팝 아트에 의해 직접적으로 영감을 받은 것이라고 말한다.[2][3][nb 3]비평가 스티븐 홀든에 따르면, 아트 팝은 종종 존경받는 문화 기관보다는 상업적인 관심사에 의해 판매되는 경우가 많지만, 의도적으로 클래식 음악과 시의 형식적인 가치를 열망하는 팝 스타일을 가리킨다.[1]《인디펜던트》와 《파이낸셜 타임즈》의 작가들은 일반 대중들로부터 관객들을 멀어지게 하려는 예술 대중음악의 시도에 주목했다.[20][21]로버트 크라이스토는 1987년 '빌리지 보이스'에서 아트팝은 "공예에 대한 매혹이 미적 집착으로 변할 때까지 위아래로 소용돌이칠 때"[22]를 낳게 된다고 썼다.

문화적 배경

참고 항목:사이키델리아와 프로그레시브 음악

돌이켜 보면 더 분명해 보이는 것은...제1의 물결의 예술학교 음악가들, 단순히 보헤미안적인 태도를 취하여 진보적인 록으로 운반한 런던 지방 r&b 연주자들과 대중음악 제작에 예술 이론을 응용한 2세 사이의 구별이다.

—Simon Frith, Art into Pop (1988)[23]

예술과 대중음악의 경계가 20세기 후반에 걸쳐 점점 모호해졌다.[24]1960년대, 존 레논, 시드 배럿, 피트 타운젠드, 브라이언 에노, 브라이언 페리 같은 대중 음악가들은 이전의 예술 학교 공부로부터 영감을 받기 시작했다.[3]영국에서는 예술 학교가 "밝은 노동자 계층 아이들을 위한 전통적인 탈출 경로, 비틀즈와 그 너머와 같은 젊은 밴드들을 위한 번식지"[12]를 대표한다고 프리스는 말한다.북아메리카에서 아트 팝은 밥 딜런과 비트 세대의 영향을 받았고, 포크 음악의 싱어송라이터 운동을 통해 더욱 문학적으로 되었다.[1]진보적/예술적 록이 1970년대 초의 가장 상업적으로 성공한 영국 사운드가 되기 전에, 1960년대의 환각 운동은 예술과 상업주의를 한데 모아 대중 매체에 "예술가"라는 것이 무엇을 의미하는지 의문을 품었다.[25]진보적인 음악가들은 예술적 지위가 개인의 자율성에 달려 있다고 생각했고, 따라서 '진보적인' 록 그룹의 전략은 자신을 정상적인 팝 연습 위에 '출연자'와 '작곡자'로 내세우는 것이었다.[26]

니코(오른쪽)가 등장하는 워홀의 '폭발 플라스틱 불가피'의 멀티미디어 성능 1966.

아트 팝의 발전에 영향을 준 또 다른 주요 요소는 팝 아트 운동이었다.[1]대량생산된 상품의 미적 가치를 설명하기 위해 처음 만들어진 '팝아트'라는 용어는 현대 로큰롤 현상(엘비스 프레슬리, 초기 팝아트 아이콘 포함)[27]에 직접 적용이 가능했다.프리스에 따르면: "[팝아트]는 낭만주의의 종말을 알리는 것으로 밝혀졌고, 예술가가 없는 예술이 되었다.프로그레시브 록은 보헤미안들의 마지막 내기가 되었다...이러한 맥락에서 팝아트 이론가는 [리처드] 해밀턴이나 대중시장에 대한 모든 관심에도 불구하고 학문적 추종자로만 남아 있는 다른 영국 예술가들이 아니라 앤디 워홀이었다.워홀에게 있어서 중요한 문제는 '높음'과 '낮음' 예술의 상대적인 장점이 아니라 모든 예술과 '상거래' 사이의 관계였다."[28]워홀의 팩토리 하우스 밴드인 벨벳 언더그라운드는 워홀의 예술/팝 합성을 모방하여 단순성에 대한 그의 강조를 반영하고, 예술적 표현의 종래의 위계를 무시한 아트 록에 대한 모더니스트 아방가르드 접근법을 개척한 미국 그룹이었다.[29][nb 4]

1960년대: 오리진스

참고 항목:앨범 시대

홀든은 1960년대 중반부터 필 스펙터 같은 프로듀서와 비치 보이스의 브라이언 윌슨 같은 뮤지션들이 자신들의 팝 음반(두 미국인 모두)에 사이비-심포닉 텍스처를 접목하기 시작했을 때, 그리고 비틀즈가 현악 4중주곡으로 녹음한 첫 음반까지 아트 팝의 기원을 추적한다.[1][nb 5]작가 매튜 배니스터의 말에 따르면 윌슨과 스펙터는 둘 다 "에레미틱 스튜디오 강박증"으로 알려져 있다.스펙터는 워홀과 마찬가지로 미디어의 표면 뒤에서 그리고 아래에 있는 통제 또는 조직 원리로서 존재했다.두 사람 모두 크게 성공한 상업 예술가들, 그리고 동시에 그들 자신의 창작물에서 부재와 상연을 하고 있다."[35]작가 에릭 데이비스는 윌슨의 아트 팝을 "음악사적으로 독특하다"[36]고 했고, 공동작업자 반 다이크 팍스는 공통적이거나 진부한 소재를 '고미술'[37][nb 6] 수준으로 끌어올리는 능력을 이유로 워홀과 예술가 로이 리히텐슈타인의 동시대의 작품에 비유했다.

비틀즈, 비치 보이즈,[41] 필 스펙터, 프랭크 자파 등이 지적한 움직임으로 대중음악의 지배적인 형식은 싱글에서 앨범으로 옮겨갔고, 많은 록 밴드들은 아트록이 번창할 웅장한 예술적 진술을 하고 싶어하는 작품들을 만들어냈다.[1]음악학자 이안 잉글리스는 비틀즈의 1967년 앨범 《Sgt》의 표지 아트를 쓰고 있다. 페퍼의 Lonely Hearts Club Band는 "예술과 팝의 연관성이 명백하게 만들어지는 것에 대해 크게 책임이 있다고 여겨졌다"[42]고 말했다.병장님이시긴 하지만. 페퍼스는 '폐기물' 팝과 '심각한' 록의 경계를 허물기 시작한 몇 장의 앨범이 선행하면서 대안적인 청소년 문화에 확립된 '상업적' 목소리를 내는 데 성공했다.[43]작가 마이클 존슨은 비틀즈의 후속으로 예술 대중음악이 계속 존재할 것이라고 썼지만, 그들의 대중적 성공 수준을 달성하지 못했다.[33][nb 7]

The Who는 그들의 매니저에 의해 "최초의 팝 아트 밴드"라고 이름 붙여진 반면, 멤버 Pete Townshend는 "우리는 팝 아트 옷, 팝 아트 음악, 팝 아트 행동을 지지한다… 우리는 무대 밖에서 변하지 않는다; 우리는 팝 아트를 산다"라고 설명한다.[45]프리스는 그들의 앨범 "The Who Sell Out" (1967년 12월) "아마도 팝 아트 팝 걸작일 것이다," "The Who using the vitality of commerce" 그 자체를 사용하는 Roy Woods's The Move," 그리고 후에, Kevin Godley와 Lol Creme 10cc의 Lol Creme가 반향을 불러일으킨 전술로 간주한다.[45]타운젠드의 사상은 상업주의를 강조한 것으로 유명하다."[그의] 팝 아트 수사법 사용...음악 제작은 자기 만족의 문제가 아니라 상업적 음악 제작, 포장, 판매 및 홍보의 문제, 인기 및 스타덤의 문제 등을 가리킨다.[45]타운젠드는 1967년 5월 인터뷰에서 "파워 팝"이라는 용어를 만들어 Who, the Small Faces, the Beach Boys의 음악을 묘사했다.파워 팝은 후에 1960년대 열대지방의 재구성으로 알려진 장르로 발전했다.음악 저널리스트 폴 레스터는 이 구성 요소가 최초의 포스트모던 음악 장르 중 하나로 파워 팝을 비준할 수 있다고 주장했다.[46]

1970년대: 뉴욕 풍경과 화려함

주요기사 : 글램락
데이비드 보위, 1974년

음악 저널리스트 폴 레스터는 '포스트모던'이라는 용어가 팝 영역에 존재하기 훨씬 이전부터 10cc, 록시뮤직, 스파크스가 서로 다른 장르와 시대로부터 혼합되고 매칭되는 '예능하고 지적인 아트팝의 황금시대'를 찾는다.[11]벨벳 언더그라운드의 효과는 스투지스의 이기 팝과 같은 록 뮤지션들에게 작품에 대한 자의식을 갖게 했다.이기는 자신의 개성을 예술적인 물건으로 바꾸도록 영감을 받았고, 이는 가수 데이비드 보위에게 영향을 미치게 될 것이며, 1960년대 하드록과 1970년대 펑크를 연결하는 그룹으로서 스투게스의 역할을 하게 되었다.[10]1970년대에 비슷하게 자의식을 가진 예술/팝 커뮤니티(프리스가 이 시기의 "가장 의미 있는" 커뮤니티)가 뉴욕의 머서아트센터에 모여들기 시작했다.드러머 제리 해리슨(Talking Heads, Talking Heads)이 "벨벳 언더그라운드와 앤디 워홀과 동일시된 모든 것들로부터 시작되었다"고 설명함에 따라 학교는 한때 팩토리(Factory)에 의해 예시되었던 하이-로우 미술의 종류의 협업을 계속하도록 장려했다.[10][nb 8]

1970년대 브라이언 페리와 브라이언 에노

1970년대 초의 화려한 록 풍경은 다시 예술학교의 감성에 크게 영향을 미칠 것이다.[12]부분적으로는 비틀즈가 병장에게 다른 자아를 사용함으로써 영감을 얻었다. 페퍼의 [47]글램은 팝 문화 현상을 버리기 위해 시골풍의 의상, 연극 공연, 암시를 강조했고, 록 음악에서 등장하기 위한 가장 계획적인 시각적 현상 중 하나가 되었다.[48]보위, 록시 뮤직, 그리고 벨벳 언더그라운드 멤버였던 루 리드 같은 그것의 예술가들 중 일부는 아트 록의 현대주의자 아방가르드 지부와 관련된 연습을 계속할 것이다.[14][nb 9]

미술학교 학생이자 화가였던 [12]보위는 자신의 작품 컨셉인 '아트팝'을 워홀과 벨벳 언더그라운드의 작품과 태도에서 도출해내며 [51]시각적 프레젠테이션을 작품의 중심적인 면으로 만들었다.[52]Roxy Music은 Frith에 의해 "아치형 아트 팝 밴드"[12]로 묘사된다.프런트맨 브라이언 페리는 신시사이저 연주자 브라이언 에노가 이론가 로이 애스콧의 사이버네틱스와 예술 연구에 그림을 그리는 동안 그의 멘토인 팝아트의 선구자인 리차드 해밀턴의[48][53] 영향력을 통합했다.[54][nb 10]프리트는 페리와 보위가 "영국 팝에서 가장 중요한 영향"으로 남아 있다고 주장하면서 둘 다 "상업 예술로서의 팝"에 관심을 가졌고, 게리 글리터 같은 다른 "캠프" 행위와는 달리 글램 록을 진지하게 받아들일 예술 형태로 만들었다.이 진보적인 록을 재정립하고 미디어 명성의 측면에서 낭만주의 예술가의 사상을 되살렸다.[56]아몬드 화이트에 따르면 록시뮤직의 팝 아트 연습에 대한 참여는 "팝의 표면적인 경박함과 깊은 쾌락이 합법적이고 명령적인 추적임을 보여주었다"[17]고 한다.1973년 록시뮤직을 떠난 후 에노는 일련의 실험적인 솔로 앨범에서 아트 팝 스타일을 더욱 탐구할 것이다.[57][nb 11]남은 10년 동안 워홀의 주장을 동시대 사람들과는 다른 방향으로 전개하였고, 그 시대의 폭넓은 대중음악가들과 협력하였다.[56]

1970-80년대: 펑크 이후 개발

주요 기사:포스트펑크
참고 항목:신스팝과 뉴로맨틱

문화 이론가 마크 피셔는 1970년대 후반에 포스트 펑크, 싱스팝, 특히 독일의 전자 밴드 크래프트워크의 작품을 포함한 다양한 음악적 발전을 예술 팝 전통 안에 자리 잡고 있는 것으로 특징지었다.[59][4]그는 보위와 록시뮤직의 영국식 예술 스타일은 영국 그룹 일본의 음악과 함께 "계산된" 것이라고 말한다.[8]더 콰이머스는 1979년 일본의 앨범 Quiet Life를 1977년 《Low》에서 Bowie가 탐험한 것과 유사하게 "아주 유럽적인 형태의 분리적이고 성적으로 모호하며 사려 깊은 예술 팝"이라고 정의했다고 특징지었다.[60]Brian Eno와 John Cale은 Bowie, Talking Heads, 그리고 많은 주요 펑크 및 포스트 펑크 레코드에서 중요한 역할을 할 것이다.[56]그 펑크 움직임의 아마추어리즘에 이어post-punk 시대 미술 학교 전통 이전에 Bowie와 록시 Music,[61][4]의 고등 예술과 낮은 cultu 사이의 일반적인 차별을 거부하고 예술가 문학, 예술, 영화, 비판 이론에서 팝 음악 문화 맥락 속에 생각을 그려서 그 일에 의해 구체화된 복귀을 보았다.re.[62][63][nb 12]멀티미디어 공연과 시각 예술에 대한 강조가 보편화되었다.[63]

피셔는 1980년대의 뉴로맨틱 그룹인 그레이스 존스, 로인 머피와 같은 후속 아티스트들을 아트 팝 계통의 일부로 특징지었다.[9]그는 아트 팝의 발전은 댄스 스타일과 신디사이저를 선호하는 전통적인 록 악기들과 구조들의 거부와 관련이 있다고 언급했다.[9]Quietus는 일본, 크래프트워크, 데이비드 보위의 작품에 조형적으로 영향을 받은 잉글리시 뉴로맨틱 연기 듀란(English New Romantic Act Duran)을 "선구적 예술이 아레나 포장의 수준으로 떠오른다"고 명명해 스타일을 "바로크, 로맨틱한 탈출"로 발전시켰다.[60]비평가 사이먼 레이놀즈는 1970년대 후반과 1980년대에 상업적인 팝의 성공을 포기하지 않고 화려함, 개념주의, 혁신의 결합을 이유로 영국 가수 케이트 부시를 "아트팝의 여왕"이라고 불렀다.[67]콩코디언에 따르면, "Running Up That Hill"은 1980년대 아트 팝의 가장 독특하고 혁명적인 작품 중 하나였으며, "Darting 드럼 리듬"과 부시의 "Dogged Vocals"[66]을 포함하고 있었다.

1990년대-현재

비요르크는 2003년 허리케인 축제에서 공연을 했다.

아이슬란드 가수 비외르크는 이질적인 형태의 예술과 대중문화의 광범위한 통합으로 유명한 아트[68] 팝 공급자였다.[69]1990년대에 그녀는 아트 팝에서 가장 상업적으로 성공한 예술가가 되었다.[70]가디언의 제이슨 파라고는 2015년 비외르크를 논하면서 "미술사에서의 지난 30년은 상당 부분 협력 기업 이야기, 높은 예술과 낮은 예술 사이의 경계가 무너지고, 미디어 간의 분열이 종식되는 이야기"라고 썼다.트립 홉과 12톤을 결합한 아이슬란드 가수만큼 그 구분이 무의미하게 느껴지고, 그 두 가지가 모두 사라지기 직전 MTV에 아방가드를 데려온 문화인은 거의 없다."[71]

웨스트의 예저스 투어는 포브스가 "현재 대중문화 현상으로는 '아트팝'이라고 가장 잘 묘사하고 있다.'"[72]

NPR의 배리 월터스에 따르면, 1990년대 랩 그룹 P.M. 던은 처음에는 힙합 팬들에 의해 "너무 부드럽고, 잡음이 많고, 광범위하다"고 일축했지만, 결국 드레이크나 카니예 웨스트와 같은 아티스트들의 작품 활동을 위한 발판을 마련하게 되는 "칼리도코픽 아트팝" 스타일을 개발했다고 한다.[73]2013년 스핀은 웨스트가 이끄는 현대음악에서 뮤지션들이 창작탐구는 물론 부와 사치의 상징으로 비주얼 아트를 그리는 '새로운 아트팝 시대'를 주목했다.[74]팩트는 웨스트의 2008년 앨범 808s & Heartbreak를 후속 힙합 음악에 실질적인 영향을 미칠 "아트팝 걸작"으로 규정하고, 현대적인 자기 확대와 허세를 넘어 스타일을 확장시켰다.[75]뉴욕타임스의 존 카라마니카는 웨스트의 "생각에 가득 찬 웅장한 스케일의" 작품들을 "중산층 가치관이든 하이패션과 하이아트의 꿈이든 홉의 관문을 넓힌 것"[76]이라고 묘사했다.

그라임스, 줄리아 홀터, FKA 잔가지 등 '매력, 개념주의, 혁신과 자율성'을 갖춘 현대 여성 예술가들은 케이트 부시 전통에서 활동하는 것으로 자주 묘사된다.[67]그래임즈는 몬트리올 가제트에 의해 "아트팝 현상"으로 묘사되고 있으며, 그녀의 성공에 있어 인터넷과 디지털 플랫폼의 역할에 특히 관심이 쏠렸다.[77]

더미를 위한 2012년 작품에서, 비평가 아담 하퍼는 현대 자본주의의 요소들과 모호한 결합으로 특징지어지는 현대 예술 팝의 가속주의 시대정신을 묘사했다.[5]그는 인터넷 기반 장르 증기파를 제임스 페라로, 다니엘 로파틴과[78][79] 같은 언더그라운드 아트팝 뮤지션으로 구성하며 "21세기 초자본주의의 가장 희미한 예술적 감성을 탐구한다"고 언급한다.[5]이 장면과 관련된 예술가들은 온라인 가명을 통해 기업 분위기 음악, 라운지 음악, 뮤작과 같은 가상성과 합성 1990년대 소스에 대한 아이디어를 도출하면서 음악을 발매할 수 있다.[5]

예술가 목록

주요 기사:대중음악가 목록

메모들

  1. ^ "포스트모더니즘이 높고 낮은 문화적 경계의 붕괴를 의미한다면, 그것은 또한 이 역사적 신화의 종말을 의미하기도 하고, 음악이 의미하는 바를 사회학적으로 읽게 하고, 진정성과 계략에 대한 그들만의 이야기를 들려주기도 한다."[7]
  2. ^ 역사적으로, "아트 록"은 적어도 두 종류의 관련이 있지만 뚜렷한 락 음악을 묘사하기 위해 사용되어 왔다.[14]첫 번째는 프로그레시브 록(progressive rock)이고, 두 번째 용어는 벨벳 언더그라운드가 정의한 현대주의자 아방가르드식 접근법에 찬성하여 사이키델리아와 히피 반문화(hipie counterculture)를 거부한 집단을 가리킨다.[14]1970년대의 록 음악에서, "예술" 설명자는 일반적으로 "공격적으로 전위적인" 또는 "예상적으로 진보적인"을 의미하는 것으로 이해되었다.[15]
  3. ^ 음악학자 앨런 무어는 "팝 음악"이라는 용어 자체가 팝 아트로부터 유래했을지도 모른다고 추측한다.[19]
  4. ^ 1960년대 중반 벨벳 언더그라운드가 처음 등장했을 때 이들은 거절을 당했고 흔히 '페이그' 밴드로 불렸다.[30]
  5. ^ 윌슨과 비틀즈의 프로듀서 조지 마틴은 그들의 영향력 있는 작품을 통해 작곡 과정에 도움을 줄 수 있는 창조적인 환경으로서 녹음 스튜디오에 대한 생각을 퍼뜨렸다.[32]작가 마이클 존슨은 비치 보이즈의 펫 사운드(1966년)와 비틀즈의 병장(1966년)을 인정한다. 로큰롤의 "어센션"을 최초로 문서화한 페퍼의 론리 하트 클럽 밴드(1967)이다.[33]스펙터는 또한 기자 리차드 윌리엄스로부터 록 음악을 공연 예술로서 "아트 록의 길을 열어준" 녹음 스튜디오에서만 존재할 수 있는 예술로 변형시킨 공로를 인정받았다.[34]
  6. ^ 전기 작가 피터 에임스 칼린의 말에 따르면 비치 보이즈는 사실상 문화적 아방가르드와 단절되어 있었다. 그는 윌슨을 제외하고는 "당신이 아이디어의 세계라고 부를 만한 것에 대해 분별력 있는 관심을 보이지 않았다"[38]고 결론지었다.1966~67년 윌슨이 구상하고 녹음한 미공개 미소는 '위대한 아트 팝 앨범'[39]과 그 시대의 '유명적인 사이키델릭 팝 아트 성명'을 만들려는 시도로 묘사되어 왔다.[40]
  7. ^ 프리스는 앨범의 정교한 디자인을 "지하 언론을 읽는 것"에 비유했다.[그 기술]은 항상 '대중' 대중 관객과의 차이점을 중심으로 구성되었다.아트 록은 모든 층에서 '상급'했다……. 필라테스인들은 멀리해야 했다."그는 또한 Zappa가 Mothers of Industrial의 1968년 앨범 We're Only in the Money의 표지로 대중 상업주의 이슈를 표적으로 삼았다고 언급하고 있는데, 이 앨범은 Sgt의 표지를 패러디한 것이다. 후추.[44]
  8. ^ 이 센터의 다른 학생들은 로리 앤더슨, 자살의 앨런 베가, 블론디의 크리스 스타인이었다.[10]
  9. ^ 학자 필립 아우스랜더는 브릴 빌딩과 스펙터의 소리벽과 같은 오래된 음악 스타일을 불분명하게 약탈한 예술가들과의 패턴을 주목했다.[49]프로듀서 토니 비스코티는 1970년에 그와 보위, 그리고 T를 기억한다. 렉스의 마크 볼란은 "Beach Boys 앨범과 Phil Spector 앨범을 들으면서 우리가 Beach Boys를 사랑했다는 공통점이 있다"[50]고 말했다.
  10. ^ 에노의 초기 음악적 영향력은 존 케이지의 불변성, 라 몬테 영의 미니멀리즘, 벨벳 언더그라운드 같은 고전적인 아방가르드로부터의 아이디어였다. 특히 밴드의 존 케일.[55]
  11. ^ 에노의 1970년대 작품은 음악학자 레이 랜디가 "자신만의 실험 팝 부문을 만들면서 실험적인 부분의 발전을 응용했다"는 팝 뮤지션의 전형적인 사례로 인용하고 있다.[58]
  12. ^ 다양한 포스트 펑크 예술가들에게 영향을 준 주요 요소들 중에는 윌리엄 S와 같은 포스트모던 소설가들이 있었다. 버로우스와 J.G.발라드, 그리고 상황주의, 다다와 같은 전위적인 정치 운동.[64]또한, 일부 지역에서는 포스트 펑크 음악의 창조가 효율적 하위 문화의 발달과 밀접하게 연관되어 있으며, 이는 음악과 관련된 예술, 멀티미디어 공연, 팬진의 제작에 중요한 역할을 했다.사이먼 레이놀즈는 "음악가들 너머에는 레이블을 시작하고, 밴드를 관리하고, 혁신적인 프로듀서가 되고, 팬진을 출판하고, 힙스터 레코드 가게를 운영하고, 긱스를 홍보하고, 축제를 조직한 촉매제와 문화 전사들, 이데올로기들이 총동원되어 있었다"고 언급했다.[65]

참조

  1. ^ a b c d e f g h i Holden, Stephen (February 28, 1999). "MUSIC; They're Recording, but Are They Artists?". The New York Times. Retrieved July 17, 2013.
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  4. ^ a b c d e Fisher, Mark (2010). "You Remind Me of Gold: Dialogue with Simon Reynolds". Kaleidoscope (9).
  5. ^ a b c d Harper, Adam (December 7, 2012). "Comment: Vaporwave and the pop-art of the virtual plaza". Dummy. Retrieved February 8, 2014.
  6. ^ a b 1989년 116, 208페이지.
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참고 문헌 목록

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